Dissertations / Theses on the topic 'Sculpture de portraits hellénistique'

On assiste à la fin de l'époque classique à la cour macédonienne de Philippe II de Macédoine (360/359-336 avant J. -C. ) et d'Alexandre le Grand (336-323 avant J. C. ), et surtout à l'époque hellénistique, sans doute à cause des contacts avec l'Orient, à un développement des représentations royales parmi lesquelles les portraits miniatures occupent une large place. Ces portraits de petit format sont conçus dans des matériaux divers et apparaissent sur une grande variété de supports: on connaît bien sûr les portraits monétaires et les portraits glyptiques, mais les effigies qui ornent des pièces de vaisselle et de mobilier sont en général peu étudiées. Sur ces portraits miniatures, sont le plus souvent reproduit la tête ou le buste du souverain. Ce mode de représentation sera repris à la période romaine, et les empereurs et les impératrices figureront aussi sur de petits supports. Les princes sont représentés, sur ces images, avec des insignes royaux ou bien avec des attributs divins. Cette étude du portrait miniature s'organisera autour de trois axes majeurs. Il conviendra en premier lieu d'établir un corpus de ces images et d'en étudier l'iconographie. Après nous être interrogés sur l'origine de ce mode de représentation, nous essaierons de déterminer quelle est la spécificité de ces effigies et quels sont les liens qui existent entre ces documents iconographiques et les portraits monétaires et sculptés. Enfin, ces représentations ne sauraient être purement décoratives et il conviendra de réfléchir à la destination et à la réception de ces images: dans quels contextes étaient-elles utilisées et à qui étaient-elles destinées?
At the court of Philip II (360/359-336 BC) and Alexander the Great (336-323 BC) of Macedonia and probably because of contacts with the east, royal representations are more and more numerous among which mostly miniature portraits. Those small-sized portraits are made out of various materials and appear under a great variety of aspects - we are familiar of course with the portrait coins and glyptic portraits, but the effigies which decorate pieces of vessel and furniture are actually seldom investigated: these miniature portraits generally reproducing a sovereign's head or bust. This way of representing those portraits will be adopted by the romans, that's why portraits of emperors and empresses will also appear on small objets. Princes are represented on these with their royal badges or divine emblems. This study about miniature portraits will be three-fold: in the first place, we'll establish a corpus of these images so as to study their iconography. Then, after having debated about the origin of this mode of representation, we'll try to define the characteristics of these effigies and the links existing between those iconographic documents and the portrait coins and sculpted portraits. Then, in a third part, since these representations can't be totally pirely ornamental, we'll find it proper to consider whom they were intended to and how they were appreciated to which purposes they were used and whom they were intended for

Entre l’époque hellénistique et l’époque impériale, les cités grecques de la côte de l’Asie Mineure voient un groupe social prendre une place de plus en plus importante : les notables. À l’époque classique, les cités grecques avaient inventé le portrait comme institution et comme un genre. Cette thèse étudie la rencontre entre ce groupe social et ce genre de mise en scène monumentalisée, dans l’espace public de la ville. Pour comprendre cette rencontre, nous nous sommes attachés dans un premier temps à circonscrire le groupe des notables, d’un point de vue sociologique, et à comprendre ses besoins sociaux. Nous avons ensuite étudié le portrait sous ses aspects institutionnels. Il s’agissait de cerner les fonctions qu’il pouvait revêtir, de mieux connaître les groupes qui pouvaient l’utiliser, de comprendre les responsabilités dans la fabrication et dans l’installation de la statue, de définir, enfin, quelles seront les principales qualités des différents éléments composant le monument. Dans un troisième temps, nous nous sommes penchés sur l’étude des éléments de la représentation : les images et les éloges gravés sur les piédestaux. Étudiés en détail, de manière analytique, ces éléments nous ont enseigné combien les monuments étaient conçus pour produire sur leurs sujets un discours honorifique. C’est aux lieux du portrait que nous nous sommes ensuite intéressés : nous nous sommes interrogés sur le choix des lieux, en référence avec la vie civique et culturelle dans la cité, et sur la topographie du portrait, sa mise en scène dans l’espace. Délaissant les contextes et les lieux, nous avons étudié quelques inflexions de la pratique statuaire : son hypertrophie, son utilisation pour la mise en scène des familles, sa mobilisation dans un cadre posthume. À partir de ces tendances, nous avons compris le portrait comme l’un des moyens d’une lutte de représentation ; la sixième partie est destinée à la compréhension de cette lutte pour le capital symbolique
Between Hellenistic and Roman imperial times, the Greek cities from the coastline of Asia Minor are the place of a phenomenon in which a social group play an increasingly important role: notables. During the classical era, the cities were also the place where portrait was set as an institution and as a genre. This PhD aims to study the interaction between this social group and that kind of staging in public space of the city. In order to understand this interaction, it was decided to start with a definition of the group of notables, from a sociologic perspective, which led to understand its societal needs. The portrait was then considered under the scope of its institutional aspects. This enabled to identify the different functions portrait might have and to become better acquainted with the social groups that can employ it. But it also helped to gain a better understanding of each other’s responsibilities in the making and setting up of the statue and, at last, to define the key qualities of the different parts of the monument. We subsequently focused on all the elements of the honorific representation, i.e. both the images and the eulogies in honorific inscriptions. These elements were studied thoroughly by using an analytical approach and taught us how monuments were built in order to produce an honorific discourse on their subjects. The places of these portraits were afterwards considered from various perspectives: are some locations preferentially picked, in connection with the civic and cultural life in the city? What is the topography of the portrait, and how is it staged in public space? To broaden the perspective, some changes in the practices of statue making were particularly looked at, such as the hypertrophy of statuary, its using as a staging of families, and its posthumous use. This trends defined, hence we understood that portrait was used as a means for a struggle over representations; the sixth and last part of the PhD aims to better understand this struggle over symbolic capital

Qu’est-ce que la représentation honorifique ? Cette simple question guide l’exploration de la pratique, née au IVe siècle et développée à l’époque hellénistique, qui consiste à offrir aux bienfaiteurs un monument à leur image. Fondée sur les décrets honorifiques et les sources archéologiques, l’analyse est d’abord matérielle. Sont ainsi examinées les contraintes et les attentes qui déterminent le choix du support de la représentation, de son matériau et de son emplacement. Dans le cas des statues, la forme de la base, les dimensions de l’œuvre et son mode de fixation sont étudiés. La vie des œuvres ne s’arrête cependant pas avec leur installation : plusieurs chapitres analysent leur entretien et, à rebours, leur mutilation, leur destruction et leur remploi. Une étude iconographique de la représentation honorifique est ensuite proposée. La description des œuvres conservées permet de brosser le portrait de la cité idéale que reflète la représentation honorifique, des stratèges vainqueurs aux femmes. Les marges du genre sont aussi explorées, à travers les représentations de héros et de souverains, mais aussi d’enfants. Ces études matérielle et iconographique sont le fondement de l’analyse historique. L’élucidation des origines de la représentation honorifique, qui remontent à l’époque archaïque, permet ainsi de dégager les spécificités de la représentation honorifique publique. Celle-ci sert ensuite de référence dans l’analyse des représentations honorifiques privées et commémoratives. Forte de cette exploration large, l’étude se clôt sur un examen des fonctions politiques et sociales de la représentation honorifique et de leur évolution à la basse époque hellénistique
What does honorific representation stand for? Starting from this apparently simple question, the present study explores the many aspects of the habit, beginning in the 4th century B.C. and developing through the Hellenistic period, of granting the benefactors a representation of themselves. Based on the honorific decrees and the archaeological evidence, the analysis is primarily material. Thus, the expectations and constraints guiding the choice of a medium, of a material and of a place of erection are first examined. In the case of a statue, its size, the type of its base and the way it is fixed are thoroughly studied. But with their erection, the life of the representations just begins: a few chapters are devoted to their cleaning and also to their mutilation, destruction and reuse. Iconography is the second main topic of the study. Through a description of the remaining works of art, a portrait of the ideal city reflected by the honorific representation is drawn, from the victorious generals to the women. The limits of the genre are also explored, through a study of the representations of heroes and kings, but also of children. Both material and iconographic studies support the historical analysis. An introductory focus on the origins of the honorific representation allows a determination of the specific aspects of public representation. Keeping those in mind as a reference, the analysis turns then to the less studied private honorific and commemorative representations. This large scope exploration leads finally to an examination of the social and political role of the honorific representation and of its evolution through the late Hellenistic period

