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Dissertations / Theses on the topic 'Rideaux en décoration intérieure'
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Chevalier, Sophie. "L'ameublement et le décor intérieur dans un milieu populaire urbain : approche ethnographique d'une vraie fausse banalité." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100121.
Full textAbstract:
A partir d’une enquête menée auprès de soixante familles locataires dans des tours hlm de la banlieue parisienne. L'auteur pose l'hypothèse que même au sein d'un espace identique et contraint. Meuble avec des objets sériels. Les individus construisent de la différence dans un processus d'appropriation de ces objets, qui participe à l'élaboration de leur identité culturelle et sociale. Sur la base d'un relevé du contenu des séjours visites et des discours recueillis, elle analyse ces décors en adoptant une typologie classificatoire qui révèle la structure générale du système des objets et dégage trois types qui illustrent des stratégies et renvoient à des parcours sociaux puis elle s'intéresse a l'objet et au meuble à partir de leur trajectoire elle montre les processus d'appropriation et que les objets ne sont pas acquis au hasard: il existe une résonance entre les différents systèmes des objets et les comportements relatifs. Ces stratégies sont aussi esthétiques et dans le cadre d'une réflexion sur la culture populaire. L'auteur s'interroge sur les modèles formels construits par les ménages et sur leur expérience du "beau". Ces locataires se servent des objets comme supports pour actualiser des images souvenirs. Enfin, l'auteur montre l'importance de l'étude de la culture matérielle de notre société afin d'en comprendre les logiques de consommationThe starting point of the present study is a fieldwork conducted on a group of sixty council flat families from Paris suburban tower buildings. On the basis of the results of this survey, the author assumes that even within an identical and constrained space furnished with serial things, the individuals succeed creating difference through a process of appropriation of said things. This process is part of development of these persons cultural and social identity. The author proceeds to analyze the decoration of the visited flats on the basis of a description of the contents of the living rooms and the accompanying statements. She chooses a classifying typology with revels the general structure of the system of things, develops three types illustrating strategies and referring to social itinerates. Then, she turns towards the things and the furniture from the point of view of their trajectory and points out the processes of appropriation, the fact that these things were not randomly acquired since there is an echo between the different systems of things and corresponding behaviors. These strategies belong also to the aesthetical sphere, the author, as part of a general reflection on the popular culture, wonders about the formal models constructed by the families. The author concludes in pointing out the importance of the study of the material culture of our society so as to be able to understand its consuming logics
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Levadoux, Christophe. "Louis-Henri de Bourbon-Condé (1692-1740) : architecture, décoration intérieure et collection d'objets d'art." Bordeaux 3, 2008. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2008BOR30012.
Full textAbstract:
Successeur du Grand Condé, le duc de Bourbon (1692-1740) continua l’œuvre architecturale de ses pères, d’une part avec les travaux du Grand et du Petit Château de Chantilly ; d’autre part en donnant son essor à la ville, grâce à l’érection des écuries et à la manufacture de porcelaines. Chantilly, principal centre d’intérêt de M. Le Duc, ne l’empêcha pas de jouir également de ses beaux domaines de Laversine, Ecouen ou Vanves, et de ses hôtels particuliers de Paris et de Versailles. Ses collections, déjà remarquables sous Henri-Jules de Bourbon-Condé, connurent un renouveau certain, grâce à l’accroissement des laques, des porcelaines, de l’orfèvrerie, et du cabinet d’histoire naturelle, contribuant à faire de l’ensemble des collections Condé, l’une des plus riches collections françaises de la première moitié du XVIIIe siècleAs an heir to Grand Condé, the duc of Bourbon (1692-1740) kept expending the architectural works of his forefathers, on the one hand with the Grand and the Petit Château of Chantilly; on the other hand, he gave expansion to the city, thanks to the building of the stables, and the porcelain factory. The fact that Chantilly was the main interest of M. Le Duc, didn’t prevent him from keeping alive the wonderful estates of Laversine, Ecouen and Vanves, or his private hotels in Paris or Versailles. His collections, which had already been noticed at the time of Henri-Jules of Bourbon-Condé, went under a renewal , thanks to the increasing admirations of oriental lacquers, goldsmith’s art, and natural history cabinet aroused. All of these contributed to making the Condé’s collections, one of the richest French collections of the first hals of the eigtheenth century
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Froissart, Pezone Rossella. "Le groupe de "L"art dans tout" (1896-1901) : un art nouveau au seuil du XXe siècle." Clermont-Ferrand 2, 2000. http://www.theses.fr/2000CLF20006.
Full textAbstract:
Pendant la 2de moitié du 19e les arts "mineurs", qualifiés d"industriels", "décoratifs", ou "appliqués'" selon les moyens de production sont au centre du débat artistique au sein des institutions privées (Union centrale des arts décoratifs, Société nationale des Beaux-arts) ou publiques (musées, écoles). Le groupe des cinq, formé en 1896 par F. Aubert, A. Charpentier, J. Dampt, H. Nocq et C. Plumet devenu en 1897 les 6 (après le départ de Nocq et l'arrivée d'E. Moreau-Nelaton et T. Selmersheim) et en 1898 "L'art dans tout", (se joignent H. Sauvage, L. Sorel et quelques "invités", J. Desbois, A. Jorrand), est le résultat d'un mouvement de renouveau des arts du décor qui, à la fin du siècle, mène de nombreux peintres, sculpteurs, et architectes sur le chemin de "arts mineurs". Les 6 expositions que le groupe organise entre 1896 et 1901 témoignent de l'influence déterminante exercée par Viollet-le-Duc sur un art nouveau "rationaliste" d'où est écartée toute exubérance florale et qui affiche une grande sobriété de formes. Très différentes, les personnalités de "L'art dans tout" croient toutes dans le rôle social de l'artiste, appelé à remodeler un cadre de vie dégradé par l'industrialisation et par le bouleversement des canons esthétiques : communauté d'idées qui se concrétise dans le projet (non réalisé) du foyer moderne, conçu pour l'exposition universelle de 1900. Les modèles en vigueur dans l'aménagement de l'intérieur bourgeois pèsent dans les créations du groupe qui tente toutrefois d'innover, soit dans l'organisation de l'espace, soit sans le répertoire décoratif, soit dans les matériaux et moyens de production. Bien que la décoration de surface ou sculptée ait une importance moindre par rapport au mobilier, les papiers peints et pochoirs, les tapis, les dentelles, les étains deviennent des domaines essentiels d'expérimentation de formes et de matériaux pour les membres de "L'art dans tout"
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Calignon, Valérie de. "Architecture intérieure, processus d'indépendance, 1949-1972 : une autonomie réinventée ou la révolution du composant." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010556.
