Academic literature on the topic 'Sculpture – France – 1945-'
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Journal articles on the topic "Sculpture – France – 1945-"
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Galkowski, Christophe, Clément Aubert, and Rumsais Blatrix. "Aphaenogaster ichnusa Santschi, 1925, bona species, and Redescription of Aphaenogaster subterranea (Latreille, 1798) (Hymenoptera, Formicidae)." Sociobiology 66, no. 3 (2019): 420. http://dx.doi.org/10.13102/sociobiology.v66i3.3660.
Full textAbstract:
Morphological and molecular investigation conducted in France and the Tyrrhenian islands reveal that Aphaenogaster subterranea is composed of two distinct species. We propose to raise A. subterranea var. ichnusa Santschi, 1925, described from Sardinia, to the species status, A. ichnusa Santschi, 1925 stat. nov. This species differs from A. subterranea by having shorter propodeal spines and a less sculptured cuticle. Phylogenetic reconstruction using the mitochondrial marker COI shows that the two species form well separated clades, with a genetic distance (K2p) of 9.8 %. In the studied area, the two species are parapatric, A. ichnusa occurring in Sardinia, Corsica and the Mediterranean area of continental France, and A. subterranea occurring North of this area. We propose a redescription of both species and designation of a neotype for A. subterranea.
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Dubiński, Krzysztof, and Ewa Katarzyna Świetlicka. "LEOPOLD BINENTAL AND THE HISTORY OF HIS COLLECTION." Muzealnictwo 58, no. 1 (2017): 109–22. http://dx.doi.org/10.5604/01.3001.0010.1024.
Full textAbstract:
Leopold Jan Binental (1886–1944) was a musicologist and journalist, and an indefatigable promoter of Frederic Chopin’s compositions and researcher into his life story in the inter-war period. He wrote and published a great deal in professional periodicals as well as in the national and foreign popular press, mainly in France and Germany. Until 1939, he was a regular music critic for "Kurier Warszawski". He was thought to be a competent and respected Chopinologist, and his reputation in Europe was confirmed by the monograph Chopin published in Warsaw (1930 and 1937) and in Paris (1934) and the album Chopin. On the 120th anniversary of his birth. Documents and mementoes (Warsaw 1930 and Leipzig 1932) presenting Chopin’s mementoes, prints, drawings, handwritten musical notes and letters. He initiated and co-organised famous exhibitions about Chopin in the National Museum in Warsaw (1932) and the Polish Library in Paris (1932 and 1937). He was Executive Secretary on the Management Board of the Fryderyk Chopin National Institute created in 1934. Binental amassed a private collection of Chopin’s manuscripts and mementoes which is highly regarded in musicological circles. He also collected works of art; his collection comprised ancient, Middle Eastern and modern European ceramics, medieval sculpture and tapestries, goldsmithery and Judaica. After the outbreak of war in autumn 1939, Binental took certain steps to secure his collections. Three chests with ceramics and works of art were deposited in the National Museum in Warsaw. However, it is not known what happened to the collection of Chopin’s objects. At the beginning of 1940, Binental and his wife managed to leave Poland and reach France, where his daughter lived. In 1944 he was arrested by Gestapo and sent to Auschwitz from which he did not return. After the war, at the request of his daughter Krystyna, some of the works of art deposited in the collections of the National Museum were found. With her approval, they are currently to be found in public collections in Poland, although the fate of his Chopin collection remains unknown. Every now and then, some proof appears on the world antiquarian market that the collection has not been damaged, despite remaining missing.
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Schoneveld, Erin. "Shirakaba and Rodin: A Transnational Dialogue between Japan and France." Journal of Japonisme 3, no. 1 (2018): 52–83. http://dx.doi.org/10.1163/24054992-00031p02.
Full textAbstract:
This essay examines the role ofShirakaba(White Birch, 1910-1923) as an art magazine that aspired to create new audiences and foster the exchange of ideas by providing an alternate space to address diverse views about modern art, literature, theory, and identity. In addition to introducing European modernism to Japan through the writings of western artists, authors, and thinkers,Shirakabacreated access to and direct exchange of artwork with a number of artists such as Auguste Rodin (1840-1917), Heinrich Vogeler (1872-1942), Max Klinger (1857-1920), and Bernard Leach (1887-1979). Among these,Shirakaba’stransnational dialogue with the French sculptor Auguste Rodin was the most significant. I argue thatShirakaba’sdiscourse with Rodin not only facilitated new forums for the public access and display of modern art in Japan, but also was emblematic of its humanist ideology rooted in artistic subjectivity and self-expression.
