Dissertations / Theses: 'Surréalisme (art) – Histoire et critique'

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Foucault, Anne. "Reconsidération du surréalisme 1945-1969 : du "Déshonneur des poètes" au "surréalisme éternel"." Electronic Thesis or Diss., Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100146.

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Abstract:

L'activité surréaliste parisienne entre 1946 et 1969 est encore peu étudiée et relativement dévaluée en comparaison de la période de l'entre-deux guerres. Ce travail entreprend de comprendre et critiquer cette dévalorisation en analysant les enjeux historiographiques, artistiques et politiques auxquels le groupe surréaliste fut alors confronté. Sa marginalisation sur le plan politique, dû à son refus de s'engager en faveur de l'un ou de l'autre bloc durant la Guerre froide, se retrouve dans le domaine artistique puisqu'il conteste les critères formels d'appréhension de l'art durant une période où le débat entre abstraction et figuration domine le champ pictural. Le surréalisme est de plus confronté aux premières entreprises historiographiques qui participent à l'institutionnalisation de son passé et de son héritage. Face à ces défis multiples, cette étude privilégie une approche collective de l'activité surréaliste. Elle analyse les mécanismes par lesquels le mouvement surréaliste renouvelle et enrichit son activité sur le plan plastique, en particulier autour de l'automatisme (Simon Hantaï, Adrien Dax), de l'objet (Hervé Télémaque, Konrad Klapheck), de la théorisation et de la pratique d'un art magique (Jean Benoît, Jorge Camacho). Sur le plan politique, cette même approche collective permet de percevoir qu'après une période d'isolement jusqu'au mitan des années 1950, les valeurs défendues par les surréalistes connaissent à la faveur de la déstalinisation et des luttes de décolonisation une reconnaissance dans les milieux intellectuels. Commence alors pour le groupe une série de collaborations dont les enjeux et les difficultés sont analysés afin, notamment, de mieux comprendre ce qui put conduire à l'auto-dissolution du groupe peu de temps après Mai 68
The Parisian surrealist activity between 1946 and 1969 still remains less studied and less valued than the one of the interwar period. The present work aims at understanding and questionning that devaluation by analyzing the historiographic, artistic and political issues faced by Surrealism at the time. The marginalization of the group in the political sphere due to its rejection of both Western and Eastern politics during the Cold War also manifests itself in the artistic field as Surrealism challenges the formal criteria for art apprehension during a period when the debate between abstraction and figuration dominates the pictoral field. In addition to that, Surrealism is confronted with the first historiographic enterprises which participate in the institutionalization of its past and legacy. The collective approach of Surrealism favoured in this study allows us to analyze the mechanisms whereby the surrealist movement renews and extends its artistic activity, particularly concerning automatism (Simon Hantaï, Adrien Dax), the art of the object (Hervé Télémaque, Konrad Klapheck) and the theorization and practice of a magical art (Jean Benoît, Jorge Camacho). On the political level, a similar collective approach shows that after a period of isolation during the 1950s, surrealist values, benefiting from de-stalinization and anti-colonial conflicts, are acknolegded in intellectual circles. It is then the beginning for the group of a series of collaborations whose difficulties and stakes are analyzed to better understand what may have led to the auto-dissolution of the group a few months after the events of Mai 68

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Aufraise, Marc. "Salvador Dali et la photographie : portraits du surréalisme (1927-1942)." Phd thesis, Université Panthéon-Sorbonne - Paris I, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01001654.

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Abstract:

L'étude intitulée Salvador Dali et la photographie: portraits du surréalisme (1927-/942) montre comment l'image photographique se situe chez l'artiste au carrefour entre théorie et pratique, entre création et vie quotidienne. Elle propose de réévaluer la place du médium dans l'élaboration et la pratique de la théorie surréaliste en décrivant comment ce projet de libération de l'homme est utilisé pour exacerber l'individualisme. Dans un premier temps, Dali utilise l'image photographique comme une instance médiatrice qui lui permet de contrôler ses pulsions et de définir précisément les objets. Elle alimente ensuite son activité paranoïaque-critique et favorise son exploitation du concept de comestibilité. Elle assure enfin la réification de l'artiste et la diffusion de son image théâtralisée dans la presse. Les photographies, au service de la construction de l'identité comme de l'art de Dali, acquièrent ainsi une valeur, concrète ou métaphorique, de portraits.

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Nédélec, Marine. "De l'incohérence à l'humour, Dada et le surréalisme dans le miroir de la presse : réception et diffusion de Dada et du surréalisme par la presse française (1920-1927)." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H084.

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Abstract:

Que reste-t-il encore à examiner de Dada et du surréalisme, quasiment cent ans après leur naissance ? Malgré les multiples études déjà existantes, certainement beaucoup de choses, à commencer par les réactions de leurs contemporains. Car si la réception de Dada, puis surtout du surréalisme, a suscité des analyses, ce vaste champ de recherche demeure encore en grande partie à explorer. Cent vingt-six titres ont été ici consultés parmi la presse française des années vingt, afin d’observer la réception de Dada et du surréalisme. L’analyse des articles a fait émerger des thématiques, qui ont construit la structure de cette thèse. La première partie montre comment Dada et dans une moindre mesure le surréalisme ont été perçus comme incohérents, absurdes et donc incompréhensibles. En cherchant à expliquer les raisons de l’incohérence dadaïste, cette partie glisse vers la notion d’hermétisme. De là, la seconde partie s’attelle à analyser l’humour Dada à travers les mystifications, puis le rire joyeux qui tourne à l’offensive et au tragique. En faisant dialoguer les avis de critiques les uns avec les autres, ce travail permet de replonger ces avant-gardes dans leur époque. S’y dévoile leur histoire, mais aussi en filigrane les préoccupations des années vingt. En outre, cette étude fait émerger les filiations dans lesquelles la presse a inscrit les deux mouvements : du romantisme au futurisme, en passant par le symbolisme, les Arts Incohérents, l’impressionnisme, le postimpressionnisme, le cubisme ou encore les Humoristes
What is left to examine about Dada and the Surrealism almost a hundred years after the birth of these movements? Numerous studies have dealt with the subject, yet the reactions of their contemporaries have still to be explored. If Dada’s and the Surrealism’s reception among the public has been touched upon by scholars, it remains an unexplored aspect of these movements. This thesis relies upon the analysis of a hundred and twenty-six titles from the 1920’s French press in order to fill this gap by exploring the reception of Dada and Surrealism. The structure of this thesis has been built upon the themes found in the press articles. The first part shows how Dada and to a lesser extent Surrealism have been perceived as incoherent, absurd and thus unintelligible. By trying to explain the reasons of this Dadaist incoherence, this first part touches upon the notion of hermeticism. Then, the second part analyses Dadaist humour through its mystification and laughter which often turns to be offensive and tragic. By cross-reading the various critical assessments of these two movements, this thesis allows us to put back these avant-guardes in their own historical contexts. It unveils their history which is underlined by the concerns of the 1920’s. in addition, the analysis of their reception enables us to insert these two movements in a cartography of references which goes back to the Antiquity, continues in the Middle Ages, expands in the 19th century and comes to an end in the beginning of the 20th century. Therefore, Dada and Surrealism have been read and evaluated in relation to artistic and literary history, from Romanticism to Futurism, right through Symbolism, Incoherent Arts, Impressionism, post-Impressionism, Cubism and the Humorists

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Pouilly, Elisabeth. "L'"état d'esprit performatif" dans le théâtre et le cinéma d'Alejandro Jodorowsky." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA144.

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Abstract:

Issu de Dada et du surréalisme, le groupe Panique, constitué de Fernando Arrabal, Roland Topor et Alejandro Jodorowsky, est créé en 1962. L’évolution de la pratique artistique de Jodorowsky de 1962 à 2016 est riche d’enseignements sur la performance théâtrale et l’interaction entre le théâtre et le cinéma. Nous suivons le constat que fait Joseph Danan dans Entre théâtre et performance: la question du texte qu’à un « état d’esprit dramaturgique » évoqué par Bernard Dort a succédé un « état d’esprit performatif » sur la scène contemporaine. L’œuvre de Jodorowsky est traversée par cet « état d’esprit performatif », de ses « éphémères paniques » qu’il réalise entre 1962 et 1967, à son « théâtre panique » puis son « théâtre essentiel », à son cinéma. L’analyse des éphémères, proches temporellement et essentiellement des premières performances historiques, permet de faire ressortir les caractéristiques de la performance qui peuvent passer dans d’autres formes artistiques. Avant la présentation d’une performance se noue implicitement un pacte entre les performeurs et les spectateurs. Ce « pacte performatif », correspondant aux attentes et aux croyances du spectateur de performance, repose sur trois points : l’implication de l’artiste lui-même dans son œuvre, l’unicité de la performance et la réalisation d’actes réels. Notre étude permet de voir comment ces trois points, tout en s’adaptant à l’art dans lequel ils sont apportés, constituent le noyau de l’ « état d’esprit performatif » qui parcourt l’ensemble de l’œuvre de Jodorowsky
Deriving from Dada and surrealism, the Panic group, made up of Fernando Arrabal, Roland Topor and Alejandro Jodorowsky, was created in 1962. The evolution of Jodorowsky's artistic practice from 1962 to 2016 is rich in teachings on theatrical performance and the interaction between theatre and cinema. We agree with the observation made by Joseph Danan in Entre théâtre et performance: la question du texte that from a "dramaturgical state of mind" evoked by Bernard Dort has succeeded a "performative state of mind" on the contemporary scene. Jodorowsky's work is crossed by this "performative state of mind", from his "panic ephemera" that he realised between 1962 and 1967, to his "panic theatre" and his "essential theatre" and his cinema. The analysis of the ephemera, temporally and essentially close of the first historical performances, makes it possible to highlight the characteristics of the performance which can pass in other artistic forms. Before the presentation of a performance is implicitly a pact between the performers and the spectators. This "performance pact", corresponding to the expectations and beliefs of the performance spectator, is based on three points: the involvement of the artist himself in his work, the uniqueness of the performance and the realization of real acts. With our study we are able to see how these three points, while adapting to the art in which they are brought, constitute the core of the "performative state of mind" that runs through the whole of Jodorowsky's work

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Guerrero, Victoria. "Roberto Matta Echaurren : sa période new-yorkaise, 1938-1948." Master's thesis, Université Laval, 1993. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33527.

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Abstract:

Par l'analyse des tableaux et de sa propre théorie de 1938 à 1948 nous proposons une nouvelle exégèse de l'oeuvre de Roberto Matta Echaurren. Cette période se déroule principalement à New York devenue la nouvelle capitale de l'art. Un contexte particulier d'inquietude par rapport au destin de l'humanité et à la fois d'une grande prospérité économique précisaient les bases de la grande période de l'École de NewYork. Les écrits des notables critiques d'art de l'époque et le passage brusque à une nouvelle iconographie, de la part de Matta, nous montrent deux manifestations opposées de l'art. D'une part, une esthétique d'autosatisfaction et de l'autre, l'art engagé.
Montréal Trigonix inc. 2018

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Vlasie, Diana. "Invention du surréalisme et découverte critique du baroque." Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070003.

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Abstract:

Nés à la fin du XVIe siècle, l'art et la littérature baroques seront occultés pendant près de deux cents ans. Ce n'est qu'à la fin du XIX' siècle qu'on les redécouvre et qu'on construit même une notion pour les désigner, le baroque. Tandis que les chercheurs français commencent peu à peu à s'emparer de cet objet d'étude au courant du XXe siècle, le surréalisme se constitue en tant que mouvement et ne cesse de rechercher des prédécesseurs qui ne s'inscrivent pas dans l'histoire littéraire des manuels scolaires. Sans défendre une vision transhistorique du baroque, cette thèse interroge d'une part, l'influence de cette notion moderne sur le surréalisme et, de l'autre, les affinités entre les artistes et auteurs nommés baroques et ceux surréalistes. L'étude de l'historique de la réception du baroque, permet d'abord de comprendre ce à quoi correspondait précisément la notion de baroque au moment où le surréalisme en était encore à ses débuts, soit jusqu'à la première moitié des années trente. Ce travail de recherche montre ensuite comment la pratique de l'automatisme qui caractérise les débuts du surréalisme est marquée par une théâtralité proprement baroque, telle que les premiers spécialistes l'ont définie. La vision du théâtre chez les baroques et chez les surréalistes se trouve par la suite analysée, afin de démontrer cette fois la présence d'éléments communs aux auteurs baroques et à ceux surréalistes. Enfin, le merveilleux surréaliste se trouve mis en parallèle avec la meraviglia baroque, à travers la question des cabinets de curiosités, celle de l'image surréaliste et de la pointe baroque, ainsi que celle du procédé de l'anamorphose
Born in the late sixteenth century, baroque art and literature remains unknown for nearly two hundred years. It is not until the late nineteenth century that it is rediscovered and that the concept of baroque emerges to define it. While French researchers gradually begin to appropriate this object of study during the twentieth century, surrealism rises as a movement and ceaselessly seeks predecessors previously excluded from the history of literature vehiculated in academia. Without defending a transhistorical vision of baroque, this thesis looks at the influence on surrealism of the modern concept of baroque and explores the affinities between baroque and surrealist artists and writers. The study of the reception of baroque allows to first understand what corresponded to the notion of baroque when surrealism was still in its infancy, up until the first half of the thirties. This research goes on to show how the practice of automatism that characterizes the beginnings of surrealism is marked by a purely baroque theatricality, as defined by the first specialists. The baroque and surrealist vision of theater is then analyzed to demonstrate the presence of elements common to baroque and surrealist authors. Finally, the surrealist marvelous is placed in parallel with the baroque meraviglia, through the question of cabinet of curiosities, the surrealist image and the baroque conceit, as well as the process of anamorphosis

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Lapaquellerie, Michèle. "Odysseas Elytis et le surréalisme grec." Bordeaux 3, 1986. http://www.theses.fr/1986BOR30001.

