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Dissertations / Theses on the topic 'Sculpture québécoise – 19e siècle'
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Béland, Mario. "Louis Jobin (1845-1928) et le marché de la sculpture au Québec." Doctoral thesis, Université Laval, 1991. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33470.
Full textAbstract:
Mario Béland : LOUIS JOBIN (1845-1928) ET LE MARCHÉ DE LA SCULPTURE AU QUÉBEC Le sculpteur Louis Jobin est une figure marquante de 1'histoire de l'art ancien du Québec. Après avoir été 11 apprenti de François-Xavier Berlinguet à Québec et de William Boulton à New York, Jobin ouvrit sa première boutique à Montréal en 1870, boutique qu'il quitta cinq ans plus tard pour se fixer dans la Vieille Capitale. À la suite de 1'incendie de son atelier en 1896, le sculpteur alla finalement s'installer à Sainte-Anne-de-Beaupré où il travailla jusqu'à sa retraite en 1925. Cette longue carrière lui a permis de réaliser un millier d1 oeuvres qui sont disséminées un peu partout sur le continent nord-américain. Sa production statuaire s'avère non seulement la plus considérable de 1'époque mais constitue également un jalon fondamental dans 1'évolution de la sculpture québécoise. En effet, en raison des impératifs du marché, des contraintes de la concurrence et des innovations liées à 11 industrialisation, Jobin a dû s'adapter tout au long de sa carrière, passant progressivement d'une production diversifiée à un champ d'action très spécialisé, la statuaire religieuse de grand format destinée à 11 extérieur des édifices. S'appuyant sur une méthodologie propre à 1 'histoire de l'art ancien du Québec, notre problématique visait à identifier et à analyser les incidences du marché de la sculpture au Québec sur 1 'itinéraire et la production de Louis Jobin. Les grandes étapes et les tournants de la carrière du sculpteur furent effectivement tributaires des impératifs du marché ainsi que des contraintes de la concurrence et de 1 'industrialisation. Par le biais d'une démarche synchronique, nous avons cherché à dégager et à comparer les traits spécifiques de la production de 11 artiste durant les principales phases de sa carrière, et cela en relation avec les mécanismes complexes du marché de la sculpture. Surbordonnées aux règles de l'offre et de la demande, les oeuvres du sculpteur devaient répondre aux besoins et aux goûts particuliers de sa clientèle en matière de sujets, de modèles, d'usages, de fonctions et de destinations. Ces diverses exigences conditionnèrent de multiples façons 1'aspect matériel et visuel des oeuvres sculptées, tant au plan iconographique que décoratif, déterminant certains choix quant au format, au revêtement et à la finition. Ainsi avons-nous tenté de démontrer que 1'oeuvre de Jobin a progressivement évolué d'une production très diversifiée vers une production très spécialisée. Alors que, durant sa formation et ses débuts à Montréal, le sculpteur avait réalisé des pièces de mobilier, des sculptures ornementales, des figures de proue, des enseignes, des statues et des reliefs à caractère religieux, il en vint, à la fin de son séjour à Sainte-Anne, à façonner essentiellement des statues religieuses destinées à 11 extérieur des édifices. Le plus souvent de grandes dimensions et recouvertes de métal, ces oeuvres comprennent, parmi les plus représentatives, nombre de monuments au Sacré-Coeur et des groupes du Calvaire. Tout en tenant compte de 11 apport de divers auteurs dont Hayward, Potvin et Barbeau, la présente thèse devrait contribuer à renouveler d'une part la perception de la carrière et de la production de 11 artiste et à éclairer, d'autre part, le contexte socio-économique dans lequel évoluaient les sculpteurs québécois à la fin du XIXe et au début du XXe siècle.Montréal Trigonix inc. 2018
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Labiau, Jean-Pierre. "Analyse stylistique des tabernacles de la Nouvelle-France : recherche des traits de dépendance et d'originalité par rapport aux tabernacles métropolitains." Master's thesis, Université Laval, 1989. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33481.
Full textAbstract:
Considérés comme largement tributaires des modèles métropolitains, les tabernacles de la Nouvelle-France ne sont pas pour autant des sous-produits de l'art français. Par delà leurs particularités liées à des facteurs comme le niveau variable de formation des sculpteurs, ces pièces de mobilier religieux possèdent un caractère original. L'analyse d'un corpus représentatif d'oeuvres par rapport à différentes sources d'inspiration démontre en effet que si les sculpteurs québécois procèdent à partir d'un répertoire formel analogue aux sculpteurs français, ils arrivent néanmoins à développer des façons de faire qui leur sont propres. Par surcroît, au plan formel, leurs tabernacles n'accusent pas de retard temporel sur les oeuvres métropolitaines.Montréal Trigonix inc. 2018
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Relin, Lois. "La sculpture assemblée en France de 1880-1918 : de la sculpture traditionnelle aux constructions cubistes." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010574.
Full text
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Joulin-Martineau, Monique. "Henry Cros : 1840-1907 : une vision de la sculpture." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010525.
Full textAbstract:
Cette thèse est consacrée a Henry Cros. II fit partie des artistes à l'origine du décloisonnement des catégories entre les arts. Sa double formation lui permettait de maîtriser les technIques de la sculpture et de la peinture, mais, c'est en rompant avec la tradition, qu'il imposa sa vision de la sculpture. Ses recherches personnelles sur les matériaux utilisés dans l'antiquité l'amenèrent à explorer les possibilités de la cire en créant des sculptures inspirées du Moyen Age, qu'il moula et colora dans la masse, puis en peinture, en peignant à l'encaustique, souvent des portraits contemporains. Ensuite, il se tourna vers le verre antique et arriva à mettre au point la pâte de verre. Aussi ductile que la cire, cette matière qu'il moula et colora, toujours dans la masse, lui permit de faire la synthèse de la sculpture et de la. Peinture, comme le montrent ses oeuvres d'inspiration virgilienne : bas-reliefs aux couleurs tendres, masques, vases où la femme a souvent la première place.
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Villeneuve, Claudine. "Le portrait dans l'estampe diffusée au Bas-Canada entre 1825 et 1850 : essai d'analyse stylistique." Master's thesis, Université Laval, 1989. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33483.
Full textAbstract:
Ce mémoire a pour objet le portrait dans l'estampe diffusée au Bas-Canada entre 1825 et 1850. Pour l'analyser, nous avons examiné les différentes méthodologies de la stylistique en histoire de l'art avant de retenir une stylistique descriptive s'appuyant sur une recherche historique. Cette dernière a notamment permis de constater l'existence de relations étroites entre le milieu de l'estampe et la vie socio-politique durant le deuxième quart du XIXe siècle. Nous avons alors pu constater combien le corpus d'oeuvres étudié était éclaté et dans quelle mesure il nécessiterait une mise en perspective élargie prenant en compte les productions étrangères contemporaines de l'Angleterre, de la France et des Etats-Unis.Montréal Trigonix inc. 2018
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Deschênes, Émilie. "L'EMPLOI DE L'ORDRE IONIQUE DANS L'ARCHITECTURE RELIGIEUSE QUÉBÉCOISE AU XIXe SIÈCLE." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/27931/27931.pdf.
Full text
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Peigné, Guillaume. "La sculpture néo-baroque en France de 1872 à 1914." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040061.
Full textAbstract:
Notre étude tente de démontrer que le néo-baroque est un courant stylistique majeur de la sculpture franÇaise entre 1872 et 1914. D'abord parce qu'il a entretenu avec le régime républicain un rapport privilégié, qui culmine dans la dernière décennie du xixe siècle et trouve son point d'aboutissement au sein du décor fastueux, et en grande partie éphémère, de l'exposition universelle de 1900. Ensuite parce qu'il a su s'imposer, grâce à des artistes comme jules dalou, mathurin moreau, auguste rodin ou raoul verlet, dans toutes les formes de l'activité sculpturale : les monuments commémoratifs, les fontaines publiques, le décor d'architecture, la sculpture d'édition, l'orfèvrerie et les objets d'art. Si les influences de michel-ange, jean bologne et le bernin sont notables, le courant néo-baroque revendique plus ostensiblement l'héritage de puget, rude et carpeaux, sans oublier les sculpteurs du règne de louis xiv ou de louis xv. Mêlant, dans ses thématiques comme dans ses formes, les réminiscences et les renouveaux, la sculpture néo-baroque abuse enfin des effets pittoresques, que sont notamment la théâtralité, les jeux d'ombre et de lumière ou le traitement virtuose de la chair et des draperiesThe aim of this study is to demonstrate that the neo-baroque style is a major stylistic current in french sculpture between 1872 and 1914. The reasons for this are two-fold : first because it maintained privileged ties to the republican government, and thus dominated the 1890s and the world exhibition of 1900, and secondly, because its influence spread, thanks to artists like jules dalou, mathurin moreau, auguste rodin or raoul verlet, to all forms of sculpture : war memorials, fountains, architectural decoration, goldsmithery and art objects. Though the influences of michelangelo, giambologna and bernini were observable, the neo-baroque current inherited its major characteristics from puget, carpeaux, rude and the sculptors in the reign of louis xiv or louis xv. It combined reminiscence and originality in its subjects and its forms, making notable use of pictorial effects, like drama, contrasts of shade and light, or virtuosity to express flesh and drapery
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Rinuy, Paul-Louis. "Le renouveau de la taille directe dans la sculpture en France 1880-1940." Paris 10, 1991. http://www.theses.fr/1991PA100109.
Full textAbstract:
La technique de la taille directe, abandonnée depuis la Renaissance au profit du modelage, a connu un renouveau dans la sculpture en France depuis 1880. Ce sont d'abord Gauguin, Maillol et Lacombe, puis vers 1906-1907 joseph Bernard, Brancusi, Derain et Picasso qui se sont orientes vers ce procédé traditionnel pour inventer des formes nouvelles. De 1920 à 1925 la taille directe a connu son heure de gloire avec darde, Costa, Abbal et le groupe de la douce France, anime par Emmanuel de Thubert. Si le procède a commencé à sombrer à nouveau dans l'oubli après 1925, son esprit est au fondement de la sculpture sur métal et de la sculpture abstraite. Plus qu'une technique, la taille directe est un mythe, analyse à l'aide de plus de deux cents pages de textes d'époque, regroupes en annexe, qui permettent de mesurer les enjeux théoriques de la question : un nouveau culte de la matière et la figure de l'artiste comme artisanThe method of direct carving, neglected from renaissance in favor of modelling, revived in French sculpture from 1880. First Gaugin, Maillol and Lacombe, afterwards, in 1906-1907 Joseph Bernard, Brancusi, Derain and Picasso adopted this traditional method to create new forms. From 1920 to 1925, direct carving was at the zenith with Darde, Costa, Abbal and the group la douce France, conducted by Emmanuel de Thubert. Even if the technic started to be forgotten after 1925, its spirit is the base of sculpture on metal and abstract sculpture. Direct carving is not only a process, but also a legend analyzed thanks to many genuine texts, gathered in appendix, which enable to understand the theoretic place of the problem: a new cult for the material and the vision of the artists as a craftsman
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Musetti, Barbara. "La réception critique d'Auguste Rodin en Italie de la fin du XIXème au début du XXème siècle." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040252.
