Academic literature on the topic 'Satire anglaise – 18e siècle'

L’élaboration et la défense des sytèmes religieux chrétiens étaient plus importants dans la poésie anglaise du 18e siècle que la plupart des lecteurs modernes ne pensent. Environ cent poèmes de longueur considérable étaient consacrés à ce sujet. Dans les termes proposés par la science contemporaine, ils élaborent des démonstrations de l’existence de Dieu à partir du monde créé par lui, et ils font valoir la justice de Dieu envers les hommes.

Cet article étudie les modèles d'inégalité entre enfants dans deux romans populaires du 18e siècle. Il aborde ce sujet aussi bien au niveau du substantif qu'à celui de la méthodologie. La première partie explore les marques d'inégalité dans le langage et particulièrement dans la façon de référer et de s'adresser aux personnages. On constate comment certaines conventions pour les désigner dans ces romans, servent à définir le changement de leur standing et de leurs rôles et pour les situer dans un moule social. La seconde partie démontre comment les coutumes sociales et légales de l'époque figurent dans les romans et modèlent les personnages et l'intrigue. Cet article se concentre enfin sur la primogéniture et sur les normes apparentées du mariage. Des principes de sexe et de priorité d'âge apparaissent dans l'analyse de deux romans comme les principaux éléments formateurs. Celà remet en question quelques opinions requises sur la terminologie de la parenté anglaise et l'interprétation de families affectueuses dans les romans du 18e siècle. Cet article souligne encore l'avantage de la lecture de romans en ayant conscience des coutumes sociales et légales de l'époque. Il démontre encore qu'une lecture rigoureusement historique enrichit notre compréhension des oeuvres littéraires et de la société dans laquelle elles ont été produites.

Le fado est une chanson d'amour et de nostalgie {saudade) qui est née dans les bas-quartiers de Lisbonne, à la charnière du 18e et du 19e siècles. A partir du 19e siècle, l'instrument qui accompagne le fado est la guitare portugaise (à cordes frappées et pincées). Sa table d'harmonie présente six choeurs ainsi qu'une ouïe ronde tandis que son manche est muni de 17 à 22 frettes et son cheviller se termine en éventail. Cette guitare est issue du cistre classique dans son évolution tardive du 17e siècle, le cistre appelé guitare anglaise. Le Portugais Galráo et l'Anglais Simpson lui apportent des modifications successives. La guitare portugaise atteint les campagnes pour animer la danse. La Severa, incarne au 19e siècle, le grand mythe national du fado. Fille de bidonvilles, elle travaillait dans une maison clause de la Mauraria (quartier de Lisbonne). Cette chanteuse de talent était aussi liée au milieu de la tauromachie équestre, dont le Comte de Vimioso, épris d'elle, était le symbole. Julia Florista ou la Cesarla sont d'autres femmes fadistes illustres. Le fadiste masculin de cette époque est décrit comme un parasite social, qui vit d'expédients et d'harnac. Plus tard, il pratiquera des petits métiers. A la fin du 19e siècle, le fado est chanté dans les jardins potagers de Lisbonne, situés le long des chemins empruntés par les taureaux qui étaient acheminés vers les arènes. Il devient alors un chant de divertissement pour les banquets et les noces. Des noms de chanteurs et guitaristes se détachent tels Antonio Casaca, Caetano Calcinhas, Joâo Black. L'âge d'or du fado se situerait dans les années 1930-50. A partir des années 30, le fado va peu à peu perdre son caractère instantané et spontané au profit du professionalisme, encouragé par la radio. Il évolue alors vers la scène dont Amalia Rodrigues et Alfredo Marceneiro sont les représentants les plus illustres.

A priori difficilement réconciliables, voire incompatibles, les modes satirique et homilétique se mêlent pourtant dans la grande entreprise d'assainissement et de réforme des moeurs qui carctérise le dix-huitième siècle. De cet enchevêtrement, Jonathan Swift (1667-1745) est sans doute l'un des écrivains les plus représentatifs. Satirique prolixe, il est aussi pasteur de l'Eglise anglicane et auteur d'un nombre important de textes qui relèvent de l'apologétique anglicane. La question des liens entre satire et religion dans l'oeuvre de Swift semble se ramener principalement à celle du traitement réservé à la religion et aux institutions religieuses dans les satires swiftiennes. Or une analyse de la question en ces termes conduit toujours plus ou moins à un évitement du texte. L'oeuvre de Swift gagne en effet à être envisagée dans sa globalité, dans la mesure où, au-delà de considérations d'ordre générique, le positionnement rhétorique swiftien est toujours similaire : l'énonciation résulte d'une part de l'association d'une expression in propria persona et d'une persona, d'autre part de l'enchevêtrement, à des degrés divers, et selon des modalités différentes, des postures homilétique et satirique. C'est donc à un autre niveau qu'est ici envisagée la question des liens entre satire et religion dans l'oeuvre swiftienne, au double niveau de l'imbrication des postures homilétique et satirique dans certains pamphlets sur la religion, ainsi que dans cette oeuvre hors normes qu'est "A Tale of a Tub", et du recours à une persona dans les sermons.