Full textAbstract:
Considérant qu'un bâtiment « clos et couvert » ne représente encore qu'un « potentiel d'habitation », en quoi la qualification de l'intérieur a-t-elle affaire à l'architecture ? Appartient-elle ou non, in fine, au projet architectural ? Il s'agit, pour commencer, de fonder une histoire qui n'existe pas, au croisement de l'architecture, de la décoration et du design, de définir les termes en jeu dans l'« habiter», ses métiers, la notion d' « architecture intérieure », une typologie de relations entre l'architecture et ses espaces intérieurs. L'intégration de l'habiter au projet architectural, considérée comme légitime et revendiquée par la majorité des architectes contemporains, est en réalité le fruit d'un lent processus historique, qui s'étend de l'invention de l'architecture comme art libéral à partir du XVe siècle jusqu'à la « synthèse des arts » Moderne, qui, après les premières Gesamtkunstwerk de la fin du XIXe, en représente l'aboutissement idéologique au début du XXe. La période 1949-1972 correspond à un retournement de cette situation, processus inverse de « décrochement des murs », rupture historique en même temps que retour cyclique aux origines d'une architecture-abri dont l'habitabilité est fondée par l'objet. Au milieu du XXe siècle, l'autonomie originelle de l'intérieur, n'allant plus de soi, doit être redécouverte et, désormais, conceptuellement fondée. La thèse met en évidence les mécanismes qui aboutissent finalement, à la fin des années 1960, à réinventer théoriquement cette indépendance de l'intérieur vis-à-vis du bâtiConsidering that an “enclosed and covered" building represents only the ''potential of inhabiting," what does the concept of the interior have to do with architecture? Does it or does it not belong, in the end, to the architectural project? It is a matter, to start, to construct an historical narrative that doesn't exist, one that is at the crossroads of architecture, decoration and design, to define the terms at play in the word "inhabit": its arts and trades, the notion of "interior architecture," a typology of relationships between architecture and its interior spaces. The integration of inhabited space into the architectural project, considered legitimate and acknowledged by most contemporary architects, is in reality the fruit of a slow historical process that stretches from the invention of architecture as a liberal art in the 15th century up to the Modern "synthesis of the arts" that, following the first Gesamtkunstwerks of the late 19th century, represents that process's ideological completion in the early 20th. The period from 1949 to 1972 corresponds to a reversal of this synthesis, an inverse process of dissociating from walls. It is an historic rupture at the same time as a cyclic return to the origins of a shelter-architecture for which habitability is based on the object. In the mid-20th century, the original autonomy of the interior, no longer self-evident, must be rediscovered and, henceforth, established conceptually. The thesis reveals the mechanisms that culminate, in the late 1960s, in the theoretical reinvention of the independence of the interior relative to the structure
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Domec, Laurent. "Une herméneutique des plantes d'intérieur : pour une sociologie de l'espace domestique aux XIXe et XXe siècles." Montpellier 3, 2002. http://www.theses.fr/2002MON30033.
Full text
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Prévost-Marcilhacy, Pauline. "Architecture et décoration des maisons construites par la famille Rothschild en Europe, 1820-1914." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040049.
Full textAbstract:
Dans la société du XIXe siècle, l'histoire de la famille Rothschild est exceptionnelle et domine toute la période. Si la réussite financière et économique des membres de la famille est bien connue, en revanche, ils le sont beaucoup moins comme bâtisseurs. On a oublié qu'ils ont édifié plus d'une cinquantaine de demeures à travers toute l’Europe, car ils étaient établis dans cinq capitales: Francfort, Londres, Paris, Vienne et Naples. La première étape de notre travail fut cet inventaire européen de leur patrimoine architectural. Identifier, dater, attribuer des œuvres, les mettre en rapport avec des projets permettant de restituer le processus créatif, resituer ces demeures dans le contexte architectural géographique, social et familial, déterminer le rôle des commanditaires, constituent l'un des grands pôles d'intérêt de ce travail. Nous avons privilégié la recherche des sources inédites, dans les cinq pays où ils étaient implantés et l'analyse des œuvres. Au-delà de ce travail d'inventaire, nous nous sommes intéressés aux commanditaires, à leurs goûts et à leurs choix et étudié le contexte social dans lequel ils se sont établis, intégrés et ont construit leurs demeures. Les échanges artistiques sont incessants entre les commanditaires et les artistes: la concurrence artistique est l'un des moteursThe Rothschild family flourished during the 19th century and although their financial and economic successes are well known to us, their architectural exploits are almost ignored. Established in the capitals of Frankfurt, London, Paris, Vienna and Naples, the family was responsible for commissioning over fifty homes throughout Europe. The first step of our research was to establish an inventory of the family's European architectural heritage. We identified, dated and attributed the structures, placed them within their contemporary architectural, geographic, social and family context and compared the finished work to the original plans. Our study was based on direct analysis of the homes supplemented by the use of unpublished documents found in the countries concerned. These details allowed us to consider all of the elements that shaped the final works, including the influence of the commissioners themselves and constituted one of the most interesting aspects of our project. Beyond this inventory, we sought to explore the creative exchanges between the family and the "artists", for their competitive nature fuelled the momentum behind each construction. .
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Ollivier, Carine. "Les architectes d'intérieur : division du travail et concurrences." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2010. http://www.theses.fr/2010VERS005S.
Full textAbstract:
Cette thèse est consacrée à l’étude de la division du travail et de la concurrence sur le marché de la maîtrise d’œuvre, en se concentrant sur le cas particulier des architectes d’intérieur. Sa première partie traite de la naissance et du développement de ce groupe professionnel. Elle montre que les relations entre les architectes d'intérieur, les architectes et les décorateurs se sont transformées depuis les années 1950, passant de périodes non exclusives d’ignorance ou de collaboration, à des périodes de conflit. La question de l’autonomisation du groupe des architectes d'intérieur sur le modèle anglo-saxon des "professions établies" n’apparaîtra qu’à un moment précis de cette histoire comme une stratégie concurrentielle dans une division du travail plus ancienne, puis comme un moyen, pour une partie du groupe, de réduire l’incertitude sur le marché des services de conception et de conduction des travaux. La seconde partie de la thèse porte sur les moyens de cerner le contenu et les contours du groupe, en analysant successivement les catégories qui permettent de le saisir et le contenu des tâches que ses membres assument. La troisième partie s’intéresse à ce marché de services, en analysant les réseaux de coopération entre les architectes d’intérieur et les entreprises du bâtiment, la nature de la relation de service que ce marché institue et la forme des carrières de ces professionnelsThis dissertation studies the division of labor and competition in the market for project management, focusing on the particular case of interior designers. The first part deals with the birth and development of this professional group. It shows that the relationship between interior designers, architects and decorators have transformed since the 1950s, from non-exclusive periods of ignorance or collaboration, to periods of conflict. In this context the issue of the autonomy of the group of interior designers according to the Anglo-Saxon model of "established professions" appears at a precise moment in its history as a competitive strategy in an oldest division of labor and then as a way for part of the group to reduce the uncertainty in the market for creation and direction of buildings. The second part of the dissertation focuses on how to identify the content and contours of the group, analyzing successive classes that allow the capture and content of the tasks its members perform. The third part deals with this market of services, analyzing the networks of cooperation between interior designers and construction companies, the nature of the relationship of service that this market institutes, and establishes the shape of the careers of these professionals
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Dinan-Mitchell, Cynthia. "Decoration, Printmaking, and Inviting Spaces." Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24502/24502.pdf.
Full text
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Cristescu-Boangiu, Raluca. "Objets d'art et de décoration dans les intérieurs domestiques montpelliérains à l'époque des troubles religieux (1560-1685)." Montpellier 3, 2007. http://www.theses.fr/2007MON30010.