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Abstract:

Cet ouvrage est constitué de deux parties. La première concerne le surréalisme grec. Elle retrace d'abord la crise poétique des années 20, puis la formation de la génération des années 30 qui donna naissance à la poésie grecque moderne et introduisit en Grèce le surréalisme. Elle présente ensuite les poètes surréalistes de cette génération de l'entre deux guerres : Andreas Embiricos, Nicolas Calas, Nikos Engonopoulos. La seconde partie concerne le poète Odysseas Elytis qui occupe une place à part parmi les surréalistes grecs. Elle retrace sa naissance poétique et sa période surréaliste qui s'inscrit dans cette période de l'entre deux guerres
There are two parts in this study. The first one is about Greek surrealism. It recalls first the poetic crisis of the 1920s, then the formation of the 1930s generation that gave birth to modern Greek poetry, and introduced surrealism in Greece. It afterwards presents the surrealist poets of the interwar generation : Andreas Embiricos, Nicolas Calas, Nikos Engonopoulos. The second part is about the poet Odysseas Elytis who occupies a special place among the Greek surrealists. It follows the beginning of his poetry and the growth of his surrealist period as seen in the background of the interwar period

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Pelard, Emmanuelle. "La poésie graphique : Christian Dotremont, Roland Giguère, Henri Michaux et Jérôme Peignot." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040262.

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Abstract:

L’objet de cette thèse est de définir un type de poésie visuelle moderne (XXe-XXIe), que nous avons nommé la poésie graphique et qui attache une importance considérable à l’expérimentation plastique du signe graphique, qui manifeste une conscience aiguë des ressources visuelles de la graphie et entend réaliser la poésie dans la matérialité des formes de l’écriture. La poésie graphique désigne une pratique de la poésie à caractère spécifiquement graphique, qui recouvre tant une peinture du signe qu’un travail typographique de la lettre pour élaborer le poème. Cette pratique graphique et plastique du poème s’inscrit dans la continuité, mais également dans un certain renouveau des avant-gardes poétiques et artistiques du XXe siècle, notamment du surréalisme. Les logogrammes de Christian Dotremont, les poèmes-estampes et les livres d’artistes (Éditions Erta) de Roland Giguère, les recueils de signes inventés et d’encres d’Henri Michaux et la typoésie de Jérôme Peignot constituent des formes de poésie graphique. Notre étude porte donc sur des œuvres francophones, issues des domaines belge, français et québécois, produites entre 1950 et 2004. Trois caractéristiques définissent principalement la poésie graphique : l’ambiguïté et le nomadisme du signe du poème par rapport aux ordres sémiotiques — scriptural, iconique et plastique —, la présence d’un rythme et d’un lyrisme graphiques, comme modalités de l’expression du sujet dans la matière graphique, et une remise en cause de la ligne de partage entre les arts autographiques et allographiques, nécessitant de nouveaux modes de perception et de lecture du poème et du livre, soit une « iconolecture » et une « tactilecture »
The purpose of this thesis is to define a type of modern visual poetry (20th – 21st), that we called graphic poetry. The graphic poetry focuses on a plastic and visual experimentation of the graphic sign, demonstrates an important conscience of the visual potential of the written form and tries to produce poetry in the materiality of the writing shapes. The graphic poetry refers to a practice of poem which is specifically graphic and includes a painting of the sign as a typographic work of the letter in order to produce the poem. This artistic practice of poetry follows and also renews the poetic and plastic avant-gardes of the 20th century, more particularly surrealism. Christian Dotremont’s logograms, Roland Giguère’s artists’ books (Editions Erta) and prints-poems, Henri Michaux’s anthologies of invented painted signs and Jérôme Peignot’s typoems are some forms of graphic poetry. Our study focuses on francophone works, which come from Belgian, French and Quebec fields, published between 1950 and 2004. Three characteristics mainly define the graphic poetry : the ambiguity and the nomadism of the sign in relation to the semiotic systems (graphic, iconic and plastic), graphics rhythm and lyricism, as modalities of the expression of the subject in the graphic material, and a questioning of the distinction between autographic arts and allographic arts, requiring new ways of perception and reading of the poem and the book, that we called visual-reading and touch-reading

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Dos, Santos Lucia Gross. "Réalité, réel, surréel : Eléments pour une étude des rapports entre Psychanalyse et Surréalisme." Paris 7, 2000. http://www.theses.fr/2000PA070115.

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Abstract:

Considérant les rapports entre psychanalyse et surréalisme, nous constatons que le mouvement surréaliste fut fortement marqué par la pensée freudienne. A travers l'expérience d'écriture automatique, Breton fait la conjonction entre l'inconscient et le fonctionnement automatique du langage. Ainsi le surréalisme énonce la voie qui sera celle de Lacan pour penser l'inconscient freudien. Dans les années cinquante, Lacan soutient cette conjonction, en s'appuyant sur la notion de structure, ce qui l'éloigne du projet surréaliste. Le rêve et la paranoi͏̈a nous ont apparu comme les deux phénomènes fondamentaux pour saisir les moments les plus féconds de l'histoire des rapports entre psychanalyse et surréalisme. C'est sur ces deux phénomènes que nous nous appuyons pour développer la discussion sur les notions qui font l'objet de notre recherche: la réalité, le réel et le surréel. Breton trouve dans la théorie freudienne du "rêve comme accomplissement du désir" les éléments pour poser l'idée de continuité entre le monde du rêve et celui de la veille. Il propose une solution dialectique à travers l'idée d'une réalité supérieure, à savoir la sur réalité. De son côté, Lacan essaie de penser la réalité humaine à partir de trois registres : symbolique, réel et imaginaire. Il loge le langage dans le symbolique d'où est exclue toute dimension de jouissance, qui est plutôt imaginaire (à cette époque-là). C'est seulement au moment de l'élaboration topologique des registres sous la forme des nœuds que Lacan récupèrera cette dimension de jouissance inclue dans le langage. La théorie de "la langue" et ce mouvement vers la poésie que l'on constate à la fin de son enseignement nous suggèrent une approximation de Lacan avec la quête surréaliste
Considering the relationship between Psychoanalysis and Surrealism, we verify that the surrealistic movement was strongly marked by Freud's thinking. Through the experience of automatic writing, Breton makes a link between the unconscious and the automatic functioning of the language. Thus, the surrealism enunciates what is to be Lacan's way of thinking the Freudian unconscious. In the 50s, Lacan supports this same link, relying on the notion of structure, which drives him away from the surrealistic project. The dream and the paranoia appear as the two fundamental phenomena in order to understand the most fertile moments in the history of the relationships between Psychoanalysis and Surrealism. We have relied ourselves on them to develop the discussion of the three notions that constitute the object of this research : the reality, the real and the surreal

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Nachtergael, Magali. "Esthétique des mythologies individuelles : le dispositif photographique de Nadja à Sophie Calle." Phd thesis, Université Paris-Diderot - Paris VII, 2008. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00640863.

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Abstract:

L'invention de la photographie a permis à l'individu moderne de documenter visuellement et de façon autonome son histoire personnelle. Les avant-gardes au vingtième siècle (surréalistes, situationnistes, artistes conceptuels) ont alors élevé au rang d'art ces traces indicielles des événements de la vie ordinaire ou de processus esthétiques à l'œuvre. Les productions artistiques et littéraires se sont alors recentrées sur l'expérience subjective de l'auteur au quotidien et Nadja d'André Breton marque l'avènement du récit autobiographique moderne illustré de photographies, à la manière d'un reportage sur soi-même. Cette conception du récit fragmentaire et hétérogène rejoint alors la notion de " mythologie " énoncée par Roland Barthes. Le dispositif photographique dans le texte, une des formes narratives privilégiées des médias, impose cette esthétique du récit à partir duquel le sujet moderne configure une apparence d'identité. Barthes dans les années soixante-dix pratique à son tour cette forme de récit-photo, en même temps que des artistes français comme Christian Boltanski dont les pratiques photo-textuelles ont été assimilées à des " mythologies individuelles ". Dans les années quatre-vingts, le principe est baptisé " photobiographie " alors que l'artiste Sophie Calle débute son activité artistique exclusivement consacrée à la production d'un récit de soi en images. Inspiré des cultural studies, ce travail étudie donc chronologiquement l'émergence de l'autobiographie illustrée de photographies, non pas en tant que genre mais plutôt en tant que pratique généralisée, en art et en littérature à travers la notion de " mythologie individuelle " comme esthétique de soi.

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Zeraffa, Martine. "Max Schoendorff (1934-2012) : l’atelier, laboratoire de l’œuvre." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSE2104/document.

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Abstract:

L’œuvre plurielle de Max Schoendorff (1934-2012) est approchée au regard du lieu de sa création : l’atelier de l’artiste. Ce lieu foisonnant de matériel, d’images, d’objets et de livres est emblématique de sa pensée. Il livre les traces de ses multiples activités. La monographie de l’artiste est fondée sur l’archéologie de ce laboratoire. Formé à la littérature classique,imprégné de culture allemande, rompu à la transgression, Schoendorff s’engage dès le milieu des années 1950 à Lyon aux côtés de Roger Planchon et d’un petit groupe d’intellectuels et de créateurs. Il s’affirme en tant qu’initiateur d’une décentralisation de la culture. Il trouve ensuite dans la peinture matière à se forger son propre langage, nourri de l’imaginairesurréaliste, de Max Ernst, des tourments métamorphiques d’une matière essentiellement organique. Sa pensée singulière s’exprime dans une œuvre protéiforme qui traverse les champs de la peinture, de la gravure, du livre et de la scénographie de spectacle. Libertaire et utopiste quant à ses convictions sociales et politiques, il s’engage en fondant la MAPRA, Maison des arts plastiques Rhône-Alpes, et l’URDLA, Centre international estampe et livre à Villeurbanne
The study of MS’s multivocal work is carried out through an on-site investigation of his workshop. The place, which reflects his philosophy, is full of materials, images, objects, and books. It bears testimony to his numerous activities. Indeed writing a monograph of the artist amounts to performing archeological fieldwork and excavation in his studio. Schoendorff studied classical literature, was well-versed on the subject of German culture, and enjoyed transgressing boundaries. As early as 1950, he was labelled as a committed artist together with RP and a small group of intellectuals and creators/designers from Lyon. Heconsidered himself as the initiator of cultural decentralization. He later devoted himself to painting and managed to create his own artistic language based on the surrealist imaginary world, Max Ernst’s production, and the metamorphic alteration of predominantly organic matter. His personal conception of art is expressed in his protean works which include paintings, engravings, books, and spectatorial scenography. A socio-political libertarian and utopian, he founded the MAPRA (Maison des arts plastiques Rhône-Alpes), the R-A Fine Arts Agency and the URDLA, the International Book and Lithography Centre (Centreinternational estampe et livre) in Villeurbanne

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Debrocq, Aliénor. "Le Surréalisme-Révolutionnaire et Cobra à l'épreuve de la violence: contribution à l'histoire des représentations." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209695.

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Abstract:

Créé le 8 novembre 1948 à Paris par huit peintres et écrivains belges, hollandais et danois, Cobra est l’acronyme de Copenhague, Bruxelles, Amsterdam. Le mouvement se propose rapidement de devenir un lien souple entre artistes et poètes de différents pays, par le biais d’un certain nombre de publications et d’expositions. Son existence officielle sera brève, puisqu’elle prend fin en 1951 avec le dernier numéro de la revue éponyme. Si les premières tentatives d’analyse historique et de synthèse sont venues des artistes et des poètes membres du mouvement, plusieurs études abouties ont vu le jour depuis les années 1970.

S’appuyant sur un certain nombre d’affirmations émanant des acteurs de Cobra comme des historiens ayant écrit sur le sujet, l’auteur s’est penché sur la question de la violence picturale et théorique au sein de ce mouvement. Picturale, par la propension des artistes à brouiller la lisibilité de la composition et des figures, par leur volonté de « faire brut » et enfantin, de « mal peindre », de maltraiter le sujet en le rendant méconnaissable, hybride, défiguré. Théorique, par un certain nombre de déclarations (pour la plupart, parues dans la revue Cobra) véhémentes, engagées, politiques, relatives au climat sociopolitique de l’après-guerre comme au contexte artistique et culturel contemporain.

Au cours des recherches, il est apparu que la violence de Cobra était plus ambiguë que ce qui avait été imaginé initialement. Elle relève en réalité d’une forme d’instrumentalisation émanant des acteurs, qui ont multiplié les effets rhétoriques, les attitudes et les déclarations allant dans ce sens, conduisant Cobra à user d’une violence « décorative » nettement instrumentée :un outil utilisé par les artistes dans la construction de leur image, de leur identité individuelle et collective. Cette piste a ainsi débouché vers d’autres résultats que ceux imaginés au préalable mais n’en a pas moins permis de réévaluer le mouvement sur le plan de l’histoire des représentations, en étudiant les stratégies développées par ses membres dans les œuvres et les discours. La mise en perspective critique de ceux-ci a permis de cerner la capacité rhétorique de certains membres de Cobra, qui ont valorisé l’image d’un mouvement artistique résolument « moderne », c’est-à-dire violent et revendicateur, tout en puisant leur inspiration dans certaines formes d’art primitives et brutes.

La thèse s’articule de façon thématique, autour de quatre pôles révélateurs des formes et du sens de la violence détectée dans les œuvres et les discours des Cobra :

Répondre à la guerre – Cobra face au siècle

Une violence générationnelle

Le primitif ou le jeu de la violence

Aspirations libertaires

Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Soustre, Robert. "Art et nature dans quelques romans de l'insularité." Poitiers, 1992. http://www.theses.fr/1992POIT5007.

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Abstract:

La dialectique de la nature et l'art - au sens etymologique de ces termes - est celle des deux expressions contradictoires de l'etre humain, l'affectivite et la rationalite. La premiere domine dans la production des mythes, des religions et celle des "beaux-arts", alors que la seconde s'impose dans les productions techniques, dans les systemes philosophiques et dans les sciences. Il s'agit, dans cette etude, de montrer que les ecrits romanesques prenant l'ile pour theme sont, sous des formes diverses, le "roman" devenu inconscient de l'insularite de chacun, auteur ou lecteur. Dans cette perspective, le retour a la nature est, pour le robinson, le retour au temps mythique - anhistorique, donc - de sa propre nature, alors que l'art, s'il temoigne de l'effort de l'homme pour maitriser rationnellement et techniquement la nature, est surtout l'expression d'une acceptation, pour chacun, de son etre social et du reel a assumer. Retour a la nature par le moyen de l'art et passage de l'insularite a l'alterite par le moyen du don de l'oeuvre, tel est le sens de l'aventure esthetique.

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Manigot, Vincent. "Universalité et surréalisme : le peintre Kitawaki Noboru (1901-1951) et les avant-gardes japonaises." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCF001/document.