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Stevenson, Michael D. "’Free from all possibility of historical error’." Ontario History 109, no. 2 (2017): 213–37. http://dx.doi.org/10.7202/1041285ar.
Full textAbstract:
The 1925 unveiling of the Champlain monument in Orillia capped nearly three decades of public commemoration of Samuel de Champlain’s explorations in North America. Promoted tirelessly by local entrepreneur Charles Harold Hale and designed by English sculptor Vernon March, the monument was beset by controversy, construction delays and cost overruns. Nonetheless, when completed, it was initially greeted with nearly unanimous international acclaim. Two overarching themes marked the monument. First, its backers sought to use it to improve frayed relations between Ontario’s anglophone and Quebec’s francophone populations. Second, the monument’s design misrepresented the mutually beneficial relationship between Champlain and his Huron allies and promoted Eurocentric and colonial mentalities that marginalized the Indigenous contribution to the development of New France and Canada. While the first goal was largely unrealized, the second has resonated down to the present day.
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Počs, Kārlis. "A VIEW ON THE HISTORY OF LATVIAN-FRENCH CULTURAL RELATIONS BEFORE WORLD WAR II." Via Latgalica, no. 1 (December 31, 2008): 75. http://dx.doi.org/10.17770/latg2008.1.1598.
Full textAbstract:
Because of the geographic location of the Latvian and the French nations and of different trends in the development of their histories contacts between them were established relatively late. This in turn slowed down the development of their cultural relations. In this development, we can distinguish two stages: before the formation of the Latvian state (from the second half of the 19th century until 1918), and during the Latvian state until the Soviet occupation (1920–1940). The objective of this paper is to determine the place and the role of the Latvian-French cultural relations in the development of the Latvian culture before World War II. For this purpose, archive materials, memoirs, reference materials and available studies were used. For the main part of the research, the retrospective and historico-genetic methods were mostly used. The descriptive method was mainly used for sorting the material before the main analysis. The analysis of the material revealed that the first contacts of the Latvians with French culture were recorded in the second half of the 19th century via fine arts and French literature translated into Latvian. By the end of the century, these relations became more intense, only to decrease again a little in the beginning of the 20th century, especially in the field of translations of the French belles-lettres. The events of 1905 strengthened Latvian political emigration to France. The emigrants became acquainted with French culture directly, and part of them added French culture to their previous knowledge. The outcome of World War I and the revolution in Russia then shaped the ground for the formation of the Latvian state. This dramatically changed the nature and the intensity of the Latvian-French cultural relations. To the early trends in the cooperation, the sphere of education was added, with French schools in Latvia and Latvian students in France. In the sphere of culture, relations in theater, music and arts were established. It should be noted that also an official introduction of the French into Latvian art began at that time. As a matter of fact, such an introduction had already been started by Karlis Huns, Voldemars Matvejs, and Vilhelms Purvitis, who successfully participated in the Paris art exhibitions before the formation of the Latvian state. In the period of the Latvian state, artists would arrange their personal exhibitions in France, and general shows supported by the state would be arranged. The most notable of them were the following: - In 1928, the Latvian Ministry of Education supported the participation of all Latvian artists’ unions in the exhibition dedicated to the 10th anniversary of the state. General shows were organized in Warsaw, Budapest, Copenhagen, Paris, London, etc. (Jaunākās Ziņas, 1928: Nr. 262, 266); - in the summer of 1935, an exhibition of folk art from the Baltic states, including textiles, clothes, paintings, sculptures, and ceramics was opened in Paris; - the largest exhibition of Latvian artists in Paris took place from January 27 to February 28, 1939, with presidents of both states being in charge of its organization. It can be concluded that the Latvian-French cultural relations were an important factor in the development of Latvian culture, especially in the spheres of fine arts and literature until the Soviet occupation.
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Pérez-Moreno, Lucía C., and Emma López-Bahut. "Jorge Oteiza’s ‘de-occupation’: towards an ascetic space in Spanish modern architecture (1948–60)." Architectural Research Quarterly 24, no. 4 (2020): 343–52. http://dx.doi.org/10.1017/s1359135521000038.
Full textAbstract:
The work and thought of the Basque sculptor Jorge Oteiza (b. Orio, 1908 – d. San Sebastian, 2003) is an omnipresent reference point in the historiography of modern Spanish architecture. Since the Jorge Oteiza Museum Foundation was opened shortly after his death, a great number of studies have been published about him, mainly in Spanish and Basque. Oteiza’s artistic career was closely connected to the postwar Spanish architectural scene. During the 1950s, he participated in numerous projects and architecture competitions and published his work in specialised journals and magazines in the field. Spain was at that time under the regime of General Franco and, as a consequence of the Civil War (1936–9), the country was suffering an economic crisis that affected culture, art, and architecture.
