Academic literature on the topic 'Rilke, Rainer Maria (1875-1926) – Critique et interprétation'

Oeuvre de la vision est faite, fais maintenant oeuvre de coeur. Ce tournant formulé en 1914 a pu suggérer que l'oeuvre de Rilke se divisait en une poétique du visible, de l'apprendre à voir, du regard "objectif" marqué par le modèle des arts visuels (notamment Rodin et Cézanne), et une poétique de la pure intériorité, détournée du visible et dans laquelle la référence aux arts visuels serait abandonnée. Pourtant, la notion centrale de figure ne se réduit ni à la simple imitation du visible que suggère le terme de "figuratif", ni à son abandon dans une figure poétique avisuelle qui relèverait, soit d'un discours philosophique (l'image réduite à l'idée), soit d'une logique formaliste (l'image réduite au simple jeu du signifiant). La figure chez Rilke relève bien plutôt d'un travail de la figurabilité (Darstellbarkeit) ; ce concept freudien permet de comprendre la défiguration comme constitutive de la figuration et de soustraire la figure à l'alternative du "figuratif" et du "non-figuratif", abusivement appliquée à l'oeuvre de Rilke comme à la peinture de la même é^poque. .
The work of the sight is done, turn now to the work of the heart. To critics, this 1914 turning (Wendung) often suggests that Rilke's work is divided between, on the one hand, his poetics of the visible, his "learning to see", an objective" sight strongly influenced by the visual arts (for instance by Rodin and Cézanne) ; and on the other, a poetics of pure interiority which has cut loose from visibility and no longer refers to the visual arts. However, the figure, a central Rilkean concept, is neither the straightforward imitation of the visible that the term "figurative" suggests, nor a denial of the visible, an avisual poetic figure working within a philosophical framework (image as pure idea) or a formalist one (image as a pure interplay of signifiers). Rilke's figure springs rather from figurability (Darstellbarkeit), a Freudian concept which presents defiguration as a constituent part of figuration, and which dismisses the alternative between "figurative" and "non-figurative", in which interpretations of Rilke's work, as well as of painting in his time, are often imprisoned

Fondée sur l'oeuvre poétique, romanesque et la correspondance intégrale de Rilke, la recherche pose d'abord la problématique de l'écriture épistolaire, et montre en premier lieu la trajectoire, chez Rilke, de "l'écrire à l'autre" comme le jeu apparent d'une dualité entre l'être et le monde (le moi et l'autre). On étudie ensuite la lettre comme mode de vie rilkéen privilégié (écrire, c'est vivre), puis comme multiple espace de réflexion sur la création, et une fois la lettre devenue oeuvre plénière, il apparaît que l'acte épistolaire repose sur un véritable mouvement vers soi, puis, avec l'oubli de la partition entre l'autre et le moi, sur une authentique trajectoire créatrice vers le soi. (De nombreux correspondants interviennent, dont Lou Andreas-Salomé, Marina Tsvetaieva, et Boris Pasternak)
Based on Rilke's poetic works, novels and, especially letters, this research settles the problem of epistolary writing, and shows in a first part the process of "writing to another", beyond the appearance of duality between the being and the world (the self and the other). The letter is then studied as the prefered rilkean way of life ("to write is to live"), then as the multiplied space of theoric thoughts about the act of creation. And when the letters have reached a sort of unity (a book), the epistolary act appears as built upon a true movement towards one's self, with forgetting the difference between the others and the self, it is based on an authentic work of creation towards the oneself. (many correspondents take place in this thesis, among them : Lou Andreas-Salomé, Marina Tsvetaieva, Boris Pasternak)

Dans ce travail, le silence sert de base pour rapprocher les œuvres de Rilke et de Mallarmé. L'analyse des contextes dans lesquels il apparaît chez ces deux poètes et la confrontation des termes différents qui le traduisent en allemand et en français révèlent une tension fondamentale entre deux contraires qui finissent par se confondre : d'idéal inaccessible, opposé à la parole, le silence devient le point de fuite et la métaphore pour une poétique de la suggestion. La présence du terme dans le texte fait toujours allusion à un indicible, situé entre la parole et le silence, que Mallarmé et Rilke traduisent par la notion d'intervalle. L'oxymore de la musique silencieuse devient un symbole pour la poésie
In this work, silence is the basis which serves to bring together the works of Rilke and Mallarmé. The analysis of the contexts in which it appears in the works of these two poets and the confronting of the different terms which translate silence in German and in French reveal a fondamental tension between two opposites which ultimately come together : from being the inaccessible ideal opposed to the words, silence becomes the vanishing point and the metaphor for a poetics of suggestion. The presence of the terme " silence " in the text always alludes to that which is inexpressible between the words and silence, which Mallarmé and Rilke translate by the notion of interval. The oxymoron of silent music becomes a symbol for poetry