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Abstract:

Durant la première moitié du XXᵉ siècle, divers mouvements d’avant-garde occidentaux sont introduits au Japon et s’y développent dans un court intervalle de temps, menant à des unions difficilement concevables dans une perspective européenne. Cette caractéristique est flagrante dans le cas du surréalisme japonais, objet culturel synthétique. Durant les années 1930, les pressions croissantes sur les artistes et intellectuels achèvent de lui donner une coloration singulière. Comme de nombreux peintres japonais, Kitawaki Noboru (1901-1951) s’intéresse au surréalisme, mais il va rapidement s’éloigner du modèle occidental pour entamer une exploration artistique singulière au travers de ses « peintures schématiques », qui visent à construire le modèle d’une réalité qui semble échapper à tout cadre et, partant, à toute tentative de compréhension, et ainsi rendre à l’homme la place qui doit y être la sienne. Les tentatives de Kitawaki qui se nourrissent des domaines les plus divers, sans véritable limitation temporelle, géographique, ni disciplinaire, évoquent le travail des peintres-savants de la Renaissance. Indissociable du contexte, sa production ne saurait être perçue de manière uniquement conjoncturelle. L’analyse de plusieurs de ses écrits et de ses œuvres, ainsi que des schémas aussi bien théoriques que pratiques qu’il développe (notamment la question du vide pictural) renseignent sur le but poursuivi par le peintre qui, à rebours des standards, s’intéresse tout autant au fond qu’aux motifs de ses toiles, et plus encore qu’aux éléments eux-mêmes à la manière de les combiner
During the first half of the 20th century, several European avant-garde movements were introduced in Japan, where they grew within a short period of time, sometimes intermingling, which was quite inconceivable from an Occidental perspective. This characteristic was obvious in the case of Japanese surrealism, a synthetic cultural object. During the 1930s, the increasing pressure on artists and intellectuals gave it an even more singular dimension. Like many Japanese painters, Kitawaki Noboru (1901-1951) was interested in surrealism, but he quickly moved away from the Western model to begin a singular artistic exploration through his "Schematic Paintings", with which he aimed to construct a model of reality that appeared less and less ordered in a time of trouble and which consequently could no longer be understood. In this way he aimed to give back to man the place that should be his. Kitawaki’s attempts to draw inspiration from the most diverse fields, without any real temporal, geographical or disciplinary limitations, evoke the work of Renaissance polymath artists. His production, while inseparable from the context, cannot be perceived only in relation to historical events. The in-depth analysis of several of his writings and works, as well as the theoretical and practical schemas he developed (notably the question of the pictorial void) provide information on the painter's aim, which—in contrast to standards—was as much concerned with the background as it was with the motifs of his canvases, and which was more concerned with the manner in which elements were combined than with the elements themselves

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Desvaux, Marie-Francine Mansour. "Le surréalisme à travers Joyce Mansour : peinture et poésie, le miroir du désir." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010520/document.

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Abstract:

L'œuvre de Joyce Mansour est la trace foudroyante, voire inquiétante, du principe surréaliste des « vases communicants» : imprégnation de l'écrit par les blessures de la vie tapies dans l'inconscient; empreinte du désir, de la mort, d'un souffle vital indomptable, mais désespéré. Parallèlement, elle témoigne de l'emprise du visuel sur son écriture de chair en érigeant ce « miroir du désir» qui installe une résonance intime entre sa poésie et les œuvres de ses amis artistes. Dans leurs collaborations, ils se subliment, s'exaltent, se commentent, s'illustrent les uns les autres. À leur façon, ils partagent les mêmes angoisses, commettent les mêmes transgressions, exercent la même liberté. L'art et l'écrit se répondent. Cette thèse cherche à suivre le parcours symbiotique entre les images, les mots et la vie, qui traverse l'œuvre de Joyce Mansour. Il se révèle dans la collection d'œuvres d'art océanique qu'elle a constituée avec son mari, Samir Mansour ; dans les Objets méchants qu'elle crée à partir de matériaux récupérés, glanés ou achetés au BHV ... et qui expriment un besoin d'exalter la vie quotidienne, en extraire son essence afin d'échapper au piège de l'ennuie; dans les affinités électives entre elle et ces artistes qui nourrissent ses œuvres, comme elle nourrit les leurs. Ce « miroir du désir» est à la fois singulier - l'expression de la destinée d'une poétesse hantée par la mort et ses traumatismes - et collectif, puisqu'il semble répondre au paysage fantasmagorique d'une génération assoiffée de liberté, mais hantée, comme Joyce Mansour, par les charniers des guerres successives et révoltée par la non-vie des vivants
Joyce Manour 's work is a striking, sometimes anguishing example of Breton's concept of « communicating vessels » : the subconscious's hidden wounds seep into her writing leaving traces of desire, death and an inextinguishable yet desparate will to live. Parallel to this, the very visual, camal nature of her words provides a « mirror of desire » which enables the intimate echoing between her poetry and the works of her artist friends. Through their collaborations, they sublimate, enhance, comment on and illustrate each other. Each in their own way, they share the same anguish. commit the same transgressions, exercise the sa me freedom. Art and poetry connect deeply. This thesis aims to follow the symbiosis between images, words and experiences which characterises Joyce Mansours work. It reveals itself in the collection of Oceanic art she built up with her husbanc, Samir Mansour ; in the Objets méchants she created using material gleaned from scrapyards or bought at the BHV ... which express a need to intensify daily life, seek its essence in order to escape tedium ; in the elective affinities she shares with with the artists that enrich her works, as she does theirs. This « mirror of desire» is both personal - an expression of the poetess' s destiny, haunted by death and its traumas - and collective, as it seems to reflect the phantasmagorical landscape of a generation hungry for freedom, but haunted, like Joyce Mansour, by the mass graves of successive wars, and in rebellion against the non-life of the living

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Miehé, Christian. "Michel Butor et la critique d'art." Montpellier 3, 2009. http://www.biu-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2009MON30065.

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Abstract:

Cette thèse analyse les relations entre les écrits de Michel Butor et les arts plastiques. Si l’auteur est connu pour sa participation au Nouveau Roman, son apport très personnel à la critique d’art et la spécificité de son approche poétique par rapport à la création artistique ont été longtemps négligés. Une approche tripartite structure cette recherche. Une première partie traite des « Sources d’influence », allant des années de jeunesse aux liens avec l’œuvre critique de Diderot, Baudelaire, Claudel, Breton et Sartre. Elle cerne la notion de critique d’art et analyse des exemples pris dans divers textes de Butor. La seconde partie, nommée « Un glissement critique » analyse les textes de critique d’art ou d’histoire de l’art se rapportant à des artistes connus : classiques, modernes et contemporains. Elle montre l’importance de la démarche butorienne dans ce registre et ouvre sur la notion d’entretien au sens large. La troisième, dénommée « L’après critique ou la transposition » interroge le phénomène de cette transposition poétique qui prend le relais de la critique d’art. Des textes écrits une première fois se trouvent réagencés dans des ensembles plus vastes et composent une nouvelle approche de l’œuvre d’art. Cette analyse montre donc l’évolution de l’attitude de Michel Butor par rapport aux artistes et à leurs œuvres ainsi que le glissement de son écriture qui va d’une critique d’art pure à une transposition d’ordre poétique
This thesis explores the relationship between Michel Butor's writing and the visual arts. Butor is well known for his role in the "Nouveau roman", but his very personal contribution to art criticism together with his poetic approach to artistic creation have received scant attention. The structure of this thesis is tripartite. The first deals with "sources of influence". It analyses Butor's biography, pinning down the notion of art critic and examining his links with the writings on art of Diderot, Baudelaire, Claudel, Breton and Sartre. The second part, entitled "A critical shift", analyses texts of criticism or art history dealing with well-known artists, be they classical, modern or contemporary. It reveals the importance of Butor's approach in this domain and opens out into the notion of dialogue in the broad sense of the term. The third part, entitled "After criticism or transposition" examines the poetic transposition which takes over from art criticism. Texts undergo a rearrangement of their original writing to become encompassed in larger entities, ushering in a new approach to art criticism. This study thereby traces a development in Michel Butor's attitude to artists and their work, mirrored by a shift in his own writing moving from pure art criticism to a poetic transposition

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Bréhant, Cécile. "Pierre Roy (1880-1950) et les marges du surréalisme suivi du catalogue raisonné de l'œuvre." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010571.

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Abstract:

Dans la nébuleuse d'artistes aux franges du surréalisme, cette étude traite du cas particulier de Pierre Roy (1880-1950) d'abord à travers une étude monographique jamais réalisée auparavant, très approfondie grâce à l'importante découverte de documents inédits, principalement la correspondance autographe de l'artiste. Nous avons opté pour la détermination de repères chronologiques jalonnant l'itinéraire personnel et pictural de l'artiste. Dans un deuxième temps nous procédons à une analyse exhaustive de l'œuvre. Nous mettons en lumière ses modalités d'apparition, sa genèse, son rapport aux sources d'inspiration visuelles, ses spécificités. Débordant largement le cadre du seul rapprochement avec les surréalistes, nous replaçons ensuite l'artiste et sa peinture dans un horizon européen et une scène artistique élargie au contexte outre-Atlantique, prenant acte du tissu culturel, conjoncturel, temporel et des différents courants artistiques émergeants. Enfin nous abordons la question de la fortune critique de Pierre Roy, de la réception de l'œuvre, de sa pérennité soumise aux enjeux et a l'impact du discours critique. Cette étude exhaustive s'inscrit parallèlement à la constitution du catalogue raisonne de l'œuvre, inédit, dernier volet de cette étude.

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Kerhali, Wafa. "Joyce Mansour, une vision du monde ou le surréalisme au féminin." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030099.

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Abstract:

Le propos est de mettre en lumière au travers de l’univers de Joyce Mansour, poétesse proche du surréalisme et les écrivains de sa génération, des corrélations en terme de processus et de dynamismes créateurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets parallèles ou convergents, dans la façon dont l’écriture se constitue et se réalise. De repérer, dans la mise en œuvre des principes similaires, les expressions différentes résultant de la singularité de chaque écrivain. Ces processus sont rapportés au surréalisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu’esthétique et éthique, pensée dialectique qui refuse de séparer le réel de l’imaginaire, la poétique de la politique. Deux perspectives servent à éclairer le champ étudié et à faire surgir des questionnements. Celle de l’écriture, qui définit une attitude esthétique et critique à partir du champ de la théorie littéraire, en terme de silence de cris et de l’indicible. Une perspective féministe qui tient compte de la spécificité de l’expérience créatrice des femmes au sein de cadres référentiels et contextuels dont les structures appartiennent à un système qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surréalisme offre ici un champ spécifique et paradoxal où ces structures revêtent une forme particulière, les rapports restant fondamentalement inchangés. Il s’agit donc de questionner certains référents, et de voir de quelle façon ils sont mis en jeu, ou dé-joués par la femme écrivaine ou créatrice
My purpose is to shed some new light on the links between surrealist poet Joyce Mansours world and other writers of her generarion in terms of content and form. It’s also to pick out sketches and itinireraies in the way the writing takes form, to find out similar principles and different expressions resulting from each writer’s singularity. These processes are referend to surrealism as esthetic and ethic movement, a dialectic thinking that rejects the separation between the real from the imagimary, and poetry from politics. Two perspectives help to clarify the field and make all kinds of questionnig fly out. The writing, first, how defines a critical and esthetic attitude from the litterary theory, in terms of silence,“ indicidble” and cry. Secondly, a feminine approch that takes into count the specifity of creative womens experience. Here the surrealism offers both a specific and paradoxal field, where it’s structures appear in the most varied forms. We are there fore going to raise questions about some referents and see the ways they are outwitted by that writer

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Sanna, Domenica Angela. "Baj, Jaguer et le mouvement Phases." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010555.

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Abstract:

La présente étude se place sous le signe de l'axe Milan-Paris, autour duquel, dans l'après- guerre, se tissent les relations entre Enrico Baj, Edouard Jaguer, et, aussi, entre le mouvement Phases et le movimento nucleare. Pour mieux appréhender ces échanges, qui constituent l'enjeu de notre recherche, nous avons subdivisé notre thèse en deux parties visant à définir les perspectives autonomes, mais complémentaires, dans lesquelles se développent les parcours culturels de Baj et de Jaguer. Aussi, avons-nous analysé, en un premier temps, le contexte artistique milanais (1938-1958), dans lequel se forme Baj, le movimento nucleare, dont l'Italien fut le fondateur avec Sergio Dangelo, ainsi que l'oeuvre de Baj, de 1938 à 1972. La seconde partie représente la contribution la plus significative et innovatrice du présent travail et porte, d'une part, sur l'étude de Phases d'un point de vue théorique et formel (relations avec Cobra, le surréalisme, Gaston Bachelard, les nucléaires, l'abstraction lyrique, l'informel, les recherches des années 60); de l'autre, elle porte sur l'analyse organique des rapports de collaboration qui se sont établis, à partir de 1954, entre Baj et le fondateur de Phases, Edouard Jaguer, desquels ressortent d'importantes problématiques autour d'expositions, manifestations, manifestes, activités communes. Dans cette même partie nous soulignons certains aspects inédits des liaisons Baj - surréalisme, notamment la communauté d'idées et, aussi, les différences d'orientation qui caractérisent la participation de l'artiste aux initiatives surréalistes. Cette succession nous a permis tout d'abord d'asseoir les grandes lignes directrices de Phases et, donc, de les lier, en un second temps, avec la coopération Baj-Jaguer. Celle-ci, pour son compte, constitue à la fois la partie finale de notre thèse et le "clou" de notre étude de la correspondance qui s'échangea entre les deux hommes de 1954 à la fin des années 80.

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Druet, Sarah. "La Poésie faite par tous : Partage poétique et poétique du partage dans le surréalisme européen de l'entre-deux-guerres." Tours, 2003. http://www.theses.fr/2003TOUR2024.

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Abstract:

La présente thèse se propose d'analyser les formes et les fonctions de la collaboration l'Europe surréaliste de l'entre-deux-guerres. Au delà de l'association stratégique mise en place entre les différents groupes français, belges, yougoslaves, tchèques, canariens, britanniques et danois, les surréalistes explorent les potentialités poétiques d'un processus créatif fondé sur le "partage de la pensée", où ils voient la quintessence de l'altération lyrique. Létude d'oeuvres comme les Champs Magnétiques de Breton et Soupault, les Sourcils désystématisés de Bor, Popovic et Ristic, Clarisse Juranville de Nougé, Souris et Magritte ou encore La femme au pluriel de Nezval et Teigne témoigne de la diversité des modes de création plurielle développés par les poétes, mais aussi les musiciens et les plasticiens. En annexe figurent une anthologie de textes rares ainsi que les entretiens menés avec les trois anciens membres du groupe surréaliste : Petr Kral, Conroy Maddox, Gisele Prassinos

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Berecz, Agnès. "Continuité et rupture : l'oeuvre de Simon Hantaï dans le contexte de l'art après la seconde guerre mondiale." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010596.