Dissertations / Theses on the topic "Sculpture – France – 1945-"
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Placin-Geay, Amandine. "La sculpture dans sa relation à l'architecture, en France, de 1900 à 1937." Bordeaux 3, 2005. http://www.theses.fr/2005BOR30072.
Full textAbstract:
En France, de 1900 à 1937, la relation entre l'architecture et la sculpture se modifie. La question de leur corrélation, centrée surtout sur le rapport entre l'ossature et l'habillage, et sur l'intégration des œuvres dans l'espace architectural, est au cœur des théories architecturales, engendrées par la mutation du bâti débutée au cours du XIXe siècle. Avec l'embellissement des villes, les nouveautés techniques et les difficultés économiques, ces transformations obligent les sculpteurs à rechercher des solutions plastiques capables de répondre à ces nouvelles exigences afin d'intégrer, de nouveau, le décor à l'architecture. La sculpture fait donc l'objet d'incessantes interrogations, discussions et polémiques, portant sur la notion de style, l'évolution de l'ornement et des oeuvres monumentales, ainsi que sur la décoration des constructions en béton. Des prises de positions s'engagent alors entre les partisans et les adversaires du décor, pesant sur la réévaluation de son rôle, de sa fonction, et de son emploi. Les programmes dans lesquels la sculpture est encore incorporée étant devenus rares, un avenir incertain se dessine donc pour ces artistes, réagissant différemment selon les écoles auxquels ils appartiennent. Réalisant surtout des monuments commémoratifs, des décors d'édifices publics et cultuels, et participant aux expositions des Arts Décoratifs de 1925, Coloniale de 1931 et des Arts et Techniques de 1937, ils s'efforcent de prendre en considération la construction, et créent des liens inédits et un art monumentalIn France, from 1900 to 1937, the relationship between architecture and sculpture is changing. The question about their correlation, mainly focused on the relationship between structure and aestheticism, on the integration of work of arts within the architectural space, remains in the heart of architectural theories, led by the mutation of construction which started during the XIXth century. This, added to the face-lift towns has been given, technical novelties and economic difficulties, oblige sculptors to look for new plastic solutions able to meet these new demanding requirements in order to integrate, once again, scenery and architecture. Sculpture is constantly challenged, leading to arguments, controversial discussions regarding style, the evolution of ornament, monuments as well as the decoration of concrete buildings. Different views arise between people for or against decoration having a strong impact on the re-evaluation of its role, its function and its use. Programs, in which sculpture is still used, weaken and begins a time of uncertainty for artists who react differently according to the school they belong to. They mainly undergo and build commemorative monuments, public and cultural monuments, attending various exhibitions such as the exhibition of the Decorative Arts in1925, the Colonial exhibition in 1931 and the exhibition of Arts and Technics in 1937 and trying to take into consideration the construction; thus creating an unusual links and a monumental art
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Prevel-Montagne, Corinne. "La représentation des grands hommes dans la sculpture publique commémorative en Bretagne : 1685-1945 : les pratiques, les sculptures et les oeuvres." Rennes 2, 2003. http://www.theses.fr/2003REN20009.
Full textAbstract:
La @statuaire publique représente un patrimoine artistique considérable longtemps délaissé par l'histoire de l'art. En Bretagne, cent dix-neuf monuments dédiés aux grands hommes sont érigés entre 1685 et 1945. Aux premières commandes royales succèdent des initiatives municipales voire d'origines privées qui dans le choix des artistes et les modes de financement soulignent une pratique de plus en plus démocratique. A la fin du XIXe siècle, la statuomanie inspirée des idéaux égalitaires de la Révolution accompagne la propagande républicaine. En Bretagne, elle connaît une progression plutôt lente jusqu'au second Empire et atteint son âge d'or sous la troisième République malgré quelques réticences légitimistes et religieuses. Les sculpteurs sont tous issus de l'Académie des Beaux-Arts de Paris. Leur production, inspirée par l'œuvre de David d'Angers, demeure longtemps conventionnelle ; mais au début des années 1920, le réveil d'une culture régionaliste donne un second souffle à leur artThe @public statutory represents a large artistic patrimony forsaken for a long time by history of art. In Brittany, on hundred and nineteen monuments have been erected to great men between 1685 and 1945. Initiatives from local councils or private commissions succeed to royal orders. They set up more democratic practices in the choice of the sculptors and the financings. In the end of the ninetenth century, the statue-mania, inspired by the egalitarian ideals of the Revolution, follows republican propaganda. In Brittany, its growth is rather slow til the Second Empire and reaches its golden age during the Third Republic in spite of some legitimist and religious oppositions. All sculptors come from Paris Academy of Art and produce conventional works inspired by David d'Angers. But in the early twenties, the emergence of regional culture give a new inspiration to this sculpture
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Mélot, Jean-Pierre. "La sculpture dans les pays des Gaves et de l'Adour : Le mirage régionaliste." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2002PA040143.