Les représentations figurées des souverains ptolémaïques disposent d'une place particulière dans l'art hellénistique dans la mesure ou les lagides règnent dans un pays doté d'une forte tradition politique et culturelle. En conséquence les Ptolémées ont du être représentés en pharaon égyptien et en basileus grec. Ces représentations royales sont de plus en plus affectées par le phénomène de divinisation qui se généralise aux souverains après la mort d'Alexandre Le Grand. L'iconographie royale reprend de ce fait les attributs des Dieux pour diviniser leurs souverains. Dans ce contexte particulier à l'Egypte des Ptolémées, notre corpus reprend donc les attributs divins dans l'iconographie des lagides et met en jeu des divinités grecques, syncrétiques et égyptiennes. L'étude de ces attributs divins présents dans la numismatique, la statuaire, la glyptique, la bijouterie, les bas-reliefs et l'architecture, nous a permis de mettre en évidence les interactions stylistiques, religieuses et politiques qui s'effectuent entre le monde égyptien et le monde grec sous l'impulsion des lagides. L'art grec emprunte des attributs de pouvoir pharaonique et l'art égyptien s'hellénise en adaptant ses conventions, à la mentalité grecque. La religion grecque en Egypte connaît une profonde mutation suite aux apparitions conjuguées du phénomène de divinisation des souverains et des cultes royaux grecs et égyptiens. Confronté au contexte historique, notre corpus matérialise également la volonté politique des Ptolémées d'établir une propagande royale afin d'affirmer leur pouvoir macédonien en Egypte
The figurative representations of the Ptolemaic sovereigns have a specific place in Hellenistic art because the ptolemies ruled in a land endowed with a strong political and cultural tradition. As a consequence, the Ptolemies were represented as an Egyptian pharaoh and as a Basileus king. More over, the phenomenon of divinisation which spread in the Hellenistic world after the death of Alexander the Great had an important effect on these royal representations. Thus, the royal iconography recovers God's attributes to divinise their kings, in this particular context of the Ptolemies' Egypt, our catalogue analyses the divine attributes in the Ptolemies' iconography and Greek, syncretic and Egyptian deities. The study of these divine attributes represented in numismatic, sculptures, gems, jewellery, reliefs and architecture has allowed us to shed light on the stylistic, religious and political interactions between the Egyptian world and the Greek world during the reign of the Ptolemies. The Greek art borrows Egyptian political attributes and the Egyptian art shows Greek influences by adjusting its artistic conventions to the Greek mentality. The Greek religion knows deep transformation due to the phenomenon of the divinisation and the apparition at the same time of Egyptian and Greek royal cults. In confrontation to the historical context our catalogue testifies the strong political will of the Ptolemies to set up a royal propaganda to affirm their Macedonian power in Egypt

Cette etude est consacree a l'art archaisant, une tendance originale dans l'art grec et dans l'art romain et dont la principale caracteristique est de chercher a creer l'illusion d'une oeuvre archaique, au moyen de traits stylistiques precis. L'art archaisant est une interpretation libre et souvent manieree de l'art archaique et s'oppose aux copies exactes d'oeuvres archaiques qui ont existe des le 1er siecle avant j. -c. L'iconographie de l'art archaisant se limite a quelques types, particulierement populaires. Les representations d'athena archaisante, figuree sous forme de palladion ou de deesse combattante, sont liees a la vie civique d'athenes et deviennent symbole culturel pour les romains. Dans la representation des douze dieux, des elements tardifs, certains d'epoque romaine, se melent a des traditions attiques tres populaires. Reliefs citharediques et reliefs representant des triades se rattachent indirectement a l'iconographie des douze dieux. La core archaique devient deesse de l'esperance a l'epoque imperiale. Avec les motifs archaisants de type grotesque, l'art archaisant s'insere dans l'art decoratif d'epoque imperiale. L'etude chronologique de l'art archaisant permet de degager de grandes tendances du ve siecle avant j. -c. A la fin du iie siecle apres j. -c. Grace a des points de repere bien dates. Les centres de production les plus connus sont, suivant les epoques, l'attique, dont l'influence fut predominante, rhodes, milet, pergame, rome, corinthe. Ce type de sculptures se repand egalement dans les differentes provinces de l'empire romain. Si la repartition de ces sculptures en grandes epoques et en ateliers est souvent possible, dans le detail de nombreuses oeuvres restent difficiles a classer, malgre les progres de la stylistique, qui reste souvent le seul moyen d'approche possible. Phenomene historique en meme temps qu'esthetique, l'art archaisant revele un aspect particulier de la mentalite antique
Archaistic sculpture is an original trend in greek and roman art. Archaistic sculptors endeavour to create the illusion of archaic art, by blending stylistic characteristics copied from archaic and classical art. Archaistic sculpture however is not exact copying. The iconography of archaistic art is limited to a few, but popular types : athena, the twelve gods, the citharedique reliefs, the reliefs with representations of nymphs or seasons. . . Romans differ from the greeks in their interpretation of archaistic themes. For instance, the kore becomes the goddess of hope; new decorative motives are introduced in the art of painting and stucco. In roman period, nearly all the archaistic themes have an attic origin. Some motives however are more recent. These archaistic themes have often a civic and religious meaning in greek art, and a philosophical and decorative significance in roman life. Archaistic sculpture is hard to date, because its evolution is very slow and because our approach of it is mainly stilistic. A few dates are however certain. Archaistic sculpture, which begins in the v th century b. C. And disappears at the end of the iind century a. D. Was produced in a few important centers : attica - the most important center -, rhodes, milet, pergamon, rome, corinth. Other centers may have existed in roman provinces. At each period of its development, archaistics art has a different style and can be assigned to a different school of artists. From the historic as well as the esthetic standpoint, archaistic sculpture has alot to teach us on art as well as on the mentalityes in greek and roman antiquity

Dans cette étude, nous examinons le développement du portrait peint à l’époque hellénistique et romaine dans une aire géographique étendue qui couvre la Grèce continental, l’Italie du Sud et les régions d’Égypte où la civilisation gréco-romaine fut présente. Étudier la peinture des portraits, conservée sous une forme très lacunaire, exige deux méthodes parallèles : l’approche de la théorie par les sources écrites, ainsi que la constitution d’un corpus archéologique des œuvres conservées. Notre but est d’organiser la documentation pour mettre en évidence certains dossiers utilisant une approche analytique, susceptible d’initier une discussion sur la construction des notions qui fabriquent le portrait antique. Le portrait peint est vu à la lumière d’une documentation textuelle enrichie et se croise avec les images que notre conception reconnaît sur les monuments peints, comme des représentations qui expriment la relation étroite entre le modèle original et sa figuration picturale
Object of this research is the study of the development of portrait painting in the Hellenistic and Roman period through the monuments from continental Greece, South Italy and the areas of Egypt, where the Greco-Roman civilization was present. The study of ancient portrait painting, which is preserved in a very fragmentary form, demands a double approach: the study of the theory through the literary documentation and the display of an archeological catalogue through the preserved monuments. Aim of this research, is to organize the documents using an analytical approach, witch initiates a discussion of concepts that contributes to the construction of notions of the ancient portrait. The painting of portraits is seen through a comparison of a textual enriched documentation, and the painted images, that our conception recognizes as representations, expressing the close relationship between the original model and its pictorial representation

Les fouilles de Délos ont livré depuis plus d'un siècle près de 160 sculptures inachevées, d'un intérêt considérable pour l'histoire des techniques de sculpture à l'époque hellénistique. Outre qu'elles attestent l'importance de la production locale, elles nous livrent comme un instantané des sujets en faveur sur l'île immédiatement avant les catastrophes de 88 et 69. Si les oeuvres majeures ne forment en leur sein qu'un lot réduit, et paraissent avoir été travaillées sur le lieu de leur exposition future, la petite sculpture votive et décorative constitue le tout-venant des ateliers localisés sur l'île. On y observe deux types de production spécifiques: le recours à la taille indirecte par mise aux points; l'amorce, par ailleurs d'une production répétitive, rationalisée, économe de gestes et de moyens. La place originale de Délos dans l'élaboration de techniques nouvelles à la fin du IIe s. Et au début du Ier s. Ne doit donc pas être sous-estimée
For more than a century, the excavations at Delos have brought to light a high number of sculptures. Among these are 160 unfinished works. These are not revealing for the history of sculptor's techniques during the hellenistic period. But they also betray the importance of local production and the topics treated by the workshops immediately before 88 and 69. These seem to illustrate two types of production in use at the same time. Thus there is first the technique of indirect carving by using the pointing process. Moreover, one witnesses the beginnings of a rationalised and low-cost production with a very repetitive output using a restricted variety of tools and techniques. It appears then that the original role of Delos in the setting up of new sculptural techniques in the late 2nd and early Ist centuries BC may have been underestimated until now

356181\u Ce mémoire est une réflexion philosophique sur l’infini et l’indéfini, champ de recherche en arts visuels en relation avec ma pratique personnelle. Je vous propose une recherche basée sur les enjeux impliqués dans la construction, la présentation et la représentation de mes œuvres produites au cours de ma maîtrise, soit de 2017 à 2019. Ce projet d’écriture accompagne l’exposition «Reproduire l’improbable », qui a pour but d’amplifier l’appréciation de l’objet abstrait en présentant son portrait en peinture.

