Academic literature on the topic 'REESCRITURA DE UN MITO'

En este trabajo se desarrolla un análisis comparativo del drama Polifemo y las peras del olmo, de Horacio Rega Molina, con las fuentes clásicas del mito de Polifemo: la Odiseahomérica, El cíclopede Eurípides, los Idiliosde Teócrito, la Eneidavirgiliana, las Metamorfosisde Ovidio, y la Fábula de Polifemo y Galateade Luis de Góngora y Argote. El autor argentino ha realizado una reescritura del mito mediante la fusión de las fuentes y ha desarrollado la acción ubicándola en la llanura argentina en la primera mitad del siglo XX. Ha conservado los caracteres generales de los personajes centrales del mito: Polifemo, Odiseo / Ulises, y Galatea, pero ha descripto una evolución en ellos para mostrar de qué modo en la Argentina se han mezclado las razas para generar al típico criollo.

Analizamos la reescritura del mito de Medusa, el monstruo de mirada letal que transformaba en piedra a quien le miraba a los ojos, que emprende Ricardo Menéndez Salmón en esta novela homónima, que aúna la lucidez el ensayo y la belleza del poeta (Seix Barral, 2012). Desentrañamos la reescritura del mito clásico a través de la representación iconográfica de la maldad, el horror y la sevicia que vertebran el siglo XX y emprendemos la reflexión filosófica sobre la atrocidad que despierta el monstruo, cuando este se halla en el interior del hombre, en un mundo teñido de sombras y de intertextualidades.

El presente artículo es una aproximación desde la perspectiva hermenéutica al poemario Anahit (1968), del poeta español Juan Eduardo Cirlot. Esta obra constituye una interpretación libre de la figura de una antigua diosa armenia para poner cada uno de sus rasgos al servicio del particular mundo poético del autor. En la primera parte del trabajo se desarrolla una reconstrucción del conjunto de mitemas que se agrupan en torno de la diosa Anahit, mientras que en la segunda parte se realiza un análisis hermenéutico de cómo se recogen, modifican y reestructuran tales rasgos en el poemario de Cirlot.

El mito de Edipo es un relato heroico cuyo argumento gira en torno al Destino y al poder. Configurado en Época Micénica (siglos XVIII-XII a. C.), este mito ha marcado fuertemente la producción dramática. De hecho, su argumento se encuentra a la base de una de las mayores tragedias: el Edipo rey de Sófocles (430 a. C.). Drama representativo de la tragedia griega, la obra maestra de Sófocles es el punto de referencia de toda obra que desarrolle el fatídico gobierno del héroe tebano; Destino y política están entonces en el centro de la construcción dramática. En este marco temático, el Œdipe de Pierre Corneille, escrito en 1659, es una adaptación del argumento griego al contexto monárquico del siglo XVII. Este trabajo explora el Œdipe corneliano para analizar las transformaciones hipertextuales más importantes que dan a la obra una perspectiva contextual. De hecho, el Œdipe de Corneille es un drama donde el argumento sofocleo es revalorado de acuerdo con el air du temps de la producción clásica francesa.

Uno de los episodios más conocidos de la conquista de la Nueva España es el del encuentro de Cortés con Jerónimo de Aguilar y el desencuentro con Gonzalo Guerrero, del que se tienen pocas noticias. La insólita actitud de Gonzalo Guerrero se convierte en un paradigma de la elaboración de un personaje y de la reescritura de la historia “oficial” en las últimas décadas. Si en la historiografía indiana Guerrero es idólatra y traidor, a partir de la década de los 70 asistimos en México a la transformación del escurridizo Gonzalo Guerrero en un mito, en un “icono cultural”, en padre del mestizaje. Este trabajo considera las distintas posibilidades de relación del español con los indios, expuestas en las narraciones de Aguirre, González-Blanco Garrido, Villa Roiz, Meza y Fuentes.

Contraviniendo el mito del pícaro estudiado por Claudio Guillén, el narrador asturiano Rafael Reig reafirma su propuesta literaria rindiendo tributo a los géneros populares, particularmente a la picaresca, a través de su novela Para morir iguales (2018). En esta, el camino recorrido por el protagonista suscribe varios de los elementos esenciales del género clásico de los Siglos de Oro, pero, a través de un movimiento paradójico propio de la posmodernidad, niega y reescribe otros, destacándose como móvil narrativo un regreso imposible a la infancia, entendida como única vía de redención del héroe. Se llevará a cabo de este modo una picaresca que tiene como punto de partida la última etapa del franquismo, una infancia de penurias en la Sagrada Familia y la orfandad por muerte y prisión de los padres del personaje principal a causa de una acción guerrillera. No obstante, los recuerdos de su primera juventud parecen dar luz de esperanza a una de las épocas más oscuras de la España contemporánea. Nos encontramos ante un nuevo pícaro, uno que procura el retorno a esa infancia de miseria, por considerarla la única etapa verdadera de su vida, su único mundo posible (a la vez que utópico), en términos de Lubomír Doležel.

