Dissertations / Theses: 'Simbolismo en el arte - Perú'

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Wiesse, Rebagliati Juan Pablo. "El símbolo de la espiral en el arte como forma recurrente en visiones y ritos ancestrales." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.12404/15463.

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Delgadillo, Cabanillas Virgilio Freddy. "Los Arboles de la vida y de la muerte y la escala mística en la pintura virreinal." Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Programa Cybertesis PERÚ, 2010. http://www.cybertesis.edu.pe/sisbib/2010/cabanillas_dv/html/index-frames.html.

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Cabanillas, Delgadillo Virgilio Freddy. "Los Arboles de la vida y de la muerte y la escala mística en la pintura virreinal." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2010. https://hdl.handle.net/20.500.12672/162.

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Abstract:

Durante el período virreinal de la historia peruana, el arte estuvo principalmente al servicio de la difusión de la fe cristiana. Los templos y conventos de ciudades como Lima, Cusco, Puno, Ayacucho, Arequipa, Cajamarca, Trujillo y Juli, fueron repositorios de multitud de obras en diversos géneros plásticos: escultura, pintura, platería, etc. La producción artística de ese período conforma uno de los conjuntos más ricos del patrimonio cultural del Perú. La investigación que se presenta para obtener el título de magíster en Arte Peruano y Latinoamericano versa sobre un tema específico del arte virreinal: tres cuadros de la Compañía de Jesús, obras de gran complejidad formal e iconográfica, cuyo contenido es de vital importancia para entender varios aspectos de la vida espiritual de los jesuitas de la Lima colonial. Dos de las pinturas conforman un programa, y se encuentran en la antesacristía de la iglesia de San Pedro de Lima. Se titulan Árbol de la vida y sus frutos y Árbol de la muerte y sus frutos. La otra obra estudiada puede denominarse Ascenso del alma hacia Cristo; tanto en sus aspectos formales como en su contenido, tiene una profunda relación con las primeras y se conserva en la capilla de la Penitenciaría del convento jesuita.
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Díaz, Suárez Claudia Mónica. "Hilario Mendivil: tradiciones y aportes a la imaginería religiosa popular." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2013. https://hdl.handle.net/20.500.12672/12332.

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Abstract:

Publicación a texto completo no autorizada por el autor
El documento digital no refiere asesor
Pretende ar a conocer la vasta obra artística de Hilario Mendivil, para así lograr el reconocimiento de un artista notable de la imaginería religiosa popular determinar los antecedentes artísticos que influyeron en su obra. Busca dar a conocer al artista popular que cuenta con una herencia artística familiar, se destacó su participación en actividades culturales, y se mencionó al histórico barrio de San Blas. Expone las tradiciones de la imaginería que deviene del arte colonial que fueron fuentes para Hilario, así como la técnica de la imaginería, se explicó acerca de la tradición cusqueña y en ella se destacó a la Feria del Santuranticuy. Muestra los aportes a la imaginería religiosa a través de los aspectos técnicos y estilísticos del artista; el código visual de las obras se describió en un orden temático, mostrando en cada una de ellas la calidad expresionista; se presentó algo inédito que son las obras firmadas por el artista.
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Verde, Márquez Georgina Antonieta. "El cóndor en la obra de Julia Codesido." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2015. https://hdl.handle.net/20.500.12672/9263.

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Abstract:

El documento digital no refiere asesor
Publicación a texto completo no autorizada por el autor
Realiza un estudio sobre la obra de Julia Codesido, para reconocer su aporte al arte peruano del siglo XX, referido específicamente, al tema del cóndor, lo que conlleva a analizar de manera minuciosa, las seis obras que la artista plasmó sobre la majestuosa ave, indispensable para mantener el equilibrio biológico del ecosistema. El interés para investigar sobre el cóndor en la obra de Julia Codesido, fue conocer con detalle, un aspecto del trabajo artístico de la pintora, así como precisar y descubrir la relevancia de esta ave, ligada desde épocas pretéritas a la cultura peruana.
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Campos, Hernández Jenny Betsabé, and Hernández Jenny Betsabé Campos. "Iconografía y simbología en las lápidas de párvulos durante el lustro de 1921-1925. Pabellón Santa Irene del Cementerio Presbítero Matías Maestro de Lima." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017. http://cybertesis.unmsm.edu.pe/handle/cybertesis/6972.

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Abstract:

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Estudia la iconografía y simbología en lápidas de niños, para lo cual se ha tomado como objeto de estudio el pabellón Santa Irene del Cementerio Presbítero Maestro de Lima en el lustro de 1921 a 1925, época que históricamente pertenece a la primera parte del oncenio de Leguía. Demuestra que las lápidas fueron hechas mayoritariamente por escultores anónimos y son de una factura académicamente limitada. Asimismo, que el empleo iconográfico está ligado en su mayoría a asuntos bíblicos. Por otra parte, algunas obras están inspiradas en obras de arte de mayor envergadura. Sostiene que las lápidas de párvulos son obras escultóricas elaboradas por lo general en mármol, realizadas por escultores locales empleando iconografía bíblica.
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Saenz, Tapia Adriana Carolina. "Línea de tierra y los falsos monumentos : el fenecer de una nación frente a su bicentenario." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.12404/19811.

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Abstract:

Esta tesis presenta el proyecto artístico Un Reflejo Del Cuerpo Peruano Agonizante que conforma los proyectos de video instalación: Ars Corona Moriendi y En Silencio Gimió El Grito Sagrado: Libertad Nunca, En Mis Tierras Nunca. A partir de ello, planteamos la hipótesis de que existe un problema desde los representantes máximos del Estado para poder proteger y preservar la vida humana de manera digna, equitativa y justa a nivel nacional, situación que desemboca en una muerte indigna e innecesaria. Adicionalmente, nos centramos, también, en la dificultad de una posible construcción identitaria como una sociedad peruana unificada. Esta situación, de falta de representatividad, se ve reflejada en uno los símbolos más importantes de la celebración del centenario de independencia del Perú, el monumento conmemorativo republicano al libertador Don José de San Martín. Esto último nos permitió profundizar y conectar con aspectos indispensables que conforma la historia de la escultura, los monumentos. Abordamos la problemática bajo un breve recuento histórico sobre el desarrollo social del Perú desde el periodo de su independencia, pasando por el centenario para llegar al bicentenario, recuento histórico a razón de la crisis sanitaria por SARS-CoV-2. Esta investigación presenta los objetivos a modo de preguntas, ya que no solo buscarán ser abordadas teóricamente sino, también, por medio de la praxis artística: ¿Quiénes son las verdaderas víctimas del proceso de consolidación de la República del Perú? ¿De qué manera la realidad social peruana es definida por la muerte? ¿Cómo ello puede ser traducido al campo del arte? Por ende, buscamos la revaloración de la historia que nos constituye como república y la historia del declive de los monumentos que constituye al desarrollo del ámbito escultórico del arte.
This thesis presents the artistic project A Reflection Of The Agonizing Peruvian Body that conforms the video installation projects: Ars Corona Moriendi and En Silencio Gimió El Grito Sagrado: Libertad Nunca, En Mis Tierras Nunca (In Silence Moaned The Sacred Cry: Freedom Never, In My Lands Never). Therefore, the hypothesis is that exists a problem from the highest representatives of the State to be able to protect and preserve human life in a dignified, equitable and fair way at a national level, a situation which leads to an undignified and unnecessary death. Additionally, we also focus on the difficulty of a possible construction of identity as a unified Peruvian society. This situation of lack of representativeness is reflected in one of the most important symbols of the celebration of the centenary of Peru's independence, the Republican commemorative monument to the liberator Don José de San Martín. The latter allowed us to deepen and connect with indispensable aspects that make up the history of sculpture, the monuments. We approached the problem under a brief historical account of the social development of Peru from the period of its independence, passing through the centenary to reach the bicentenary, historical account due to the health crisis caused by SARS-CoV-2. This research presents the objectives as questions, since they will not only seek to be addressed theoretically but also through artistic praxis: Who are the real victims of the process of consolidation of the Republic of Peru? How is the Peruvian social reality defined by death? How can this be translated into the field of art? Therefore, we seek the revaluation of the history that constitutes us as a republic and the history of the decline of the monuments that constitutes the development of the sculptural field of art.

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Campos, Hernández Jenny Betsabé. "Iconografía y simbología en las lápidas de párvulos durante el lustro de 1921-1925. Pabellón Santa Irene del Cementerio Presbítero Matías Maestro de Lima." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017. https://hdl.handle.net/20.500.12672/6972.

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Abstract:

Publicación a texto completo no autorizada por el autor
Estudia la iconografía y simbología en lápidas de niños, para lo cual se ha tomado como objeto de estudio el pabellón Santa Irene del Cementerio Presbítero Maestro de Lima en el lustro de 1921 a 1925, época que históricamente pertenece a la primera parte del oncenio de Leguía. Demuestra que las lápidas fueron hechas mayoritariamente por escultores anónimos y son de una factura académicamente limitada. Asimismo, que el empleo iconográfico está ligado en su mayoría a asuntos bíblicos. Por otra parte, algunas obras están inspiradas en obras de arte de mayor envergadura. Sostiene que las lápidas de párvulos son obras escultóricas elaboradas por lo general en mármol, realizadas por escultores locales empleando iconografía bíblica.
Tesis

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Brunn, Reinhild Margarete von. "Metamorfosis y Desaparición del Vencido. Desde la Subalternidad a la Complementariedad en la Imagen de Santiago Ecuestre en Perú y Bolivia." Tesis, Universidad de Chile, 2009. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101464.