Full textAbstract:
Cette recherche tend à analyser les effets de l'œuvre d'Auguste Rodin sur le milieu artistique et culturel italien entre les deux siècles. Il s'agira d'analyser les canaux à travers lesquels a pu s'effectuer l'assimilation d'un artiste étranger dans la tradition artistique italienne, les articulations entre pratiques et discours d'amateurs ou des connaisseurs artistiques, ainsi que les rapports entre l’histoire de l'art, la société et la politique. La première partie rendra compte de la participation de Rodin aux principales expositions italiennes. Cet excursus permettra de suive la connaissance de l'œuvre de l'artiste en Italie ainsi que l'évolution du jugement critique à son égard. Dans cette partie nous intéresserons aussi aux vicissitudes des collectionneurs italiens, publiques et privés, de Rodin. La seconde partie, se proposera d’étudier l'interprétation de l'œuvre de Rodin par trois critiques italiens - Giovanni Cena, Vittorio Pica, Ugo Ojetti - qui, dans différents milieux et sous différents points de vue, ont apporté une contribution incontournable à la divulgation de son œuvre dans le pays. Nous aborderons aussi le rôle fondamental joué par l’artiste lui-même dans la mise à point d'une "stratégie de communication" de son propre travail. L'étude des relations entre Rodin et les media italiens sera à l’origine de la construction du "mythe Rodin". La troisième et dernière partie, se veut comme une sorte d'observatoire sur le destin du rodinisme italien après la mort du sculpteur et jusqu'au début des années trenteThis research aims to analyse the effect that Rodin's oeuvre had on the Italian artistic and cultural milieu between the two aforesaid centuries. We shall examine the channels through which a foreign artist was assimilated into the Italian artistic tradition, the relationships between the dealings and opinions of art lovers or connoisseurs, as well as investigating interrelations among the history of art, politics and society. The first part will cover Rodin's participation in the principal art exhibitions in Italy. This excursus will allow us to follow the development of knowledge of the artist's ouevre in Italy as well as the evolution of its assessment on the part of critics. This section will also cover the vicissitudes of Rodin's collectors, both private and public. The second part will concentrate on the interpretation of Rodin's work by three leading Italian critics of the day: Giovanni Cena, Vittorio Pica and Ugo Ojetti. All three, though moving in different spheres and each with his own stance, were vital to the dissemination of the French sculptor's work in Italy. We shall also tackle the fundamental rôle played by the artist himself in perfecting a "communication strategy" with regard to his own work. The study of relations between Rodin and the Italian media will lie behind this. We shall therefore examine the different means which were implemented in the creation of the "Rodin myth". The third and last part is to be considered a kind of observatory of the course and outcome of the passion for Rodin in Italy after the sculptor's death and up to the start of the 1930s
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Derrot, Sophie. "Michel Liénard (1810-1870) : luxuriance et modestie de l'ornement au XIXe siècle." Paris, EPHE, 2014. http://www.theses.fr/2014EPHE4009.
Full textAbstract:
Le personnage de l'ornemaniste occupe une place primordiale mais rarement bien définie dans le processus de création du monde des arts décoratifs du XIXe siècle. Prenant place au coeur de la société de l'ornement, Michel Liénard (1810-1870) est l'un de ces artistes curieux de tout, engagés dans de nombreux chantiers et de multiples domaines, à la fois tournés vers le passé et constamment à la recherche de progrès et de nouveauté. Spécialiste du néo-Renaissance mais participant plus globalement du courant de l'éclectisme, Michel Liénard a collaboré avec les grands noms de l'époque et ses travaux regardent aussi bien l'orfèvrerie, avec François-Désiré Froment-Meurice ou le mobilier avec la maison Grohé, la sculpture religieuse monumentale (chapelle royale de Dreux) ou mobilière (église Sainte-Clotilde, orgues de Cavaillé-Coll), la décoration d'intérieur palais du quai d'Orsay) ou l'urbanisme haussmannien. Cette étude biographique s'accompagne d'un répertoire des artistes que croise Liénard au cours de sa carrière, ornemanistes, sculpteurs, architectes, chefs d'entreprise, souvent liés professionnellement et personnellementThe ornemanist occupies an essential but hardely well defined place in the creative processes of the decorative arts world of the ninteenth century. Michel Liénard (1810-1870) takes place in the heart of the society of ornament; he is one of these curious artists, involved in many decorative fields, both turned to past and contantely looking for progress and innovation. As a specialist of the néo-Renaissance style and ecclecticism in general, Michel Liénard collaborated with the great names of the time: the goldsmith François-Désiré Froment-Meurice as well as the furniture house of the Grohé brothers or the organ maker Aristide Cavaillé-Coll. His works are related to religious sculpture (royal chapel of Dreux, Sainte-Clotilde church in Paris), interior decoration (palace of the Ministry of Foreign Affaires in Paris) or Haussmann's renovation of the capital. This biographical study goes along with a repertory of the artists who Liénard sees during his carrier (ornamentists, sculptors, architects, company heads) and who are often related to one another by professional and personnal bounds
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Lavigne, Géraldine. "L'école des sculpteurs du Puy-de-Dôme." Clermont-Ferrand 2, 1997. http://www.theses.fr/1997CLF20001.
Full textAbstract:
Cette thèse est consacrée aux sculpteurs ayant suivi une formation ou ayant travaillé dans le Puy-de-Dôme, au 19e. La 1ère partie est consacrée à l'étude des divers aspects de l'école de sculpture locale à travers l'évocation de la formation artistique, de la carrière des artisans et des artistes, et de la production sculptée. Les artistes apparaissent très marqués par leur formation classique, reproduisant les schémas enseignés par l'école des Beaux-Arts. Toutefois, ils affirment une certaine originalité dans l'affirmation de leur identité auvergnate. Ce travail est très documenté. La 2e partie est un répertoire des sculpteurs en activité durant le 19e. Chaque artiste dispose d'une notice qui indique, si nous les connaissons, des informations comme : les noms et prénoms, les dates de naissance et décès, le lieu de travail, les matérieux employés, la filiation, les sources, la bibliographie et les oeuvres. La 3e, regroupe plus de 400 illustrations présentant les oeuvres locales et des ouvrages de comparaisonThis thesis studies sculptors formed or who had worked, in the Puy-de-Dôme, during the nineteenth century. The first part analyses the school of sculptors through their formation, their careers and their production. Although, artists are influenced by their classic formation, they are original in the expression of their identity. This work is completed by different documents. The second part is a repertory of sculptors who had worked during the nineteenth century. For each artist you can find the name and the surname, date of birth and death, bibliography and works. The third part is composed of four hundred illustrations of works from the Auvergne and other parts of France
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Arguin, Francis. "Détailler en choses distinctes." Master's thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/67513.
Full textAbstract:
Ce texte accompagne l’exposition Remplir les conditions qui aura été présentée au Lieu, centre en art actuel à Québec du 25 septembre au 4 octobre 2020. Par une approche descriptive, les trois premiers chapitres de ce texte sont consacrés au décorticage de trois œuvres réalisées entre l’automne 2018 et l’automne 2020, soit Sans titre, Résidence ouverte et Une et trois sculptures. L’essentiel de ce qui est proposé vise à montrer par quoi ces sculptures, construites à la main avec des matériaux ordinaires et des méthodes simples, prennent corps. Ces trois chapitres se conduisent et se construisent au fur et à mesure de la découverte d’aspects qui, suivant les prolongements qui en sont extraits, sont autant de poignées par lesquelles se saisir de l’œuvre. Les réflexions faites à partir de ces œuvres préparent l’appréciation du projet Remplir les conditions, dont il est question par anticipation dans le quatrième chapitre. Alors que le projet Remplir les conditions est en phase de développement, ce chapitre soulève des réflexions et des pistes de travail potentielles. L’exposition Remplir les conditions aura pris forme lors d’une résidence de création tenue au Lieu du 11 au 25 septembre 2020.
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Hirota, Haruko. "La sculpture de Paul Gauguin dans son contexte (1877-1906) et le catalogue raisonné informatisé de l'oeuvre sculpté." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010691.
Full textAbstract:
La présente étude a pour objet de réviser la totalité de la sculpture de Paul Gauguin, et de la resituer dans son contexte, c'est-à-dire dans son rapport avec le développement artistique propre à son époque. Reconnues de nos jours comme précurseurs du primitivisme du XXe siècle, les créations audacieuses de Gauguin n'ont pas, en effet, été examinées dans le cadre du XIXe siècle. Notre recherche consiste d'une part, à trouver les sources possibles de ses sculptures, les influences qu'il reçut de ses contemporains, tels qu'Aube, Carries et Rodin, à distinguer ses particularités artistiques, et d'autre part, à éclairer l'iconographie de ses œuvres dans le contexte du symbolisme et de l'idée primitiviste. Au cours de l'examen des œuvres par étapes, il s'avère que le principe fondamental de la création de Gauguin réside dans la dialectique des deux pôles, central et marginal, occidental et non-occidental, ce qui est caractéristique du primitivisme propre au XIXe siècle. Dans cette optique, ses intérêts pour les différentes formes d'arts populaires sont notables. Par ailleurs, ses intérêts pour la culture primitive océanienne, tout en étant syncrétique, produisent des œuvres d'une dimension mythique et totémique, qui annoncent le primitivisme du XXe siècle. Son art qui témoigne à la fois de l'historicité et du mythique se situe justement dans cette période de transition. Notre thèse se compose de deux parties : le texte, et le catalogue raisonné dans lequel nous avons pu ajouter 14 œuvres depuis longtemps oubliées ou non encore publiées - aux catalogues de Merete Bodelsen et de Christopher Gray, édités il y a plus de trente ansThe purpose of this study is to re-examine the totality of the sculpture of Paul Gauguin, and to place it in its context, that is, in its relation to the artistic developments peculiar to his time. Recognized today as precursors of primitivism of XXth century art, the bold creations of gauguin have not been examined in the framework of the XIXth century. This research consists, on the one hand, in finding the possible sources of his sculptures, the influences he received from his contemporaries such as aube, carries and rodin, in distinguishing his artistic features, and on the other hand, in elucidating the iconography of his sculptures in the context of symbolism and of primitivist ideas. In the course of examining his pieces, it will be confirmed that the fundamental principle of the creation of gauguin lies in the dialectic of two poles, central and marginal, occidental and nonoccidental, which is characteristic of the primitivism of the XIXth century. From this point of view, his interest in the various forms of popular art is notable. On the other hand, his interest in the primitive culture of oceania, despite its syncretism, produced works of mythical and totemic dimensions, which herald the primitivism of the XXth century. His art that shows the historicity and the mythic at the same time is placed just in this period of transition. This thesis is composed of two parts: the text and the catalogue raisonne which adds 14 works - forgotten for a long time or not yet published - to the catalogues of Merete Bodelsen and Christopher Gray, edited over thirty years ago
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Carminati, Pauline. "« Le Paradis en boutique ». L’édition de sculptures religieuses au XIXe siècle : la maison Raffl." Thesis, Université Paris sciences et lettres, 2020. http://www.theses.fr/2020UPSLP031.
Full textAbstract:
Le XIXe siècle apparaît comme un âge d’or du multiple en sculpture. Du mouleur ambulant à la manufacture employant plusieurs centaines d’ouvriers, l’édition sculptée a pris toutes les formes, s’est déclinée dans toutes les matières et diffusée dans toute la société. Le catholicisme n’est pas resté à l’écart de ce phénomène. Il en a été au contraire un terrain d’élection et un moteur. Pour en rendre compte, ce travail s’est appuyé sur l’étude d’une entreprise spécialisée dans la création et l’édition de sculptures religieuses : la maison Raffl. En remontant aux origines de l’entreprise au tournant du XIXe siècle et en suivant son évolution jusqu’à sa liquidation en 1953, la thèse retrace l’émergence, le rayonnement et le déclin de cette production statuaire communément qualifiée de « saint-sulpicienne », éclairant un pan méconnu de l’art religieux et du décor des églises du Concordat au Concile Vatican IIThe XIXth century appears as the Golden Age of the multiple in sculpture. From the ambulant cast maker to the crowded factory, sculptural editions circulated under all kinds of shapes, using all kinds of materials, and throughout society. Catholicism didn’t stay away from this phenomenon, and was instrumental to its birth and growth. In order to account for it, this paper focuses on the study of one particular factory, which specialized in the production of religious sculpture: the « maison Raffl ». Going back to its origins in the late XVIIIth and following its evolution up until its dissolution in 1953, this dissertation retraces the emergence, heyday and demise of this type of sculptural production, commonly labelled « saint-sulpicienne », and sheds a new light on a little known area of religious art and church decoration, from the Concordat to the Second Vatican Council
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Mainguy, Serge. "Objets trouvés, matière retrouvée." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26290.
Full textAbstract:
Ce mémoire veut refléter l'exercice d'introspection proposé par le cheminement de la maîtrise en arts visuels. Il accompagne la réalisation d'un corpus d'œuvres en pratique sculpturale qui se conclue par une exposition à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval. Cette étape de mon cheminement artistique se veut un moment privilégié pour approfondir mon dialogue avec la matière, source première de mon travail sculptural. C'est la matière provenant d'objets banals, voués à la destruction, qui est retrouvée, réutilisée, revalorisée. Elle est devenue un matériau différencié par l'usage auquel elle a été destinée. Ses qualités formelles acquises sont source d'inspiration. Son passé participe à son avenir. D'objets d'utilité de la vie quotidienne, ils deviennent objets de connaissance qui font naître de nouveaux réseaux de sens. La métamorphose leur donne une nouvelle vie en les transformant en objets qui n'ont pas d'autre finalité que d'être vus.
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Gatineau-Helbronner, Evelyne. "Catalogue raisonné des sculptures du XIXe siècle (1800-1914) des musées de Bordeaux." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040235.