Full textAbstract:
La présente étude se propose de reconstituer, à partir de sources d’archives -notamment d’inventaires après décès-, l’intérieur domestique montpelliérain à l’époque des troubles religieux et même au-delà de ceux-ci (jusqu’en 1715) dans sa dimension culturelle et tout particulièrement artistique. En répertoriant les objets d’art et de décoration trouvés dans les maisons inventoriées, nous nous sommes tout particulièrement attachée à définir les termes le plus souvent employés désignant chaque catégorie d’objets, leur caractère et leur style. L’analyse globale des intérieurs étudiés est réalisée, dans un premier temps, aux moyens de la statistique. Ensuite, nous nous sommes interrogée sur certains aspects particuliers des intérieurs étudiés : la possession d’objets d’art, de décoration ou d’autres catégories d’objets culturels (comme ceux destinés à la pratique religieuse, les livres ou les curiosités en tout genre) dans les rangs des différents milieux sociaux et surtout le rapport entre la présence de ce type d’objets dans les intérieurs et l’appartenance confessionnelle des propriétaires des maisons ont constitué quelques-uns de nos intérêts principaux. Afin de mettre en évidence ces aspects, nous nous sommes également attachée à étudier quelques cas particuliers, en éditant et en interprétant certains inventaires qui nous ont paru particulièrement significatifs. Ce faisant, les questions que nous nous sommes posées portent essentiellement sur le caractère des intérieurs étudiés : collections ou simples réunions d’objets ?The present study’s purpose is to reconstitute, on the base of archive sources, mainly on the inventories usually dressed after the death of the house’s owner, Montpellier domestic interior during the religious conflicts (and even beyond those, until 1715) in its cultural and especially in its artistic dimension. By making the list of the inventoried decoration and art objects, we tried to define the terms usually employed to designate each category of objects, its character and style. The global analysis of the interiors, initially carried out by means of statistics, was further refined with certain particular aspects of these interiors: the possession of decoration, art objects or any other kind of cultural objects (like those intended for the religious practice, books or any sort of curiosity) by the different social backgrounds and the relationship between these types of objects and the confession of their owners are some of our principal interests. In order to highlight these aspects, we also studied some particular cases by analysing certain documents which appeared as particularly significant to us. By doing this, the main question we asked concerns the character of these interiors: collections or simple sets of objects?
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Tapie-Grime, Muriel. "L'éternel étudiant : présentation de soi et pratiques résidentielles des nouvelles couches moyennes." Paris 10, 1988. http://www.theses.fr/1988PA100090.
Full textAbstract:
Ceux que la sociologie appelle les nouvelles couches moyennes salariées entretiennent et surtout disent entretenir un rapport spécifique à la ville. Peut-on admettre cette spécificité? Comment s'exprime-t-elle? Peut-on en expliquer ou au moins en expliciter les fondements? Pour répondre à ces trois questions, on a collecte à Besançon (Doubs en 1986, un matériel de type ethnographique (observation directe, photographies, entretiens). L'enquête, organisée dans une perspective microsociale, a privilégie l'observation des mises en scène de la présentation de soi dans l'habitat, terme qui englobe les représentations de l'espace urbain, les critères d'habitabilité d'un logement, les relations de sociabilité ainsi que les pratiques d'aménagement et de décoration. L'interactionnisme est le cadre conceptuel de ce travail. Les catégories d'analyse sont empruntées à G. H. Mead, H. S. Becker, E. C. Hughes, A. V. Cicourel, H. Garfinkel, E. Goffman. . .Those that sociology calls the new middle social levels have - and mostly assert they have - specific relationship with town and housing conditions. Can this specificity be possibly assumed to exist? How is it usually expressed? Can its foundations be explained or at least clarified? In order to answer these three questions, a whole lot of "ethnographic" material (direct observation, photographs, and interviews) was collected in Besancon, Doubs, in 1986. This investigation which was conducted in a micro-social perspective favored observation of the displays of self-presentation through dwelling, a term that includes the representation of urban space, the criteria of habitability of a flat, sociability, as well as fitting out and decorating practices. Interactionism has been used as a conceptual structure for this survey. The categories of analysis have been borrowed from G. H. Mead, H. S. Becker, E. C. Hughes, A. V cicourel, H. Garfinkel, E. Goffman
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Perrin, Khelissa Anne. "Décor et décorum dans les palais de l’aristocratie génoise au XVIIIe siècle : l’exemple des objets mobiliers et de l’ameublement du palais Spinola à Pellicceria." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100091.
Full textAbstract:
Ce travail concerne les comportements de la noblesse génoise à l’égard des objets mobiliers présents dans leur palais citadin. Il fonde sa réflexion sur l’exemple de l’ameublement du palais Spinola à Pellicceria au XVIIIe siècle, aujourd’hui Galleria Nazionale di Palazzo Spinola, ex-domus magna de familles d’ancienne lignée : les Grimaldi, les Pallavicini, les Doria, les Spinola. Sans poser de distinction hiérarchique a priori, les peintures, les sculptures, les meubles, les garnitures textiles, la vaisselle, les bijoux sont étudiés dans une triple perspective : en tant qu’objets patrimoniaux, en tant qu’objets de luxe, lorsqu’ils participent aux dépenses somptuaires, et en tant qu’objets du décor. L’examen des testaments, des livres de comptes et des inventaires, associé à l’observation d’œuvres actuellement conservées dans les collections génoises et étrangères, permet d’abord de dégager les logiques qui président à l’héritage, ensuite les modalités et la fonction des acquisitions et des commandes et, enfin, la structure et les formes artistiques de l’habitat. Expression du décorum, c’est-à-dire des conventions et des pratiques sociales, les intérieurs de l’aristocratie génoise conjuguent au XVIIIe siècle la mise en valeur nécessaire du patrimoine familial avec les exigences de commodité propres à la période. L’enjeu patrimonial et social primordial conféré au décor settecentesco génois, à l’origine de sa permanence et de sa conservation sur plusieurs générations, corrige l’idée d’un développement évolutif des formes artistiques, où celles anciennes feraient place aux nouvelles, invitant ainsi à dépasser une approche stylistique de l’artThe study relates to the behaviours of the Genoese nobility with regard to the objects of their city palace. It bases its thoughts on the example of the furnishings of the Palazzo Spinola a Pellicceria in the 18th century, ex-domus magna of old line families : the Grimaldi, Pallavicini, Doria, Spinola. Without posing hierarchical distinctions a priori, the paintings, the sculptures, the furniture, the textiles ornaments, the crochery, the jewels are studied in a triple prospect : as patrimonial objects, as luxury objects when they take part in the sumptuary expenditure, and as objects of the decoration. The examination of the wills, the account books and the inventories, associated with the observation of works of art currently preserved in the Genoese and foreign collections, initially makes it possible to determine the logics wich govern inheritances, then the ways and the function of acquisitions and commissions and, finally, the structure and the artistic forms of the domestic interior. Expression of the decorum, namely social conventions and customs, the interiors of the Genoese aristocracy combine in the 18th century the necessary highlighting of the family inheritance with the requirements for comfort specific of the period. The essential patrimonial and social goal conferred on the Genoese settecentesca decoration, at the origin of its permanence and its conservation over several generations, corrects the idea of an evolutionary development of the artistic forms where those ancient would make place for the modern, thus inviting to go beyond a stylistic approach of art
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Lett, Matthieu. "Les escaliers d’honneur des édifices princiers : architecture et décor d’une pièce d’apparat dans l’Europe de la première moitié du XVIIIe siècle." Electronic Thesis or Diss., Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100147.
