Dissertations / Theses on the topic 'Surrealisme (Literatura)'

The aim of this thesis is to analyse how the two Greek surrealist poets Embirikos and Engonopoulos construct a poetry of Eros. We start from a philological framework. At the same time the orientation of this thesis is clearly comparative: studying the relationship between Greek and French surrealism and also the relationship between literature and other cultural spheres, especially those in which Embirikos and Engonopoulos were immersed, psychoanalysis and painting. In the introduction we present probable reasons why a comparative study of Eros in the work of the two Greek authors widely known as the “Dioscuri of Greek surrealism” has not yet been undertaken. Those reasons might be the great weight which other questions have had for critical theory, such as “Greekness” or the political position of the surrealists, as well as the great difference between the two authors as regards Eros. Embirikos aspires to jolts of pleasure and his work is filled with eroticism whereas Engonopoulos plays with contradictions and enigmas by creating ambiguous images of love and women. In the first part we begin with an analysis of the possibility of thinking about Eros and how love and the Other become, in poetry, a linguistic creation. The Surrealists consider love to be the solution to all of life’s problems and they identify it with poetry itself. Love and writing in itself become an opening to the Other. It’s through this prism then that we look at the questions of the “surrealist voice”, at the mythology which is created around the “merveilleux”, and the “convulsive beauty”, as well as at the image of women. In the second part, the analysis of Embirikos and Engonopoulos starts from the comparison of French surrealism with the poetic propositions developed in their work. This is the “poem-event” of Embirikos, that is to say the possibility of writing the poem within the flow of its own becoming (and not just a description or preconceived idea), which is directly linked to the concept of “exteriorisation”, that is the research process of the unconscious undertaken in his poetry. For Engonopoulos, we start from the idea of a metaphysical poetry, linked to Greek tradition like a quest for the eternal as well as to the metaphysical painting of De Chirico. Next we look at the forms in which emotions appear in Embirikos and Engonopoulos' work, paying special attention to concepts such as “αγαλλίασις” (“exultation”), “ολοκλήρωσις” (“completeness”) and “χαρά” (“joy”), and next we look at how the presence of death is felt. In the last chapter we return to the comparison with Breton, studying how the “spermatic poetry” of Embirikos and the ambivalent love of Engonopoulos, somewhere between the joy and the sadness of “As soon as midnight strikes” and between the hope and the violence of “Orpheus”, is articulated in comparison with French surrealism. In the third part, the analysis is focused on the figure of the Other: on the voice and language in the first chapter, and of woman in their poetry in the second. Embirikos and Engonopoulos' language, considered as “mixed” (combining forms of demotic language and forms of “katharevousa” or “pure language”) produced a huge scandal at the time of the publication of their works. Here we analyse how this language is felt by the poets, as coming directly from the unconscious in Embirikos and as an object of love in Engonopoulos. We analyse how this language creates love and how it becomes identified with the other object of love, the woman. In the study of this figure, we begin with the analysis of the image of the woman that comes out of the texts in which Embirikos and Engonopoulos refer to the poetics of each other, after which we study the conditions in which the epiphany of woman and the encounter with her take place. Subsequently we analyse her literal construction, studying the common nouns, pronouns and proper nouns that are used to portray her. In this way we arrive at the image of women both present and absent, absorbed in their pleasure in Embirikos, desired, vanishing and paradoxical in Engonopoulos. In Embirikos, Eros and poetry are identified with the research undertaken in psyche. Corporality and eroticisation of the universe as well as his utopia are linked to the psyche. For Engonopoulos words reveal the torments of love; the woman, closely linked to the poetic voice, is, at the same time, the image of the secret that, being inexpressible, is identified with salvation
L'objectif de cette thèse est d'analyser comment Embirikos et Engonopoulos, deux poètes grecs qui se réclament du surréalisme, construisent une poétique de l'amour. Considérant la découverte de l'amour comme étant liée à la découverte d'une poétique, dans cette étude on analyse la création d'une langue poétique qui forme les émotions liées à l'amour et l'image merveilleuse de l'autre. Pour cette étude, nous partons d'une exigence philologique, c'est-à-dire, de la lecture attentive à la lettre des textes. En même temps, l'orientation de la thèse est nettement comparatiste : y sont étudiés les rapports du surréalisme grec avec le surréalisme français et aussi le rapport de la littérature avec d'autres sphères culturelles, spécialement celles dans lesquelles étaient immergés Embirikos et Engonopoulos, c'est-à-dire, la psychanalyse et la peinture. Dans l'état de la question sont exposées les raisons probables pour lesquelles une étude comparative de l'amour chez les deux auteurs grecs généralement reconnus comme « Dioscures du surréalisme grec » n'a pas encore eu lieu. Quelques-unes de ces raisons ont à avoir au grand poids qu'ont eu d'autres questions pour la critique –comme l'« hellénité » ou la position politique des surréalistes– ainsi que la grande différence entre les deux auteurs par rapport à l'amour. Embirikos aspire à l'explosion du plaisir, de telle manière que l'érotisme est partout, tandis qu' Engonopoulos tisse une œuvre qui joue avec les contradictions et les énigmes en créant des images ambigües de l'amour et de la femme. Après cette introduction, sont analysés, dans une première partie, la possibilité de penser l'amour et l'amour surréaliste. Nous partons de la vision de l'amour comme manque, qui porte à voir dans l'objet imaginaire que constitue l'autre le siège de toutes les idéalisations. C'est ainsi que l'amour et l'autre deviennent, dans la poésie, une création langagière. Les surréalistes considèrent l'amour comme la solution à tous les problèmes de la vie en même temps qu'ils l'identifient à la poésie même. L'amour et l'écriture deviennent une ouverture à l'autre. C'est sous ce prisme, donc, que sont étudiées les questions de la « voix surréaliste », de la mythologie qui se crée autour du « merveilleux » et de la « beauté convulsive » –c'est-à-dire, de tout ce qui peut remuer le plus profondément la sensibilité des poètes, dans la vie et dans le langage poétique–, pour passer ensuite à l'étude de l'image de la femme. Dans la deuxième partie, l'analyse d'Embirikos et d'Engonopoulos part de la comparaison du surréalisme français avec les propositions poétiques élaborées dans son œuvre. Ce sont le « poème évènement » chez Embirikos, c'est-à-dire, la possibilité d'écrire le devenir même du poème, (et non pas une description ou une idée préconçue), ce qui est étroitement lié à l'« extériorisation », le processus de recherche dans l'inconscient qui se trouve dans la poétique d'Embirikos. Pour Engonopoulos, nous partons de l'idée d'une poésie métaphysique, liée à la pensée grecque comme recherche d'éternité ainsi qu' à la peinture métaphysique de De Chirico, qui prend corps dans la parole poétique d'Engonopoulos dans les distorsions spatiales et les contradictions avec lesquelles jouent ses poèmes. Ensuite sont étudiés les formes d'apparition des émotions chez Embirikos et chez Engonópulos, en portant une attention spéciale à des concepts comme « αγαλλίασις » (« exultation »), « ολοκλήρωσις » (« complétude ») et « χαρά » (« joie »), pour passer ensuite à comment est ressentie la présence de la mort, si éludée, si moquée, mais si présente. Au dernier chapitre, nous retournons à la comparaison avec Breton, pour voir comment s'articulent en comparaison avec le surréalisme français la « poésie spermatique » d'Embirikos et l'amour ambivalent d'Engonopoulos, entre la « joie » et la « tristesse » dans « Dès que minuit sonne » et entre l'espoir et la violence dans « Orphée ». Dans la troisième partie, l'analyse se centre sur la figure de l'Autre : de la parole et la langue dans un premier chapitre, de la femme dans un deuxième. La langue d'Embirikos et d'Engonopoulos, qualifiée comme « mixte » (c'est-à-dire, combinant de formes de la langue démotique et de formes de la « katharevousa » ou « langue pure ») avait provoqué un grand scandale au moment de l'apparition de leurs œuvres. Nous analysons ici comment cette langue est ressentie par les poètes comme une figure de l'autre, comme venue directement de l'inconscient chez Embirikos, comme un objet d'amour chez Engonopoulos. Nous analysons en même temps comment cette langue est créatrice de l'amour et comment elle s'identifie à l'autre grand objet d'amour, la femme. Dans l'étude de cette figure, de la femme, nous partons de la possible contradiction que pourrait supposer le fait de voir la femme comme autre, comme quelqu'un étranger qui vient « me donner de mes nouvelles », selon les mots de Breton, et en même temps comme une création. Pour ce faire nous analysons l'image de la femme qui se dégage des textes où Embirikos et Engonopoulos se réfèrent à la poétique l'un de l'autre, pour passer à l'étude des conditions dans lesquelles ont lieu l'épiphanie de la femme et la rencontre avec elle, en premier, et sa construction littérale, ensuite, en analysant les noms communs, les pronoms et les noms propres qui lui sont attribués. C'est ainsi que nous arrivons à l'image d'une femme présente et absente, la femme plongé dans son plaisir chez Embirikos, désirée, fuyante et parfois inquiétante chez Engonopoulos. Le surréalisme amène les deux auteurs à une ouverture à l'autre, de laquelle naît la création d'une poétique de l'amour. Chez Embirikos, amour et poésie s'identifient à la recherche dans le psychisme. Toute la corporalité de son œuvre, l'érotisation de l'univers ainsi que son utopie du futur sont nouées à la psyché et à la parole, au « dire », à la possibilité d'« extérioriser ». Pour Engonopoulos les mots sont révélateurs des tourments de l'amour, la femme est révélatrice de la parole et, en même temps, image du secret qui, en étant indicible, devient salvateur.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:45:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marinice Argenta2.pdf: 736406 bytes, checksum: 67a3d76d27b6c8f9365698497a7d60ee (MD5) Previous issue date: 2007-02-02
Fundo Mackenzie de Pesquisa
This dissertation analyzes three literary aesthetics: symbolism, surrealism, and "fantastic , willing to point out the dialogue established among them. The spoken dialogue can be evidenced not exclusively when the same thematic is applied, but also when some resources are (re)used and (re)meant. Both of them bring new ways of looking and interpreting the world. In order to observe how the aesthetic-philosophical features can be easily taken from literary texts, at the end of each chapter there will be an examination of a poem concerning the aesthetics studied. That will be the moment to check on the way the meaning effects generated from the specific features are made up in the text. By the comparison between the three literary aesthetics, not only ways to create the artistic object will be discovered, and consequently new ways of thinking, as well as the manner some contact points among the aesthetics, will be presented.
Esta dissertação analisa três estéticas literárias: simbolismo, surrealismo e fantástico, com a intenção de mostrar o diálogo que elas estabelecem entre si, quer mediante a retomada de certas temáticas, quer em virtude da presença de recursos que são (re)elaborados e (re)significados. Ambos os expedientes são portadores privilegiados de expressão de novas perspectivas de olhar e de interpretar o mundo. Para observar como os traços estético-filosóficos podem ser facilmente depreendidos dos textos literários, examina-se, ao final de cada capítulo, um poema relativo à estética estudada, momento em que se oferece a oportunidade de observar os efeitos de sentido que os aludidos recursos criam nas malhas do texto. Do cotejo entre as três manifestações literárias, descobrem-se não apenas maneiras diferentes de criação do objeto artístico e, por extensão, de novos direcionamentos do pensamento humano, como também se lêem pontos de contato entre as estéticas apresentadas.