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Abstract:

Cette recherche s'attache a examiner l'œuvre de Simon Hantaï et l'histoire de sa réception critique. A travers la lecture approfondie de l'œuvre, ce texte également aborde les changements majeurs de la sphère culturelle et politique en France entre la période de l'après-guerre et la fin du siècle dernier, y compris les antagonismes et enfin la dispersion du surréalisme bretonien, les transformations successives du marxisme, la réception compétitive de la peinture américaine, les réinventions de la tradition matissienne de la peinture, l'émergence des discours post-structuralistes, le développement des tendances anti-modernistes, ainsi que l'apparition des tendances neo-avant-gardes et de la critique institutionnelle. En étudiant les étapes différentes de l'œuvre dans leurs contextes artistiques, historiques et sociaux, ce travail cherche à démontrer la continuité des pratiques et des investigations picturales du peintre ensemble avec les ruptures et les discontinuités qui marquent ses positions intellectuelles et idéologiques.

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Besson, Christian. "Au gai savoir de la critique : histoire de l'art contemporain et sémiotique appliquée (essais monographiques." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20053.

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Abstract:

Le corps de cette thèse est constitué de 23 études monographiques sur l'œuvre d'artistes contemporains pour la plupart. Ayant déjà donné lieu à des prépublications, elles ont toutes été revues, corrigées, augmentées ou précisées et sont rassemblées par ordre chronologique. Chacune porte sur un problème sémiotique particulier: R. Long (dispositif sémiotique et poétique), J. Gerz (critique de la représentation et Dichtung), M. Merz (chiffre de la création), A. Et P. Poirier (Ars Memorandz), M. Verjux (dispositif, allégorie), D. Vermeiren (champ et véhicule), N. Toroni (énoncé et supplément), S. Taeuber (grille), C. Bart (index indéfini), H. Duprat (curiosité), P. Cazal (autoportrait), J. Mogarra (banalité, mysticisme), J. Armleder (désœuvrement), R. Fauguet (chronotope et dialogisme), G. Honegger (création, salvation), G. Umberg (topologie du spectateur), Y. Oppenheim (narratologie picturale), D. Schlier (dessous de la peinture), É. Bossut (substance du signifiant), L. Pariente (neutre), B. Venet (transparence/ opacité), Yan Pei-Ming (nom propre, traduction), D. Buren (nom propre, neutre). Le choix des artistes a été effectué en vue de constituer un panorama sémiotique diversifié. L'analyse des sources discursives (textes et déclarations de l'artiste) est une constante méthodologique. L'" excès critique" (Barthes) est revendiqué. La focalisation délibérée et l'énoncé explicite des interprétants répondent au requisit de falsifiabilité. Une longue introduction fait la synthèse des outils utilisés et développés. Les références principales vont à Ch. S. Peirce et Umberto Eco. L'abandon du critère esthétique par les néo-avant-gardes a conduit à l'adoption d'un point de vue textuel. Les acquis sémantiques, poétiques (questions génériques) et pragmatiques (pr. Intégrée) sont successivement examinés. Leur intrication est pointée. Ainsi conçue, selon une approche monographique et sémiotique, l'histoire de l'art restitue à son objet son " estrangement ", et se range dans le camp de la micro-histoire (Ginsburg). Elle dégage des traits morphologiques qui, mis en perspective (modernité, tradition occidentale, etc. ), laissent apercevoir une historicité non uniforme. Elle débouche sur une archéologie de l'art qui porterait sur la modalité du Croire, plutôt que sur celle du Pouvoir
This dissertation is essentially made up of 23 monographic essays on the work of - mostly contemporary - artists. Previously published in preliminary version, these essays, now collected in chronological order, have all been revised, corrected, amplified or clarified. Each focuses on a specific semiotic problem : R. Long (semiotic and poetic device), J. Gerz (criticism of representation and Dichtung), M. Merz (cypher of creation), A. & P. Poirier (Ars Memorandi), M. Verjux (device, allegory), D. Vermeiren (field and vehicle), N. Toroni (utterance and supplement), S. Taeuber (grid), C. Bart (indefinite index), H. Duprat (curiosity), P. Cazal (self-portrait), J. Mogarra (triteness, mysticism), J. Armleder (un-working), R. Fauguet (chronotope, dialogism), G. Honegger (creation, salvation), G. Umberg, (topology of the beholder), Y. Oppenheim (painting and narratology), D. Schlier (below the painting), É. Bossut (the substance of signifier), L. Pariente (neutral), B. Venet (transparency / opacity), Yan Pei-Ming (proper noun, translation), D. Buren (proper noun, neutral). The choice of these artists was aimed at presenting a diversified semiotic panorama. The analysis of discursive source-material, i. E. Texts and statements by the artist, has been integrated in a constant methodology. "Critical excess is claimed (Barthes). The stated focalisation and the explicit determination of the "interpretant" meet the requisit of falsifying (Popper). Ln a long introduction, synthesis is offered of the instruments which have been applied and further developed. The major references are to Ch. S. Peirce and Umberto Eco. The challenge presented by the neo-avant-garde - viz. Forsaking the aesthetic criterion - open the way to assuming a textual ventage-point. The semantic, poetic (generic questions) and pragmatic (integrated pragmatic) achievements are successively examined. The examination provides a fingerpost to their entanglement. History of art thug considered in a monographic and semiotic approach takes sides with micro-history. It makes it possible to draw out morphologic features which, put in perspective (modernity, Western tradition, etc. ), bring to light a non-uniform history. It leads up an archaeology of art whose matter is the modality of Belief, rather than of Power

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Frétigny-Ryczek, Marie. "L'Ecole romaine de 1918 à nos jours : histoire d'une fortune critique." Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2013. http://www.theses.fr/2013IEPP0051/document.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat ne vise pas tant à questionner la pertinence de la formule d'École romaine (Scuola Romana) appliquée à un groupe de peintres et de sculpteurs actifs à Rome dans l'entre-deux-guerres qu'à tenter de comprendre le succès de cette étiquette jusqu'à nos jours. Différentes méthodes sont utilisées pour aborder les écrits de critique d'art et les discours scientifiques, mais aussi les productions textuelles plus liées à la fiction et au témoignage. D'autre part, ce travail analyse les carrières singulières des artistes ainsi que le devenir des œuvres afin de replacer l'École romaine par rapport à une histoire du goût en Italie et au-delà. L'étude suit une progression chronologique. Elle porte d'abord sur la réception de l'École romaine du temps de son activité, entre 1918 et 1945, puis interroge la place des artistes du mouvement dans l'Italie de l'après-Seconde Guerre mondiale, dans un contexte marqué par les divisions politiques. Enfin, à partir des années 1980, l'on assiste à une tentative de revalorisation marchande de l'École romaine sans précédent. Il s'agit alors d'évaluer les résultats de cette action et de comprendre ce qui l'a rendue possible. Les questions de la modernité artistique ainsi que celles des liens de la scène artistique romaine avec le fascisme puis avec la mémoire du régime sont au cœur de cette recherche, constituant des approches neuves pour étudier un objet encore mal connu en France
This PhD thesis questions the label « Ecole romaine » (also known as Scuola romana) used to designate a group of painters and sculptors in Rome between 1918 and 1945. We aim to understand the reasons for the success of this expression until now. We use various methods in order to investigate the discourses of both art critics and scholars as well as more fictional texts, often written as testimonies. Furthermore, this work analyses the singular career of each artist and the reception of their works in order to consider the Ecole Romaine within a history of taste in Italy and abroad. Our study follows a chronological development. First, we analyse the reception of the School when active, between 1918 and 1945. Then, we examine the place of our artists in post-war Italy, in a context of great political divisions. Finally, we study how, in the early 1980s, various actors on the artistic scene tried to raise the value of the Ecole Romaine's works on the art market. What were the results of their attempt, and to what extent this renewal of interest had a lasting impact, especially in the museums field ? The questions of artistic modernity and of the relationship between the Ecole Romaine and the fascist regime are central in this research. These constitute new approaches to a theme which has remained relatively unknown outside of Italy

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Moutot, Lionel. "Histoire intellectuelle de la revue "Diogène" : 1952-1978." Lyon 3, 2002. http://www.theses.fr/2002LYO31008.

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Abstract:

"La revue "Diogène" est publiée depuis 1952 (date de sa création), quatre fois l'an jusqu'à nos jours. Notre étude porte sur la période 1952-1978 (mort de Caillois). "Diogène" comporte en moyenne 144 pages, à raison de sept articles par numéro. L'organisation de chaque numéro repose sur la distinction entre une thématique générale (exemple : le chamanisme; le structuralisme. . . ) et des comptes-rendus d'ouvrages consacrés aux sciences humaines. C'est à travers le concept de "sciences diagonales" que Caillois a développé, au sein de la revue, une vision synthétique du savoir. L'étude de l'histoire intellectuelle de la revue "Diogène" nous est apparue comme objet d'étude pertinent dans la mesure où elle fut pensée comme le laboratoire des "sciences diagonales"

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Costa, Sandra. "Des ateliers au musée : histoire du classicisme bolonais en France (1648-1816)." Paris 1, 1990. http://www.theses.fr/1990PA010582.

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Goldschmit, Marc. "L' Ecriture du messianique : art, langage, politique et histoire dans les textes de Walter Benjamin." Strasbourg, 2009. http://www.theses.fr/2009STRA1052.

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Abstract:

Il s’agit d’abord d’analyser le caractère primordial de la traduction, entendue par Benjamin comme réécriture messianique et origine du langage. La traduction est « survie » des œuvres et « vie » des langues. Le langage est, de ce point de vue, le fondement de la révélation biblique. Le désespoir politico-historique de Benjamin conduit celui-ci en 1921, dans sa Critique de la violence, à élaborer une conception apocalyptique et nihiliste du messianique, mais il semble que messianique comme écriture (que la thèse cherche à dégager), appartient à une autre strate des textes que celle de 1921. La question du Trauerspiel (« drame baroque ») constitue le cœur et le tournant de sa thèse : distingué du tragique, celui-ci sert, à partir de 1925, de machine de guerre contre la théologie chrétienne et constitue la mise en jeu de l’histoire dans l’écriture. La thèse essaie de montrer comment, de 1916 à 1940, en passant par le tournant du Trauerspiel, Benjamin passe d’une philosophie ouverte du langage à une philosophie secrète de l’écriture qui pose le problème de l’issue à et de l’histoire. La distinction du messianique (comme attente sans atteinte d’un messie), et du messianisme, structure toute la pensée benjaminienne de l’histoire, et que cette distinction sert à concevoir ce qui est, dans l’histoire, d’un autre ordre que l’histoire
It is a question at first of analyzing the essential character of the translation, understood by Benjamin as messianic rewriting and origin of the language. The translation is "survival" of the works and "the life" of the languages. The language is, from this point of view, the foundation of the biblical revelation. The politico-historic despair of Benjamin leads this one in 1921, in his Criticism of the violence, to elaborate an apocalyptic and nihilistic conception of the messianic, but it seems that messianic as writing (that the thesis tries to show), belongs to one the other stratum of the texts than that of the 1921. The question of Trauerspiel (" baroque drama ") constitutes the heart and the bend of its thesis: distinguished from the tragic, this one serves, from 1925, as machine of war against the Christian theology and constitutes the involvement of the history in the writing. The thesis tries to show how, from 1916 till 1940, by way of the bend of Trauerspiel, Benjamin passes of a philosophy opened of the language to a secret philosophy of the writing which raises the problem of the outcome in and of the history. The distinction of the messianic (as expectation without achievement of a messiah), and the messianism, structures all the benjaminienne thought of the history, and as this distinction serves for conceiving what is, in the history, of another order than the history

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Adjedj, Marie. "Déhiérarchiser l'art : usages et fonctions du document au tournant des années 1970." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0039.

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Abstract:

À la fin des années 1960, dans un contexte de crise de légitimité des institutions, de nombreux artistes s’opposent au contrôle du système marchand-critique et muséal. Certains marchands, critiques et commissaires d’exposition s’associent à cette parole, et tâchent de déhiérarchiser le monde de l’art. Parmi eux : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi et Seth Siegelaub, ainsi que Kynaston McShine et Harald Szeemann. Les enjeux de leurs démarches ne se situent ni dans la négation des appareils de l’art, ni dans la redéfinition de leurs fonctions, mais dans la construction d’une position de sujet non surplombante. Pour ce faire, ils investissent le document au titre de ses économies qui relèvent du marché de l’art, de l’édition, de méthodes, toutes corrélées, dans le contexte de l’art conceptuel et post-minimal, à des œuvres et écrits d’artistes. Chacun des acteurs étudiés déploie sa pratique à l’aune d’un régime de l’information, qui suppose une collaboration étroite avec les artistes afin de leur restituer le contrôle sur la circulation de leurs œuvres et les discours qui sont produits à leurs sujets. Toutefois, dans son occurrence critique, le régime de l’information ne suppose aucunement le silence des critiques d’art. Dans les démarches de Germano Celant et Lucy Lippard, les discours critiques sont préservés, mais selon des modalités qui entendent déléguer au public l’une de ses opérations, qui est l’interprétation. Conjointement, le régime de l’information est confronté à la difficile conciliation entre la défense d’une autoréférentialité de l’art et des ambitions politiques élargies à la société. Cette situation donne lieu à des devenirs variables des démarches
At the end of the 1960’s, in a context of serious crisis of institutional legitimacy, number of artists defy the power and control of art market, criticism and museum. Some dealers, critics and curators join in and intend to de-hierarchize the art world. Among them : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi and Seth Siegelaub, along with Kynaston McShine and Harald Szeemann. What is at stake in their practices does not have to do with denying the art system, neither defining new functions for the middle-men, but is about occupying a position which would no longer be authoritarian. To do so, they relate their research to the document, considered as an operating mode involving trading, editing and methods. This operating mode is interrelated to art works and artists’ texts in a context of conceptual and post-minimal art. The ones who are part of this study develop their practices as an informational system, which suppose a close cooperation with the artists in order to restore their control on the circulation of their own works, along with their authority on the discourses about them. Nevertheless, the art criticism declination of this informational system does not suppose the absence of discourses from the art critics. In the cases of Germano Celant and Lucy Lippard, criticism is stable, even though they intend to delegate interpretation to the audience. Concomitantly, the informational system has to face the difficulty of articulating the defense of a self-referential art with political ambitions enlarged to society. This difficulty is solved by various ways, between drop out and strengthened practices of document

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Romano, Pace Alba. "Endre Rozsda : la pluralité du regard surréaliste." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010560.