Full textAbstract:
Dès le XVIe siècle, les escaliers d’honneurs apparaissaient comme des morceaux de bravoure, tant pour les maîtres d’œuvre que les maîtres d’ouvrage. Ils constituaient aussi des espaces importants dans le cérémonial européen, car ils permettaient d’exprimer, lors de l’accueil de représentants de délégations étrangères, des différences de rang selon que ceux-ci étaient reçus, avant l’audience, au bas, au milieu ou au sommet de l’escalier. Ainsi, l’escalier faisait généralement l’objet d’une attention particulière non seulement dans son architecture, mais aussi dans son décor qui devait être somptueux tout en respectant le decorum et la convenance. La première moitié du XVIIIe siècle a constitué un moment privilégié de la production des escaliers d’honneur en Europe, notamment en raison des rééquilibres politiques entraînés par les guerres de succession d’Espagne (1701-1713), de Pologne (1733-1738) et d’Autriche (1740-1748).À partir d’un corpus original de vingt escaliers bâtis pour des princes souverains pendant cette période en Angleterre, en Espagne, en Italie, en France et surtout dans le Saint-Empire romain germanique, cette thèse vise à mieux comprendre, à partir de sources en parties inédites, les contraintes et les enjeux qui ont présidé à leur production. Pour la première fois, l’escalier est abordé tant sur le plan de l’architecture que du décor dans une perspective européenne qui donne un éclairage nouveau sur la compétition somptuaire entre les cours à l’époque moderne. La question des modalités de l’expression de la magnificence princière et de la circulation des modèles est au cœur de cette étude qui met en évidence les spécificités des escaliers construits pour les souverains par rapport aux escaliers faits pour les particuliersSince the 16th Century, great staircases have appeared as masterpieces, both for architects and princes. They were also important spaces in European ceremonial because they made it possible to express, when welcoming representatives of foreign delegations, differences in rank according to whether they were received, before the hearing, at the bottom, in the middle or at the top of the stairs. Thus, the staircase was generally the subject of particular attention not only in its architecture, but also in its decoration, which had to be sumptuous while respecting decorum and convenience. The first half of the 18th century was a privileged time for the production of great staircases in Europe, particularly because of the political rebalancing caused by the wars of succession in Spain (1701-1713), Poland (1733-1738) and Austria (1740-1748).Based on an original corpus of twenty staircases built for sovereigns during this period in England, Spain, Italy, France and especially in the Holy Roman Empire, this thesis aims to better understand, from sources that are partly unpublished, the constraints and issues that governed their production. For the first time, the stairs are approached both in terms of architecture and decoration from a European perspective that gives a new perspective on the sumptuous competition between courts in Early Modern times. The question of the modalities of the expression of princely magnificence and the circulation of models is at the heart of this study, which highlights the specificities of staircases built for sovereigns compared to staircases made for private individuals
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Poirier, Geneviève. "Le bois comme générateur d'ambiances visuelles en architecture : étude expérimentale comparative sur la satisfaction visuelle à l'aide de maquettes à l'échelle réduite." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28280.
Full textAbstract:
Cette étude explore le potentiel d’environnements intérieurs en bois éclairés naturellement à créer des ambiances chaleureuses, lumineuses et agréables, favorisant le confort et le bien-être psychologique. Le premier objectif de ce projet est d’étudier la diversité des conditions de ciel en termes de couverture et d’épaisseur nuageuse, ainsi que d’évaluer les impacts de cette diversité lumineuse sur cinq maquettes à échelle réduite composées de différents agencements de bois. Des données météorologiques sont transcrites dans un journal (voir article 1) alors que la comparaison simultanée de photographies des espaces sous les mêmes conditions révèle une remarquable diversité d’ambiances lumineuses pour un espace orienté au Sud-Est en fonction de la position du soleil et de la nébulosité du ciel. Alors qu’un espace composé de bois teint gris crée une atmosphère sombre, terne et froide, ne subissant aucune différence au niveau de ses ambiances visuelles lorsque soumise à des conditions de ciel différentes, l’analyse de photographies révèle qu’un espace composé de bois en chêne jaune crée une atmosphère chaleureuse, claire, et moins contrastée, remarquablement différente selon la nébulosité et la position du soleil. Par la suite, le deuxième objectif consiste en une enquête composée d’un questionnaire exploratoire soumis à 80 participants afin de comparer et classer ces espaces en contexte extérieur (voir article 2). Les résultats révèlent une préférence pour les espaces clairs, les qualifiant de « lumineux », « naturels », « chaleureux » et « agréables », favorisant des tâches cognitives et de concentration. L’espace composé de surfaces foncées est le moins apprécié, particulièrement chez les femmes, le qualifiant de « sombre », « désagréable », « épeurant » et « éblouissant ». Le sexe des participants ainsi que la séquence dans laquelle les maquettes sont observées génèrent un impact sur leur évaluation, tandis que la nébulosité du ciel ne possède pas d’effet sur la façon dont les maquettes sont perçues et classées.This paper explores the potential for natural light to enhance wooden interior environments. Several studies have proven that the use of wood in furniture, interior surfaces and decoration help creating warm, bright and pleasant ambiences, enhancing psychological well-being and comfort when compared to other materials. This study aims to compare and examine the photometric and psychologic effects of diverse wooden environments. The objectives of this project were twofold: first, to study the diversity of northern sky conditions in terms of cloud cover and thickness as well as to evaluate the impacts of the diversity of natural light on five different wooden scale models. In order to create a cloudiness scale, weather data was collected during spring equinox in Quebec City, as well as photometric measurements. A photographic survey occurred in five scale models made with interior wooden finishes of varying color combinations, which documented the impact of sky diversity on brightness, hue and contrast. Simultaneous scale model studies under a real sky allowed direct comparison under the exact same lighting conditions. The second objective was to explore the effects of different colors, finish and ratio of wooden surfaces combinations on human perception. More specifically, participants compare simultaneously the five different interior wooden scale models under the natural light of the northern hemisphere in terms of their appreciation, visual comfort and well-being. The survey involved 80 participants with an exploratory questionnaire in order to compare and classify the different models. Conclusions showed a remarkable diversity of visual ambiences for a South-East oriented space depending on the position of the sun and sky conditions. Gray-dyed wooden finishes created dull and unchanging atmospheres, while yellow oaked surfaces allowed various dynamic ambiences. Participants demonstrated a preference for clear, bright and warm models, relating them cognitive and small-scale tasks. Darker models in terms of reflectance and lighting ambiences were the least preferred, especially for women.
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Du, Mesnil du Buisson Etienne. "L'oeuvre attestée de Gustave Serrurier (1858-1910) (Serrurier-Bovy)." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2006. http://www.theses.fr/2006VERS008S.
Full textAbstract:
Ce travail présente un regroupement exhaustif des œuvres attestées de Gustave Serrurier (Liège 1858-1910), iconographies et commentaires contemporains de l'artiste. Il présente aussi de nombreuses photographies récentes des bâtiments et décors et meubles conservés. Au total : 884 illustrations. Ce travail a permis de bien distinguer les œuvres effectuées dans une visée de recherche, qui respectent trois principes fondamentaux (rationalité, art pour tous, attachement au symbolisme) et des œuvres plus commerciales. La facture des œuvres de recherche s'avance avec constance, au fil des années, vers le futures règles du design et du modernisme. Gustave Serrurier se révèle alors comme l'acteur de l'avenir qu'il souhaitait êtreThis study presents an exhaustive grouping of the recognised art works of Gustave Serrurier (Liège 1858-1910), iconography and commentary, contemporary of the artist. It also presents abundant recent photos of buildings and decorations which have been preserved as plenty of newly found furniture corresponding to the old iconography. All and all : 884 pictures and graphics. This study has allowed to clearly differentiate the pieces of work created with a research purpose which respect three fundamental principles (rationality, art for all, and attachment to symbolism) from the pieces created with a commercial purpose. The manner of the research art works progresses consistently all along to the future principles of design and modernism. Then the artist is revealed to be seen that which it wanted to be, that is to say an actor of the future
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Bigot, du Mesnil du Buisson Françoise. "Gustave Serrurier, 1858-1910 (Serrurier-Bovy) : parcours d'un architecte à l'aube du XXème siècle : rationalisme, art social, symbolisation." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2004. http://www.theses.fr/2004VERS019S.