Orientador: Guacira Marcondes Machado Leite
Banca: Paulo Cesar Andrade da Silva
Banca: Silvana Vieira da Silva
Resumo: O objetivo deste trabalho é comparar a poesia de Jacques Prévert e de Mario Quintana à luz dos elementos lúdicos que ambos, em nosso entender, apresentam. Levando em consideração principalmente a teoria de Johan Huizinga sobre o jogo e a poesia, analisamos poemas de Prévert e de Quintana tentando apontar as diferenças e as semelhanças do processo lúdico em ambos. Consideramos ainda a influência que o movimento surrealista exerce sobre os dois poetas estudados e a ligação deste movimento com o jogo. Iniciamos esta pesquisa utilizando o livro Homo ludens de Huizinga e, posteriormente, intentamos fazer um percurso sobre a teoria do jogo. Consideramos, inicialmente, a Crítica da faculdade do juízo de Kant e A educação estética do homem de Schiller e a contribuição de ambos para o início de uma efetiva teorização sobre o jogo. Levamos em conta ainda, as considerações de Umberto Eco e de Roger Caillois, no que estes podiam acrescentar à teoria de Huizinga, além das aproximações entre poesia e mito apontadas por Ernst Cassirer. Desse modo, embasados nessas proposições teóricas, pensamos ter encontrado uma intersecção entre poesia e jogo e tê-la utilizado como principal elemento de comparação entre os dois poetas acima mencionados
Abstract: It is this work's goal to compare the poetry of Jacques Prévert and Mario Quintana based on the ludic elements which, for us, both of them present. Considering especially Johan Huizinga's theory about the play and the poetry, we analyzed poems of Prévert and Quintana, in which we pointed the differences and similarities of the ludic process in both poets. We also considered the fact that both poets were influenced by the surrealistic movement and the connection between this movement and the concept of play. In the start of this research we used Huizinga's Homo ludens, and then we analyzed the trajectory of the theory of play - through Kant's Crítica da faculdade do juízo and Schiller's A educação estética do homem, books which have a great contribution to an effective theorization of play. We also studied the commentaries of Umberto Eco and Roger Caillois, considering what they can add on Huizinga's theory. At last we analyzed the approximations between poetry and myth pointed by Ernst Cassirer. So, through this theoretical propositions, we can conclude that there is an intersection between poetry and play - and it was our objective to compare Prévert's and Quintana's poetry considering this intersection
Mestre

Orientador: Adilson José Ruiz
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-18T04:40:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zani_Ricardo_D.pdf: 3571234 bytes, checksum: e29331768ad5f486c1e0293e33541420 (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: Para o cineasta Luis Buñuel as estranhezas deveriam sempre fazer parte de seus filmes. Um homem formado por contradições, assim era Buñuel, com seu menosprezo à sociedade e à religião cristã. Esta tese apresenta o argumento de que desde a realização do seu primeiro curta-metragem Um Cão Andaluz, roteirizado em parceria com Salvador Dalí, houve uma coerência de pensamento que estabeleceu para ambos um caminho a seguir. No prólogo deste filme, a metáfora de uma jovem moça tendo seu olho rasgado por uma navalha tornou-se cinematograficamente uma verdade estarrecedora e a essência de uma narrativa que transformou e codificou os preceitos surrealistas em dois únicos e universais temas, o amor e a liberdade, ao sintetizar a arte deste movimento nas questões mais caras aos participantes do grupo. Destaca-se aqui a galeria de estilos que se instalou na cinematografia de Luis Buñuel para reafirmar constantemente os traços marcantes de sua obra, dentre eles a polifonia, esclarecendo que a mesma reside em seus discursos quando estes se entrelaçam, se misturam e se completam. Nesta polifonia buñueliana se distingui o encontro de Um Cão Andaluz, Viridiana e Bela da Tarde com a pintura Angelus de Jean-François Millet para caracterizá-lo como um elemento constitutivo das reminiscências de Luis Buñuel e de Salvador Dalí. Resulta deste encontro polifônico uma mensagem comum nas obras aqui estudadas com o objetivo de expor que todos estes elementos apontam para uma relação com determinadas características medievais pesquisadas por Mikhail Bakhtin, a morte e os excrementos inseridos na renovação dos desejos sexuais do homem
Abstract: For the filmmaker Luis Buñuel the oddities should always be part of his films. A man made up of contradictions, so it was Buñuel, with his contempt for society and Christian religion. This thesis presents the argument that since the completion of his first short film Un Chien Andalou, written in collaboration with Salvador Dalí, there was a consistency of thought for both established a way forward. In the prologue of this film, the metaphor of a young girl with her eye torn by a knife has become a cinematic appalling truth and essence of a narrative that transformed and codified the precepts surrealists in two unique and universal themes, love and liberty, synthesize the art of this movement on the issues most dear to the group participants. We highlight here the style gallery which was installed in the film by Luis Buñuel to constantly reaffirm the hallmarks of his work, including polyphony, explaining that it lies in his speeches when they intertwine, blend and complement each other. This polyphony buñueliana be distinguished from the meeting Chien Andalou, Viridiana and Belle Afternoon with Angelus painting by Jean-Francois Millet to portray him as a constituent element of the remnants of Luis Buñuel and Salvador Dalí. Results of this meeting a common message in polyphonic works studied here in order to expose all these elements point to a relationship with certain medieval features surveyed by Mikhail Bakhtin, death and excrement inserted in the renewal of man's desires sexual
Doutorado
Artes Visuais
Doutor em Artes

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2018-05-03T17:38:00Z No. of bitstreams: 1 LUZIA MARINA KELLER MORLÓC.pdf: 1016921 bytes, checksum: 2504f0c853714e214114d37c647a31a6 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-05-03T17:38:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 LUZIA MARINA KELLER MORLÓC.pdf: 1016921 bytes, checksum: 2504f0c853714e214114d37c647a31a6 (MD5) Previous issue date: 2018-02-22
This research aims at reanalyzing an interpretative analysis between Edival Lourenço 's work Centopeia de Neon and some paintings of avant - garde dadaist and surrealist currents based on the aesthetic currents of humor, laughter and irony. The choice to make a comparative study between the novel Centopeia de Neon by Edival Lourenço and some paintings selected from the cutting edge of Dadaism and Surrealism was due to the fact that these arts present similarities and establish intertextual relations between the fields of work. As well as the emphasis attributed to works as a means of breaking with traditional art forms. The current Dadaist vanguard brings features such as: the critique of capitalism and consumption; the emphasis on the absurd and the themes and contents that deny the formal logic, with a strong pessimistic and ironic character, mainly in relation to political events. In this way, we propose a cultural and social dialogue between the two specific types of artistic manifestations Painting and Literature.
Esta pesquisa tem como escopo realizar uma analise interpretativa entre a obra A Centopeia de Neon, de Edival Lourenço e algumas pinturas das correntes vanguardistas dadaísta e surrealista tendo como base teórica as correntes estéticas do humor, do riso e da ironia. A escolha por fazer um estudo comparativo entre o romance A Centopeia de Neon, de Edival Lourenço e algumas pinturas selecionadas/retiradas das correntes de vanguarda Dadaísmo e Surrealismo se deu por essas artes apresentarem semelhanças e estabelecerem relações intertextuais entre os campos de trabalho. Assim como o destaque atribuído às obras como meio de ruptura com as formas de arte tradicionais. A corrente de vanguarda Dadaísta traz características tais como: a crítica ao capitalismo e ao consumo; a ênfase no absurdo e nos temas e conteúdos que negam a lógica formal, com um forte caráter pessimista e irônico, principalmente com relação aos acontecimentos políticos. Deste modo, propomos um diálogo cultural e social entre os dois tipos específicos de manifestações artísticas Pintura e Literatura.

