Academic literature on the topic 'Sculpture française – France – Cluny'

Notre étude tente de démontrer que le néo-baroque est un courant stylistique majeur de la sculpture franÇaise entre 1872 et 1914. D'abord parce qu'il a entretenu avec le régime républicain un rapport privilégié, qui culmine dans la dernière décennie du xixe siècle et trouve son point d'aboutissement au sein du décor fastueux, et en grande partie éphémère, de l'exposition universelle de 1900. Ensuite parce qu'il a su s'imposer, grâce à des artistes comme jules dalou, mathurin moreau, auguste rodin ou raoul verlet, dans toutes les formes de l'activité sculpturale : les monuments commémoratifs, les fontaines publiques, le décor d'architecture, la sculpture d'édition, l'orfèvrerie et les objets d'art. Si les influences de michel-ange, jean bologne et le bernin sont notables, le courant néo-baroque revendique plus ostensiblement l'héritage de puget, rude et carpeaux, sans oublier les sculpteurs du règne de louis xiv ou de louis xv. Mêlant, dans ses thématiques comme dans ses formes, les réminiscences et les renouveaux, la sculpture néo-baroque abuse enfin des effets pittoresques, que sont notamment la théâtralité, les jeux d'ombre et de lumière ou le traitement virtuose de la chair et des draperies
The aim of this study is to demonstrate that the neo-baroque style is a major stylistic current in french sculpture between 1872 and 1914. The reasons for this are two-fold : first because it maintained privileged ties to the republican government, and thus dominated the 1890s and the world exhibition of 1900, and secondly, because its influence spread, thanks to artists like jules dalou, mathurin moreau, auguste rodin or raoul verlet, to all forms of sculpture : war memorials, fountains, architectural decoration, goldsmithery and art objects. Though the influences of michelangelo, giambologna and bernini were observable, the neo-baroque current inherited its major characteristics from puget, carpeaux, rude and the sculptors in the reign of louis xiv or louis xv. It combined reminiscence and originality in its subjects and its forms, making notable use of pictorial effects, like drama, contrasts of shade and light, or virtuosity to express flesh and drapery

Le corpus de sculptures romanes en bois de la région de Bourgogne est réuni pour la première fois dans un catalogue, complété par une documentation photographique et bibliographique. Les vingt-cinq sculptures répertoriées sont étudiées du point de vue stylistique, iconographique, technique. Au XIIe siècle, une véritable école de sculpture en bois monastique semble se déployer dans les limites du duché de Bourgogne, à l’origine d’une grande variété d’apports formels et techniques. Les sculptures les plus représentatives pour la compréhension des nombreux apports sont étudiées dans le détail. Leurs relations stylistiques avec les manuscrits de la renaissance carolingienne, la sculpture ottonienne et la sculpture monumentale contemporaine en pierre sont indiquées par l’analyse des caractéristiques internes qui distinguent les différents langages formels. La description iconographique montre la dénotation précise avec laquelle le sujet sacré est figuré. Les procédés techniques de création sont comparés par l’examen direct des sculptures, et par la récolte des données disponibles. Pour plusieurs œuvres, de nouvelles datations sont proposées ; des sculptures inédites et des artistes précis sont mis en lumière. Les apports de la sculpture sur bois de la région auvergnate sont précisés. La tradition des reliques insérées dans les sculptures est vérifiée par rapport au rôle plus ou moins significatif qu’elle peut avoir dans l’élaboration de la forme. Un chapitre est consacré à la méthodologie de l’étude de la polychromie des sculptures en bois. Les conservateurs-restaurateurs sont investis d’un rôle crucial dans la collecte scientifique des données qui témoignent de l’histoire des techniques artistiques. Des propositions pour améliorer les procédures d’examen et de documentation sont avancées
For the first time, the corpus of Roman wood sculptures from Burgundy is gathered together in a catalogue, with added photographic documents and bibliography. The twenty-five sculptures are listed and studied from a stylistic, iconographic and technical point of view. In the XIIth century, an actual school of monastic wood sculpture seemed to develop within the boundaries of the duchy of Burgundy, bringing a great diversity as far as formal and technical contributions are concerned. The sculptures that are the most representative to help the understanding of those numerous contributions are thoroughly studied. Their stylistic relationships with manuscripts dating back from the Carolingian Renaissance, with the Ottonian sculpture and the contemporary monumental stone sculpture, are pointed out with the analysis of internal characteristics, setting apart different formal languages. The iconographic description shows the specific denotation used in the representation of the holy character. The technical processes of creation are compared through the direct examination of the sculptures and through the collection of usable information. For several pieces, a new dating was suggested; new sculptures and specific artists are brought to notice.The contributions of the wood sculpture from the Auvergne region are specified. The tradition of inserting relics into sculptures is put in relation to the relatively important influence it can have on the building of the shape. One chapter is dedicated to the methodology in the study of wood sculptures’ polychromes. The conservators-restorers play a crucial part in the act of scientifically collecting information attesting the evolution of artistic techniques. Some suggestions are put forward to improve the processes of examination and the collecting of information