<p>El padecimiento de la enfermedad ha desempeñado un papel significativo en la vida y en la creación de numerosos artistas. Este estudio documental se centra en los casos de Tàpies, Saura y Millares para, a través de su pintura y sus propios escritos, reflexionar sobre la construcción de la identidad artística como reflejo de acontecimientos vitales. La reescritura del cuerpo que une sus obras habla de dolores personales a la vez que universales, y la consideración de la experiencia de la enfermedad oscila entre el trance superado y enriquecedor para el espíritu (Saura y Tàpies) y la angustia vital incurable (Millares), de ahí que sus relatos personales puedan en el primer extremo mitificar la enfermedad y en el segundo hacer de ella una amenaza constante.</p><p>Palabras clave: enfermedad, pintura, identidad, cuerpo.</p>

Los Comentarios Reales del Inca Garcilaso de la Vega ofrece una narrativa alterna de la historia del Perú y del imperio incaico antes y durante la conquista. Para justificar su concepto de verdad, Garcilaso emplea herramientas retóricas que le permiten servirse de la escritura española y la oralidad quechua. A partir de la reescritura de historias de los cronistas españoles, las cuales defino como mitos y no fábulas, Garcilaso cuestiona la veracidad de esas crónicas y corrige la historia que proponen sobre el incario. Exploro cómo Garcilaso y su retórica edifican los cimientos de la historia de los Incas, justificándose en la autoridad que le brindan el discurso oral y sus conocimientos de los mitos incaicos. Los Comentarios Reales no serían “la más perfecta síntesis entre historia y ficción” (Arias Carbone), sino una continua negociación entre la autoridad de la historia y una ficción referida como fábula. El proyecto de Garcilaso fue historizar el imaginario incaico y establecer un mito fundacional incaico.

La primera alusión a la historia del banquete de Herodes, donde Juan el Bautista fue decapitado y su cabeza entregada a la princesa Salomé a modo de recompensa por la interpretación de un magnífico baile, la encontramos en los Evangelios de Mateo, Marcos y Lucas. A través de los siglos, el breve relato fue objeto de múltiples y variadas reelaboraciones, desde el siglo I d. C. hasta nuestros días. La historia de la joven princesa Salomé comenzó su formación como mito literario a partir de 1841 con la publicación de la obra Atta Troll de Heinrich Heine; posteriormente siguió su expansión en los círculos literarios franceses con la inconclusa Hérodiade de Stéphane Mallarmé, la cual se convirtió en una fuente marcada de inspiración para los célebres cuadros Salomé danzante (1874-1876) y La aparición (1876) de Gustave Moreau, en donde la reescritura de la vieja historia bíblica se reviste de una nueva y compleja simbología. El presente artículo se centra específicamente en el análisis de la construcción simbolista del tema-personaje de Salomé en las obras mencionadas, una literaria y una secuencia pictórica, en las cuales se pueden identificar vínculos intertextuales y cuyo objetivo en común es la construcción de un personaje que, más allá de representar la típica imagen de la mujer fatal, se transforma en una encarnación del arte mismo.

<p class="Normal1">En el intento por construir su identidad, cada cultura apela a elementos propios y ajenos, tratando de generar representaciones de sí misma. En el caso de la cultura argentina, entre los elementos no propios se encuentran los que pertenecen a la cultura grecolatina, entre ellos el sistema literario, en el que centramos nuestra mirada. Con diversas finalidades, los autores se apropian de los textos clásicos grecolatinos reelaborándolos y resignificándolos. En este trabajo nos centramos en una reescritura de <em>Antígona</em> de Sofócles: <em>Antígonas: linaje de hembras</em> de Jorge Huertas, dramaturgo argentino contemporáneo, para analizar las relaciones y los enfrentamientos que se gestan en torno al uso/abuso del poder. El traslado de la tragedia griega a la Argentina contemporánea permite tratar una problemática de vieja raigambre, el tema del poder y las relaciones que en torno a él se entablan, con nuevas miradas. Así, la apropiación y recreación de un texto clásico permite ensayar nuevos modos de decir la realidad, siempre compleja y múltiple, dando cuenta del aporte del mundo antiguo al <em>corpus</em> cultural occidental, en general, y argentino, en particular.</p>