Esta pesquisa tenciona compreender as relações do escritor Mário de Andrade (1893-1945) com a literatura surrealista, considerando manuscritos e livros em seu acervo, no patrimônio do Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo (IEB-USP), bem como a sua obra publicada. A pesquisa reúne e transcreve textos literários e ensaísticos atinentes ao Surrealismo, mencionados nos manuscritos do Fichário Analítico de Mário de Andrade; promove o levantamento de obras e de periódico surrealistas franceses presentes na biblioteca do criador de Macunaíma, recuperando anotações de leitura, as quais sugerem diálogos de criação na esfera da crítica literária e da literatura; congrega igualmente juízos críticos de Mário de Andrade sobre o Surrealismo expressos em sua obra édita e correspondência
This search intends to understand the relationship of the writer Mário de Andrade (1893 1945) with the Surrealist literature, considering handwritten and books in his collection, in the property of Institute of Brazilian Studies of São Paulo University (IEB-USP), as like his published work. The search gathers and transcripts literary and essayist texts pertinent to surrealism, mentioned in the handwritten of Mário de Andrades Analytical Card index; it organizes the survey of works and the French Surrealists periodic presents in the library of Macunaimas creator, recapturing reading notes, which suggest dialogues of creation in the literary critic sphere and the literature; it gathers equally Mário de Andrades criticizes judges about Surrealism expressed in his published work and correspondence.

Made available in DSpace on 2015-03-03T11:52:57Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-04-28Bitstream added on 2015-03-03T12:06:48Z : No. of bitstreams: 1 000810045.pdf: 376158 bytes, checksum: 7aeb866705298719cffefd95365807cb (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Dans ce travail, nous avons l'intention d'analyser le poème L'Homme approximatif (1931), de Tristan Tzara (1896-1963), en nous concentrant principalement sur la formation du langage poétique et du sujet lyrique dans cette oeuvre. Nous considérons les processus de création poétique issus des Avant-gardes du début du XXe siècle, en soulignant l’esthétique dadaïste et surréaliste, sur laquelle le poète franco-roumain s'appuie pour créer son oeuvre qui constitue une grande réflexion sur l’art poétique, ainsi qu'une analyse critique de la société moderne, une critique qui reflète ses idéaux artistiques et philosophiques, faisant de ce poème une des grandes oeuvres de la poésie moderne. Pour cela, le travail s'appuie sur les réflexions théoriques sur la modernité et l'avant-garde, comme celles développées par Matei Calinescu et Marjorie Perloff; sur les propositions concernant les caractéristiques de la production poétique de Tristan Tzara et ses réflexions sur la poésie et l'art; sur les réflexions concernant les caractéristiques du Dada et du Surréalisme. Finalement, les propositions théoriques sur la poésie et le sujet lyrique, présentées dans les études de Hugo Friedrich et Anne Elaine Cliche nous permettront d’analyser de manière plus approfondie l'une des oeuvres les plus importantes de l'auteur. Ainsi, le travail vise à contribuer à la réflexion sur la poésie et la manifestation du sujet lyrique qu’elle permet. De cette manière, la recherche portera des questions sur les notions de sujet et de langage proposées par les avant-gardes, à partir de l’analyse de cette oeuvre qui est l'un des exemples les plus significatifs de cette poésie. Il s’agit de dévoiler des aspects importants d'un écrivain dont la poésie, éclipsée par le caractère provocateur de ses manifestes et par son rôle dans le mouvement dada, est encore peu connue et étudiée. Cette recherche vise à approfondir...
Neste trabalho, pretende-se analisar o poema L’Homme approximatif (1931), de Tristan Tzara (1896-1963), focalizando sobretudo como se dá a formação da linguagem poética e a constituição do sujeito lírico nesta obra. Consideramos o processo de criação poética a partir dos procedimentos surgidos nas Vanguardas do início do século XX, destacando-se as estéticas dadaísta e surrealista, das quais o poeta franco-romeno se vale em sua obra, que se constitui em uma grande reflexão sobre o fazer poético, bem como uma análise crítica sobre a sociedade moderna, crítica que reflete seus ideais artísticos e filosóficos, fazendo deste poema uma das grandes obras da poesia moderna. Para tanto, o trabalho apoia-se em reflexões teóricas sobre a modernidade e a vanguarda, como as desenvolvidas por Matei Calinescu e Marjorie Perloff; proposições a respeito das características da produção poética de Tristan Tzara e suas reflexões sobre poesia e arte; reflexões sobre as características do Dadaísmo e do Surrealismo. Por fim, as proposições teóricas sobre poesia e sobre o sujeito lírico, apresentadas em estudos como os de Hugo Friedrich e Anne Elaine Cliche permitirão o aprofundamento da análise dessa que é uma das obras mais importantes do autor. Desse modo, o trabalho visa contribuir com reflexões acerca da poesia, e de como se dá a manifestação do sujeito por meio dela. Assim, o trabalho discutirá as ideias sobre sujeito e linguagem propostas pelas vanguardas, partindo da análise desta obra que é um dos exemplos mais significativos dessa poesia. Trata-se de revelar aspectos importantes de um autor cuja poesia lírica, ofuscada pelo caráter provocador de seus manifestos e por sua atuação no movimento Dadá, ainda é pouco conhecida e estudada. Com isso, pretende-se aprofundar os estudos sobre as vanguardas artísticas, suas características, variações e transformações, a fim de compreender sua repercussão sobre...

Orientador: Adalberto Luis Vicente
Banca: Guacira Marcondes Machado Leite
Banca: Norma Domingos
Resumo: Neste trabalho, pretende-se analisar o poema L'Homme approximatif (1931), de Tristan Tzara (1896-1963), focalizando sobretudo como se dá a formação da linguagem poética e a constituição do sujeito lírico nesta obra. Consideramos o processo de criação poética a partir dos procedimentos surgidos nas Vanguardas do início do século XX, destacando-se as estéticas dadaísta e surrealista, das quais o poeta franco-romeno se vale em sua obra, que se constitui em uma grande reflexão sobre o fazer poético, bem como uma análise crítica sobre a sociedade moderna, crítica que reflete seus ideais artísticos e filosóficos, fazendo deste poema uma das grandes obras da poesia moderna. Para tanto, o trabalho apoia-se em reflexões teóricas sobre a modernidade e a vanguarda, como as desenvolvidas por Matei Calinescu e Marjorie Perloff; proposições a respeito das características da produção poética de Tristan Tzara e suas reflexões sobre poesia e arte; reflexões sobre as características do Dadaísmo e do Surrealismo. Por fim, as proposições teóricas sobre poesia e sobre o sujeito lírico, apresentadas em estudos como os de Hugo Friedrich e Anne Elaine Cliche permitirão o aprofundamento da análise dessa que é uma das obras mais importantes do autor. Desse modo, o trabalho visa contribuir com reflexões acerca da poesia, e de como se dá a manifestação do sujeito por meio dela. Assim, o trabalho discutirá as ideias sobre sujeito e linguagem propostas pelas vanguardas, partindo da análise desta obra que é um dos exemplos mais significativos dessa poesia. Trata-se de revelar aspectos importantes de um autor cuja poesia lírica, ofuscada pelo caráter provocador de seus manifestos e por sua atuação no movimento Dadá, ainda é pouco conhecida e estudada. Com isso, pretende-se aprofundar os estudos sobre as vanguardas artísticas, suas características, variações e transformações, a fim de compreender sua repercussão sobre...
Résumé: Dans ce travail, nous avons l'intention d'analyser le poème L'Homme approximatif (1931), de Tristan Tzara (1896-1963), en nous concentrant principalement sur la formation du langage poétique et du sujet lyrique dans cette oeuvre. Nous considérons les processus de création poétique issus des Avant-gardes du début du XXe siècle, en soulignant l'esthétique dadaïste et surréaliste, sur laquelle le poète franco-roumain s'appuie pour créer son oeuvre qui constitue une grande réflexion sur l'art poétique, ainsi qu'une analyse critique de la société moderne, une critique qui reflète ses idéaux artistiques et philosophiques, faisant de ce poème une des grandes oeuvres de la poésie moderne. Pour cela, le travail s'appuie sur les réflexions théoriques sur la modernité et l'avant-garde, comme celles développées par Matei Calinescu et Marjorie Perloff; sur les propositions concernant les caractéristiques de la production poétique de Tristan Tzara et ses réflexions sur la poésie et l'art; sur les réflexions concernant les caractéristiques du Dada et du Surréalisme. Finalement, les propositions théoriques sur la poésie et le sujet lyrique, présentées dans les études de Hugo Friedrich et Anne Elaine Cliche nous permettront d'analyser de manière plus approfondie l'une des oeuvres les plus importantes de l'auteur. Ainsi, le travail vise à contribuer à la réflexion sur la poésie et la manifestation du sujet lyrique qu'elle permet. De cette manière, la recherche portera des questions sur les notions de sujet et de langage proposées par les avant-gardes, à partir de l'analyse de cette oeuvre qui est l'un des exemples les plus significatifs de cette poésie. Il s'agit de dévoiler des aspects importants d'un écrivain dont la poésie, éclipsée par le caractère provocateur de ses manifestes et par son rôle dans le mouvement dada, est encore peu connue et étudiée. Cette recherche vise à approfondir...
Mestre