Jean-Jacques Caffieri (1725-1792) Sculpteur du RoiDernier représentant d'une célèbre dynastie d'artistes, originaires de Sorrente (Sicile), J. J/ Caffieri fut l'un des plus brillants portraitistes du siècle des Lumières. Fils de l'orfèvre ciseleur du roi, Jacques Caffieri, il débute dans le métier aux côtés de son frère Philippe, puis entre dans l'atelier du sculpteur J. B. Lemoyne. Premier prix de Sculpture en 1748, il effectue une brillante carrière de sculpteur du roi. Pensionnaire à l'Académie de France à Rome, il réside au Palais Mancini jusqu'en 1754. De retour en France, il se distingue avant tout dans l'art du portrait, délaissant parfois la sculpture monumentale. Cependant, la statue en marbre de Pierre Corneille, réalisée pour le Muséum du Roi reste très certainement l'une de ses plus belles réalisations. Rival de Houdon, Pigalle et Pajou, il n'atteindra jamais la renommée de certains d'entre eux, en raison d'un manque de technique évident. Son caractère pour le moins exécrable, ajouté à une personnalité fort antipathique, nuiront onsidérablement à sa carrière et inciteront les collectionneurs français et étrangers à solliciter les services d'artistes plus conciliants. Ses portraits de Benjamin Franklin, de Fabri de Peiresc, du chanoine Pingré ou de l'écrivain Charles-Simon Favart contribuent à assoire la renommée de l'un des plus plus brillants sculpteurs de sa génération
As the last representative of a welle-known dynasty of artists, J. J. Caffieri, a native of Sorrente in Sicily, was one of the greatest portraitists of the lightenment. The son of Jacques Caffieri, Louis XV's goldsmith (and engraver), he started working beside his brother, Philippe? Then he joined Jean-Baptiste Lemoyne's studio. " Premier Prix de Sculpture" in 1748, he pursued a brilliant career as the King's sculptor. After being a resident of the French Academy at Mancini Palace until 1754, he returned ti France. There, he first and foremost distinguished himself in portraiture (he made a name himself by making portraits), sometimes neglecting monumental sculpture. However, the marble statue of Pierre Corneille made for the King's museum; definitely remains one of his finest achievements. He was a rival to Houdon, Pigalle and Pajou, but the never won renown as one of them, because of an obvious lack of technique. His terrible temper, to say the least, added to an umpleasant personality, did conssiderable harm to his career (wrecked his career) and encouraged French and foreign collectors to appeal to more conciliatory artists. The grand portraits of Benjamin Franklin, Fabri de Peiresc, of the canon Pingré, or the writer Charles-Simon Favart are justifiably great masterpieces