Cette étude s'attache à démontrer comment les écrits satiriques du poète élisabéthain John Donne (1572-1631) lui permettent de développer une esthétique propre, qui ne se cantonne pas qu'au corpus satirique strict mais trouve également une résonance dans le reste de son œuvre. Traditionnellement considérée comme une tendance marginale dans sa poésie, la satire chez Donne s'exprime à travers d'autres textes, laissant ainsi transparaître un « esprit satirique ». Le jeu et la prise de distance du poète vis-à-vis des conventions littéraires, sociales et religieuses de son époque nous permettent de mettre au jour une poétique dominée par le doute et la mélancolie. Cette humeur noire, selon la théorie médicale des humeurs, nous conduit vers l'humour et le comique : fort peu examinés chez Donne, ces concepts transparaissent pourtant à la lecture des textes les moins explorés par la critique, dévoilant ainsi une esthétique qui donne sa cohérence au corpus. John Donne n'est pas que le chef de file de la poésie métaphysique : son statut de satiriste lui confère également celui d'humoriste
This study aims to show how the satiric writings of Elizabethan poet John Donne (1572-1631) display a specific aesthetics, which is also to be found in all his work and not only in his satiric texts. Although it has traditionally been considered as a fringe element in Donne's poetry, satire appears in other writings, thus disclosing a ''satiric spirit''. By playing and distancing himself from the literay, social and religious standards of his time, the poet's work reveals an aesthetics ruled by doubt and melancholy. According to the system of medicine called ''humorism'', melancholy is a black fluid that brings us to humour and comedy : even though they have been rarely examined in Donne studies, these concepts do stand out after a close reading of the least sought-after poems. It thus unites and makes the whole of Donne's poetry coherent. Not only is he the best representative of the metaphysical poets, he is also a satirist as well as a humorist

Cette theseetudie les poemes de charles churchill,poete satirique. Elle se divise en trois parties. Le preiere replace les poemes dans l'actualite des nnees 1761-64 et explique les attaques personnelles dirigees par hurchill contre ses contemporains. La seconde va des hommes aux idees et analyse la thmatique recurrente a travers les constantes du lxique. Les valeurs defendues par churchill sont ainsi mises a jour,tandis que la troisieme partie s'attache aux procedes techniques:versification et figures de style en particulier. L'ensemble est accompagne d'un volume de bibliographie qui regroupe des extraits de textes contemporains, essentiellement satiriques ou polemiques (en vers ou en prose), certains des poemes publies dans la presse contemporaine pour ou contre charles churchill et,en plus d'une section debibliographie generale, une bibliographie chronologique des oeuvres traitant des poemes de churchill ou, le plus souvent,mentionnant churchill,comme poete ou comme polemiste
The present dissertation is a study of the satirical poet charles churchill. It is ivied in three parts. In the first one,the poems are studied within the political and literaty context of the years 1761-64 and the personal allusions churchill made to his cotemporaires are explained. In the second, the movement goes from "ideas"the recurrent themesof the work are studied mainly through recurrent lexical items. Chill tends to defend are thus identified,and the third part moves to the technical devices. The third volume is entirely devoted to a biblio graphy wich includes extracts of cotemporary documents,maintly satirical or polemical,in verse and in prose,some poems published in newspapers and magazines "pro and con" churchill and, in addition to a section of "general bibliography" the volume includes achronological bibliography of works dealing with churchill's poems and of works in which churchill is mentioed,either as a poet or as a polemist

