Dissertations / Theses: 'Romantisme (musique) Modernisme (musique)'

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Pisani, Michael Vincent. "Exotic sounds in the native land : portrayals of North American Indians in Western music /." Ann Arbor (Mich.) : UMI, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40063830k.

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Abstract:

Diss.--Philosophy--Rochester (N.Y.)--Eastman School of music, 1996. Liste chronologique des oeuvres musicales inspirées des indiens d'Amérique du nord (1768-1946) p. 526-557. Sources et bibliogr. p. 576-604.

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McGuinness, John Randolph. "Playing with Debussy's Jeux : music and modernism /." Ann Arbor : UMI, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37659575v.

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3

Brzoska, Matthias. "Die Idee des Gesamtkunstwerks in der Musiknovellistik der Julimonarchie /." Laaber : Laaber-Verlag, 1995. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb366856869.

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4

Broman, Per Olov. "Kakofont storhetsvansinne eller uttryck för det djupaste liv ? : om ny musik och musikåskådning i svenskt 1920-tal, med särskild tonnikt på Hilding Rosenberg /." Uppsala : [P. O. Broman], 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37217451k.

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5

Kim, Mi-Young. "Das Ideal der Einfachheit im Lied von der Berliner Liederschule bis zu Brahms /." Kassel : G. Bosse, 1995. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36958986r.

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6

Hänggi, Christoph E. "G.L.P. Sievers (1775-1830) und seine Schriften : eine Geschichte der romantischen Musikästhetik /." Bern ; Frankfurt am Main ; Paris : P. Lang, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35595760s.

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7

Chèvremont, Alexandre. "Du romantisme au classique dans la musique : E. T. A. Hoffmann, Amadeus Wendt et la musique de Ludwig Van Beethoven." Lille 3, 2010. http://www.theses.fr/2010LIL30003.

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Abstract:

Personne, aujourd'hui, n'aurait l'idée de contester que la musique de Beethoven appartient au style classique initié par Haydn et Mozart. Pourtant, cette évidence cache un authentique problème philosophique : que peut signifier le fait de parler de "musique classique" ? Le présent travail se propose un double objectif : exhumer la pensée d'un philosophe méconnu, Amadeus Wendt, à l'origine de la première formulation, en 1836, de l'idée d'une période classique dans la musique ; et montrer que son esthétique prolonge et confirme le romantisme musical de E. T. A. Hoffmann, retravaillé dans cette perspective. Pour Hoffmann comme pour Wendt, la musique de Beethoven représente le sommet de la musique instrumentale, et exige à ce titre d'être éclairée par leur réflexion sur l'histoire universelle de la musique et de l'art. L'ensemble des écrits esthétiques de l'un et de l'autre est donc ici étudié. La confrontation entre Hoffmann et Wendt au sujet de Beethoven se situe aux antipodes du résultat de l'esthétique de Hegel, qui, à la même époque que les écrits de Wendt, considère que la musique, par son extrème "romantisme", menace de sortir des frontières de l'art, et reste étonnament muette sur Beethoven. Le classique selon Wendt est au contraire à comprendre comme l'aboutissement des promesses du romantisme défini par Hoffmann au sujet de la musique. Par-delà leur réflexion sur l'histoire de l'art, Hoffmann et Wendt indiquent que la musique, de façon indépassable dans l'histoire, va jusqu'à accomplir l'essence de l'art Nobody would deny today that Beethoven's music belongs to the classical style started out by Haydn and Mozart. Yet, the obviousness of this statement hides a genuine philosophical problem : what does speaking of "classical music" imply ? The following work pursues two aims : exhuming the thought of a neglected philosopher, Amadeus Wendt, who gave the first formulation of the idea of a classical period in music in 1836 ; and proving that his aesthetics prolongs and confirms E. T. A Hoffmann's musical romanticism, which in this perspective will be given more thought. To both Hoffmann and Wendt, Beethoven's music represents the height of instrumental music, and must be clarified in this regard by their thinking about the universal history of music and art. Their aesthetics is thoroughly studied here. The confronting views of Hoffmann and Wendt about Beethoven are the exact opposite of the result of Hegel's aesthetics, who considers, at the time of Wendt's writings, that music, because of its extreme "romanticism", is on the brink of transgressing the bounds of art, and remains surprisingly silent about Beethoven. The classic, according to Wendt, must on the contrary be understood as the fulfilling of the promises of Hoffmann's romanticism about music. Beyond their thinking about the history of art, Hoffmann and Wendt suggest that music completes the essence of art, what cannot be superseded in history

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Reynaud, Cécile. "La notion de virtuosité dans les écrits critiques de Franz Liszt /." Paris [C. Reynaud], 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb376614270.

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9

Jost, Peter. "Robert Schumanns "Waldszenen" op. 82 : zum Thema "Wald" in der romantischen Klaviermusik /." Saarbrücken : Saarbrücker Druckerei und Verlag, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35093639b.

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Sholl, Robert Peter. "Olivier Messiaen and the culture of modernity /." Boston Spa : British thesis service, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40036204g.

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Messina, Kitti. "Musica, poesia e società in Francia tra romanticismo e decadentismo : aspetti della mélodie negli anni 1830-1870 /." Pavia : Università degli studi, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40075001g.

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Gastreich, Volker. "Kindheit und absolute Musik : eine literaturwissenschaftliche Untersuchung romantischer Ideale /." Frankfurt am Main : Peter Lang, 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb388871819.

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Kertz-Welzel, Alexandra. "Die Transzendenz der Gefühle : Beziehungen zwischen Musik und Gefühl bei Wackenroder/Tieck und die Musikästhetik der Romantik /." St. Ingbert : Röhrig Universitätsverl, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb391220747.

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Fonseca, Aleilton. "Enredo romântico, música ao fundo : manifestações lúdico-musicais no romance urbano do Romantismo /." Rio de Janeiro : [Vitória da Conquista] : [João Pessoa] : Sette letras ; Universidade estadual do sudoeste da Bahia ; Universidade federal da Paraíba, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39959112n.

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Barkalaya, Nino. "Esthétique et technique compositionnelle de Nicolas Obouhov dans le contexte du modernisme russe et français." Paris 8, 2012. http://octaviana.fr/document/175659818#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

Le destin poussa Nicolas Obouhov (1892-1954), comme beaucoup de ses compatriotes, à émigrer, et toute sa vie, il pensa et composa dans un contexte biculturel, russe et français. Tant l’œuvre que la personnalité de ce compositeur hors du commun continuent de nos jours à susciter un vif intérêt dans les milieux musicaux et scientifiques. L’étude de l’esthétique et de la technique compositionnelle d’Obouhov éclaire les tendances de la musique des premières décennies du XXe siècle du point de vue particulier des relations entre les cultures russe et française. Ceci permet aussi de voir la similitude et les différences entre ces tendances, leur interpénétration et leurs oppositions. Eléments essentiels soutenus : -un éclairage du rapport entre l’esthétique de l’ « art total » en France et celle du « sur-art » russe, ainsi que des recherches de formes nouvelles de synthèse de différentes expressions artistique, religieuse et scientifique au début du XXe siècle ; - une présentation d'ensemble, successivement, de la philosophie religieuse, de l’esthétique et de la technique compositionnelle d’Obouhov dans le contexte du modernisme russe et français ; -une analyse des particularités de la forme nouvelle d’Obouhov en s’appuyant sur l’exemple de son Livre de Vie, « sur-œuvre » unique par son ampleur, - une proposition de méthode d’analyse de la composition d’Obouhov dans ses composantes formelles spécifiques ; -une analyse de la théorie musicale selon Obouhov en comparaison avec les systèmes théoriques de ses contemporains Scriabine, Wyschnegradsky, Hauer, Messiaen et d'autres Nikolas Obukhov (1892-1954), as it chanced, like a lot of his compatriots, found himself in emigration; for his whole life he thought and created on an equal basis in the context of two cultures at a time – the Russian and the French. Both the works and the personality of this highly distinctive composer until nowadays arouse great interest in the musical and the scientific community. This fact is related, first of all, to the uniqueness of his fate and the originality of his creative image. Study of Obukhov’s esthetics and composing technique slightly opens to us a door to reviewing from a unique perspective of interrelations between the Russian and the French culture the arts tendencies of the first decades of the XX century. It gives us the opportunity to see the similarities and the differences between those tendencies, their interpenetration and opposition. The general propositions of the thesis are: in this work the interconnection between the esthetics of «art total» («total» art) in France and the esthetics of Superart in Russia, as well as the search for new forms of combining different kinds of art, religion and science in the beginning of the XX century are shown; consecutive review of Obukhov’s religious philosophy, esthetics and composing technique in the context of the Russian and the French Modernism is given; the specific character of the new Obukhov’s form is analyzed basing on the example of the Supercomposition unique in its scale «The Book of Life» (Le livre de vie); a method for analyzing Obukhov’s compositions on the different levels of the form is proposed; analysis of Obukhov’s musical and theoretical system is given in comparison with the systems of his contemporaries: Scriabin, Wyschnegradsky, Schönberg, Hauer, Messiaen, etc

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François-Sappey, Brigitte. "Au temps du romantisme, le cas Boëly, 1785-1858 contribution à l'étude de la musique de clavier et de la musique de chambre en France." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37597718r.

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François-Sappey, Brigitte. "Au temps du romantisme : le cas Boëly (1785-1858) : contribution à l'étude de la musique de clavier et de la musique de chambre en France." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040477.

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Abstract:

Alexandre Boëly occupe une position unique et paradoxale dans la musique française de la première moitié du XIXe siècle. Ce descendant de chanteurs de la Chapelle royale a pris le contre-pied de son époque en menant un combat incessant en faveur de la musique instrumentale, des vertus de l'écriture et en se faisant l'un des premiers découvreurs en France de Beethoven et Bach en plus de Haydn, Mozart et Clémenti. Cette perspicacité jointe à ses talents exemplaires d'organiste de Saint-Germain l'Auxerrois lui valent les suffrages d'une élite. Solitaire, modeste, Boëly a peu fait parler de lui. Son cas singulier ne prend sens et relief qu'intègre dans son temps. C'est pourquoi, comme celle de sa vie, l'approche de son œuvre - piano, orgue, musique de chambre - dans laquelle il pratique la fusion des esthétiques européennes, s'est opérée à la double lumière de son espace culturel propre et de la production de ses contemporains. L'esprit de ses petites pièces, son langage harmonique tourmenté annoncent dès ses débuts le romantisme mais la facture de ses sonates, l'économie des moyens mis en œuvre témoignent de son attachement à la maitrise des classiques. L'œuvre et l'action de cet indépendant, finalement irremplaçable dans la musique française à une période problématique de son histoire, méritent amplement une réhabilitation Alexandre Boëly occupies a unique and paradoxical position in the French music of the first half of the 19th century. This descendant of cantors belonging to the Royal chapel took the opposite course to his time by taking up an incessant fight in favor of instrumental music and virtues of counterpoint and by becoming one of the first discoverers in France of Beethoven and Bach in addition to Haydn, Mozart and Clementi. This shrewdness combined with some exemplary talents of organist in Saint-Germain l'Auxerrois brought him the approbation of elite. Lonely, modest, Boëly is an artist whose his contemporaries didn't speak much about. His singular position acquires meaning and relief when it is integrated in its time. It is the reason why as the approach of his life, the approach of his work (piano, organ, chamber music) in which he uses the fusion of European aesthetics, is made in the double light of his own culture and of the production of his contemporaries. The spirit of his little pieces, his tormented harmonic language announce, from his start, romantism but the construction of his sonatas, the economy of utilized means show his attachment to the mastery of the classics. The work and the action of his independent man, really irreplaceable in the French music at a problematic time of its history, amply deserve rehabilitation

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Li, Zheng. "Évolution de l'esthétique musicale chinoise après les rencontres entre les musiques chnoise et occidentale (fin du XIXe siècle à nos jours)." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010646.