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Abstract:

En Perú y Bolivia, la figura del vencido en la imagen de Santiago ecuestre es muy poco considerada en el ritual religioso, ni menos en la literatura iconográfica o de historia cultural. En los Andes, la representación del derrotado por el jinete existe en diferentes formas: en el ámbito eclesiástico público son parte de esculturas procesionales y aparecen como moro, inca, indio y moro-indio, mientras, en el espacio hogareño-rural, el vencido desaparece. Allí, el triunfador Santiago se convierte en el patrón del ganado y adopta características del dios andino de rayo y trueno, Illapa. Este dios, en ritos semiclandestinos, se venera hasta hoy en forma de piedras. Mientras el vencido inca siempre guarda dignidad en su representación, el vencido moro, desde su partida de España en el siglo XVI, cambia su aspecto a través de los siglos desde agonizante o mera cabeza degollada a un personaje arrodillado con mira hacia delante. Su vestimenta otomana se iguala paulatinamente al traje del pongo latinoamericano. Existen razones políticas y sociales para las diferentes fases de modificación y los estratos sociales de donde surgieron. En el ámbito de la influencia española clerical, el molde representacional descrito por Francisco Pacheco tuvo vigencia durante varios siglos: arriba un triunfador, Santiago, y abajo un abominable demonio, el moro. Pero, “la Colonia” no es un bloque monolítico: tres acontecimientos profanos incidieron en los cambios de la iconografía religiosa de Santiago matador y sus vencidos: la Conquista, la fundación del Consejo de las Indias y la Independencia. El modelo del Santiago matainca desaparece y cede al matamoros como símbolo del infiel cuando la evangelización cobra más importancia. En el momento cuando la iglesia católica, con el auge del movimiento criollo pierde influencia en el área rural, el moro también desvanece. En la veneración de Illapa, la mayoría de los atributos iconográficos antiguos se han perdido: la serpiente monocéfala, las figurillas de oro y las figuras textiles. Lo que se conserva hasta el día de hoy son las piedras y las bolas de meteoritas. En la imagen de Santiago tan sólo queda alguna huella del polimorfismo de Illapa: la espada como rayo, el ruido de los cascos como trueno, y cuando el ganado lo acompaña se muestra como proveedor la conservación y procreación del ganado, a veces incluyendo la fertilidad en general. Dios Illapa se refugió bajo la figura del apóstol Santiago en el primer siglo después de la Conquista y quedó en su sombra hasta hoy en día, pero su representación como patrono del ganado sólo surge fines del siglo XVII. La reciprocidad entre la deidad andina y el hombre le permite negociar, a pesar del desnivel entre las dos partes. El peso del pecado original disminuye, pero, al mismo tiempo, la vulnerabilidad del hombre y el temor a la venganza por parte de la naturaleza cobra fuerza. Esto se expresa con claridad en los cultos contemporáneos a Santiago-Illapa, que siempre tienen una connotación de temor que es atenuado con ofrendas y “pagos”. En este concepto cíclico de interdependencia mutua el vencido por Santiago como una construcción vertical, autoritaria, totalitaria y excluyente, no tiene par. La subalternidad ideada por los españoles católicos no llega a ser comprendida en una cosmovisión que vive la reciprocidad también en lo metafísico. Sin embargo, la humildad y el respeto, que no hay que confundir con la subalternidad, valores, de los cuales hablan todos los rituales andinos, tienen una base sólida en las sociedades circun-titicaca, y en el momento en que la represión religiosa disminuye, se despliegan con brillo y alegría. La subalternidad, reclamada por la imagen original del santo matador desaparece con el vencido, y el concepto de complementariedad adquiere importancia en la proporción inversa: cuánto más Santiago se acerca al dios andino del rayo e Illapa, el protagonista del culto, el hombre mismo, se comunica con él en forma recíproca, recibiendo y ofrendando, los dos siendo parte de una naturaleza cuyas fuerzas se encuentran dentro y fuera del ser humano, siempre buscando un equilibrio

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Vieira, Edna Elza. "Simbolismo e reelaboração na cultura material dos Xokleng." Florianópolis, SC, 2004. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/87682.

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Abstract:

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em História
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Bortulucce, Vanessa Beatriz. "Do simbolismo ao futurismo : o desenho na obra de Umberto Boccioni." [s.n.], 2005. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/279877.

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Abstract:

Orientador: Nelson Alfredo Aguilar
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
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Resumo: A proposta desta tese é realizar uma compreensão das obras do período futurista de Umberto Boccioni (1882-1916) a partir de um estudo da trajetória estética de seus desenhos, identificando as diversas influências sofridas pelo artista. Procuraremos estudar os diversos momentos do desenho e da obra gráfica do artista, reconhecendo as influências que nortearam seus estudos sobre a concepção da forma plástica, permitindo uma compreensão mais apurada da poética de Boccioni. A presença da Antigüidade clássica, do Renascimento italiano, do Art Nouveau, do Expressionismo e do Simbolismo nos desenhos de Boccioni nos permitirá identificar a amplitude de sua estética, bem como reconhecer, na fase futurista do artista, o amadurecimento de muitos conceitos e idéias que surgiram em seus desenhos, como a preocupação com a linha, o espaço, a luz, o ambiente, e principalmente, o estudo e a apreensão do movimento humano
Abstract: The main objective of this thesis is to built a comprehension upon the futurist works of Umberto Boccioni (1882-1916) starting from a study of his aesthetical trajectory impressed on his drawings. We want to identify the several influences captured by the artist, studying specific moments of these works, recongnizing then the influences that conducted his studies about the conception of the plastic form. This study intends to establish the basis for a more acurate perception of Boccioni¿s aesthetic. The presence of classic Antiquity, Italian Renascence, Art Nouveau, Expressionism and Simbolism in Boccioni¿s drawings will permit the identification of their complexity and amplitude, as well to recognize, in his futurist phase, the maturing of many concepts and ideas that were born in these drawings, for example, the theories about line, space, light, environment, and mainly, the study and representation of the human movement
Doutorado
Politica, Memoria e Cidade
Doutor em História Social

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Romero, María Luisa. "Arte vivo del Perú." Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2015. http://hdl.handle.net/10757/346596.

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Azevedo, Júnior Ivânio Lopes de. "Simbolismo e crítica: a experiência musical e suas interpretações." reponame:Repositório Institucional da UFC, 2015. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/22776.

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Abstract:

AZEVEDO JUNIOR, Ivanildo Lopes de. Simbolismo e crítica: a experiência musical e suas interpretações. 2015. 134f. – Tese (Doutorado) Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Educação Brasileira, Fortaleza (CE), 2015.
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The thesis consists of the construction and analysis of a debate about the notion of musical experience. Are regimented theses and arguments in order to present and discuss the development of two possible interpretations, about the experience with music. The first called symbolic-transcendental. In light of the philosophy of Ernst Cassirer and Susanne Langer, which employs such an idealistic reading of the musical experience while understanding the music as a logical expression of the universal forms of human feelings. In the second interpretation, built in the material scope of a critical theory of society, especially in the version embodied in the philosophy of Theodor Adorno, the listening experience is fundamentally understood as a social phenomenon. The Adornian Critical Theory seeks to show that music is, among other things, a possible way of presenting the social determinations. After presenting the basic aspects of the two interpretations, their similarities and differences will be confronted in order to be a debate about the musical experience.
A tese consiste na construção e análise de um debate acerca da noção de experiência musical. São arregimentados teses e argumentos no intuito de apresentar e discutir a elaboração de duas interpretações possíveis sobre a experiência com a música. A primeira delas chamamos de simbólico-transcendental. À luz das filosofias de Ernst Cassirer e Susanne Langer, tal interpretação desenvolve uma leitura idealista da experiência musical enquanto compreende a música como expressão lógica das formas universais dos sentimentos humanos. Na segunda interpretação, construída no escopo materialista de uma Teoria Crítica da sociedade, especialmente na versão encarnada na filosofia de Theodor Adorno, a experiência musical é entendida fundamentalmente enquanto fenômeno social. A crítica adorniana procura mostrar que a música é, dentre outras coisas, um modo possível de apresentação das determinações sociais. Após a apresentação dos aspectos básicos das duas interpretações, suas semelhanças e divergências serão confrontadas, de modo a constituir um debate sobre a experiência musical.

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Mallma, Cortez Arturo Luis. "“El simbolismo del Tinkuy en la cerámica de la cultura Xauxa”." Master's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2018. https://hdl.handle.net/20.500.12672/8219.

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Abstract:

Tiene por finalidad dos objetivos generales: contribuir con el conocimiento del proceso histórico de los Xauxas a través de la descripción del tinkuy y del análisis de los gráficos, diseños y dibujos que se encuentran principalmente en la cerámica; y en segundo lugar, proponer una teoría general del desarrollo cultural de los Xauxas del Periodo Intermedio Temprano hasta inicios del Horizonte Medio. En contraposición a lo que propone el arqueólogo norteamericano David Browman (1970) que, en el antiguo valle de Jauja existieron guerras cruentas; se puede observar que las evidencias materiales (cerámica) halladas en San Juan Pata, principal centro ceremonial de los Xauxas, tienen sólo una connotación ritual, no existen restos de instrumentos bélicos, tampoco restos humanos que demuestren la existencia de guerras, violencias y conflictos. Si bien existen figurinas antropomorfas con representaciones de personajes, quienes sujetan entre sus brazos “cráneos trofeos” no son indicadores que afirmen y comprueben la existencia de ese estado de violencia.
Tesis

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Arellano, Galgani Patricia Ivette. "Poética de la trascendencia y operatividad barroca — análisis estético de la doble dimensión de Cristo." Tesis, Universidad de Chile, 2011. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101547.

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Abstract:

El ánimo de esta investigación es de largo aliento, de carácter preliminar, con conclusiones abiertas o inacabadas. Intenta notificar cierto contexto en que vivimos, remitiendo el asunto a la esfera representacional. Este problema trabajará sobre la doble naturaleza de la persona de Cristo referida en sus representaciones. Debido al carácter universal de Cristo, es que lo natural y lo sobrenatural coinciden y permean, así su presencia adquiere un marcado acento ingrávido respecto a la particularidad de lo cotidiano. Desmenucemos esta suerte de fórmula. En primer término, tanto la universalidad y la ingravidez derivan del relato que se conforma en torno a Cristo, un relato que no está exento de polémicas y consecuencias, como veremos más adelante. En segundo término, este relato introduce, en su propia narración, un grado ficcional importante.Advertimos esto al saber que el cristianismo es la historia de la encarnación de Dios y del suplicio de su cuerpo humanizado, de Cristo, y es en Él que se da un modo particular de ser: la mezcla y tensión entre lo natural y lo sobrenatural. La dilucidación de este problema se efectuará en dos ámbitos: el primero referido a la dualidad de Cristo con énfasis en la ingravidez de su corporalidad, trabajada en dos sentidos: el primero tiene que ver con la búsqueda de la trascendencia de la materia desde lo sublime, son escenas que apelan a cierta receptividad de la obra por parte del espectador, y tiene que ver con la generación de cierto ánimo más que con condiciones particulares de la obra; la segunda guarda relación con la obtención de la trascendencia por medio del suplicio de la carne, es un espectáculo que rebosa la particularidad del cuerpo de Cristo. Este primer ámbito lo llamamos Poética de la trascendencia, con sus dos ramificaciones: la escena sublime y la escena grotesca. Se trabajará con ideas de Kant, Lyotard, Kristeva y Hegel, analizando tanto pinturas como películas. El segundo ámbito refiere al trabajo representacional de la doble dimensión de Cristo desde el desmonte de la representabilidad de la figura de Cristo, analizado desde dos frentes: el primero tiene que ver con el desarme efectuado por el arte crítico modernista hacia la estructura de todo metarelato, mientras que el segundo guarda relación con lo que queda por fuera de este desarme del metarelato cristiano. Este segundo ámbito lo denominamos Operatividad barroca, con sus dos aristas: la escena irónica y la escena obscena. Se trabajará con conceptos desarrollados por Barthes, Deleuze y Derrida, analizando pinturas, obra de teatro y películas. Es necesario, antes que todo, analizar los factores históricos-religiosos y la problemática estética particular, especialmente la referida a la diferencia entre la representación clásica y la cristiana. Los dos capítulos siguientes se encargarán de esto.

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Matos, Sonia Missagia. "Artefatos de Genero na arte de barro." [s.n.], 1998. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280701.