Full textAbstract:
La vision de la collection bordelaise apparaît kaléi͏̈doscopique. Même après l'achèvement du Musée en 1881, les sculptures ont été souvent déplacées. Cet art statuaire ne sera redécouvert qu'à partir des années 1970. La collection s'est toutefois constituée de manière logique à travers les dépôts de l'Etat, les achats réalisés grâce aux sociétés artistiques locales, les dons et legs ou le mécénat municipal. Parmi les artistes figurent quelques sculpteurs locaux. Nombre de bordelais ont œuvré dans d'autres genres : sculpture ornemaniste, art religieux ou funéraire. A leurs côtés, se trouvent des noms illustres : Dalou, Carpeaux, ou Rodin. Les collections du musée renferment les maquettes de monuments publics, dont les projets d'aménagement de la place des Quinconces. De l'inspiration antique à l'art décoratif, en passant par les scènes de genre et la sculpture animalière, du néo-clacissisme au réalisme pittoresque, l'ensemble regroupe les genres et les styles exprimés au XIXe siècleThe vision of the collection of Bordeaux seems kaleidoscopic. Even after the completion of the Museum in 1881, the sculptures were often moved. That statuary art will not be rediscovered before the seventies. However, the collection has been constituted by a logical way, throughout the National deposits, the purchases realized thanks to the local artistics societies, the donations and legacies or the municipal contribution Among the artists appear local sculptors. Many artists of Bordeaux have worked in others genres : ornemanist sculpture, religious or funerary art. By their side, we notice famous names : Dalou, Carpeaux, or Rodin. The collections of the Museum contain the models of public monuments, including the development projects of the place des Quinconces. From antique inspiration to decorative art, by the way of genre scenes and sculpture of animals, from neoclacissism to picturesque realism, the whole gathers together the genres and the styles expressed during the 19th century
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Garrone, Agnès. "Les architectes et les sculpteurs en activité dans les Bouches-du-Rhône pendant la Troisième République." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010650.
Full textAbstract:
Cette thèse est fondée sur l'exploitation méthodique d'archives locales et nationales. Elle tend, à la fois, à restituer la place des arts (architecture et sculpture) du département par des chapitres de synthèse, et à fournir une analyse détaillée au moyen de notices concernant les artistes rencontres puis étudiés (deux cent dix au total). Telle qu'elle se présente, actuellement, cette étude pourrait servir d'outil de référence, en offrant une consultions pratique et précise avec l'indication des sources. Pendant l'élaboration, des orientations supplémentaires ont été révélées : d'un côté la vie administrative, politique, sociale et économique du territoire retenu, de l'autre côté l'exercice de ces deux professions, par l'intermédiaire d'un historique relatif à chaque corps de métier, de programmes architecturaux qui ont donné lieu à un examen thématique diversifié. L'intérêt de ce travail réside dans le fait permis de montrer des artistes peu ou mal connus. C'est sous cette forme qu’il est permis de montrer des articles peu ou mal connus. C'est sous ce thème peu usité que se résume son originalitéThis thesis is founded on the methodical exploitation of the local and national archives. It leads both to rehabilitate the situation of department's arts (architecture and sculpture) by synthesis's subjects, and supply an detailed analysis by means of notices on encountered studied artists (tow hundred and ten, on the total). Just as it is presened, this study would be used as manual reference giving an useful and precise compulsation, with the indication of the sources. During the development, supplementary orientations have been revealed : on the one side : the administrative, political, social and economic life of the retained jurisdiction; on the other side, the practise of the tow professions by tha way of an historic concerning each job, architectural and sculpturalprogrammes, which lead to a thematic analysis quite diversified. The interest of this work consists in the fact that it enbabled to present noy very well-known artists. It's this under this not currently used aspect that its originality is summed up
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Chappey, Frédéric. "Histoire de l'enseignement de la sculpture à l'Ecole des Beaux-Arts au XIXème siècle : les concours de Composition et de Figures modelées (1816-1863)." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040183.
Full textAbstract:
Fondée sur l'analyse d'archives inédites de deux compétitions scolaires, les concours d'esquisses de composition et les concours de figures modelées (créés respectivement en 1816 et 1842), notre étude tente d'apporter des éclaircissements sur le mode de fonctionnement global de l'enseignement de la sculpture à l'École des Beaux-Arts durant le XIXème siècle. S'inscrivant dans une reprise en main généralisée du domaine des "beaux-arts" décidée par le nouveau pouvoir politique issu de la restauration et confiée à Quatremère de Quincy, récent secrétaire perpétuel de l'académie royale des Beaux-Arts, la création de concours en composition sera favorablement accueillie par les sculpteurs, élèves comme professeurs, à l'inverse des peintres fort suspicieux qui n'adhèreront a ces nouvelles épreuves scolaires que contraints et forces par les règlements. Les recherches entreprises ont ainsi abouti à approfondir notre connaissance quant à l'organisation des nombreux ateliers privés de sculpture (et de peinture) qui existaient parallèlement à l'école des Beaux-Arts, la suprématie exercée parfois par certains d'entre eux en matière de résultats scolaires, l'emprise absolue de l'académie sur l'école, l'évaluation du nombre limite des élèves sculpteurs par rapport aux élèves peintres, la durée longue des cursus scolaires, l'iconographie résolument classique des sujets de concours, ou encore les modalités techniques et stylistiques de l'exécution et de la conservation de ces travaux d'écoleBased on the analysis of unpublished archives of two school competitions: the sketches contests of composition and the modeling figures contests (respectively created in 1816 and 1842), this study aims to bring forward enlightments on the global functioning of sculpture tutoring at the School of Fine Arts during the nineteenth century. Because of the generalized high hand on the fine arts program adopted by the new political power after the "restauration" that out in charge Quatremère de Quincy, new elected life-secretary of the royal academy of fine arts, the creation of contests in composition was favorably accepted by the sculptors, students and teachers alike contrary to the very suspicious painters who will be forced to comply to these new school exams by severe regulations. This research helps our understanding of the organization of numerous private workshops of sculpture (and painting) that flourished next to the school of fine arts, the excellency of some of them in view of their school success, the absolute high level of the academy over the school of fine arts, the limited number of sculptors students compared to the painters students, the long period of schooling cursus, the maintenance of classical contests and even note the technical and stylistic organization of the workshops at the school of fine arts
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Gazave, Raphaëlle Maylis. "De Donatello à Jean Goujon : réceptions et enjeux nationaux de la sculpture de la Renaissance au XIXe siècle." Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100008.
Full textAbstract:
Cette thèse examine la réception de la sculpture de la Renaissance dans l’Europe du XIXe siècle, afin de déterminer quels enjeux sous-tendent sa fortune critique et artistique. L'histoire de la sculpture française du XIXe siècle est ainsi étudiée en regard de l’historiographie européenne de la statuaire Renaissance depuis 1805, date de la redécouverte du manuscrit original de la Vita de Cellini, jusqu’à l’exposition publique, en 1889, du Monument aux Bourgeois de Calais d’Auguste Rodin. L’intérêt pour la sculpture de la Renaissance s’éveille dans une Europe scindée entre permanence du modèle classique et affirmation du romantisme. La statuaire de la Renaissance est perçue comme le reflet d’un Age d’or que l’on voudrait revivre. En peinture comme en sculpture, la création artistique se fait le miroir de cette construction du mythe de la Renaissance. Michel-Ange devient une figure exemplaire de l’art; Jean Goujon est son contre-modèle français (I). Dans la seconde moitié du siècle, cet engouement européen pour la statuaire Renaissance est régit par des questions nationales. La sculpture des XVe et XVIe siècles est au centre d’un transfert culturel entre l’Italie et l’Allemagne. Vouées au culte de l’art gothique, la France et l’Angleterre montrent des réticences à célébrer la Renaissance italienne. Parallèlement, le développement de l’historicisme néo-renaissant dans la statuaire française aboutit d’une part au néo-style de Paul Dubois, d’autre part au renouvellement formel de Rodin (II)This thesis examines the perception of Renaissance sculpture in nineteenth-century Europe, in order to determine which stakes underlie its critical and artistic fortune. History of nineteenth-century French sculpture is studied in comparaison to European historiography of Renaissance statuary from 1805, date of the rediscovery of Cellini’s Vita original manuscript, to 1889, date of the first public exhibition of the Monument aux Bourgeois de Calais by Auguste Rodin. The interest for Renaissance sculpture picks up when Europe becomes divided between permanence of the classical model and the appearance of Romanticism. Renaissance sculpture is seen as a Golden Age. In painting as in sculpture, artistic creation reflects the birth of the myth of the Renaissance. Michelangelo becomes an exemplary figure of Art; Jean Goujon is his French counter-mode| (I). In the second half of the century, national stakes govern this European passion for the Renaissance statuary. The sculpture of the XVth and XVth centuries become the object of a cultural transfer between Italy and Germany. Dedicated to the worship of Gothic art, France and England, on their part, hesitate to celebrate Italian Renaissance. In particular, the development of Renaissance historicism in the French statuary leads on one hand to Paul Dubois’neostyle, and on the other to Rodin’s artistic renewal (II)
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Delas, Raphaële. "Aimé et Louis Duthoit, derniers imagiers du Moyen âge : un atelier de création et de restauration de sculpture médiévale à Amiens au XIXe siècle (1820-1870)." Amiens, 2007. http://www.theses.fr/2007AMIE0013.
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Meunier, Danielle. "Questions de modernité et postmodernité dans la sculpture actuelle : un cas : Alomph Abram de David Moore." Master's thesis, Université Laval, 1992. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33495.
Full textAbstract:
Le but de ce travail de recherche est de cerner et de circonscrire un certain esprit des temps pour observer ses manifestations dans l'art actuel. J'ai d'abord voulu rendre compte des valeurs qui marquent l'époque que nous vivons, aux plans philosophique et esthétique. Le champ de la connaissance a fait des bonds importants depuis la Renaissance et le Siècle des Lumières. La modernité a élargi les moyens d'analyse et de synthèse des phénomènes du monde. Récemment, la postmodernité semble cependant mettre en doute les expérimentations modernistes lorsqu'elle propose la multiplication des instruments de connaissance. En deuxième étape, j'ai voulu analyser l'esprit qui sous-tend le travail sculptural du post-formalisme américain et par la suite brosser un tableau historique de la situation de la sculpture au Québec. Finalement, je me suis arrêtée sur 1'installation aLomph aBram de l'artiste montréalais David Moore pour en montrer les appartenances contemporaines aux points de vue historique, intellectuel et esthétique.Montréal Trigonix inc. 2018
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Mora, Nelson. "L'influence francaise en peinture et en sculpture, pendant le xixe siecle, au chili." Toulouse 2, 1988. http://www.theses.fr/1988TOU20075.
Full textAbstract:
Notre these tente d'etablir l'origine et le developpement de l'influence francaise au chili pendant le xixe siecle. C'est pourquoi nous avons realise une retrospective historique afin d'en etablir les causes et les consequences economiques, politiques, philosophiques et artistiques. Dans cette retrospective, nous considerons tous les faits significatifs qui nous permettent de demontrer l'influence artistique exercee au cours d'une longue periode historique. En effet nous abordons d'abord les premiers contacts avec les francais et l'etablissement de ceux-ci au chili, la mutation de la societe coloniale de la fin du xviiie siecle, et l'independance fondee sur les idees de la revolution francaise. Nous abordons ensuite l'instauration des organismes culturels et artistiques, le sejour du peintre monvoisin au chili et le developpement de l'academie de peinture et sculpture. Nous aborderons finalement les artistes chiliens qui se sont perfectionnes dans les academies francaises et les influences que les maitres francais ont exerce dans les oeuvres, l'iconographie, et dans les divers evolutions formelles des artistes chiliens en relation avec le contexte artistique francais et ses propres evolutionsOur work is an attempt to establish the origin and development of the french influence in chile during the 19th. Century. It is the reason why we have achieved a historical retrospection in order to find out the economical, political, philosophical and artistic causes and consequences. In this retrospection, we take into account all the most significant facts which enable us to show that the artistic influence as far as painting and sculpture are concerned is a consequence of the influence which existed for a long historical period. Therefore, in the beginning, we examine the first contacts with the french and the settlement of the french people in chile, the changes in the colonial society of the end of the 18th. Century, and the independance based on the ideas of the french revolution. Then, we deal with the setting up of the cultural and artistic organisations, the stary of painter monvoisin in chili and the development of the academy of painting and sculpture. In the end, we shall speak about the chilian artists who were. .
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Roy, Nathalie Anne. "L'histoire par l'image : commémoration picturale, pouvoir politique et stratégies visuelles au Québec (1880-1930)." Thesis, Université Laval, 2005. http://www.theses.ulaval.ca/2005/23165/23165.pdf.
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Choubard, Alain. "Les matériaux nouveaux ou réintroduits dans la sculpture en France de 1880 à 1940." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040159.