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Abstract:

Depuis plus d'un siècle, la Chine s'efforce d'assimiler les avancées occidentales dans tous les domaines intellectuels. Apres les diffusions de la musique occidentale dans ce pays, les musiciens chinois ne cessent pas de chercher la fusion des cultures chinoise et occidentale. Cette recherche a pour objet d'analyser le développement de cette fusion et d'en trouver les raisons internes et externes. Sur quel terrain la musique occidentale a été introduite en Chine? Comment les rencontres entre les musiques chinoise et occidentale ont-elles engendré des bouleversements dans le domaine de l'esthétique musicale chinoise ? Face au conflit entre les cultures chinoise et occidentale, entre la tradition et la modernité, l'évolution de l'esthétique, comme un miroir, traduit davantage le changement délicat de la psychologie sociale. Cette recherche est au coeur d'interrogations variées renvoyant aussi bien à l'histoire récente de la Chine et de ses rapports avec l'Occident qu'aux phénomènes de globalisation culturelle.

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Marest, Nathalie. "Les chevauchées fantastiques à l'époque romantique : étude d'un grand thème d'inspiration littéraire : peinture, musique, arts graphiques /." Paris : N. Marest, 1994. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35744730x.

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Loisel, Gaëlle. "La Musique au défi du drame : Berlioz et Shakespeare." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2012. http://www.theses.fr/2012ENSL0747.

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Abstract:

Dès 1770, Shakespeare est érigé en modèle par les artistes partisans d’une rupture avec l’esthétique classique, jusqu’à devenir une figure tutélaire des romantismes européens, en littérature comme en musique. Hector Berlioz, fondateur du romantisme musical français, est un cas emblématique de ce geste romantique qui consiste à s’emparer d’une figure littéraire pour bousculer les catégories esthétiques existantes et renouveler les formes musicales. Le dramaturge anglais est une référence constante dans son œuvre, depuis sa découverte de Shakespeare en 1827 jusqu’à son dernier opéra, Béatrice et Bénédict en 1862, adapté de la comédie Much ado about nothing. Berlioz s’inspire de Shakespeare tant dans ses œuvres musicales que dans ses écrits critiques et autobiographiques, où les références à l’auteur anglais sont multiples. La relation que l’œuvre de Berlioz entretient avec celle du dramaturge pose à la fois des questions de réception et de transferts culturels, et le problème du passage d’un système sémiotique à un autre. Elle invite tout d’abord à s’interroger sur le processus d’appropriation d’une œuvre littéraire par un compositeur et ses enjeux théoriques, et à situer sa démarche dans le cadre plus vaste de la réception européenne de Shakespeare au tournant du xixe siècle. La référence au dramaturge dans l’œuvre de Berlioz intervient plus précisément dans le cadre de l’élaboration d’une esthétique du sublime, comme le montre l’étude des rapports entre texte et musique. Il apparaît alors que le « système shakespearien » nourrit les réflexions du compositeur sur les formes et les genres musicaux As early as 1770, Shakespeare is set up as a model by the artists who consider it necessary to break away from classical aesthetics. His name is so high that he becomes a figurehead for the various forms of European romanticisms, in literature as well as in music. As the founder of the French musical romanticism, Hector Berlioz embodies the romantic approach which consists in seizing a literary figure to discard the existing aesthetical categories and thus bring about new musical forms. Right from 1827, the year the musician discovers Shakespeare, until his last opera in 1862, Béatrice et Bénédict, adapted from the comedy Much ado about nothing, Berlioz widely draws his inspiration from the English playwright and constantly refers to him in his musical, critical and even autobiographical works. The issues raised by this close relationship are threefold : the way Shakespeare’s plays were received, the problem of cultural transfer and the shift from one semiotics to another. First of all it brings forth questions about the process which leads a composer to make a literary works his own and the theoretical aspects at stake. Also, this relationship makes it necessary to see how Berlioz’s approach fits in with the way Europe received Shakespeare at the turn of the 19th century, in so far as the reference to the playwright takes place at a time when a new aesthetics of the sublime is in progress, as shows our study of the relationship between text and music. It so appears that the “Shakespearean system” enriches the composer’s reflexions on musical forms and genres

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Sorbier-Rawls, Julie. "La musique dans la prose narrative moderniste espagnole." Thesis, Montpellier 3, 2010. http://www.theses.fr/2010MON30038/document.

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Abstract:

La littérature moderniste est musicale par essence. Elle souhaite éveiller des sensations chez le lecteur : le recours à la musique, art suggestif par antonomase, crée l’allusion. Comment sertir la musique dans la littérature ? Stéphane Mallarmé propose de « précéder les effets de la musique en redéfinissant celle-ci ‘d’où elle point’ » . Si l’art musical est naturellement porté par le poème, qu’en est-il de la prose ? En Espagne, Ramón María del Valle-Inclán offre un exemple probant de prose musicale dans ses Sonatas. Est-ce là tout ? Le projet mallarméen n’a-t-il pas rencontré d’écho parmi d’autres prosateurs espagnols ? Certes, l’intention y est ; les histoires de la littérature le confirment mais ne s’y attardent pas. Notre travail est donc double : il s’agit d’abord de retrouver des œuvres en prose modernistes espagnoles puis de les analyser par le prisme musical pour voir comment est saisi ce projet de fusion des arts. L'étude révèle que la musique de la prose, parfois imperceptible, raffine les sensations et sensibilise le lecteur à l’élégance, au rythme ou au phrasé d’un syntagme. En somme, la musique intérieure devient une propédeutique à l’ineffable. En creux de ce projet se dessine le rôle du poète dans la société. Celui-ci se présente comme un prêtre des temps modernes. Pourtant, le mythe auquel il tente de souscrire semble désincarné : sensible aux réalités de son époque, en quête d’un public féru de naturalisme, l’écrivain espagnol ne s’engage pas pleinement. Sa prose, hésitante, est souvent mièvre : cela explique qu’elle soit passée inaperçue aux yeux de l’histoire Modernist literature is by essence musical. It is meant to arouse the reader’s senses: the use of music, a suggestive art by excellence, creates the allusion. How can one insert music in literature? Stéphane Mallarmé suggests to precede the effects of music by redefining it from its origin. If the art of music is naturally expressed through a poem, how about through prose? In Spain, Ramón María del Valle-Inclán offers a prime example of musical prose in his Sonatas. Is this all that can be expected? Has there been no other echo of Mallarmé’s project in Spanish prose? Certainly the intention to do so exists; histories of literature confirm this intention but nothing more. Our work is going to be twofold: first we need to find Spanish modernist prose works, and then analyze these works through the prism of music in order to understand how the fusion of these arts (music and prose) is realized. The analysis reveals that the music of the prose, sometimes imperceptible, sharpens the senses and makes the reader more sensitive to the elegance, to the rhythm and the phrasing of a syntagm. In other words, the inner music paves the way to the ineffable. The poet’s role in society is described within this project. He presents himself as a modern times priest. Yet the myth to which he tries to subscribe lacks substance: sensitive to the realities of his time, in search of an audience keen on naturalism, the Spanish writer is not fully implicated. His prose is hesitant, often corny: this explains why it has passed unnoticed in history

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Ramos, Julie. "Nostalgie de l'unité : paysage et musique dans la peinture de P. O. Runge et C. D. Friedrich /." Rennes : PUR, 2008. http://swbplus.bsz-bw.de/bsz281464790inh.htm.

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Schutz, Lionel. "Neue Musik : le concept de modernité en pays allemand après 1918." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2007. https://publication-theses.unistra.fr/public/theses_doctorat/2007/SCHUTZ_Lionel_2007.pdf.

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Abstract:

L'expression de Neue Musik, apparue au début du 20e siècle en Allemagne et en Autriche, a été liée à l'émergence d'un répertoire et aux postulats d'une avant-garde. La suspension de la tonalité et le tournant esthétique accompli entre 1907 et 1910 ont exprimé l'aspiration à un champ expressif nouveau et ont été à l'origine de nombreux débats esthétiques au début des années vingt. Critiques et musicologues ont porté leur intérêt vers ce répertoire en en soulignant les critères déterminants et les principales tendances. Cette prise de conscience, qui a formé une phase constitutive de la modernité, a caractérisé les débats sur la nouvelle musique; elle a provoqué une confusion des termes et des concepts. La formation de nouvelles catégories et la réaction à l'esthétique romantique ont été liées à la volonté de rupture et au principe d'évolution organique qui ont permis de définir les lois d'un nouveau langage musical. La parution de nombreux ouvrages a contribué à établir une terminologie et des valeurs, à renouveler le discours sur l'art, à développer certaines théories. Ces études ont décrit le cheminement chaotique et la fragilité institutionnelle de la nouvelle musique, ainsi que l'évolution de ce concept The term of Neue Musik which appeared in Germany and Austria in the beginning of 20th century was linked to the emergence of a new musical repertory and ideas of the Avant-garde. The emancipation of the dissonance and the aesthetic of change around 1907 and 1910 have manifested the wish of a new expressive style and have given birth to many discussions in the earliest 1920s. Critics and musicologists were interested in this repertory and have analysed great characteristics and tendencies. This consciousness of modernity has characterized debates about new music but has lead to a confusion of terms and concepts. The production of new categories and the opposition to romantic aesthetic were tied to the will of rupture and idea of organic evolution. They served to ground laws of a new musical language. Many publications have contributed to build specific terminology and new values; they revived writings about art and contributed to amplify new theories. Periodical publications and books have reflected the chaotic progress of new music as establishment and his weakness as concept

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Ramos, Julie. ""Tout le visible tient à l'invisible. . . " : paysage et musique dans le romantisme allemand : Philipp Otto Runge et Caspar David Friedrich." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010688.

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Abstract:

Autour de 1800, la question des limites entre peinture et musique est un élément important du renouvellement du discours esthétique et de la pratique artistique en Allemagne. L'étude analyse ce phénomène par le biais des oeuvres de Philipp Otto Runge (1777-1810) et Caspar David Friedrich (1774-1840). Elle s'attache à en comprendre la dialectique propre, oscillant entre le pôle de l'union des artset celui de l'unité des arts. Partant des limites supposées des moyens d'expression spécifiques à chaque art, le premier pointe la nécessité d'une complémentarité des médiums conduisant à concevoir une forme d'art les combinant ; le deuxième souligne leur analogie et renvoie à une essence commune de la peinture et de la musique. Devenue concept instrumental dans la pensée du premier romantisme, cette dernière est érigée en paradigme de l'ensemble des arts. Son utilisation vise à émanciper la peinture d'un mode de representation néo-classique qui impose une imitation du visible, et ouvre l'espace d'une réflexion sur la couleur et la ligne non mimétique. Cependant, la question de la réalisation d'une telle ambition, comme le souligne la comparaison entre les positions de Runge et Friedrich,demeure à cette époque en suspens.

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Duhautpas, Frédéric. "L'expression en musique : entre sens et immanence : une problématique de la musique au regard du modèle du langage et au-delà." Thesis, Montpellier 3, 2010. http://www.theses.fr/2010MON30056.