Full textAbstract:
Le but de cette thèse est d'analyser la diffusion de la sculpture régionaliste de 1900 à 1950, dans le Sud-Ouest de la France, c'est-à-dire dans les départements des Landes et des Pyrénées Atlantiques. Cet art se développe d'abord sur les monument aux morts, puis il est utilisé à titre décoratif par les architectes qui créent les styles néo-basque et néo-landais. Contrairement à l'architecture régionaliste, la sculpture rencontre un écueil : il n'existe pas vraiment de sources vernaculaires qui puissent légitimer sa création. Cependant, elle s'impose bel et bien jusque dans les productions d'atelier des artistes. A partir de l'étude du contexte culturel dans lequel elle s'élabore et de l'observation minutieuse des grands thèmes iconographiques traités par les sculptures, cette thèse tente de démontrer que la sculpture régionaliste s'inscrit dans le vaste mouvement de quête et de reconnaissances identitaires qui balaie le monde occidental dans la première moitié du vingtième siècle.
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Garcia, Claire. "La statuaire publique en France pendant l’entre-deux-guerres : réalités et enjeux." Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100109.
Full textAbstract:
Notre travail, qui s’inscrit dans une large perspective concernant la sculpture monumentale, s’interroge sur la façon dont la statuaire publique de l’entre-deux-guerres répond aux questionnements posés par la modernité. Ces questions relèvent à la fois de l’évolution des conceptions esthétiques que de la manière d’insérer la statutaire publique dans l’espace urbain. L’apparition au début du XXe siècle, de nouveaux langages plastiques et la remise en cause du rôle traditionnel de la statuaire publique et de son esthétique spécifique nous incitent à analyser la manière dont cette dernière assimile les évolutions de son temps. Si la statuaire publique semble incompatible avec les ruptures prônées par l’avant-garde, elle n’en est pas moins marquée par des changements qui correspondent aux évolutions de l’époque. Ainsi la simplification, vers laquelle se dirige une majorité d’artistes de l’époque et ce quelles que soient les réponses qu’ils proposent, constitue la marque de l’acceptation d’une certaine forme de la modernité. Le développement des villes ainsi que le changement des mentalités ont justifié un triple questionnement. D’abord, l’un d’eux porte sur l’essence même du monument qui peut être conçu comme une œuvre d’architecture ou comme une œuvre de sculpture. Un autre aborde la fonction commémorative et sur l’éventuel lien qui existe entre la taille du monument, parfois colossal, et l’importance de l’événement à célébrer. Une dernière question, enfin, touche à l’insertion de la statuaire au sein du contexte urbain ou paysager qui l’entoureThis work, carried out within the broader framework of monumental sculpture, studies the way interwar public statuary responded to questions arising from modernity. These span aesthetic concepts as well as the way public statuary was set into urban space. The early twentieth century saw the appearance of new plastic means of expression and renewed questioning of the traditional role of public statuary. This study analyses its response to contemporary changes. Though public statuary may seem incompatible with the breaks advocated by the avant-garde, it nonetheless underwent changes in tune with those of that period. This is true of simplification, seen in the work of most artists, and showing an acceptance of a certain kind of modernity, albeit through many individual responses. Urban development, along with changes in mentalities at that time, led to three lines of enquiry, the first one being on the very essence of a monument, conceived as an architectural or a sculptural piece; the second on the commemorative function, as well as on the possible link between size – sometimes reaching colossal dimensions – and the significance of the event celebrated; and the third on the insertion of works into urban or country settings
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Rinuy, Paul-Louis. "Le renouveau de la taille directe dans la sculpture en France 1880-1940." Paris 10, 1991. http://www.theses.fr/1991PA100109.