Full textAbstract:
Ce travail a suivi trois axes de recherche : une étude de la vie de Gustave Serrurier (Liège, 1858 - Liège, 1910) et de son entourage socio-politique et culturel, une étude de ses écrits (publications et manuscrits) et de sa bibliothèque personnelle, une réflexion sur quelques unes de ses œuvres majeures (architecturales, décoratives et mobilières). L’analyse et le croisement des faits biographiques, des écrits et des œuvres a permis de renouveler la vision que l’on avait de l’artiste comme celle des soubassements idéologiques de ses travaux. Ainsi mettent-ils en lumière l’action conjuguée de trois forces théoriques dans les créations de cet architecte-designer : sa vision morale d’un mode de vie intimiste et simple dans un monde plus égalitaire, son rationalisme constructif inspiré par son maître à penser Viollet-le-Duc et son attachement à l’expression symbolique. De cette analyse se dégage aussi un autre visage de Gustave Serrurier. Il ne fut pas seulement le designer que l’on sait mais un homme de réflexion et un militant passionné qui explose dans les limites étroites à l’intérieur desquelles on l’étudie généralement, c’est à dire celles de l’art nouveau. Il a posé de vraies questions sur le rôle de l’art dans la vie et sur les conditions optimales de la vie quotidienne de tout un chacun. Il a vraiment cherché à mettre sa vie et son œuvre en cohérence avec ses conclusions. Malgré sa position modeste de facteur de meubles et d’architecte d’intérieur, il apparaît comme un véritable penseur qui influa sur le futurThis work followed three research orientations: a study of the biography of Gustave Serrurier (Liège, 1858 - Liège, 1910) and of his socio-political and cultural environment, a study of its writings (publications and manuscripts) and its personal library, a thinking about some of its major works (architectur, decoration and furniture). The analysis and the crossing of the biographical facts, the writings and works made it possible to renew the vision which one had of the artist like that of the theoretical bases of his work. Thus they clarify the combined action of three theoretical forces in creations of this architect-designer : its moral vision of an intimist and simple way of life in a more egalitarian world, its constructive rationalism inspired by his mentor guide Viollet-le-Duc, his attachment to expres! sion symbolic system. From this analysis also another face of Gustave Serrurier is revealed. He was not only the designer whom one knows but a philosophical man and an impassioned militant who explodes within the narrow limits inside which one generally studies him, i. E. Those of the art nouveau. He raised actual questions about the role of art in life and about the optimum conditions for everyone’s everyday life. He really sought to put his life and his work in coherence with his conclusions. In spite of his modest position as a factor of pieces of furniture and interior architect, he seems an actual thinker who influenced the future
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Tremblay, Natalie. "Décor, création artistique et consommation." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27657/27657.pdf.
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Wolvesperges, Thibaut. "Le mobilier parisien en laque au XVIIIe siècle." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040197.
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L'étude du mobilier parisien en laque ne fut jamais véritablement dissociée de l'histoire générale du mobilier parisien au XVIIIe siècle ou, parfois, rattachée d'une manière plus large, sans être véritablement approfondie, à la chinoiserie. Mais personne n'analysa, sur base de documents d'archives, les laques et son marché en France au XVIIIe siècle, composantes essentielles de la compréhension de ce mobilier. La grande difficulté d'obtenir à Paris des panneaux de qualité conditionna la création et le commerce de ce mobilier bien particulier. Nous proposons, après cette étude du marché des laques, d'évoquer les différents laques employés dans l'ébénisterie parisienne, ainsi que leurs copies, réalisées selon la technique du vernis martin, qui fera également l'objet d'une étude. Nous pourrons alors approfondir le commerce du mobilier parisien en laque, partie la plus importante à nos yeux, détenu, non par les ébénistes, mais par les marchands merciers, livrant au compte-goutte les panneaux de laque que les ébénistes ne pouvaient acquérir, vu leur prix élevé. Nous étudierons enfin la situation des ébénistes, puis nous traiterons des amateurs et des collectionneurs de laque et de meubles en laque, et tout particulièrement le goût royal pour ceux-ci, sur base des nombreux documents issus du garde-meuble de la couronne, conservés aux Archives nationalesThe study of Parisian furniture of lacquer was never really dissociated from the general history of Parisian furniture of XVIIIth century or, sometimes, related, in a broader way, without being truly deepened, to the 'chinoiserie'. However, nobody has analyzed, so far, the lacquer and its market in France during the XVIIIth century, on the ground of archives documents, which is crucial for a good understanding of this kind of furniture. The creation and trade of such particular furniture was conditioned by the great difficulty to obtain in Paris high-quality panels. After having studying the lacquer's market, we suggest to start on the different lacquer used in the Parisian cabinetmaking, together with their reproductions carried out according to the 'vernis martin' technique. Then, we will be able to deepen Parisian furniture of lacquer's trade -the most important of all-, hold, not by cabinetmakers, but by 'marchands-merciers' delivering sparingly lacquer panels that the cabinetmakers could not acquire due to their high price. Finally, we will study the cabinetmakers position, then we will deal with amateurs and collectors of lacquer and lacquer furniture and particularly the royal taste for them, on the basis of numerus documents from the 'garde-meuble de la couronne' kept in the National archives
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Chardeau, Xavier. "Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) : peintre – Illustrateur – Décorateur, caractéristique de l'Art Nouveau." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040016.
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Autour de 1900 à Paris, une génération de jeunes artistes, influencés par certains courants artistiques comme le néo-Gothique ou le Symbolisme, ont une même conception de l’art. Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) fait partie de cette génération d'artistes qui débutent leur carrière en tant que peintre, généralement comme peintre décorateur, mais qui s'intéressent rapidement aux arts décoratifs, attirés par la notion d’un art total. Il débute tout d’abord dans l'atelier personnel de Pierre-Victor Galland qui lui apprend la décoration, puis en 1890 dans celui de Jean-Paul Laurens à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts à Paris. Après une commande de l'hôpital de la Charité où se lie d'amitié avec des médecins qui le suivront toute sa vie, Bellery-Desfontaines illustre des revues artistiques et des ouvrages littéraires. Mais l’artiste se montre davantage intéressé par les arts décoratifs que par la peinture. Il commence à réaliser des tapis, puis quelques meubles. Peu à peu, grâce à de riches commanditaires, Bellery-Desfontaines réalise des ensembles de décoration intérieure de plus en plus ambitieux, préoccupé par la notion d'un art total, mais sans jamais délaisser ni la peinture, ni l'illustration. A la fin de sa vie, il s'investit davantage dans le renouveau des arts décoratifs caractéristique de cette époque. Il laisse derrière lui une vaste production artistique, importante et hétéroclite, mais fort mal connue. Bellery-Desfontaines est un artiste complet, idéaliste, qui a l’ambition d’appliquer l’art au quotidien. Il meurt subitement à l’âge de 42 ans, trop jeune pour pouvoir asseoir une notoriété et une véritable carrière, laissant de nombreux projets inachevésIn Paris around 1900, a generation of young artists, influenced by a variety of currents, such as Gothic Revival or Symbolism, shared a similar artistic outlook. Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) was part of that generation of artists who began their careers as painters, often aiming for careers in mural painting, and quickly showed an interest in the decorative arts, seduced by the idea of a total art. He started in Pierre-Victor Galland’s workshop, where he learned decoration; then in 1890, he entered Jean-Pierre Laurens’ one at the Ecole Nationale des Beaux Arts in Paris. At the same time, he started decorating the staff room at the Hôpital de la Charité where he befriended a group of young doctors who would subsequently follow his entire career. Then, he illustrated artistic magazines and somes books. But his artistic preferences gradually shifted from painting to the decorative arts. He started designing carpets and a few pieces of furniture. Then, with the support of a few wealthy patrons, Bellery-Desfontaines began designing increasingly ambitious complete interiors, focus on the notion of total art. Towards the end of his life he took a more active part in the debate over the decorative arts, which was a hallmark of the period. His vast artistic legacy is both influential and eclectic, yet remains little known. Bellery-Desfontaines was a complete artist, as were many of the artists at the time. An idealist, whose ambition was to make art for every day life, he died abruptly at the age of forty two, far too young to complete his career and achieve fame, for many of his project remained unfinished
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Bazin-Henry, Sandra. "« Tromper les yeux ». Les miroirs dans le grand décor en Europe (XVIIe – XVIIIe siècles)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040126.