Le point de départ de ce travail est le constat de la prédominance du corps dans les récits de Smollett. Il s'agit de montrer, à la lumière du concept bakhtinien de dialogisme, que le texte smollettien oscille entre deux pôles. D'un côté, on distingue un discours médical sur le corps qui véhicule une idéologie conservatrice, articulée autour des notions d'ordre et d'équilibre. D'autre part, se détache une représentation esthétique du corps plus subversive, fondée sur le désordre et l'excès, et dont le fonctionnement est éclairé par un autre concept bakhtinien, le grotesque, que redéfinissent White et Stallybrass en en montrant l’envers et la proximité avec l’abject. L'examen de cette tension conduira alors sur le terrain de la psychanalyse. S’appuyant, entre autres, sur le concept d’abjection exploré par Kristeva, l’étude prendra pour objet le corps sexué dont on verra qu’il est lui-même tiraillé entre désir et dégoût, fascination et répulsion. L'enjeu de ce travail consistera à montrer que cette tension, voire cette discordance dialogique, est une clé permettant de comprendre non seulement la représentation et le discours du corps chez Smollett mais aussi le fonctionnement textuel des récits de Smollett envisagés comme « textes-corps »
No reader of Smollett’s narratives can fail to notice that bodies matter. The project aims at showing, in the light of Bakhtin's concept of dialogism, that Smollett's fiction wavers between two opposite directions. On the one hand, what stands out is an ideologically conservative medical type of discourse on the body which hinges on the notions of order and balance. On the other hand, an aesthetics of transgression is at work; it is based on disorder and excess and its functioning is enlightened by another Bakhtinian concept, the grotesque, as well as by Stallybrass and White’s redefinition of the grotesque. The body as sex is also brought into focus from a psychoanalytical perspective which helps unveil an oxymoronic process involving disgust and desire, fear and fascination. What is at stake throughout the study is the contention that such dialogic tension enlightens not only the representation of the body but also the textual functioning of Smollett's fiction

Le point de départ de ce travail est le constat de la prédominance du corps dans les récits de Smollett. Il s'agit de montrer, à la lumière du concept bakhtinien de dialogisme, que le texte smollettien oscille entre deux pôles. D'un côté, on distingue un discours médical sur le corps qui véhicule une idéologie conservatrice, articulée autour des notions d'ordre et d'équilibre. D'autre part, se détache une représentation esthétique du corps plus subversive, fondée sur le désordre et l'excès, et dont le fonctionnement est éclairé par un autre concept bakhtinien, le grotesque, que redéfinissent White et Stallybrass en en montrant l’envers et la proximité avec l’abject. L'examen de cette tension conduira alors sur le terrain de la psychanalyse. S’appuyant, entre autres, sur le concept d’abjection exploré par Kristeva, l’étude prendra pour objet le corps sexué dont on verra qu’il est lui-même tiraillé entre désir et dégoût, fascination et répulsion. L'enjeu de ce travail consistera à montrer que cette tension, voire cette discordance dialogique, est une clé permettant de comprendre non seulement la représentation et le discours du corps chez Smollett mais aussi le fonctionnement textuel des récits de Smollett envisagés comme « textes-corps »
No reader of Smollett’s narratives can fail to notice that bodies matter. The project aims at showing, in the light of Bakhtin's concept of dialogism, that Smollett's fiction wavers between two opposite directions. On the one hand, what stands out is an ideologically conservative medical type of discourse on the body which hinges on the notions of order and balance. On the other hand, an aesthetics of transgression is at work; it is based on disorder and excess and its functioning is enlightened by another Bakhtinian concept, the grotesque, as well as by Stallybrass and White’s redefinition of the grotesque. The body as sex is also brought into focus from a psychoanalytical perspective which helps unveil an oxymoronic process involving disgust and desire, fear and fascination. What is at stake throughout the study is the contention that such dialogic tension enlightens not only the representation of the body but also the textual functioning of Smollett's fiction

Ce travail s'intéresse aux emplois rhétoriques du terme « cant » dans l'Angleterre du long XVIIIe siècle. Le mot, difficilement traduisible en français, désigne originellement l'argot des mendiants et des voleurs et est utilisé, après le protectorat cromwélien, pour attaquer la phraséologie des Puritains, des non-conformistes et, à partir des années 1740, des méthodistes. Cette thèse, en adoptant une perspective chronologique, entend mettre en valeur les permanences et les variations de l'utilisation polémique de la notion. Il s'agit, en suivant le fil de plusieurs querelles ponctuelles, de comprendre comment un terme d'abord cantonné au champ de la controverse religieuse devient, au cours du siècle, un élément central des discours politiques et littéraires. Faire l'histoire du mot « cant » et de ses emplois permet de mieux appréhender le développement de poétiques explicitement digressives et auto-réflexives qui trouvent leur raison d'être dans un scepticisme linguistique et politique
This dissertation focusses on the rhetorical uses of “cant” in England in the long eighteenth century. This word – which cannot be translated easily – originally referred to the secret language of beggars and thieves. After the Protectorate of Oliver Cromwell, “cant” began to be used to criticise the phraseology of Puritans, Non-conformists and, from the 1740s onwards, Methodists. Based on a chronological approach, this work aims at highlighting the permanencies and changes in the polemical uses of the notion. By studying several specific quarrels, I try to understand how a word that was first used in religious controversies became central in political and literary discourses as the century went on. The history of “cant” and its uses can help us better understand how explicitly digressive and self-reflexive poetics developed against the background of linguistic and political scepticism