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Abstract:

« L'œil existe à l'état sauvage [...] mais qui dressera l'échelle de la vision ?». Cette question qui ouvre "Le Surréalisme et la peinture", nous fait comprendre combien il est complexe de définir un peintre surréaliste. Le titre de l'ouvrage est d'ailleurs symptomatique: il ne s'agit pas de la peinture surréaliste, mais plutôt du surréalisme et de la peinture. Breton assemble différents peintres dont la vision est proche de la poétique surréaliste, sans jamais préciser comment celle-ci se manifeste dans l'art. Quel est donc l'élément qui peut faire d'une peinture une oeuvre surréaliste ? En focalisant l'attention sur le concept d' «automatisme absolu» énoncé en 1939, ce travail tient à préciser comment, grâce à des précurseurs comme Duchamp, Masson, Ernst, l'automatisme de Breton se tresse avec l'idée exprimée par Matta des "Morphologies psychologiques" résultant en une peinture d'"Inners worlds", qui mènera à l'expressionnisme abstrait américain. Endre Rozsda est parmi les peintres qui choisissent cette voie, Dans "Le Surréalisme et la peinture", son nom est associé à ceux de Dominguez, Matta, Paalen. L'artiste hongrois rejoint le mouvement en 1957. Son œuvre représente un trait d'union entre l'imaginaire enraciné dans son pays d'origine et le surréalisme. Focalisant l'attention sur le contexte historique, cette thèse veut montrer l'importance de l'œuvre de Rozsda, autant dans la culture hongroise que dans l'européenne. Elle étudie les rapports entre Breton et le groupe de l'Ecole européenne et, à travers une documentation inédite, elle analyse les raisons de l'absence d'un mouvement surréaliste officiel à Budapest, montrant comment la peinture d'après-guerre de Rozsda constitue un des rares exemples de surréalisme automatique en Hongrie
«The eye exists in its privative state. [...] but who is to draw up the scale of vision ?» By the question which initiates "Surrealism and painting", Breton revealed how complex is to provide a definition of a surrealist painter. The book's title itself is symptomatic : Breton did not write about the surrealist painting but about surrealism and painting. He associated different painters who shared a vision close to the surrealist poetic. He never specified how this vision is expressed on art. What is the element that makes a work of art a surrealist work of art ? Focusing on the concept of "absolute automatism", introduced in the 1939, these doctoral studies wish to clarify how the Breton's theory of automatism and the Matta's theory of "Morphological psychologies" are intertwined and led to the surrealist painting of : "lnners worlds" which resulted into the American abstract expressionism. Endre Rozsda is a part of the artistes who had choice this way. On "Surrealism and painting" his name is associate with painters like : Dominguez, Matta, Paalen. The Hungarian artist joined the movernent in the 1957. His work bridged the deep-rooted imaginary world of Hungary and the surrealism. Focusing on the historical context, this thesis wishes to highlight the importance of the Rozsda's art in the Hungarian as well as in the European culture. In addition it investigates on a relationship between Breton and the artists of the European School and it is analyzed, by inedited documentations, the lack of an official surrealist movement in Budapest. Moreover, this work aim to prove how the Rozsda's painting after the Second War World represent a rare example of surrealist automatist Hungarian art

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Mathey, Marc. "Steve Reich : un art de l'ambiguïté." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040107.

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Abstract:

Steve Reich est un compositeur d'apparence simple. Derrière cette évidence de la forme et des éléments qui la composent se cache la complexité: l'ambiguïté est érigée en système. Ainsi, le processus qui est, a priori, implacable, inexorable, réserve toujours une part de surprises. Par le déphasage graduel, on perd quelque peu pied. Les motifs résultants montrent la virtualité de la musique reichienne. Et que dire de cette attraction/répulsion pour l'électronique. Un trait essentiel de la création de Reich à partir de 1976 est la notion de cycles d'accords: ceux-ci exposés dès le début sont supposés revenir dans l'ordre. Bien souvent, les oeuvres issues de ce procédé sont comme des jeux de pistes. Le rapport au texte a évolué chez le compositeur. Dans les premières pièces, le sens est atomisé. Puis il y a une sémantisation qui aboutit à des oeuvres ethiques aprés 1990. Par exemple, Three Tales (2002) est une oeuvre de réflexion sur les dangers de la technologie au XXème siècle. Mais c'est aussi une oeuvre postmoderne et on sait combien cette notion est équivoque
Steve Reich seems to be a simple composer. But behind this obviousness of the form and of the elements wich make it up, hides a true complexity: ambiguity is set up as a system. Thus, the process which is at first relentless and inexorable always reserves a share of surprises. By phasing, one is slighty lost. The resulting patterns show the virtuality of the reichienne music. And what is there to think of Reich's attraction and repulsion as regards electronics. An essential feature of the creation of Reich since 1976 is the concept of chord cycles:: those exposed from the very start are supposed to return in the same order. Very often, the works resulting from this process turn out to be mazes. The connection with the text evolved with the composer. In the first pieces, the meaning is atomised. Then, there is an evolution towards a semantisation which leads to ethical works after 1990. For example, Three Tales (2002) is a work of reflexion on the dangers of technology in the twentieth century. But it is also a post-modern work and one knows how much this concept is questionable

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Mandon, Frédéric. "Francis Ponge et Georges Braque : convergences et réciprocité de pratiques." Lyon, Ecole normale supérieure, 2009. http://www.theses.fr/2009ENSF0058.

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Francis Ponge (1899-1988) rédigea entre 1946 et 1982 neuf textes sur Georges Braque (1882-1963). Prendre le parti de cet artiste aura été pour Ponge la possibilité d’affûter ses moyens d’expression et de questionner sa propre démarche d’écrivain, participant à nourrir et informer sa conception de la poésie comme sa pratique d’écriture. À la marge de toutes déterminations génériques, ces écrits permettent d’aborder la spécificité d’un discours sur l’art qui se caractérise par une absence de séparation entre l’artiste et son œuvre et par une attention particulière accordée au peintre plutôt qu’à la peinture et à la description des œuvres. Ponge interroge le rôle de l’artiste dans la société comme son inscription dans l’histoire. Braque est aussi pour lui un « maître de vie », porteur de valeurs relatives à la morale et à l’éthique que leurs deux œuvres partagent en bien des points. Avec les moyens propres au langage, Ponge procède, comme Braque en sa pratique artistique, par tâtonnements successifs, répétitions et variations, met à découvert le cheminement de l’œuvre au fur et à mesure de son élaboration, le processus de sa fabrication. Ainsi, cette étude ne se propose pas tant de chercher des correspondances entre les deux œuvres que de s’ouvrir aux lieux où elles convergent en confrontant les pratiques d’un peintre et d’un poète, sans qu’il soit question de l’une à l’autre d’un rapport d’influence ou de subordination. Il n’est pas tant question de pratiques réciproques que d’une réciprocité de pratiques quand il y a chez Ponge et chez Braque un même mouvement dans l’exercice d’une activité artistique et réflexive, une même relation qui lie leur pratique et leur réflexion
Francis Ponge (1899-1988) wrote between 1946 and 1982 nine texts on Georges Braque (1882-1963). Standing up for this artist gave Ponge the opportunity to sharpen his means of expression and to question his own approach as a writer, participating feeding and informing his conception of poetry as his practice of writing. On the fringe of all generic determinations, these writings allow to deal with the specificity of a discourse on art characterised by a lack of separation between the artist and his work and by paying more attention to the painter than to the painting and the description of works. Ponge questions the function of the artist in society and its insertion in history. Braque is also for him a « maître de vie », the bearer of values relating to morality and ethics, that the two works share in many points. With his own language, Ponge proceeds, as Braque in his own artistic practice, by successive attempts, repetitions and variations. He shows the path of the work as it advances, the process of manufacture. So, this study suggests less to seek a correspondence between the two works than to open to the places where they converge by comparing the practices of a painter and a poet. From the one to the other, there aren’t questions of influence or subordination. It is not so much a question of mutual practice than a question of reciprocity in practices, when Ponge and Braque have, a same motion in the pursuit of artistic and reflective activity, a same relationship linking their practice and reflection

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Tackels, Bruno. "Histoire d'aura. Benjamin, brecht, adorno, heidegger." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1994. http://www.theses.fr/1994STR20043.

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Abstract:

Des la premiere lecture du fameux essai de walter benjamin, l'oeuvre d'art a l'epoque de sa reproductibilite technique. J'ai percu une hesitation, un flottement, ou plutot un malaise a meme le texte. Au point que je n'ai jamais vraiment compris sur quoi se fondait sa celebrite. Je n'ai jamais vraiment pu me satisfaire des deux idees (parfaitement contradictoires9 qui structurent ce texte : la reproduction dans les oeuvres fait disparaitre l'art et l'on peut penser cette disparition comme un declin, le mal de l'occident. On en arrive donc a regretter l'age du "grand art" qui devrait etre imperativement restaure pour sauver l'humanite. Mais le texte permet aussi de lire cette disparition de l'art comme une chance (messianique) qui ouvre l'espace et le temps utopiques d'un monde nouveau, desenchaine. Ces deux visions contradictoires ne me paraissaient pas satisfaisantes ou, pour etre plus precis, il me semblait qu'a travers ces deux perspectives de lecture le texte disait tout autre chose : ni la nostalgie, ni l'utopie, mais une traversee de ces visions du monde, qui elabore une perspective veritablement politique. Cette intuition m'a donne l'idee de remonter aux sources du texte et de comparer les auatres versions successives que benjamin a

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Xerri, Catherine. "L'oeuvre d'Antoni Clavé : peinture, idéologie et histoire." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030212.

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Abstract:

A. Clave est un peintre catalan contemporain. Ne en 1913, il acquiert une formation de peintre en batiment a barcelone puis se specialise dans les affiches de cinema. Engage, lors de la guerre civile, dans les services de propagande republicains, il passe la frontiere en 1939 et s'installe a paris. Ses premiers travaux sont marques par l'avant-garde des annees 30. Dans les annees 40 il se tournera vers l'intimisme de bonnard et vuillard puis evoluera de maniere personnelle. Ses derniers travaux sont empreints de lyrisme et d'abstraction. Dans les annees 60 clave est classe comme appartenant a l'ecole de paris, termes formels qui ne recouvrent aucune signification. Cependant l'article a longtemps ete au contact de ses compatriotes et a participe a de nombreuses manifestations collectives. Marque par certains themes profondement hispaniques sont art a une dimension internationale grace a la confluence france-catalogne. Les specificites de ses travaux: continuite, utilisation des materiaux, innovation en font une oeuvre personnelle et originale. Cependant l'artiste se refuse a tout discours theorique, preferant le langage de la peinture. Il elabore un langage qui lui est propre, dont la semiologie est pertinente. Reconnu tres tot en france comme en espagne, le marche de l'art lui est propice
A. Clave is a contemporary catalonian painter. Born in 1913 he starts off a house-painter in barcelone. He then specializes in cinema posters. Engaged during the civil war in the republican propagenda services he leaves the country in 1939 and establishes himself in paris. His first work is marked by the avant-guarde movement of the 30's. In the 40's his work is influence by the intimist movement. He then developed his own individual style. The last work are full of lyrism and abstaction. Continuity, use of the materials and innovation make the specificity of his work as well as its originality. However the artist refuses any kind of theory about his work, prefering the langage of the painting. He was recognized very early in france and in spain and art dealers promote his work. In the 60's clave is often classifled as a belonging to the "ecole de paris" a definition that is purely formal. The artis always kept in close touch with his fellow country-men and has participated in many collective exhibitions. Although deeply influenced by a very specific spanish culture, his art transcendes regionalism to attain an international dimension thanks to the confluence between french and spanish culture

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Pelaudeix, Cécile. "Modèles de temporalité et lieux du sens en histoire de l’art : dessins et estampes (1959-2002) de l’artiste inuit Kenojuak Ashevak." Grenoble 2, 2004. http://www.theses.fr/2004GRE29044.

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Abstract:

La linéarité du temps ne permet pas d'articuler de façon convaincante art et histoire. L'étude montre comment la création de l'estampe par des acteurs occidentaux, en Arctique canadien, au milieu du XXe siècle, reproduit le motif de l'origine et de la fin de l'art. En se basant sur une approche réticulaire (Warburg et l'hétérogénéité des images et du temps, modèle encyclopédique d'Eco et notion d'interprétant de Peirce), sur l'iconologie analytique de Arasse, l'étude démontre ensuite que l'art graphique (1959-2002) de Kenojuak entremêle des éléments de représentation collectifs et des éléments issus d'un imaginaire personnel. Est notamment mis au jour un dispositif visuel (formant) de déploiement qui figure tarniq, composante de la personne reposant sur un principe de vitalité, dispositif aussi observé dans la sculpture, la tapisserie, les masques. L'étude montre enfin que la démarche est pertinente pour aborder, plus généralement, la singularité en histoire de l'art.

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Guillien, Mathieu. "Du minimalisme dans la musique électronique populaire." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA084112.