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Abstract:

Nous nous proposons, au cours de cette thèse, de réunir les éléments d’une réflexion autour de la notion d’expression en musique. Le terme « expression » fait partie du vocabulaire courant de l’esthétique musicale. Pourtant son sens reste parfois ambigu. Le même mot peut être l’objet d’élaborations très différentes selon les contextes et les approches esthétiques. Les questions d’expression ont souvent été abordées à la lumière de conceptions sémantiques et langagières. Les liens historiques que la musique a entretenus avec le modèle verbal ont, en effet, largement favorisé ce type d’approche. Mais la notion peut aussi s’aborder en dehors des références linguistiques. Certaines approches ont, à cet égard, cherché à traiter ces questions à partir des propriétés immanentes de la musique. Dans une perspective sociocritique, des auteurs comme Adorno ont notamment envisagé cette catégorie à travers la confrontation du sujet au matériau musical. En tenant compte de la diversité des emplois, cette thèse entend éclairer les enjeux esthétiques des différentes positions. Au regard de l’importance accordée encore aujourd’hui aux conceptions sémantiques, nous examinons dans un premier temps dans quelle mesure la musique a pu s’apparenter à un langage communicationnel, mais aussi ce en quoi elle s’en éloigne. Y sont également interrogées les spécificités de la signification musicale (si tant est qu’on puisse parler de « signification »), mais aussi certaines de ses implications au regard de la médiation historique, sociale et idéologique sous-jacentes au discours musical. Nous proposons ensuite d’étudier la façon dont les approches modernistes ont cherché à renouveler et repenser la question de l’expression, et ce souvent en dehors des modèles de la communication, voire de la signification. Nous cherchons également à éclairer ces démarches au regard de certaines implications psychanalytiques, sociales et politiques The elements of a reflection about the notion of expression in music will be presented in this thesis. The term "expression" belongs to the current vocabulary of musical aesthetics. Yet the meaning of this term is frequently ambiguous. According to the context and the aesthetics approach, the notion of expression can be the object of different concepts. Issues concerning expressions have frequently been approached in the light of semantic and linguistic conceptions. Historical established bounds between music and language have favored this type of approach. But the notion has also been treated apart from linguistic references. In this respect, some approaches have attempted to focus on immanent proprieties of music. In the sociocritical perspective, authors like Adorno considered this category with respect to the social content of musical techniques and means. Taking into account the diversity of the uses of expression, it is the aim of this thesis to throw light on the aesthetic issues at stake behind the different stances. With respect to the importance still granted today to semantics conceptions, we first examine to what extent music can resemble a communicational language. We also will explore what is different. Specificities of musical significations (if one can speak of “signification”) also are questioned, as well as certain implications with respect to historic, social and ideological mediation underlying the musical discourse. Secondly, we will review the way modernist approaches attempted to renew and rethink expression, sometimes outside the communication models. We also seek to highlight these approaches with respect to certain psychoanalytic, social and political implications

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Lascoux, Liliane. "Rossini et la vie littéraire à Paris (deux séjours parisiens 1823-1836, 1855-1868)." Rouen, 1994. http://www.theses.fr/1994ROUEL187.

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Téchené, Claire. "La musique dans la poésie : une figure de l'altérité chez les Romantiques anglais." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070084.

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Abstract:

Ce travail étudie les images musicales comme les métaphores dans les œuvres poétiques complètes de Wordsworth, Coleridge, Byron, Shelley, Keats. À travers l'examen des occurrences de ce champ lexical, il s'agit d'analyser la relation d'identité-altérité entretenue par la poésie avec la musique à l'ère romantique : l'histoire commune des deux arts du temps, ou SisterArts pour la génération précédente, est retravaillée par les romantiques qui voient en la musique un véritable langage suggérant une transcendance seulement entrevue par l'homme. Dans le cadre d'un rapport nouveau du sujet sensible au monde qui l'entoure, la musique est rêvée par les poètes comme un modèle d'expression et de connaissance de la vérité et de l'harmonie universelle, mais aussi comme un repoussoir par sa trop grande ambiguïté, sa non-référentialité e son caractère éphémère. Considérée comme héritière de la tradition rhétorique, la musique est alors la mauvaise copie derridienne qui ne fait que charmer l'oreille sans être porteuse de sens. L'importance croissante de la musique instrumentale au tournant du siècle ouvre la porte sur un monde merveilleux qui, comme le silence, invite à la méditation, à la remémoration, à l'imagination, propices à la création poétique : sa faculté de mise en mouvement est le pouvoir de la musique comme Autre. Ainsi, la reconnaissance par les poètes de la particularité de la musique comme son pur et travaillé les conduit à réinvestir le genre lyrique, frontière entre poésie et musique où la première tente de regagner son unité ancienne avec la seconde, avec une nostalgie toute romantique pour l'âge d'or du chant dont elle perdit la trace lors de son entrée dans l'écrit This thesis studies the images of music such as metaphors in the complete poetical works of Wordsworth, Coleridge, Byron, Shelley and Keats. It endeavours to examine the occurrences of ail music-related words in order to understand the identity-alterity relationship between poetry and music in the romantic era. The two arts, that develop in time, were called the Sister Arts by the Augustans, and their common history was placed under scrutiny by the Romantics, who saw music as a real language that suggests a transcendence that man can only get a glimpse of. At the same time, sentient man developed a new relationship with the surrounding world, and poets dreamt of music as a model for expression and the Knowledge of truth and universal harmony; but it also served as a foil because of its ambiguity, nonreferentiality and ephemerality. Music could also be considered as the heir to the rhetorical tradition, and a Derridian pharmakon that only charms the ear and means nothing. The increasing significance of instrumental music at the turn of the century opened up the door, like silence, to a marvelous world of meditation, remembrance, imagination, ail conducive to poetic creativity. Music's talent for putting ideas into motion was recognised as its distinctive feature as Other. Thus poets acknowledged music as pure, elaborate sound, and turned to lyricism, that frontier between poetry and music where the former attempts to reclaim the old unity in a romantic, nostalgic move towards the golden age of song it lost trace of when it entered the realm of the written text

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Belmonte, Sophie. "La réception de Rossini au théâtre-italien de 1830 à 1878 : causes et manifestations d'un déclin." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0028.

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Abstract:

Après une période d'hégémonie dans les années 1820 à Paris, les œuvres de Rossini se maintiennent au répertoire du Théâtre-Italien et côtoient d'autres esthétiques lyriques jusqu'à la fermeture de la salle Ventadour en 1878. En dépit de leurs partialités, les critiques de presse rendent compte des représentations et sont des sources incontournables pour cerner comment une époque perçoit cet art. Grâce un important travail de dépouillements, nous avons essayé de cerner les différentes questions qui surgissent autour des productions de Rossini, tant au niveau de la perception que de la représentation. Plusieurs aspects émergent des chroniques et mettent en lumière la manière dont sont reçus les opéras. De 1830 à 1878, nous nous sommes intéressés à la réception de ces œuvres, ainsi qu'aux paramètres qui la conditionnent. L'œuvre, le livret, et la place qui est réservée au répertoire de Rossini au Théâtre-Italien, sont appréhendés différemment suivant les époques et les critiques. De plus, les commentaires sur les représentations permettent de considérer le rôle capital des chanteurs et leur capacité à entretenir le bel canto malgré les impératifs esthétiques du romantisme qui engendrent un nouveau regard sur les œuvres du maître et créent de nouvelles attentes. Nous nous sommes efforcés de comprendre comment les opéras résistent au temps et quels mécanismes participent peu à peu à leurs déclins, la presse et le public étant à la fois les acteurs et les témoins de ce phénomène After a hegemony period in the 1820s in Paris, Rossini's works are maintained in the repertoire of the "Théâtre-Italien" alongside other lyrical aesthetics until the closure of the"Ventadour" hall in 1878. Despite their bias, the press reviews report on performances and represent incontrovertible sources to understand how this art is perceived by an era. Through extensive research, we tried to identify the various matters which arise around the production of Rossini, at the perception and representation level. Several aspects emerge from the chronics and highlight the way of the reception of these operas. We will therefore focus on how these works from 1830 to 1878 had been received as weIl as on the parameters on which this reception depended. The work, the libretto and the piace reserved to the Rossini's repertoire at the "Théâtre-Italien" are apprehended differently according to the different periods and different critics. Furthermore, the performance comments allow to understand ti). E main role of the singers and their ability to maintain the bel canto despite the aesthetic imperatives of romanticism which generate a new view of the master's works and create some new expectations. We tried to understand how the operas resist to time and what are the mechanisms involved in their graduaI decline, the press aI\d the public being both actors and witnesses of this phenomenon

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Cotton, André. "Virtuosité des pianistes de jazz américains, de Jelly Roll Morton à Brad Mehldau : histoire parallèle et héritage du Romantisme européen." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSE2071/document.

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Abstract:

L’objectif de cette thèse est de s’interroger sur la prégnance éventuelle de paradigmes romantiques chez les pianistes improvisateurs solistes issus du jazz. Du modèle de la virtuosité soliste au style et plus généralement à l’esprit romantique,est-il possible de déceler, chez eux, une part d’héritage assumée ou non ? Concernant des pianistes aussi différents que les virtuoses de la musique savante romantique du XIXe siècle en Europe et les pianistes de jazz américains du siècle suivant, le terme d’héritage pourrait sembler inadapté voire abusif. Or il ne faut pas sous-estimer l’apport de la musique savante écrite aux musiques improvisées, en particulier dans le domaine pianistique. Tous les pianistes improvisateurs se sont plus ou moins trouvés confrontés à des pages extraites des répertoires classique, romantique ou contemporain, tout au moins pendant leurs études pianistiques qui pour certains, ont été extrêmement approfondies. Peut-on discerner dans le jeu de certains virtuoses les influences des deux grands génies romantiques au caractère si différent que furent Chopin l’intimiste et Liszt l’extraverti au travers de cette virtus latine reliant habileté et transcendance, apanage du héros prométhéen qui vole le feu pour l’offrir à l’humanité ? La musique improvisée est fréquemment une entité de partage, le récital de soliste restant l’exception. C’est à l’occasion de ce moment privilégié que les rares élus, dont la relation à l’instrument sur lequel ils jouent est à chaque fois nouvelle, accèdent au statut de héros en valorisant énergie, action et savoir humain. De Jelly Roll Morton, autoproclamé « inventeur » du jazz à l’improvisation totale de l’ère post-bop, en passant par les pianistes de stride et Art Tatum, la représentation du romantisme revêt des aspects protéiformes allant de l’émancipation des aspects fonctionnels liés à la danse aux préoccupations programmatiques d’un Brad Mehldau se remémorant Schumann The aim of this thesis is to question the possible impact of romantic paradigms for soloist improviser pianists coming from the jazz scene. From the soloist virtuosity to the style and more generally to the romantic spirit, is it possible to find in their work a certain heritage, whether it is overtly admitted or not? However, 19th century classical music virtuosi and jazz pianists from the following century are so different that it seems natural to wonder whether the word ‘heritage’ is the proper one to use. Yet, the contribution of written classical music to improvised music pieces shouldn’t be overlooked, especially when examining thepianistic domain. Every improviser pianists have been faced with pieces from the classical, romantic or contemporary repertoire to some extent, at the very least during their piano studies which, for some of them, were extremely advanced. Through the Latin virtus connecting dexterity and transcendence – the prerogative of the Promethean hero stealing fire as a present for humanity - could it be possible to find in the playing of certain virtuosi the influence of the two great romantic geniuses, Chopin the intimist and Liszt the extrovert, whose characters were so different? Improvised music is frequently a moment of sharing (soloists’ recitals being the exception) and it is the moment when a few chosen ones can reach the status of heroes, emphasizing energy, action and human knowledge. From Jelly Roll Morton, self-proclaimed “inventor” of jazz music, the stride pianists and Art Tatum,to the complete improvisation of the post-bop era, romanticism is represented through many different protean aspects such as the emancipation of functional aspects connected to dance or again the programmatic concerns of a certain Brad Mehldau, reminiscing about Schumann

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Leduc, Alain. "L'idéal, le réel et le vécu : la problématique du sens dans l'oeuvre de Gustav Mahler." Paris 12, 1996. http://www.theses.fr/1996PA120006.