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Art et matière, idée et exécution : notions traditionnellement antithétiques ou inconciliables. Il découle de ce postulat initial que les matériaux usités par les sculpteurs restent méconnus, quant bien même les œuvres achevées sont mises en exergue. Pourtant, ne serait-ce que par les textures et les couleurs qui complètent la forme, la question du matériau s'affirme depuis toujours comme déterminante en sculpture. L'importance de cette donnée fut particulièrement évidente à la fin du XIXe siècle et dans la première moitié du XXe. Progrès technique, ouverture sur l'ailleurs, ressourcement dans la tradition nationale minèrent alors l'hégémonie pluriséculaire du bronze et du marbre en proposant des alternatives nouvelles ou en « réactivant » des usages oubliés. Qui plus est, ces changements de moyens commencèrent à faire vaciller le dogme académique, anticipant souvent en cela les bouleversements stylistiques connus par la sculpture à partir des années 1880-1890. Sont à prendre en compte : l'acier, l'aluminium, le bois, le ciment, le cristal, la diorite, l'étain, le fer, le granite, le grès cérame, l'ivoire, le lap, les différentes variétés de lave (andésite, basalte, porphyre), les matières plastiques, le papier, la pâte de verre, les pierres artificielles, les pierres dures, le schiste, le verre, le zinc. Soit vingt et un matériaux traités en autant de chapitres. Pour chaque élément retenu on tentera de répondre aux questions suivantes : qu'est-ce ?, quelles sont les raisons poussant à son emploi ou les inconvénients les limitant ?, à quand remonte son apparition dans un contexte statuaire ?, qui en usa ? Les textes réunis en un premier volume sont suivis de 380 pages d'annexes et d'un recueil de 350 illustrations.
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Jacob, François. "La perception de la Guerre de Sécession dans la presse québécoise, 1861-1865." Master's thesis, Université Laval, 2010. http://hdl.handle.net/20.500.11794/21832.
Full textAbstract:
La décennie 1860-1870 a été d'une grande importance pour le Québec, autant au niveau politique qu'économique ou social. Au cours de ces années critiques la Confédération canadienne prend forme, Confédération dont les structures influencent le Québec pour l'avenir. Les discussions qui ont mené à la Confédération canadienne ont été d'autant plus délicates qu'au sud des colonies britanniques se déroulait un cas exemplaire de rapports difficiles entre différents paliers de gouvernement: la guerre de Sécession. Forcément, pour un libéral ou un conservateur, pour un francophone ou un anglophone, l'orientation adoptée face au projet de Confédération canadienne sera influencée au moins en partie par ce conflit et les enseignements que l'on croit pouvoir en tirer. Les États-Unis se sont-ils effondrés en raison de la domination d'une section sur l'autre ? Ou alors, en raison d'une autorité centrale trop faible ou trop forte ? Ces interrogations, les leaders politiques se les posent avec acuité puisque nombre des éléments de la situation américaine sont transférables au futur Canada : populations s'estimant différentes, différences économiques considérables, méfiance entre les différentes régions...Or, si des éléments sont transférables, d'autres ne le sont pas. En effet, la guerre de Sécession comporte une charge idéologique qui n'a pas d'équivalent direct au Canada : démocratie démagogique d'un côté, l'esclavage de l'autre, qui sont autant de traits que les partisans du Sud ou du Nord attribuent à l'adversaire.Le présent mémoire explore la représentation que les futurs Québécois, anglophones ou francophones, eurent de ce conflit. Cette perception est analysée par le biais de la presse, soit les journaux d'allégeance conservatrice The Morning Chronicle et La Minerve, ainsi que les journaux libéraux Le Pays et The Montreal Witness. La conclusion essentielle est que l'allégeance politique de tel ou tel journal prime sur toutes autres considérations dans les prises de position face à la guerre de Sécession : il y a une grande unité de ton entre le Chronicle et La Minerve, et une animosité absolue entre Le Pays et cette même Minerve, même si ces deux derniers jours sont francophones. De même, Le Pays et le Witness ont en gros la même orientation, et ce même Witness est en opposition avec le Chronicle. L'importance capitale de l'allégeance politique fait que l'analyse de la guerre de Sécession elle-même passe souvent au second plan dans la couverture de cet événement par ces journaux, couverture qui sert plutôt de prétexte pour commenter la politique canadienne.
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Pallas, Basile. "De la vue au regard : littérature et photographies au XIXe siècle." Thesis, Bordeaux 3, 2017. http://www.theses.fr/2017BOR30055.
Full textAbstract:
Au XIXe siècle, la photographie est vue comme une image vraie. Produite mécaniquement, elle serait la copie fidèle de la réalité, ce qui justifie la croyance en la vérité de ses images. Dès les premiers discours tenus à son égard, la photographie apparaît comme une image transparente, ne donnant rien d’autre à voir que la réalité, ce qui explique notamment les postures de rejet généralement adoptées par les écrivains et les artistes face à cette image, antithèse de l’art. Notre travail s’efforce de montrer comment, à l’inverse, la photographie a été, dans les textes littéraires en particulier, rendue à sa visibilité, c’est-à-dire à sa nature de vraie image. Pour cela, nous déterminons comment le phénomène optique de l’aberration, qui suppose une déformation de l’image plus ou moins visible, rend compte d’une pensée s’attachant à concevoir la photographie comme vectrice de troubles dans sa représentation. Nous examinons alors différentes manifestations de ces phénomènes dans la littérature, qui sont liées à une conscience de la matérialité des images, de leur mode de fabrication particulier, mais aussi de leurs défauts, opacifiant ce qu’elles représentent. L’attention de certains écrivains portée à ce que nous appelons la dimension photographique des photographies ouvre des pistes multiples sur la poétique des textes et situe le modèle photographique dans un ailleurs du réalisme. La réflexion sur la photographie dans les textes permet également de mesurer les conséquences d’une croyance en la vérité des images, croyance qui se révèle, à différents niveaux, comme aberrante. En effet, le fantasme d’une visibilité parfaite n’a pas seulement été appréhendé comme un moyen de mesure rationnelle du monde. La visibilité accrue et excessive de la photographie révèle au contraire ce que la réalité a de plus étrange et de plus inquiétant. Dans les textes, le modèle photographique éclaire alors une représentation fantastique du monde, lorsque celui-ci s’ouvre aux fantasmes et aux hallucinations. Nous tentons de cerner, à travers des œuvres littéraires et photographiques variées (Nerval, Champfleury, Nadar, Maupassant, Geffroy, Rachilde, Bonnetain, etc…) les différents phénomènes qui apparaissent comme les principaux agents de déréalisation de l’image photographiqueIn the nineteenth century, photographs are first seen as true images. Produced mechanically, they would be the faithful copy of reality. This justified the belief in the truth of photographic images. From the earliest speeches made about it, photographs appeared as transparent images, giving nothing more to see than reality. This explains the postures of rejection generally adopted by writers and artists in the face of the photographic image, seen as the antithesis of art. Our work tries to show how, on the contrary, photography has been rendered in literary texts, to its visibility, that is, to its nature as a true image. To do this, we determine how the optical phenomenon of aberration, which is a deformation of the image, accounts for a line of thought which tries to conceive of photography as a vector of disturbances in its representation of reality. We then examine different manifestations of this phenomenon in literature. They are linked to a growing awareness of the materiality of the images and their particular mode of manufacture, but also of the defects opacifying what they represent. The attention given by certain writers to what we call the “photographic dimension” of photographs opens up multiple avenues to the poetics of texts and situates the photographic model beyond realism. The inquiry on photography in texts also makes it possible to measure the consequences of a belief in the truth of images, a belief that reveals itself, at different levels, as aberrant. Indeed, the fantasy of perfect visibility has not been apprehended only as a means of rational measurement of the world. The increased and excessive visibility of photography reveals, on the contrary, what is strangest and most disturbing in reality. The photographic model illuminates a fantastical representation of the world’s fantasies and hallucinations. The different phenomena studied then appear as the principal agents of derealization of the photographic image
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Tahinci, Anna. "Les collectionneurs de sculptures de Rodin de son vivant." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010511.
Full textAbstract:
Notre thèse examine l'identité et les caractéristiques des collectionneurs de sculptures d'Auguste Rodin (1840-1917) de son vivant. A travers un examen de leurs choix, notre recherche explore les goûts d'une époque. Le nom de la plupart des commanditaires de Rodin est aujourd'hui tombé dans l'oubli, alors qu'il s'agissait de personnalités importantes du monde artistique, littéraire, scientifique et financier de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Notre recherche éclaire l'identité, la personnalité et l'importance des collectionneurs dans la carrière artistique de Rodin. L'éventail des collectionneurs, qui sont tantôt des amateurs, tantôt des mécènes nous a permis d'esquisser une véritable typologie de la figure du collectionneur de sculptures de Rodin et d'examiner le sculpteur en tant qu'artiste collectionné. L'étude des commandes nous a permis d'éclairer les différents choix des commanditaires ainsi que leur importance pour l'évolution du goût. Dans le cadre de ces acquisitions et commandes, nous avons examiné le rôle des intermédiaires entre le sculpteur et sa clientèle. Nous nous sommes par ailleurs interrogé sur la façon dont les collectionneurs privés ont contribué à l'enrichissement des collections publiques. Nous avons enfin mis en valeur les liens humains qui se sont développés entre le sculpteur et ses collectionneurs.
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Plamondon, Jean-François. "Naissance, métamorphoses et modernités d'un genre : l'autobiographie au Québec (1885-1984)." Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24294/24294.pdf.
Full text
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Domont, Ronaldo Reinehr. "Le surréalisme et le Brésil." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010534.
Full textAbstract:
Après la reconstitution de l'histoire de la diffusion du surréalisme au Brésil, de sa naissance jusqu'à nos jours, et, à travers une analyse comparative, nous déterminons la contribution du surréalisme au fait que l'art au Brésil appartient à la modernité. Pour cela nous confrontons les effets poétiques, les imaginaires et les effets formels : les différents notions d'espace, les cas de pléthores érotiques, les relations parodiques, les correspondants des tropes dans l'art et la formalisation de la pensée esthétique. Sont analysés entre autres les antécédents proches au surréalisme, un certain symbolisme brésilien, la peinture de Tarsila Do Amaral, Vicente Do Rego Monteiro, Ismaël Nery, Flavio de Carvalho, Cicero Dias, Antonio Pedro, Wesley Duke Lee, Jef Golyscheff, Octavio Araujo, les collages de Sergio Lima et Tereza d'Amico et les sculptures de Maria Martins. Nous déterminons les rapports entre les effets de cet art avec la poésie essentialiste et la jeune poésie surréaliste de Sao Paulo des années 60sAfter the historic reconstitution of the diffusion of surrealism in Brazil, from early begining to today, and through a comparative analysis, we pretend to show the contribution of surrealism as an element of the belonging of art in Brazil to modernity. For this purpose we confront poetry effects, imaginary and formal effects : different space notions, erotic plethoras, parodic relations, correspondances of tropes in art and formalisation of an esthetic thinking. We particulary analysed the antecedents close to surrealism : a certain brazilian symbolism, the painting of Tarsila Do Amaral, Vicente do Rego Monteiro, Ismael Nery, Flavio de Carvalho, Cicero Dias, Antonio Bento, Wesley Duke Lee, Jef Golyscheff, Octavio Araujo, the collage of Serfio Lima et Tereza d'Amico and the sculpture of Maria Martins. We determine the relations between the effects of this art with essentialist poetry and the young surrealist poetry of the sixties in Sao Paulo
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Humbert, Candice. "L'élaboration d'une culture artistique régionale : Grenoble et ses artistes de 1796 à 1853 : (volume 1 - texte)." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016GREAH020/document.