Full textAbstract:
La technique de la taille directe, abandonnée depuis la Renaissance au profit du modelage, a connu un renouveau dans la sculpture en France depuis 1880. Ce sont d'abord Gauguin, Maillol et Lacombe, puis vers 1906-1907 joseph Bernard, Brancusi, Derain et Picasso qui se sont orientes vers ce procédé traditionnel pour inventer des formes nouvelles. De 1920 à 1925 la taille directe a connu son heure de gloire avec darde, Costa, Abbal et le groupe de la douce France, anime par Emmanuel de Thubert. Si le procède a commencé à sombrer à nouveau dans l'oubli après 1925, son esprit est au fondement de la sculpture sur métal et de la sculpture abstraite. Plus qu'une technique, la taille directe est un mythe, analyse à l'aide de plus de deux cents pages de textes d'époque, regroupes en annexe, qui permettent de mesurer les enjeux théoriques de la question : un nouveau culte de la matière et la figure de l'artiste comme artisanThe method of direct carving, neglected from renaissance in favor of modelling, revived in French sculpture from 1880. First Gaugin, Maillol and Lacombe, afterwards, in 1906-1907 Joseph Bernard, Brancusi, Derain and Picasso adopted this traditional method to create new forms. From 1920 to 1925, direct carving was at the zenith with Darde, Costa, Abbal and the group la douce France, conducted by Emmanuel de Thubert. Even if the technic started to be forgotten after 1925, its spirit is the base of sculpture on metal and abstract sculpture. Direct carving is not only a process, but also a legend analyzed thanks to many genuine texts, gathered in appendix, which enable to understand the theoretic place of the problem: a new cult for the material and the vision of the artists as a craftsman
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Kritt, Carole. "La sculpture à Dijon entre les deux guerres mondiales, 1918-1939." Dijon, 2004. http://www.theses.fr/2004DIJOL017.
Full textAbstract:
Durant l'entre deux guerres mondiales, la sculpture à Dijon se caractérise par la présentation suivante : des sculpteurs (biographie et œuvres) actifs à Dijon, classés par ordre alphabétique, en des artistes dijonnais de Bouchard à Yencesse, des sculpteurs bourguignons, de Auban à de Villiers, des artistes non bourguignons mais dont le nom est cité dans la presse dijonnaise (Le Progrès de la Côte d'Or, Le Bien Public), des artistes méconnus à la biographie incertaine dont le nom apparaît dans divers ouvrages (les plus nombreux). De l'étude des institutions dijonnaises dans ses rapports avec la sculpture (la Municipalité, l'Ecole des Beaux-arts, les musées), de la commande de la sculpture et sa réalisation au travers des monuments publics édifiés durant la période au nombre de 15, des modalités d'exposition et de diffusion de la sculpture à travers le rôle des salons artistiques (Salon des Amis des Arts de la Côte d'Or, Salon de l'Essor), des galeries et autres lieux d'expositions. La sculpture entre 1918 et 1939 apparaît enfin dans la vie culturelle et l'histoire du goût dijonnais pour cet art. Elle existe également à travers de conférences, des articles critiques et d'informations sur cet art et des artistes, parus dans la presse locale. Ce mémoire a ses limites. Il effleure la sculpture religieuse. Il représente une page d'histoire de l'art, une page de l'histoire d'une ville. Il a été motivé par le désir d'exhaustivité et du devoir de mémoireBetwen too world wars, Dijon's sculpture is characteristic of présentation : sculptors active in Dijon (biographies and works), listed by alphabetical'order, artist from Dijon, from Bouchard to Yencesse, sculptors from burgundy from Auban to de Villiers, artists non burgundy with a name writen in dijonnais' newspapers (Le Progrès de la Côte d'Or, Le Bien Public), unknown artists with uncertatain's biography which name appears in various books. A study of dijonnaises institutions in their connection with sculpture (town council, fine art's school, museum), sculpture commission and its realization through public's memorial built during this period that represent 15 monuments, exposition and diffusion of sculptures through the role of artistc's exhibitions (Salon des Amis des Arts de la Côte d'Or, Salon de l'Essor), galeries et others exposition's places. Sculptures betwen 1918 and 1939 appears at last in cultural's life and history of dijonnais's taste for this art through conferences, critical's articles and informations about this art and published's artists in local news. This report limits. It touchlightky is upon religious's sculptures. It has represents a page of art's history, a page of town's history. It has been motivated by the wish to be exhaustive and memory' duties
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Jamet, Stéphanie. "Catalogue raisonné de l'oeuvre sculpté de Bernard Pagès (1966-1984) : entre assemblage et fragmentation." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040212.