Texte remanié de: Inaug.-Diss.--Philosophische Fakultät--Bonn--Rheinische Friedrich-Wilhelms-Universität, 2003. Titre de soutenance : Studien zu anonymen griechischen Porträts des 4. Jhs. v. Chr.
Notes bibliogr. Résumé en allemand et en anglais.

During her early career as a sculptor, the French artist Louise Bourgeois (1911-2010) experimented with various methods of representing the female body in a state of dismemberment or fragmentation. Despite the transgression latent within such sculptures, critics and scholars alike interpreted Bourgeois’s oeuvre from a psycho-biographical angle. In doing so, they suggested that her art was rooted in a personal—as opposed to political—consciousness. This thesis analyzes some of the reasons behind this common method of interpretation, looking specifically at the personal myth that Bourgeois promoted in order to gain acceptance in the art world. In addition, this work questions the ways in which the artist masked the gendered transgression in two sculptural self-portraits through unique adaptations to Modernist traditions.

On a voulu ici ébaucher une réflexion sur une période essentielle à la compréhension de l'histoire du monde antique, par le biais d'un matériel riche en perspectives idéologique, mais d'une interprétation parfois difficile. Le portrait sculpté montre-t-il des différences significatives dans le traitement des mêmes groupes humains, selon qu'il provient du monde grec ou de l’Italie romaine du IIe et du Ier siècle ? Une première étape, consacrée à l'apparition et à l'évolution du portrait sculpté dans plusieurs civilisations du bassin méditerranéen, permettait d'en préciser les particularités essentielles et universelles, centrées autour de l'affirmation d'une individualité, la notion de ressemblance physique n'intervenant que plus tard. On était ainsi amené à dresser une sorte de tableau comparatif de la situation du portrait en Italie romaine et dans le monde grec à la fin du IIIe siècle, et à évoquer les différents problèmes que cette situation a pu poser aux savants. Une seconde partie cherche à mettre en lumière les évolutions que la présence romaine dans le monde grec après la seconde guerre de Macédoine peut introduire dans l'art du portrait. Il semble en effet que, tout en usant largement des acquis de la portraiture royale ou privée de la période hellénistique, les romains aient demandé aux portraitistes grecs d'exprimer de nouvelles valeurs. La question se complique si l'on prend en compte la façon dont ces valeurs étaient comprises de part et d'autre, mais aussi le traitement particulier du portrait de romain dans les différentes régions du monde grec. La troisième et dernière phase concerne les incidences de la conquête du monde grec sur le portrait "républicain" en Italie. Elle cherche à faire la part de l'adaptation à la société romaine de techniques et de types hellénistiques, et d'éventuelles influences antérieures ou non-grecques, afin de déterminer en quoi cet art du portrait se distingue de ses précédents grecs. Cette appréciation doit prendre en compte le traitement stylistique, l'emploi des principaux types et sa signification, mais aussi les traditions iconographiques particulières des régions et des groupes sociaux de l’Italie républicaine. Enfin, une brève étude chronologique cherche à montrer comment un enchainement de réactions permet de passer du portrait républicain au portrait de l'époque impériale, reflet des différents changements
Is it possible to trace significant differences between sculpted portraits of roman people found in italy and those coming from the Greek world during second and first century B. C. ? In a first part, we discuss about the very notion of portrait, its outcoming and development in the mediterranean area; and conclude that it aims to express special characteristics of a person, considering that physical likenesses do not really matter at the beginning. In a second part, we try to show in which way the roman conquest of Eastern Greek world influenced portraiture. Indeed, the romans seemed, on the one hand, to use for themselves the royal or private hellenistic patterns of portraiture, and, on the other hand, to make their portraits convey new specific values. The complexity of the phenomenon lies mainly in the fact that those values were not understood in the same way by Greek and Roman people, and the specific treatment of the portrait of romans that varied in the different parts of the greek world. The third part deals with the impact of the conquest of the Greek world on the republican portrait in Italy. It tries to take into account the adaptation of the hellenistic inheritage to roman society, as well as possible former or non-greek influences, in order to determine what marks the difference between this type of portraits and the former Greek ones. The specific stylistics, typology and iconography of the different regions and social groups are considered. A short chronological study tries to trace back the train of reactions that made possible the transition from the republican to the imperial portrait, the latter one reflecting indeed the changings in roman society

Cette etude s'interesse aux decors sculptes en ronde-bosse dans les monuments publics de vaison-la-romaine, d'arles et de nimes. Elle comprend l'inventaire des sculptures qui peuvent etre rattachees a un edifice et leur analyse afin d'en determiner l'identification et la datation. Sont concernees les statues-portraits des empereurs, des membres de la famille imperiale et de la cour, des notables locaux et enfin, des representations de divinites et de personnages mythologiques. Les statues sont mises en place dans les structures architecturales, restituant ainsi une partie des decors du theatre de vaison, du forum, du theatre et de l'amphitheatre d'arles, du forum, du sanctuaire de la fontaine, du << batiment des a. G. F. >> et du quartier dit du cirque romain a nimes. Ces restitutions montrent l'evolution du decor dans le temps, les changements ou les continuites a mesure que se succedent les empereurs et les dynasties. Sont mises en evidence des particularites typologiques et stylistiques des statues et les adaptations imposees par la propagande imperiale qui utilisent ces uvres pour diffuser les messages politiques et religieux. La comparaison entre les decors des trois villes revele la position privilegiee de la colonie romaine d'arles sur la colonie latine de nimes et sur la cite federee de vaison, tant par la rapidite de la mise en place de l'urbanisme et du decor que par la qualite superieure des uvres. Les comparaisons avec les groupes statuaires retrouves dans d'autres villes de l'empire romain montrent un grand nombre de similitudes et de nombreuses references a desuvres exposees a rome ; ces faits semblent pouvoir etre rattaches a l'action du pouvoir central qui a du elaborer des programmes iconographiques, conferant un aspect assez uniforme aux decors malgre des adaptations necessaires dans chaque ville.

Cette thèse porte sur le décor sculpté du Monument des Taureaux à Délos : les fragments existants des deux frises figurées, les chapiteaux à protomes de taureaux et un acrotère figuré. Chaque élément fait l’objet d’une description détaillée, accompagnée de remarques sur l’état de conservation et suivie d’une interprétation. Les contributions apportées sont concrètes : des données chiffrées permettant une meilleure évaluation du nombre des sculptures conservées et de la composition des frises, des dessins facilitant la lecture de certains fragments, de nouvelles hypothèses sur l’interprétation et la restitution de l’ensemble du décor sculpté, des dossiers développés proposant des comparaisons entre les sculptures décoratives du Monument des Taureaux et d’autres documents iconographiques. Les interprétations proposées sont essentiellement hypothétiques en raison du nombre limité et du mauvais état de conservation des éléments existants. Néanmoins, elles sont avancées à partir des sculptures conservées et en fonction avec le contexte architectural. L’ensemble du décor sculpté contribuait au caractère militaire de l’édifice. Les protomes de taureaux géminés qui encadraient la baie monument séparant la partie centrale de la partie nord de l’édifice marquaient l’entrée à un lieu où un double sacrifice était censé s’accomplir suite à une double victoire militaire ; la frise du lanterneau représentait des scènes de différents combats, déployés sur trois ou quatre côtés : un combat du cycle troyen assisté par des divinités, une scène d’Ilioupersis et une Amazonomachie ou un combat historique lié aux campagnes d’Alexandre le Grand ; la frise de la galerie représentait un sujet à caractère marin et militaire, associé à l’héroïsation et l’immortalité, probablement la remise des armes à Achille ; la Niké-acrotère, qui surmontait le fronton sud de l’édifice, rappelait la victoire navale à laquelle l’édifice devait sa construction
This dissertation concerns the sculpted decoration of the so-called Monument of the Bulls at Delos: the extant sculpture of two figured friezes, the two bull protome capitals and an akroterion. Each element is described in detail and is accompanied by remarks on the state of its conservation and by interpretation commentaries. Our contributions are concrete: statistics permitting a better evaluation of the quantity of the extant sculpture and of the arrangement of the friezes, drawings that facilitate the lecture of certain fragments, new hypotheses on the interpretation and restoration of the sculpted decoration, extended comparisons with other iconographic documents. The proposed interpretations are basically hypothetical because of the limited quantity of the extant sculpture and the poor state of its conservation. However, they are formulated within the architectural context. The sculpted decoration underlines the military character of the building. The two bull protome capitals on piers indicated the entrance to the adyton where a double sacrifice, commemorating a double victory, was to take place ; the clerestory frieze depicted scenes of different battles on three or four sides: a Trojan battle attended by gods, an Ilioupersis and an Amazonomachy or an historical battle related to the campaigns of the Alexander the Great; the frieze of the cella depicted a marine and military subject, associated with heroization and immortality, probably the arming of Achilles; the akroterion, a Nike in a wind-blown peplos, reminded the naval victory that initiated the construction of the building