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Abstract:

Figure emblematique de la fin de siecle viennoise, le compositeur gustav mahler (1860-1911) se veut philosophe en meme temps que musicien. Mather (1860-1911) se veut philosophe en meme temps que musicien. Toute son oeuvre, comme en temoignent ses nombreux biographes et commentateurs, est nourrie et petrie de l'heritage de la pensee allemande du 19eme siecle, et en particulier de l'ample tradition idealiste et metaphysique, toujours en quete de verites "superieures", telle que l'ont incarnee les goethe, holderlin, schopenhauer et autres wagner ou nietzsche. Mahler, cependant, ne se distinguerait pas en cela de la plupart des compositeurs du romantisme ou postromantisme austro-allemands, si sa musique - d'une maniere sans doute unique dans l'histoire de l'art occidental - ne participait elle-meme activement a l'elaboration d'un nouveau sens, plus authenitique, en faisant de sa propre capacite a etre langage et support d'idees l'objet d'une reflexion critique sans relache, bien que plus ou moins instinctive. En se proposant d'analyser le sens mahlerien, qui resulte de cette confrontation du monde de la forme et du monde des idees, la presente etude souleve donc a nouveau l'epineuse question du rapport entre la musique et le langage An emblematic figure at the turn of the viennese era, the composer gustav mahler (1860-1911) considered himself a philosopher as much as a musician. As many biographies and commentaries show, all of his work is filled and imbibed with the 19th century german school of thougt and in particular with the fully idealistic and metaphysical tradition found in the constant search for 'superior' truths such as those incarned by goethe, holderlin, schopenhauer and others such as wagner or nietzsche. Mahler, however, would not have been singled out from most other austro-german romantic or postromantic composers had his music - in a unique manner in the history of western art - not contributed itself to the development of a new, more authentic sense, thus rendering the capacity to become language and a support for ideas the object of critical and relentless contemplation, albeit more or less instinctive. By proposing to analyse the maherian sense which results from this confrontation of the world of form and the world of ideas, the present study raises, once again, the thorny question of the relationship between music and language

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Bystritskaya, Alina. "Les oeuvres de S. Rachmaninov d'apres des textes d'A. Pouchkine." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080012.

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Abstract:

Le travail de recherche présenté dans notre thèse, Les oeuvres de Rachmaninov d'après des textes de Pouchkine, s’élabore à partird’un large corpus littéraire. Il s’agit de comprendre comment s’opère la transposition musicale d’oeuvres littéraires. Le filconducteur de la thèse n’est autre que le dialogue fécond qui se noue entre le texte et la musique. Dans cette thèse, notre intérêts’est principalement porté sur la création musicale de deux opéras : Aleko e t Le Chevalier avare . Accessoirement, nous avonségalement contribué à l’étude de pièces courtes, comme les romances. La réflexion menée tout au long de cette thèse a pour cadrel’adaptation musicale de textes écrits. Il importe donc de comprendre comment s’opère la rencontre entre deux langages, et depercevoir l’acte créateur par lequel Rachmaninov parvient à ʺfaire chanterʺ des oeuvres écrites de Pouchkine. Le livret de l’opéraAleko inspiré du long poème Les Tsiganes lui est imposé pour la réussite d’une épreuve académique. À l’inverse, le compositeurs’est librement emparé du texte du Chevalier avare pour l’adapter à l’opéra. Chacun de ces deux textes comporte de nombreusescontraintes. Dans quelle mesure Rachmaninov a-t-il réussi à conserver le sens de ces oeuvres ? Pour Le Chevalier avare laquestion se pose moins que pour Aleko. En effet, le long poème de Pouchkine, Les Tsiganes, transformé en livret sous le titreAleko, contient de nombreux motifs romantiques propres à la jeunesse exilée du poète. Écrit dans une période bouillonnante quifait écho à Byron et au romantisme qui s’étend en Europe comme un vaste mouvement culturel et politique, ce poème est porté parun souffle particulier. Il n’est pas certain que l’opéra ait maintenu cette fulgurance originelle autour de la notion, alors ô combiendébattue, de la liberté. Par contre le travail du compositeur permet de faire résonner l’âme collective des Tsiganes et le lyrismedésenchanté par l’association des voix et de l’orchestre. Il y a dans l’adaptation de Rachmaninov une réelle recherche des effetssonores, aux dépens sans doute du sens premier et originel du poème. Avec Aleko, le compositeur se situe dans une certainetradition, avec Le Chevalier avare, il prend ses marques et entre de plein pied dans une forme revendiquée de modernité. Cettepièce réputée impossible à adapter musicalement permet au compositeur d’enrichir sa réflexion. Il s’inspire en effet du travailpréalablement mené par Stanislavskii pour la mise en scène d’un drame aux accents tragiques. L’adaptation est un véritable défiesthétique aux lois du genre de l’opéra. Rachmaninov relève le défi, cette fois, sans renier le texte. L’originalité de la créationmusicale consiste alors dans l’harmonie trouvée entre les voix masculines de l’opéra et l’orchestre. La notion de figuralismesapparaît donc comme centrale et essentielle dans notre travail de recherche. Si le terme appartient davantage à l’analyse de lamusique baroque, il conserve tout son sens dans le cadre d’une étude consacrée au peintre des sentiments qu’est Rachmaninov. Lestyle du compositeur repose pleinement sur l’usage de ces figuralismes quand il adapte Pouchkine. La thèse le montre, siRachmaninov s’est trouvé un style musical, tout à la fois singulier et puissant, c’est à la lecture des oeuvres de Pouchkine qu’il ledoit The research work presented in our dissertation, Rachmaninov's works on Pushkin's texts, is based on a large literary corpus. It isa matter of understanding how musical transposition of literary works occurs. The guiding thread of the dissertation is basically thefruitful dialogue between the text and the music. Within this dissertation, our interest mainly focused on the musical creation oftwo operas: Aleko and The Miserly Knight. We also contributed to the study of short pieces, such as romances. The reflection wehave carried out throughout this dissertation is based on the musical adaptation of written texts. Therefore, it is important tounderstand how the meeting between two languages occurs, and to perceive the creative act by which Rachmaninov succeeds tomake Pushkin's written works “sing”. It is from the texts studies that the musical analysis of Rachmaninov’s operas got realized.The booklet of the Aleko opera inspired by the long poem The Gypsies is set fo the success of an academic test. On the contrary,the composer freely took possession of the text of The Miserly Knight to adapt it to the opera. Each of these two texts containsmany constraints. To what extent did Rachmaninov succeeded in maintaining the meaning of these works? For The MiserlyKnight, the question arises less than for Aleko’s. In fact, the long poem of Pushkin, The Gypsies, transformed into a booklet underthe title Aleko, contains many romantic motifs specific to the exiled youth of the poet. Written in a bubbling period that echoes toByron and to romanticism which extends in Europe as a huge cultural and political movement, this poem is carried by a particularbreath. It is not certain that opera has maintained this original dazzling around the notion, then much debated, of freedom. On theother hand the work of the composer makes it possible to echo the collective soul of the Gypsies and the lyricism disenchanted bycombining voices and orchestra. There is a real quest for sound effects in Rachmaninov's adaptation, at the expense of the firstsense and original meaning of the poem. With Aleko, the composer follows a certain tradition, with The Miserly Knight, he takeshis own marks and fully enters in a claimed form of modernity. This piece famed as impossible to adapt musically enables thecomposer to enrich his thought. Indeed, he is inspired by the work previously carried out by Stanislavskii for the staging of adrama that sounds really tragic. The adaptation is a real aesthetic challenge to the opera’s laws of the genre. Rachmaninov takes upthe challenge, this time, without disowning the text. Then, the originality of the musical creation consists in the harmony foundbetween the male voices of the opera and the orchestra.Thus, the notion of word painting appears as central and essential in our research work. If the term belongs more to the analysis ofbaroque music, it keeps its full meaning in the context of a study devoted to the painter of feelings such as Rachmaninov. Thecomposer style fully relies on the use of these word paintings when he adapts Pushkin. The thesis shows that if Rachmaninov hasfound a musical style, both singular and powerful, it is all due to the Pushkin’s work

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Guelpa, Lucie-Hélène. "La nature et sa traduction musicale dans la tragédie lyrique française de "Cadmus et Hermione" (1673) aux "Boréades" (1764)." Paris 4, 1988. http://www.theses.fr/1987PA040425.

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Abstract:

De Lully à Rameau, l'évocation de la nature est permanente dans les quatre-vingt-quinze tragédies lyriques recensées. Les librettistes utilisent la nature pour leur décor théâtral dans lequel ils font évoluer des personnages mythologiques ou non, liés, eux-mêmes, à la nature. Par l'harmonie des vers les poètes emplissent leurs livrets d'images calquées sur une nature bienveillante ou hostile. Les compositeurs mettent en musique différentes composantes de la nature: le ciel et la terre, l'eau, le jour et la nuit, les saisons, le vent, la tempête, l'orage et les oiseaux. Dans leur recherche d'imitation de la nature, ils utilisent les ressources du rythme, de la mélodie, de l'harmonie et de l'instrumentation. Cette imitation n'est pas en réalité une copie de la nature, mais plutôt une représentation que le musicien se fait de la nature, voire une altération subjective. Par l'exaltation de la nature, particulièrement sous sa forme hostile, la tragédie lyrique française contient déjà des thèmes que les romantiques reprendront et développeront. L'union intense entre les héros et la nature montre que l'âme des artistes de cette époque est en train de découvrir la nature romantique From Lully to Rameau, the evocation of nature is constant within the eighty five French lyrical tragedies which have been studied. The librettists are using nature for their scene in which they introduce mythological, or not, characters, directly linked themselves to nature. Through the harmony of the verse, the poets are filling up their librettos with pictures derived from a hostile or kind nature. The composers are introducing in their music various components of nature: heaven and earth, water, day and night, seasons, wind, tempest, thunder-storm, and birds. In search of imitating nature, they are using the means of rhythm, melody, harmony and instrumentation. This imitation is not really a mere copy of nature but rather the way the musician is representing nature to himself, and even a subjective misrepresentation. Through the exaltation of nature, especially in its hostile form, the French lyrical tragedy is yet developing themes which will be revived and developed further more by the romantics. The strong union between the heroes and nature demonstrates that the spirit of the artists of that period is discovering the romantic nature

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Palazzetti, Nicolo'. ""Le musicien de la liberté." Le réception de Béla Bartók en Italie (1900-1955)." Thesis, Paris, EHESS, 2017. http://www.theses.fr/2017EHES0085.