La recherche présentée repose sur deux principes qui sont l’étude de la poésie de Rainer Maria Rilke considérée entre les influences françaises et scandinaves, à travers les œuvres que le poète a traduites du français et du danois, comparées aux Élegies de Duino et aux Cahiers de Malte Laurids Brigge. Le second principe conducteur est le concept du „Abseits-Sein“, „être à l’écart“, sujet innovant développé dans mon travail de Magister (Master 2), à Tübingen, Allemagne. Cela désigne une façon d’être, toujours un peu à distance de toutes les tendances définitivement établies, les écoles, ou traditions, dont le poète se rapproche en même temps, et qui deviennent les matériaux de son œuvre originale.Il s’agit donc d’une exploration de ce que l’on peut découvrir dans les intervalles.Pour cela, nous avons choisi d’étudier trois motifs fondamentaux de Rilke qui sont l’amour non possessif, l‘ opposition entre l’homme et la femme et son évolution vers l’équilibre entre deux êtres humains nouveaux, et enfin celui du renoncement à la durée selon les critères de la société et du rôle créateur de la disparition représentés dans le motif du chant.Il s’agit donc des limites et du dépassement de la condition humaine.Une poésie tout à fait innovante fait surgir une vision du monde toute neuve, celle de Rilke, à l’écart de toutes les traditions, à l’écart du monde pré-défini par la société humaine. L’attitude de l’être humain individuel ne sera pas dictée par le groupe que constitue la société. Les bases en sont a conscience individuelle, le renoncement aux formes rigides, le relation remplaçant la possession, et l’intériorisation du vécu transformé par l’amour universel
The research presented here includes two main principles, firstly an analysis of Rainer Maria Rilke's poetic work between French and Scandinavian influences due to the works he translated compared to his work especially "Duineser Elegien" and the novel "Die Aufzeichnungen des Malte Laurids Brigge" and secondly the innovative concept of "being apart" ("Abseits-Sein", être à l'écart), previously introduced by me in a master's thesis at the University of Tübingen (Germany). This denotes a way of being that always keeps a distance from a firmly established literary schools or art movements or other traditions, but at the same time Rilke approaches them, and these traditions provide material for his original work. It is therefore an investigation of what can be discovered in the spaces between. For this, 3 basis motifs of Rilke are chosen : the non-possessive love, the opposition between man and woman (and the evolution towards an equilibrium between two new human beings) and finally, the motif of duration and disappearance staged with the means of the song. So it is about human conditions, its limits and its transgression. A quite innovation poetry leaves a whole new vision of the world, that of Rilke, apart from all traditions, apart from the predefined world of society. While society is organized in groups, in constrat, Rilke prefers the assessment by the individual human being. The basic features of this (Rilkes) world are the individual consciousness, the renunciation of rigid forms, the relation of other subjects instead of possession of objects, the internalization of the experienced transformed by the universal love

En 1927, Marina Tsvétaeva (1892-1941) compose la Lettre du Nouvel An à la mémoire du poète Rainer Maria Rilke. Ce poème funèbre est à beaucoup d’égards une somme dans son parcours poétique, à la jonction des principales lignes de force de sa pensée créatrice. L’étude poétique de cette oeuvre dévoile les interactions multiples qui s’exercent entre les différents niveaux de la structure du vers. L’étude génétique retrace la « géologie » du poème. Elle met en évidence les strates successives de sa constitution : le surgissement des premières images et la dynamique du mètre, l’intelligence de la forme globale, le modelage du vers, les variations infinies du mot. L’art extrême et instinctif de Tsvétaeva est le fruit d’un long processus linguistique qui consiste à explorer toutes les contradictions de la langue pour en extraire l’énergie première. Le mot est le vecteur de ce minutieux rééquilibrage des composants langagiers et constitue la mesure d’une harmonique subtile entre le sens et le son. Ce qui paraît être non-sens et délire verbal est une réorganisation méthodique du noyau lexical et aboutit à une nouvelle construction rythmique de l’univers
In 1927, Marina Tsvetayeva (1892-1941) wrote New Year Letter in memory of the poet Rainer Maria Rilke. This gloomy poem is in many respects the epitome of her poetic career, at the junction of the main themes in her creative thinking. A poetic study of the work reveals multiple interactions between the various levels in the structure of her verse. A genetic study explores the "geology" of the poem. It brings out the successive strata of its construction : the emergence of the first images and the dynamics of the meter, the intelligence of the overall shape, the modelling of the verse, and the infinite variations of the words. The extreme, instinctive art of Tsvetayeva is the fruit of a long linguistic process which consists in exploring all the contradictions of language in order to extract its primary energy. Lexical unity is the vector of this delicate readjustment of the components of language and is the measure of a subtle harmonic between sound and sense. What appears to be nonsense and verbal delirium is a methodical reorganisation of the linguistic core and leads to a new rhythmical construction of the world