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Abstract:

Orientador: Maria Suely Kofes
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
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Resumo: Este é um estudo sobre gênero na produção artística de peças de cerâmica, em algumas comunidades de artesãos do Vale do Jequitinhonha, situado no Noroeste do Estado de Minas Gerais, Brasil. O Vale do Jequitinhonha é conhecido por manter uma forte tradição na Arte do Barro. Na região, tradicionalmente, apenas as mulheres chamadas "paneleiras" praticavam esse oficio que era transmitido de mãe para filha. Essa produção costumava ser vendida, ou trocada, nas feiras e mercados regionais. Nos anos 70 a Codevale, uma agência de desenvolvimento rural que atuava sob orientação do Governo brasileiro, contratou algumas dessas "paneleiras" para ensinar a arte da cerâmica e passou a comprar toda a produção dos artistas e a colocá-la no mercado mais amplo dos grandes centros urbanos. O desenvolvimento alterou o contexto no qual a arte do bano era produzida e vendida. O impacto se fez sentir, além de nos artefatos produzidos que passaram a incorporar elementos até então estranhos à cultura local, também nas relações sociais. Assim que a arte do barro se tornou uma fonte alternativa de renda, vários homens decidiram entrar para o ofício. Mas a tradição permanece e a arte do barro ainda é um ofício considerado feminino. A entrada de homens na arte do barro tem provocado reelaborações de no sistema simbólico de gênero. Através das histórias de vida dos ceramistas se pode detectar que no universo no qual eles vivem e interagem, a dicotomia masculino-feminino é uma metáfora de poder, de base sexual, para determinar lugares e capacidade de ação para homens e mulheres. Mas, mesmo em lugares assim vemos que essas metáforas não podem ser sobrepostas a homens e mulheres concretos. A vida cotidiana mostra que as pessoas se movimentam entre categorizações masculinizantes e feminilizantes. Aqueles que estão fazendo tal movimento são vistos como se suas ações não contivessem estereótipos de gênero, mas é justamente nesse ponto, onde o modelo de referência é mudado que se pode detectar gênero, não como corporificações fixas, mas como algo em permanente construção. Foi buscando sujeitos concretos, e também ações, artefatos, categorizações, ou seja, mantendo gênero com a referência sexual, mas desnaturalizando sexo que esta pesquisa procurou entender o modo através do qual o simbolismo de gênero estrutura conceitos e relações naquelas comunidades. Através do discurso dos ceramistas se pode observar que gênero funciona em ressonância com várias outras expressões que organizam as experiências diárias daquelas comunidades para produzir a sensibilidade na qual a arte do barro é formada. Como símbolos os artefatos de barro adquirem seus referentes na dinâmica das experiências cotidianas daquelas comunidades e nas experiências de seus criadores. Naqueles artefatos se pode ver que os corpos gendered são performativos, no sentido de que a identidade aparente deles são 'fabricações' manufaturadas e sustentadas por símbolos que estão na superfície desses corpos, e por outros meios dicursivos. Apesar de transmitida por mulheres e ação feminina, a arte do barro tem incorporado valores de masculinidade, sendo que os homens ao se aproximarem de um ofício tradicionalmente feminino passaram a retirar dele recursos simbólicos de representação de masculinidade
Abstract: This is a gender study on the artistic production of ceramic in some of the communities that produced clay art in the Valley of Jequitinhonha's River, in the Northeastern of Minas Gerais, Brazil. This region is well known for preserving a tradition in ceramic art. Traditionally only women, who were called 'potters', produced this kind of craft, which pratice used to be taught from mothers to daugthers. All the production used to be sold or exchanged in local markets or fairs. Date to the 1970s that the rural development agency, called Codevale, under the auspices of the Brazilian government, asked some of these "potters" to teach ceramic art in many of those communities. Codevale started purchasing all the artifacts produced by the artists and placing them in larger markets in urban areas. The development altered the context in which clay art was produced and sold. This impact was felt not only in clay artifacts that incorporated elements that were strange to the local culture, but also in the social relations. As clay art was turned in an alternative source of income men decided to produce ceramic artifacts. But the tradition has remained and it is still considered a feminine task. The entering of men in clay art has caused many reelaborations on gender. By the stories of ceramists' life one can detect that, in the universe in which they live and interact the dichotomy maleness and femaleness is a strong metaphor to determine places and competence of social actions for men and women. But even in places like those one can see that these metaphors can not be overlaid to real men and women. Daily life shows people shifting from a maleness to femaleness reference and vice versa. By the discourses of the ceramists one can also observe that gender functions in resonance with many others expressions that organize the daily experiences of that communities to produce the sensibility in which clay art is formed. And as symbols, the clay artifacts acquire their referents in the dynamic of the daily experiences of those communities and in the experiences of each one of their creators. One can see that in those artifacts the gendered bodies are performatives, in the sense that the identity they claim to be, are 'fabrications' manufactured and sustained through signs that are in their surface and in other discursive means. It was searching for real subjects, and also searching for actions, artifacts, categorizations, in other words, keeping gender in a sexual reference but, denaturalizing sex, that this study looks for the way by which the symbolism of gender frames conceptions and relations in those comunities. Although transmitted by women and by feminine action clay art has been incorporating incorporate maleness values. And at the same time the approaching of men to made possible to them to take off from a specific feminine craft meanings of maleness representation
Doutorado
Doutor em Antropologia Social

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Viera, Mendoza Sara Milagros. "Memoria, dialogía y simbolismo en la tradición oral de Pisco." Master's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2014. https://hdl.handle.net/20.500.12672/12027.

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Abstract:

Publicación a texto completo no autorizada por el autor
Describe la tradición oral afropisqueña, sus temas, personajes más frecuentes, prácticas ancestrales, reglas sociales y los sistemas cognitivos con que los afrodescendientes de esta zona del país aprehenden e interpretan la realidad. Si bien la literatura escrita, 5 a veces con mirada estereotipada y discriminadora, hizo posible conocer la identidad del sujeto afroperuano y las relaciones conflictivas entre los que son afroperuanos y los que no lo son; la literatura oral permite escuchar la voz, la misma que se posiciona en el discurso y habla desde un lugar de enunciación propio para contar las historias de vida con sus fracturas, olvidos y silencios.
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18

Florián, Mariño Carmen Fabiola. "El arte de Jose María Eguren: poesía y pintura – límites de lo inimaginado." Master's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2018. https://hdl.handle.net/20.500.12672/10434.

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Abstract:

Abarca las principales figuras y símbolos de la poesía de José María Eguren, que también se ven reflejadas en sus pinturas, acuarelas y óleos conservados en la actualidad en la Biblioteca Nacional del Perú, con el nombre de Colección Eguren. Con este estudio se descubrirán incógnitas y se hallarán algunas respuestas que vinculen su poesía con su pintura; más allá de esto, el inimaginable poder de la palabra y la creación; y por otro lado el color y la expresión artística figurativa y pictórica del autor que estudiaremos. Realiza una observación generalizada de la persona que fue Euguren, con alcances biográficos y detalles que hemos obtenido en esta investigación, como producto de la revisión hecha de los objetos donados por su sobrina nieta, Doña Teresa Berninzon Eguren de De Abreu, además de lo publicado por diferentes estudiosos de su poesía. Se aborda la poesía de Eguren en sí, clarificando las influencias que tuvo y las que alcancemos a conocer; de igual manera se entra someramente en su temática, y el respaldo de un breve análisis de sus figuras para amparar nuestra hipótesis de la conexión exclusiva entre su poesía y su pintura. Se revisan las notas que relacionen y teoricen la presentación de nuestro problema, ingresando al conocimiento de la écfrasis en su poesía, para relacionarla con su pintura; la cual veremos en diez de sus poemas: Las Torres, (Simbólicas, 1911); Syhna La Blanca (Simbólicas, 1911); La Niña de la Lámpara Azul. (La canción de las figuras, 1916); Nocturno. (La canción de las figuras, 1916); La muerte del árbol (La canción de las figuras, 1916); Elegía al mar (La canción de las figuras, 1916); Las Niñas de Luz (La canción de las figuras, 1916); Fantasía (La canción de las figuras, 1916); Los Sueños (La canción de las figuras, 1916) y por último El Andarín de la Noche (La canción de las figuras, 1916). Se constrasta todo ello en sus palabras con los colores y lo mostrado en las pinturas.
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Cárdenas, Rodriguez Adolfo. "El panoptikón 2.0 : redes sociales en la representación del espacio interior de la pintura contemporánea." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2014. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/5754.

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Abstract:

Esta tesis es una investigación visual que busca reconocer el impacto de las redes sociales en la representación del espacio interior del sujeto en la pintura contemporánea, para elaborar una reflexión acerca de las diferencias que se manifiestan sobre el plano figurativo en la actualidad. En este contexto la representación del espacio interior como género pictórico se origina en el s. XVII, cuya historia narra a la fecha la mirada entrañada de un observador incansable sobre la intimidad del individuo. Situación que se identifica hoy en día con el hábito de un observador interesado en consumir intimidad ajena, a través del uso de las redes sociales que han facilitado y naturalizado su exhibición cada vez hoy más en el mundo (Facebook). Si esta realidad viene afectando la naturaleza de las relaciones humanas expresado en sus diferentes manifestaciones artísticas, ¿qué cambios viene creando en la representación espacial pictórica de hoy? ¿O será que dicha exhibición -motivada por las redes sociales- esté generando plásticamente ya alguna nueva representación del espacio interior? Este fenómeno actual nos lleva a suponer un cambio o desplazamiento de las formas de representación espacial contemporáneas frente a las tradicionales, descubriéndose mediante un análisis visual critico/comparativo de dos modelos de representación espacial, el tradicional s. XVII-XIX frente a la hipótesis de un modelo contemporáneo -en movimiento- s. XX-XXI visto desde un contexto histórico-temático. Este cuestionamiento tiene como propósito reflexionar sobre el problema o la situación de la representación del "espacio" en medio de esta coyuntura mediática que avasalla nuestra vida cotidiana, acaso importante debido a su ausencia en la reflexión contemporánea. Nos aproximamos así desde un interés generacional, más que encontrar soluciones nos preguntarnos para armar una perspectiva de hacer ver sus dinámicas en el contexto actual.
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Castillo, Silva Daniela. "Estudio iconográfico de la serie de pintura quiteña colonial de Alabado — relación imagen y texto como instrumento mnemotécnico." Tesis, Universidad de Chile, 2011. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101553.

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Abstract:

Esta investigación se centra en demostrar que el programa iconográfico de la serie de pintura quiteña colonial conocida como El Alabado, custodiada en el Monasterio de la Santísima Trinidad ubicado en Santiago, se encuentra en estrecha relación con la oración que se despliega a lo largo de los once lienzos que la componen construyendo un pensado, original y necesario sistema mnemotécnico. Primeramente, se sitúa el contexto histórico al que pertenecen los cuadros a partir de la historiografía latinoamericana y local que se ha ocupado de la pintura colonial –sobre todo quiteña- y el desarrollo de ésta a lo largo del tiempo. A continuación, se aborda la historia y desarrollo del Arte de la Memoria y su introducción en el Nuevo Mundo como herramienta doctrinal, además de tratar la imagen como sistema mixto de comunicación. Finalmente se realiza el análisis iconográfico de la serie estudiada, además de adentrarnos en la procedencia de la oración y la importancia que mantuvo durante la colonia la defensa de la Eucaristía y la virginidad de María, pasando por la relación existente con la serie realizada por Miguel de Santiago y su posible autoría. Concluyendo que el Alabado es un premeditado, innovador y elaborado sistema iconográfico utilizado como un aparato mnemotécnico específico que conjuga la imagen y la palabra para instar a la meditación piadosa

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Rivera, Delgado Perla. "El barroco en Chile. De la dispersión a la unidad: La configuración del dispositivo barroco mediante el estudio de la serie de cuadros de la Vida de San Francisco (1647-1730)." Tesis, Universidad de Chile, 2008. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/109783.