Généralement cités parmi les créations majeures de la période romane, placés au centre des débats qui ont marqué l'historiographie de cette période, les chapiteaux du rond-point de la troisième église abbatiale de Cluny (aujourd'hui conservés dans l'ancien farinier de l'abbaye, transformé en musée au milieu du XXe siècle) ont fait l'objet de nombreuses études, sous les deux aspects du style et de l'iconographie. Aucune monographie de grande ampleur ne leur a pourtant été consacrée jusqu'alors. La présente thèse de doctorat entend combler ce manque. Elle s'attache en particulier à la question de la signification des chapiteaux, et surtout à leur conception esthétique. Plusieurs générations d'historiens de l'art se sont efforcées de réunir les différentes quaternités incarnées par les figures des chapiteaux (saisons, vents, vertus, arts libéraux, fleuves du paradis et musiciens) au sein d'un " programme iconographique " ou de prouver l'inexistence d'un tel " programme ", et cela au détriment de l'analyse de la construction figurative des chapiteaux. L'apport de la présente thèse concerne ce dernier point. On y démontre que la compréhension de l'œuvre dépend d'une description analytique précise des relations extrêmement fines qui s'y nouent entre le décor végétal des chapiteaux, les figures qui y prennent place et les inscriptions qui, parfois, les accompagnent.

Sculpteur du règne de Louis XIV, Jean-Baptiste Théodon (1645-1713) se rattache à l’école française autant qu’à l’école romaine de sculpture. Formé auprès de Charles Le Brun à la Manufacture royale des Gobelins, il y rencontre Jean-Baptiste Colbert qui devient son premier mécène. Protégé par ce dernier qui l’envoie en Italie, Théodon rejoint en 1677 l’Académie de France à Rome où il sculpte pour Louis XIV et le château de Versailles. Parallèlement il prend part à la vie académique romaine. Membre actif de l’Accademia di San Luca et de la congrégation des Virtuosi al Pantheon, Théodon devient l’un des sculpteurs les plus recherchés de la Rome de la fin du Seicento, sollicité par les papes Innocent XII et Clément XI à Saint-Pierre de Rome et au Latran, et par les congrégations et les ordres religieux au Gesù et au Monte di Pietà. Appelé par Louis XIV, il revient à Paris en 1705 et contribue, durant ses dernières années, à la décoration des Maison royales de Marly et de Meudon. Abordant avec brio l’allégorie et la sculpture animalière pour Colbert, la mythologie et le genre historique pour Louis XIV, la sculpture funéraire et l’art du portrait pour Christine de Suède, le sculpteur s’illustre avant tout dans l’art religieux. Brillante personnalité artistique du XVIIe siècle, Théodon méritait une étude. Nous avons considéré sa vie et sa carrière, analysé sa manière et établi le corpus exhaustif de son œuvre
Jean-Baptiste Théodon (1645-1713) was a French sculptor of the reign of Louis XIV who belonged both to the French and Italian schools of sculpture of the Seventeenth-Century. In the 1670’s during his training at the ‘Manufacture des Gobelins’ he worked under the supervision of Charles Le Brun and met the minister Jean-Baptiste Colbert. In 1677 he joined the French Academy in Rome where he carved garden sculptures for royal estates and for his protector Colbert. Early in his Roman carrier he was made member of the Academy of St Luke and member of the Congregazione dei Virtuosi al Pantheon where he met Bernini, the architect Carlo Fontana and the painter Carlo Maratta. Appreciated by the Pope Innocent XII he obtained several commissions at Saint-Peter’s (Baptismal chapel, Monument to Christine of Sweden) and at the same time he worked for the Jesuits at the Sant’Ignazio chapel at the Gesù. As one of the most significant sculptors of the end of the Roman Seicento he dedicated his last years in Rome to the pope Clement XI and the papal basilica before his return to Paris in 1705 where he worked for the Sun King and the ‘Maisons’ of Meudon and Marly. With the same maestria Jean-Baptiste Théodon carved allegories for Colbert, mythological and historical figures for Louis XIV, funeral sculptures and portrait for Christine of Sweden as well as works of art for Roman churches. The Ph.D. dissertation consists of a study of the career of the sculptor with an analysis of his artistic manner and its evolution from Paris to Rome. In addition the thesis includes the complete ‘catalogue raisonné’ of his works, sculptures and drawings