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Abstract:

L’intention de ce travail est d’interroger la notion de minimalisme dans le cadre de la musique électronique populaire. Dans une première partie, il s’agit d’expliciter le concept de minimalisme en revenant sur la genèse de cette esthétique, apparue dans les arts plastiques dans les années 1950 aux Etats-Unis, puis sur sa transposition dans le domaine musical sous l’égide de compositeurs tels que La Monte Young, Terry Riley et Steve Reich. L’évocation des compositeurs minimalistes américains nécessite de justifier l’emploi du concept de « minimalisme » pour évoquer des univers a priori différents. Cette clarification se fait en plusieurs points : le rapport des musiciens à l’histoire, leur positionnement économique, les outils dont ils disposent et la réflexion qu’ils produisent sur leur art, leur contexte social, leur relation à l’interprétation et au concert, enfin leur gestion de problématique telles que la répétition ou la danse. La seconde partie du mémoire porte sur la techno en tant que telle. Après un historique du contexte d’apparition de ce genre musical, au début des années 1980 à Detroit aux Etats-Unis, ainsi qu’un aperçu des instruments électroniques ayant facilité la naissance de la techno et des conséquences structurelles de ces instruments, nous étudions l’émergence de la branche dite « minimale » de la techno. Enfin, l’étude du compositeur allemand Robert Henke permet d’approfondir des notions de composition assistée par ordinateur, et d’élargir notre propos au minimalisme dans la musique électronique populaire non dansante
The purpose of this study is to call into question the concept of minimalism in popular electronic music. The first part of the dissertation focuses on the concept of minimalism itself by mentioning the genesis of this aesthetic, which appeared in plastic arts in the 1950 in the United States, then its translation in the music field under the aegis of composers such as La Monte Young, Terry Riley and Steve Reich. To justify the use of the concept of minimalism while referring to different musical genres, a clarification is made in several steps: the relation of the musicians to History, their economic positioning, the technical means at their disposal as well as their reflection on their work, their social context, their relation to interpretation and live performance, and their views on problematics like repetition and dance. The second part focuses on techno itself. After tracing the history of the emergence of this musical genre at the beginning of the 1980’s in Detroit, as well as an outline of the electronic instruments which played a part in this emergence and their structural effects on the music, we can study the emersion of the « minimal » branch of techno. Lastly, studying the music of German composer Robert Henke allows us to broaden our subject by including an example of minimalism in popular electronic non-dance music

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Gresh, Kristen Ann. "The Family of man : histoire critique d'une exposition américaine." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0132.

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Abstract:

En 1955, Edward Steichen organise l'exposition monumentale «The Family of Man» au Museum of Modem Art (MoMA) à New York, qui a été ensuite exposée dans le monde entier sous les auspices de l’United States Information Agency. L'objectif principal de cette thèse est de retracer les arcanes de cette exposition afin de créer un document de référence dévoilant sa nature concrète. Cette démystification de l'exposition a été conçue à partir de témoignages directs de photographes participants recueillis par l'auteur, complétée par un travail d'analyse de documents d'archives inédits. La première partie s'interroge sur les programmes du Musée lors de la Seconde Guerre mondiale qui ont préparé le terrain pour «The Family of Man», sur le personnage de Steichen et sur son rôle de directeur du département de la photographie du MoMA. La deuxième partie remonte aux prémices du projet, afin d'éclaircir les diverses collaborations de Steichen, comme de nombreuses correspondances, des réunions collectives, et un voyage déterminant en Europe. La troisième partie met en lumière les méthodes et les résultats du travail de Steichen, à la fois comme photographe et comme éditeur. A l'appui d'une discussion des sources, notamment journalistiques, les contours du monde de la photographie de presse à l'époque sont esquissés, suivis d'une synthèse de l'exposition et de sa diffusion à l'étranger en plusieurs versions. Ce travail révèle que «The Family of Man», à la fois véritable prouesse de la photographie et arme de propagande, témoigne de toute une chaîne de contacts et de connaissances au sein du monde de la photographie et de la politique, et des croisements entre ces deux mondes
In 1955, Edward Steichen organized the historic exhibition "The Family of Man" at the Museum of Modem Art (MoMA) in New York. Under the auspices of United States Information Agency, it was exhibited throughout the world and gained a mythic status. This dissertation looks beyond that myth, in order to present a reference document with background information not previously examined. It is based on the author's research involving personal interviews with photographers who contributed to the exhibition as well as the analysis of unpublished archival documents. Part 1 explores the MoMA's World War II programs that paved the way for "The Family of Man", Steichen's career and his role as director of the museum's photography department. Part II traces the origins of the project, showing Steichen's various collaborations through a thorough examination of his correspondence, his individual and group meetings with photographers, and, in particular, his decisive trip across Europe. Part III examines the methods and results of Steichen's work, as both photographer and editor. A discussion of the sources of "The Family of Man", mainly photojournalistic, illustrates the contours of press photography at the time followed by a synopsis of the exhibition and its international circulation, in several versions. This dissertation demonstrates how "The Family of Man" was a tour de force in the history of photography because of Steichen's ability to combine his innovative photographic and editing skills that exploited the medium to communicate a political agenda that is a reflection of a complex network of colleagues, friends and acquaintances from the world of photography and of politics

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Pavlov, Pavel. "Art conceptuel et protocoles photographiques." Thesis, Université Laval, 2014. http://www.theses.ulaval.ca/2014/30023/30023.pdf.

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Abstract:

La présente thèse repose sur une double proposition : que le concept de représentation a subi une mutation profonde aux alentours des années 1960s, au moment de l’avènement de ce qui est appelé aujourd’hui l’art conceptuel; et que c’est l’usage de la photographie – considérée jusqu’alors comme l’appareil vide de l’art – par les artistes conceptuels, qui lui a donné une identité mais aussi une histoire qui lui a permis de s’inscrire dans la discipline artistique. À partir de cette proposition, j’étudie une série d’œuvres photographiques produites dans le contexte de l’art conceptuel, et dont le point commun est de reposer sur un mode systémique de production. Dans mon analyse, les œuvres de Douglas Huebler, Jan Dibbets et Bernd et Hilla Becher sont analysées pour les innovations qu’elles introduisent au niveau du sujet de représentation, en même temps qu’elles sont mises en parallèle avec trois moments inauguraux de l’histoire de l’art : la première expérience de Brunelleschi en tant que démonstration d’un moment de rupture dans l’histoire de l’art au niveau de la production d’images considérées vraisemblables; le modèle d’istoria introduit par Alberti comme forme narrative faisant l’hypothèse que toute chose visible peut être représentée et toute histoire montrée uniquement par des moyens visuels; et l’approche anti-relationnelle élaborée par Frank Stella, comme démonstration de la plasticité de la peinture et comme opposition au concept de composition picturale telle qu’héritée d’Alberti. Mon analyse démontre qu’une démarche systémique permet d’établir une continuité avec les paradigmes précédents de l’histoire de l’art, et rend possible la construction de nouveaux instruments visuels plus aptes à circonscrire les processus complexes qui organisent la société contemporaine en tant qu’héritière de l’organisation industrielle ayant marqué le passage de la Renaissance à l’époque contemporaine. En dernier lieu, je présente une série de projets, issus de mes recherches sur les sujets et œuvres présentés, dont le point commun est l’élaboration d’une écriture vidéographique reposant sur la plasticité rendue possible par le recours à la procédure comme mode de représentation de l’histoire.

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Drouet, Dominique. "Alain jouffroy, mouvements surréalistes et ostinato lyrique : un demi-siècle de poésie vécue (1958-2007)." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSE2044.

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Abstract:

Alain Jouffroy (1928-2015) vient à l’écriture poétique en 1948, encouragé par sa rencontre avec André Breton et sa brève appartenance au mouvement surréaliste. Rapidement exclu, il conserve de cette expérience une méfiance à l’égard de tout esprit de chapelle et une confiance inébranlable en la langue et en sa capacité à exprimer les innombrables modalités d’être-au-monde de l’individu libre. Il diversifie rapidement ses pratiques d’écriture et publie recueils de poèmes, romans, essais et de nombreux articles sur les artistes avant-gardistes. Touche-à-touche, Jouffroy traverse les périodes esthétique et politique du milieu intellectuel parisien des années cinquante aux années quatre-vingt-dix. Fondateur de la revue Opus international, directeur de la revue XXe siècle, il est un observateur insatiable des remous de la société française : restructuration à la Libération, espoirs révolutionnaires déçus de Mai 68, marchandisation galopante de la création. Témoin de l’irrésistible ascension de la société du spectacle, il défend des artistes qui peinent à trouver leur place – du moins au début de leur carrière : les Affichistes, les Objecteurs, les Nouveaux réalistes... – et les poètes restés dans l’ombre – Stanislas Rodanski, Jean-Pierre Duprey. Il s’intéresse à tous ceux qui, comme lui, ont fait de la marge leur territoire. Dans le même temps, il échange avec les grandes figures d’Aragon, Michaux et Sollers. Son regard s’aiguise de sa curiosité pour l’ailleurs et de ses nombreux voyages. Il promeut les peintres surréalistes d’Amérique du Sud et d’Europe de l’Est, les poètes de la Beat generation, ceux du Moyen-Orient. Parallèlement, au gré de ses ruptures et réconciliations avec André Breton, il se veut l’héritier de ce dernier et le promoteur d’un surréalisme toujours vivace parce que conçu comme une éthique de la réceptivité. Conseiller culturel de l’ambassade de France à Tokyo entre 1982 et 1985, il parfait sa connaissance du bouddhisme zen et fait l’expérience d’un douloureux déracinement langagier. De retour en France, dans une période de morosité ambiante où les médias clament la mort de la poésie, il réalise de petites sculptures d’objets trouvés qu’il nomme assemblages, collages ou posages – réponse possible au silence qui entoure son œuvre, mal diffusée jusqu’à la parution des anthologies C’est aujourd’hui toujours, C’est partout ici et du recueil Vies, chez Gallimard, à la fin de années quatre-vingt-dix.Son œuvre poétique, loin d’être un lieu de retrait par rapport à une vie culturelle, amicale et sentimentale particulièrement riche et mouvementée, condense son parcours : la vingtaine de recueils publiés entre 1958 et 2007 offre une chambre d’écho à cette traversée du demi-siècle, tout en déclinant les différentes postures et poétiques nées au grés des circonstances et des confrontations renouvelées entre deux complexités, celle de l’individu Alain Jouffroy, et celle du monde. Aussi son écriture poétique chatoie-t-elle des différents courants qui naissent de la question toujours en suspens du rapport entre la conscience écrivante et le texte écrit. L’ensemble de l’œuvre donne à lire une poésie polymorphe : prégnance première de l’image héritée du surréalisme, retour au lyrisme amoureux sous l’influence du matériau biographique, vocifération à la manière des écorchés Beat, détour par l’image cinématographique durant la Nouvelle Vague, évaporation temporaire du sujet sommé de disparaître sous l’ère structuraliste, retour de ce même sujet qui reste, constamment, l’objet du poème. Malgré les variations formelles, les contradictions tonitruantes, le « je » demeure le mobile de l’écriture.
Alain Jouffroy (1928-2015) started writing poetry in 1948 when encouraged by his encounter with André Breton and his short-termed adherence to the surrealist movement. As he soon found himself excluded from the latter, he experienced and developed mistrust in cliquishness whatsoever and absolute trust in language and its ability to express the innumerable ways a free man can be in the world. It did not take him long to diversify his writing practice, and so he published collections of poems, essays and many critical articles on avant-gardist artists. Like a Jack-of-all-trades, Jouffroy wrote his way through the aesthetic and political movements of the Parisian intellectual sphere, from the fifties to the nineties. As the founder member of the Opus international journal and the director of the XXe siècle one, he was well positioned to insatiably observe the stir of the French society, that is, the restructuration following the Liberation, the disappointed revolutionary hopes of May 68 and the galloping commodification of artistic creation. Bearing witness to the unstoppable rise of the spectacle society, he supported artists who had difficulties in finding their own places – at least at the beginning of their careers: Poster Artists, Objectors, New Realists… – as well as overshadowed poets such as Stanislas Rodanski and Jean-Pierre Duprey. He was interested in all those who, like himself, had appropriated the margins. At the same time, he would converse with major figures like Aragon, Michaux and Sollers. His curiosity for the elsewhere and his numerous travels made his viewpoint more accurate. He promoted the Surrealist painters from both South America and Eastern Europe, and the Beat poets as well as those from the Middle East. At the same time, depending on either his breaking or being reconciled with André Breton, he claimed to be the heir of the latter or the champion of a Surrealism that was still alive and kicking thanks to its been thought of as an ethics of receptivity. When he was the cultural counsellor for the French Embassy in Tokyo, from 1982 to 1985, he perfected his knowledge of Zen Buddhism and experienced a painful linguistic estrangement. Back to France in a grim climate when the media claimed the death of poetry, he made small-sized sculptures from objects he had come across with, which he termed ‘assemblages,’ ‘collages’ or ‘posages’ – a way to possibly answer the silence that surrounded his own artistic creation, badly circulated until the publication of the anthologies entitled C’est aujourd’hui toujours and C’est partout ici, and his collection of poems Vies in the late nineties. His poetic work, far from being a place of withdrawal from his cultural, social and sentimental life, particularly rich and eventful, condenses his trajectory: the twenty or so collections published between 1958 and 2007 offer an echo chamber to his crossing of the half-century, while presenting the variegated positions and poetics born from circumstances and renewed confrontations between two complex entities, that of Alain Jouffroy the man and that of the world around him. This is why his poetic writing reflects all the different currents and trends emerging from the still-unresolved question of the relation between the writing consciousness and the written text. All his work presents us with polymorphous poetry, that is, at the same time including the original pervasiveness of pictures inherited from Surrealism, the return to love lyricism under the influence of biographical material, the angry voices inspired from the tormented Beat souls, the detour via the screen picture in the New Wave period, the temporary vanishing of the subject required to disappear in the Structuralist era and the return of this same subject continuously remaining the object of poems. In spite of formal variations and thundering contradictions, the “I” does remain the motive of writing. .

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Remy, Julien. "La représentation des genres comiques et tragiques dans les écritures surréalistes entre 1910 et 1940." Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017AZUR2036/document.

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Abstract:

Les écritures et représentations surréalistes offrent, à partir de 1919, des visions nouvelles de la réalité, tributaires d’un ressenti original. S’éloignant de l’académisme et de l’imitation, celles-ci explorent l’inconscient, ouvert par le champ psychanalytique freudien, afin de tenter de cerner les pensées cachées. Le résultat des expérimentations et des jeux sémantiques des surréalistes laisse ainsi entrevoir des représentations absurdes où objets et définitions ne coïncident plus. C’est à partir de cette dissociation entre l’idée de la chose et de sa représentation que naissent certaines dimensions comiques et tragiques, réelles ou irréelles. Le surréalisme transcende et transgresse alternativement les normes communément admises par la société. Grâce à cette subversion, apparaissent des images novatrices. La poésie surréaliste cherche à dévoiler une réalité intérieure créée par l’imagination et une réalité extérieure formée par la pensée consciente. Un déséquilibre surgit alors et des indices sémiotiques nous laissent découvrir la vraie nature de chaque représentation. Tantôt burlesque, tantôt sublimée, la représentation de la vie et de la mort, prend une signification encore méconnue du grand public. En entrant dans le labyrinthe de l’analyse psychanalytique, les surréalistes ont créé une voie et se sont affranchis des courants artistiques précédents
Starting 1919, the surrealistic writings and representations offer new visions of reality, dependent from an original perception. Moving away from academism and imitation, they explore the unconscious, open by a psychanalytic Freudian field in order to express hidden thoughts of their consciousness. The result of their experimentations and of their semantic games allow leeway for absurd representations where objects and their definitions do not coincide anymore. It is from this dissociation between the idea of the object and its representation that comic and tragic dimensions are born, from the real and the unreal. Surrealism transcends and transgresses alternatively the norms commonly adopted by society. It is from this subversion that new images appear. Surrealistic poetry reveals an interior reality that is created by the imagination and by an exterior reality shaped by unconscious thoughts. Thus an imbalance arises and semiotic hints allow one to discover the real nature of each representation. Sometimes burlesque sometimes sublime, the representation of life and death takes on a significance still unknown by the grand public. By entering the maze of the psychanalytic analysis, the surrealists created a pathway and emancipated themselves from previous artistic movements

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Decker, Daniel. "Musique pop, pop art, messages, aux États-Unis et en Grande-Bretagne : analyse d'une double traversée culturelle des années soixante." Clermont-Ferrand 2, 1994. http://www.theses.fr/1994CLF20069.