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Occupant une place majeure dans les intérieurs, les miroirs se sont progressivement imposés comme un décor d’architecture à part entière dans les pièces privées, puis dans les pièces de réception des grandes demeures aristocratiques européennes aux XVIIe et XVIIIe siècles. Le propos de la présente thèse est d’éclairer non seulement le développement des miroirs en tant que décoration fixe, mais aussi leur utilisation dans de véritables mises en scène architecturales. Envisagé sur un temps long de deux siècles et dans une aire géographique conséquente (France, Italie, Espagne, Allemagne, Autriche, Suède), ce travail débute par une étude du développement de ces décors au XVIIe siècle, en interrogeant le rôle de la France dans la définition et la circulation des modèles en Europe. Puis, dans un second temps sont étudiées les typologies de cabinet et de galerie de glaces, pièces les plus concernées par ce type de décor. Enfin, la place des miroirs dans la pratique architecturale et leur rôle illusionniste dans les intérieurs sont traités dans une dernière partieOccupying an important place in the interiors, mirrors have progressively been an architectural decor in its own right in the private rooms, then in the reception rooms of the European great aristocratic houses in the XVII and XVIII centuries. The purpose of this thesis is to enlighten not only the development of mirrors as fixed decoration, but also their use in true architectural staging. Based on a two century scale and a substantial geographic area (France, Italy, Spain, Germany, Austria, Sweden), this work starts by a study of the development of these decors in the XVII century, by questioning the role of France in the definition and the circulation of models in Europe. Then, it focuses on the typologies of mirror cabinet and galleries, the most affected rooms by this kind of décor. Finally, in the last section, the mirror place in the architectural practice and their illusionist role in the interiors are studied
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Lebeurre, Alexia. "Le décor intérieur des demeures à la mode dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle (Paris et Ile-de-France)." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010649.
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Jusqu'au XVIIIe siècle, la réalisation du décor intérieur - cet art « partagé en une infinité de branches libérales et mécaniques» pouvait échoir aussi bien à des artisans (menuisiers, peintres et sculpteurs ornemanistes, tapissiers, etc. ) qu'à des artistes proprement dits (peintres et sculpteurs figuristes, architectes). La présente étude examine comment, à partir de 1750 environ, le mouvement de restauration des principes académiques conduit les architectes à s'emparer de ce secteur d'activité et à s'imposer comme le concepteur légitime des décors intérieurs (au moins pour les plus prestigieux). Au lieu de privilégier une approche stylistique, on s'interroge ici sur les valeurs qui structurent l'habitat et son décor. La traditionnelle fonction de représentation assignée au décor cohabite désormais avec la recherche du confort, de l'intimité, du plaisir et de l'étonnement. Pour cela, les architectes - après s'en être servis - s'affranchissent progressivement des normes académiques et de leurs modèles consacrés. Le décor à la mode est un laboratoire esthétique permettant à l'architecte d'affirmer les valeurs d'invention et d'imagination qui fondent son génie. Miroirs, procédés «magiques », formes séduisantes (arabesques, goût exotique, motifs ou éléments puisés dans la nature) sont quelques-uns des outils privilégiés avec lesquels l'architecte compose des décors spectaculaires qui font de la demeure un véritable théâtre de l’intime
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Vignon, Charlotte. "Londres – New York – Paris : le commerce d’objets d’art de Duveen Frères entre 1880 et 1940." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040235.
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Pourquoi tant d’objets d’art décoratifs de collections européennes se trouvent-ils aujourd’hui dispersés aux quatre coins des Etats-Unis ? A partir de documents d’archives inédits et d’une lecture critique des sources, cette thèse appréhende l’exode du patrimoine européen vers les Etats-Unis du début du vingtième siècle à travers le parcours d’acteurs importants de ce phénomène : les marchands Joel, Henry et Joseph Duveen à la tête de la prestigieuse galerie d’objets d’art et de tableaux, Duveen Frères, établie à Londres et New York dès la fin du dix-neuvième siècle et en 1908 à Paris. Sont d’abord étudiés les stratégies commerciales qui projetèrent les Duveen à la première place du commerce d’objets d’art de l’époque (I). Vient ensuite une analyse précise du commerce d’objets d’art de la firme : celui des porcelaines de Chine, puis des meubles et objets d’art du dix-huitième siècle français et enfin des objets médiévaux et de la Renaissance (II). Finalement, est abordé, l’activité de décorateur de la firme (III)Why are so many European objets d’art found in collections across the United States today ? This PhD dissertation explores the exodus of decorative arts objects originating from the private collections of Europe’s cultural elite at the beginning of the twentieth century by providing a new interpretation of unpublished archival materials and an in-depth study of the three key figures who contributed to this phenomenon : Joel, Henry, and Joseph Duveen of Duveen Brothers, the prestigious international art firm established in London and New York at the close of the nineteenth century, and in Paris in 1908. Beginning with an examination of the strategies employed by Duveen Brothers to monopolize the American art market and become the preeminent dealers of their time (I), this thesis is followed by a meticulously researched exploration of their dealings in Chinese porcelains, eighteenth-century French decorative arts, and medieval and Renaissance art (II), and concludes with a thorough analysis of the firm’s activities in the area of interior decoration (III)
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Sarméo, Emmanuel. "La cheminée et son décor sous le règne de Louis XVI." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2015. http://www.theses.fr/2015GREAH016.
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Structure architecturée destinée au besoin vital de chauffage, la cheminée était par conséquent l'élément le plus important d'un intérieur. Ainsi obtînt-elle la plus grande des attentions de la part des architectes, qui s'ingénièrent à donner à cet ouvrage utilitaire l'apparence d'un véritable monument de marbre, orné de motifs sculptés ou de bronzes dorés. Cette attention décorative valut parfois à l'ouvrage caminologique le privilège d'accéder au rang d'œuvre d'art.Plus qu'un simple foyer destiné à accueillir le feu, la cheminée était le point focal d'un intérieur. Sa position déterminait aussi bien la composition du décor mural que l'agencement du mobilier. C'est également autour de la cheminée que s'organisaient au quotidien les activités humaines. Cette attraction à la fois visuelle et physiologique incita à associer à la cheminée, pour son usage et pour son agrément, une grande diversité d'objets. Les objets d'art les plus précieux d'une habitation étaient volontiers exhibés sur la tablette de la cheminée, flattant ainsi l'orgueil du propriétaire, qui, au-delà, affirmait, aux yeux de tous, son rang social.Cette étude définie dans son intégralité les caractéristiques de la décoration intérieure de la seconde moitié du XVIIIe siècle, période durant laquelle s'opéra en France le renouveau classique, en partant de la cheminée tout en considérant le décor mural qui l'entourait, le choix des matériaux, des couleurs et des objets, à valeur d'usage et à valeur esthétique, qui lui étaient associés. L'analyse de la cheminée et de son décor permet ainsi de saisir au plus près les goûts et les habitudes ornementales de la société française de la fin de l'Ancien RégimeAs an architectural structure providing heat to satisfy one of man's vital need, the fireplace was the most important element of interior decoration. Then it attracted the attention of architects who strived to give to this useful device the appearance of a true monument in marble, decorated with sculpted motifs or ormolu. As a result of the attention paid to its decoration, the fireplace eventually reached the status of a genuine work of art. More than a mere hearth aimed at setting the fire, it became an essential element of the household. Its central position determined both the arrangement of the panelling and the layout of the furniture. At this point, daily occupations got tied to the fireplace; its physiological and esthetical value led to the necessity of possessing a wide range of objects either useful (to set the fire) or decorative. The most precious ownings of the house were usually exhibited on the marble top, flattering its owner, while affirming his vanity. This PhD is a thorough study of the characteristics of interior decoration during the second half of the 18th c.. In France at the time, there was a major classicism revival, operating through the fireplace and the decoration of the walls around it, including changes in colors and in the range of fireplace-related objects to use or admire. This survey of the fireplace and its decorative context enables us to apprehend french society's tastes and habits at the very end of "Ancien Régime"
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Delorme, Franck. "Édouard Bauhain et Raymond Barbaud, parcours croisés de deux architectes, de la Belle Époque à l’Entre-deux-guerres." Thesis, Pau, 2018. http://www.theses.fr/2018PAUU1043/document.