Submitted by Cleber Ederson Soares null (cleber.ar@gmail.com) on 2018-04-18T02:41:34Z No. of bitstreams: 1 Correção final da dissertação (2) A linha clássica na lírica neomodernista de Péricles Eugênio da Silva Ramos.pdf: 1378715 bytes, checksum: 1f2f202cac3d2c1891e1c841e507c1e8 (MD5)
Approved for entry into archive by Elza Mitiko Sato null (elzasato@ibilce.unesp.br) on 2018-04-18T18:17:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 soares_ce_me_sjrp.pdf: 1407843 bytes, checksum: a48d7553f27ad6b9f43d7d845608b6aa (MD5)
Made available in DSpace on 2018-04-18T18:17:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 soares_ce_me_sjrp.pdf: 1407843 bytes, checksum: a48d7553f27ad6b9f43d7d845608b6aa (MD5) Previous issue date: 2018-02-19
O objetivo de estudo deste projeto são os livros de poesia Lamentação Floral, de 1946, e Sol Sem Tempo, de 1953, ambos de autoria de Péricles Eugênio da Silva Ramos (1919-1992), um dos poetas mentores da “Geração de 45” em São Paulo. Este estudo tem como objetivo analisar a linha clássica que a crítica identifica como predominante nesses livros. A crítica o destaca como um poeta essencialmente órfico. Entretanto, além desse referencial clássico, percebemos que o poeta também resgata outros como o discurso oracular, a tragédia grega, o erotismo e o sublime gregos. Tais referenciais aparecem dissolvidos em sua poesia e com eles, o poeta nos coloca em contato com amplas questões estéticas e ontológicas do universo grego, como a concepção do cosmos como a luta e combinação de contrários. A linha clássica sinalizou um conjunto de questões em comum com os pressupostos estéticos do surrealismo, principalmente em relação à necessidade do retorno ao mundo primitivo, para que o homem reaprendesse a superar a barreira entre sonho e realidade, resgatando seu espírito criativo. Para atingir tal objetivo, Péricles recria o mundo órfico grego e situa o leitor na condição de Orfeu, que enfrenta o caos original e o organiza mediante a criação de unidades cósmicas, cuja essência é a construção da suprarealidade almejada pelos surrealistas. Na perspectiva da exploração de questões ontológicas, detectamos que o poeta resgata do mesmo referencial grego uma concepção de futuro disfórico, que se concretiza na conciliação dos contrários, tendo como meta a configuração do tempo presente, como uma unidade transitória. Essas concepções auxiliam-no a repensar seu tempo, marcado pelo período entre as duas Grandes Guerras Mundiais e pelo pós-guerra.
The objective of this project is the poetry books Lamentação Floral (1946) and Sol Sem Tempo (1953), both by Pericles Eugênio da Silva Ramos (1919-1992), one of the mentor poets of the "Generation of 45" in Sao Paulo. This study aims to analyze the classic line that critics identify as predominant in these books. Criticism highlights him as an essentially Orphic poet. However, in addition to this classical reference, we can see that the poet also rescues others such as the oracular discourse, the Greek tragedy, the eroticism and the sublime Greeks. Such references appear dissolved in their poetry and with them the poet puts us in touch with broad aesthetic and ontological questions of the Greek universe as the conception of the cosmos as the struggle and combination of opposites. The classic line signaled a set of issues in common with the aesthetic assumptions of Surrealism, especially in relation to the need to return to the primitive world, so that man could learn to overcome the barrier between dream and reality, rescuing his creative spirit. In order to achieve this goal, Pericles recreates the Greek Orphic world and situates the reader in the condition of Orpheus, who confronts the original chaos and organizes it by creating cosmic units, whose essence is the construction of the surreal reality aimed at by the surrealists. From the perspective of the exploration of ontological questions, we detect that the poet rescues from the same Greek reference a conception of the dysphoric future, which is concretized in the conciliation of opposites, having as a goal the configuration of the present time, as a transitory unit. These conceptions help him to rethink his time, marked by the period between the two Great World Wars and the postwar period.

Orientador: Adélia Toledo Bezerra de Meneses
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-24T23:27:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Musilli_Celia_M.pdf: 2381698 bytes, checksum: 6a1d3fb1ffb3ee3921bdce966c80462f (MD5) Previous issue date: 2014
Resumo: O objetivo da dissertação é analisar os livros Hospício é Deus ¿ Diário I e O Sofredor do Ver de Maura Lopes Cançado, escritora considerada esquizofrênica, fazendo uma relação entre literatura e loucura, com ênfase na linguagem utilizada. Em Hospício é Deus, ela utiliza a escrita como forma de organizar sua experiência no manicômio, dando voz à sua angústia não só como indivíduo, mas também como testemunha dos dramas coletivos. O livro é um relato realista, considerado um documento importante sobre a vida manicomial no Brasil nos 1950, período em que Maura passou por vários internamentos. Seu maior mérito é a dar voz aos loucos, legitimando um discurso de pessoas quase sempre excluídas do processo social e cultural. Na análise deste livro são abordados alguns eixos temáticos como Deus, loucura, culpa, sexo e afetividade, além da relação entre "olho e o olhar" bastante recorrente na obra de Maura, sob o ponto de vista da vigilância no hospício e sua observação atenta da realidade transformada em literatura. O Sofredor do Ver é uma obra ficcional pouco estudada. Traz doze contos nos quais a loucura e o delírio são temas que aparecem de forma objetiva ou subjetiva, demandando uma análise da linguagem a partir, sobretudo, das imagens poéticas que dão pistas sobre o inconsciente da obra. Seus contos apresentam forte conteúdo autobiográfico e traços surrealistas a partir de um viés delirante ou de conteúdo onírico, bem como pela crítica ao sistema manicomial que pontua toda sua obra
Abstract: The purpose of the dissertation is to examine the books Hospício é Deus ¿ Diário I and O Sofredor do Ver by Maura Lopes Cançado, writer considered schizophrenic, establishing a relationship between literature and madness, with enphasis on the language used by her. In Hospício é Deus ¿ Diário I , she uses writing as a way to organize her experience in the asylum, voicing her anguish not only as an individual but also as a witness of collective dramas. The book is a realistic portrayal, regarded as an important document on asylum life in Brazil in the 1950¿s, a period when Maura went through several hospitalizations. Its greatest merit is to give voice to the insane, legitimizing a speech of people most often excluded from social and cultural processes. Some thematic axes are discussed are approached in the analysis of this book, such as God, madness, guilt, sex and affection, and also the relationship between "eye and looking", highly recurrent in Maura¿s work, from the point of view of surveillance in hospice and her close observation of reality transformed into literature. O Sofredor do Ver is a fictional work scarcely studied. It brings twelve short stories in which madness and delusion are themes that appear objectively or subjectively, requiring an analysis of language from, mostly, poetic images that give clues about the unconscious of the work. Her short stories present a strong autobiographical content and surrealist traits from a delusional bias or a dream-like content, as well as the criticism of the asylum system that punctuates all of her work
Mestrado
Teoria e Critica Literaria
Mestra em Teoria e História Literária