Notre travail rend compte de la double articulation d’analyse d’Antoine Berman dans Pour une critique des traductions: John Donne. La méthode bermanienne intègre tant une histoire, événementielle et individuelle, des traductions qu’une analyse des textes à la lumière de leurs entours (paratextes, projets de traduction, etc.). Dans une première partie, nous tenterons de décrire à l’aide d’un panorama historique l’importation de la poésie de Rilke en traduction française, des premières versions du début du XXe siècle aux dernières traductions des Élégies de Duino. Nous nous attacherons à l’identité des différents (re-)traducteurs et à l’horizon général de leur travail. Dans une seconde partie, nous comparerons plusieurs versions françaises de la première Élégie de Duino, oeuvre poétique de Rilke la plus retraduite en français. A travers différents critères touchant à la forme et au sens, nous saisirons l’apport de ces traductions et le lien qui les unit, afin de constater in fine si les comportements socio-culturels observés dans la première partie se matérialisent aussi dans la pratique des (re-)traducteurs duinésiens
This dissertation rests on the double articulation of Antoine Berman’s analysis of translation in Toward a translation criticism: John Donne. Indeed, Berman’s method integrates as well a macroscopic and individual history of translations as an analysis of texts, considering their peripheral features (paratexts, translation projects, etc.). In the first part, we will depict through a historical panorama the import of Rilke’s poetry in French, from the first versions of the early 20th century to the latest translations of the Duino Elegies. We will thereby give heed to the identity of the different (re-)translators and to the general horizon of their translations. In the second part, we will compare several French versions of the first Duino Elegy, Rilke’s most retranslated poetical opus in French. Through various criteria dealing with form and sense, it will be a question of comprehending what these translations bring and the kind of bond holding them together. We intend eventually to find out whether the sociocultural behaviors we noticed in the first part are also observable in the practices of the Duinesian (re-)translators

La question de l'oiseau dans la poésie contemporaine se pose avec une certaine évidence. Impossible, semble-t-il, d'ouvrir un recueil de poèmes sans tomber à de nombreuses reprises sur des références explicites à l'oiseau : à son vol bien sûr, mais aussi à son chant, à sa présence discrète mais permanente. Comment expliquer cette re��currence dans la production contemporaine ? Et qu'est-ce qui constitue la singularité de l'oiseau dans le règne animal ? Après avoir justifié le rapprochement des trois poètes de notre corpus, nous avons fondé notre travail selon des perspectives analogiques et transdisciplinaires. Renouant à un certain degré avec la mystique médiévale, la poésie cherche les frontières de l'homme dans l'univers-macrocosme. L'oiseau, qui semble une limite ultime pour le psychisme humain, nous permet de redéfinir l'animalité selon un principe de "consanguinité" (Saint-John Perse). Contre la propension moderne à l'émiettement, au dispersé, au catalogique, cette pensée analogique à l'œuvre dans la production poétique de nos auteurs, cherche à reconstituer la trame et à "recoudre l'univers". La dimension métaphysique, souvent non revendiquée chez nos poètes, reste ainsi constamment sous-jacente. Au-delà d'une lecture du réel qui s'appuie sur la précision de la science, une "autre dimension", proche de l'Ouvert rilkéen, imprègne leurs œuvres. L'oiseau, à travers les motifs du vol et du chant, dessine alors les contours d'une poétique liée à la modernité esthétique
The question of the bird in contemporary poetry seems to be obvious. It's really impossible to open a collection of poems without seeing lots of explicit references to the bird : his fly, his singing, and his discreet but permanent presence. How to explain this recurrence in contemporary production ? And what's the foundation of the bird's particularity in the animal kingdom ? After justifying the connection of the three poets of our corpus, we based our work on analogical and transdiciplinary viewpoints. Reviving the medieval mysticism, poetry looks for the limits of human nature in the world-macrocosm. The bird, that seems the last limit for the human psychism, allows us to redefine animality in accordance with a principle of "consanguinity" (Saint-John Perse). Against the modern proclivity to dispersion and catalogue, this analogical thought circulating in the poems of our authors, wants to reconstruct the weft, to "sew up the universe". The metaphysical dimension, that is not often clearly claimed by our poets, is always underlying. Beyond a description of the real world, that is leaning on the precision of the science, another dimension, verging on rilkean "Ouvert", impregnates their works. The bird, through the patterns of the flight and the singing, draws the lines of poetics linked by aesthetic modernity