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Abstract:

El Barroco como estilo de arte ha generado una prolífera producción historiográfica bajo la mirada de la Historia del Arte y la Crítica Literaria, sin embargo, con la inclusión de nuevos marcos metodológicos, algunos autores como Sarduy, D’ors, Benjamin, Maravall, entre otros, han atisbado en esos trabajos, conceptos, valores, formas y prácticas comunes cuyas formas artísticas no serían sino una proyección alegórica de lo que los sujetos vivieron a fines de la Edad Media y el Renacimiento. En una Europa trastocada por disputas filosóficas, hallazgo de nuevos territorios, y reformas religiosas, el descubrimiento de América constituyó la inserción de un nuevo actor en la historia que, siendo el blanco de la sistematización que supuso el reordenamiento europeo, a saber, el dispositivo barroco, se habría posicionado no sólo como un sujeto receptor de las prácticas de poder español, sino como un sujeto activo que en una gradual constitución de su identidad, aprehendió los elementos de este barroco-híbrido-europeo para conferirle su propio sello, un barroco americano mestizo. El deslizamiento de límites entre la imposición de la cultura europea y la creación de una nueva identidad americana, sólo habría sido posible por la existencia de un imaginario mestizo-híbrido eclosionado a partir de estas nuevas realidades y puede ser detectado en la pintura, para nuestro caso, La Serie de Cuadros sobre la vida de San Francisco, pues su materialidad y composición revelaría la presencia de dicho imaginario en tanto que emisor y receptor encontrarían ahí su espacio de pugna y encuentro.

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Villegas, Candia Carol. "Representación icónica de la Virgen María en la obra de Francisco Zurbarán y Bartolomé Esteban Murillo." Tesis, Universidad de Chile, 2010. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/101303.

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Rodríguez, Ariza Jorge. "El simbolismo de la virgen negra. Aproximación a una construcción cultural." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2019. http://hdl.handle.net/10803/669936.

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Abstract:

La tesis investiga el fenómeno de las vírgenes negras tratándolo desde el punto de vista de la simbología y la historia del arte pero en concordancia con otras disciplinas que permiten una lectura más amplia de la cuestión, como la himnografía, la restauración artística, la antropología, etc. La primera parte de la tesis efectúa un recorrido a través de todas las hipótesis que han intentado explicar el fenómeno: Las hipótesis empiristas, que solo muestran interés en los aspectos materiales de las tallas; las hipótesis filopaganas, que ven en las vírgenes negras una pervivencia de antiguos cultos precristianos; hipótesis bíblicas, donde se acude a la figura de la amada del Cantar de los cantares para justificar el color negro de las imágenes de la Virgen; hipótesis universalistas, que buscan conciliar las dos anteriores bajo la idea de la existencia de una unidad trascendente de todas religiones, etc. Más allá de esta polarizada discusión - en la cual solo se admite que la virgen negra sea un modelo iconográfico original o bien un mero accidente físico-químico - parece que la interpretación del color negro de las carnaciones de estas tallas debe buscarse en su aparición progresiva y la reflexión religiosa-espiritual que de ella se efectúa. Es decir, el proceso de ennegrecimiento posee un valor simbólico y por ello se dice que la virgen negra, tal y como es conocido en nuestro tiempo, es una “construcción cultural”. Por esta razón se debería poner en duda la restauración de estas tallas que, en muchos casos, ha consistido en devolver a la pieza el color blanco original, borrando así las huellas de su devoción y sus diferentes significados. Esto es necesario en tanto que, aún hoy, las vírgenes negras no sólo continúan vehiculando la devoción de muchos cristianos, sino que además han devenido en nuestra época postmoderna un motivo de reflexión artística, cultural y espiritual para personas de múltiples perfiles, tal y como se muestra en el último capítulo de la primera parte. Como un case study de toda esta interpretación, en la segunda parte de la tesis se propone la catalogación de los ejemplos de vírgenes negras conservados en Catalunya, que suman en total una veintena. En el catálogo se estudian tanto los aspectos materiales, históricos y artísticos como los mitopoyéticos. Éstos últimos son, justamente, los que confieren verdadero valor a la pieza y la convierten en un ejemplo de virgen negra, pues ésta no depende tanto de su aspecto material como de la consideración simbólica de ese color negro en su culto e himnografía. A fin de hacer comprensibles todos los elementos simbólicos de esa mitopoiesis que configuran la metahistoria de las vírgenes negras de catálogo, se ha confeccionado un diccionario de símbolos marianos, el cual constituye la tercera y última parte de la tesis. En él se conjugan textos de la patrística, de la teología medieval y moderna con obras de simbólogos contemporáneos, tanto de la rama de la historia de las religiones, el psicoanálisis y el hermetismo.
This thesis investigates the phenomenon of black virgins from the point of view of symbology and art history but in accordance with other disciplines that allow a wider reading of the issue, such as hymnnography, artistic restoration, anthropology, etc. In the first part of this thesis we expose all the hypotheses that try to explain the phenomenon: The empirical ones, which only care about the material aspects of the sculptures; the philo-pagan hypotheses, which see in the black virgins a survival of ancient pre-Christian cults; Biblical hypotheses, where the figure of the beloved of the Song of Songs is used to justify the black colour of the images of the Virgin; Universalist hypotheses, which seek to reconcile the previous two under the idea of the existence of a transcendent unity of all religions, etc. Beyond this polarized discussion - in which it is only admitted that the black virgin is an original iconographic model or a simple physical-chemical accident - it seems that the interpretation of the black colour of the carnations of these wooden statues should be sought in their progressive appearance and the religious-spiritual reflection that is made of it. That is, the blackening process has a symbolic value and therefore it is said that the black virgin, as it is known in our time, is a “cultural construct”. For this reason, the restoration of these sculptures, which, in many cases, has consisted in returning the original white colour to the piece, thus erasing the traces of their devotion and their different meanings. This is necessary while, even today, the black virgins not only continue to convey the devotion of many christians, but also have become in our postmodern era a motive of artistic, cultural and spiritual reflection for people of multiple profiles, such as It is shown in the last chapter of the first part. As a case study of all this interpretation, the second part of the thesis proposes the cataloguing of the examples of black virgins preserved in Catalonia, which total add twenty pieces. The material, historical and artistic aspects as well as the mitopoietic aspects are studied in the catalogue. The last ones are, precisely, which give the very value to the piece and make it a model of black Virgin’s images, since they do not depend so much on its material aspect but on the symbolic consideration of that black colour in its cult and hymnology. In order to make all the symbolic elements of that mitopoiesis that make up the meta-history of black virgins of the catalogue understandable, a dictionary of Marian symbols has been prepared, which constitutes the third and last part of the thesis. It combines texts of patristics, medieval and modern theology with works on symbology by contemporary scholars both from the branch of the history of religions, psychoanalysis and hermeticism.

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Hitner, Sandra Daige Antunes Correa. "Jheronimus Bosch e "As tentações de Santo Antão" : Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand-MASP." [s.n.], 1998. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284155.

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Abstract:

Orientador: Jose Roberto Teixeira Leite
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-07-24T06:38:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Hitner_SandraDaigeAntunesCorrea_M.pdf: 28836640 bytes, checksum: 2c73157ff280f193651eafe239ded4b7 (MD5) Previous issue date: 1998
Resumo: No informado
Abstract: Not informed.
Mestrado
Mestre em Artes

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Mitrovic, Pease Alejandro Mijail. "Entre el boom y la crisis: la construcción del valor en el mercado del arte contemporáneo en Lima (1997-2018)." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2018. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/13551.

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Abstract:

El presente estudio analiza las dinámicas económicas y sociales del mercado del arte contemporáneo en Lima desde una perspectiva etnográfica. A través del análisis de las relaciones entre los principales actores del campo artístico y los entramados institucionales que las soportan, se presenta el proceso de construcción del valor del arte contemporáneo en Lima entre fines de la década de los noventa y el presente. Combinando enfoques de la antropología y sociología económica del arte, además de las perspectivas de la economía política y su crítica marxista, la teoría del arte contemporáneo y la tradición antropológica, se presentan las trayectorias de valor de Miguel Aguirre y Iosu Aramburu, artistas limeños actualmente activos. Posteriormente, se presentan los principales espacios de objetivación y realización del arte en la escena artística actual. Al discutir los procesos que han configurado socialmente las formas de realizar el valor del arte a través del mercado, el estudio ofrece una mirada histórica sobre la estructura y dinámica del mercado del arte local en las últimas décadas
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Rodríguez, Cerrón Marítza. "Arte rupestre en el departamento de San Martín." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2006. https://hdl.handle.net/20.500.12672/2894.

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Abstract:

La presente investigación pretende realizar un estudio de tipo histórico – interpretativo sobre las manifestaciones artísticas del arte rupestre en el departamento de San Martín las pictografías de Aucapata (Moyobamba), los petroglifos de Inkaiko, Sinami (El Dorado), Bello Horizonte (San Martín) y Cunchihuillo (Mariscal Cáceres). Sitios seleccionados tras un viaje de reconocimiento basado en datos alcanzados por guías de la región. De estas dos modalidades de arte rupestre se han seleccionado y clasificado los motivos representados para su posterior interpretación simbólica y formal; enmarcados en el espacio socio-cultural de los grupos prehistóricos. Por medio de la base teórica de co-tradición de los estudios de Wendell C. Bennet se plantea aquellos puntos faltantes en el contexto sociocultural del área estudiada. Puesto que este concepto define una unidad tratada como un todo que se refiere a la unión e interrelaciones de las tradiciones culturales en un tiempo y espacio, en la cual se van adoptando características comunes en la subsistencia, alimentos, vestimenta, artes, etc; a partir de las cuales es posible plantear los cambios que sufren las diversas tradiciones, aunque existen ligeras variaciones ocasionadas por el medio ambiente y en el espacio geográfico.
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Crousse, Rastelli Verónica. "Reencontrando la especialidad en el arte público del Perú." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2011. http://hdl.handle.net/10803/1551.