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Abstract:

Cette thèse est consacrée à la réception de la figure et de l’œuvre de Béla Bartók (1881-1945) en Italie, dans la première moitié du XXe siècle. Opérée depuis un point de vue musicologique, l’analyse de l’influence bartókienne dans les œuvres de nombreux compositeurs italiens (d’Alfredo Casella à Bruno Maderna) invite à reconsidérer l’évolution du modernisme artistique en Italie, ainsi que les fondements de la poétique du musicien hongrois – informée par le nationalisme magyar, la « pureté » du folklore paysan et l’utopie de la « musique nocturne ». Par ailleurs, l’étude des formes de transmission et de critique de l’un des compositeurs canoniques du siècle dernier soulève des enjeux plus généraux, qui relèvent de l’histoire culturelle : la continuité entre modernisme artistique et totalitarisme, les formes et les significations de la résistance culturelle, les rapports entre musique et diplomatie, la construction du mythe antifasciste de Bartók. À bien des égards, la « vague bartókienne » qui s’affirma en Italie pendant la période de la guerre froide fut l’aboutissement de la fusion entre le mythe de Bartók – ce « musicien de la liberté » dont parlait le critique Massimo Mila – et le mythe de la renaissance nationale. Une fusion qui avait ses origines dans le paysage sonore de la dictature fasciste et de la Resistenza This thesis focuses on the reception of Béla Bartók’s music and figure in Italy during the first half of the twentieth century. From a musicological standpoint, the analysis of Bartók’s influence on the works of several Italian composers (from Alfredo Casella to Bruno Maderna) invites us to reconsider the evolution of artistic modernism in Italy, as well as the foundations of Bartók’s poetics – which is informed by Hungarian nationalism, the “purity” of peasant folklore, and the utopia of “night music”. Furthermore, the study of the forms of transmission and criticism of one of the canonical composers of the last century raises broader issues concerning cultural history, such as: the continuity between artistic modernism and totalitarianism, the forms and meanings of cultural resistance, the relation between music and diplomacy, and the construction of the antifascist myth of Bartók.This thesis argues that the Bartókian Wave, which emerged in Italy during the early Cold War period, was the result of the fusion between the Bartók myth – i.e. the “musician of freedom” celebrated by the critic Massimo Mila – and the myth of national regeneration: a fusion that had its origins in the soundscape of Fascist dictatorship and the Resistenza

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Crochu, Mariette. "L’Atelier du lied romantique : poétique de la ballade de la Goethezeit." Thesis, Rennes 2, 2020. http://www.theses.fr/2020REN20022.

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Abstract:

Lorsque l’on se penche sur les poèmes appelés ballades, objets d’une furieuse vogue dans le monde germanique depuis le Sturm und Drang, on se heurte partout à l’absence d’accord sur ce qui fait leur spécificité. C’est en partie dans cet espace poético-musical protéiforme qu’est forgé le lied romantique. Franz Schubert (1797-1828) passe ses premières années de compositeur à mettre en musique de longues ballades, et y revient jusqu’à la fin de sa vie ; Carl Loewe (1796-1869) passe maître de cet art. La ductilité du genre, sa résistance aux tentatives de définition sur le double terrain des lettres et de la musique (Sulzer 1771-1774, Koch 1802, Hegel 1818-1830, Häuser 1833…) mettent en péril sa propre pérennité, mais font aussi de lui un extraordinaire terrain d’expérimentation pour la lyrique musicale en effervescence. Il entre en résonance avec bien des enjeux de la musique du XIXe siècle, parmi lesquels la pratique orale des interprètes, récitants et chanteurs, la question de la narration musicale, et les passerelles entre musique de salon et scène lyrique, entre domaine vocal et domaine instrumental. Cette thèse souhaite contribuer à éclairer le devenir du Kunstlied à travers le prisme d’un de ses lieux privilégiés d’élaboration. Avec la ballade, cet étrange hybride de récit sans conteur identifiable, de drame sans scène et de musique, les dimensions du traditionnel Lied germanique s’élargissent jusqu’à l’émergence du Kunstlied ; mieux, elle fait d’entrée de jeu éclater l’unité émotionnelle de ce dernier. Notre recherche retrace ce parcours imprévisible et les questions qu’il soulève, pour mieux comprendre, non pas l’objet abouti que serait « le lied romantique », mais plutôt le passionnant travail de création artistique, le progressif modelage d’un objet musical, entre-deux des genres, dans ses multiples formes au fil du temps When we look at the poems called ballads, which have been furiously popular in the Germanic world since the Sturm und Drang, we encounter a general lack of agreement on their specificity. The Romantic Lied was partly forged in this multifaceted poetic-musical space. Franz Schubert (1797-1828) spent his early composing years setting long ballads to music, and was to return to do so until the end of his life; Carl Loewe (1796-1869) became a master of this art. The ductility of the genre and its resistance to all attempts at defining it in the two fields of literature and music (Sulzer 1771-1774, Koch 1802, Hegel 1818-1830, Häuser 1833…) jeopardize its own durability, but also make it an extraordinary experimental field for the vibrant musical lyricism. It is in tune with many of the issues at stake in 19th-century music, including the vocal practice of performers, reciters and singers, the issue of musical narration, and the connections between salon music and lyric stage performance, between the vocal and instrumental realms. This dissertation attempts to shed light on the becoming of Kunstlied through the prism of one of its key development settings. The ballad, a strange hybrid of storytelling without an identifiable storyteller, of music and stageless drama, broadens the dimensions of the traditional German Lied until the emergence of Kunstlied; better still, it shatters the emotional unity of the latter from the outset. Our research retraces this unpredictable process and the questions it raises, in order to better understand not the accomplished object that would be “the romantic Lied”, but rather the exciting work of artistic creation, the progressive modelling of a musical object, between the genres, in its multiple expressions over time

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Milli, Pietro. "Giacomo Manzoni : son oeuvre et sa poétique." Thesis, Normandie, 2018. http://www.theses.fr/2018NORMR045.

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Abstract:

La thèse, divisée en trois parties, constitue une introduction à l’univers musical de Giacomo Manzoni (Milan, 1932). La première partie aborde huit dimensions de l’œuvre du compositeur dans une perspective analytique (matériau, temps, dynamique, timbre, forme, figures sonores, espace et texte). Dans la deuxième partie, où figure une étude de Per Massimiliano Robespierre (1974) et de Doktor Faustus (1988), sont présentés les principaux axes de sa poétique : l’engagement et l’innovation. La dernière partie conceptualise la notion de matiérisme en tant que fondement de sa praxis compositionnelle. À ce propos, Atomtod (1964), sa troisième œuvre pour le théâtre musical, a été analysée. Des documents inédits, dont des esquisses de ses œuvres et une correspondance avec Luigi Nono, ont été commentés tout au long de la thèse. Les annexes incluent un catalogue chronologique et thématique des œuvres du compositeur, une édition critique bilingue des textes mis en musique, la traduction de son dernier livre (Parole per musica) et une discographie This thesis, which consists of three parts, represents an introduction to Giacomo Manzoni’s (Milan, 1932) musical ideas. First part deals with eight dimensions of his work from an analytical point of view (material, time, dynamics, timbre, form, sound shapes, space and text). In the second part, which contains an analysis of Per Massimiliano Robespierre (1974) and Doktor Faustus (1988), two main axes of his poetics were examined: commitment and innovation. Last part conceptualizes the notion of materialism in his poetics, as it constitutes the basis of his musical praxis. To this end, Atomtod (1964), his third work for the stage, was analysed. Unpublished documents, like sketches of his works and a correspondence with Luigi Nono, were commented throughout the thesis. Appendices include a chronological and thematic catalogue of his works, a bilingual critical edition of the texts which he set to music, a French translation of his last book (Parole per musica) and a discography

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Lehmann, Michel. "Giuseppe Verdi : la Trilogie (Rigoletto - Il Trovatore - La Traviata) et ses "posizioni" : éléments pour une dramaturgie générative sous l'influence du drame romantique." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040136.

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Le regroupement de Rigoletto, d'Il Trovatore et de la Traviata sous le terme de trilogie, est l'acception populaire et savante. Pourtant aucune définition convaincante ne vient renforcer ce concept. Les opéras de la trilogie témoignent de l'intérêt que Verdi porte au drame romantique français, à sa dramaturgie en particulier. C'est à travers la "posizione", un vocable employé par Verdi pour désigner une unité dramaturgique constituante, que se manifeste cet intérêt. Verdi élabore une dramaturgie générative à partir de la "posizione", lui subordonnant les langages dramatique, littéraire et musical. Cette démarche permet d'intégrer les caractéristiques du drame romantique français. Elle est à l'origine d'une pensée dramatique commune aux trois opéras et offre une nouvelle définition à la trilogie The grouping together of Rigoletto, il Trovatore and la Traviata as a trilogy is both a popular and scholarly tradition. However, there is no convincing definition to corroborate this concept. The three operas attest to Verdi’s interest in French romantic drama, more particularly in its dramaturgy. This interest of his appears in what Verdi calls "posizione", to designate a single dramatic sequence. Verdi's generative dramaturgy is developed from this concept of "posizione" to which he subordinates all the different languages, literary, musical, and dramatic proper. This enables him to integrate the characteristics of the French romantic drama. Verdi's approach is at the root of a dramatic conception common to all three operas, therewith providing a new working definition for the trilogy

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Langlois, Sylvain. "Les opéras de Rossini, Bellini et Donizetti au Théâtre des Arts de Rouen à l'époque romantique : direction de théâtre, répertoire, production et réception." Rouen, 2009. http://www.theses.fr/2009ROUEL014.

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Abstract:

Au second quart du XIXe siècle, le répertoire lyrique du Théâtre des Arts de Rouen connaît une évolution progressive durant vingt années. Jusqu'alors composée essentiellement d'opéras-comiques, la programmation lyrique du Théâtre se diversifie, permettant au public rouennais de découvrir de nouveaux genres : opéras-traductions de Rossini, grands opéras d'Auber, Meyerbeer, Halévy, etc. Au début de l'année 1839, la direction du théâtre propose deux traductions d'opéras italiens : Anne de Boulen de Donizetti et La Somnambule de Bellini. Ces deux créations demeurent le point de départ d'un certain engouement de la part du Théâtre pour ces deux compositeurs. Durant six années, les directions successives programment plusieurs opéras de Donizetti, Bellini et Rossini. Les représentations du "répertoire lyrique italien" augmentent considérablement et occupent plus d'un tiers du répertoire global durant l'année 1843-1844. Cette "italophonie" soudaine résulte de l'heureuse rencontre de différents protagonistes : directeurs, chef d'orchestre, chanteurs, décorateur, etc. La diffusion de l'opéra romantique italien permet le développement des moyens de productions du Théâtre dans le but de répondre aux exigences de ce nouveau genre. Plusieurs opéras de Donizetti intègrent pleinement le répertoire lyrique du Théâtre et se classent parmi les oeuvres les plus représentées durant tout le XIXe siècle. Une chronologie évènementielle entre 1839 et 1844, réalisée à partir du dépouillement de périodiques rouennais, permet d'évaluer l'importance de l'arrivée de ce "répertoire italien" sur une scène provinciale, tout en déterminant sa part d'italianité During the second quarter of the nineteenth century, the lyric repertoire of the Théâtre des Arts of Rouen had known a progressive evolution. Previously composed of light operas, the lyric programming of the theatre was diversified thus allowing the opera-going public of Rouen to discover news genres : operas-traductions (translations) by Rossini, grands-operas by Auber, Meyerbeer, Halevy etc. . . Early in 1839, the direction of the theatre proposed two translations of Italian operas : Anne de Boulen by Donizetti and La Somnambule by Bellini. These two creations were the starting point of certain craze on behalf of the Theatre for these two composers. During six years, the successive directions scheduled several operas by Donizetti, Bellini, Rossini. "Italian Lyric repertoire" performances increased considerably and represented more than a third of the global repertoire during years 1843-1844. This sudden "italophony" resulted from the meeting between various protagonists such as directors, conductors, singers, stage designers, etc. The success of Italian romantic opera allowed the development of the means of production of the Theatre in order to meet the requirements of this new genre. Several operas by Donizetti fully integrated the lyric repertory of the theatre and ranked among the most performed plays throughout the nineteenth century. A chronology of events between 1869 and 1844 made from the examination of Rouen Periodicals allowed to assess the importance of the arrival of this "Italian repertoire" on a provincial stage, while determining its share of Italianity

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Lebarbier, Amandine. "“Cette jolie muse chrétienne” : la figure de sainte Cécile dans la littérature et les arts en Europe au XIXe siècle." Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100147.