Jugée âpre, la satire du dramaturge John Marston (1576-1634) est souvent perçue à travers son masque railleur, le Malcontent. Vision réductrice que cette étude réfute en inscrivant le travestissement dans un processus transformateur allié au langage. La première partie montre comment, fusionnant flatterie et raillerie, le troisième quarto de The Malcontent (1604) réalise une satire fondée sur l'appréciation de l'auditoire. Décalque de The Malcontent, The Fawn (1605) ordonne par le rire les pièces qui la précèdent : dès Antonio and Mellida (1599) et Antonio's Revenge (1600), Marston joue sur la perception et la distance, créant un système bâti sur un dynamisme spéculaire. La seconde partie étudie le langage et la flatterie comme reflets conscients de cette dualité, thème devenant intégrateur et donnant du sens au masque, emblème du mot impur. Objet et révélateur de ses impostures, il devient mode d'appréhension du monde. L'approche de ce thème est double, Marston réussissant par un jeu d'ambivalence à montrer que le verbe sait métamorphoser le réel tout en lui niant cette capacité, et à questionner la théorie platonicienne. Langage et pouvoir sont voisins, confirmant le bien-fondé d'une structure ou machiavels et malcontents deviennent frères, vecteurs de la fracture de la Renaissance en quête d'unité et d'identité. La troisième partie montre que, axée sur un stoïcisme chrétien, pétrie de souffrance "positive", parodie de la revanche, la morale de Marston est écartelée entre un idéal de l'action et de passivité dont les implications se réverbèrent sur la nomination des personnages. Rappelant que le masque manifeste, par son existence, la nécessité d'action, voire de compromission, la dernière oppose le malcontent à ses contemporains : positif et théâtral, il anticipe, par son esprit, le théâtre de la Restauration. Mais, en même temps l'inverse de Shakespeare, il se raccroche aux valeurs de l'Ordre et de l'Unité
Castigated for bitterness, John Marston's satire (1576-1634) is often equated with his masked Malcontent, the ranting satirist. Our study disputes this vision, showing that disguise is part of a transformation process involving speech. The first part shows how, by wielding raillery and flattery, the third Quarto of The Malcontent (1604) achieves a new satire based on the audience's capacity for distanced awareness. The Fawn (1605), twin-play of The Malcontent, rests on laughter, which gives retrospective meaning to the earlier ones. As early as Antonio and Mellida (1599) and Antonio's Revenge (1600), Marston works on the perception-gap, creating a system of writing based on a self-conscious mirroring process. The second part analyses flattery and speech as self-conscious mirrors of dualism ; language has become a unifying motif, giving significance to the mask, now emblematic of the corrupt word. Both cause and consequence of duplicity, the mask is a means of gauging the world. Through ambiguity, Marston shows that the word can both enforce a metamorphosis of the real and deny this transformation, this questioning the tenets of Plato's universe. Speech and power are involved, which accounts for a structure in which both malcontent and machiavel turn into twins, divided emblems of the Renaissance in quest of its unity and identity. The third part shows that Marston's moral vision, rooted in Christian stoicism and pregnant with positive suffering, a parody of revenge, is torn apart between two ideals : action and inactivity. Reminding us of the fact that, through his very presence, the satiric mask shows the necessity of action and even compromise, the final part of this thesis compares the malcontent to his counterparts so as to gauge his originality : positive and theatrical, witty, he anticipates the Restoration. But, unlike Shakespeare, Marston still clings to order and unity