La tesi s'ha proposat analitzar les transformacions del mite de Don Joan en la narrativa, el teatre i el cinema espanyol entre els anys seixanta del segle XX i l'actualitat, amb la finalitat de perfilar les múltiples identitats que el personatge literari i, per tant, el relat mític ha assumit en el nostre temps. Així, doncs, beneficiant de les eines proporcionades per la crítica intertextual, els estudis intergenèrics i els de mitecrítica, s'ha reconstruït la història del mite de Don Joan respecte tant als seus orígens com a la seva evolució fins a l'actualitat. Centrant-nos en la producció artística més recent en llengua espanyola, hem detectat, en aquest primer i provisional intent de sistematització, un corpus de catorze obres que hem agrupat en cinc línies temàtiques i formals, que es descriuen a continuació. En primer lloc, en l'àmbit de les reescriptures del mite en l'exili republicà espanyol, després de presentar un panorama de les obres dramàtiques i de pensament que van aparèixer en l'època, ens hem detingut en el text teatral Don Juan en la mancebía (1968), de Ramón J. Sender, i en el de José Ricardo Morales titulat Ardor con ardor se apaga (1987). Tots dos autors proposen una reflexió crítica tant de la seva condició d'exiliats com de la societat espanyola del seu temps, alhora que subratllen el caràcter llibertari de l'heroi, facilitant també la recuperació del paper de la dona en el procés de seducció. La segona línia correspon a les reescriptures de caràcter metaficcional. Les obres en les quals hem centrat la nostra atenció són els drames D.J. (1987), de Jerónimo López Mozo, i La sombra del Tenorio (1994), de José Luis Alonso de Santos, així com les pel·lícules Don Juan, mi querido fantasma (1990), de Antonio Mercero, i Io, Don Giovanni (2009), de Carlos Saura. Totes elles parteixen del mite de Don Joan per a desenvolupar un discurs autoreflexiu basat en les diferents fórmules de la myse en abyme. Una altra tendència que hem individuat tendeix a subratllar el caràcter reflexiu i introspectiu de Don Joan. En efecte, en el drama Don Juan último (1992), de Vicente Molina Foix, en el conte de Paloma Díaz-Mas titulat «La visita del comendador» (2008), i en la novel·la Cartas de un jubilado (2010), de Tomás Segovia, els seus autors s'endinsen no sols en l'ànim del protagonista, sinó també en el d'altres personatges, a vegades aliens al relat mític, als quals se'ls permet exterioritzar els seus pensaments. En el quart grup convergeixen aquelles obres que tendeixen a transposar el tret de seductor de Don Joan als personatges femenins. En aquest marc temàtic hem analitzat els drames La vil seducción (1967), de Juan José Alonso Millán, una versió sobretot còmica del mite, i d.juan@simetrico.es (La burladora de Sevilla y el Tenorio del siglo XXI) (2008), de Jesús Campos García, al qual l'autor aconsegueix modernitzar el relat mític, al mateix temps que preserva tots els patrons que el constitueixen. Finalment, s'han analitzat aquelles reescriptures del mite que tenen un caràcter experimental que dificulta la seva agrupació dins d'una línia temàtica específica. A aquesta categoria pertany el drama de Luis Riaza titulat Representación del Don Juan Tenorio por el carro de las meretrices ambulantes (1973), així com la novel·la Larva / Babel de una noche de San Juan (1983), de Julián Ríos, i la pel·lícula Don Juan en los infiernos (1991), de Gonzalo Suárez. La tesi s'enriqueix d'una enquesta final realitzada a alguns dels autors, les obres dels quals han estat objecte d'aquest estudi, així com d'alguns documents gràfics significatius.<br>La tesis se ha propuesto analizar las transformaciones del mito de Don Juan en la narrativa, el teatro y el cine español entre los años sesenta del siglo XX y la actualidad, con el fin de perfilar las múltiples identidades que el personaje literario y, por ende, el relato mítico ha asumido en nuestro tiempo. Así, pues, beneficiando de las herramientas proporcionadas por la crítica intertextual, los estudios intergenéricos y los de mitocrítica, se ha reconstruido la historia del mito de Don Juan respecto tanto a sus orígenes como a su evolución hasta la actualidad. Centrándonos en la producción artística más reciente en lengua española, hemos detectado, en este primer y provisional intento de sistematización, un corpus de catorce obras que hemos agrupado en cinco líneas temáticas y formales, que se describen a continuación. En primer lugar, en el ámbito de las reescrituras del mito en el exilio republicano español, tras presentar un panorama de las obras dramáticas y de pensamiento que aparecieron en la época, nos hemos detenido en el texto teatral Don Juan en la mancebía (1968), de Ramón J. Sender, y en el de José Ricardo Morales titulado Ardor con ardor se apaga (1987). Ambos autores proponen una reflexión crítica tanto de su condición de exiliados como de la sociedad española de su tiempo, a la vez que subrayan el carácter libertario