Nesta tese se realiza um estudo das atividades do argentino Aldo Pellegrini, que se destacou por ser o pioneiro na divulgação e organização do surrealismo na Argentina e na América Latina, bem como, por ser um escritor polígrafo de grande talento: crítico de arte, ensaísta, dramaturgo, tradutor e um poeta “notável” (o adjetivo é de Octavio Paz). Este trabalho está organizado em quatro partes. Na primeira, se esboçam as características que definem o surrealismo. Na segunda - e após fazer referência ao contexto literário argentino dos anos 20 - se estuda cronológicamente a trajetória de Pellegrini: o descubrimento do surrealismo, seu papel na formação e no crescimento do grupo surrealsita argentino (o que inclui a publicação de revistas), sua obra literária (cinco livros de poemas e um de teatro), seus textos ensaísticos, etc. Na terceira parte, se examina sua produção ensaística, na qual se destaca sua visão acerca do mundo, da arte de sua época, da poesía, do artista e do maravilhoso. E, na quarta parte, se aborda a recepção de seu trabalho, tentando descrever seu grau de aceitação, considerando as diversas manifestações críticas e interpretações que se realizaram sobre Aldo Pellegrini no momento em que sua obra veio à luz, e ao longo da história. Se pode observar, que a acolhida passou por etapas bem definidas: no princípio, o silêncio por parte do público e da crítica; depois, reprovação e deboche, e, mais tarde, reconhecimento de setores da intelectualidade e alguns estudos acadêmicos.
En esta tesis se realiza un estudio de las actividades del argentino Aldo Pellegrini, que se destacó por ser el pionero en la divulgación y organización del surrealismo en Argentina y Latinoamérica, así como también por ser un escritor polígrafo de gran talento: crítico de arte, ensayista, dramaturgo, traductor y un poeta “notable” (el adjetivo es de Octavio Paz). Este trabajo está organizado en cuatro partes. En la primera, se esbozan las características que definen el surrealismo. En la segunda - y después de hacer referencia al contexto literario argentino de los años 20 - se estudia cronológicamente la trayectoria de Pellegrini: el descubrimiento del surrealismo, su papel en la formación y crecimiento del grupo surrealista argentino (lo que incluye la publicación de revistas), su obra literaria (cinco libros de poemas y uno de teatro), sus textos ensayísticos, etc. En la tercera parte, se examina su producción ensayística, en la que se subraya su visión acerca del mundo, del arte de su época, de la poesía, del artista y de lo maravilloso. Y, en la cuarta parte, se aborda la recepción de su labor, tratando de describir el grado de aceptación, considerando las diversas manifestaciones críticas e interpretaciones que se han realizado sobre Aldo Pellegrini en el momento en que aparecieron sus trabajos, y a lo largo de la historia. Se observa que la acogida pasó por etapas claramente definidas: al inicio, silencio por parte del público y de la crítica; después, reprobación y burla, y, más tarde, reconocimiento de sectores de la intelectualidad y algunos estudios académicos.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-graduação em Literatura, Florianópolis, 2011
Made available in DSpace on 2012-10-26T00:40:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 297828.pdf: 1171830 bytes, checksum: 50c6f4b6f1461d8cfe9fb9d3c0a8fe2e (MD5)
A presente tese é um trabalho que se articula sobre dois eixos. O primeiro propõe estabelecer uma relação entre a flânerie praticada no século XIX e aquela praticada no século seguinte pelo surrealismo. Flânerie que adquire outros contornos quando apropriada pelos surrealistas, que farão dela uma prática de poetização do cotidiano, a qual ambiciona a fusão entre real e imaginário enquanto tentativa da libertação total do homem. O outro eixo no qual se articula essa tese se refere à tradução de um excerto de Nadja, obra de André Breton, no qual a temática da flânerie e dos preceitos fundamentais do surrealismo se faze presente. Nadja foi publicada originalmente em 1928 na França, e conta com duas traduções no Brasil. A primeira editada pela extinta Editora Guanabara em 1987 e a segunda pela Editora Cosacnaify em 2007, ambas trazendo o mesmo tradutor. A tradução do trecho da obra de Breton baseia-se na teoria da tradução de Antoine Berman e procura estabelecer diálogo com as traduções anteriores, além de procurar compreendê-las enquanto inserção no contexto de recepção do surrealismo no Brasil.
Il s#agit d#une investigation développée sur deux axes principaux. On établit des rapports entre la flânerie pratiquée au XIXe siècle et le surréalisme au XXe siècle. En fait, une flânerie qui présente des contours différents chez les surréalistes. Pratiquée selon un processus de poétisation de chaque jour, dont on constate le tentative de fusion entre le réel et l#imaginaire par le biais de la libération totale de l'homme. Cette même thèse est explicitée lors de la traduction d'un extrait de Nadja, oeuvre d'André Breton, dont la flânerie et les questions fondamentaux du surréalisme sont présents. Nadja a été publié en 1928 en France. Au Brésil, il existent deux traductions, la première lancée par la maison d#édition Guanabara en 1987 et la seconde par Cosacnaify en 2007, toutes les deux réalisées par le même traducteur. La traduction de l#extrait de Nadja, proposée dans cette recherche, a été soutenue par la théorie de la traduction d'Antoine Berman et cherche à établir des rapport avec les traductions précédentes, de façon à les comparer et mieux les comprendre dans dans le contexte de la réception du surréalisme au Brésil.

Made available in DSpace on 2016-08-10T11:07:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 NILDA MARIA DA ROCHA SILVA.pdf: 625076 bytes, checksum: 6202a7d9bd5d51a89f3c51ffa26446f2 (MD5) Previous issue date: 2009-09-15
This dissertation has as base of study full Mario Quintana book, it has a propose of to study the metaphoric language and to show also traces of Surrealism which can be seen in different texts. In it will be showed that Quintana has a lyric poetry enjoyed strong irony and single authenticity. Mario build a poetry speech without artificialism. Modern writer, he mode everything to tell of his of his desire of being free of the literary label, he didn t become attached to follow any manner and didn t want to be put in poetry style. The surrealists traces of his poet has a faze paper which put him like a absolute creator. This attitude is more than a way of expression, it is an antidote to the common sense. In his poetry act of opening his magic windows, he creates a profusion of metaphor he gets to show a magic world through of the writing, and, this diversity poetic is seen in all of his poem. This poetry text is extremately metaphoric. However, the metaphors that are in quintaneanos texts take not only to a metaphor that shows a surrealist message or daily image, but take to a single metaphor, a live metaphor that show a transposition of meanings.
Essa dissertação tem como base de estudo a obra completa de Mário Quintana, com a proposta de estudar a linguagem metafórica e mostrar traços surrealistas que acentuam em vários textos dela. Será mostrado que Quintana com seu lirismo, aliado à fina ironia e autenticidade ímpar, construiu um discurso poético despido de artificialismos. Escritor moderno, ele fez questão de anunciar seu desejo de permanecer livre dos rótulos literários, não se apegou a modismos e não aceitou ser enquadrado em estilos ou movimento poético. Os traços surrealistas deste poeta se fazem pelo papel libertador que confere à posição de criador, ele usa dessa atitude mais do que, uma forma de expressão, mas como um antídoto ao senso-comum. Em seu ato poético de abrir sua janela mágica, ele cria uma profusão de metáforas e apresenta um mundo mágico através da escrita, e, essa diversidade poética é evidenciada ao longo de sua obra. O texto poético é extremamente metafórico. Porém, as metáforas presentes nos textos quintaneanos encaminham não somente para uma metáfora que proporciona uma imagem surrealista, ou imagem cotidiana, mas para uma metáfora singular, uma metáfora viva que apresenta uma transposição de significados.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2015.
Made available in DSpace on 2015-11-17T03:07:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 336245.pdf: 1875392 bytes, checksum: 43bfd384b7bd3c61c41745b2c9f3bc1e (MD5) Previous issue date: 2015
O presente estudo volta-se para os poemas de linguagem surrealista, especificamente os poemas do peruano Emilio Adolfo Westphalen. Inserido na área de tradução comentada de textos literários, esta dissertação deseja desenvolver um estudo sobre como os surrealistas aspiravam traduzir o inconsciente em seus textos para, só então, pensar sobre a tradução levando em conta esses mecanismos. Para tal, legitima-se a pesquisa relacionada aos mecanismos envoltos nessa linguagem e como se traduziu este surrealismo francês na América Latina. A fundamentação teórica está baseada em teorias da tradução de Antoine Berman, de Walter Benjamin, Haroldo de Campos, Ezra Pound e Henri Meschonnic.

Abstract : The hereby study resolves around poems containing surrealist language with emphasis on the ones surrealist poems by the Peruvian poet Emilio Adolfo Westphalen. Aligned at the literary translation perspective, the objective of this research is to carry out a study on how surrealists were inclined to ?translate? the unconscious in their texts in first place, for later thinking about the translation process taking those mechanisms into account. To do so, this research explores the study of the mechanisms related to the surrealist language and how the French surrealism has been expressed in Latin America. Its theoretical framework is based on the translation theories set forth by Antoine Berman, Walter Benjamin, Haroldo de Campos, Ezra Pound and Henri Meschonnic.