Partagée entre plusieurs disciplines de recherche (l'histoire de l'art, la philologie et l'épigraphie), l'étude des monuments statuaires des gouverneurs des provinces orientales de l'époque romaine tardive (entre la fin du troisième et la fin du sixième siècle après Jésus – Christ) mérite une étude d'ensemble des sources disponibles. C'est ce que propose ce travail, qui répertorie dans un catalogue organisé topographiquement les bases inscrites et les statues provenant de tels monuments. Le corpus ainsi constitué bénéficie ensuite d'une analyse. Celle-ci prend en compte les travaux les plus récents consacrés au portrait, qui le considèrent non comme l'image ressemblante d'un individu mais comme la matérialisation de la personne qu'est socialement un individu. Cette étude aborde donc différents domaines dans lesquels la personnalité sociale des gouverneurs byzantins s'est exprimée et qui sont perceptibles sur leurs portraits sculptés : la politique, l'économie, la culture et la religion
Divided between several fields of research ( art history, philology and epigraphy), the study of statuary monuments of the governors of the eastern provinces of the late roman period (between the end of the third and the sixth century anno domini) deserves an averal analysis of the avalable sources. Such a study is proposed by this research which lists in a catalogue arranged by location, the inscribed bases and statues which originated in such monuments. The corpus which has thus been built up is then the subject of an analysis. This takes into account the most updated research on portraiture, which no longer considered the portraits as an image resembling an individual but as the materialisation of the person which is socialy an individual. This study therefore tackles different fields in which the social personality of these byzantine governors has been expressed and which can be perceived on their sculpture portraits : politics, economics, culture and religion

Notre travail se propose d'analyser les formes et les fonctions que peut revêtir le paysage dans un corpus de textes épiques posthomériques. Les Argonautiques d'Apollonios de Rhodes et leur réécriture tardive anonyme, les Argonautiques Orphiques, les Posthomériques de Quintus de Smyrne, la Prise d'Ilion de Triphiodore et les Dionysiaques de Nonnos de Panopolis nous offrent un champ d’investigation fructueux pour analyser les représentations littéraires du paysage de manière transhistorique. Nos textes opèrent une première transformation du paysage épique archaïque qui est d'abord l'image du monde avec laquelle il se confond (adéquation posée entre bouclier, île et monde) en détachant de cette équation le paysage pour lui conférer une plus grande autonomie. Le monde devient une mosaïque de paysages autonomes qui gagnent en épaisseur du fait qu'ils se chargent d'une dimension identitaire. La polymorphie du paysage donne alors sa texture mouvante au monde des Grecs : c'est la dimension plastique et artiste que le texte de poésie épique emprunte pour mettre en mots ces images du monde qui révèle les formes du paysage épique. Une diversité de schèmes paysagers émergent et ouvre l'intertexte littéraire à l'hétérogénéité des formes artistiques. De cette fusion de processus et de formes naît une singularité bien antique de perception et de traduction du paysage : la merveille. Paysage et merveille s'entremêlent étroitement au point de se substituer l'un à l'autre : c'est là une définition possible du paysage antique à partir de la période hellénistique. Mais le paysage ainsi identifié et construit appartient aussi au monde dont il contribue à imager la forme. Il est clairement localisé d'un point de vue géographique : image vivante d'une partie du monde il lui offre son identité par ses caractéristiques topiques singulières. Il est une forme d'identification régionale et confine au vernaculaire. Le paysage devient un instrument de promotion intellectuelle et culturelle. Entre diversité formelle et singularité locale, le paysage voyage entre fiction et réel : ses modalités de construction empruntent au littéraire et à l'artistique et s'étendent ensuite grandeur nature. Le genre épique, marqué par l'intertextualité innovante, fait du paysage l'image même du processus de transposition et d'adaptation. Manifestation de l'exercice d'une subjectivité antique singulière puis collective, instrument de mesure du travail de l'imaginaire à l’œuvre dans les processus complexes de réception littéraire et culturelle, le paysage antique entre transmission et invention, s'ouvre à l'expérience quotidienne et sociale. Son existence antique est effective
The undertaking of this work is to analyze the forms and functions that the landscape can take in a corpus of posthomeric epic texts. The Argonautica of Apollonius of Rhodes and its late anonymous rewriting The Orphic Argonautica, the Posthomerica of Quintus Smyrnaeus, the Ilioupersis of Triphiodorus, and The Dionysiaca of Nonnus Panopolitanus provide us with a fruitful field of investigation for the analysis of the literary representations of the landscape as transhistorical. Firstly, our texts operate one transformation of the archaic epic landscape that is first the image of the world with which it merges (the conformity placed between shield, island, and world) by separating the landscape from this equation and giving it greater autonomy. The world is a mosaic of autonomous landscapes that gain texture as they take on a dimension of identity. The polymorphism of the landscape then gives its moving texture to the world of the ancient Greeks : the plastic and artist dimension is borrowed by the Epic text to put into words the images of the world, which reveal epic landforms. A variety of landscape patterns emerges and opens the literary intertext to the heterogeneity of artistic forms. From this fusion of process and forms, a singularity arises, a singularity particularly antique of the perception and the translation of the landscape : wonder. Landscape and wonder mingle so narrowly as to substitute one for the other : this is a possible definition of the ancient landscape from the Hellenistic period. But the landscape as thus identified and constructed also belongs to the world the image of which it contributes to form. It is clearly localized in a geographical perspective : the landscape becomes a vivid picture of the world and the former offers the latter its identity by its unique topical characteristics. It is a form of regional identification and it is sometimes confined to the vernacular. The landscape becomes an instrument for intellectual and cultural promotion. Between formal diversity and local singularity, the landscape travels between fiction and reality : its construction methods borrow from the literary and artistic and then extend to nature. The epic genre, characterised by innovative intertextuality, makes the landscape the image of the process of transposition and adaptation. As a manifestation of the exercise of a singular and then a collective ancient subjectivity, the landscape is an instrument for measuring the unfolding of the imagination at work in the complex process of literary reception and cultural transmission ; the ancient landscape between transmission and invention, opens itself up to the everyday and social experience. Its ancient existence is effective

Ce travail vise à étudier les techniques de fixation des statues sur leurs bases dans le monde grec, depuis la fin du VIIe s. jusqu’à la fin de l’époque hellénistique, à partir des bases inscrites. Il se fonde sur l’étude d’un corpus de 387 monuments ayant conservé des traces de fixation, à Delphes, Délos et Athènes, décrits et analysés dans un catalogue dédié. La première partie est consacrée à l’établissement d’une chrono-typologie des techniques de fixation visant à les caractériser en fonction du matériau, de la taille et du type de figure, et à les dater. La seconde partie s’attache à l’interprétation des traces de fixation en comme empreintes de la statue disparue. On a d’abord déterminé le type d’informations qu’elles pouvaient apporter sur elle, comme son matériau et sa taille, mais aussi son type et surtout sa position. On s’est ensuite intéressé aux bases signées, afin de dégager des traditions artisanales propres à des régions ou des ateliers, en croisant la fixation utilisée et les positions révélées par les traces. Enfin, on s’est interrogé sur les évolutions de l’utilisation des matériaux ; on a pu dégager le rôle des contextes d’exposition à partir de l’époque classique, et contribuer à élucider le retour du marbre à partir du IIe s. Cette étude entend par là contribuer aux recherches sur les techniques de fabrication autant qu’à celles sur la sculpture dans son contexte
The study examines the techniques used to attach statues to their bases in the Greek world from the end of the 7th c. BC to the end of the Hellenistic period. Starting from bases bearing inscriptions, it builds on a corpus of 387 monuments from Delphi, Delos and Athens, showing traces of attachment. Their description and analysis can be found in a separated catalogue. In the first part of the study, a chrono‐typology was elaborated, identifying and dating each technique according to the material, the size and the type of the figures. In the second part, the traces of attachment were interpreted as signs of the missing statue. First, we showed that these traces brought information on its material and its size but also its type and its position. Then we focused on signed bases and proceeded to a cross‐examination of the kind of technique used and the position revealed by the traces in order to identify artisanal traditions specific to regions or workshops. Finally, we considered the reasons for using marble or bronze for statues; we thus showed the importance of the setting context from the classical period onward, as exemplified by the come-back of marble sculpture in the 2nd c. BC. The study is thus intended as a contribution to research both on attachment techniques and sculpture in its context