del héroe, facilitando, además, la recuperación del papel de la mujer en el proceso de seducción. La segunda línea corresponde a las reescrituras de carácter metaficcional. Las obras en las que hemos centrado nuestra atención son los dramas D.J. (1987), de Jerónimo López Mozo, y La sombra del Tenorio (1994), de José Luis Alonso de Santos, así como las películas Don Juan, mi querido fantasma (1990), de Antonio Mercero, e Io, Don Giovanni (2009), de Carlos Saura. Todas ellas parten del mito de Don Juan para desarrollar un discurso autorreflexivo basado en las distintas fórmulas de la myse en abyme. Otra tendencia que hemos individuado tiende a subrayar el carácter reflexivo e introspectivo de Don Juan. En efecto, en el drama Don Juan último (1992), de Vicente Molina Foix, en el cuento de Paloma Díaz-Mas titulado «La visita del comendador» (2008), y en la novela Cartas de un jubilado (2010), de Tomás Segovia, sus autores se adentran no solo en el ánimo del protagonista, sino también en el de otros personajes, a veces ajenos al relato mítico, a los cuales se les permite exteriorizar sus pensamientos. En el cuarto grupo convergen aquellas obras que tienden a trasponer el rasgo de seductor de Don Juan a los personajes femeninos. En este marco temático hemos analizado los dramas La vil seducción (1967), de Juan José Alonso Millán, una versión sobre todo cómica del mito, y d.juan@simetrico.es (La burladora de Sevilla y el Tenorio del siglo XXI) (2008), de Jesús Campos García, en el cual el autor consigue modernizar el relato mítico, al tiempo que preserva todos los patrones que lo constituyen. Por último, se han analizado aquellas reescrituras del mito cuyo carácter experimental dificulta su agrupación dentro de una línea temática específica. A esta categoría pertenece el drama de Luis Riaza titulado Representación del Don Juan Tenorio por el carro de las meretrices ambulantes (1973), así como la novela Larva / Babel de una noche de San Juan (1983), de Julián Ríos, y la película Don Juan en los infiernos (1991), de Gonzalo Suárez. La tesis se enriquece de una encuesta final realizada a algunos de los autores cuyas obras han sido objeto de este estudio, así como de algunos documentos gráficos significativos.<br>This research work aims to study the transformations and reconstruction of the myth of Don Juan in Spanish literature, theatre and cinema from the 1960s up to the present, analyzing and systematizing these transformations in the context of current cultural trends. The study, based on an interdisciplinary, as well as an intertextual and a myth-critical approach, reconstructs the path of the myth from the beginning up to nowadays, focusing on the most recent rewritings, some of whom little known and in general not yet studied sufficiently, which in turn reflect the cultural circumstances of our day. By analyzing the extensive corpus of the new works –eight dramas, three movies, two novels and a short story– it was possible to trace five thematic and formal lines, to each of which is dedicated a chapter. We therefore shift from the rewritings of the myth in the last years of the Spanish republican exile, in particular by analyzing the dramas Don Juan en la mancebía (1968), by Ramón J. Sender and José Ricardo Morales’ Ardor con ardor se apaga (1987). In general, these texts emphasize the transgressive and libertarian personality of the protagonist, giving his events a decidedly political value; leading to the versions in which the metafictional construction stands out, such as the plays D.J. (1987), by Jerónimo López Mozo and José Luis Alonso de Santos’ La sombra del Tenorio (1994), as well as the movies Don Juan, mi querido fantasma (1990), by Antonio Mercero and Io, Don Giovanni (2009), by Carlos Saura. We also explore those works where an introspective and self-reflective nature is offered, such as Vicente Molina Foix’s drama Don Juan último (1992), as well as Paloma Díaz-Mas’ short story titled «La visita del comendador» (2008), and Tomás Segovia’s novel Cartas de un jubilado (2010). Finally, the last two chapters respectively focus on dramas in which the seducer who takes on the characters of the mythical protagonist is female, as it occurs in Juan José Alonso Millán’s La vil seducción (1967), and in Jesús Campos García’s d.juan@simetrico.es (La burladora de Sevilla y el Tenorio del siglo XXI) (2008), and on the experimental rewritings which are difficult to classify, such as Luis Riaza’s drama Representación del Don Juan Tenorio por el carro de las meretrices ambulantes (1973), Julián Ríos’ novel Larva / Babel de una noche de San Juan (1983), and Gonzalo Suárez’s movie Don Juan en los infiernos (1991). The thesis is enriched by an appendix in which we present the interviews to some of the authors whose works have been the subject of our study, as well as the contribution of some and representative images related to the works that have been analysed in our study.