A proposta desta dissertação é analisar em contos do livro Sessanta Racconti (1958) a relação entre a poética do autor e a estética surrealista. Através do exame de elementos surrealistas específicos (acaso objetivo, humor negro, sonho, maravilhoso e fantástico) utilizados por Buzzati na construção dos 16 contos selecionados, buscou-se identificar indícios de similaridade, transposição ou releitura de modo a aprofundar o conceito de surrealismo buzzatiano, diverso das demais manifestações surrealistas, mas ao mesmo tempo em diálogo com a estética vinculada a André Breton e seguidores. Desta forma, pretende-se colaborar para o preenchimento de lacunas ainda existentes nos estudos sobre o autor, auxiliando na construção de possíveis novas abordagens para análise e tradução da obra de Buzzati.
The aim of the present dissertation was to study the tales in the book Sessanta Racconti (1958) to analyze the relation between author\'s style within the surrealist aesthetics. We tried to identify similarities, transposition or review, through the study of specific surrealistic elements (objective hazard, black humour, dream, marvelous and fantastic) that was used by Buzzati to create his 16 selected tales. Thus we intend to show a idea of the Buzzati´s surrealism, different of another surrealist manifestations, but at the same time in dialogue with the aesthetic model related to André Breton and his followers. Finally we intend to improve the author\'s researches, with suggestions for the development of new approaches to analysis and translations of Buzzati\'s works.

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:02:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000438603-Texto+Completo-0.pdf: 478275 bytes, checksum: 6c4aefec790394448d66938debd354e1 (MD5) Previous issue date: 2012
The following study investigates the presence of Surrealism in the book As metamorfoses, published in 1941. Firstly, this study presents a review of French Surrealism, whose ideology contains the senses of imagination, dream, wonderful, collection, etc. Thus, we seek to identify both the main features of the movement, as well as their limitations and contradictions. Secondly, the book As metamorfoses is analysed in its relationship with the surrealist poetry, especially the notion of fusion of opposites, present both in the French movement and the Brazilian poet. However, our goal is not to classify the poet as a Surrealist, but rather identify both the impact and consequences of the French movement in the work of Murillo, and the peculiarities and differences of a great poet.
O seguinte estudo investiga a presença do Surrealismo no livro As metamorfoses, publicado em 1941. Inicialmente, é feita uma revisão do Surrealismo francês, cujo ideário perpassa os sentidos de imaginação, sonho, maravilhoso, coleção, etc. Assim, busca-se identificar tanto as principais características do movimento, como também as suas limitações e contradições. Num segundo momento, o livro As metamorfoses é analisado em suas relações com a poética surrealista, em especial a noção de fusão dos contrários, presentes tanto no movimento francês, como no poeta mineiro. No entanto, a tarefa não é colocá-lo numa linhagem surrealista; pelo contrário, busca-se identificar tanto a repercussão e os desdobramentos do movimento francês na obra de Murilo, quanto as singularidades e as diferenças de um poeta pleno.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-03-03Bitstream added on 2014-06-13T19:32:24Z : No. of bitstreams: 1 abib_jr_me_arafcl_prot.pdf: 470315 bytes, checksum: aee73f979451fa2d1e4b6c02a865ab74 (MD5)
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia – O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) –, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro
We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don’t hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia – O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:51Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-05-24Bitstream added on 2014-06-13T20:15:54Z : No. of bitstreams: 1 simoes_ar_me_arafcl.pdf: 260139 bytes, checksum: f94c893e5d734a6881a5431a61dc4e7c (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
O objetivo deste trabalho é comparar a poesia de Jacques Prévert e de Mario Quintana à luz dos elementos lúdicos que ambos, em nosso entender, apresentam. Levando em consideração principalmente a teoria de Johan Huizinga sobre o jogo e a poesia, analisamos poemas de Prévert e de Quintana tentando apontar as diferenças e as semelhanças do processo lúdico em ambos. Consideramos ainda a influência que o movimento surrealista exerce sobre os dois poetas estudados e a ligação deste movimento com o jogo. Iniciamos esta pesquisa utilizando o livro Homo ludens de Huizinga e, posteriormente, intentamos fazer um percurso sobre a teoria do jogo. Consideramos, inicialmente, a Crítica da faculdade do juízo de Kant e A educação estética do homem de Schiller e a contribuição de ambos para o início de uma efetiva teorização sobre o jogo. Levamos em conta ainda, as considerações de Umberto Eco e de Roger Caillois, no que estes podiam acrescentar à teoria de Huizinga, além das aproximações entre poesia e mito apontadas por Ernst Cassirer. Desse modo, embasados nessas proposições teóricas, pensamos ter encontrado uma intersecção entre poesia e jogo e tê-la utilizado como principal elemento de comparação entre os dois poetas acima mencionados
It is this work’s goal to compare the poetry of Jacques Prévert and Mario Quintana based on the ludic elements which, for us, both of them present. Considering especially Johan Huizinga’s theory about the play and the poetry, we analyzed poems of Prévert and Quintana, in which we pointed the differences and similarities of the ludic process in both poets. We also considered the fact that both poets were influenced by the surrealistic movement and the connection between this movement and the concept of play. In the start of this research we used Huizinga’s Homo ludens, and then we analyzed the trajectory of the theory of play – through Kant’s Crítica da faculdade do juízo and Schiller’s A educação estética do homem, books which have a great contribution to an effective theorization of play. We also studied the commentaries of Umberto Eco and Roger Caillois, considering what they can add on Huizinga’s theory. At last we analyzed the approximations between poetry and myth pointed by Ernst Cassirer. So, through this theoretical propositions, we can conclude that there is an intersection between poetry and play – and it was our objective to compare Prévert’s and Quintana’s poetry considering this intersection

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Curado.pdf: 88711387 bytes, checksum: 688eabe4ab27fe49e85ba8bb54f14271 (MD5) Previous issue date: 2006-09-26
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The expression ut pictura poesis by Horace s Ars Poetica gave rise to the inter-relationship of the signs of arts. Hence, if relationships can be established between poetry and painting, likewise, there are some possible relationships amongst the literary text and other arts and medias. This study hypothesizes that similar cosmovisions express similar translations by means of different languages. The goal in it is to demonstrate that the literary text can not only come close to the visual text, but it can also point out some similar translation relationships, by means of signic collections, the characteristic of the language employed, or similar cosmovisions. And through the bias provided by the image, it opens itself to other translations and modernizations. So, the starting point was, especially, abduction (Peirce, 1989; 2000; s.d.; Santaella, 1992; 1993; 2000; 2002; Colapietro, 2003), hearing the object and the possibility of fallibilism. After the interaction of the Dynamic Interpreting Agent (who is also the Interpreter) with the Sign being analyzed, it was possible to observe, in a yet disorganized fashion, the presence of a surreal trend in the material that was being investigated. This was done by checking the writings: sparse notes, reflections, drafts, statements and dated newspapers (Salles, 1990; 2000; 2001; 2002). The data thus obtained indicated a strong trend of the brazilian writer Clarice Lispector towards surreal poetic writing (Bradley, 2001; Breton, 1924; 1970; 1998; Chénieux-Gendron, 1992), hence reasserting the bretonian theories. From there onwards, with the aim of ascertaining the existence of surrealism in Lispector s works, the option was made to analyze the products. The process continued with the analysis of Água Viva (1973) and Laços de Família (1974), which confirmed previous observations. Such analysis yielded a text that not only showed evidence of the presence of surreal poetic writing in the lispectorian work, but also a strong trend towards figurative language which provoked an approximation to the works of René Magritte, in whose work, not only the image but also the word are used as reference. After confirming the presence of the surreal poetic writing in the literary text, and after establishing the presence of the picture through description, it was decided to search for the pictures both in the literary text and in the plastic production, and the correspondence between both was thus made very clear. The transformation occurred after the analysis of the translation of A hora da estrela (1978), into a film by Suzana Amaral (1986). The signic collections brought both languages into close proximity and the visuality present in the literary text made it possible to translate the text into the language of cinema. Therefore, one can observe semiotics, through semiosis, as a vehicle of transdisciplinarity, for the eyes of the researcher are one of the links of the semiotic chain, therefore discarding the Cartesian paradigm. The different languages are, thus, unique means people use to translate, explain or understand the surrounding world. Once the Cartesian paradigm has been discarded, this research reveals through direct participation of the subject (Interpreter, Dynamic Interpreting, Semiosis generator) with the object of the analysis, the possibility of bringing different languages closer. This fact merely reasserts Horace s words and supports the report of Simonides de Cós on the fact that painting is silent poetry and poetry is a talking painting. This discussion, however, revolves around this issue: If one follows this path, in view of the transdisciplinarian web that the process requires, would it be possible to arrive at similar results in approximations with other artists? Maybe what happened in this research was a coincidence, in terms of similar signic collections. In view of that, a proposal is made to repeat the methodology presented here, all the while keeping in mind, however, the possibility of fallibilism
A partir da expressão ut pictura poesis da Ars poética de Horácio relacionaram-se os signos das artes. Portanto, se há possibilidade de relacionamentos da poesia com a pintura, há, também, do texto literário com outras artes e com outras mídias. O presente estudo parte da hipótese de que cosmovisões semelhantes expressam, por meio de linguagens diferentes, traduções similares.Procura-se demonstrar que o texto literário, seja por meio das recolhas sígnicas, seja pelo caráter de sua linguagem, seja por meio de cosmovisões semelhantes, pode não só se aproximar do texto visual como também apontar relações de tradução semelhantes. E que, pelo viés da figura, abrem-se para outras traduções e atualizações. Para tal, partiu-se, sobretudo, da abdução (Peirce, 1989; 2000; s.d.; Santaella, 1992; 1993; 2000;2002; Colapietro, 2003), da escuta do objeto e da possibilidade do falibilismo. Depois da interação do interpretante dinâmico (que é também o intérprete) com o signo em análise, observou-se, de forma ainda desorganizada, a presença da tendência surreal no material examinado. Isso se deu pela verificação dos escritos de processo: anotações esparsas, reflexões, rascunhos, depoimentos e jornais datados (Salles, 1990; 2000; 2001; 2002). Os dados obtidos indicaram uma forte tendência da escritora às poéticas surreais (Bradley, 2001; Breton, 1924, 1970, 1998; Chénieux-Gendron, 1992), e isso reafirmava as teorias bretonianas. A partir daí, optou-se, para a verificação do surrealismo em Lispector, pela análise de produtos. Sendo assim, analisaram-se Água Viva (1973) e Laços de família (1974), e o verificado, anteriormente, confirmou-se. Durante a análise de tais obras, o texto evidenciava não só a presença das poéticas surreais na obra lispectoriana como também uma forte tendência figurativa, o que provocou uma aproximação com as obras de René Magritte, que tem, além da imagem, a palavra como referência à sua produção. Depois da confirmação das poéticas surreais no texto literário e a verificação da presença da figura por meio da descrição, decidiu-se pelo rastreamento das figuras tanto no texto literário quanto no plástico, tornando-se clara a correspondência de ambos. A transformação se deu a partir da análise da tradução de A hora da estrela (1978) em película homônima de Suzana Amaral (1986). As recolhas sígnicas aproximaram ambas as linguagens e a visualidade presente no texto literário propiciou sua tradução para o cinema. Observa-se, portanto, a semiótica, via semiose, como veículo de transdisciplinaridade, porque os olhos do pesquisador são um dos elos da corrente semiósica, descartando, assim, o paradigma cartesiano. As diferentes linguagens são maneiras peculiares que cada um tem para traduzir, explicar ou entender o mundo que o rodeia. Descartado o paradigma cartesiano, percebe-se, por meio desta pesquisa, que, por intermédio da participação do sujeito (intérprete, interpretante dinâmico, produtor de semiose) com o objeto em análise, a possibilidade de estreitamento de diferentes linguagens. Isso apenas reafirma as palavras de Horácio e fundamenta o comentário de Simonides de Cós, sobre o fato de ser a pintura uma poesia muda e a poesia uma pintura falante. O que se coloca em discussão, entretanto, é: será que por esse caminho, tendo em vista a teia transdisciplinar que o processo exige, poder-se-ia chegar a resultados semelhantes em aproximações com outros artistas? Talvez, nesta pesquisa, tenha havido apenas coincidências de recolhas sígnicas semelhantes. Diante disso, o que ora se propõe, é a repetição da metodologia aqui apresentada, sem perder de vista, contudo, a possibilidade do falibilismo