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A Paris, en 1895, deux architectes, Raymond Barbaud et Édouard Bauhain s’associaient. Après une activité commune qui dura jusque vers 1910, ils se séparèrent et poursuivirent chacun de leur côté une tout aussi riche activité jusqu’à la fin des années 1920. En suivant les parcours croisés de ces deux architectes, c’est un double portrait qui est dressé, des origines provinciales, en passant par la formation et les débuts professionnels, les engagements, les carrières communes et individuelles.L’activité de Raymond Barbaud et Édouard Bauhain a pris place dans un contexte géographique double voire triple, avec des œuvres parisiennes, charentaises et bordelaises, pour l’essentiel issues de commandes passées par une clientèle constituée de bourgeois parisiens, ou notables ruraux, d’industriels ou de professions libérales, et structurée par des réseaux économiques, politiques ou culturels. Majoritairement constituée d’édifices privés, la production architecturale de Barbaud et Bauhain comprend aussi bien des typologies traditionnelles que des innovations programmatiques. Ils y font la démonstration de leur maîtrise des modèles historiques autant que de leur connaissance de la production contemporaine.L’œuvre de Barbaud et Bauhain révèle toute la richesse de la palette entre matérialité et esthétique. N’écartant pas les aspects constructifs, entre techniques éprouvées et nouveaux systèmes, ils recherchèrent en permanence l’expression esthétique propre à satisfaire le caractère de chaque programme. La décoration intérieure est traitée selon l’éclectisme stylistique domestique propre à la période, tout en incluant les dispositifs du confort moderne. Enfin, leur collaboration avec les sculpteurs se révèle exemplaire tant dans l’ornementation que dans la statuaireIn Paris, in 1895, two architects, Raymond Barbaud and Edouard Bauhain became partnered. After a joint activity until around 1910, they separated and each one pursued a rich activity until the late 1920s. Through the crossed paths of these two architects, a double portrait is taking shape, from their provincial origins, to their common and individual careers, passing by their training, their professional debut and their commitments. The activity of Raymond Barbaud and Edouard Bauhain took place in a double or even a triple geographic context, with works in Paris, in the Charente county and in Bordeaux, mostly for a clientele of Parisian bourgeois, rural notables, industrialists or independent workers, a clientele structured by economic, political or cultural networks. Mostly constituted of private buildings, the architectural production of Barbaud and Bauhain includes both traditional typologies and programmatic innovations. The architects demonstrate their mastery of historical models as well as their knowledge of contemporary production. The work of Barbaud and Bauhain reveals a rich architectural palette between materiality and aesthetics. Not neglecting the constructive aspects, between tried and tested techniques and new systems, they constantly sought the aesthetic expression able to satisfy the character of each program. The interior decoration is treated according to the domestic stylistic eclecticism typical of the period, while including the features of modern comfort. Finally, their collaboration with the sculptors is exemplary in the field of ornamentation and of statuary
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Lerichomme, Lise. "Intérieur domestique et mise en scène : la réappropriation du XIXe siècle par la création contemporaine." Thesis, Rennes 2, 2014. http://www.theses.fr/2014REN20054/document.
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Cette thèse s’attache à mettre à jour les mécanismes de représentation et de réappropriation de l’intérieur domestiqueau sein des installations depuis les années 1950.Il s’agit de s’interroger quant aux raisons et significations de la présence de motifs hérités du XIXe siècle (nivellement social, distinction entre espace domestique et public, mise-en-scène de soi, accumulation de biens, valorisation de l’ornementation... ), au sein de pratiques contemporaines. Plus loin, on cherche à établir une typologie de personae archétypales au sein des oeuvres contemporaines. Témoin de l’émergence de l’intérieur autant que de la normalisation des conventions sociales, le XIXe siècle est également le creuset des avants-gardes artistiques autant que des révolutions – politiques, industrielles, sociales. Pourtant, c’est vers la figure conservatrice du bourgeois et d’un espace très réglementé que se tournent les artistes lorsqu’ils choisissent de se réapproprier l’intérieur domestique. Dès lors, existe-t-il des changements structurels ou des modulations dans la représentation des intérieurs depuis le XIXe siècle ? Le cas échéant, les formes adoptées par ces oeuvres sont elles issues des mêmes sources que lors de la naissance du genre ?À travers un ensemble d’exemples empruntés au champ de la création contemporaine, mais également à ceux des pratiques curatoriales et muséographiques, de la sociologie, de la littérature ou de la micro-histoire, il s’agit de dresser des pistes de réflexion quant aux enjeux soulignés par ces réalisations, afin d’en présenter les variations et ce qu’elles induisent, hors d’un compte rendu exhaustif. La pratique plastique est partie liée du sujet de recherche, l’anecdote y est érigée en guide en ce qu’elle offre une liberté d’accès sans précédent aux faits historiques, transformations sociales, mécanismes de domination ou productions culturelles. C’est à son émergence au sein de l’intérieur par le décoratif que cet objet est afférent au sujet de rechercheThis dissertation intends to unveil the mecanisms of representation and influence on the domestic interior in installations from the 1950s onwards.It is about questioning reasons and meanings of the presence of 19th century patterns ( social levelling, distinction between domestic and public space, hoarding, promotion of the ornementation...) in contemporary practices. Furtheron, the dissertation tries to establish a typology of archetypal personae in contemporary works.19th century is not only the testimony of the rise of the interior and the standardization of social conventions but also aspring of artistic avant-gardes as well as political, industrial and social revolutions. However, when artists deal withdomestic interior they would rather refer to the conservative figure of the bourgeois and a regulated space. Consequently,has there been structural changes or modulations in the representation of interiors since the 19th century ? If so, do the forms used by these works have the same foundation as when the genre was created ?Through examples drawn from contemporary creation but also from curatorial and museographic practices, sociology, litterature or microhistory, we intend to find approaches in link with the issues raised by these works in order to present their variations and what they imply. A complete report is not intended in this dissertation.The visual art practice is directly related to the research topic. Anecdote is used as a lead because it offers an unprecedented access to historical facts, social changes, mechanisms of domination or cultural productions. It is thanks to its appearence in the interior through the decorative that this object is linked to the research topic
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Charpy, Manuel. "Le théâtre des objets. Espaces privés, culture matérielle et identité sociale. Paris, 1830-1914." Thesis, Tours, 2010. http://www.theses.fr/2010TOUR2007/document.