La littérature et la peinture semblent être les domaines les plus propices au développement de l’intime au XIXe siècle. Pourtant, la notion possède aussi sa place dans le domaine de la sculpture qui, par des procédés qui lui sont propres, parvient à la révéler. Sujet le plus favorable à l’introspection, l’autoportrait, tel que le conçoivent Carriès ou Gauguin, demeure une expérience singulière qui ne se vérifie pas chez tous les sculpteurs. L’expression de l’intime est alors à chercher dans le portrait où l’artiste tend à faire surgir l’intériorité de son modèle à la manière de Carpeaux ou de Rodin. Les fondamentaux du dialogue entre intime et sculpture sont ainsi posés. La notion se définit aussi par sa polyvalence liée au contexte de commande et de réception, aux questions esthétiques de l’époque, au mystère de la création et, enfin, jusque dans ses limites. L’intime est une notion protéiforme qui peut aussi bien prendre sens sous un aspect iconographique que suivant les modalités de création d’une sculpture. Ce concept imprègne toute forme de sculpture s’exprimant aussi bien dans le portrait sculpté, que dans les petits groupes ou statuettes ou encore dans la statuaire monumentale. L’étude des œuvres de Claudel, Dalou ou Rosso nous a permis de comprendre que plus que d’un courant esthétique à part entière, il s’agit davantage d’une caractéristique qui permet de mieux les rassembler. L’intime apparaît donc comme un outil pour étudier la sculpture des années 1865 à 1909 sous un angle nouveau
Literature and painting seem to be the most favourable fields for the development of intimacy during the nineteenth century. The notion has, nevertheless, its place too in the field of sculpture which by processes of its own, manages to reveal it. Even though self-portraits, such as conceived by Carriès or Gauguin, are particularly suitable for introspection they remain a unique experience that does not apply to every sculptor. The expression of intimacy is then to be found in portraits where artists tend to bring out the interiority of their model, in the manner of Carpeaux and Rodin. The fundamentals of dialogue between intimacy and sculpture are thus laid down. The term is also defined by its versatility, in relation to the context of order and reception, to aesthetic issues of the time, to the mystery of creation and, finally, to its own limits. Intimacy is a protean concept that can take on its full meaning through a single iconographic aspect or modalities of creation of sculpture. This very concept permeates all forms of sculpture and is expressed in sculpted portraits as well as in small groups, statuettes, even monumental sculpture. Our study of works by Claudel, Dalou or Rosso allowed us to understand that more than an aesthetic current in its own right, intimacy is rather a distinctive feature that brings works together. Intimacy therefore appears as a tool to study the sculptural fields ranging from 1865 to 1909 from a new angle

Cette étude traite des changements dans la façon de percevoir la statue, de la statuette au colosse, et des bouleversements dans les fonctions que les anciens leur attribuaient aux IVe et Ve siècles ap. J.-C., une période de mutation religieuse, sociale et politique. La réflexion s'appuie sur les sources archéologiques, littéraires, périodiques et épigraphiques afin de proposer une lecture croisée, mêlant des domaines que les traditions académiques divisent entre histoire et histoire de l'art. Leur analyse permet d'étudier l'approche nouvelle des statues, puis les fonctions de telles images dans la société de la fin de l'Antiquité, et enfin le traitement plastique singulier des images en ronde-bosse à cette époque. Ces images qui ont hanté l'univers des Anciens ont été modelées au contact de la société pour en devenir l'expression. Cette étude des statues permet donc une approche plus large qui touche à la fois les mentalités mais aussi les cadres politiques et religieux d'une société romaine tardive en mutation
The current study concerned the ancients' changing perception of the statue and its associated qualities during the enormous religious, political, and social upheavals of the 4th and 5th century A.D., focusing on the most clearly documented Western part of the Empire, particularly Africa, Italy and Gaul. The study draws on archeological, literary, legal and epigraphic sources more traditionally treated separately as belonging to either history or history of art. This multi disciplinary analysis casts new light on our understanding of statues, and the function of such images at the end of Antiquity as well as the unique plastic use of such images in sculpture in the round of the period. The images, which haunted the universe of the Ancients, were a product of its civilization in order to become the expression of it. This study thus takes an approach which includes social attitudes within the political and religious framework of a late Roman civilization in transition

Ce doctorat propose l’étude de 341 monuments funéraires dotés de représentations d’individus, découverts au sein de dix cités de l’Aquitaine d’entre Loire et Garonne sous le Haut-Empire. Marqueurs d’emplacements funéraires au sein des nécropoles, ces édifices constituent pour cette recherche une remarquable source d’informations sur les ateliers qui les ont conçus, leurs artisans et leur clientèle, et donc, sur une partie de la population et de la société des agglomérations. Ainsi, le but de cette thèse est-il de souligner le dynamisme de ces ateliers, d’étudier leur répartition et d’aborder les enjeux sociaux, économiques et culturels qui accompagnaient, pour les commanditaires et les artisans, le choix d’un monument et de son répertoire iconographique. Les résultats obtenus au fil de l’analyse présentent un groupe de monument réalisés entre le milieu du IIe siècle et le milieu du IIIe. Les différences techniques, dues à l’évolution des modes, des procédés de fabrication et des souhaits des commanditaires, ont permis d’identifier, dans chaque cité, des ateliers possédant des caractères assez originaux qui diffèrent suivant les époques. De plus, des méthodes de production communes ou propres à chaque territoire ont été révélées dans chaque étape de l’élaboration des monuments : commande, choix du support, des répertoires iconographiques et de la composition des images. Par ailleurs, la valeur des décors dépasse le simple cadre de leur réalisation matérielle puisqu’il s’agit de faire valoir, en parallèle de la protection religieuse, à tous et pour l’éternité, la dignité sociale, familiale et professionnelle du ou des défunt (s)
In this PhD thesis were studied 341funerary monuments with portrait, found in ten cities of the Aquitaine region of Loire and Garonne in the Early Empire. Beyond being burial location markers in the cemeteries, these buildings are for this research a remarkable source of information on their implementation process in workshops, and thus a part of the population and society settlements. Thus, the purpose of this thesis is to highlight the dynamism and the distribution of these workshops and to address the social, economic and cultural issues that accompanied the selection by the customers and the sculptors of a certain type of monument and its iconography. The outcomes in the course of the analysis show that these monuments were manufactured between the mid-second century and the middle of the third. Then, technical differences due to changing modes, manufacturing processes and wishes of the sponsors who have allowed to identify workshops in each ciuitas with rather original characters. In addition, common production methods or specific to each territory were revealed in the various stages of development of monuments: commission for sculpture, choice of the medium, the iconography and the composition of images, as well as the value of decorations goes beyond the scope of their hardware implementation as it is to argue at all and forever in parallel with the protection of religion, social, professional and family dignity of the decease(s)

Cette thèse a pour vocation de dresser un catalogue exhaustif des hermès à portrait provenant des provinces occidentales de l’empire romain afin d’appréhender toute la richesse sémantique de ce support figuré original. Disposés depuis l’époque archaïque aux carrefours et aux portes des villes grecques, les piliers hermaïques deviennent, sous l’impulsion des Romains, le support de véritables portraits et non plus uniquement celui d’effigies divines. Deux catégories iconographiques émergent, les portraits rétrospectifs restituant les traits de personnages historiques fameux tels Homère ou Ménandre, et ceux de particuliers, parfois dédiés à leur Genius et élevés dans l’atrium de leur demeure. Au-delà de la nécessaire analyse stylistique et iconographique du corpus, cette étude a pour ambition de donner une lecture historico-culturelle du phénomène et de rendre compte de la mise en œuvre concrète de ces hermès, depuis l’atelier jusqu’aux lieux où ils sont exposés. Leur remise en contexte doit permettre de dresser un tableau des acteurs de cette pratique de dédicace, des personnages représentés, des motifs présidant au choix de ces images abrégées et de la place qu’elles occupent dans l’espace privé des villas romaines, dans le cadre du culte domestique comme dans celui de l’otium
This study aspires to acheive a catalog of portrait herms in the Roman West in order to apprehend the semantic meaning of this original figurative support. Erected since achairc times by the crossroads and doors of greek cities, herms become, under roman influence, pedestals for portraits and not only representations of divinity. Those portraits can be divided into two iconographical categories : retrospective ones reproducing features of historical figures such as Homer and Menander, and those of private citizens, sometimes dedicated to their Genius and raised in the atrium of their house. More than a simple stylistical and iconographical analysis of this corpus, this study tries to give an historical and cultural reading of thoses sculptures, from the workshop to their exhibition contexts. This approach must allow the depiction of all the actors involved in thoses dedications, the clarification of thematic choices as of the reasons for choosing these abbreviated images, the definition of their place in the private space of the Roman villas in the context of domestic cults or that of the otium