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Abstract:

La musique pop, née des années 50 du rythm and blues afro-américain en tant que Rock and Roll, est devenue, dans les années soixante, le mode d'expression privilégié d'une nouvelle catégorie de consommateurs créée par les médias : les teenagers. Grâce à l'internationalisation des moyens de communication (transistor, TV), ces produits du baby boom, par leur nombre et leur pouvoir d'achat, promurent le changement social par la musique. Celle-ci, assimilée à des valeurs anti-américaines (violence, délinquance, sexe, drogue) s'éteignit aux USA pour mieux y revenir, adaptée par des britanniques provocateurs, exotiques, propagateurs de cette culture métissée. Des jeunes blancs contestèrent ainsi le bien-fondé d'une société tournée vers le profit et sous la menace d'un holocauste nucléaire, en une tentative de culture alternative où compteraient l'objet et l'image, pas les perspectives théoriques. Les messages simplistes des chansons pop firent croire que chacun pourrait être le compositeur de sa propre vie. Le mythe d'une société sans classes, diffusé par les médias de l'establisment supporta sans dommage les critiques hurlées par les chanteurs pop. La presse underground marginalisée et les hippies drogués qui, par leur existence prouvaient a contrario la validité du système
Pop music, born as rock'n'roll from black rhythm & blues in the mid-fifties, became, in the sixties, the privileged means of expression of a mediated category of consumers, the teenagers, with the advent of transistr radios and the development of television, the former baby boomers gave their social unrest a tune, this music, quickly assimilated to un-american negative values (violence, juvenile delinquency, sex, drugs) soon died out in the usa. It swung back from britain where it had been adapted by exotic provocative white bluesmen who popularized this once despicable negro music. Young white misfits thus protested against the profit-seekers still under the threat of a nuclear holocaust. Trying to consider the face value of objects, not thoughts. Led by the simplistic lyrics of pop songs they came to think of the making of their own lives as happenings. The myth of a classless society, enhanced by the media in control of the establishment, easily withstood the criticisms of yelling pop singers, the underground press and the drug-addicted hippies. Their very existence proved the tolerance of the system they were so unfairly permitted to criticize

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Kabous, Magali. "Ecriture filmique, écriture littéraire, chemins croisés de l'identité cubaine." Toulouse 2, 2006. http://www.theses.fr/2006TOU20053.

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Abstract:

La thèse étudie les représentations endogènes de l'identité cubaine à travers six œuvres filmiques adaptées de la littérature nationale : Cecilia de Humberto Solás, La Bella del Alhambra de Enrique Pineda Barnet, Los Sobrevivientes, Memorias del subdesarrollo et Fresa y chocolate de Tomás Gutiérrez Alea et Madagascar de Fernando Pérez. La partie "Introduction" expose le contexte historique, social et culturel de la Révolution cubaine et définit des notions telles que l'adaptation, l'identité, la nation et le nationalisme. Ensuite, l'étude s'organise en trois parties qui abordent les représentations filmiques et littéraires de Cuba dans le contexte prérévolutionnaire (I), au lendemain de la Révolution (II) et enfin à l'époque contemporaine (III). Nous nous interrogeons sur des aspects tant esthétiques (les rapports entre le cinéma et la littérature) qu'idéologiques (la relation entre l'art et l'Etat) et sur le rôle de l'artiste dans la construction des représentations collectives. Les écrivains et cinéastes cubains proposent au travers des œuvres étudiées un questionnement des modèles héroïques et des mythes, un renouvellement des stéréotypes ainsi que de nouvelles formes de cubanité
This thesis studies the endogenous representations of Cuban identity through six motion pictures adapted from the national literature : Cecilia by Humberto Solás, La Bella del Alhambra by Enrique Pineda Barnet, Los Sobrevivientes, Memorias del subdesarrollo and Fresa y chocolate by Tomás Gutiérrez Alea, and Madagascar by Fernando Pérez. The first part sets out the historical, social and cultural context of the Cuban Revolution, and defines notions such as adaptation, identity, nation and nationalism. The study is then organized into three parts, dealing with the representations of Cuba in movies and literature in the pre-revolutionary context (I), after the Revolution (II) and in contemporary times (III). We tackle aesthetic issues (the movie-literature relationships), as well as ideological ones (the connection between art and State) ; we also wonder about the part played by the artist in the construction of collective representations. Through the works that we study, Cuban writers and directors have attempted to question the myths and heroic models, to renew the stereotypes and create new forms of Cubanity

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Belardi, Philippe. "Un usage particulier de la psychanalyse : André Breton, penseur de Freud." Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019AZUR2024.

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Abstract:

Quelle connaissance Breton a-t-il pu avoir de la psychanalyse pour considérer Freud comme la « muse du surréalisme » ? Sur quel éléments ce mouvement artistique et révolutionnaire dont il fut le fondateur, s’est-il appuyé pour prétendre constituer une méthode d’exploration de l’inconscient complémentaire voire supérieure à cette nouvelle discipline scientifique, la psychoanalyse, née dans le premier tiers du 20ème siècle ? Car il est question ici de la place et du statut que peut endosser l’artiste au regard du scientifique, dans une démarche qui lui a été trop longtemps refusée : la possibilité d’enquêter sur la nature et le fonctionnement du psychisme humain et d’apporter parallèlement à cette recherche, des réponses aux questions existentielles. Là réside l’essentiel du projet et de la volonté du surréalisme : redonner à l’imagination et à la poésie, la place que la raison leur a dérobée de manière illégitime.Si Freud semble reconnaître aux artistes certaines qualités précieuses dont doit s’inspirer le chercheur en psychologie et si le rêve ainsi que l’imagination semblent représenter une place prépondérante dans l’activité psychique du sujet (deux faits majeurs qui auront séduit le jeune André Breton), psychiatre viennois restera en définitive fidèle et conforme à la pensée rationaliste et positiviste dominante de son siècle. La raison doit pouvoir triompher du rêve, de l’imaginaire et du fantasme pour constituer une réalité identique et accessible à tous, selon le principe d’universalité. Dans cette perspective, rien ne laisse vraiment de la place à un dialogue, et encore moins à une entente entre les deux hommes, ce qui ne découragera pas le poète surréaliste dans son désir impétueux et sa volonté, d’établir un pont entre l’imaginaire et la réalité par l’investigation de ce que Freud appela : l’inconscient. Or, pour comprendre les points de convergence et de divergences entre la pensée freudienne et bretonienne, et appréhender de cette manière toute la richesse et la profondeur de la théorie surréaliste, il est utile de mettre au jour d’autres influences qui ont pesé sur Breton au point d’agir sur sa perception et sa compréhension de la psychanalyse. C’est à partir de ces influences, comme l’associationnisme tainien empreint du sensualisme condillacien, ou bien encore le symbolisme et la mythologie nervalienne, qu’une notion fondamentale est convoquée par le surréalisme, pour devenir en filigrane la trame souterraine de sa pensée : le désir. C’est à partir du concept de désir qui puise sa source dans la mythologie grecque et la figure du dieu Eros, que l’écart entre le surréalisme et la psychanalyse peut se mesurer le mieux ou tout au moins donner la mesure d’une certaine philosophie du désir à laquelle le freudisme et le surréalisme se réclament. C’est par conséquent sur ce point conceptuel, le désir, que ces deux disciplines, artistique et scientifique, vont pouvoir témoigner de leur distance quelquefois infime, parfois abyssale, qui sépare l’artiste du scientifique dans la manière de le définir (ethos), de le vivre (pathos) et de l’exprimer (logos)
What knowledge did André Breton have about psychoanalysis in order to consider it the “muse of surrealism”? What were the crucial elements of this movement established by Breton himself that allowed him to forge a method for exploring the unconscious - a complementary and even superior method to psychoanalysis, the novelty scientific discipline born in the first decades of the 20th century? This project explores what place and status the artist could assume from scientific point of view, accepting the premise that the artist has been refused, for a very long time, the possibility to inquire into the nature and functioning of human psyche, and thus to offer answers to existential questions. The latter sums up the essence of the surrealist project and efforts - a bid for the reinstitution of imagination and poetry to a place that has been illegitimately overtaken by reason.Even if Freud seemingly agrees that artists possess certain precious qualities able to inspire explorers of psychoanalysis, and if imagination admittedly occupies an important place in his subjects’ psyche (two major facts that attract the young André Breton), the Viennese psychiatrist has always been faithful to the rationalist and positivist thought which dominates his century. Reason should be able to triumph over dream, fantasy and all that is imaginary in order to construct an identical reality accessible to all, according to the universal principle. In this perspective, there could be no dialogue or even any understanding between Freud and Breton, a discord which, ultimately, would not discourage the impetuous desire and willingness of the surrealist poet to establish a bridge between the imaginary and the reality by the means of what Freud would call “the unconscious”. What is more, to understand the points of convergence and divergence between the Freudian and the Bretonian thought which would allow for the full comprehension of the richness and depth of the surrealist theory, it is useful to highlight other influences on Breton’s perception and understanding of psychoanalysis. Influences such as the associationism of Taine bearing the mark of Condillac’s sensualism, or even Nerval’s symbolism and mythology, served as the basis for the fundamental notion which permeated the framework of the surrealist thought: the desire. Looking at the concept of desire would best allow to measure the rift between surrealism and psychoanalysis, or at least to measure a certain philosophy of desire akin to both freudism and surrealism. It is therefore this conceptual point, desire, which would allow these two artistic and scientific disciplines to acknowledge the distance between them, a distance spanning from intimate to abysmal, separating the artist and the scientist in the way they define (ethos), live (pathos) and express (logos) desire

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Hilsum, Mireille. "Aragon ou le roman des préfaces croisées." Paris 7, 1992. http://www.theses.fr/1992PA070066.

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Abstract:

La première partie des "œuvres romanesques croisées" propose un corpus autonome de préfaces tardives. L'Aragon des années soixante présente ses romans anciens, du surréalisme à "la semaine sainte". Mais la notion de fiction met l'accent sur les fonctions que ne remplit pas le discours préfaciel, le refus de situer les œuvres dans leur contexte, de retracer une démarche ou un projet contemporains du cycle réaliste, et plus généralement de guider la lecture. La thèse est divisée en deux parties dans la première, les stratégies d'évitement de l'histoire référentielle, du regard de l'auteur ancien, et de la signification romanesque sont étudiées à travers les préfaces qui précèdent et entourent "le monde réel". Dans la seconde, les tensions du discours prefaciel sont analysées à travers deux préfaces qui échappent au dispositif défensif ailleurs dominant et substituent le commentaire de la génèse aux réponses aux critiques et aux lecteurs. Les enjeux esthétiques, politiques, idéologiques sont étudiés dans le cadre d'une démarche qui vise à cerner la spécificité des préfaces croisées par rapport à d'autres commentaires aragoniens, antérieurs ou ultérieurs. Les préfaces croisées proposent un système lacunaire fondé sur le détour, la substitution, le déplacement et la prétérition qui ne récuse pas seulement les récits biographique et historique. Les index, établis à partir des préfaces, permettent de saisir les silences
The first section of "oeuvres romanesques croisees" offers an autonomous corpus of late prefaces. The Aragon of the sixties introduces his former novels - from surrealism to "la semaine sainte". But the notion of fiction focuses on the functions the preface discourse fails to fulfil, the refusal to situate the works in their contexts, recount a process or a project contemporary with the realistic cycle and more generally guide the reader the thesis falls into two parts. In the first one the strategies to avoid referential history, the former writer's look and novel signifiance are studied trough the prefaces to or around "le monde reel". In the second one tensions withing preface discourse are analysed trouh two prefaces which elude a defense system elsewhere prevailling and replace to both critics and readers by comments on the genesis. Aethetic, political, ideo logical stakes are thus studied within the frame work of an approach which aims at delimiting the specificity of the crossed prefaces in comparison with other aragonian comments either anterior or posterior. The crossed prefaces offer a gap system, based on indirection, transfer, substitution and paralipsis, which does not challenge autobiographical and historical narratives only; trough the indexes, established from the prefaces, silences, the preface writer's great reserve. .

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Eggers, Françoise. "Forme et histoire Sur la théorie de l'art de Max Raphael (1889-1952)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040188.

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Abstract:

Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderne
The theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics

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Yang, Chorong. "Graffiti et Street art : étude des discours historiographiques et de la critique esthétique d'une forme sociale de modernité visuelle." Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENH016/document.