Informe de Seminario para optar al grado de Licenciado en Historia.<br>El objetivo que perseguimos en la presente tesis, es intentar demostrar la existencia de un mito que nace de la lucha desplegada por el movimiento Mau Mau de Kenya, en contra de la administración colonial. Paradojalmente, en este movimiento de liberación parecen interactuar dos mitos que surgen de la realidad socio cultural del país. Uno de ellos nace desde la propaganda ejercida por la autoridad colonial -y nativos que la apoyan-, temerosa de perder sus prerrogativas y que por lo mismo busca destacar los aspectos más negativos del grupo, postura que se mantendrá, por razones similares, con los gobiernos post independentistas.

Este trabajo quiere celebrar el cincuenta aniversario del estreno del filme Sergeant Rutledge (El Sargento negro), mostrando cómo se desarrollan las relaciones interpersonales en esta película. Estudia la ontología y la gnoseología del filme, para comprender por qué John Ford es un auténtico poeta clásico desde la perspectiva de Platón y Aristóteles. Además la película es un verdadero mito filosófico, constructor y transmisor de aquello que Aristóteles llama en la Poética (1451b) "lo universal". Por último, esta obra de Ford es crucial como vehículo de una tesis antirracista e integradora de los afroamericanos, en el contexto de sus luchas por los derechos civiles en Estados Unidos en la década de los cincuenta y sesenta del siglo XX.<br>The author of this article wishes to celebrate the 50th anniversary of the première of Sergeant Rutledge, showing how interpersonal relation ships are developed in this film. He studies the ontology and gnoseology of the film, to understand how John Ford is a real classical poet from the perspective of Plato and Aristotle. The film is also a true philosophical myth which builds and transmits the so-called Poetics of Aristotle (1451b), "the Universal". This work of Ford is essential as a vehicle of an anti-racist and integrating view of Afro-Americans in USA, in the context of the civil right's figths of 50' and 60' decades of XX century.

La presente tesis realiza un estudio sobre la reescritura del mito griego en el teatro contemporáneo. El centro de la atención es la reescritura de la Orestíada, la tragedia esquilea en la que se representa el paso de una sociedad arcaica y violenta a una democrática, donde, sin embargo, el matricida queda impune. A lo largo de la historia cultural europea la Orestíada ha representado un importante modelo teatral así como un núcleo para reflexionar sobre el nexo entre tragedia, política y rito. Reescribir el mito significa deconstruir el imaginario y trabajar sobre las representaciones presentes en el canon occidental que ha desarrollado una función normativa. En la primera parte de esta tesis, se propone un recorrido teórico y propedéutico alrededor de tres núcleos: una aproximación a la Orestíada a lo largo de la historia cultural; un análisis detallado de los conceptos de intertextualidad y reescritura a partir de las teorías literarias y teatrales; una descripción panorámica de las distintas tendencias estéticas y culturales presentes en el teatro contemporáneo (las tendencias postmodernas y posdramáticas y las conexiones con lo intercultural y postcolonial y el género). En la segunda parte se analizan cuatro reescrituras contemporáneas de diferentes países: Orestea. Una Commedia Organica? de Romeo Castellucci y la Socìetas Raffaello Sanzio, (Italia, 1995); Orestea ex machina de Mapa Teatro (Colombia,1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos de Rodrigo García y la Carnicería Teatro (España, 2003); Molora de Yael Farber y la Farber Foundry (Sudáfrica, 2003). El objetivo es analizar la reescritura de la Orestíada dentro y fuera de Europa y observar cómo el contexto histórico, político y cultural influye en la reescritura. Por una parte, el análisis de las obras desarrolla los vínculos entre los sistemas escénicos de representación y los contextos histórico-culturales específicos. Por otra, se apoya en la reconstrucción de la estética de cada compañía y de las estrategias de re-apropiación del mito clásico. La investigación toma como eje vertebrador el teatro actual como espacio cultural y artístico propicio para replantear una reflexión sobre la relación entre el mito griego, lo político y lo ritual en la contemporaneidad. La perspectiva teórica es interdisciplinar y entrecruza varios discursos presentes en la contemporaneidad: artes escénicas, teoría del teatro y de la literatura, semiótica, estudios de género y postcoloniales. Dentro de este marco, la reescritura constituye un complejo laboratorio para trabajar sobre la dialéctica pasado/presente y, también, nosotros/los otros.<br>This thesis presents a study on the rewriting of Greek myth in contemporary theatre and, in particular, analyzes the rewriting of the Oresteia in different countries. The Aeschylus’ trilogy is concerned with the transition from a violent society to a democratic one. Nevertheless, the resulting democracy is not a fair one because it is based on impunity: Orestes is absolved. Within the European cultural history, the Oresteia represents an important theatrical model as well as an interesting topic to re-interpret the relationship between tragedy, politics and ritual. Re-writing the myth entails deconstructing the stereotypes and working through the western canon, which involves a normative connotation. In the first part of my dissertation, I examine three clusters: the myth of the Oresteia; the topics of “intertextuality” and “rewriting” from a literary and theatrical perspective; the description of the different trends in contemporary theatre (postmodern and post-dramatic movements and the connections with intercultural, postcolonial and gender studies). In the second part of the dissertation, I examine four rewritings of the Oresteia: Orestea. Una Commedia Organica? by Romeo Castellucci and the Socìetas Raffaello Sanzio (Italy, 1995); Orestea ex machina by Mapa Teatro 1995 (Colombia, 1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos by Rodrigo García and the Carnicería teatro (Spain, 2003); Molora by Yael Farber and the Farber Foundry (South Africa, 2003). The main purpose is to approach the “rewriting” of Greek myth in contemporary theatre from an interdisciplinary and theoretical perspective as well as to analyze the connections between the historical and political contexts and the texts. On the one hand, the thesis analyzes the relationship between theatrical strategies and specific historic-cultural contexts. On the other hand, the purpose is to reconstruct the aesthetics of the performances and the different models of reappropriation of the Greek myth. In my thesis, I consider theatre as a cultural tool which contributes to the survival of Greek culture intertwining political and ritual aspects. In this respect, the “re-writing” is like a huge laboratory, where it is possible to explore the borders between classic and contemporary representations of us/the others.