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Abstract:

Cette thèse s’attache à montrer le rôle important qu’a joué la figure de sainte Cécile au XIXe siècle dans l’imaginaire musical européen. La première partie de ce travail est consacrée à l’historiographie de sainte Cécile, du Ve siècle au XIXe siècle, et à l’inscription de la figure dans l’espace culturel européen. Différents media ont contribué à faire de la patricienne romaine légendaire une sainte patronne reconnue et célèbre dont, au premier chef, le tableau de Raphaël, L’Extase de sainte Cécile. Cette œuvre du patrimoine artistique européen fait l’objet d’une véritable fascination auprès des écrivains, des musiciens et des peintres de la première moitié du XIXe siècle et ce travail tente d’en comprendre les raisons. Dans un deuxième temps, cette thèse montre que la figure de sainte Cécile est une figure trope, une allégorie vive, utilisée par de nombreux écrivains pour construire un discours sur la musique, sur l’art et sur le rapport entre les arts. Il y a véritablement des moments sainte Cécile au XIXe siècle qui conduisent à recharger la figure d’un souffle vivant ; elle s’impose alors, non plus comme une figure de rémanence, mais bien comme la possibilité de penser une transcendance et de construire un discours esthétique. Le troisième axe de cette recherche s’inscrit dans une perspective d’études de genres. Héritière de plusieurs types de traditions de représentations féminines, sainte Cécile apparaît comme un outil analogique riche de présupposés idéologiques sur la représentation de la femme et en particulier de la femme musicienne. Représentantes d’un Éternel féminin fantasmé, les femmes musiciennes comparées à sainte Cécile sont les garantes d’une mémoire idéologique qui enferme la femme musicienne dans un champ très restreint de la pratique musicale This thesis aims to show the important role played by the figure of Saint Cecilia in the European musical psyche in the 19th century. The first part of this work is devoted to the historiography of Saint Cecilia, from the fifth century to the 19th century, and to the inclusion of the figure in the European cultural space. Various media have contributed to make this legendary Roman patrician a celebrated and famous patron saint but, first and foremost, is the picture of Raphael, The Ecstasy of St. Cecilia. During the first half of the 19th century this artistic European heritage artwork is the subject of a true fascination for the writers, musicians and painters. This thesis tries to understand the reasons why. In the second phase, this thesis shows that the figure of Saint Cecilia is a trope figure, a vivid allegory, used by many writers to construct a discourse on music, art and the relationship between the arts. During the 19th century there were several strong phases of focus on Saint Cecilia, each leading to recharge the figure with a vivid breath. She then imposes herself, no longer as a figure of persistence only, but rather as the possibility of thinking about transcendence and of constructing an aesthetic discourse. The third axis of this research focuses on gender studies. Heiress to several types of feminine representations, Saint Cecilia appears as an analogical tool, rich in ideological presuppositions on the representation of women and women musicians. Representation of an eternal feminine fantasy, the female musicians associated to Saint Cecilia are the guarantors of an ideological memory which encloses the female musician in a very restricted area of the musical practice

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Mirensky, Shaul. "L'approche spatio-polyphonique dans les interprétations des pianistes de la deuxième moitié du XIXe siècle et la première moitié du XXe siècle." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3061/document.

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Abstract:

Le but de ce travail est d'étudier l'art d'interpréter de plusieurs générations de pianistes dont la formation remonte au XIXe siècle, mais dont l'activité s'est étendue jusqu'à la 1re moitié du XXe siècle. L'essor de l'interprétation qui marqua cette époque a prodigué des artistes qui - à la suite de leurs grands maîtres (Chopin, Liszt, A. Rubinstein) - ont déjà laissé un nombre considérable d'enregistrements permettant de saisir à travers leur jeu une image authentique de l’œuvre romantique. En nous référant à l'idée que l'essor du pianisme à la charnière des XIXe - XXe siècles provient de l'expansion remarquable de l'art d'interpréter au XIXe siècle, nous avançons l'hypothèse selon laquelle c'est précisément dans les positions esthétiques et dans la vision du monde propre à cette époque qu'il faut chercher les sources d'un tel essor. Parmi les caractéristiques importantes de la manière d'interpréter des pianistes de la 2e moitié du XIXe siècle, entrent d'abord en jeu la faculté de penser imagée, la liberté et une manière d'improviser en modifiant les textes des œuvres exécutées. Ces données se combinent d'ailleurs avec d'autres, comme l'intellectualisme. Les analyses de certaines particularités de style, des manières de jouer, typiques du XIXe siècle (comme le rubato, le « pointillisme etc.), nous révèlent ainsi ce que fut la réelle pensée polyphonique du Romantisme. Il ne s'agit pas de la seule écriture polyphonique, mais d'un principe polyphonique au sens plus large, s'exprimant à travers le style d'interpréter qui, à son tour, définit la perception spatio-temporelle spécifique de ces quelques décennies The aim of this work is to study the performing art of several generations of pianists who were trained in the 19th Century but who extended their artistic activity throught the 1st half of the 20th Century. The rise of the art of interpretation which marked this period gave the artistes who - following their great masters - have left a considerable number of records where their plaiyng conjures up an image of the romantic composition that may be more authentic, though it is quite different from that of today.Based on the idea that the rise of the pianism at the turn of the 20th Century comes largely from the remarkable expansion of the 19th Century performing arts, we hypothesize that it is precisely in the aesthetic positions and the vision of the world inherent in the Romantic era that we should look for the sources of such a rise. Chief among the important features of the style of interpretation of the pianists of the 2nd half of the 19th Century, was their creative thinking, but also the surprising freedom they enjoyed to improvise and modify compositions. Other features include the intellectualism of their approach to the performed composition. Analyses of certain peculiarities of style, of the ways of playing typical of the 19th Century (such as rubato, the « pointillism » etc.) reveal the real polyphonic thougth of the Romantic era. This is not only the polyphonic writing itself, but a polyphonic principle in a broader sense, manifesting itself through the style of interpretation which, in turn, defines the specific spatio-temporal perception of these several decades

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Leflot, Thomas. "La correspondance des arts chez Vincent d’Indy : étude de ses pratiques musicales, picturales et de ses écrits au regard de son environnement socio-culturel, philosophique et artistique." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040120.

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Abstract:

Célèbre compositeur et enseignant, Vincent d’Indy est moins connu pour l’intérêt qu’il porta tout au long de sa vie aux beaux-arts. Il pratiqua le dessin et la peinture pendant plusieurs décennies et parcourut l’Europe à la recherche des plus beaux sites historiques et des plus fameux musées. Sa fréquentation des artistes et des mécènes dans les Salons et les expositions lui permit d’avoir de fructueux échanges avec de nombreux plasticiens. Son obsédante référence à la nature dans ses aquarelles apparaît également dans ses poèmes symphoniques ou ses opéras. Cette thématique bucolique s’inscrit dans une sphère d’influence romantique qui jalonne ses compositions. Enfin, son approche de l’histoire de la musique est réhaussée de multiples références esthétiques. Elles nous éclairent sur ses influences, d’Émile Mâle à John Ruskin en passant par Félicité de Lamennais The celebrated composer and professor Vincent d'Indy is less well-known for his lifelong interest in the arts. He drew and painted for many decades, and he travelled throughout Europe looking for the most beautiful historical sites as well as the most famous museums. Associating with artists and patrons of art in salons and exhibitions enabled him to benefit from contact with numerous painters or sculptors. His constant reference to nature in his watercolours was also apparent in his symphonic poems or operas. This rustic theme places him in a field of romantic influence in which compositions blaze a trail. Also, his approach to the history of music is heightened by the many aesthetic references which throw light on his influences, such as Émile Mâle, John Ruskin or Félicité de Lamennais

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Venter, Dawid Johan. "Die aristokraat-virtuoos in die moderniteit : die ontwikkeling van die Franse Fluitskool in die laat negentiende eeu (Afrikaans)." Diss., University of Pretoria, 2008. http://hdl.handle.net/2263/23578.

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Abstract:

During the early 19th century, the flautist became known as a frivolous “dandy” figure whose extravagant appearance suited his light and virtuoso playing. He becomes a so-called professional virtuoso, generating his own income in the absence of aristocratic patronage while entertaining the rising bourgeois public, who demands light yet virtuoso performances. Many artists are disillusioned in this sphere where the arts seem to be reduced to something that is merely utile to the public – a form of entertainment; a social tool. The greatest concern of writers and poets is that the universal truth of their modern reality will not be expressed in art. It becomes the quest of these seemingly disempowered intellectuals to fight this tendency and to express the existential anguish, uncertainty and ennui of the modern materialist society through their art. It is against this background that the concept of the flautist as “aristocratic virtuoso” is developed. This idea opposes the concept of the “professional virtuoso” of the early 19th century. In this society where artists have to find their voice without the support of the aristocratic classes, 19th century disillusioned poet Charles Baudelaire develops the concept of a symbolic cultural aristocracy, wherein the artist is a privileged outsider “on the inside”; a spectator who takes up all of everyday existence, and transforms it into a profound poetic reality. It is with this theory in mind that I develop my thesis of the flautist as aristocratic virtuoso – a figure who captures the universal beauty of his time through his music and shares it with his audience. This dissertation is, therefore, a study of the events that brought about this re-definition of the role of the flautist in the 19th century. It explores the contribution of prominent composers, the impact of the Société Nationale de Musique Française and the French Flute School, as well as the development of the instrument. AFRIKAANS : Gedurende die vroeë 19de eeu onderskei die fluitis hom as ‘n byna windmakerige “dandy” figuur; sy fisieke voorkoms passend by sy ligte, dartelende tog uiters virtuose spel. Hierdie vroeë 19de eeuse fluitis staan bekend as die professionele virtuoos, omdat kunstenaars nie meer die beskermheerskap van die aristokrasie geniet nie, en vir hulle bestaan afhanklik word van die bourgeois publiek wat indrukwekkende, dog verteerbare vermaak van musici vereis. Verskeie kunstenaars voel vervreem in hierdie sfeer waarbinne die kunste gereduseer word tot iets wat “van nut” is vir die publiek. Die grootste kommer van skrywers en digters is dat dit wat van universele waarde in die realiteit van hulle epog is, nie tot uitdrukking kom in die kunste nie. Skrywers en intellektuele voel hulleself ontmagtig en dit word hulle doel om teen hierdie tendens te stry en deur hulle kuns die eksistensiële angs, onsekerheid en leegheid van die moderne materiële bestel uit te beeld. Dit is in hierdie denkraamwerk dat die konsep van die fluitis as “aristokraat virtuoos” sy oorsprong het. Hierdie idee staan vanselfsprekend in teenstelling met die “professionele virtuoos” van die vroeë 19de eeu. In ŉ samelewing waar die kunste sonder die reële gegewe van die aristokratiese beskerming en bevordering ŉ medium moet vind waarbinne hulle eie moderniteit uitgedruk kan word, ontwikkel die 19de eeuse ontnugterde digter Charles Baudelaire die konsep van ŉ nuutgevonde simboliese “kulturele” aristokrasie. Hy ontwikkel ŉ interessante dualiteit rondom die kunstenaar wat as bevoorregte objektiewe buitestaander ten nouste betrokke is by die samelewing en wat daarvoor verantwoordelik is om die tydelike met die ewige te verbind deur sy/haar kuns. Dis vanuit hierdie idee dat ek ŉ saak maak vir die fluitis as aristokraat virtuoos – as figuur wat binne die medium van musiek die skoonheid van sy tyd vasvang en met sy gehore deel. My studie is dus ‘n ondersoek rondom die gebeurtenisse wat hierdie hervorming in die 19de eeu meebring. Ek bestudeer komponiste wat ‘n belangrike bydrae lewer tot die fluitrepertorium, en ondersoek die stigting van die Société Nationale de Musique Française en die Franse Fluitskool, en die ontwikkeling van die instrument self. Copyright Dissertation (MMus)--University of Pretoria, 2010. Music unrestricted

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Hassid, Sarah. "L'imaginaire musical et la peinture en France entre 1791 et 1863 : mythes, pratiques et discours." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H065.