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Abstract:

La investigación que se desarrolla en esta tesis doctoral tiene como centro la problemática del arte público y del espacio público en el Perú contemporáneo. La motivación para investigar estos temas se explica por las continuas polémicas acerca de la gestión del espacio público local donde se evidencia la desconexión entre los proyectos propuestos o ejecutados con los avances del arte público internacional, así como la falta de atención a la herencia cultural local, cuyas potencialidades como referente, no solo formal, no se están aprovechando. Además, las actuaciones locales muestran problemas de carácter conceptual y metodológico, donde se hace evidente la necesidad de plantear una renovación. Ésta se podría llevar a cabo -es nuestra hipótesis- tanto integrando las experiencias urbanísticas, sociales y las políticas de gestión del arte público de otras ciudades, como recuperando los principios de uso y modelación del territorio en la época precolombina. Esta investigación tiene como objetivo concreto, en primer lugar, sentar las bases conceptuales y metodológicas que permitan incluir el arte público contemporáneo en las ciudades peruanas respetando sus tradiciones e identidad cultural y, en segundo lugar, elaborar propuestas de buenas prácticas para la gestión y producción del arte público, especialmente dirigidas a los funcionarios públicos y artistas locales. Para abarcar un tema tan amplio, ha sido necesario plantear esta investigación explorando diferentes campos disciplinares y enlazando referencias culturales heterogéneas, pero buscando siempre aquellos valores y principios que, siendo contemporáneos, sean también cercanos a nuestra propia tradición y especificidad cultural. En este sentido se ha comenzado estudiando el Land art, que desde fines de los años '60 ha experimentado la relación obra-contexto, abriendo un nuevo espacio artístico que integra el paisaje y la arquitectura y que ubica su centro significativo ya no en el objeto y la representación sino en la función y en la dicotomía natural/cultural. Muchas de estas ideas han revertido en el entorno urbano a través de obras espacializadas, parques escultóricos y jardines, confrontando a los artistas con las restricciones y necesidades del espacio público urbano y extraurbano. Así, el concepto de arte público se ha ido desarrollando y en este proceso las experiencias y las prácticas de los programas de arte de las ciudades han sido fundamentales. Como ejemplo de ello, hemos analizado los criterios que han guiado la permanente inclusión del arte público en Barcelona desde la década de los ochenta. Dentro del contexto peruano, se ha hecho un análisis de la configuración del paisaje en el Perú, empezando desde la modelación del territorio precolombino, su espacialidad y su complementariedad entre obra y entorno, identificando puntos de encuentro con la espacialidad del arte contemporáneo analizado anteriormente. A continuación hemos analizado las tendencias contemporáneas de arte público y de configuración de espacios públicos peruanos, tanto en la producción especializada -concentrada principalmente en Lima- como la mayoritaria producción informal o no profesional, así como los contados casos del arte público peruano en que lo precolombino ha sido tomado como referente. Con esto hemos constatado que si bien los valores espaciales precolombinos se han casi perdido y ya no forman parte del diseño de los espacios públicos oficiales, sin embargo sobreviven de manera inconsciente en ciertas manifestaciones espontáneas, utilitarias y productivas, de los entornos rurales. Finalmente, el análisis, relación y confrontación de todos estos temas ha sido fundamental para elaborar los lineamientos y buenas prácticas para el arte público peruano, planteándolos como una convergencia entre los principios y criterios del arte contemporáneo y los valores de la espacialidad y del paisaje en el Perú.
The research undertaken in this doctoral thesis examines the existing challenges in public art and the configuration of public spaces in present day Peru. The motivation to look into this issue arose from the detachment between local public art production and current international tendencies as well as the disregard for local cultural legacy. This condition not only fails to make use of the principles of the cultural legacy but also is unable to use them in public space situations where they are sought. After studying artistic expressions and the configuration of public spaces in this country, we find conceptual as well as methodological predicaments. The patent needs to integrate the notions and functions of contemporary public art become evident and also the conceptual reinterpretation of pre-Columbian spatiality as regards modelling of the landscape. A central aim of this study is to contribute with specific guidelines concerning coherent practises in public art, which will enable local policy to incorporate contemporary public art in the design of Peruvian public spaces. In order to cover such an extensive theme, the research has been projected employing an interdisciplinary approach covering diverse cultural references and probing such principles that while retaining their contemporariness are close to our own cultural tradition. Attention has been placed on contemporary art in particular the Land Art of the 1960s and its relation between work of art and context. This opens up to a spatiality, which intermixes landscape and architecture and which shifts its meaning from the object and what it represents to the natural and cultural dichotomy. Many of these concerns are to be found in the urban landscape such as in spatial works, sculpture parks, contemporary gardens that face artists with the conditions of the urban public space. The concept of public art has been developed and in this process, the experiences and practises of city arts programmes, has been fundamental. In this respect we have analysed the criteria, which has conducted the permanent inclusion of public art in the city of Barcelona since the 1980s. Within the local context, we have analysed the configuration of the Peruvian landscape, from the moulding of the pre-Columbian terrain, its links between work of art and landscape and its links with contemporary arts. We have come to the conclusion that these principles have been lost in the make up of contemporary public spaces but remain, unconsciously in rural utilitarian circumstances. We have analysed contemporary tendencies in the configuration of public spaces in the mainstream as well as in the unofficial manifestation and also the pre-Columbian influence in Peruvian public art. The analysis, relation and contrasting of all these themes have been fundamental in the generation of guidelines for Peruvian public art, presenting as a central idea, the convergence of contemporary values in spatiality and the Peruvian landscape.

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Crousse, Rastelli Verónica. "Reencontrando la espacialidad en el arte público del Perú." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2011. http://hdl.handle.net/10803/1551.

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Abstract:

La investigación que se desarrolla en esta tesis doctoral tiene como centro la problemática del arte público y del espacio público en el Perú contemporáneo.

La motivación para investigar estos temas se explica por las continuas polémicas acerca de la gestión del espacio público local donde se evidencia la desconexión entre los proyectos propuestos o ejecutados con los avances del arte público internacional, así como la falta de atención a la herencia cultural local, cuyas potencialidades como referente, no solo formal, no se están aprovechando.

Además, las actuaciones locales muestran problemas de carácter conceptual y metodológico, donde se hace evidente la necesidad de plantear una renovación. Ésta se podría llevar a cabo -es nuestra hipótesis- tanto integrando las experiencias urbanísticas, sociales y las políticas de gestión del arte público de otras ciudades, como recuperando los principios de uso y modelación del territorio en la época precolombina.

Esta investigación tiene como objetivo concreto, en primer lugar, sentar las bases conceptuales y metodológicas que permitan incluir el arte público contemporáneo en las ciudades peruanas respetando sus tradiciones e identidad cultural y, en segundo lugar, elaborar propuestas de buenas prácticas para la gestión y producción del arte público, especialmente dirigidas a los funcionarios públicos y artistas locales.

Para abarcar un tema tan amplio, ha sido necesario plantear esta investigación explorando diferentes campos disciplinares y enlazando referencias culturales heterogéneas, pero buscando siempre aquellos valores y principios que, siendo contemporáneos, sean también cercanos a nuestra propia tradición y especificidad cultural.

En este sentido se ha comenzado estudiando el Land art, que desde fines de los años '60 ha experimentado la relación obra-contexto, abriendo un nuevo espacio artístico que integra el paisaje y la arquitectura y que ubica su centro significativo ya no en el objeto y la representación sino en la función y en la dicotomía natural/cultural. Muchas de estas ideas han revertido en el entorno urbano a través de obras espacializadas, parques escultóricos y jardines, confrontando a los artistas con las restricciones y necesidades del espacio público urbano y extraurbano.

Así, el concepto de arte público se ha ido desarrollando y en este proceso las experiencias y las prácticas de los programas de arte de las ciudades han sido fundamentales. Como ejemplo de ello, hemos analizado los criterios que han guiado la permanente inclusión del arte público en Barcelona desde la década de los ochenta.

Dentro del contexto peruano, se ha hecho un análisis de la configuración del paisaje en el Perú, empezando desde la modelación del territorio precolombino, su espacialidad y su complementariedad entre obra y entorno, identificando puntos de encuentro con la espacialidad del arte contemporáneo analizado anteriormente.

A continuación hemos analizado las tendencias contemporáneas de arte público y de configuración de espacios públicos peruanos, tanto en la producción especializada -concentrada principalmente en Lima- como la mayoritaria producción informal o no profesional, así como los contados casos del arte público peruano en que lo precolombino ha sido tomado como referente.

Con esto hemos constatado que si bien los valores espaciales precolombinos se han casi perdido y ya no forman parte del diseño de los espacios públicos oficiales, sin embargo sobreviven de manera inconsciente en ciertas manifestaciones espontáneas, utilitarias y productivas, de los entornos rurales.

Finalmente, el análisis, relación y confrontación de todos estos temas ha sido fundamental para elaborar los lineamientos y buenas prácticas para el arte público peruano, planteándolos como una convergencia entre los principios y criterios del arte contemporáneo y los valores de la espacialidad y del paisaje en el Perú.
The research undertaken in this doctoral thesis examines the existing challenges in public art and the configuration of public spaces in present day Peru.

The motivation to look into this issue arose from the detachment between local public art production and current international tendencies as well as the disregard for local cultural legacy. This condition not only fails to make use of the principles of the cultural legacy but also is unable to use them in public space situations where they are sought.

After studying artistic expressions and the configuration of public spaces in this country, we find conceptual as well as methodological predicaments. The patent needs to integrate the notions and functions of contemporary public art become evident and also the conceptual reinterpretation of pre-Columbian spatiality as regards modelling of the landscape.

A central aim of this study is to contribute with specific guidelines concerning coherent practises in public art, which will enable local policy to incorporate contemporary public art in the design of Peruvian public spaces.

In order to cover such an extensive theme, the research has been projected employing an interdisciplinary approach covering diverse cultural references and probing such principles that while retaining their contemporariness are close to our own cultural tradition. Attention has been placed on contemporary art in particular the Land Art of the 1960s and its relation between work of art and context. This opens up to a spatiality, which intermixes landscape and architecture and which shifts its meaning from the object and what it represents to the natural and cultural dichotomy. Many of these concerns are to be found in the urban landscape such as in spatial works, sculpture parks, contemporary gardens that face artists with the conditions of the urban public space.
The concept of public art has been developed and in this process, the experiences and practises of city arts programmes, has been fundamental. In this respect we have analysed the criteria, which has conducted the permanent inclusion of public art in the city of Barcelona since the 1980s.

Within the local context, we have analysed the configuration of the Peruvian landscape, from the moulding of the pre-Columbian terrain, its links between work of art and landscape and its links with contemporary arts. We have come to the conclusion that these principles have been lost in the make up of contemporary public spaces but remain, unconsciously in rural utilitarian circumstances.

We have analysed contemporary tendencies in the configuration of public spaces in the mainstream as well as in the unofficial manifestation and also the pre-Columbian influence in Peruvian public art.

The analysis, relation and contrasting of all these themes have been fundamental in the generation of guidelines for Peruvian public art, presenting as a central idea, the convergence of contemporary values in spatiality and the Peruvian landscape.

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Gomez, Gomez Jhon Elver. "Estado del arte de la etnomatemáticas en el Perú." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2019. https://hdl.handle.net/20.500.12672/11758.

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Abstract:

El estudio de la etnomatemática en el Perú merece atención a fin de disponer de sus alcances y logros en la práctica docente de la educación matemática. El objetivo de la monografía consiste en identificar los avances en la aplicación de la etnomatemática en Perú considerando el marco histórico y conceptual vigente sobre la materia. Con tal propósito, se realiza esta investigación con una metodología de enfoque cualitativo, fundamentada en la revisión documental, considerando los estudios realizados en el tratamiento del conocimiento etnomatemático en el siglo XXI. En el Perú continúan aplicándose metodologías de enseñanza tradicional que no favorece el desarrollo del pensamiento lógico matemático en todos los grupos culturales a nivel nacional. La etnomatemática surge como un programa de investigación internacional para orientar la acción pedagógica en un contexto de demanda creciente de las matemáticas y mayores dificultades para su enseñanza desde el modelo tradicional. Mediante una visión socioantropológica, la etnomatemática se preocupa de la construcción del conocimiento matemático que supera la cuantificación y cosmogonía histórica contemplando una visión geométrica del mundo desde la sociedad que la recrea. Por ello, esta nueva tendencia en las matemáticas se aplica sobre los grupos, sean éstos pertenecientes a una profesión, arte, nivel académico, labor, comunidad con códigos en común. Por lo tanto, su uso permite un mejor desarrollo de la educación matemática en ellos. La investigación realizada contribuye a ordenar los avances de esta pedagogía de la etnomatemática en el contexto peruano para hacer frente a la demanda de aprendizaje de matemáticas a nivel nacional.
Tesis

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Coutinho, Carlos Luciano Silva. "Arquitetura mítica." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2010. http://repositorio.unb.br/handle/10482/7019.