El trabajo analiza la significación de los mitos en la obra platónica partiendo del uso del término en los diálogos y lo compara con la utilización de logos. Se distinguen las diferentes formas en las que se utiliza el término para delimitar un uso propiamente platónico. En esa forma, el mito no se opone al logos escrito. --- Myth in Plato. Some Reflections on a Recurrent Issue”. The paper analyzes the signification of myths in the Platonic work starting from the use of the term in the dialogues and comparing it with the use of the term logos. The different ways in which the term is used are distinguished in order to delimitate a properly Platonic use. In that way, myth does not oppose written logos.

La presente investigación buscará fundamentar, a partir de un análisis del Menón, la importancia que habrían tenido los elementos religiosos y mitológicos en la concepción que Platón, autor del mencionado diálogo, habría tenido de la filosofía. Para ello, se procederá a presentar brevemente los problemas envueltos en la ubicación del Menón dentro del corpus del filósofo en cuestión. Tras concluir que este, desde distintos ángulos, puede ser considerado como un diálogo de transición, procederemos a echar mano precisamente de esta particularidad para sostener que en él pueden verse reflejados ángulos que van más allá de lo que contemporáneamente denominaríamos “racional”. De esta forma, mostraremos que, aun cuando los aspectos vinculados con la religiosidad y los mitos puedan recibir un sustento lógico a partir de lo expuesto en otros textos platónicos, aquellos no pueden reducirse a este ni ser excluidos sin correr el riesgo de romper el marco filosófico a través del cual Platón habría entendido la actividad filosófica misma.

Informe de Seminario de grado para optar al grado de Licenciado en Historia<br>Pues bien, en lo sucesivo, abordaremos la relación existente entre héroe y justicia dentro del relato mitológico presente en las tragedias de Esquilo (La Orestíada y Prometeo encadenado) y el evangelio según Juan (La Pasión de Cristo), dando cuenta de las funciones del héroe existentes en cada caso, para finalmente establecer las similitudes y diferencias en un cuadro comparativo. Para esto partiremos con algunas consideraciones teóricas y metodológicas fundamentales, con el fin de precisar lo mejor posible cada concepto utilizado en el trabajo. Se desarrollará lo concerniente a lo que entenderemos como mito, mitología y héroe.

El objetivo de este trabajo fue identificar la frecuencia del síndrome del niño maltratado en un hospital privado. Se revisaron los ingresos a Urgencias Pediátricas del Hospital Betania en Puebla, México, en el periodo comprendido entre enero de 2010 y abril de 2011. Las variables consideradas fueron: edad y género, tipo de maltrato, agresor, lesiones encontradas y evolución. Se identificaron 43 casos de maltrato, con mayor proporción de afectados del sexo femenino; la edad promedio fue de 2.87 años. Con mayor frecuencia los agresores fueron los cuidadores (sin incluir familiares directos) y entre las lesiones más comunes se encontraron el traumatismo craneoencefálico y quemaduras. El síndrome del niño maltratado es una realidad que puede observarse en cualquier ambiente socioeconómico. Una vez confirmado, es obligatoria la denuncia. Palabras clave: síndrome del niño maltratado, hospital privado, lesiones, agresor, realidad, denuncia. Abstract The aim of this study was to identify the frequency of child abuse in a private hospital. Pediatric Emergency Department admissions at Hospital Betania in Puebla, Mexico, were reviewed between January 2010 and April 2011. The variables considered were: age and gender of the victims, type of abuse, aggressor, lesions found and evolution. We identified 43 cases of abuse, females were higher in proportion, mean age was 2.87 years. Most often the aggressors were tutors (direct relatives not included) and among the most common injuries found were head injuries and burns. Child abuse is a fact that can occur in any socioeconomic background. Once confirmed, it is obliged to be reported. Keywords: child abuse, private hospital, injury, agressor, fact, report.

The essay resumes, with new historical sources, the research concerning the biography of the Sienese Jesuat Giorgio Luti, the prophecy of 1491 attributed to him and the exegetical evolution of this text in the Modern Age, published in Giorgio Luti da Siena a Lucca. Il viaggio di un mito fra Umanesimo e Controriforma, Siena, Accademia degli Intronati (Monografie di storia e letteratura senese, XV) 2008. The essay is divided into two parts. The first is a study of historical sources on Giorgio Luti in the Venetian area. The second part is dedicated to the study of historians from Lucca who lived between the XVI and XVIII centuries: Gherardo Sergiusti, Giovanni Cividale, Giuseppe Bonafede and Giovanni Domenico Mansi. They paid attention to the content of the Sienese prophecy for the description about wars and devastation of the Towers of Lucca, the conversion of Islamic peoples to Christianity, thanks to a company of Lucca men and women, attributing a meaning of political pacification and religious palingenesis. Overall, however, the evolution of the myth about Giorgio Luti, paradoxically, reflects in particulary the identity crisis of the Jesuats between the XV and XVI centuries.