La présente thèse essaie d'apporter une contribution à l'étude du classicisme de Dryden en explorant l'oeuvre de divers auteurs de l'Antiquité (Aristophane, Lucien, Silius Italicus) que la critique n'avait pas mis en relation avec la poésie drydienne aussi bien qu'en approfondissant l'examen d'influences qui avaient déjà été prises en compte (Pindare, Juvenal) pour en renouveler l'approche. Le rapport à la parole, au pouvoir du "logos" qu'exprime l'Auteur à travers ses personnages, en accord avec les modèles anciens, est les fil conducteur des analyses de la première partie de la thèse, où l'étude du rôle de l'exemple de Silius dans "Annus Mirabilis" ouvre la voie à l'exploration de l'univers satirique drydenien, comme celles de la deuxième partie, qui ont pour objectif d'attribuer a "To the Pious Memory of Mrs Anne Killigrew" et à "Alexander's Feast" le statut d'épinicies, d'odes victoriales. La troisième partie est une étude de la présence de Juvénal dans la poésie de l'auteur
The present thesis seecks to contribute to the study of Dryden's classicism, both by exploring the works of various authors of antiquity (Aristophenes, Lucian, Silius Italicus) unrelated to Dryden's poetry by the critics, and by making a more detailed examination of the already recognised influences (Pindare, Juvenal) while adopting a novel approach to these. The emphasis placed ont he relationship to the word, the power of the "logos" as expresses by the author through his characters in accordance with the ancient models, closely links the analysis contained in part one of the thesis, where a study of the influence of Silius on "Annus Mirabilis" paves the way for an exploration of Dryden's satiric world, with those of part two, which aims to characterize the poems "To the Pious Memory of Mrs Anne Killigrew" and "Alexander's Feast" as victory odes. The final part three is a study of Juvenal's presence in Dryden's poetry

La France connait entre 1750 et 1770 une évolution capitale des mentalités et de l'opinion publique. La prise des vaisseaux français par la Navy en juin 1755 provoque une forte poussée anglophobe. Au début de la guerre de sept ans, la propagande gouvernementale, les poèmes, les chansons et les pièces de théâtre sont les principaux vecteurs de cette anglophobie. Après 1759-1760, de nombreux français dont l'aversion envers l’Angleterre demeure toujours très puissante, refusent d'admettre la suprématie britannique. Les explications de la puissance anglaise insistent surtout sur la force morale, le patriotisme de l'ennemi. Le patriotisme britannique devient progressivement un modèle. Au début de la guerre de sept ans, les termes patriotiques se multiplient dans la littérature. Les défaites françaises provoquent un élan patriotique. Contrairement à la tradition absolutiste, ce patriotisme n'est pas encadré par l'autorité. En 1760 cependant, le pouvoir royal tente de reprendre le contrôle de l'opinion publique. Le duc de Choiseul développe une propagande patriotique. Cette expérience ne parvient pas à canaliser l'opinion publique. Le patriote français a cessé d’être un "sujet" pour devenir un "citoyen"
Between 1750 and 1770, a decisive evolution of mentality and public opinion takes place in France. The seizure of French ships by the navy, in June 1755, causes a strong wave of Anglophobia. At the outbreak of the seven years' war, propaganda, poems, songs and plays are the main vectors of Anglophobia. After 1759-1760, a lot of French people, whose aversion to England remains very strong, refuse to admit the British supremacy. The explanations of English power put a special emphasis on the moral strength and on the patriotism of the enemy. The English patriotism becomes gradually a model. In the beginning of the seven years’ war, the frequency of patriotic terms increases in the literature. The French defeats cause a wave of patriotism. This patriotic fervor, contrary to the absolutist tradition, is not controlled by the government. In 1760, however, the authority tries to regain power over the public opinion. The duke of Choiseul develops a patriotic propaganda. This experience cannot succeed in controlling the opinion. The French patriot is no longer a "subject". He has become a "citizen"

Les Epigrammes de John Owen (1564 ?-1622) constituent un ensemble unique dans la production néo-latine, tant par le nombre de pièces qui le composent, environ mille cinq cent, que par le niveau d'excellence atteint par le " Martial anglais " (gallois, plutôt) qui fit du monodistique l'instrument privilégié de son génie. Le recueil du poète, qui connut pendant plus d'un siècle un véritable rayonnement européen, reflète son époque de composition en bien des points : la préférence accordée à l'inspiration satirique et morale, le culte de la brièveté ingénieuse, la recherche du bon mot et le plaisir du jeu verbal étaient en effet à même de satisfaire les zélateurs de l'esprit nouveau qui s'affirmait alors en Angleterre, vers la fin de l'ère élisabéthaine. L'épigramme owenienne est donc d'abord un exercice de subtilité, et l'étude du recueil, qui se présente au lecteur dans un savant désordre, révèle aussi la subtilité des liens qui régissent son organisation. Celle-ci ne dit pas seulement le soin apporté par le poète à son texte, qui témoigne d'une ambition certaine, mais souligne encore l'extraordinaire variété des sujets qui répond à une caractéristique du genre et à la volonté affirmée d'Owen de faire feu de tout bois. De cet ensemble kaléidoscopique, riche de ses propres échos et où le second degré apparaît souvent comme un témoignage de respect à l'égard de la tradition sur laquelle l'œuvre s'est construite (celle de la poésie morale et gnomique), il faut, enfin, souligner la modernité et la beauté qui sont les secrets du grand œuvre ; en cela, John Owen est bien l'héritier légitime de Martial