Full textAbstract:
Cette étude monographique de l'oeuvre sculpté de Bernard Pagès est accompagnée d'un catalogue raisonné des travaux que le sculpteur français a réalisé entre 1964 et 1984. Elle s'appuie sur des entretiens personnels de l'auteur avec l'artiste et les différentes personnes qui ont suivi et soutenu son travail durant cette période. L'évolution de l'oeuvre de Pagès est symptomatique des redéfinitions que subit la sculpture en tant que genre au cours du XXe siècle et plus particulièrement dans les années soixante. Ce travail propose d'appréhender la sculpture de Pagès entre assemblage et fragmentation, principes qui dirigent les réflexions de l'artiste. Il analyse les rapprochements avec d'autres démarches de sculpteurs de cette génération et les liens forts qui unissent l'oeuvre de Pagès avec le monde de la peinture et notamment par son association à la fin des années soixante avec le groupe Supports/Surfaces, dans une atmosphère baignée par la pensée structuraliste. Etudiant les incidences de ce contexte sur l'oeuvre de Pagès, ce mémoire en questionne la logique de déconstruction et le renouvellement du vocabulaire et de la gestuelle que l'artiste met en place. Il entend montrer les conséquences de cette logique dans la perspective d'une reconstruction singulière de la sculpture de Pagès, au cours des années soixante-dix et au début des années quatre-vingtThis study is a monograph with a catalog raisonné of Bernard Pagès' sculpture created between 1966 and 1984. It bases on the author's personal interviews with the artist and people who followed and supported Pagès during this period. .
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Morando, Camille. "Peinture, dessin, sculpture et littérature : autour du Collège de Sociologie pendant l'entre-deux-guerres." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040144.
Full textAbstract:
La créativité artistique pendant l'entre-deux-guerres, particulièrement riche et diversifiée, est souvent associée à des mouvements poétiques, philosophiques ou politiques. Le collège de sociologie est un des derniers de ces groupes, crée en 1937 à Paris par Georges Bataille, Michel Leiris et Roger Caillois. Ses origines, sa création et son existence côtoient une période de vaste bouleversement des idées politiques et des concepts esthétiques et moraux dont témoignent la peinture, la sculpture, le dessin et la gravure. Le Collège de sociologie est né des réflexions de la revue Acéphale créée en juin 1936 par Georges Bataille et Pierre Klossowski et illustrée par André Masson. Cette revue choisit de réhabiliter Nietzsche pour contrer le fascisme, et développe les enjeux de la violence et de la guerre, du mythe et du sacrifice pour définir une société sans dieu ou le mythe rend libre chaque individu. Le Collège de sociologie accompagne ces interrogations et se donne pour objectif d'étudier la sociologie du sacré dans les communautés secrètes et dans la recherche de l'individualisme, au sein des rites et du langage. L'ambiguïté du sacre tributaire du pouvoir et de la tragédie, de l'ordre et de la politique, se manifeste dans l'histoire mythologique, philosophique, esthétique et personnelle trois artistes suivent les conférences du Collège de sociologie, aux côtés d'un auditoire enthousiaste et contradictoire. Ce sont Taro Okamoto, Isabelle Waldberg et Jean-Michel Atlan. André Masson, moins assidu, établit dans son œuvre un lien entre les interrogations collégiales et les recherches esthétiques picturales, menées individuellement également par Pablo Picasso. L'étude du Collège de sociologie, accompagnée de celle de la revue Acéphale permettent d'observer les œuvres de ces artistes pendant l'entre-deux-guerres qui interrogent le mythe, comme celui de Dionysos et du Minotaure, son actualisation et sa violence décrite par le sacrifice et l'érotisme.
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Florentin, Carine. "Georges Folmer (1895-1977) : catalogue raisonné des peintures et sculptures." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1996PA040143.
Full textAbstract:
Georges Folmer est né à Nancy le 19 novembre 1895. Après des études à l'école des beaux-arts de la ville, il se fixe à Paris à la fin de la première guerre mondiale. Exposant régulier au Salon des indépendants et des Tuileries, Folmer réalise huiles et aquarelles figuratives, pour s'orienter ensuite vers le cubisme. Sa rencontre avec Félix Del Marie en 1926, lui permet d'entrer en contact avec les artistes de la revue lilloise Vouloir. Influence par ses nouveaux amis, Folmer accentue le caractère géométrique des formes et poursuit, de 1930 à 1938, l'élimination du sujet. En 1939, il est au côté de Fredo Sidés à la galerie Charpentier pour l'avant-première du Salon des réalités nouvelles, qui ouvrira ses portes en 1946, et dont Folmer sera secrétaire général de 1956 à 1968. Les tableaux peints à partir de 1950 appartiennent pleinement au courant de l'art constructif : aplats colorés, absence de profondeur, division géométrique du plan, esthétique fondée sur les rapports purs de lignes et de couleurs. L'occupation de l'espace conditionne la conception plastique de Folmer qui, dès 1945, amène ses œuvres dans la troisième dimension en réalisant les premières "constructions spatiales". Se