Pablo Escobar died in 1993 but his figure is still present in today’s artistic environment. This article studied the ‘character Escobar’ as he appears in the Columbian fiction, and more precisely in six novels published between 1993 and 2017 by writers such as Restrepo, Vallejo, Franco, Vásquez, Forero Quintero and Mesa. By analysing the allusions to the capo, his (dis)appearences, different names, descriptions…, this study examines how these authors deal with the heroic or monstrous facets of the so-called Patrón del Mal, and his mythical and sacred dimension, raising the question of an eventual responsibility of the writers in the mythification process of Escobar.

El paisaje suizo es sinónimo de impresionantes montañas, imponentes glaciares y de agua, mucha agua. Este elemento natural aparece bajo diferentes formas: nieve, manantiales, torrentes, cascadas, lagos o ríos, entre los que destacan las aguas del Ródano, el río más importante de la Suiza Occidental. Tiene su origen en el macizo del San Gotardo y ha sido siempre una figura clave en el imaginario de la literatura suiza de expresión francesa. Escritores de la talla de C.F. Ramuz, Maurice Chappaz, Corinna Bille o Pierrette Micheloud han dedicado poemas, relatos cortos o incluso ensayos completos a este elemento natural. En esta comunicación presentaremos los aspectos más destacados de la simbología de este mito literario desde una perspectiva ecocrítica, contribuyendo de esta manera a reflexionar sobre su situación ambiental y mostrando el vínculo que estos escritores han mantenido con este elemento. Nos centraremos principalmente en cuatro obras: Chant de notre Rhône de C.F. Ramuz, Vocation des fleuves de Maurice Chappaz, Ma Forêt, mon Fleuve de Corinna Bille et Regards du Rhône de Pierrette Micheloud.DOI: http://dx.doi.org/10.4995/XXVColloqueAFUE.2016.2093

La Ciudad de México ha visto en los últimos veinte años diversas formas de habitar sus espacios públicos, convertidos también en espacios de conflicto por las condiciones geo-políticas imperantes, estos no-sitios han sido poblados por manifestaciones estéticas, todas coincidentes en una gramática visual de la apropiación, el emplazamiento y la acumulación de objetos en desuso, chatarra y demás excedentes de un sistema económico alguna vez promesa de modernidad que nunca llegó. Este proyecto construyó un puente entre estas manifestaciones estéticas urbanas con el fenómeno aparecido durante la Segunda Guerra Mundial en las islas de Oceanía Remota: los cargo cults, mito que incubó los movimientos de independencia en este archipiélago. La investigación abordó el dibujo desde la noción de dispositivo, entidad transversal, heurística y autónoma que a partir de una estrategia situacionista generó una taxonomía conformada por 22 láminas de medio tono a la usanza de la ilustración científica, el cual recopiló diversos ensamblajes en la ciudad utilizando la deriva como trabajo de campo teniendo en común una específica carga simbólica emancipatoria y todos ellos siendo construidos por bricoleurs: creadores anónimos-colectivos. Esta tesis contribuye al estudio del dibujo como un dispositivo, que opera como palanca para articular ideas, aprehender el mundo y colaborar en nuevos saberes universales, decoloniales y emancipatorios como posibilidades de afirmación colectiva.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5790

En esta comunicación convergen indagaciones sobe el retrato como código. En esta oportunidad, el retrato pictórico y fotográfico de dos casos chilenos: la figura naval de Arturo Prat y los retratos fotográficos de Detenidos Desaparecidos (D.D) en dictadura militar (1973-1990). En estos dos modos el retrato es un código visual que abre cuestionamientos en torno a quién ve el retrato, cómo se ve este y qué lugar ocupa, estableciendo relaciones entre testimonio, poder y memoria. Profundizaremos en el retrato pictórico decimonónico del capitán de fragata, que se explicita en la distinción del estatus militar en su contexto privado, y se reconfigura en la escena pública como hombre de armas mitificado en la figura de héroe. Dicha significación acompaña el cambio del código del retrato pictórico, que transita hacia espacios de hiperrepresentación global, en el que se inscriben nuevos discursos. El segundo caso navega en el origen y tránsito del retrato del D.D, que va desde la fotografía del álbum familiar a una imagen incluida a la vida pública como retrato-cartel. Aquí la imagen se posiciona como reclamación social, suponiendo un cambio en el significado del mismo retrato. El paso va desde la esfera privada a la pública, así como un pasaje entre el retrato que individualiza al sujeto con sus características personales, a un sujeto cuya identidad visual (la fotografía con rigurosidad) se disuelve para dar paso a un símbolo que aglutina la idea global de quienes han desaparecido. En ambos casos el retrato como transición y transacción de discursos que van de lo local a lo global, opera en una forma simbólica. El retrato adquiere entonces una condición orgánica que se tiñe del propio devenir social y que, en estos casos, levanta la tensión del retrato como testimonio, como reclamación social y como mito que refuerza oficialidad.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5230