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Abstract:

De nombreuses œuvres plastiques sont nées d'une réflexion théorique et pratique influencée par les questions politiques et sociales. Hormis des différences dans les procédés utilisés, elles sont fédérées par un esprit de rébellion et de contestation. A travers l'examen des rapports entre l'art et la culture populaire, le street art et les phénomènes socio-critiques dans la société de consommation, notre sujet est organisé sur trois axes en quatre parties. Notre intention première va montrer que les artistes modernes ont découvert la valeur artistique des graffitis et de certaines expressions anonymes inscrites sur les murs avec un caractère intellectuel. Ensuite, nous explorerons le sujet dans la perspective de la culture populaire, du regard critique sur l'époque, et de certains critères plastiques qui ont eu de l'influence sur les street artistes en France. Enfin, dans les troisième et quatrième parties, nous étudierons les querelles posées quant à la fonction sociale de l'œuvre d'art, le rôle de l'artiste, le problème éthique de l'artiste, et la valeur artistique véritable dans la culture industrielle et l'art commercial, en déroulant le panorama des activités des street artistes. C'est sur le fondement de cette hypothèse que nous nous sommes posé la question des contenus sociaux/critiques de ce street art et de ses rapports avec la sphère socio-critique qui, lui, est une représentation de l'ère contemporaine. Quant aux deux axes de « la valeur artistique » et de « l'acte rebelle », traitant de la modernité propre à l'art contemporain et des rapports qu'elle entretient avec la vision critique, ceux-ci fondent le mouvement street art, le caractère rebelle ou activiste de cet art et son approche critique du monde de l'art ou de notre société étant indispensables à sa survie en tant que tel. Les méthodologies visent à analyser et à critiquer l'influence politique et sociale de l'image de telle sorte qu'elles permettent de réfléchir sur le champ pratique et théorique de notre étude
Many plastic works were born from a theory and practice influenced by political and social issues. Apart from differences in the methods used, they are united by a spirit of rebellion and contestation. We examined the relationship between art and popular culture, street art and socio-critical phenomenon of this period. Our hypothesis is that this relationship can be defined by the concept of street art, understood as an artistic practice whose connotations are both aesthetic and social a critique and order. It is on the basis of this hypothesis that we questioned the social content / critique of street art and its relationship with the socio-critical sphere which is a representation of the contemporary era. Our first intention was to show, through the graffiti testimony that the modern artists discovered the artistic value of graffiti and some anonymous registrant walls with intellectual expression. Then, this part concerns the prospect of popular culture, critical look at the age and plastics criteria that have had an influence on the street artists in France. Finally, the third and fourth parts deepen the street art movement that became the graffiti art in the history of contemporary art. We study the quarrels offered by the social function of works of art, the ethical problem of the artist's work social function, role, and real artistic value in the industrial culture and commercial art, unrolling a panorama of street artists activities. The two axes of “the artistic value” and “rebellious act”, dealing with contemporary art and its relationship with its critical vision of modernity, those are the foundation of the street art movement, which activist and rebel practice, as an art, and a critical approach towards the art world or our society are essential to its survival as it is. This subject will therefore give us the opportunity to question the true art in our society, a consumer society. Any image that is concerned with the meaning of the pictorial discourse is contentious and feeds on cultural and political antagonisms

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Gouriou-Rollag, Catherine. "Les débuts de cinquante grands romans anglais et américains (XVIIIe-XXe) : de leur stratégies narratives et variations grammaticales à leur richesse énonciatrice." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2004PA040155.

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Abstract:

Cette thèse, au croisement de la littérature et de la linguistique, se propose d'étudier 50 débuts de grands romans anglo-américains. Pour mettre en évidence la relation triangulaire narrateur-auteur/texte/lecteur seront étudiées la fonction poétique (partie 1) et la fonction séductive (partie 2). L'étude du commencement de l'œuvre, de la mise en scène de la fiction et de la mise en marche de l'histoire nous permet de dégager, pour chaque début de roman, les trois grandes articulations textuelles (phases initiale, médiane et finale), le positionnement de la tension narrative et de mettre en évidence l'émergence d'une rhétorique par siècle. Trois marqueurs grammaticaux signalant la subjectivité de l'auteur-narrateur dans sa création romanesque ont été retenus : les opérateurs de fléchage, les structures comparatives et les auxiliaires modaux. Chaque marqueur est classé d'après les caractéristiques du début de roman et des outils d'exploration linguistiques bipolaires (clôture/non-clôture, rapports scalaire/non-scalaire, congruence/non-congruence). Ainsi, nous avons considéré les opérations de fléchage par rapport à leurs références anaphoriques et cataphoriques reprenant les personnages, lieux et situations. Les structures comparatives ont été analysées selon les trois normes : universelle identifiée par auteur et lecteur, universelle à démontrer et norme personnelle non-identifiable par le lecteur. Enfin le système complexe des auxiliaires modaux est organisé par rapport aux passages descriptifs, informatifs et explicatifs constituant un début de roman
This thesis, at the crossroads of literature and linguistics, intends to study the beginning of fifty English and American great novels selected over three centuries for their enunciative richness. In order to put into evidence the triangular correlation between the narrator-author, the text and the reader, two main functions sustained our study: the poetic function (part one) and the seductive function (part two). Three literary techniques; opening the novel, presenting the plot and the characters putting the plot into action, conveyed the narrative tension within the initial, middle, and final phases of an opening and put into evidence the emergence of rhetorics for each century. Three grammatical markers known for showing this author's subjectivity in his literary creation were selected: pinpointing operators such as demonstratives and determiners, comparative structures and modal auxiliaries. Each marker has been categorized according to specific aspects of fictive openings associated with binary linguistic explorative tools. Therefore, we have considered the anaphoric and cataphoric references conveyed by pinpointing operators related to the characters, the place and the plot introduced at the beginning. As for comparative structures, we have organized them according to three standards: the extra-linguistic universal standard identified by both writer and reader, universal references that need to be proven by the rest of the plot and finally the references that cannot be identified by the reader because they depend on the fictive context. The analysis of the modal auxiliaries emphasizes the descriptive, informative and explicative elements opening a novel

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Sasahara, Tomoko. ""La dernière mode" de Mallarmé : sa dimension historique et la réflexion sur son écriture." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040070.

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Abstract:

Considérée comme un écrit mineur de Mallarmé, La Dernière Mode (août-décembre 1874) n'a pas fait l'objet de nombreuses recherches. La plupart des études qui y sont consacrées se contentent de souligner son aspect " poétique " sans autre forme de procès, et quelques tentatives de rétablir sa dimension commerciale et journalistique aboutissent souvent à des malentendus, car leur approche historique se révèle insuffisante. Ce travail consiste donc avant tout à montrer de façon précise ce qu'était en réalité La Dernière Mode, tant comme une revue de mode qu'une éventuelle " œuvre " de Mallarmé. La première partie présente le contexte historique : nous traçons l'histoire de la mode, de la presse de mode et rétablissons le climat intellectuel du XIXe siècle autour de la mode, constitué par des écrivains et des critiques d'art, de Balzac, à Charles Blanc. La deuxième partie est consacrée à l'itinéraire de Mallarmé jusqu'à la publication de La Dernière Mode et à l'histoire de La Dernière Mode, ainsi qu'à la comparaison de celle-ci avec une trentaine de revues de mode contemporaines. La troisième partie aborde enfin l'écriture de La Dernière Mode : après avoir identifié les sources de Mallarmé, elle analyse le texte de La Dernière Mode, d'une part à partir des citations du poète et son travail sur le texte original, d'autre part en le rapprochant d'autres écrits du poète, notamment Divagations
Considered as a minor work of Mallarmé, La Dernière Mode (August-Decembre 1874) has been largely neglected by researchers. Most of the few studies on it just find there some “poetic” elements without any hard proof, and the others, trying to approach it from its commercial and journalistic aspect, often result in a misunderstanding because of their insufficiency of historical investigation. The purpose of this inquiry is so to show precisely what La Dernière Mode was in reality, both as a magazine and as a Mallarmé's literary work. Our Part 1 presents the historical background by investigating the history of fashion and fashion magazine, as well as the intellectual climate created around fashion by some writers and art critics, from Balzac to Charles Blanc. The Part 2 is devoted to a pre-history and to a history of La Dernière Mode as well as to a comparison between La Dernière Mode and about thirty fashion magazines of those days. The Part 3 takes up at last the writing of Mallarmé in the magazine. We identify Mallarmé's sources used in his articles, after which we analyze the text, on the one hand, comparing the quotations by the poet and their originals, and on the other hand, relating it to another works of Mallarmé, especially Divagations

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Ferreira, Adão Ana. "Alexandre O'Neill : du surréalisme tardif à la poétique du réel." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040179.

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Abstract:

Cette recherche porte sur l’analyse de la poésie d’Alexandre O’Neill, poète portugais de la seconde moitié du XXe siècle. O’Neill débute sa carrière en fondant le Mouvement Surréaliste de Lisbonne en 1947,mouvement artistique et littéraire bien postérieur à l’école française, et créé en contestation au régime salazariste. En 1951, avec la publication de Tempo de Fantasmas, son premier recueil de poèmes, le poète se détache radicalement du mouvement pour s’orienter vers une poésie originale. Pourtant, il restera longtemps considéré par les critiques comme un poète surréaliste. Son projet de transformation du réel se caractérise, dès le salazarisme, par une approche singulière du quotidien. Transformation du réel à travers l’éclatement du langage, transgressions du discours officiel dans le but d’attaquer le système politique en vigueur et les mœurs de la société portugaise, attaques humoristiques contre les canons de la littérature de ce pays : O’Neill utilise les ressorts de l’écriture surréaliste, mais les oriente vers une transgression spécifique. Son refus du langage lorsque celui-ci est circonscrit dans son usage ordinaire, son exploitation de la vie quotidienne, de l’observation du peuple et de ses questions identitaires et sociales forgent un matériau poétique singulier, dont l’horizon est émancipateur : il faut accéder poétiquement aux possibilités de construction d’une autre réalité.Libérateur et ferment de pensée, il démontre, par sa poétique, que d’autres manières d’utiliser le langage sont possibles, et que ce langage parviendra à recréer le monde : en remettant en question le système normatif de la représentation du réel, il crée une poétique de l’humain
This research focuses on the analysis of the poetry of Alexandre O’Neill, a Portuguese poet from the second half of the twentieth century. O’Neill began his career as founder of the Surrealist Movement of Lisbonin 1947, an artistic and literary movement created thirty years after the French school, in opposition to theSalazar dictatorship. In 1951, with the publication of Tempo de Fantasmas, his first collection of poems,O’Neill radically detaches himself from the movement and creates an original form of poetry. Yet the criticswill, for a long time, consider him a surrealist poet. His project to transform reality is characterised by a singular approach to daily life. The transformation of reality through bursts of language, the transgression ofofficial discourse as an attack towards the political system and the morals of Portuguese society, the humorous attack against his country’s entire literature canon: O’Neill uses elements of surrealist writing and directs it towards a specific transgression. He refuses to limit language to an ordinary usage; his exploitation of everydayness, along with his observation of people, of their identity and of social matters, forge a singular poetical material with an emancipatory horizon: it is necessary to reach possibilities of building a different reality through poetry. As a liberator and a catalyst of thought, he shows, through his poetry, other ways in which the use of language is possible. This language is capable of transforming the world: by challenging the normative system of the normative system of representing reality, O’Neill creates the poetics of humans

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Shin, Hye-Kyung. "1960-1990 : le photographique comme instrument autobiographique dans l'art contemporain." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA081053.

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Abstract:

Cette etude a pour theme l'analyse de l'art contemporain a partir de deux notions : le photographique et l'autobiographique. Ces deux parametres m'ont permis de fonder ma problematique theorique et plastique, et de saisir les idees fortes et les experiences caracteristiques de l'art contemporain. L'art contemporain a a voir avec l'omnipresence de la photographie comme mode de representation. Elle n'est pas seulement presentee dans le cas evident du realisme photographique mais aussi comme un apport documentaire. D'autre part, les artistes contemporains associent la logique de la photographie a un moyen artistique. Nous l'avons trouve non seulement dans la forme de leurs oeuvres, mais aussi dans leurs processus de production. Un autre phenomene important dans l'art contemporain se caracterise par l'interet envers soi-meme : beaucoup d'artistes construisent leurs propres points de reperes et temoignent de leur vie a travers leurs oeuvres. Notre propos etait de relever comment, a l'epoque contemporaine, la vie de l'artiste et son oeuvre sont imbriquees selon un mode nouveau. La these est constituee de trois grandes parties : la premiere partie est issue d'une analyse retroactive de mon travail plastique avec le constat d'une presence systematique des notions de photographique et d'autobiographique (le premier et le deuxieme chapitre). La seconde correspond a une etude plus large de ces notions vers quelques artistes contemporains (le troisieme, le quatrieme, le cinquieme et le sixieme chapitre). Enfin, la troisieme partie porte sur mes realisations commencees apres 1987 (le septieme chapitre)
The subject of this study is the analysis of comtemporary art using several photographic and autobiographic concepts. These concepts have served as the bases for my theoretical and plastic formulation of the problem and have allowed me to grasp the dominant ideas and characteristic experiences of contemporary art. Contemporary art is greatly influenced by the pervasive presence of photography as of means of representation. Photography is present not only in the obvious case of photographic realism, but also as a documentary source. Moreover, contemporary artists make use of the logic of photography as an artistic tool. We find it both in the form of their works and in the processes they use to produce them. Another important phenomenon in contemporary art is the interest in the self. Many artists construct their own reference points and recount their life through their works. My objective was to determine how, today, the life of the artist and his or her works overlap in a new way. The thesis is composed of three main parts : part 1 consists of a retrospective analysis of my work as a plastic artist in which the systematic presence of photographic and autobiographic concepts (chapters 1 and 2) is observed ; part 2 is a broader study of these concepts in relation to several contemporary artists (chapters 3, 4, 5 and 6) ; part 3 deals with my work after 1987 (chapter 7)

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Dagen, Philippe. "Le mythe du retour dans la peinture et les esthétiques en France, du symbolisme à l'abstraction." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040265.

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Abstract:

Par l'examen des oeuvres picturales, des demarches critiques et des doctrines esthetiques qui voient le jour en france dans le dernier tiers du dix-neuvieme siecle, la these s'applique a l'analyse des effets et des consequences de la decouverte des arts prehistoriques, africains et oceaniens ainsi que de la redecouverte des oeuvres du moyen-age occidental. De la curiosite a l'engouement et a la mode, du pastiche a des emplois de plus en plus varies et distancies, les arts "primatifs" envahissent les ateliers parisiens et apparaissent bientot comme autant de references capitales. A la suite de gauguin, les fauves - matisse et derain - et picasso font des archaismes de la couleur et du dessin les facteurs d'une rupture anti-academique et antiimpressionniste clairement definie comme telle par les ecrivains et les critiques qui accompagnent leur evolution
By a new analysis of painting and writings in fin-de-siecle france, the author reconsiders the questions of primitivism and archaic sources in modern art. The discovery of prehistoric, african and oceanian paintings and sculptures, the reevaluation of roman and gothic paintings from italy and france are the main elements of a real revolution in taste and theory. Such major artists as gauguin, matisse, derain and picasso find in these ancient or exotic works their ground inspiration and are able to build a new conception of representation and expression, against the academic rules and the tradition born from impressionnism

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Côté, Jean-François. "La profondeur et l'éclatement de l'image : réflexion critique sur l'image et les technologies." Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24882/24882.pdf.

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Dissertations / Theses on the topic 'Surréalisme (art) – Histoire et critique'

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