Notre these tente d'etablir l'origine et le developpement de l'influence francaise au chili pendant le xixe siecle. C'est pourquoi nous avons realise une retrospective historique afin d'en etablir les causes et les consequences economiques, politiques, philosophiques et artistiques. Dans cette retrospective, nous considerons tous les faits significatifs qui nous permettent de demontrer l'influence artistique exercee au cours d'une longue periode historique. En effet nous abordons d'abord les premiers contacts avec les francais et l'etablissement de ceux-ci au chili, la mutation de la societe coloniale de la fin du xviiie siecle, et l'independance fondee sur les idees de la revolution francaise. Nous abordons ensuite l'instauration des organismes culturels et artistiques, le sejour du peintre monvoisin au chili et le developpement de l'academie de peinture et sculpture. Nous aborderons finalement les artistes chiliens qui se sont perfectionnes dans les academies francaises et les influences que les maitres francais ont exerce dans les oeuvres, l'iconographie, et dans les divers evolutions formelles des artistes chiliens en relation avec le contexte artistique francais et ses propres evolutions
Our work is an attempt to establish the origin and development of the french influence in chile during the 19th. Century. It is the reason why we have achieved a historical retrospection in order to find out the economical, political, philosophical and artistic causes and consequences. In this retrospection, we take into account all the most significant facts which enable us to show that the artistic influence as far as painting and sculpture are concerned is a consequence of the influence which existed for a long historical period. Therefore, in the beginning, we examine the first contacts with the french and the settlement of the french people in chile, the changes in the colonial society of the end of the 18th. Century, and the independance based on the ideas of the french revolution. Then, we deal with the setting up of the cultural and artistic organisations, the stary of painter monvoisin in chili and the development of the academy of painting and sculpture. In the end, we shall speak about the chilian artists who were. .

Considérés comme largement tributaires des modèles métropolitains, les tabernacles de la Nouvelle-France ne sont pas pour autant des sous-produits de l'art français. Par delà leurs particularités liées à des facteurs comme le niveau variable de formation des sculpteurs, ces pièces de mobilier religieux possèdent un caractère original. L'analyse d'un corpus représentatif d'oeuvres par rapport à différentes sources d'inspiration démontre en effet que si les sculpteurs québécois procèdent à partir d'un répertoire formel analogue aux sculpteurs français, ils arrivent néanmoins à développer des façons de faire qui leur sont propres. Par surcroît, au plan formel, leurs tabernacles n'accusent pas de retard temporel sur les oeuvres métropolitaines.
Montréal Trigonix inc. 2018

La créativité artistique pendant l'entre-deux-guerres, particulièrement riche et diversifiée, est souvent associée à des mouvements poétiques, philosophiques ou politiques. Le collège de sociologie est un des derniers de ces groupes, crée en 1937 à Paris par Georges Bataille, Michel Leiris et Roger Caillois. Ses origines, sa création et son existence côtoient une période de vaste bouleversement des idées politiques et des concepts esthétiques et moraux dont témoignent la peinture, la sculpture, le dessin et la gravure. Le Collège de sociologie est né des réflexions de la revue Acéphale créée en juin 1936 par Georges Bataille et Pierre Klossowski et illustrée par André Masson. Cette revue choisit de réhabiliter Nietzsche pour contrer le fascisme, et développe les enjeux de la violence et de la guerre, du mythe et du sacrifice pour définir une société sans dieu ou le mythe rend libre chaque individu. Le Collège de sociologie accompagne ces interrogations et se donne pour objectif d'étudier la sociologie du sacré dans les communautés secrètes et dans la recherche de l'individualisme, au sein des rites et du langage. L'ambiguïté du sacre tributaire du pouvoir et de la tragédie, de l'ordre et de la politique, se manifeste dans l'histoire mythologique, philosophique, esthétique et personnelle trois artistes suivent les conférences du Collège de sociologie, aux côtés d'un auditoire enthousiaste et contradictoire. Ce sont Taro Okamoto, Isabelle Waldberg et Jean-Michel Atlan. André Masson, moins assidu, établit dans son œuvre un lien entre les interrogations collégiales et les recherches esthétiques picturales, menées individuellement également par Pablo Picasso. L'étude du Collège de sociologie, accompagnée de celle de la revue Acéphale permettent d'observer les œuvres de ces artistes pendant l'entre-deux-guerres qui interrogent le mythe, comme celui de Dionysos et du Minotaure, son actualisation et sa violence décrite par le sacrifice et l'érotisme.