Cette thèse traite des statues d’animaux dédiées dans les sanctuaires de Grèce continentale, des îles égéennes et de la côte d’Asie Mineure des périodes archaïque à hellénistique. Les statues, les bases de statues et les éventuelles informations épigraphiques découvertes dans des sanctuaires grecs sont rassemblées dans un catalogue archéologique. Les statues d’animaux mentionnées par les auteurs anciens dans leurs descriptions de sanctuaires font l’objet d’un second catalogue littéraire. Une première partie introductive définit le vocabulaire de l’offrande et présente le thème de l’animal dans l’Antiquité. La deuxième partie consiste en une étude contextuelle divisée en plusieurs chapitres, chacun dédié à une catégorie animale figurant au nombre des anathemata statuaires du catalogue archéologique ou littéraire. Chaque catégorie d’animaux a été analysée de manière systématique : l’étude s’intéresse d’abord aux caractéristiques des animaux vivants, leur existence à l’état sauvage ou domestique, leurs utilisations et fonctions au sein de la société et les interactions entre les humains et les animaux. La place des animaux de chaque catégorie dans la littérature ancienne et la mythologie est aussi étudiée, et les diverses représentations d’animaux dans les sanctuaires et dans d’autres contextes sont prises en compte. Les entrées des catalogues archéologique et littéraire ainsi que matériel épigraphique sont présentés de manière typologique à la fin de chaque chapitre de l’analyse contextuelle. Une introduction aux sanctuaires où ont été offertes des statues animales accompagne la présentation des anathemata, et les offrandes sont classées par sanctuaire et par ordre chronologique. Chaque chapitre se clôt sur des interprétations sur le sens des offrandes de statues d’animaux de la catégorie traitée. Le dernier chapitre de l’analyse contextuelle présente brièvement les animaux qui sont souvent représentés dans les sanctuaires mais pas sous forme de statues individuelles – leur absence peut en effet aider à comprendre la présence des animaux représentés. Une partie sur la sculpture suit l’analyse contextuelle et s’intéresse à l’esthétique des statues animales, aux matériaux utilisés, aux prix des anathemata statuaires, aux conditions pratiques de réalisation et d’acheminement, au coût du transport, ainsi qu’à l’identité et la spécialité des artistes qui les exécutaient. Enfin, dans une quatrième et dernière partie, les données observées dans les deux catalogues sont présentées et analysées de manière systématique afin d’en extraire des informations sur le sens des offrandes de statues animalières. Les liens entre les sanctuaires abritant des statues animales, les liens entre les offrandes animalières et les divinités honorées, les implications géographiques et les évolutions diachroniques sont analysés dans cette partie. La place physique des statues animales dans les sanctuaires et le choix des animaux représentés sont aussi étudiés. Les auteurs d’offrandes publiques et privées connus grâce aux inscriptions et sources écrites sont également présentés et comparés ; grâce à ces informations, les offrandes sont étudiées au-delà de leur portée religieuse. Les motivations politiques des offrandes publiques et les implications sociales des offrandes privées, qui varient selon la fortune, le genre et le statut des offrants, permettent de mieux comprendre les raisons implicites qui se cachent derrière les offrandes de statues animalières dans les sanctuaires grecs
This dissertation focuses on the freestanding statues of animals set as offerings, or anathemata, in Greek sanctuaries of the mainland, the Aegean islands and the coast of Asia Minor from the Archaic to the Hellenistic periods. The surviving statues found in sanctuaries corresponding to the geographical and chronological frames are gathered in a catalogue, and so were the statue bases on which animal statues stood and the epigraphic material linked with freestanding animal dedications. A second catalogue lists the animal statues recorded by ancient travelers in their visits of Greek sanctuaries. A contextual study on each of the animal categories recorded as freestanding anathemata in archaeological or written sources is a necessary step to understanding why these animals were chosen to be represented in statues offered to the gods. Each animal category was systematically analyzed.Their characteristics as live animals, their existence in the wild or in a domestic context, their use and function in society, the existing interactions between humans and animals are addressed. The place of animals in ancient Greek literature and mythology is also studied, and so are their artistic representations, within sanctuaries and in other contexts. The catalogue entries and typology corresponding to the surviving and literarily recorded freestanding anathemata of each animal category are presented at the end of each chapter of the contextual analysis, and so are their inscriptions and dedications, when known. A presentation of the receiving sanctuaries accompanies the presentation of the anathemata, which are classified by chronology and sanctuaries. Interpretations on the meaning of the offerings of animals per category comes at the end of each of the chapters of the contextual analysis. The last chapter of the contextual study gives an overview of the animals which are often represented in sanctuaries but absent from the present catalogues – as their absence might help understand the significance of the animals that are represented. Observations on ancient sculpture follow the treatment of each animal per category and focus on the aesthetics of animal statues, the materials used, the price of the anathemata, the practicalities and cost of their transport, and the identity and specialties of the artists who made them. Lastly, data drawn from the catalogues are presented and analyzed in a systematic manner in order to extract information about the significance of the offering of freestanding animal statues at sanctuaries. The links between the sanctuaries where animals were offered, the links between the dedication of animals and the receiving deities, the geographical implication and the diachronic evolution of the anathemata are analyzed. The physical place of the animal statues within the sanctuaries and the choice of animals are also studied. The public and private dedicators known through inscriptions and written sources are also presented and compared. Beyond the religious gesture, the political motives of public dedications are discussed. The wealth, gender and status of private dedicators enables the understanding of social implications connected to the dedication of animal statues
Αυτή η διατριβή εστιάζει στα ανεξάρτητα αγάλματα ζώων που παρουσιάζονται ως προσφορές ή αναθήματα σε ελληνικά ιερά της ηπειρωτικής Ελλάδας, των νησιών του Αιγαίου και των παραλίων της Μικράς Ασίας από την Αρχαϊκή μέχρι την Ελληνιστική περίοδο. Τα εναπομείναντα αγάλματα που εντοπίστηκαν στα ιερά που βρίσκονται στο γεωγραφικό και χρονολογικό πλαίσιο που αναφέρθηκε, οι βάσεις πάνω στις οποίες στηρίζονταν αγάλματα ζώων καθώς επίσης και το επιγραφικό υλικό που σχετίζεται με αφιερώσεις ζωικών αγαλμάτων, συγκεντρώθηκαν σε έναν κατάλογο. Ένας δεύτερος κατάλογος απαριθμεί τα ζωικά αγάλματα που καταγράφονται από τους αρχαίους περιηγητές στις επισκέψεις τους στα ελληνικά ιερά. Για να γίνει κατανοητός ο λόγος για τον οποίο τα ζώα αυτά επιλέχθηκαν να αναπαρασταθούν σε αγάλματα και να αφιερωθούν στους θεούς, θα πρέπει να πραγματοποιηθεί μια έρευνα για το πλαίσιο μέσα στο οποίο εντάσσεται κάθε κατηγορία ζώου που αποτελεί ανεξάρτητο ανάθημα, είτε σε αρχαιολογικές, είτε σε γραπτές πηγές. Έτσι, κάθε κατηγορία ζώων έχει συστηματικά ερευνηθεί και αναλυθεί: τα χαρακτηριστικά τους ως έμψυχα όντα, η ύπαρξή τους στην άγρια φύση ή ως κατοικίδια, η θέση και η αξία τους στην κοινωνία, η αλληλεπίδρασή τους με τον άνθρωπο. Η θέση των ζώων όπως εμφανίζεται στην αρχαία ελληνική γραμματεία και μυθολογία, καθώς και οι καλλιτεχνικές τους αναπαραστάσεις στα ιερά και σε αλλού, τίθενται επίσης υπό ανάλυση. Οι καταχωρίσεις στον κατάλογο και η τυπολογία που αντιστοιχεί στα διασωθέντα και καταγεγραμμένα στις πηγές ελεύθερα αναθήματα κάθε κατηγορίας ζώων, παρουσιάζονται στο τέλος κάθε κεφαλαίου της ανάλυσης, όπως επίσης και οι επιγραφές ή αφιερώσεις, όταν αυτές είναι γνωστές. Μια παρουσίαση των ιερών συνοδεύει την παρουσίαση των αναθημάτων, τα οποία έχουν κατηγοριοποιηθεί ανά χρονολογία και ιερό. Οι ερμηνείες για τη σημασία των προσφορών ζώων ανά κατηγορία εκτίθενται στο τέλος κάθε κεφαλιού της ανάλυσης. Το τελευταίο κεφάλαιο της αναλυτικής μελέτης παρέχει μια επισκόπηση των ζώων που συνήθως εκπροσωπούνται σε ιερά, αλλά εκλείπουν από τους καταλόγους -κι αυτό διότι η μνεία τους θα μπορούσε να βοηθήσει στην κατανόηση της σημασίας των ζώων που εκπροσωπούνται. Ακολουθούν παρατηρήσεις σχετικά με την αρχαία γλυπτική, που επικεντρώνονται στην αισθητική των ζωικών αγαλμάτων, τα υλικά που χρησιμοποιήθηκαν, την τιμή των αναθημάτων, τα πρακτικά ζητήματα και το κόστος της μεταφοράς τους, καθώς και στην ταυτότητα και τις ιδιαιτερότητες των καλλιτεχνών που τα δημιούργησαν. Τέλος, παρουσιάζονται δεδομένα από καταλόγους, τα οποία αναλύονται συστηματικά με σκοπό να προκύψουν πληροφορίες σχετικά με τη σημασία των προσφορών των ανεξάρτητων ζωικών αγαλμάτων σε ιερά. Ακόμα, αναλύονται οι δεσμοί μεταξύ των ιερών όπου τα ζώα προσφέρονταν, οι δεσμοί μεταξύ προσφερόμενων ζώων και θεοτήτων που τα δέχονταν, η γεωγραφική εφαρμογή τους και η διαχρονική εξέλιξη των αναθημάτων. Μελετώνται επίσης φυσικός χώρος των ζωικών αγαλμάτων μέσα στα ιερά και η επιλογή είδους ζώου. Οι δημόσιοι και ιδιώτες αφιέρωτες γνωστοί από επιγραφές ή γραπτές πηγές επίσης παρουσιάζονται και συγκρίνονται. Συ ζητώνται -πέραν της αφιέρωσης ως λατρευτικής πράξης- τα πολιτικά κίνητρα των αφιερώσεων. Ο πλούτος, το γένος, το φύλο και η κοινωνική θέση των ιδιωτών αφιερωτών συσχετίζεται με την κατανόηση των κοινωνικών εφαρμογών που συνδέονται με τις αφιερώσεις ζωικών αγαλμάτων