Full textAbstract:
Notre étude sur L’Élaboration d’une culture artistique régionale […] se propose d’explorer le fait artistique en Dauphiné au cours de la première moitié du XIXe siècle. Portée par la dynamique du questionnement sur l’identité culturelle régionale, notre recherche a pour but de combler un manque mais également de répondre à une attente de connaissance sur cette période pourtant délaissée à l’échelle locale mais qui fut généreuse en échanges et en expérimentations. Il s’agit d’expliciter la corrélation entre les composantes artistiques, institutionnelles et sociales du milieu culturel dauphinois afin d’apprécier leurs rôles et leur importance. Pour ce faire, notre champ d’étude a été circonscrit à la peinture, la sculpture et au dessin, en raison de leur présence majoritaire dans les Salons. Par ailleurs, il faut préciser que le territoire du Dauphiné, depuis 1790, regroupe les départements de l’Isère, de la Drôme et des Hautes-Alpes. Toutefois, le principal département analysé dans notre enquête demeure l’Isère et plus particulièrement la ville de Grenoble qui concentre l’activité artistique régionale. Aussi, comment la vie artistique locale s'est-elle structurée à partir d'institutions? Quelle a été l'importance des actions individuelles engagées pour son développement ? L’étude de la genèse et des fondements des institutions grenobloises où se révèlent l’existence d’une classe de dessin, d’un musée, d’un Salon et d’une Société des Amis des Arts, montre d’une part les différents investissements collectifs et individuels. L’exploration du patrimoine local, de même que l’intérêt des Grenoblois pour l’art et les activités culturelles vérifient le fait que Grenoble et ses habitants se souciaient du développement des beaux-arts. D’autre part, l’examen du parcours des artistes régionaux, comme la venue de peintres et dessinateurs étrangers en Dauphiné ou encore la destination des œuvres, croisent naturellement les questions de la formation, des déplacements, de la circulation des hommes et des œuvres ainsi que des relations artistiques entre les différents territoires. En outre, ces sujets conduisent progressivement à déplacer l’interrogation sur d’autres échelles nationale et transnationale. Au niveau national, Paris concentre toutes les attentions en raison de la formation qu’elle offre aux artistes provinciaux mais également pour l’émulation culturelle qui la caractérise. Au niveau transnational, l’Italie, par sa proximité géographique avec le Dauphiné et par sa forte présence dans l’imaginaire artistique, attire la venue de nombreux artistes dauphinois. Il est indéniable que les interactions entre les artistes et la confrontation de cultures différentes ont contribué à l’essor artistique dauphinois. Mais tandis que les artistes régionaux explorent d’autres lieux, un mouvement inverse se repère, le Dauphiné ne cesse de recevoir la visite d’« étrangers ». Leurs apports est une question fondamentale que nous avons renseignée puisqu’ils ont été parfois à l’origine de changements esthétiques dans la production dauphinoise. De même, l’étude de la géographie des lieux de conservation des œuvres dauphinoises permet d’apprécier l’étendue de leur réception hors du Dauphiné et également d’identifier les thèmes alors particulièrement recherchés. Enfin, notre recherche met en évidence l’essor et la diversité de la production artistique dauphinoise afin de resituer les artistes locaux dans une sphère plus large de connaissances et de sensibilité contemporaines. Du « grand » genre aux « petits » genres, elle apprécie la création régionale, explique en quoi elle se caractérise et comment elle suit les fluctuations de la production nationale. Il fallait donc indéniablement interroger le premier XIXe siècle pour comprendre l’élaboration d’une culture artistique régionale en Dauphiné et ainsi mieux appréhender l’origine du succès des peintres locaux après 1850 et plus généralement l’essor des beaux-arts en Dauphiné au XIXe siècleOur study into The emergence of a regional artistic culture […] proposes exploring artistic output in Dauphiné in the first half of the 19th century. Inspired by the increasing trend seen over recent years towards examining regional cultural identity, the purpose of our research is to fill a void but also to meet a wider demand for knowledge about this period, one overlooked at a local level but which was nevertheless very rich in dialogue and experimentation. We seek to explain the correlation between the artistic, institutional and social components of the cultural environment in Dauphiné, to assess their roles and importance. To do so, our field of study has been limited to painting, sculpture and drawing due to their prominent position in the exhibitions. Moreover, we should specify that since 1790 the Dauphiné area has included the departments of Isère, Drôme and Hautes-Alpes. However, the main department analysed in our investigation is Isère and more particularly the town of Grenoble, where much of the region's artistic activity is concentrated.Thus, how was regional artistic life structured through the institutions and what has been the importance of the individual actions with regard to its development? A study of the founding and role of the institutions in Grenoble, where we find the existence of a drawing class, a museum, an exhibition and a ‘Friends of the Arts’ society, firstly shows the different collective and individual efforts being made. An exploration of the local heritage in addition to the interest shown by Grenoble’s inhabitants in art and cultural activities confirm that Grenoble and its residents took an interest in the development and dissemination of the fine arts.Secondly, an examination of the careers of regional artists and the arrival in Dauphiné of painters and illustrators from outside the area or the eventual destination of the works, naturally generate questions concerning training, travel, the circulation of people, of works, and the artistic relationships existing between the various regions. Additionally, these subjects gradually lead us to consider such matters at national and transnational level. At a national level, Paris takes centre stage due to the training it provides for artists from the French regions but also for the cultural emulation effect characterising it. At a transnational level, Italy has attracted many artists from Dauphiné, thanks to its geographical proximity to Dauphiné and its high "top of mind" status in the artistic imagination. It cannot be denied that the interactions between artists and the clash of different cultures contributed to the rise of the artistic scene in Dauphiné. But just as the region's artists were exploring other areas, movement was also occurring in the other direction, with Dauphiné constantly being visited by "outsiders". Their contribution is a fundamental issue which we have examined as they have sometimes been the source of aesthetic changes in Dauphiné's artistic output. Similarly, an examination of the geography of the sites at which Dauphiné's artistic works are stored enables us to appreciate the extent of their "reach" outside Dauphiné and also to identify which themes were particularly sought-after.Finally, our research highlights the growth and diversity of Dauphiné's artistic production to position local artists in a wider sphere of contemporary sensitivity and ability. From the "major" genre to the "minor" genres, it assesses regional creative output, explaining what characterises it and how it follows national fluctuations in output.It was therefore necessary without a doubt to examine the first half of the 19th century to understand how a regional artistic culture emerged in Dauphiné and to better understand the sources of the success of local painters after 1850 and more generally the growth of the fine arts in Dauphiné in the 19th century
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Dumas, née Lavallard Colette. "Monographie de Théodore Rivière (1857-1912)." Montpellier 3, 1997. http://www.theses.fr/1997MON30047.
Full textAbstract:
Theodore riviere (1857-1912), sculpteur francais, recoit une formation traditionnelle a l'ecole des beaux-arts de toulouse, puis a l'ecole nationale des beaux-arts de paris. Il debute sa carriere sous l'influence de falguiere et de mercie. Decourage par l'insucces, il est attire par l'orient. Le voyage le revele a son art en lui apportant, non seulement de nouveaux themes d'inspiration, quelquefois a travers la litterature, mais aussi un style personnel et novateur dont l'illustration type est l'oeuvre-phare, salammbo chez matho de retour a paris, il se distingue par une sculpture de petit format qu'il applique egalement au nu et au portrait en pied de ses contemporains. Ii associe des materiaux a la polychromie raffinee qui participent a l'expression de son sujet. Il collabore en meme temps avec des editeurs du bronze et de la porcelaine. Il repond ainsi aux orientations souhaitees par l'union centrale des arts decoratifs et a son inclination pour les theories de l'art social des 1900, il retourne a la statuaire de ses debuts en l'adaptant aux monuments publics eriges en indochine et en france, sans abandonner toutefois le genre decoratif qui lui a valu le succes. Sa sculpture, le plus souvent d'inspiration litteraire et anecdotique, vaut non seulement par les qualites de vie et de mouvement exprimes, mais encore par le raffinement des formes et celui des materiaux. Elle est le reflet des gouts contemporains. Elle temoigne aussi d'un art qui s'adapte a l'ideologie de la iiie republiqueTheodore riviere (1857-1912), french sculptor, receives a traditional formation at toulouse's fine arts school, then at paris's national fine arts school. He starts his carrier under the falguiere's and mercie's influence. Unsuccessful, he is attracted by orient. Travelling allows him free himself and gives him new inspiration's subjects, sometimes through literature, and a novating personal style too. These new qualities appear in his master work salammho chez matho. Coming back again at paris, he distinguishes himself by a little size sculpture. This size made use for nude and for his contemporaries' fulllengh portrait. He associates materials which have a delicate polychromy, and they contribute to his work's expression. At the same times, he collaborates with some china's and bronze's editors. He follows trends wished by the central union of decorative arts and his tendency for the social art theories. As for back as 1900, he comes back to monumental sculpture he did at his beginning, and fits it to public monuments erected in indochina and in france, without missing the successfull decorative genus. His sculpture, often inspirated by literature and anecdote, values by life qualities and movement expressed, and by form's and materials refinement. It's the reflection of his contemporaries' trends. It gives evidence of an art which adapts itself to the third republic's ideology
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Dotal, Christiane. "Jean-Joseph Perraud (1819-1876) et la sculpture néoclassique sous le Second Empire." Dijon, 2002. http://www.theses.fr/2002DIJOL022.
Full textAbstract:
Jean-Joseph Perraud (1819-1876), Grand Prix de Rome en 1847, sculpteur actif sous le Second Empire, illustre sa carrière par de nombreuses commandes et achats officiels. Tout en respectant la tradition classique, ce qui a contribué à inscrire cet artiste dans l'esthétique néoclassique, Perraud s'en détache grâce à la réalisation d'oeuvres hybrides plus modernes et d'oeuvres qui émanent du néo-baroque hellénistique. Replacer ce sculpteur dans le contexte artistique de l'époque revenait à s'interroger sur la permanence du néoclassicisme sous le Second Empire qui touche d'autres artistes, d'en comprendre les raisons d'être grâce à l'étude des sources littéraires et visuelles de ces sculptures présentées au Salon et d'analyser l'évolution de ce style par rapport à son acception originelle de la fin du XVIIIe siècleJ. J. Perraud (1819-1876) won the Rome Prize in 1847, worked as a sculptor under the Second Empire and brought fame to his career with many official orders and purchases. While respecting the classic tradition - which contributed to reveal this artist as a neoclassic aesthete - Perraud gradually turned his back on it, creating more modern hybrid works and also works that emanated from the Hellenistic neo-baroque trend. To put this sculptor in the artistic context of this time amounted to wondering about the permanence of the neoclassicism under the Second Empire that also affected other artists, to understanding its grounds for existence thanks to the study of the literary and visual sources of these sculptures presented at The Exhibition and eventually to analysing the evolution of this style in relation to its original acceptance at the end of the eighteen century
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Barbedor, Isabelle. "Le musée, une histoire d'art entre l'histoire de l'art et l'histoire du goût, Angers – Nantes -Rennes (1790-1990) : peintures et sculptures XVIIIe - XIXe siècles." Rennes 2, 1993. http://www.theses.fr/1993REN20017.
Full textAbstract:
Le but de cette thèse est d'étudier l'évolution des rapports de l'art et du musée, à partir de l'exemple des collections de peintures et de sculptures des XVIIIe et XIXe siècles, conservées dans les musées d'Angers, de Nantes et de Rennes. Elle se propose de comprendre comment la création même du musée, conçu comme un outil conservatoire et pédagogique, interpelle et transforme la finalité de l'art, en fondant un espace artificiel qui inaugure la modernité. La première partie est consacrée à la période de création du musée qui s'opère dans le passage de la collection privée à la collection publique. Elle comprend l'étude des saisies révolutionnaires et des envois de l'Etat et de leur influence sur le musée jusqu'au milieu du XIXe siècle. La deuxième partie est consacrée a l'étude du musée, de son rôle et de ses usages, de 1850 a 1918. Elle présente les rapports des principaux acteurs du musée (Etat ville – collectionneur - artiste) avec l'art et leur influence sur cet espace public qui devient un des symboles du monde urbain en assurant la pérennité de ses propres traditions culturelles. La troisième partie est consacrée au musée et à ses rapports avec l'histoire de l'art qui apparaît comme un nouvel acteur du monde muséal. Elle montre comment l'histoire de l'art se substitue à l'artiste et inaugure un nouveau rapport à l'art et à la modernitéThe purpose of this thesis is to study the evolution of the relationships between art and art gallery, starting from the example of paintings and sculptures of XVIIIe and XIXe centuries, preserved in the art galleries of Angers, Nantes and Rennes. Its purpose is to show how the creation of the art gallery, regarded as a place of preservation and study, concerns and transforms the finality of art, by opening for it, an artificial space which inaugurates modernity. The first part is devoted to the period of emergence of the art gallery, which is characterised by the transition from private collections to public collections. It includes the study of the confiscations of revolutionary period and the attributions of works of art by the state and their influence on the art gallery, during the first part of the XIXe century. The second part is devoted to the study of the function and the using of art gallery, between 1850 and 1918. It describes relationships of the principal actors of art gallery (state, town, collector, artist) with art and their influence on this public space which becomes one of the symbols of urban world by securing the durability of its own cultural traditions. The third part presents the art gallery and its relationships with art history which appears as a new operator of the museal world. It shows, how art history substituted to the artist himself, inaugurates a new relation with art and modernity
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Gavidia, Isolda. "Les théories ruskiniennes de l'authenticité : et leurs représentations dans les paysages nord-américains." Thesis, Université Laval, 2009. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26260/26260.pdf.