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Abstract:

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Arquitetura e Urbanismo, 2010.
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Pretende-se discutir, neste trabalho, em que medida a mitologia, enquanto estrutura mental, teria sido base para a elaboração de espaços sacralizados, e estes, por sua vez, portadores de significações psíquicas que contribuiriam para o fortalecimento de determinadas posturas filosóficas. Nesse sentido, tanto a literatura quanto a arquitetura serão analisadas como mantenedoras de princípios do entendimento humano acerca de si mesmo no cosmos (re)organizado por suas estruturas profundas. Será indispensável, nesse processo, uma linha comparatística de semiótica da cultura, para se observar convergências e divergências entre mitos distintos no decorrer da história humana, para, com isso, buscar compreender alguns comportamentos causados por tais crenças na vida presente de um fiel. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT
It is discussed, in this work, to what extent mythology, as mental structure, would have been the basis for the development of sacred spaces, and these would have psychic meanings which have contributed to the strengthening of certain philosophical attitudes. In this sense, both literature and architecture will be analyzed as maintainers of principles of human understanding about themselves in the cosmos, (re) organized by their deep structures. In this process, it will be indispensable a comparative line of cultural semiotics, to observe similarities and differences among various myths throughout human history, in order to try to understand some behaviors caused by such beliefs in the present life of a believer.

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Krajnik, Franz, and Luis Cáceres. "CONVERSATORIO FOT: La fotografía contemporánea en el Perú." Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2021. http://hdl.handle.net/10757/657678.

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GAETANO, ELIA SIDDHARTA. "PLINIO NOMELLINI 1866-1943. ICONOGRAFIE DEL LAVORO. DAL REALISMO SOCIALE AL SIMBOLISMO 1885-1908." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2021. http://hdl.handle.net/10280/97172.

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Abstract:

Il presente studio intende proporre una rilettura originale della pittura di Nomellini, fondata su un percorso critico incentrato sulle iconografie del lavoro. Tale analisi è limitata cronologicamente alla prima fase della sua attività: dagli esordi fiorentini, intorno al 1886, alle partecipazioni alla Biennale di Venezia nelle edizioni del 1907 e del 1909. Si intende così definire un ideale catalogo delle opere dedicate al tema del lavoro capace di ripercorrere e di precisare quell’evoluzione estetico-ideologica già messa in luce da Ragghianti, che aveva portato diversi artisti inizialmente ispirati a ideali sociali umanitaristi dapprima verso una «significazione idealista» di carattere dannunziano e poi all’adesione a un mitografismo nazionalista e «immaginifico». Uno sviluppo che nel caso di Nomellini parte da dipinti che ritraggono i contadini della Maremma secondo una prospettiva sociale umanitaria e con uno stile ancora in bilico tra il naturalismo e la rappresentazione di un nuovo senso della luce, e che trova un provvisorio punto d’arrivo nelle tele genovesi di dichiarata critica sociale, realizzate con la tecnica divisionista. Se la svolta simbolista di Nomellini comporta anche la scomparsa del tema del lavoro dalla sua pittura, l’iconografia del lavoro si ripresenta nuovamente nella produzione nomelliniana del primo decennio del Novecento, trasfigurata però da una nuova prospettiva ideologica tesa a una mitizzazione nazionalista del mondo del lavoro e dei lavoratori e affrontata con un divisionismo ormai maturo.
The present study intends to propose an original reinterpretation of Nomellini's painting, based on a critical path centered on the iconographies of work. This analysis is chronologically limited to the first phase of his activity: from the Florentine beginnings, around 1886, to the participations in the Venice Biennale in the 1907 and 1909 editions. Thus we intend to define an ideal catalog of works dedicated to the theme of work capable of retrace and clarify that aesthetic-ideological evolution already highlighted by Ragghianti, which had led several artists initially inspired by humanitarian social ideals, first towards an "idealist signification" of a D'Annunzian character and then adherence to a nationalist and "imaginative mythography ". A development that in Nomellini's case starts from paintings that portray the peasants of the Maremma according to a humanitarian social perspective and with a style still poised between naturalism and the representation of a new sense of light, and which finds a provisional point of arrival in the Genoese canvases of declared social criticism, made with the pointillist technique. If Nomellini's symbolist turning point also entails the disappearance of the theme of work from his painting, the iconography of work reappears again in Nomellini's production of the first decade of the twentieth century, transfigured, however, by a new ideological perspective aimed at a nationalist mythization of the world of work and workers and faced with a mature divisionism.

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Bogoni, Roberta. "Joan Miró 1922-1942. Interpretación del simbolismo místico de la obra mironiana surrealista." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/398392.

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Abstract:

La presente tesis expone los resultados de investigación sobre el contenido y simbolismo místicos de la obra mironiana a partir de la detección y la interpretación de los símbolos y códigos de símbolos de rasgo metafísico, religioso, espiritual y mítico del periodo comprendido entre 1922 y 1942. Este periodo cronológico, que toma como punto de partida las interpretaciones del primer cuadro con contenido místico, La masía, involucra las fases de constitución, desarrollo y consolidación de los símbolos y los códigos de símbolos seleccionados, cerrando un ciclo evolutivo cuyo patrones establecidos se instauran definitivamente en la obra mironiana en las décadas posteriores con reiteraciones simbólicas que no manifiestan ulteriores evoluciones desde el punto de vista iconográfico y semiótico. El origen de la tesis se encuentra en la relevancia de algunos resultados de investigación previos, propuestos en la tesis de licenciatura Los dibujos surrealistas de Joan Miró de los años veinte, y en la tesis de Máster La interpretación del simbolismo místico de la obra surrealista de Joan Miró derivados de la oportunidad de efectuar una prolongada investigación en el archivo de la Fundación Joan Miró de Barcelona. Los primeros enfoques en la contextualización y la relación entre las obras mironianas y sus símbolos, han puesto en relieve la naturaleza mística y espiritual de los contenidos y elementos analizados brindando la posibilidad de un análisis interpretativo de la obra de Miró en varios niveles y abriendo camino hacia la indagación del tema místico, en el que hasta ahora se había parcialmente ahondado gracias a las intuiciones de los especialistas a los que se hace referencia en el trabajo. La primera parte de la tesis presenta la reinterpretación del lienzo Paisaje catalán, en el cual, tras la aplicación de un método nombrado de “dislocación de elementos”, se ha detectado un sistema de signos que revela el rasgo espiritual del cuadro y fundamenta nuevas relaciones con los lienzos a este directamente vinculados: La masía y Tierra labrada. El simbolismo místico mironiano expresa conceptos abstractos elaborados plásticamente por Miró, como la condición de libertad del ser, los vínculos entre la realidad tangible e intangible, los movimientos de transición entre estas dos realidades y elevación espiritual experimentados por los seres de la obra y perseguidos por el mismo artista. La interpretación de determinados símbolos, códigos y contenidos místicos y el estudio de sus evoluciones semánticas y formales, determinadas por los procesos de síntesis, asociación, fusión, integración y mutación aplicados por el pintor, están en todo momento respaldados por los hallazgos derivados de la investigación de archivo, los datos de las fuentes secundarias, las declaraciones del artista y sus fuentes de inspiración místico-religiosas, tanto intelectuales como iconográficas y literarias. Vista su relevancia y la cantidad de resultados de investigación inéditos, a las fuentes de inspiración del artista de ámbito literario se ha dedicado el último capítulo. En él se certifica como la vertiente mística indagada no solo concierne al simbolismo y a la obra de Miró sino a la intencionalidad expresiva y al proceso artístico del pintor catalán, comparados, hasta por sus propios contemporáneos, a los de un asceta y un místico.
The present dissertation expounds the research results on the mystic contents and symbolism in Miró's work, based on the detection and interpretation of the symbols and symbol codes of metaphysical, religious, spiritual and mythical traits in the period between 1922 and 1942. This chronological period, which takes as a starting-point the interpretations of the first painting with mystic content, La Masía, involves the phases of constitution, development and consolidation of the selected symbols and symbol codes, completing an evolutionary cycle, whose established models are definitely installed in Miró's work of the later decades, reiterating symbols that do not manifest any further evolution from the iconographic or semiotic point of view.This dissertation started from the relevance of certain results in previous investigation, that were exposed in the licenciate thesis entitled: I disegni surrealisti di Joan Miró degli anni venti (Miro’s Surrealistic Drawings of the 1920s), and in the Master thesis La interpretación del simbolismo místico de la obra surrealista de Joan Miró (The Interpretation of Mystic Symbolism in Joan Miro’s Surrealistic Work). Both are the result of the opportunity to carry out an exhaustive investigation in the archives of the Fundación Joan Miró in Barcelona. Initial focusing on the contextualization and the relation between Miró's work and its symbols have clearly highlighted the mystical and spiritual nature of the contents and elements analyzed, thus offering the possibility of an interpretation of Miró's work on various levels, and thereby leading to research into the topic of mysticism, which up to now has partly been dealt with thanks to the insights of specialists which are referred in this dissertation.The first part of this thesis exposes a reinterpretation of Paisaje catalán canvas, in which, after the application of a method named “dislocation of the elements”, a system of signs that has been detected and that reveals the spiritual features of the painting and substantiates new connections with paintings that are directly linked to it: La masía and Tierra labrada.Miró's mystical symbolism expresses abstract concepts that he elaborated plastically, such as the condition of freedom of any being, the links between the tangible and intangible reality, the movements of transition between these two realities and the spiritual elevation experienced by the beings portrayed in the work and pursued by the author himself. The interpretation of determined mystical symbols, codes and contents and the study of their semantic and formal evolution, determined by the processes of synthesis, association, fusion, integration and mutation applied by the painter, are at any moment backed by findings derived from the archival research, secondary sources data, the artist's statements and his sources of mystical-religious inspiration, intellectual and iconographic as well as literary.Considering the relevance and the amount of unpublished research results, the final chapter has been dedicated to the sources of the artist's inspiration in the context of literature. In this chapter is testified how the mystical aspect not only concerns symbolism and Miró's work, but also the Catalan painter's purposes of expression and his artistic process, which have been compared, even by his contemporaries, to those of an ascetic and mystical character.

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Rowe, John Howland. "La posibilidad de una historia del arte del Antiguo Perú." Pontificia Universidad Católica del Perú, 2014. http://repositorio.pucp.edu.pe/index/handle/123456789/113726.