La tradición cuenta que Santa Casilda de Toledo era hija de un rey musulmán del siglo XI, que tras convertirse al cristianismo comenzó a llevar pan a los presos cristianos. Cuando un día la detuvieron ante las sospechas de su traición y le pidieron que mostrara su mercancía, los panes que llevaba en su delantal se transformaron, milagrosamente, en rosas. Dentro de la Historia del arte, la hagiografía de la santa es revisada en el siglo XVII por el maestro barroco Francisco de Zurbarán, que la retrata como parte de una serie de cuadros dedicados a mártires cristianas que portan sus objetos de martirio. En la pieza performativa “But when she unfolded her apron…” parto de ambas referencias para realizar una actualización de la leyenda medieval. La pieza consiste en una mesa alargada y estrecha con una secuencia de dibujos sobre ella y un rail sobre el que se desliza un rodillo. Durante la performance, la figura de la santa se desplaza a la de la artista/performer que asume su papel dentro de la historia al tomar el rodillo entre sus manos y deslizarlo como si amasara el pan prohibido. Es esta relación cuerpo versus objeto el punto de partida de la actualización de la historia, pues como conexión entre el personaje mítico y yo misma, posibilita dicho desplazamiento. Al manipular el objeto no solo me convierto en la santa sino que además me hago partícipe de su sufrimiento. A lo largo de la ponencia analizaremos el desplazamiento de la figura de la santa a la performer/artista como estrategia de actualización del mito. Me propongo para ello relacionarla con otros desplazamientos en obras de artistas como Cindy Sherman, Coco Fusco o Pilar Albarracín, que emplean este mismo recurso de enmascarar o vestir su identidad con distintos enfoques y resultados.

El color blanco en la arquitectura tiene una dimensión particular por razones técnico-funcionales, sensoriales y, sobre todo, espaciales. En él residen los valores simbólicos que con el tiempo han determinado una especie de mito - con orígenes antiguos e inciertos, pero presente hasta la contemporaneidad. El uso del hormigón visto permite construir edificios intrínsecamente blancos, con la posibilidad de obtener construcciones monomateriales y monocromáticas. A lo largo del siglo XX, y aún hoy, las características mecánicas del hormigón blanco se han implementado continuamente y sus modalidades de empleo se han expandido no solo en las capacidades de rendimiento sino también en el campo estético y formal. A raíz de algunas experiencias pioneras de la segunda mitad del siglo XX, en la escena contemporánea destacan algunas realizaciones, en este sentido doblemente blancas, que nos permiten reconocer las diferentes naturalezas del hormigón blanco y, en particular, que nos hacen identificar técnicas diferentes y específicas de concepción del espacio y de metodología del proyecto. El uso del hormigón blanco hoy responde a la búsqueda de la perfección del material puro y noble, que recupera los valores fundamentales de la arquitectura y da forma a un diálogo innovado entre firmitasy venustas.

Esta comunicación está dirigida a la exploración de una posible metodología del proceso creativo, y forma parte de un trabajo de investigación más amplio llevado a cabo en el marco del Máster de Investigación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid. La hipótesis que se pretende demostrar es que es posible definir una metodología de la creación artística a partir del contraste entre una serie de casos de estudio y la reflexión de los artistas sobre su propio proceso creativo. A dicho proceso se atribuye una alta carga de intuición. Esta suposición será aquí rebatida como idea ligada al mito del genio creador y defendida en los términos que definen la idea de investigación dentro del ámbito académico. Para tal fin, comenzaremos utilizando una entrevista realizada a la artista Soledad Sevilla, cuya obra se caracteriza por la importancia de la especificidad del contexto expositivo. Partiendo de la base de la ausencia de una terminología establecida para definir qué significa la investigación en la creación artística, la entrevista se contrastará con otra realizada en el contexto del proyecto Grid_Spinoza a la bióloga Cristina Pujades. El objetivo es mostrar algunas de las diferencias y convergencias en los dos tipos de investigación, artístico y científico, para, en la medida de lo posible, clarificar y matizar los procesos y terminología específicos de ambos. Habiendo encontrado términos análogos en los dos campos, creemos que es posible validar desde una perspectiva académica la investigación artística. Con ello, se espera poder llegar a conclusiones en torno a la especificidad de dicha investigación para darle cabida dentro del formato y las convenciones de lo que se ha venido entendiendo como contexto académico, y, por tanto y únicamente, de las prácticas investigadoras de las disciplinas científicas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4789