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Wautelet, Marie. "Contribution à l'étude des pratiques sculpturales: la petite sculpture à la Compagnie des Bronzes de Bruxelles, 1854-1914." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209387.
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Tanguay, Marie-Ève. "La métamorphose dans l'oeuvre de David Altmejd." Master's thesis, Université Laval, 2014. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25583.
Full textAbstract:
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2014-2015Cette étude prend pour objet la pratique sculpturale de l’artiste québécois David Altmejd, né en 1974. Aménageant des paysages bigarrés s’articulant autour de la rencontre d’une affluence d’objets, de matériaux hétéroclites et personnages étranges, Altmejd conçoit ses sculptures comme de petits mondes à part qui toujours semblent traversés par une énergie transformatrice. L’enjeu de cette recherche est de mettre en lumière les stratégies formelles et conceptuelles par lesquelles l’artiste réinterroge la notion classique de la métamorphose. Par l’analyse des œuvres et du discours de l’artiste, le tout tenant compte de l’expérience du spectateur, cette étude veut montrer comment David Altmejd s’approprie et reformule cette notion de métamorphose dans un langage qui lui est propre. Propice aux échanges et aux communications contre-nature, ce langage permet, selon-nous, de remettre en question certains codes par lesquels nous appréhendons et définissons le mouvement, voire, le monde en mouvement.
This study investigates the sculptural practice of David Altmejd, an artist from Québec born in 1974. Setting up mixed landscapes, in which are blended numerous objects, heterogeneous materials and strange characters, Altmejd creates sculptures as if they were small worlds in themselves, expressing their own transformative energy. We will seek to unveil the formal and conceptual strategies that the artist uses to re-examine the classical notion of metamorphosis. Taking into consideration the experience of the spectator, we will analyse David Altmejd’s work and speech in order to demonstrate how he manages to grasp and reformulate the notion of metamorphosis using a language of his own: permeable to exchanges and communications that go beyond our natural way of seeing things, a language that enables him to challenge some of the codes traditionally used to apprehend and define movement, and, extensively, the world itself.
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Rionnet, Florence. "Le rôle de la Maison Barbedienne (1834-1954) dans la diffusion de la sculpture aux XIXe et XXe siècles : considérations sur les bronzes d’édition et l’histoire du goût." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040092.
Full textAbstract:
La Maison Barbedienne, fondée en 1834, fut l’une des plus importantes entreprises de bronzes d’art en France au XIXe siècle. Le fondateur de la Maison, Ferdinand Barbedienne (1810-1892), s’associa dès 1838 à Achille Collas (1795-1859) - l’inventeur du procédé de réduction mécanique des statues - et sut donner une extension considérable à la production des petits bronzes d’édition. Son succès reposa en grande partie sur sa politique et sa stratégie commerciales. Son choix d’un répertoire « académique » proche du goût dominant répondait aux exigences d’une clientèle bourgeoise à la recherche de valeurs sûres. Il parvint ainsi à se démarquer de la concurrence et à s’octroyer la collaboration des artistes vivants les plus en vogue, tels Antonin Mercié ou Paul Dubois. Sa présence régulière aux Expositions universelles et les nombreuses récompenses qu’il y reçut favorisèrent l’extension de l’entreprise qui comptait plusieurs centaines d’ouvriers au début de la Troisième République. Cet Âge d’or prit fin au tournant du siècle lorsque la petite sculpture industrielle perdit peu à peu de son attrait face à l’émergence de nouvelles exigences d’« originalité » de la part de la clientèle et de contrôle de la part des sculpteurs. Gustave Leblanc-Barbedienne (1849-1945), neveu et successeur de Ferdinand, et son fils Jules (1882-1961) ne parvinrent pas, malgré leurs efforts, à donner une nouvelle impulsion à l’entreprise qui disparut en décembre 1954 victime de la morosité économique (suite à la crise de 1929 et à la Guerre) et surtout de la dépréciation générale pour le bronze d’art et pour les valeurs qu’il véhiculaitThe Maison Barbedienne was founded in 1834 and was one of the most important companies of art bronzes in the 19th century in France. As early as 1838, the founder of the company, Ferdinand Barbedienne (1810-1892), formed a partnership with Achille Collas (1795-1859) – the man who invented the process for the automatic reduction of statues. This enabled him to widely spread the production of small bronzes in series. His success resulted mostly from his policy and commercial strategy. His choice of an “academic” catalogue – close to the prevailing taste – fits the wishes of his middle class clients, who requested safe values. He managed to distinguish himself from the other founders by using fashionable living artists such as Antonin Mercié or Paul Dubois. His regular attendance at the Expositions Universelles and the numerous prizes that he won favoured the extension of the company which counted several hundred workers at the beginning of the Third Republic. This Golden Age ended at the turn of the century, when small-size industrial sculpture partly lost its appeal because clients began to request “originality”, and sculptors asked for more control. Gustave Leblanc-Barbedienne (1849-1945), Ferdinand’s nephew and successor, and his son Jules (1882-1961) failed to give a new impetus to the company in spite of their efforts. The company disappeared in December 1954, as a result of the depressed economic climate which followed the 1929 crisis and the 2nd World War and – above all – due to the general lack of appreciation of artistic bronzes and the values that they conveyed
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Püngel, Stefan Eric. "L’œuvre sculptée de Jean-Antoine Étex (1808-1888) : l’expressivité comme source de l’inspiration artistique." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040114.
Full textAbstract:
Elève de Pradier, d’Ingres et de Duban le sculpteur, peintre et architecte Jean Antoine Étex (1808-1888) s'essayait à toutes les formes d'art laissant après son décès une œuvre abondante qui compte plus de 450 ouvrages. Déjà un nombre imposant de ses sculptures sont disséminées dans la capitale de la France. On les rencontre dans des endroits stratégiques de la métropole. Mais aussi beaucoup d’autres villes et musées de la France conservent des ouvrages importants de cet artiste. Parmis les œuvres les plus connues comptent les deux haut-reliefs « La Résistance » et « La Paix » à l’Arc de Triomphe de l’Étoile puis le groupe en marbre « Caïn et sa race maudits de Dieu », chef -d’œuvre de la sculpture romantique, conservé aujourd’hui au Musée de Lyon. En tant que républicain convaincu et adhérent du saint-simonisme, Étex participait activement aux révolutions de 1830 et de 1848 combattant incessamment pour l’instauration de la République. Sous la monarchie de juillet, il avait connu un grand succès et une grande célebrité mais son art fut peu estimé sous le second Empire. Gravement défavorisé par le gouvernement imperial, Étex perdait sa place parmi les premiers artistes de la France et ses œuvres tombaient aussitôt dans l’oubli. Ce présent thèse de doctorat fournit pour la première fois une biographie détaillée et un catalogue raisonné de l’œuvre de cet artiste important. Ses propres écrits (publications et correspondance), les documents dans les archives françaises ainsi que la critique d’art concernant ses œuvres y sont exploitésDisciple of Pradier, Ingres and Duban the french sculptor, painter and architect Jean-Antoine Étex (1808-1888) created works in nearly all categories of art. He left after his death a highly impressive number of more than 450 works of art. A great deal of his sculptures are dispersed in the french capital city of Paris all placed at strategic locations. But also a lot of other french cities and museums conserve important works by this artist. Among the most famous sculptures made by him are certainly the two monumental reliefs “La Résistance” and “La Paix” at the Arc de Triomphe de l’Étoile as well as the marble group “Cain and his race coursed by God”, masterpice of the french romantic scuplture, conserved at the mueum of Lyon. As a convinced member of the republicain partie Étex took actively part in the revolutions of 1830 and 1848 fighting incessantly for the republic idea. During the monarchie de juillet his works achieved extreme success but after the instauration of the Empire his works were no more appreciated. Constantly ignored by the imperial government Étex lost his place among the first artists in France and his works were soon forgotten. This present dissertation constitutes for the first time a detailed biographie and a complete catalogue of the works of this important artist. His own writings (publications and correspondence), hundreds of documents from the french archives and the critiques of art concerning his works are seriously explored
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Simon, Clélia. "Style, culture et société. La sculpture religieuse en France de la Restauration à la fin du Second Empire (1820-1870)." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040206.
Full textAbstract:
Entre 1820 et 1870, l’État et les villes françaises mettent en œuvre, à grands renforts budgétaires, une commande massive destinée à pourvoir les lieux de culte d’une statuaire monumentale à vocation liturgique et didactique. Une première partie est consacrée à l'approche synoptique de la sculpture religieuse du XIXe siècle, par l'entremise des grands programmes. Celle-ci permet de porter un regard d'ensemble sur une évolution chronologique rendue complexe par la variation des attentes et des ambitions, et ainsi de prendre conscience du statut de frontispices culturels qu'acquièrent, grâce à la sculpture, les édifices religieux. Cette étude montre d’ailleurs les places éminentes qu’occupent généralement au sein de ces ensembles sculptés le Christ, la Vierge et leur association dans la Pietà, auxquels est consacrée la deuxième partie. L'espace liturgique qu'initie la Restauration hérite de la Révolution et de l'Empire d'une dimension expiatoire. C'est cette douleur mêlée de foi et d'espérance qui guide l'exécution des Vierges à l'Enfant, des Christs crucifiés et des Pietà, leur attribuant une fonction de pôles liturgiques déterminant. La période connaît enfin, en terme de représentation hagiographique, un foisonnement étonnant. La troisième partie étudie l'importance numérique des saints comme le moyen dont use la restauration du culte pour favoriser une relation intercessionnelle de tout temps forte en France. Un triple dialogue est alors mis en évidence : celui des artistes dans le temps, celui des sujets dans l’imaginaire théologique et théocratique, et celui des formes dans les recoupements parfois surprenants des généalogies stylistiquesBetween 1820 and 1870, the State and the French cities are implementing - using a great budget - a massive order to fill the churches with monumental sculptures to serve a liturgical and educational purpose. The first part of this study examines the synoptic approach to religious sculpture of the nineteenth century, through the major programs. This leads to an overall view of a chronological evolution complicated by changes in expectations and ambitions and therefore to be aware of the status of cultural frontispieces that churches had acquired trough sculpture. This study also shows the prominent places that Christ and the Virgin generally occupy within these carved sets. The liturgical space initiated by the Restauration inherits expiatory dimension from the Revolution and the Empire. This pain mixed with hope and faith guided the execution of the Virgin and Child, crucified Christs and Pieta, giving them a decisive liturgical function. The period finally knows, in terms of hagiographic representation, a surprising abundance. The third part examines the numerous representations of the saints as a mean used by the restoration of religion to foster an intercessional relationship that has always been strong in France. Hence, a triple dialogue is highlighted: one between artists in time, one between subjects in the theological and theocratic imaginary, and one between forms in the overlaps - sometimes surprising - of stylistic genealogies
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Albertazzi, Liliana. "Années 1980 : une modernité sans avant-garde." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010553.
Full textAbstract:
Mon propos est de montrer au long de cette thèse que dans les années 1980, ce n'est pas le concept de modernité qui est caduque mais celui d'avant-garde. Dès lors que dans les années 1980 la modernité fut massivement contestée et le préfixe "néo" vint s'attacher au nom avant-garde, invalidant les notions d'originalité et de pureté jusqu'alors constitutives de la création et de l'évaluation artistique, beaucoup des prémisses régulatrices de ces concepts sont venues s'écrouler. Ce vide conceptuel a laissé la place à des considérations sur l'institutionnalisation et la diffusion artistique souvent dans l'hypothèse que l'art lui-même s'y confond. Cette crise entra nait plus de problèmes et de questions qu'elle n'en résolvait, il était donc nécessaire d'analyser rétrospectivement les concepts condamnes et d'établir des rapports entre eux. Ainsi un certain nombre de questions ont été de mise : quels sont au juste les fondements de cette modernité qu'il s'agirait de dépasser ? Ce dépassement est-il lui-même un acte fondateur ? Quant aux avant-gardes, l'histoire de l'art y fait abondamment référence sans jamais en définir les traits récurrents. Par l'analyse historiques des avant-gardes, peut-on appréhender l'avant-garde comme un phénomène en soi ?My purpose is to demonstrate that in the eighties it is the avant-garde's concept which is overrun an not the one of modernity. And what came out of these thesis is that on developping the point one realize that the most important revelation is that the counter-thesis induce to an emptiness in the analytical and methodological approch to the art history in the XXth century. Since modernity has been massivily contested and since the prefix "neo" came to be attached to the name of the avant-garde in the eighties, some regulating notions of originality and pureness, until then constituents of the artistique evaluation, collapsed. But these crisis brought in more problems and questions then it sorted them out, though it was necessary to analyse retrospectivily the comdamned concepts and to establish the relation-ship between them. The questions to answer in my essay were though the ones originated bat the new trend of thought in post-modernity : which are the basis of these modernity that are overrun? The facts for which it is overrun are on themselves founding concepts? Concerning the avant-garde, art history makes large reference without defininf the phenomena, does the avant-garde have a chance to be considered asa phenomena and how do we recognaise it?