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Pérez, Maestro Carmen, and Rodríguez Aurelio Rodríguez. "Arte rupestre y arqueología del Abrigo de Pintasq’a, Apurímac, Perú." Pontificia Universidad Católica del Perú, 2014. http://repositorio.pucp.edu.pe/index/handle/123456789/114104.

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Solórzano, Gonzales Mónica. "El arte del tapiz andino colonial. Técnica, iconografía, usos y tejedores." Doctoral thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.12404/15891.

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Abstract:

El tapiz andino colonial, el textil más complejo confeccionado durante los tres siglos de dominación hispana del territorio peruano, surgió de la fusión de dos tradiciones textiles milenarias. De un lado, la andina, que alcanzó un notable desarrollo tecnológico dominando procedimientos tanto para la preparación de la materia prima, el teñido, las distintas técnicas del entrecruzamiento de hilos, así como de la iconografía. De otro lado, se halla la práctica textil occidental, que alcanzó su apogeo con los tapices flamencos elaborados desde fines de la Edad Media. El tapiz andino, que mantuvo características del tejido de cumbi (tejido fino de los incas), no solo se convirtió en elemento de apoyo para el discurso evangelizador de las órdenes religiosas, durante el período colonial temprano, y posteriormente en objeto de lujo y ostentación para las élites, también fue un vehículo transmisor de múltiples significados que cambiarían al ritmo del progreso de las sociedades y de sus necesidades. Esta investigación se concentró en el conjunto de tapices del Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú (MNAAHP), que se complementa con piezas de otros museos del país y del extranjero. Se trata de estupendos ejemplares, la mayor parte nunca antes estudiados, como el tapiz con tocapus y cruz cristiana del MNAAHP. Este trabajo aporta al debate sobre el tejido colonial andino, tema que no ha recibido suficiente atención de los investigadores locales.
The Andean colonial tapestry, the textile most complex made during three centuries of Spanish domination, was the result of two ancient textile traditions. On the one hand, the Andean that reached with a highly developed technique for the elaboration of fibers, dying, and weaving. On the other hand, the European textile technology had a high development with Flemish tapestries, elaborated since the end of the Middle Age. The Andean tapestry kept some of the features of the cumbi (fine Inca textiles), and became an element to be used as a resource for Indian Christianization by the religious orders, during the early period of colonial times; later the tapestry became a luxury good for the elite groups. The research is focused on the collection of the National Museum of Anthropology, Archaeology and History of Peru, and some tapestries from others locals and foreign museums. They are extraordinary pieces, some of which have never been analyzed before, like the tocapus tapestry with the Christian Cross. This study contributes to the discussion about the colonial Andean textiles, which it have not received much attention from national scholars.
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Ramos, Chang Marco Aurelio. "Trayectoria y rol institucional de la Escuela Académico Profesional de Arte." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2007. https://hdl.handle.net/20.500.12672/11176.

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Abstract:

El documento digital no refiere asesor
Establece la necesidad de avanzar (hoy más que nunca) hacia la construcción de una Historia del Arte Peruano, donde la EAP de Arte representa, como única Institución en el Perú la posibilidad de mantener vigente y proyectar hacia el futuro, la formación de los especialistas en el estudio del Arte que el país necesita. Por lo tanto, su aporte institucional en este campo es prioritario, si se cree en el hecho que exista una adecuada organización y valoración de la historia artística y en consecuencia del patrimonio peruano.
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Silva, Montellanos Leonel Patricio. "La Superación del dogmatismo surrealista en los escritos estéticos de Emilio Adolfo Westphalen : una teoría del arte en el Perú del siglo XX." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2010. https://hdl.handle.net/20.500.12672/151.

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Abstract:

Este trabajo, se concentra en los aportes a la teoría del arte, realizados por el poeta y ensayista Emilio Adolfo Westphalen (Lima, 1911-2001), planteamientos que tienen un estímulo inicial en la adhesión del poeta a la estética y el discurso poético del surrealismo. Es nuestra intención, el definir hasta donde llega la impronta del surrealismo en sí, dogmático y holístico, y donde comienza la superación de sus inconsistencias y el aporte original de Westphalen a la teoría del arte en el Perú. Para ello, rastreamos el factor religioso (entendiendo la religión como ideología, discurso totalizante y dogmático) aportado por el surrealismo, en los escritos/ensayos estéticos de Emilio Westphalen. Nos centramos en los conceptos de “idea” y “creación”, planteando que el desarrollo de una propuesta estética surge, derivado, de una concepción ideológica determinada. Nuestras fuentes son los textos publicados en la revista Las Moradas (Lima, 1946-1948, edición facsimilar publicada por la Universidad de San Martín de Porres, Lima, 2002) cotejadas con el volumen compilatorio Escritos varios sobre arte y poesía editado por el Fondo de Cultura Económica (Lima, 1992).
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Anjos, Paola Maria Felipe dos. "Cecilia Meireles : o modernismo em tom maior." [s.n.], 1996. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/270341.

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Abstract:

Orientador: Berta Waldman
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
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Resumo: A dissertação apresentada é um estudo do livro Viagem de Cecília Meireles, sob o aspecto da intersecção das raízes simbolistas da autora com o Movimento Modernista, que situa sua obra em um lugar intervalar no contexto literário brasileiro. No encontro das duas tendências mencionadas, observamos uma sensível alteração em seu diálogo com a tradição literária, sobretudo com o Simbolismo. A postura imitativa de padrões estéticos que caracterizava suas obras anteriores transforma-se, em Viagem, em .aprofundada pesquisa no campo da lírica, livre da forma fixa. Por outro lado, a obra acima referida, deixa entrever marcas do Movimento Modernista na expressão da espiritual idade da poeta, que passa a pender para o plano material. A busca da ascese simbolista é substituída por um mergulho no conflito espiritual decorrente do momento voltado para o plano material em que surge essa obra, representado pela incorporação, no âmbito da literatura, de problemas concretos da realidade brasileira, deslocando o enfoque espiritualista até então vigente. Esse movimento propiciou à poesia de Cecília Meireles uma abertura para a manifestação do plano físico em sua obra, criando um espaço para uma maior aproximação com as questões de seu tempo
Abstract: Not informed.
Mestrado
Mestre em Teoria Literaria

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Seyssel, Ricardo. "Um estudo histórico perceptual : a bandeira brasileira sem o Brasil /." São Paulo, 2006. http://hdl.handle.net/11449/99855.

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Abstract:

Orientador: Claudete Ribeiro
Resumo: Este trabalho tem por meta verificar problemas objetivos e subjetivos na concepção e definição da bandeira nacional brasileira e como isto pode afetar ou não, intelectual e culturalmente, os brasileiros. Afora as dificuldades de sua reprodução/manufatura correta, dada sua forma com minúcias - por exemplo: a colocação e tamanho das estrelas, a inclinação exata da faixa branca central e a correta tonalidade do azul -, nossa bandeira certamente apresenta falhas tanto de design e aspectos simbólicos quanto de comunicação e psico-sóciocultural. Esta dissertação pretende determinar o porquê desses problemas, de onde surgiram, como possivelmente afetam as pessoas em geral e oferece uma das possíveis soluções, neste caso uma que pode ser considerada a mais simples. Desta forma, modificando somente um dos elementos básicos do design, a bandeira brasileira ganharia um grande e verdadeiro significado, aproximando-se da sinonímia brasil e da cor brasil e do que a nacionalidade brasil pode significar.
Abstract: The aim of this work is to verify the objective and subjective problems related to the conception and definition of the Brazilian National flag, and how this may affect or not, intellectual and cultural roots of the Brazilian people. Regardless the difficulties in its correct reproducing/manufacturing, for having stamped some details - for instance: the size and the position of the stars, the exact inclination of the central white stripe, the correct blue tone -, surely our flag shows failures both in design and in symbolic, communication and psycho-sociocultural aspects. This dissertation intends to point out the reasons for the referred problems, where they come from, in what way they may influence people in general and offers one suggestion that could correspond to the one of the possible solutions, in this case the one which could be considered the simplest one. Thus, by modifying only one of the basic elements of the design, the Brazilians flag would get a greater and real meaning, getting closer to what the word 'brazil', the colour 'brazil' and the Brazilian nationality can mean.
Mestre

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Alegría, Sabogal José Gabriel. "La imagen del sol que muere." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2017. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/12005.

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Abstract:

Esta investigación es un trabajo teórico que busca sustentar una serie pictórica realizada como proyecto universitario de tesis. El orden en el cual los ejes temáticos se irán tratando, busca ir de lo visual hacia lo teórico: a la hora de tratar las obras, la metodología a usarse abordará primero los aspectos netamente visibles e irá progresando hacia los contenidos y motivaciones detrás de las obras. Por consiguiente, la sucesión de temas será: 1. Figuración. 2. Anacronismo y símbolos 3. Lo terrible en la obra de arte El lenguaje empleado es figurativo. Es por ello importante determinar las condiciones y características de la figuración. La narrativa del proyecto es simbólica. Por ello se emprenderá una categorización y estudio de los símbolos internos al proyecto para esclarecer su contenido. Para este objetivo se empleará la perspectiva junguiana. El hecho de que la narrativa del proyecto sea simbólica consiste en sí mismo un anacronismo, al carecer el hombre moderno de las unidades culturales que permitían dicho lenguaje. El anacronismo será por lo tanto otro de los temas tratados. Las temáticas relacionadas a lo terrible y lo sublime afloraron en la obra aquí propuesta de manera no reflexiva. Es por eso que en la última sección, dedicada a lo terrible en la obra de arte, se buscará dar una breve presentación de esta problemática en referentes artísticos tanto como una reflexión personal respecto a la misma.
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Mc, Lauchlan Galdo Kim Alexandra. "Personal e intransferible. Aportes gráficos de mujeres artistas limeñas para la construcción de una historia del arte equitativa." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.12404/17749.

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Abstract:

La siguiente investigación artística tiene como objetivo mostrar la manera en que resignificando el sentido de la carpeta de grabados como dispositivo que visibiliza la producción de las mujeres artistas, se subvierten las políticas de representación del circuito artístico limeño. Lo anterior justifica la elección del medio –grabado– como la disciplina idónea para lograr el objetivo. El primer capítulo hace un recuento historio de las políticas de representación en relación a la visibilización y legitimación de las mujeres y el grabado en el discurso oficial del arte. El siguiente capítulo investiga las cualidades formales del grabado tradicional y sus contenedores –de almacenamiento, producción y difusión– y resignifica la figura del editor gráfico como agente para explicar la forma en que estos elementos convierten al grabado en una herramienta de visibilización potencialmente ilimitada. El tercer capítulo presenta la propuesta de trabajo del proyecto. Esta consiste en la selección de un grupo heterogéneo de mujeres artistas locales mediante la sistematización de sus carreras artísticas para producir una carpeta de grabados que será circulada en el medio local, así como una serie de estrategias de mediación para socializarla con el público. La difusión del proyecto responde a la necesidad de visibilizar a las mujeres, así como también evidenciar el marco dentro del cual se da la problemática. La carpeta es el dispositivo perfecto para alcanzar este fin ya que permite la articulación de un conjunto de imágenes correspondientes a distintas realidades. Estas imágenes a su vez, se vuelven discurso, mientras que la carpeta trasciende la categoría de contenedor para convertirse en imagen. Finalmente, la carpeta hace posible la circulación y adquisición de la obra de manera simultánea lo que magnifica su potencial.