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Abstract:

Durant une large première moitié du dix-neuvième siècle, la musique est érigée en modèle poétique et esthétique. Elle met les artistes au défi d’un idéal invisible, impalpable et éphémère. Du Sommeil d’Endymion de Girodet à la Jeune fille en blanc de Whistler, cette étude tente de comprendre l’origine, les raisons, ainsi que les modalités du dialogue qui s’est opéré, en France, entre un imaginaire sonore revivifié et le domaine pictural. Elle s’attache à en dégager les mythes fondateurs et les expressions concrètes au sein des œuvres, des pratiques et des discours. De Sainte Cécile au poète civilisateur et au musicien virtuose, l’art des sons est incarné par des figures inspirées ou possédées qui contribuent à modeler une nouvelle image de l’artiste. À mesure qu’elle s’affirme comme un phare au sein des Beaux-arts, la musique offre, de plus, des arguments originaux, en faveur d’une régulation ou, au contraire, d’une subversion des pratiques. Les modes d’appropriation qui naissent de ce nouveau paragone révèlent deux grandes tendances. Dès le début des années 1790, plusieurs artistes comme Valenciennes, David, Girodet ou encore Prud’hon s’emparent d’un idéal sonore mythique pour fonder une veine lyrique. Celle-ci se caractérise par des sujets sentimentaux, un essor du paysage, un culte voué à la manière vaporeuse du Corrège ou encore par la représentation de drames intériorisés. Une autre forme de musicalité picturale s’épanouit à partir des années 1820. Elle se traduit par une valorisation de la main du peintre, envisagée selon un rapport d’imitation et de rivalité avec celle du musicien. De Vernet à Ingres et à Delacroix, la “signature” de l’artiste s’exprime sur la toile, par le degré de fini de ses interprétations ou sa manière « symphonique » d’agencer les formes et les couleurs, indépendamment des contingences mimétiques. Absorbées, dès les années 1860, dans le giron baudelairien et wagnérien, cette passion artistique et les musicalités spéculatives qu’elle a générée semblent offrir, une fois mise au jour, un nouveau prisme pour ré-explorer le romantisme pictural et son historiographie Throughout the first half of the 19th century, broadly-defined, music is instituted as a poetic and aesthetic model. Artists are challenged by its invisible, impalpable and ephemeral ideal. From The Sleep of Endymion by Girodet to The White Girl by Whistler, this thesis focuses on understanding the origins, the rationale as well as the different aspects of the dialogue that took place in France between a revivified musical imaginary and the field of painting. It aims at extracting its founding myths and its concrete manifestations in works, expressions, and discourses. From Saint Cecilia to the civilising poet to the musical virtuoso, the art of sounds is personified by inspirited or captivated figures who contribute to model a new image of the artist. Moreover, as it gradually becomes considered as a guiding light for the Fine arts, music offers original arguments in favour of regulating or, alternatively, subverting artistic techniques. The different modes of appropriation rising from this new paragone unveil two main tendencies. As early as the beginning of the 1790s, several artists like Valenciennes, David, Girodet or Prud'hon use a mythical ideal of music to lay the foundations for their lyricism. This lyricism is characterised by sentimental subject matters, an increase in landscape productions, a passion for Correggio’s misty manner or the representation of inner dramas. Another form of pictorial musicality arises from the 1820s onwards. It materialises through a positive re-evaluation of the painter's hand, either in emulation of or as a rival to the musician's. From Vernet to Ingres to Delacroix, the degree of finish of the artist’s interpretations or his “symphonic” manner to arrange shapes and colours, regardless of mimetic contingencies, express his “signature” on the canvas. Absorbed from the 1860s by the followers of Baudelaire and Wagner, this artistic passion and the speculative musicalities it generated seem to offer, once put to light, a new avenue to explore pictorial Romanticism and its historiography

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Caux, Grégoire. "Les dernières pièces pour piano de Franz Liszt. Pour une étude de la notion de fin d’œuvre." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040127.

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Abstract:

Dans ses dernières pièces pour piano, Franz Liszt tend à déstabiliser les codes normatifs des procédures cadentielles, en cherchant à éviter la configuration générale de la consonance, de la détente et de l’apaisement. Plusieurs catégories sémantiques peuvent être déterminées, ayant chacune ses propres caractéristiques stylistiques : la figure féminine, le passé, le sinistre, le macabre, même si la mort semble constituer le principe esthétique essentiel. À partir de ces catégories, il s’agit alors de proposer une réflexion sur les significations de ces fins d’œuvres, en convoquant les stratégies poïétiques du compositeur, les attentes esthésiques et la collaboration de l’auditeur. La première partie se consacre pleinement au processus de dépouillement et à la notion de seuil, tandis que la deuxième interroge le principe d’accroissement sonore en lien avec les topoï méphistophéliques, sinistres et tzigano-hongrois. Enfin, la troisième partie s’articule autour de plusieurs axes : la fin ouverte, la forme expérimentale, l’attente, l’inattendu, l’improvisation, la notion de fragment romantique. Ces pistes de réflexions visent à cerner un paradoxe de la fin d’œuvre chez le dernier Liszt, entre structure fermée et principe de seuil In his late piano pieces, Franz Liszt tends to destabilize the traditional codes of the cadential procedures. He aims to avoid the general configuration of consonance, relaxation and quiescence. Several semantic categories can be defined, each of them having its own stylistic characteristics: female, past, sinister, macabre, even if death seems to be the most efficient principle, from a point of view of aesthetics. It is to propose a reflection into the meanings of these endings. To do this, we resort to poïtic intentions of the composer with the esthesic expectations and interpretive collaboration of the listener. The first part of this thesis is devoted to process of denudation and threshold notion, whereas the second part raises questions about the principle of increase, related to mephistophelian, sinister and gypsy-Hungarian topoï. At last, the third part focuses on several topics: open ending, experimental form, expectation, the unexpected and romantic fragment. These avenues of reflection attempt to identify a paradox of the ending in Liszt’s late piano pieces, between closed structure and threshold principle

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Walker, Julie. "Le dernier style de Chopin : contexte, analyse et stratégies narratives des œuvres tardives." Thesis, Strasbourg, 2016. http://www.theses.fr/2016STRAC028/document.

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Abstract:

Cette thèse s’intéresse à une période stylistique particulière du compositeur Frédéric Chopin. Les années 1840 manifestent une évolution importante dans son langage musical et correspondent à un tournant esthétique marqué par un contexte historique et biographique difficile. Tout au long de ce travail, nous allons tenter d’ériger une définition transversale du « dernier style » de Chopin, en recherchant les éléments caractéristiques récurrents de cette période. Dans ce but, un corpus de vingt-deux œuvres musicales sera analysé selon plusieurs niveaux (traditionnel et formel, sémiotique, narratif et thymique) afin de saisir tous les enjeux de la dernière période du compositeur polonais This thesis focuses on a particular stylistic period of Frederic Chopin. The 1840s show an important evolution of Chopin’s musical language and correspond to an aesthetic turning point, characterized by a difficult historical and biographical context. All along our research, we will try to build a transversal definition of Chopin’s last style by highlighting the recurrent characteristics of this period. In this purpose, a corpus of twenty-two works will be analyzed through several levels (traditional and formal, semiotic, narrative and thymic), to grasp all the issues of the last period of the polish composer

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Nishimura, Yukio. "Les Notes sur Chopin d’André Gide et leur époque : un écrivain « classique » face à un musicien « romantique » ?" Thesis, Paris 10, 2020. http://www.theses.fr/2020PA100031.

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Abstract:

André Gide adore Frédéric Chopin auquel il consacre un livre : les Notes sur Chopin (1931, 1948). Notre thèse a pour but d’étudier ses pensées sur Chopin et de les situer dans l’histoire de la réception française de ce musicien. Regrettant que sa musique soit interprétée « faussement », Gide s’efforce de présenter une « vraie » figure de ce musicien. Pour cela, l’écrivain projette son idéal esthétique ―« classicisme »― sur l’art chopinien, malgré que celui-ci est considéré généralement comme « romantique ». Lorsqu’il s’agit de ce musicien, le terme « classicisme » se lie aux trois idées qui constituent l’esthétique et l’éthique gidienne : élitisme, « antiromantisme », nationalisme culturel. Or, notons que cette image d’un Chopin « classique » établie ainsi par Gide ne parait pas très singulière si on tient compte du discours chopinien à l’époque de la préparation des Notes (1892-1931) : en relativisant les clichés apposés au musicien (décadent, malsain, sentimental), on a commencé alors à l’étudier d’une manière plus variée et plus scientifique. C’est dans ce contexte que sont mis en relief plusieurs aspects du style chopinien, y compris celui du « classicisme ». Il n’est donc pas très étonnant que les Notes soient accueillies favorablement en général. Sur ce point, nous démontrons que les idées déployées dans les Notes ne sont totalement contradictoires ni à celles des critiques qui sont négatifs à Gide, ni à celles d’Alfred Cortot dont l’écrivain renie l’interprétation dite « romantique ». Cela nous permet de reconsidérer la contemporanéité possible des Notes à l’entre-deux-guerre, bien qu’elles semblent tout indifférentes à la situation culturelle de son époque André Gide loves Frederic Chopin so deeply that he even writes a book the whole content of which is dedicated to analyze this musician: Notes on Chopin (1931, 1948). Our thesis aims to study his thoughts on Chopin and to locate them in the history of the French reception of the musician. Regretting that his music is interpreted "falsely", Gide strives to present a true" figure of the composer. In this attempt, although Chopin’s art is generally regarded as "romantic", the novelist finds his aesthetic ideal - "classicism" – in it. When Gide discusses Chopin, the term "classicism" is related to three concepts which compose Gide's aesthetic and ethic: elitism, "anti-romanticism", and cultural nationalism. Consider that this image of a "classical" Chopin created by Gide does not seem very strange if we take into account Chopin's discourse at the time of the preparation of the Notes (1892-1931). People at the period began to approach the musician in more varied and more scientific ways, by relativizing the clichés connected to him (decadent, unhealthy, sentimental). As a result, they have come to pay attention to several aspects of Chopin's style, including his "classicism". So, it is not very surprising that Notes are accepted positively on the whole. Moreover, we confirm the ideas explained in Notes aren’t totally contradictory to the ones shared with the critics who are hostile to Gide, nor to those of Alfred Cortot whose so-called “romantic” performance the novelist rejects. These facts allow us to reconsider the possible contemporaneity of the Notes in the inter-war period, even though its content seems to be completely independent of the cultural situation of that time

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Cortot, Pierre. "Darius Milhaud et les poètes." Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2003. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00825871.