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Ce travail étudie la culture matérielle privée de la bourgeoisie parisienne au XIXe siècle. Il s’attache à saisir les transformations de nature et d’identité des objets et des formes de consommation pour retrouver les usages sociaux et culturels des choses, dans une ville qui connaît de profondes mutations commerciales et urbaines. Mobilisant archives privées et commerciales, il inscrit la culture matérielle dans un cadre social et dans l’espace urbain. Ce travail tente de comprendre comment se redéfinit la sphère domestique dans l’espace urbain nouveau et en appartement et le rôle des techniques du quotidien dans la scénographie du privé et l’appréhension de soi. Cette thèse envisage aussi le monde matériel comme un ensemble de signes et de récits élaborés par les marchands et les consommateurs, alors que la nature et la hiérarchie des objets et des matières sont bouleversées par l’industrialisation. Ce travail cherche à élucider les phénomènes d’imitation et de distinction alors que s’accroît la mobilité sociale ainsi que la production collective des modes en analysant les scènes urbaines où elles se donnent à voir, les figures du goût qui émergent et les formes nouvelles de publicités qui se déploient dans la ville. Au final, ce travail est un essai sur les manières dont un groupe social investit et produit le théâtre des objets pour élaborer une identité sociale et culturelleThe study analyses the ways by which a social group consumed and produced a world of goods in order to shape its own social and cultural identity. With a view to reconstruct the social and cultural uses of things in a city which underwent deep commercial and spatial changes, the thesis identifies the nature and forms of the Parisian bourgeoisie’s consumption, through private and business archives. It studies how the bourgeois home was redefined in flat and in the growing city and how daily technology forged the bourgeoise’s private scenography and self-awareness. It studies then the material culture of 19th century Parisian bourgeoisie, understood as a set of signs and narratives designed by dealers and consumers, whilst industrialisation radically transformed the nature and hierarchy of materials and commodities. Finally, this work sheds light on phenomenons of imitation and distinction as social mobility increased and analyses how fashion trends came to being onto specific urban scenes, through the mediating role of taste legislators and the means of new forms of urban advertising
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Naud, Marie-Hélène. "La décoration intérieure de l’église Saint-Romuald de Farnham peinte par Ozias Leduc (1905-1912)." Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/10422.
Full textAbstract:
Le présent mémoire analyse, des points de vue iconographique et formel, la décoration intérieure de l’église Saint-Romuald de Farnham peinte par Ozias Leduc, réalisée entre 1905 et 1912. Cet ensemble, commandé par le curé Joseph-Magloire Laflamme, se situe entre deux étapes importantes de la carrière de Leduc : son décor de l’église de Saint-Hilaire (1896-1900) et ses grands paysages symbolistes (1913-1921). Tout au long de cette commande, un changement graduel s’opère dans la pensée et le style du peintre et s’étudie efficacement en fonction des trois étapes de production : 1905-1907, 1909-1910 et 1911-1912. Cette chronologie se manifeste dans la correspondance concernant la réalisation du programme. À Saint-Romuald, nous constaterons que l’idéologie de l’artiste se développe, de même que le style, que nous aborderons brièvement dans le cadre du présent mémoire. Même si Leduc n’est pas le seul responsable du décor, il se réfère, à plusieurs reprises, à son contexte historique et il unifie l’ensemble de la décoration de sorte que les toiles, l’architecture de l’église, la couleur des murs, les cadres, les motifs décoratifs et les emblèmes forment un tout. L’analyse de chaque tableau du décor permettra d’en identifier le thème, à savoir l’institution de la religion catholique, et le sous-thème, l’instruction. Ce programme iconographique et plusieurs autres liens unissant les œuvres entre elles transmettent des idéaux chers à Leduc, qu’il véhiculera dans ses autres décors religieux par la suite. Par ailleurs, pour entamer une analyse stylistique, il est indispensable de constater l’état de conservation des œuvres. Or, plusieurs d’entre elles furent partiellement ou complètement retouchées en 1952. Malgré ces repeints, nous commencerons à constater que le style de Leduc, influencé par le symbolisme, s’y révèle. Les analyses iconographique et stylistique permettront de situer ce décor dans le corpus de l’artiste.The present master’s paper analyses, from iconographic and formal points of view, the interior decoration of the church Saint-Romuald of Farnham, painted by Ozias Leduc between 1905 and 1912. This program, ordered by the parish priest Joseph-Magloire Laflamme, allows a transition between two important periods in Leduc’s career: the decoration of the church of Saint-Hilaire (1896-1900) and his great symbolic landscapes (1913-1921). During the fulfilment of this commissioned work, a gradual change occurs in the thought and in the style of the painter which is studied efficaciously in regards to the three periods of his artistic production at Saint-Romuald: 1905-1907, 1909-1910 and 1911-1912. That chronology appears in the correspondence concerning the program’s realization. It is also illustrated by the development, at Saint-Romuald, of the artist’s ideology and of his technique, about which we will briefly discuss in the present master. Even though Leduc is not the sole responsible of the decor, he refers, more than once, to his historical context and he unifies the entire decoration so that the paintings, the architecture of the church, the color of the walls, the frames, the decorative motifs and the symbols create a whole. The study of each work of art, within these parameters, will allow identifying the theme, namely the institution of the Catholic religion, and the sub-theme, the education. This iconographic program as well as several other links existing between those paintings serve as a vehicle for Leduc’s cherished ideals, which he will continue to convey in his subsequent other religious decorations. Moreover, in order to begin to follow the development of the artist’s style, it is essential to notify the paintings’ state of preservation. Several of them were partially or completely painted over in 1952. Despite these repaints, as we will briefly establish, the style of Leduc, influenced by symbolism, is still very present. The iconographic and stylistic analysis will allow to place the decoration in the artist’s complete works.
Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de tous les documents visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.
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Arsenault, Roxanne. "Les commerces kitsch exotiques au Québec : reconnaissance et sauvegarde d'un nouveau patrimoine." Mémoire, 2011. http://www.archipel.uqam.ca/4403/1/M12174.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire a été réalisé en réaction à la rapide disparition des commerces à thématiques kitsch exotiques au Québec. Puisque ces lieux reçoivent habituellement peu de considération, et qu'ils sont souvent pris pour acquis, aucune forme d'histoire n'a été réalisée pour la plupart d'entre eux, rendant ainsi difficile leur appropriation collective. Nous sommes conscients que ce sujet mériterait probablement une recherche et un document plus exhaustif, mais espérons tout de même établir ici une base qui nous mènera à un approfondissement du sujet. Le corpus exploré se divise en deux catégories : les endroits ayant un décor kitsch exprimé à travers une thématique exotique internationale et ceux ayant une thématique exotique vernaculaire. Les commerces ciblés se sont établis entre 1950 et 1980, majoritairement à Montréal, ainsi que des exemples dispersés à travers la province. Puisque le sujet est peu documenté, des méthodes de travail moins traditionnelles ont été développées pour l'identification des lieux et de leur histoire, telles que la recherche de terrain, le dépouillement de guides touristiques et l'enquête orale. Afin de mieux comprendre de quelle façon nous utilisons les termes kitsch et exotisme, nous explorerons ces notions dans un premier chapitre. Le corps du travail tend à présenter les diverses catégories de kitsch exotique, leur contexte d'émergence et des exemples de commerces représentatifs. En guise de conclusion, nous explorons les problématiques à une éventuelle reconnaissance patrimoniale, les actions concrètes à poser, ainsi que les valeurs à considérer en vue d'une possible patrimonialisation. Avec cette recherche, nous avons pu identifier plus d'une centaine de lieux divisés sous plusieurs styles exotiques. Suite à ces résultats, immerge l'existence tangible d'une tradition de lieux immersifs dans lesquels les stéréotypes culturels sont à l'honneur. En examinant les cadres d'évaluation patrimoniaux actuels, nous pouvons mieux saisir en quoi l'éventuel travail de reconnaissance consistera afin de préserver les derniers témoins d'une tradition kitsch exotique québécoise.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : kitsch, exotisme, patrimoine, Montréal, Québec, commerces, 1950, 1960, 1970