refusant à appeler ces réalisations sculptures, il tente plutôt d'amener son art géométrique pictural à de nouvelles conditions, en lui trouvant des situations complémentaires dans l'espace. Toujours soucieux d'enrichir et de renouveler son langage plastique, Folmer introduit le mouvement dans ses œuvres à partir de 1960. Totalement intégré au milieu de l'abstraction géométrique, Folmer jouera un véritable rôle d'artiste fédérateur et défendra le courant de l'art constructif face à la montée de l'art lyrique. Théoricien actif, il travaille à la synthèse des arts, dès 1951, au sein du groupe Espace, puis avec le groupe Mesure qu'il fonde en 1960. En 1972, le Salon des réalités nouvelles lui rend hommage lors d'un jubilé, cinq ans avant sa mort en 1977. Une importante rétrospective a été présentée en 1993 au Musée des Beaux-Arts de NancyGeorges Folmer was borned in Nancy on the 19th november 1895. After his studies at the school of fine arts, he came to live in Paris at the end of the world war one. Displaying his word regularly at the Salon des independants and Salon des Tuileries, he paints figurative oils and watercolors before moving towards cubism. His meeting with Felix Del Marie in 1926 allows him to come into contact with the artists working on the revue Vouloir. Influenced by his new friends, Folmer increases the geometrical side of his forms and pursuits, from 1930 to 1938, the elimination of the subject. In 1939, he is behind Fredo Sidés at the galerie Charpentier for the preliminary showing of the Salon des realites nouvelles, that will open in 1946 and for which Folmer will be general secretary from 1956 to 1968. The paintings done from 1950 onwards belong to constructive art: smoothed colors, lack of depth, geometrical division of the plan, esthetic based on the relations between lines and colors. The occupation of space conditions his plastic conception which, from 1945 onwards, brings his work into the third dimension, therefore creating his first "constructions spatiales". Refusing to call them sculptures, he tries rather to bring new conditions to his pictural geometrical art by finding it additional situations in space. Always wanting to enrich and renew his plastic language, Folmer introduces movement into his work from 1960 onwards. Totally integrated into the environment of geometrical abstraction, Folmer will federate other artists and defend the cause of constructive art against the rise of lyrical art. Active thinker, he works on the synthesis of arts, within the groupe Espace and then with the groupe Mesure that he creates on 1960. In 1972, the Salon des realites nouvelles pays tribute to him, five years before his death in 1977
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Choubard, Alain. "Les matériaux nouveaux ou réintroduits dans la sculpture en France de 1880 à 1940." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040159.
Full textAbstract:
Art et matière, idée et exécution : notions traditionnellement antithétiques ou inconciliables. Il découle de ce postulat initial que les matériaux usités par les sculpteurs restent méconnus, quant bien même les œuvres achevées sont mises en exergue. Pourtant, ne serait-ce que par les textures et les couleurs qui complètent la forme, la question du matériau s'affirme depuis toujours comme déterminante en sculpture. L'importance de cette donnée fut particulièrement évidente à la fin du XIXe siècle et dans la première moitié du XXe. Progrès technique, ouverture sur l'ailleurs, ressourcement dans la tradition nationale minèrent alors l'hégémonie pluriséculaire du bronze et du marbre en proposant des alternatives nouvelles ou en « réactivant » des usages oubliés. Qui plus est, ces changements de moyens commencèrent à faire vaciller le dogme académique, anticipant souvent en cela les bouleversements stylistiques connus par la sculpture à partir des années 1880-1890. Sont à prendre en compte : l'acier, l'aluminium, le bois, le ciment, le cristal, la diorite, l'étain, le fer, le granite, le grès cérame, l'ivoire, le lap, les différentes variétés de lave (andésite, basalte, porphyre), les matières plastiques, le papier, la pâte de verre, les pierres artificielles, les pierres dures, le schiste, le verre, le zinc. Soit vingt et un matériaux traités en autant de chapitres. Pour chaque élément retenu on tentera de répondre aux questions suivantes : qu'est-ce ?, quelles sont les raisons poussant à son emploi ou les inconvénients les limitant ?, à quand remonte son apparition dans un contexte statuaire ?, qui en usa ? Les textes réunis en un premier volume sont suivis de 380 pages d'annexes et d'un recueil de 350 illustrations.
Books on the topic "Sculpture – France – 1945-"
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Bronzes to bullets: Vichy and the destruction of French public statuary, 1941-1944. Stanford University Press, 2009.
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1924-, Richardson John, Cowling Elizabeth, Arnaud Claude, and Gagosian Gallery (London England), eds. Picasso: The Mediterranean years 1945-1962. Gagosian Gallery, 2010.
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Miró, Joan. Joan Miró: Zeichnungen und Skulpturen, 1945-1983 : Werke aus der Fundació Joan Miró, Barcelona. Hatje, 1996.