L’historiographie de la deuxième moitié du XXème siècle mentionne rarement l’œuvre du sculpteur Duchamp-Villon (1876-1918), et analyse souvent l’histoire de la sculpture en subordination avec celle de la peinture. Mais la sculpture participe à la révolution de l’art tout comme la peinture, grâce à certains artistes comme Picasso, Boccioni, Brancusi, Archipenko, Gaudier-Brzeska, Lipchitz, Nadelman et Duchamp-Villon. Concernant ce dernier, certains points de sa recherche esthétique semblent fondamentaux : la simplification des formes, l’attention à la géométrie, le refus du cubisme à facettes typique du cubisme le plus reconnu ; le rôle de la pensée dans le processus créatif ; l’intérêt pour le primitivisme conçu en tant qu’emblème d’essentialité et de synthèse de la forme ; le concept d’espace-temps et le désir de contribuer à la combinaison de sculpture et architecture. Il s’agit de points essentiels pour comprendre son adhésion personnelle au cubisme : s’il est difficile de considérer son œuvre en tant que production cubiste orthodoxe, les caractéristiques susmentionnées inscrivent le nom de Duchamp-Villon dans la grande révolution esthétique du début du XXe siècle, qui est tout d’abord une révolution de pensée. Sur la base d’une telle prémisse, cette recherche vise à analyser l’œuvre de Duchamp-Villon à la lumière des nouveautés culturelles et esthétiques du début du XXème siècle, tant par rapport à la sculpture que par rapport à la peinture, dans le but de comprendre si son esthétique représente une traduction des expérimentations picturales du cubisme ou si, au contraire, elle constitue une version personnelle du cubisme en trois dimensions
In the historiography of the second half of the last century the work of Duchamp-Villon is rarely mentioned, just as the history of sculpture is often used as a term of comparison with respect to the better-known area of painting. The sculpture was, however, part of the great revolution in art history just as much as painting, due to the work of some artists including Picasso, Boccioni, Brancusi, Archipenko, Gaudier-Brzeska, Lipchitz, Nadelman and Duchamp-Villon. Regarding the latter, some principles of its aesthetic research seem to be fundamental: the simplification of forms, the attention to geometry, the refusal of the typical cubism with facets of the Cubism more recognized; the role of thought in the creative process; the interest for the Primitivism conceived as an emblem of essentiality and synthesis of the form; the concept of space-time and the desire to contribute to the combination of sculpture and architecture. These are to be considered as essential points to understand its personal adhesion with the Cubism: if it is difficult to consider its work as an orthodox cubist production, the above-mentioned characteristics register the name of Duchamp-Villon in the great aesthetic revolution of the beginning of the 20th century, which is first of all a revolution of thought. Based on this premise, this study aims to analyze the work of Duchamp-Villon in light of the cultural and artistic novelties of the early twentieth century in relation to sculpture and painting, so as to understand whether his aesthetics represent a translation of pictorial experimentations of Cubism or whether, on the contrary, it constitutes a personal version of Cubism in three dimensions