Orientador: Iumna Maria Simon
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-04T01:30:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Antunes_JosePedro_D.pdf: 31417776 bytes, checksum: 57e862d3f4639cd88aa22bf3a67e9811 (MD5) Previous issue date: 2001
Resumo: Esta tese é parte de um projeto mais amplo de leitura e tradução de textos teóricos e ficcionais alemães dos anos 60. O projeto se iniciou com a tradução comentada de Teoria da Vanguarda, que, juntamente com O surrealismo francês, representa a luta da geração alemã que saiu às ruas em 68. Relendo a tradição crítica da Escola de Frankfurt, Bürger busca uma nova compreensão do papel social da arte na sociedade burguesa, e propõe uma revisão dos fundamentos da disciplina da Teoria Literária, num país que não tinha recebido ainda o surrealismo e que, conseqüentemente, não estaria apto a compreender o pós-estruturalismo.De acordo com Bürger, os movimentos históricos de vanguarda fracassaram, mas realizaram a "autocrítica da arte na sociedade burguesa". No entanto, a historiografia literária tem sido incapaz de assimilar contribuições teóricas importantes como as teses de Bürger ou da Estética da Recepção, ou mesmo de reconhecer o lugar de um autor representativo como Peter Handke. A adoção do realismo francês. Do século XIX está em consonância com o conceito de uma "hora zero". O neo-realismo do Grupo 47, questionado por Handke, seria superado pelo clamor das ruas em 68. O ponto de partida de Bürger é o fracasso das aspirações de sua geração, para ele, a repetição do fracasso dos movimentos de vanguarda. Em O surrealismo francês, uma nova mirada para a história e para o papel do movimento aponta, sobretudo, para a atualidade de sua proposta radical de tomar a unir arte e vida. Bürger defende a necessidade do labor teórico e da pesquisa engajada no convívio com os textos. Esta tradução é baseada na segunda edição, comemorativa dos trinta anos da obra, que traz um novo prefácio, três capítulos inéditos e inúmeras notas sobre o desenvolvimento da pesquisa. Em anexo, a tradução de alguns outros textos do autor, dados biográficos e bibliográficos, e um glossário dos principais termos técnicos
Abstract: This thesis is one of the steps of a wider project on reading and translation of theoretical and fictional German texts of the Sixties. It began by the commented translation of Peter Bürger's Theory of the Avant-Garde, which, together with Der franzõsische Surrealismus, represents the struggle of the German generation who went to the streets in 68. Rereading the critical tradition of the School of Frankfurt, Bürger claims for a new understanding of the social role of art in the bourgeois society. He proposes a revision of the foundations of the discipline Literary Theory in a country that had not yet received Surrealism and which would, therefore, be unable to understand Post-Structuralism. According to Bürger, the historical avant-garde movements failed their targets but succeeded in promoting a "self-criticism of art in the bourgeois society". However, Literary Historiography has been unable toassimilate such important theoretical contributions such as Bürger's thesis or the Rezeptionsasthetik, or even to recognize the place of a representative author as Handke. The adoption of the XIXth Century French Realism is tuned with the concept of an "hour zero". The Neo Realism of the Group 47, questioned by Handke, would be overcome by the clamor of the streets in 68. Peter Bürger' s starting point is the failure of the aspirations of that generation, for him a repetition of the failure of avant-garde movements. In Der franzõsische Surrealismus, a new overview of the history and the role of Surrealism points, above all, to the presentness of his radical proposal of uniting art and life again. Bürger defends the need for theoretical labor and engaged research in the conviviality with texts. This translation is based on the second commemorative edition of the thirty years of Der franzõsische Surrealismus, which brings a new foreword, three unpublished chapters and the addition of notes about the development of the research. Enclosed are the translation of some other texts by the author, biographical and bibliographical data, and a glossary of the main technical terms
Doutorado
Teoria Literaria
Doutor em Letras

English
Ph.D.
In the latter half of the twentieth-century, fewer U. S. poets translated foreign poetry than their modernist predecessors. The scope of their translation projects correspondingly narrowed. Gone, for example, were projects like Ezra Pound's reaching back to thirteenth-century Italy to see how U. S. poets could push forward. Instead, translations of European and Latin American modernism prevailed. Often, multiple translations of the same author were produced by different translators at the expense of presenting a more well-rounded vision of national literatures. Of these translations, a surprisingly large number were of poets who were either loosely or explicitly connected to surrealism as a literary movement. This dissertation locates this explosion of interest in surrealism as an attraction to the surrealist emphasis on reconciling binaries. This emphasis allows American poets a convenient frame through which to confront the difficult questions of place and nation that arise as the U. S. position in the field of world literature shifts from periphery to core. Previous researchers have traced the history of surrealism's early reception in the United States, but these studies tend to not only focus on the movement's influence on American art, but also stop shortly after surrealist expatriates returned to Europe following WWII. This dissertation extends these approaches both by bringing the conversation up to the present and by examining the key role that translation and other forms of rewriting play in mediating the relationship between surrealism and American audiences. As surrealism enters the U. S. literary system, the transformed product is often not what one might expect. U. S. rewritings of surrealist literature are primarily carried out by poets and critics whose fundamental interest in the movement lies in finding a foreign mirror for their own aesthetic or ideological preoccupations. This in turn provokes the development of a strand of surrealist-influenced writing whose aims and goals are vastly different from those of the movement's founders.
Temple University--Theses