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Blondeau, Isabelle. "La sculpture dans La Comédie humaine de Balzac : poétique, politique et esthétique." Thesis, Reims, 2013. http://www.theses.fr/2013REIML012.
Full textAbstract:
Si la peinture dans l'œuvre balzacienne a beaucoup occupé la critique, la sculpture moins. C'est pourquoi elle fait l'objet de cette thèse. Il s'agit de montrer que la représentation de la sculpture dans La Comédie humaine est au cœur de la création balzacienne. En résonance (en résistance aussi parfois) avec les discours de l'époque, la représentation de la sculpture chez Balzac implique une réflexion sur la représentation politique et figure la fin du fondement sacré du pouvoir, liée à la Terreur, dans la première moitié du XIXe siècle. Articulant représentation politique et poétique de la représentation, le romancier met ainsi au jour une crise de la mimèsis, trop souvent invoquée à propos de son œuvre. En deuil du sacré et de la réalité de l'Idée, Balzac fait de la sculpture le lieu de l'articulation entre Idée et Image et la place au cœur de son énergétique et de son esthétique. Née de la mort, la sculpture devient pour Balzac art premier, capable de redéfinir les fondements du réel et du roman. À la croisée du politique, de la poétique et de l'esthétique, cette réflexion sur la sculpture dans La Comédie humaine voudrait allier histoire des représentations et histoire de la représentationIf painting in Balzac's work has interested many critics, sculpture less. This is why this is the theme of this thesis. Indeed, it is a question of demonstrating that sculpture's representation in La Comédie humaine stands at the heart of Balzac's creation. In resonance (sometimes in resistance) with the speeches of that period, sculpture's representation in Balzac's novels implies particular thought on political representation, and represents the end of the sacred foundation of power, linked to Terror, in the first part of the nineteenth century. Articulating political representation and poetics of representation, the novelist highlights a crisis of mimèsis, too often mentioned regarding his work. In mourning of the sacred foundation and the reality of the Idea, Balzac considers sculpture as the place of the link between Idea and Image, and puts it at the heart of his energetic and his aesthetics. Coming from death, sculpture becomes for Balzac the first art, able to redefine the foundations of reality and fiction. At the crossroads of politics, poetics and aesthetics, this thought on sculpture in La Comédie humaine aims to combine history of representations and history of the representation
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Noet, Laurent. "Les Grands Prix de Rome de sculpture formés à Marseille dans la seconde moitié du XIXe siècle : André Allar (1845-1926), Jean Turcan (1846-1895), Jean-Baptiste Hugues (1849-1930), Henri Lombard (1855-1929), Constant Roux (1865-1942) et Auguste Carli (1868-1930) : une école marseillaise de statuaire?" Montpellier 3, 2000. http://www.theses.fr/2000MON30016.
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Orensanz, Camille. "Louis-Ernest Barrias (1841-1905), un sculpteur sous la Troisième République." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040090.
Full textAbstract:
Fils d’un modeste peintre sur porcelaine, Louis-Ernest Barrias (1841-1905) suit la voie ouverte vingt ans plus tôt par son frère Félix, Grand Prix de peinture en 1844, en remportant en 1865 le Prix de Rome de sculpture. L’artiste pose ainsi le premier jalon d’une très brillante carrière. Médaillé d’honneur au Salon de 1878 puis membre de l’Académie des beaux-arts dès 1884, Ernest Barrias devient l’un des sculpteurs les plus célèbres de sa génération et une personnalité éminente du milieu artistique parisien. Intéressé par toutes les manifestations de son art, il est l’auteur de nombreux monuments, participe à quelques-uns des plus importants chantiers de la Troisième République et s’emploie, comme beaucoup de ses confrères, à concilier les beaux-arts et les arts décoratifs. Abondant et éclectique, son œuvre témoigne de l’extraordinaire développement de la sculpture dans la seconde moitié du XIXe siècle et en révèle certaines évolutions stylistiques et iconographiques. Barrias reste toute sa vie attaché à une tradition sculpturale naturaliste et figurative qu’il s’applique à transmettre aux élèves qui fréquentent son atelier de l’École des beaux-arts jusqu’à sa mort en 1905. Vivement critiqué par certains de ses contemporains puis tombé dans l’oubli comme beaucoup de ses confrères, le sculpteur n’avait jusqu’à présent été l’objet d’aucune étude. Notre thèse se propose de reconstituer sa biographie, d’analyser en parallèle l’évolution de son œuvre en le replaçant dans le contexte artistique de l’époque, et de constituer le catalogue exhaustif de son corpusLouis Ernest Barrias (1841-1905) was the son of a modest cloth and porcelain painter. He followed the footsteps of his elder brother Felix, Grand Prix of painting in 1844, and won in 1865 the Prix de Rome of sculpture. This was the first step to a brilliant career. Ernest Barrias rapidly became one of the most famous sculptors of his time and one of the leading members of Paris artistic community. He was awarded a medal of honor in the 1878 Salon de Paris, and became member of the Beaux Arts academy as early as 1884. His interest in all facets of his art led him to design numerous monuments, and he took part in some of the most important projects of the Third Republic. As many of his contemporary artists, he struggled to reconcile fine arts with decorative arts. His abundant and eclectic work testifies to the then extraordinary development of sculpture, and reveals some of the stylistic evolutions and most preferred themes of his time. Barrias was committed throughout his whole life to a naturalist and figurative tradition, which he taught to his students in his studio of the École des Beaux Arts until his death in 1905. Barrias was heavily criticized in his final years and then almost left into oblivion, along with many of his contemporary artists. The sculptor was the subject of no former thesis. This study reconstructs his biography, analyzes the evolution of his work in the artistic context of the period, and collect all his work in a complete catalogue
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Lambert, Vincent Charles. "Des poèmes à l'âge de l'irréalité : solitude et empaysagement au Canada français (1860-1930)." Doctoral thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/24674.
Full textAbstract:
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2013-2014.Période négligée de l’histoire littéraire, les années 1860 à 1930 ont apparu aux critiques de la modernité comme un âge de l’irréalité dont le patriotisme de Louis Fréchette et la mélancolie d’Émile Nelligan témoignaient de deux manières opposées, irréconciliables, sinon dans un même exil, une même absence à soi et à la vie immédiate. Cette thèse revient d’abord sur l’émergence et l’évolution de ce rapport des modernes au passé littéraire canadien-français, puis retrace une lignée considérable de poètes qui furent indifférents au patriotisme sans pour autant tomber dans l’isolement pathétique. Dans un premier temps, il faut relativiser la prépondérance de la poésie patriotique : Louis Fréchette et Nérée Beauchemin ont aussi écrit de la poésie lyrique et descriptive. La plupart des poètes de la fin du XIXe siècle pouvaient, d’un poème à l’autre au sein d’un même recueil, passer de la célébration des héros de la Nouvelle-France à l’observation directe du peintre. Cette dernière tendance prévaut dans les œuvres d’Alfred Garneau et d’Eudore Évanturel, qui ont en commun de faire passer le monde du statut de support idéologique à un lieu de présence imprescriptible, ouvert. Après une analyse de leurs poèmes dans la production littéraire de la seconde moitié du XIXe siècle, la thèse s’attarde dans les trois chapitres suivants aux parcours individuels de trois poètes majeurs du siècle suivant en les situant dans l’évolution de la littérature canadienne-française : Albert Lozeau, Jean-Aubert Loranger et Alfred DesRochers. Chacun à leur manière, ces poètes opèrent une objectivation du monde tout en interrogeant la nature de leur relation avec lui. Avec eux, sans doute à cause de la primauté accordée par le symbolisme à l’imagination créatrice, la réalité sensible est intériorisée, engagée dans un dialogue ou présentée directement comme une manifestation de conscience. Au final, il est possible de reconstituer une tradition poétique marquée principalement par une solitude retirée et une attention soutenue à la vie présente, tradition qui trouve son aboutissement dans l’œuvre de Saint-Denys Garneau.
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Nicolai, Eric. "Portraits of children in Québec art 1800-1860." Master's thesis, Université Laval, 1990. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33467.
Full textAbstract:
Ce mémoire a pour objet l'étude d'un corpus de portraits d'enfants peints au Québec entre 1800 et 1860. Nous présentons d'abord un aperçu général du thème de 1'enfance tel qu'il s'est manifesté dans la peinture européenne et américaine dès le XVIe siècle. Cet aperçu est suivi d'une synthèse du contexte historique et artistique au sein duquel le portrait bourgeois s'est développé au Québec avec un examen de quelques-uns des premiers portraits d'enfants connus au Québec. Dans la deuxième partie, nous avons procédé à une étude stylistique et comparative du corpus à partir des différentes compositions que les artistes ont employées pour représenter l'enfant. Le corpus est divisé en deux catégories: les portraits de l'enfant en buste et ceux où l'enfant est représenté à 1'intérieur d'un groupe. Des comparaisons avec des portraits américains ont permis de dégager différentes similitudes mais aussi quelques éléments spécifiques propres au portrait d'enfant au Québec.The object of this thesis is the study of a corpus of portraits of children painted in Quebec between 1800 and 1860. After introducing the theme of childhood in European and American painting since the sixteenth century, we go on in the first part to examine the historical and artistic context in which the bourgeois portrait developed in Quebec as well as some of the earliest known portraits of children in Quebec. In the second part, we have undertaken a stylistic and comparative study of the corpus, using as our starting point the compositional arrangements employed by the artists to represent children. This led us to divide the corpus into two main categories : bust-length portraits of the child and group portraits. Comparison with American portraits has permitted us to identify compositional similarities as well as characteristic elements that constitute what is specific to portraits of children in Quebec.
Montréal Trigonix inc. 2018
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Sioc'Han, De Kersabiec Angélique. "Charles Van der Stappen, 1843-1910: un artiste-sculpteur de la fin de siècle et la renaissance de la sculpture en Belgique." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209498.
Full textAbstract:
À la fin du XIXe siècle, le sculpteur belge Charles Van der Stappen (1843-1910) est accueilli comme l’un des grands représentants de la sculpture aux expositions internationales de Paris, Amsterdam, Budapest, Dresde, Glasgow, Turin… ainsi qu’aux sécessions viennoises, berlinoises ou encore aux biennales de Venise. L’œuvre la plus connue de l’artiste, Le Sphinx mystérieux (buste chryséléphantin, Musées Royaux d’Art et d’Histoire, Bruxelles) est considéré comme une pièce phare de la sculpture symboliste et Art Nouveau. Pourtant, la production de l’artiste n’a jamais été étudiée dans son ensemble ni dans son évolution. Cette thèse se fixe donc comme objectif la redécouverte de l’œuvre de Van der Stappen en parallèle avec la réévaluation de son rôle dans l’évolution de la sculpture en Belgique au tournant de 1900. L’élaboration d’un catalogue raisonné reprenant ses statues, bustes, monuments, médailles et pièces d’art décoratifs, a été une première étape importante.Au fil des critiques qui commentent son œuvre, Charles Van der Stappen apparaît comme l’un des initiateurs d’une « renaissance » des arts en Belgique. La récurrence de ce terme de renaissance appliqué à Van der Stappen, est importante dans la revue L’Art moderne, dès 1883, et dans plusieurs autres journaux et publications jusqu’à la mort de l’artiste en 1911. Le livre de Georges-Olivier Destrée portant le titre The Renaissance of Sculpture in Belgium (en 1895 et rééd. en 1905) présente ainsi en couverture une sculpture de l’artiste. Dès lors, cette affirmation de « renaissance », qui commença par la littérature pour s’étendre avec la génération de Van der Stappen à la sculpture et aux arts décoratifs, apparaît à la fois révélatrice et problématique. Révélatrice en ce qu’elle synthétise la volonté de renouveau du monde artistique belge dans le dernier quart du XIXe siècle, problématique quant à l’analyse du rôle du sculpteur Van der Stappen dans ce renouveau et quant aux sources et au sens de ce renouveau. Cette thèse se base sur l’idée que le renouveau artistique de la sculpture au tournant du XIXe et du XXe siècle en Belgique est porté par le concept de renaissance et ne peut être dissocié du modèle esthétique et intellectuel de la Renaissance comprise en tant que période historique. Le concept de renaissance se définie comme l’affirmation collective d’une volonté d’innovation dans de nombreux domaines, innovation basée sur la réactualisation d’un modèle du passé. En analysant la réception des modèles de la Renaissance sur l’évolution de l’œuvre et la carrière de Van der Stappen un découpage s’impose entre trois périodes :la redécouverte, l’émulation et la transformation créative.