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Abstract:

Darius Milhaud a nourri son œuvre de poésie. À partir d'une conférence inédite, il a été possible de caractériser la façon dont le compositeur a intégré des univers poétiques variés. En comparant la démarche de Milhaud avec d'autres pratiques artistiques, l'étude porte d'abord sur les rencontres avec le Romantisme où ont été privilégiés Maurice de Guérin et son univers ainsi que des poètes féminins du début du XIX° siècle. Un accent particulier a été porté sur trois figures de "sœurs" d'écrivains du XIX° siècle : Lucile de Chateaubriand, Eugénie de Guérin et Christina Rossetti. Sans abandonner cette source d'inspiration, l'irruption de trois auteurs majeurs a bouleversé l'univers esthétique du musicien : Gide, Jammes et Claudel ont en effet contribué à renouveler ses moyens d'expression et à bouleverser les rapports entre le monde des sons et le monde des mots. Milhaud justifie la diversité des démarches suivies en revendiquant le droit pour sa création de suivre des "voies parallèles". C'est ici l'occasion d'apprécier la portée de la lecture de Rimbaud et de Mallarmé. Les amitiés jumelles de Léo Latil et Armand Lunel révèlent l'intimité d'une sensibilité propre aux jeunes gens formés avant la guerre de 1914. L'enracinement provençal et judéocontadin trouve dans les textes de ces deux condisciples aixois matière à développement. La blessure occasionnée par la mort de Léo Latil au combat lors de la première guerre mondiale laisse une trace profonde parfois simplement suggérée. Par ailleurs l'humanisme du compositeur est l'occasion de la rencontre avec Jean Cassou après la Seconde Guerre Mondiale. Cette collaboration prolonge les engagements de Milhaud pendant la période de l'Entre-Deux Guerres. Enfin l'amitié constante avec Jean Cocteau permet d'apprécier l'inventivité d'une œuvre qui ne s'est jamais contentée des solutions convenues et qui a eu le mérite d'expérimenter sans relâche.

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Lamontagne, Véronique. "Échos wagnériens : musique et organicité dans Le jeu des perles de verre de Hermann Hess et Docteur Faustus de Thomas Mann." Thèse, 2006. http://hdl.handle.net/1866/17958.

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Lebeau-Henry, Charles. "L'expression musicale chez Nietzsche." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/18791.

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Abstract:

L’objet de ce mémoire est la notion d’expression musicale telle qu’elle se présente dans les œuvres de Friedrich Nietzsche. Interprète et compositeur amateurs, Nietzsche est resté toute sa vie fasciné par le pouvoir de la musique, et lui a conséquemment consacré de nombreuses pages. Ses vues ne sont cependant pas toujours restées les mêmes : ce sont en effet des jugements diamétralement opposés sur l’œuvre de Richard Wagner, dans la Naissance de la tragédie et Le cas Wagner, qui encadrent la sienne propre. Au-delà du seul changement de goût, c’est entre ces deux ouvrage sa compréhension du mode de fonctionnement de la musique elle-même qui se trouve modifiée. La notion d’expression, encore aujourd’hui objet de débats en esthétique musicale, l’était aussi alors. C’est en bonne part en prenant position dans le débat entre Wagner et Eduard Hanslick sur cette question que Nietzsche développera ses propres positions philosophiques sur la musique. D’abord « romantique », convaincu du pouvoir d’expression supérieur et « métaphysique » de la musique, à la suite d’Arthur Schopenhauer et de Wagner dont il s’inspire, Nietzsche prendra ensuite, avec Hanslick cette fois, le contrepied de cette position, pour refuser à la musique un pouvoir d’expression qui lui soit vraiment propre et qui la distingue d’un langage quelconque. Enfin, dans un troisième temps, il repensera le pouvoir expressif de la musique pour en proposer une formulation physiologique, dans laquelle la musique exprimera l’état de l’organisation de son créateur à la manière d’un symptôme. Nous proposons ici une lecture de textes représentatifs de chacune de ces positions pour tenter de clarifier leurs significations et implications. The object of this thesis is the notion of musical expression as it appears in the works of Friedrich Nietzsche. As an amateur player and composer, Nietzsche was throughout his life fascinated by the power of music, and thus wrote extensively on the subject. However, his views on music itself did not remain identical during this time. His published work is framed by opposed judgments on the person and the music of Richard Wagner, in The Birth of Tragedy and The Case of Wagner; and more than just a simple change of taste, it is his comprehension of music’s working itself that changes between the two books. The notion of expression was then as it still is today a topic of debate in musical aesthetics, and it is largely by taking position in such a debate, that between Wagner and Eduard Hanslick, that Nietzsche came to formulate his own philosophical positions on the subject. Initially a “romantic”, and as such defending the lofty and “metaphysical” expressive power of music with his first masters, Arthur Schopenhauer and Wagner, Nietzsche then sided with Hanslick to maintain that music does not possess any peculiar expressive properties apart from those that we can ourselves project on objects in general. He ultimately reconsiders the question in his later writings, and allows for music to express the physiological tendencies of its creator, and as such considers it a symptom of his specific organizational state. We here submit an interpretation of representative texts for each of those positions, which aims to clarify their significations and their implications.

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Mouratidis, Maria. "The Aesthetics of Madame de Staël and Mary Shelley." Thèse, 2012. http://hdl.handle.net/1866/10097.

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Abstract:

L’esthétique de Madame de Staël and Mary Shelley discute l’art de l’improvisation et le concept de l’enthousiasme dans les écrits de ces deux auteurs. Dans ce projet, j’explore l’esthétique d’improvisation et d’enthousiasme de Madame de Staël dans Corinne, en me référant à son autre roman Delphine, à sa pièce de théâtre Sapho, et à ses nouvelles ainsi qu’à ses textes philosophiques comme De l’Allemagne, De l’influence des passions, et De la littérature. J’argumente que Madame de Staël représente à travers le caractère de Corinne une esthétique anti-utilitaire. J’explique qu’elle évoque des valeurs cosmopolites qui valorisent une culture indigène qui est en opposition avec l’impérialisme de Napoléon. De plus, j’examine comment les improvisations de Corinne dérivent d’un enthousiasme qui est associé à la définition que Platon offre du terme. Ceci est évident par la signification que Madame de Staël présente du terme dans De L’Allemagne. J’interprète la maladie de Corinne comme étant d’origine psychosomatique qui est manifesté par la perte de son génie et par un suicide lent qui est une expression de colère contre la patriarchie. Le caractère de Corinne permet à Madame de Staël d’explorer le conflit que les femmes artistes éprouvaient entre ayant une carrière artistique et adhérant à l’idéologie domestique. Chapitre deux se concentre sur l’intérêt que Shelley démontre sur l’art de l’improvisation comme elle l’exprime dans ses lettres à propos de l’improvisateur Tommaso Sgricci. Malgré sa fascination avec la poésie extemporanée, Shelley regrette que cette forme d’art soit évanescente. Aussi, j’examine son enthousiasme pour un autre artiste, Nicolò Paganini. Son enchantement avec se violoniste virtuose est lié à des discours concernant le talent surnaturel des improvisateurs. J’argumente qu’il y a un continuum d’improvisation entre les balades orales du peuple et les improvisations de culture sophistiqué des improvisateurs de haute société. J’estime que les Shelleys collaboraient à définir une théorie d’inspiration à travers leurs intérêts pour l’art de l’improvisation. Chapitre trois considère le lien entre cosmologie et esthétique d’inspiration à travers la fonction de la musique, spécialement La Création de Joseph Haydn, dans The Last Man de Shelley. J’examine la représentation du sublime des Alpes dans le roman à travers de discours qui associent les Alpes avec les forces primordiales de la création. Les rôles de la Nécessité, Prophétie, et du Temps peuvent être compris en considérant la musique des sphères. Chapitre quatre explore les différentes définitions de terme enthousiasme dans les écrits de Shelley, particulièrement Valperga et The Last Man. Je discute l’opinion de Shelley sur Madame de Staël comme suggéré dans Lives. J’analyse les caractères qui ressemblent à Corinne dans les écrits de Shelley. De plus, je considère les sens multiples du mot enthousiasme en relation avec la Guerre civil d’Angleterre et la Révolution française. Je présente comment le terme enthousiasme était lié au cours du dix-septième siècle avec des discours médicales concernant la mélancolie et comment ceci est reflété dans les caractères de Shelley. The Aesthetics of Madame de Staël and Mary Shelley discusses the art of improvisation and the concept of enthusiasm in the writings of these two authors. In this project, I explore Madame de Staël’s aesthetics of improvisation and enthusiasm as represented in Corinne by drawing from her other novel Delphine, her play Sapho, and her short stories as well as her philosophical texts such as De l’Allemagne, De l’influence des passions, and De la littérature. I argue that Madame de Staël embraces through Corinne an anti-utilitarian aesthetic. I maintain that she represents a cosmopolitanism that values indigenous culture as opposed to Napoleon’s Imperialism. Furthermore, I examine how Corinne’s improvisations derive from an enthusiasm that can be associated to Plato’s elucidation of the term in Phaedrus and in Ion. This is evident by Madame de Staël’s own definition of enthusiasm as presented in the closing chapters of her De l’Allemagne. I interpret Corinne’s illness that is manifested in the loss of her genius as having psychosomatic origins and as being a slow suicide that is an expression of anger against patriarchy. The character of Corinne allows Madame de Staël to explore the conflict that women artists faced between having an artistic career and adhering to the domestic ideology. Chapter two focuses on the interest that Shelley takes in the art of improvisation as is manifested in her letters about the improvisator Tommaso Sgricci. Despite her fascination with extempore poetry, she regrets that this art form is evanescent. Moreover, I examine her enthusiastic response to another artist, Nicolò Paganini. Her fascination with this virtuoso violinist is linked to discourses about the unnatural talent of improvisatores. I argue there is a continuum of improvisation from the ballad form of the common people to the high-cultured improvisatore. I hold that the Shelleys were collaborating in defining the theory of inspiration through their interest in the art of improvisation. Chapter three considers the link between cosmology and aesthetics of inspiration through the function of music, especially Joseph Haydn’s The Creation, in Shelley’s The Last Man. I examine the representation of the sublimity of the Alps in the narrative through discourses that associate the Alps with the primordial forces of creation. The roles of Necessity, Prophecy, and Time can be understood in the novel by taking into account the notion of the music of the spheres. Chapter four explores the different meanings of the word enthusiasm in Shelley’s writings, primarily in Valperga and The Last Man. I discuss Shelley’s views on Madame de Staël as presented in Lives. I analyze Corinne-inspired characters in Shelley’s texts. In addition, I consider the meaning of enthusiasm in Shelley’s writings in relation to the English Civil War and the French Revolution. I present how enthusiasm was linked in the seventeenth-century to medical discourses about melancholia and how this is reflected in Shelley’s characters.

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de, Oliviera Bottas Paulo Vitor. "Brasília – Sinfonia da Alvorada d’Antonio Carlos Jobim : enjeux esthétique et idéologique d’une commande de l’état brésilien." Thèse, 2017. http://hdl.handle.net/1866/20543.

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Dissertations / Theses on the topic 'Romantisme (musique) Modernisme (musique)'

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