The thesis concerns representations of Roman women of the imperial period depicted in the guise of a divinity. Portraits of women of all social levels have been included as have representations in any media excluding numismatic evidence. The latter, with its specific contextual characteristics, is only included and discussed as comparanda for the main body of material. The juxtaposition of a recognisable reality and a heightened reality in these representations raises a variety of interpretative questions: whether it is possible to establish a correlation between the mythological interpretation of a goddess and the socio-personal interpretation of an image of a mortal woman; the nature of the message being communicated through the choice of a particular deity; and whether the choice of deity for association in some way may be seen to conform to established ideals or topoi for women. The work examines Roman portraiture as a vehicle for self-expression and the transmission of ideals. Various aspects of the 'mechanics' for achieving this (idealisation, imitation, etc.) are investigated. Though, of particular importance to the argument is the relationship between image and spectator: the perception of portraits and the various factors contributing to forming an interpretation. Thus portraiture is established as a medium which within its contextual framework also includes the spectator - and the spectator's cultural reference points. The main body of the thesis centres on a dual examination of the range of deities with which Roman women were associated and the women presented in the divine guises, respectively proposing avenues of interpretations for the divine allusions and offering suggestions for methods of interpreting their use. The examination of the various deities in whose guises Roman women appear is also juxtaposed with the distinctions and attributes used to characterise women in literary and epigraphic sources. The correlation between these helps to elucidate the values represented in the images of women under discussion, and how they fit within a framework of ideals and virtues, and with the social personae of Roman women. Similarly, affinities between social status and mythological depiction are juxtaposed with a discussion of the role of the mythological representations themselves - exploring especially the relationship between mythological narrative and the tradition of exempla in Roman literature. It is further argued that interpretation is influenced also by viewer response - encouraged through empathetic identification and social emulation - and that the images of women in divine guises therefore may be perceived both as revealing intrinsic personal characteristics and as a costume symbolically articulating aspirational values. The inherent duality in these representations does in other words not so much concern degrees of reality as interacting realities: the individual"as a social participant, the public persona evidencing personal virtues. The images of Roman women presented therefore contain equally a reconfiguring response to the world and a socialising affirmation of identity.

Quinze femmes artistes seront admises à l’Académie royale de peinture et de sculpture entre 1663 et 1793. Depuis laRenaissance, en Europe et en France, un petit nombre de femmes bénéficie d’une certaine renommée aussi biennationale qu’internationale, dans les arts, la littérature et les sciences, ouvrant ainsi la voie à de nouveaux talents. Cesfemmes sont notamment encouragées par les thèses philosophiques de François Poulain de la Barre (1647-1723) quivont leur permettre d’occuper une place de plus en plus privilégiée au sein d’une société qui se cristallise autour dessalons. Ce sont de petites réunions où savantes et artistes invitent chez elles hommes et femmes pour discuter delittérature, de philosophie, d’art mais aussi de politique. Ces lieux très courus connaissent un grand succès à la fin duXVIIe siècle et tout au long du XVIIIe siècle. La réception des premières femmes à l’Académie se fait dans ce climattout à fait favorable aux femmes tant sur le plan social et culturel, que politique.Mais cette admission n’en reste pas moins précaire. Effectivement après l’entrée de Catherine Perrot, le 31 janvier 1682,il faudra attendre près de quarante ans, soit le 26 octobre 1720, pour que soit à nouveau admise une peintre : RosalbaCarriera. Certes, elles ouvrent les portes de cette institution, mais elles ne restent pas moins exclues de nombreusesactivités et de plusieurs privilèges. Elles n’ont pas le droit d’assister aux cours d’après le modèle vivant – lequel pose nu– leçons pourtant fondamentales dans l’enseignement promu par l’Académie, ni de concourir aux grands prix, pourtantau coeur du système d’émulation, en fait les académiciennes n’auront jamais accès aux postes à responsabilité. Pourtantelles ont contribué à réinventer le paysage artistique français et plus particulièrement le genre du portrait. Prônant lenaturel, elles contribuèrent à renouveler le vestiaire féminin avec des tenues plus légères et vaporeuses. Mal perçues parla critique, ces nouvelles chemises appelées gaules, participèrent à la simplification des portraits officiels. En mêmetemps, la féminisation des portraitistes de cour offre de plus grandes possibilités aux femmes peintres. Poussant leslimites toujours plus loin, elles réussirent par le biais des portraits historiés à investir la peinture d’histoire, genre réservéaux peintres les plus aboutis et qui maîtrisent bien l’anatomie.Leurs contemporains à travers leurs écrits ou leurs oeuvres artistiques proposèrent une image idéalisée, truquée parfoistrompée de ces académiciennes. Femmes de talent, femmes ambitieuses, les académiciennes réussirent malgré tout àimposer une nouvelle vision de la femme peintre
Fifteen women artists will be admitted to the Royal Academy of Painting and Sculpture between 1663 and 1793. Sincethe Renaissance, Europe and France, a small number of women enjoys a certain reputation both nationally andinternationally, in arts, literature and science, thus opening the way for new talent. These women are particularlyencouraged by the philosophical theses of Francois Poulain de la Barre (1647-1723) which will enable them to occupy amore privileged in a society that crystallizes around lounges. They are small and scholarly meetings where artists invitehome men and women to discuss literature, philosophy, art but also politics. These very popular places with greatsuccess in the late seventeenth century and throughout the eighteenth century. The reception of the first women to theAcademy is in this climate quite favorable to women both socially and culturally, and politically.But this admission only remains precarious. Indeed after the entry of Catherine Perrot, January 31, 1682, it will takealmost forty years, October 26, 1720, that is again admitted a painter Rosalba Carriera. Certainly, they open the doors ofthis institution, but they are nonetheless excluded from many activities and many privileges. They do not have the rightto attend classes of the living model - which poses naked - yet fundamental lessons in teaching promoted by theAcademy, nor to compete with great prices, yet in the heart of the system emulation in fact the academicians will neverhave access to positions of responsibility. Yet they have helped to reinvent the French artistic landscape and especiallythe portrait genre. Advocating natural, they helped to renew the female locker room with more light and gauzy outfits.Badly perceived by critics, these new shirts called saplings, took part in the simplification of official portraits. At thesame time, the feminization of court portraitists offer greater opportunities to women painters. Pushing the limits stillfurther, they succeeded through portraits to invest storied history painting, genre reserved for the most accomplishedpainters and good command of anatomy.Their contemporaries through their writings or artistic works proposed an idealized image, faked sometimes deceivedthese academicians. talented women, ambitious women, academicians still managed to impose a new vision of thewoman painter