La trajectoire spécifique de l’artiste, initialement nourrie de ses séjours en Italie qu’il entreprit dès 1873 et de sa participation à l’atelier Portaels, l’amène à se confronter à l’art de la Renaissance italienne, à sa littérature et à ses techniques. Cette comparaison avec le passé le guide, selon le modèle d’une « réversion », vers une recherche de spécificité nationale, une volonté de sortir des modèles académiques et des structures officielles ainsi que vers plus de naturalisme en sculpture. En ceci, Van der Stappen tient une place majeure dans le renouveau de cette époque car il se trouve au carrefour d’un réseau d’artistes et d’hommes influents cherchant de nouvelles voies pour l’art.
Cependant, Van der Stappen ne se laissa pas enfermer dans un mouvement néo-renaissance et réussit à puiser dans l’histoire de la Renaissance italienne le modèle même et les concepts d’un renouveau de la sculpture de style individuel en Belgique. Sa conception de la sculpture comme un art intellectuel, un art libéral, son ouverture à l’essor des arts décoratifs sont les bases d’un renouveau de la sculpture que Charles Van der Stappen met en place dès les années 1880 et qu’il enseigna dans son atelier et à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles. Van der Stappen se fait dès lors artiste humaniste, puisant l’émulation dans les arts du passé, dans le décloisonnement entre beaux-arts, littérature et arts décoratifs. Au sein d’une nouvelle « République des Lettres », il pense la sculpture comme le « reflet d’une civilisation intellectuelle », selon son expression. Ses œuvres sculptées dialoguent dès lors avec les œuvres littéraires de ses amis Edmond Picard, Camille Lemonnier, Émile Verhaeren ou Stefan Zweig, avec l’art de Constantin Meunier ou Émile Claus et avec la musique de Vincent d’Indy, entre autres. L’instrumentalisation politique et artistique de la référence à une renaissance permet d’insérer Van der Stappen dans un vaste mouvement de renaissance des arts en Belgique qui commence par la rupture et par la voie d’une spécificité nationale :le naturalisme et l’idée.
Le renouvellement de la lecture de l’œuvre de Van der Stappen à l’aune de ce concept de renaissance explicite le passage subtil de ses œuvres du naturalisme au symbolisme. Sa technique basée sur la recherche du modelé plein, du volume étudié sous tous ses angles et du renouveau du relief, lui permet de créer des œuvres originales où la sculpture se fait composition symboliste de signes. Ainsi, nous avons abouti par nos recherches à une analyse inédite de la sculpture du Sphinx, œuvre majeure de l’artiste :depuis une figure issue du voyage de formation en Italie - La Florentine - jusqu’à la sculpture Art Nouveau, Le Sphinx mystérieux, ces bustes sont les variations de la représentation d’une seule et même idée. Les variations sculpturales de Van der Stappen sur le thème du sphinx s’imposent comme la représentation évolutive de l’inspiration, qui part de la tradition de la Renaissance et se déploie dans le mystère d’une représentation symboliste de la création artistique. Cette évolution constitue la contribution la plus originale de Van der Stappen à la sculpture du XIXe siècle. Ce même concept de renouveau est à confronter avec celui qui conduisit à l’éclosion de l’Art nouveau. La spécificité de l’œuvre de Charles Van der Stappen, est d’avoir surpassé les modèles de la Renaissance italienne et de l’humanisme en les adaptant à la société de son temps. Les deux derniers projets de monuments, au Travail et à l’Infinie Bonté, sont les exemples commentés de cette relecture renaissante. De nouveaux documents non analysés jusqu’ici et la mise en parallèle avec l’« art social » développé par Edmond Picard et avec la poésie d’Émile Verhaeren, permettent de donner une explication sur leur longue conception. L'étude des apports de Van der Stappen à l'art de son temps dans le contexte du Bruxelles fin de siècle, a servi à délimiter certaines caractéristiques du symbolisme sculptural qui tiennent pour cet artiste à un processus de synthèse :au niveau de la narration, il procède à une fusion des éléments symboliques, dans sa conception de la sculpture, il réunit l’art de la ligne avec celui du relief. Van der Stappen développe ainsi une sculpture du silence qui « parle » par ses propres moyens, ceux d’un déploiement de l’idée dans l’espace.
Via l’œuvre et l’enseignement de Van der Stappen, l’art de la sculpture, à partir des années 1890, s’est orienté vers un art plus personnel. L’étude directe de la nature, l’importance de la ligne dans la composition, la volonté d’instiller l’art dans tout, l’introspection des figures modelées, la représentation de l’idée selon des termes propres à la sculpture, sont les indices d’une recherche propre à Van der Stappen et plus largement d’une renaissance de la sculpture spécifique à la Belgique. La volonté de renouveau des arts à la fin du XIXe siècle et de l’intégration spécifique de la sculpture dans ce processus sont des clefs pour comprendre la sculpture de Van der Stappen et la replacer dans son temps. Van der Stappen reprend à son compte point par point la stratégie de l’artiste de la Renaissance pour s’affirmer dans son temps. Cette stratégie est tout autant individuelle que collective et c’est pourquoi nous avons souligné les liens réciproques entre le sculpteur et les personnages clefs de la fin de siècle à Bruxelles qu’étaient Edmond Picard, Octave Maus, Émile Verhaeren, Camille Lemonnier ou encore Constantin Meunier. Notre doctorat, consacré à l’œuvre de Van der Stappen, apporte donc de nouveaux éléments à l’étude des arts à la fin de siècle et souligne la place, auparavant sous-évaluée, de la sculpture dans la renaissance qui eut lieu dans le dernier quart du XIXe siècle en Belgique.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
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Joseph, Wassili. "François Rude (1784-1855), sculpteur romantique." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040098.
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Le sculpteur François Rude (1784-1855), auteur du relief universellement connu de La Marseillaise qui orne l’un des piédroits de l’arc de triomphe de l’Étoile à Paris, est l’un des artistes majeurs de la période romantique. Pourtant, depuis 1904, aucune étude d’envergure ne lui a été consacrée. Cette thèse propose de réévaluer son œuvre par le prisme de la question stylistique. Qu’est-ce que le romantisme de Rude et comment s’inscrit-il dans le mouvement romantique en sculpture ? À partir d’un catalogue raisonné, la totalité de sa carrière est interrogée : ses années de formation à Dijon puis à Paris sous l’Empire ; son exil à Bruxelles dans les années 1820 où il développe la leçon néoclassique ; son retour à Paris où il devient une figure centrale du mouvement romantique avec le Jeune Pêcheur Napolitain au Salon de 1833 ; l’accomplissement de ce qui restera son chef-d’œuvre, Le Départ des volontaires inauguré en 1836 et qui sous le titre La Marseillaise va devenir une icône nationale ; son investissement politique au travers de ses nombreuses statues de Grands Hommes, qu’il réalise en interrogeant les codes académiques ; enfin, la part plus intime de son travail dans les autres genres majeurs de la statuaire que sont les œuvres religieuses et mythologiques. Cette étude réaffirme la place centrale de Rude dans le paysage artistique du premier XIXe siècle. Elle démontre qu’il n’a pas été l’artiste d’une seule œuvre, mais qu’il a bien réformé en profondeur la pratique statuaire, devenant ainsi un maître pour plusieurs générations de sculpteur tant classiques que d’avant-garde, comme Carpeaux, Rodin ou Bourdelle. On peut ainsi donner raison à Apollinaire qui avait vu en lui le père de la statuaire moderneThe sculptor François Rude (1784-1855), known for his work La Marseillaise which decorates the Arc de Triomphe in Paris, is one of the major artists of the romantic period. Yet there have been no major studies focused on his work since 1904. This thesis reevaluates Rude's oeuvre through a stylistic lens. What was romanticism for Rude, and how did he influence the Romantic Movement in sculpture? Based on a catalogue raisonné, the thesis investigates his full career—his years of training in Dijon and then in Paris under the Empire, his exile in Brussels in the 1820s where he internalized the lessons of Neo-classicism, his return to Paris where he became one of the central figures of the Romantic Movement with the exhibition of his Neapolitan fisherboy at the 1833 Salon, the completion of what remains his primary masterpiece and a national icon, La Marseillaise, unveiled in 1836 under the name Le Départ des volontaires, his sense of political engagement as demonstrated through his numerous Great Men statues, built with a constant questioning of the academic codes, and finally, the more intimate side to his work represented by his religious and mythological statues.This thesis confirms Rude’s central position in the artistic field of the first part of the 19th century. It demonstrates that, more than just the creator of a single masterpiece, Rude contributed profoundly to reforming sculptural practice, becoming a master for multiple generations of sculptors both classical and avant-garde, such as Carpeaux, Rodin or Bourdelle. In this way, the thesis validates Apollinaire, who saw in Rude the Father of Modern Sculpture
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Bergeron, Maggy. "De l'autoportrait à l'autofiction dans l'oeuvre sculpté et les écrits d'Alfred Laliberté." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25718.
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Cette recherche s’intéresse aux diverses méthodes de représentation utilisées par le sculpteur Alfred Laliberté, né en 1878 à Sainte-Elisabeth-de-Warwick. Ce mémoire tente, plus particulièrement, de cerner les différentes facettes de la projection identitaire chez Laliberté par l’étude des relations entre la vie et l’œuvre de l’artiste. Pour ce faire, la présente contribution propose une réflexion méthodologique sur la place de l’autoportrait dans la production du sculpteur et la singularité du langage plastique qu'il développe à cette même époque. Leur mise en rapport avec ses écrits permet de faire ressortir sa vision subjective des choses et de discerner l’interaction qui sous-tend tout l’œuvre de Laliberté, entre l’être et la représentation. À travers le contexte d’effervescence du milieu des arts du début du XXe siècle, nos recherches dressent un portrait à la fois nouveau et complexe de ce sculpteur, tout en soulignant son apport indéniable dans la pratique artistique au Québec.
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Chamberland, Philippe. "Foi et images : enjeux spirituels et pédagogiques du tableau religieux dans les paroisses rurales au Bas-Canada. Deux études de cas à partir du fonds de tableaux Desjardins." Master's thesis, Université Laval, 2014. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25617.
Full textAbstract:
Notre mémoire s’intéresse au fonds de tableaux Desjardins, plus spécifiquement aux œuvres acquises par les paroisses rurales du Bas-Canada entre 1817 et 1833, dans l’optique d’une utilisation à des fins surpassant la seule ornementation. D’abord, il s’attarde à la situation de l’Église catholique au sein de la colonie au tournant du XIXe siècle, moment de l’arrivée des tableaux. Ensuite, il démontre l’intérêt des ecclésiastiques du Bas-Canada à l’égard des images et leur conscience des services qu’elles peuvent rendre à la religion. Ultimement, par le biais des ensembles constitués par les paroisses de Saint-Henri de Lévis et Saint-Antoine de la Baie-du-Febvre, notre étude définit les moyens habilitant les toiles du fonds de tableaux Desjardins à supporter les pratiques dévotionnelles et à participer à l’instruction catéchistique des fidèles de la colonie.
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Fréchette, Marie-Ève. "Particules élémentaires." Master's thesis, Université Laval, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33143.
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Ce texte est une réflexion sur mon parcoursen atelierdes trois dernières années qui m’a menéeaux projets d’expositions Particules élémentairesI et II.J’aborde l’axe poïétiquede ma pratique artistique et lesenjeux théoriques qui en découlent. Mes recherches portent surla question del’objet, son mode d’existence, ses dispositifs de présentation et ses possibilités de transformation et de signifiance. J’interroge notre rapport à l’objet ainsi quele rapport au corps et à l’espace propre à la sculpture. La structure formelle du texte reflète mon approche sculpturale en atelier, tel un ensemble de fragmentsinter-reliésqui se développent à l’instar d’un rhizome ou d’une toile d’araignée. À l’image de mon travail qui se matérialise en corpus protéiformes, je développe dans ce texte différentes idées qui cohabitent et convergent pour devenir complémentaires. La somme de ces fragments constitue l’ensemble de ma démarche actuelle. Cette réflexion doit être considéréeen continuum avecmon expérience en atelier et est doncindissociable de ma pratique plastique.