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Saint-Phalle, Niki de. Niki De Saint Phalle: Catalogue raisonné, 1949-2000. Editions Acatos, 2001.
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Saint-Phalle, Niki de. Niki de Saint Phalle: Monographie : Malerei, Tirs, Assemblages, Reliefs, 1949-2000. Acatos, 2001.
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Bernard, Joseph. Genèse d'une sculpture: Le monument à Michel Servet à Vienne par Joseph Bernard, 1905-1911. Fondation de Coubertin, 1991.
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Delbée, Anne. Camille Claudel. CIRCE, 1994.
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Picasso, Pablo. Picasso: The development and transformation of an image : stage and progressive proofs, editioned lithographs and variations 1945-49. Waddington Graphics, 1986.
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Faÿ-Hallé, Antoinette. Cinquante ans de céramique française, 1955-2005: Une collection nationale. Réunion des musées nationaux, 2005.
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Bourgeois, Louise. Louise Bourgeois: Rétrospective, 1947-1984. Galerie Maeght Lelong, 1985.
Book chapters on the topic "Sculpture – France – 1945-"
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"Louise Bourgeois’s Melancholy Objects to be Used." In Modernist Objects, edited by Lynn M. Somers. Liverpool University Press, 2020. http://dx.doi.org/10.3828/liverpool/9781949979503.003.0009.
Full textAbstract:
Over a decade before the French-American sculptor Louise Bourgeois underwent psychoanalysis in New York (1952–1985), her work mined territories of psyche, body, home, and exile. Bourgeois’s papers from 1940 onward reveal that she shared Freud’s description of neurotics, hysterics, and artists as suffering from reminiscences. Scottish psychoanalyst W. R. D. Fairbairn identified the last of these in 1943 as “war neuroses,” just six years before Bourgeois debuted her first mature sculptures. These abstract “personages” served as melancholy surrogates for lost objects, the friends and family Bourgeois left in 1938 in Occupied France. In the 1960s, she further reduced the body to ambivalent amalgams of part-objects made from plaster and latex, suggesting swollen nodes, skin, and sex organs. Of particular interest are two papers published by Fairbairn in 1938 that extend the inner world of the individual to the field of object relations via the transposition of the symbolically “restored object.” Fairbairn conceived the radical notion of restitution, the mental process of repairing damage in the artist’s inner object world. These principles resonate with Bourgeois’s métier and a postwar sculptural aesthetic that probed the phenomenal experience of anxiety, exile, and psychoanalysis on the Self and others.
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Pinçon, Geneviéve. "A Topographical Approach to Parietal Figures: The Monumental Sculptures of the Roc-aux-Sorciers (Vienne, France) Produced in Daylight at the Back of a Rockshelter and on its Ceiling." In Palaeolithic Cave Art at Creswell Crags in European Context. Oxford University Press, 2007. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780199299171.003.0017.
Full textAbstract:
The wonderful discovery of parietal figures in the entrance chamber of Church Hole by P. Bahn, P. Pettitt and S. Ripoll in 2003 invites us to study the elements that are linked to the topography of parietal figures made on ceilings in daylight. At Creswell, early excavations had revealed Magdalenian occupations. This association between habitation and parietal figures recalls other contexts, such as for example that of the Roc-aux-Sorciers at Angles-sur-l’Anglin (Vienne, France). This Magdalenian site contains a sculpted, engraved, and painted parietal assemblage which extends for more than 50 m at the foot of the cliff along the Anglin River. The upstream part of the site, called the Taillebourg cave, and which corresponds to a typical vestibule, yielded numerous decorated blocks that came from a major collapse of the cave’s ceiling; their refitting is currently under way. The downstream part, known as the abri Bourdois, which is a shallow overhang, at present contains a sculpted, engraved, and painted frieze, almost 20 m long, located on the vertical wall at the back of the rockshelter. Today the shelter’s ceiling has no traces of sculpture or engraving, but nothing confirms or rules out the presence of parietal figures here in the Magdalenian. After an analysis of the spatial organization of the figures in the abri Bourdois, we shall look at the elements at our disposal for understanding the figures on the ceiling of the Taillebourg cave in order to grasp whether the difference in location and the morphology of the supports had any impact on the spatial organization of the figures in the site as a whole. The site of the Roc-aux-Sorciers is located in Poitou-Charentes, in central-west France, in the commune of Angles-sur-l’Anglin. It was oficially classed as a historical monument on 18 January 1955. Facing directly south, it extends for about 50 m, at the foot of cliffs, near the present-day village, on the right bank of the Anglin (Fig. 12.1).