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Guerrero, Peirano Luz Victoria. "Arte, mujer y propaganda política : narrativas y reconfiguraciones de género en el PCP-SL." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2015. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/6688.

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Abstract:

El presente trabajo de investigación tiene como objetivo analizar las representaciones de género en las imágenes y la propaganda del PCP-SL como testimonio gráfico de la configuración política del PCP-SL. Para alcanzar una mejor comprensión, en este tema se aborda cómo y con qué finalidad pedagógica-educativa son representados, en imágenes y gráficos, los sujetos de la guerra y la posición política que estos expresan. Al mismo tiempo, se tratan temas relativos a la caracterización de la mujer en la historia (incluida la reflexión que realiza el PCP-SL sobre el lugar de la mujer en la historia y su carácter de subordinación, pero desde una «posición de clase»), su exclusión como protagonista, su politización, su incorporación al Movimiento Femenino Popular (MFP) y su participación en la lucha armada dirigida por el PCP-SL, que ponen de relieve la importancia de la mujer para la organización. Más adelante, se realiza un análisis de los discursos de género que se expresan en las representaciones del PCP-SL según diversos ejes temáticos que propongo, cada uno de los cuales es abordado y tratado sucintamente. Estos ejes hacen referencia a diversas relaciones, tales como: mujer-líder, mujer-combatiente/hombre-combatiente, mujer-cuerpo armado y mujer-cuerpo materno, que, a su vez, dan origen a diversas relaciones derivadas, varias de las cuales expresan conceptos opuestos entre sí: subordinación-regencia (jerarquía) y alumna-maestro (pedagogía y jerarquía), igualdad e invisibilidad de diferencias corporales y de género e individualidad-colectividad, pasividad-acción, subordinación-liberación, renuncia personal e intereses colectivos. Palabras clave: Perú, PCP-SL, propaganda, afiches, género, ideología, mujeres y pedagogía.
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Vilcapoma, Quiroz David Rafael. "Yo soy el Cristo Cholo del Perú. Performance y religiosidad en la experiencia del Vía Crucis de Mario Valencia en la Semana Santa limeña." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.12404/14993.

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Abstract:

En esta investigación analizo la performance del vía crucis de Mario Valencia, el Cristo Cholo del Perú, en el contexto de la Semana Santa limeña que viene de una tradición rimence de la década del 80 y que congrega a muchos seguidores. El objetivo es analizar cómo se performa y pone en escena lo cholo a través y a partir de sus procesos creativos, los sujetos que participan, los espacios de la puesta en escena, y las relaciones con la audiencia. Los estudios de performance son la base teórica para abordar la performance desde su ritualidad religiosa, misticismo y naturaleza representacional, entendiéndola como un rito de paso, un arte del performance y a la vez una obra de teatro. El análisis se sostiene en el diálogo entre el trabajo etnográfico que incluye observación participante y entrevistas durante los años 2017, 2018 y 2019, los contenidos periodísticos, lo estudios sobre performances religiosas y la teoría sobre performance, lo cholo y el espacio público. La investigación plantea que lo cholo se performa en el vía crucis del Cristo Cholo desde la corporización que hace Mario Valencia de distintos repertorios como el mesiánico y el del santo católico, que utiliza para negociar con otros repertorios como el chamánico, generando un proceso creativo siempre abierto que le permite ponerse en escena para ser reconocido, validado y vivido por la audiencia. Estas corporizaciones hacen uso de teatralidades disidentes y propositivas que buscan por medio de poner en juego los símbolos católicos, sus representaciones, su representatividad hegemónica, y las relaciones con el estado y el poder, evidenciar la necesidad de construir nuevas representaciones de las costumbres y creencias de los grupos sociales marginales como el cholo que pugnan por constituirse una identidad en los intersticios de la sociedad.
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Montoro, Rodriguez Debrah Inés. "Deseo, decisión y legitimación: las posturas críticas y prácticas frente al mercado del arte de los egresados jóvenes de escuelas de arte limeñas." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2017. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/9922.

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Abstract:

Esta investigación desarrolla las aspiraciones de egresados de instituciones de formación artística limeñas en relación con el mercado del arte. Uno estudió en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, otro en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú y la última en la Escuela de Arte Corriente Alterna. Su finalidad es entender la postura práctica y crítica de los egresados frente a la relación mercado del arte-artista. La estructura del concepto capacidad de aspirar planteado por Appadurai, orientado a personas en situación de pobreza, se aplica en estos egresados. Se plantean tres niveles de agencia. El primero radica en tener sueños, deseos y metas. Esto implica una reflexión respecto a los parámetros de éxito del egresado. El segundo, es tener el poder de decidir si se desea ser parte del mercado del arte o no. El tercero, es tener los recursos para hacer realidad la decisión tomada. Se desarrolla una metodología etnográfica, durante un proceso documental, para tener un acercamiento testimonial y sensorial de las perspectivas de los egresados respecto a estos niveles de agencia. Esta metodología con base en la reflexividad maneja recursos de la observación participante, del cine ensayo, del cinéma verité, del documental performativo y de la etnografía sensorial. La edición en el documental es el proceso que sistematiza todo lo vivido en el campo. Considerando que el planteamiento del cine ensayo es generar un orden reflexivo, se afirma que una edición hecha bajo sus parámetros, permite inducir la reflexión del espectador, reflexión que previamente vivió la realizadora, quien también es egresada de una facultad de arte limeña.
Tesis

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Frías, Pareja Diego Martin. "Escuela de Arte en Manchay." Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2018. http://hdl.handle.net/10757/625678.

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Abstract:

El tema desarrollado en esta tesis es una escuela de Arte en Manchay, Lima Perú. El proyecto cuestiona la manera de hacer arquitectura en un entorno evolutivo donde mayoría de construcciones son basadas en tipologías genéricas. Propone nuevas maneras de generar tipologías según sus usos, tanto para aulas de arte, danza y música. En el proceso del diseño se conceptualiza en generar espacio compartido traducido a partir de los espacios que la comunidad comparte y usan para sus actividades artísticas. Potenciando las cualidades vivenciales que se viven en Manchay para el beneficio de la Escuela. Por otro lado, el proyecto busca introducir el espacio público y no ser ajeno a su entorno ya que está emplazado en una vía de carácter social y cultural en días festivos y culturales. Promete un espacio público de calidad alimentado con comercio para brindar mayor animación a la zona y disminuir los muros ciegos y por lo tanto incrementar la seguridad.
The theme developed in this thesis is an art school in Manchay, Lima Peru. The project questions the way of doing architecture in an evolutionary environment where most constructions are based on generic typologies. It proposes new ways to generate typologies according to their uses, both for art, dance and music classrooms. In the design process, it is conceptualized to generate shared space translated into the spaces that the community shares and uses for their artistic activities. Enhancing the living qualities lived in Manchy for the benefit of the School. On the other hand, the project seeks to introduce public space and not be alien to its environment as it is located socially and culturally in holidays and cultural. It promises a public space of quality fed with commerce to offer more animation to the area and to diminish the blind walls and therefore to increase the security.
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Ponce, Peña Jennifer Paola. "Centro metropolitano de arte dramático." Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2016. http://hdl.handle.net/10757/593034.

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Abstract:

El presente proyecto responde a la problemática actual del teatro en Lima y propone la intervención de una manzana en el Centro de Lima, generando nuevos espacios que contribuyan a interrelacionar los diferentes tipos de interpretación que actualmente se expresan de manera polarizada en la capital. Por otro lado el proyecto hace énfasis a dos variables la primera social/comunitaria busca la integración del espacio público/colectivo con la comunidad a través del arte dramático, mediante el planteamiento de diferentes escalas de espacio de difusión vinculando equipamiento cultural con amplitud programática enseñanza, comercio y arte. El segundo énfasis es la regeneración de una zona monumental como lo es Paseo de los Héroes.
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Gómez, de la Torre Matos Fiorella Belén. "Las tramas del arte contemporáneo: el LiMac de Sandra Gamarra Heshiki (2002-2017)." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.12404/17917.

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Abstract:

El Museo de Arte Contemporáneo de Lima (LiMac), creado en el 2002 por Sandra Gamarra, es un museo ficticio que cuenta con una colección, un catálogo, publicaciones, exhibiciones e incluso souvenirs. Todo ello en el LiMac se vuelve representación y nos permite revelar las tramas de la institución artística. El LiMac nos permite estudiar el tramado institucional del arte en el Perú a finales de los años 90. Por un lado, como algunos han esbozado, surge como respuesta a la ausencia de un museo de arte contemporáneo de Lima, pero no solo revela eso. El LiMac es el resultado de una educación modernista; pone en evidencia la falta de una institucionalidad artística y la emergencia de un mercado del arte. En esta obra se pone en evidencia el plano personal (la vida de Sandra Gamarra, su formación en la PUCP, la economía en la década de los 90 en el Perú) y el plano institucional (la aparición de una nueva escena de galerías, el rol del museo, la llegada del arte contemporáneo, entre otros aspectos).

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Aravena, Acevedo Catalina. "Artes de la memoria en el Perú virreinal: imágenes de la memoria en la formación de la cultura colonial andina." Tesis, Universidad de Chile, 2016. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/140736.

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La, Cruz Marín Enrique Fernando. "Espacio 02. Arte participativo, nuevas configuraciones del espacio público en el Centro Histórico de Lima." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.12404/15404.

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Abstract:

El difícil contexto local para las prácticas artísticas contemporáneas —desde una perspectiva política, institucional, económica— ha promovido un fuerte proceso en el desarrollo de estas desde espacios culturales de autogestión. Espacio_02, laboratorio y residencia artística, se presenta dentro de un formato atípico de cooperación cultural entre una entidad gubernamental y una asociación cultural independiente para generar importantes contribuciones en el campo de la performance y el arte participativo. Esta nueva configuración de las políticas culturales dentro de un plan gubernamental municipal hacia proyectos artísticos contemporáneos en el Perú fue posible a través del trabajo conjunto entre la Municipalidad Metropolitana de Lima, artistas y ciudadanos. Esta tesis analiza tres ejes claves fuertemente presentes dentro de este proyecto: el sentido de comunidad, el espacio público y sus tensiones institucionales y la educación en democracia. Espacio_02 formó a un grupo de artistas interdisciplinarios que en la actualidad trabaja activamente en diversos proyectos de arte contemporáneo y prácticas ciudadanas. La residencia implementó una metodología para estudiar — desde el arte— los espacios de la ciudad, los edificios patrimoniales y el vínculo de estos con los vecinos y la comunidad en el Centro Histórico de Lima. Sostengo que este programa se constituye como una herramienta pedagógica de performance relacionada al empoderamiento ciudadano. Gracias a estas prácticas es posible propiciar el rol de “ciudadano-como-artesano” (Sennett 2006), es decir, un sujeto cuestionador de su entorno y de los procesos simbólicos que lo conforman para tomar acción sobre ellos. Desde esta perspectiva, el arte contemporáneo sirve como instrumento de reflexión propiciando sujetos creativos capaces de generar una emancipación intelectual (Rancière 2007).
Tesis

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Dissertations / Theses on the topic 'Simbolismo en el arte - Perú'

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