La thèse est la première analyse de l'avènement du portrait ressemblant à partir du XIIIe siècle (jusqu'à présent daté du XVe ou XIVe s. ). Reconstitue une structure globale de la mimesis et de l'image ressemblante de l'homme, retient qu'un nouveau courant apparaît (au XIIIe s. ), manifestant un intérêt particulièrement vif pour l'aspect corporel de l'homme (témoignage sont : embaumement de longue durée, resurgissement du masque mortuaire, effigies, substitution des blasons par image ressemblante, etc. ). Phénomène lié aux changements de conception de l'être humain (valorisation du corps !). Influence byzantine démontrée, comparaison avec usages de mimesis antique. Portrait (divers matériaux de production analysés) représente d'abord une référence à des dignitaires précis. Plus tard, il renvoie, d'une manière générale, à une personne précise. Analyse approfondie de l'étymologie de «portrait» (ca. 200 occurence depuis le XIIe s. ) ainsi que de la notion d'individu vérifie ce développement
The doctoral thesis is the first study of the rise of resembling portraits since 13th century. It reconstitutes a global structure of mimesis and resembling representation of man ; demonstrates that a new current emerges in 13th cent. Showing a particularly strong interest in physical appearence of man. Evidence of this are : new long-term embalming methods, re-emerging of death masks, effigies, substitution of the coat of arms by resembling figures, etc. Trend is linked to changes in view of man (giving higher value to human body). Antique interest in human physiognomy (death masks in wax) is shown very likely to have been transmitted to 13th cent. Occident (via Byzantium). The likeness of portraits (various mediums of making are analysed) is a prestige reserved for personages, meaning their dignity. Later, the likeness comes to stand for an individual in general. Comprehensive etymology of the word portrait (ca. 200 examples from 12th cent. On) and of "individual" confirm this evolution

Comment définir ces peintures ou rondes-bosses que sont les portraits japonais figurant des moines ? Par leur forme spécifique qui, issue d’un prototype continental qui n’a pas été remis en question, est demeurée stable à l’exception de brèves périodes. Cette constance s’explique par l’importance accordée à la Chine, l’usage de modèles iconographiques (zuzō) et le recours à une réplique qui n’est jamais dénigrée. Le portrait est de plus une image au bénéfice des sectes qui la produisent. En fournissant une représentation qui ne se dégrade pas, il est aussi la preuve d’un état de sainteté, voire de bouddhéité. Quant à la fonction de certificat des portraits Zen (chinzō), elle semble rare. Portrait de groupe, rouleaux illustrés (emaki) et littérature ont également décrit des personnages à leur façon, autorisant des comparaisons. Le portrait aurait pu inventer sa propre représentation ; il a préféré emprunter aux images sacrées : figurations de vénérés, maṇḍala et illustrations de jātaka
How can one define these paintings and sculptures in the round that make up Japanese portraits of monks? Through their specific form that derives from a continental prototype which has never been reappraised and which remained stable except for short periods of time. Such a consistency results from a strong influence of China, and from the use of iconographic models (zuzō). Furthermore, copying a work of art has never been undervalued. Portraits are also images which benefit the sect that produces them. By providing an image or representation that never decays, they bear testimony to a monk's holiness, even buddhahood. Lastly, the Zen portraits (chinzō) are often seen as a kind of certification; however, this function seems quite rare. Group portraits, scrolls (emaki) and literature also describe people in their own way, allowing comparison with portraits. Portraiture could have followed its own path; it has preferred to borrow from holy images: deities, maṇḍala and jātaka illustrations

Wachsfigurenkabinette waren nicht immer die billigen Sensationsmaschinen, als die sie heute verstanden werden. Vor der Erfindung und Verbreitung von Photographie und illustrierten Zeitschriften waren sie Bildmedien, die der Vermittlung von visuellen Informationen dienten. Kein anderes Medium konnte die Protagonisten der Weltgeschichte so unmittelbar darstellen wie die Sammlungen lebensgroßer Wachsfiguren. Das Material Wachs trug wesentlich zu ihrem Erfolg bei, denn es ermöglichte die täuschend echten und bis dahin realistischsten Darstellungen von bekannten Persönlichkeiten. Die Operationsweise dieses Mediums wird am Beispiel von Madame Tussauds Wachsfigurenkabinett genauer untersucht. Dazu wurde, soweit möglich, die Reiseroute, der Aufbau und die “Besetzung” der Ausstellung rekonstruiert, sowie die soziale Herkunft der Besucher in der ersten Hälfte des 19. Jh.s ermittelt. Es wird deutlich, daß Marie Tussaud eine talentierte Portraitkünstlerin und ambitionierte Schaustellerin war, deren sorgfältig gestaltete Ausstellung vor allem Besucher der aufstrebenden Mittelschicht mit Interesse an Menschenkenntnis anzog. Das Wachsfigurenkabinett fiel damit in die Kategorie der “nützliche Unterhaltung”, die der Wissens- und Charakterbildung diente. Madame Tussaud ist vielleicht die bekannteste Betreiberin eines Wachsfigurenkabinetts – keinesfalls aber die erste. Die Geschichte der kommerziellen Ausstellung lebensgroßer Wachsfiguren reicht ins beginnende 17. Jh. zurück, wobei sich das Konzept der Kabinette im Laufe der Jahrhunderte stark gewandelt hat. In dieser Arbeit werden drei Ausstellungsformen unterschieden: a) das barocke Figurengruppen-Kabinett, das programmatische oder allegorische Geschichten erzählt, b) die aufklärerische Portraitgalerie (wie z.B. Madame Tussauds), in der Persönlichkeiten als charakteristische Individuen vorgestellt werden, c) das moderne Tableau-Kabinett, wo alltägliche oder außergewöhnliche Ereignisse auf bis dahin unübertroffen realistische Weise wiedergegeben werden. Als Nachrichtenkanal und als Medium für realistische Wirklichkeitswiedergabe sind Wachsfigurenkabinette seit den 1920er Jahren überholt. Als Spiel mit der menschlichen Sinneswahrnehmung bleiben sie jedoch vorerst aktuell.
Waxworks were not always the cheap sensation spinners as which we perceive them today. Before the invention and wide-spread use of photography and illustrated magazines they were an important medium for distributing visual information. No other form of communication could offer such immediate representations the protagonists of world history. Perhaps the greatest part in their success took the material wax which allowed the creation of deceptively lifelike and hitherto most realistic depictions of celebrated individuals. In this thesis, Madame Tussaud’s serves as a prime example for examining the mode of operation of a waxwork exhibition. As far as the sources allow, the itinerary, the ‘cast’ and display of the exhibition is reconstructed, as well as the number and the social background of its visitors during the first half of the 19th century. It emerges that Marie Tussaud was a talented portrait artist and a show woman of ambition whose carefully constructed exhibition attracted mainly middle-class visitors with an interest in human classification. Thus, the waxworks was a ‘rational entertainment’ that was thought to further the development of knowledge and character in its visitors. While Madame Tussaud’s was perhaps the most famous waxworks, it was not the first one. The history of commercial exhibition of life-sized wax figures goes back to the 17th century. Their concept, however, changed significantly over the centuries. Three forms of waxworks are differentiated here: a) the baroque waxworks of groups of figures narrating programmatic and allegorical stories, b) the enlightened portrait gallery – such as Madame Tussaud’s – where celebrities are presented as individual characters, c) the modern tableau waxworks, that represents extraordinary as well as everyday events in a realistic way that was hitherto unprecedented. As a channel for the distribution of news and as a medium for representing reality waxworks have become outdated. As a tickle for the senses, however, they will yet remain effective.

Many portraits of Rudolf II were painted and created during his lifetime, forming a significant component of Rudolfine art, however, they have not received a sufficient art historical attention. They document, at times at stylyzed manner, the transformation of Rudolf's appearance. However, their most important task was to demonstrate and make tangeable Rudolf's authentic appearance to the world and to celebrate his magnanimity and personality. Thus, there are many portraits that represent Rudolf as a good emperor or a brilliant commander, although, as we know, they did not correspond to reality. A special chapter of the portrait iconography also create complicated allegories about Rudolf's reign relying on representations of personifications, mythological and animal symbols using Rudolf's personal impresa. Most of the portraits follow former portrait types typical for the 16th century, as bust, standing figure or equestrian monument. However, the peculiarity for Rudolfine portraiture is the allegorical portrait Rudolf as Vertumnus painted by Giuseppe Arcimboldo that combines classical portrait with allegory.

This thesis deals with the life and artwork of sculptor Čeněk Vosmík (1860 - 1944). Thesis contains an overview and evaluation of his artworks in the context of his time. Vosmík's artistic creation is followed from the beginning, which he spent studying in Vienna, through the period of the first successes and early artwork to the stage of his later artworks, when he devoted himself primarily to the religious art. Besides of the religious art thesis deals also with the allegorical, decorative and portrait work as well as restoration works. They are not neglected nor his unrealized proposals of works of art. Is especially emphasized Vosmík's early period of arts and his most important sculptures - The reprobate, The shepherd with bull and The Christ in the desert. Thesis also includes a comprehensive inventory of his art work. Keywords Čeněk Vosmík, sculpture, religious art, allegorical and decorative arts, portraits