Ce travail a pour objectif d’analyser la traduction, la censure et la réception de six œuvres des écrivains surréalistes Louis Aragon et André Breton en Espagne pendant le second franquisme (1959-1975). La traduction des livres d’Aragon et de Breton en Espagne peut être perçue comme un des signes de l’ouverture de la société espagnole qui s’amorce dans les années 60, vers la fin du franquisme, et qui annonce la fin de ce régime autoritaire et la transition démocratique du pays. À son échelle, elle prend place parmi d’autres manifestations de cette ouverture : l’essor du tourisme qui met la société espagnole en contact avec des cultures politiques et des styles de vie différents, une tolérance plus grande vis-à-vis de la religion, une plus grande liberté des mœurs, le pluralisme politique, l’influence du marxisme, etc.Les ouvrages de notre corpus, que le régime considère comme dangereux, ont été critiqués et censurés par l’appareil censorial de cette dernière étape de la dictature, même si finalement les publications ont pu voir le jour dans ce pays. Avant d’examiner les dossiers de censure de ces textes à l’Archivo General de la Administración (AGA) à Alcalá de Henares, nous avons d’abord cherché des informations sur les maisons d’édition et les traducteurs intéressés par la publication de ces auteurs, accusés d’être dissidents et marxistes par la dictature. Nous avons ensuite réalisé une minutieuse analyse des textes afin de comparer le texte original au texte cible en établissant si une autocensure préalable a eu lieu. Nous avons également consacré une partie de notre thèse à l’étude des erreurs
This doctoral thesis aims to analyze the translation, censorship and reception of six literary works of the surrealist writers Louis Aragon and André Breton in Spain during the period of Second Francoism (1959-1975). The translation of Aragon’s and Breton’s books in Spain can be perceived as one of the signs of the opening of Spanish society that begins in the ‘60s, around the end of Francoism, and announces the end of this authoritarian regime and the democratic transition of the country. In its own way, this translation occurs alongside other manifestations of this openness: the rise of tourism that puts Spanish society in contact with varied political cultures and with different lifestyles, greater tolerance regarding religion, greater freedom from traditional moral norms, political pluralism, the influence of Marxism, etc.The books of our corpus, that the regime considered dangerous, had been criticized and censored by the dictatorship’s entire censor apparatus during this late period even as these publications were finally being read in Spain. Before examining the censorship files of these texts at the Archivo General de la Administración (AGA) in Alcalá de Henares, we firstly looked for information about the publishing houses and translators interested in the publication of the authors accused of being dissidents and Marxists by the dictatorship.We then conducted a meticulous analysis of the texts in order to compare the original text to the target text and determine if any previous self-censorship was done by translators or publishing houses.We dedicated a part of our thesis to the study of translation mistakes: inadequacies that affect the source text’s comprehension (omission, false sense, inconsistency, nonsense, not the same sense, addition, suppression, poorly resolved extralinguistic/cultural reference), inadequacies that affect the target language expression (orthography and punctuation, grammar, lexical, textual aspects and writing) and pragmatic inadequacies (the chosen method and the textual genre and its conventions, etc.). We have also examined the reception of these works in the ABC conservative newspaper as well as in the Triunfo progressive literary magazine in order to observe the reception of these publications in Spain during this transitional period
Este trabajo de investigación tiene como objetivo analizar la traducción, censura y recepción de seis obras de los escritores surrealistas Louis Aragon y André Breton en España durante el segundo franquismo (1959-1975).Las traducciones de los libros de Aragon y de Breton en España pueden percibirse como uno de los signos de la apertura de la sociedad española que se inicia en los años sesenta, hacia el final del franquismo, y que anuncia el fin de este régimen autoritario y la transición democrática del país. La traducción de estos autores puede inscribirse dentro de otras manifestaciones características de dicha apertura: el auge del turismo, que pone en contacto a la sociedad española con otras culturas políticas y con estilos de vida diferentes, una mayor tolerancia relativa a la religión, una mayor libertad de costumbres, un pluralismo político, la influencia del marxismo, etc. Las publicaciones de nuestro corpus, que el régimen tildó de peligrosas, fueron criticadas y censuradas por el aparato censor, aunque finalmente estos textos pudieron ver la luz en España durante esta última etapa de la dictadura. Antes de examinar los expedientes de censura de estos libros en el Archivo General de la Administración (AGA) en Alcalá de Henares, hemos buscando primero información sobre las editoriales y los traductores interesados en publicar a estos escritores, acusados de ser disidentes y marxistas por la dictadura. Además, hemos realizado un minucioso análisis con el fin de comparar el texto original con el texto meta para así saber si existió una autocensura previa. También hemos dedicado una parte de nuestra tesis al estudio de los errores de traducción: las inadecuaciones que afectan a la comprensión del texto original (omisión, falso sentido, contrasentido, sin sentido, no el mismo sentido, adición, supresión, referencia extranlingüística/cultural mal resuelta e inadecuación de variación lingüística),las inadecuaciones que afectan la expresión en la lengua de llegada (ortografía y puntuación, gramática, léxico, aspectos textuales y redacción) y las inadecuaciones pragmáticas (el método elegido y el género textual y sus convenciones, etc.). Asimismo, hemos examinado la recepción de estas obras en el periódico conservador ABC y en la revista literaria progresista Triunfo con el objetivo de observar la recepción de estas publicaciones en España durante este período de cambio

Orientador: Renata Soares Junqueira
Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes
Banca: Flávia Cristina de Souza Nascimento
Resumo: Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia - O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) -, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro
Abstract: We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don't hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia - O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays
Mestre

Tesis para optar al grado de Magíster en Lingüística mención Lengua Inglesa.
Braulio Arenas (1913-1988) es conocido como un activo defensor de los postulados más radicales del surrealismo, también de sus provocaciones. Autor de libros de poesía, cuentos, novelas, ensayos, su obra primera representa claramente el afán renovador y de búsqueda, a través de la experimentación, de la "verdadera poesía". Conocida es su defensa, en el primer número de Mandrágora (1938), de lo que él denomina Poesía Negra. También la afirmación de sus "razones esenciales: la intransigencia frente al medio; la búsqueda experimental de la poesía; la resolución dialéctica de los opuestos de bien y mal; el interés siempre creciente por poner nuestra protesta al servicio de la emancipación proletaria". La intención de Arenas, al constituirse el grupo Mandrágora era guiar a este grupo "forjado bajo la disciplina poética en las aguas turbias de la literatura chilena."

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-graduação em Literatura
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Esta dissertação ampara-se em dois objetivos principais, sendo, nessa ordem de importância, a análise comparativa das duas traduções existentes de Nadja em língua portuguesa e a discussão da marginalização do surrealismo no Brasil em relação a sua inserção na literatura brasileira. No que se refere às traduções, se discutirá também as opções tomadas pelos tradutores durante o ato tradutório, além de se procurar compreender de que forma se dá por parte dos tradutores a resolução de alguns problemas, quando ocorrem, de não correspondência entre a língua francesa e a língua portuguesa. Outra questão a ser analisada é se a estética surrealista e o estilo do autor são conservados nas traduções e quais poderiam ser as razões do considerável atraso em se traduzir essa obra no Brasil e em Portugal. E relacionada a essa última suposição, há que se ressaltar a questão da censura intelectual, artística e política praticada nos dois países de língua portuguesa. Por fim, concluindo, essas duas traduções constituem a parte central que permitirá estabelecer as discussões relativas à evolução do movimento surrealista nesses dois países.

En esta investigación exploramos la historia de la recepción del poeta, artista y visionario inglés William Blake (1757-1827), indagando en los diversos aspectos de la concreción de su obra en su propio tiempo, a través del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX. A partir de una perspectiva metodológica comparada e interdisciplinaria, este estudio considera los contextos críticos y artísticos en los cuales el foco en la dimensión visionaria de la figura y/o la obra de Blake se hace particularmente relevante. Hemos atendido a los aspectos específicos de su recepción crítica y artística en la obra de los simbolistas ingleses y franceses del siglo XIX (particularmente en la obra de Odilon Redon); en el Círculo de Eranos y la psicología profunda a comienzos del XX (C. G. Jung: El Libro Rojo); y finalmente en algunas figuras destacadas del Surrealismo (específicamente en el grupo cercano al Atelier 17 y Max Ernst).
In this research we explore the history of the reception of the English poet, artist and visionary William Blake (1757-1827), considering the various aspects of the reception of his works in his own times, through the 19th century and the early decades of the 20th century. From a comparative and interdisciplinary methodological perspective, this study considers both the artists and the critical contexts in which the focus in the visionary dimension of the figure and / or the work of Blake were particularly relevant. We have attended to the specific critical and artistic aspects of his reception in the works of the English and French Symbolists in the nineteenth century (particularly in Odilon Redon's work); in the Eranos Circle and depth psychology of the early twentieth century (C. G. Jung: The Red Book), and finally in some of the important figures of Surrealism (specifically in the group close to the Atelier 17 and in Max Ernst).

Surrealism has often been labeled as a misogynistic movement that sought to provide man with an avenue into a higher reality at the expense of the humanity of women. By perceiving the opposite sex as their muses, Surrealist men rendered women as mysterious sources of the marvelous, the name given to the higher realm, which they desired to attain. I propose that Surrealist women were empowered by the fact that ‘woman’, as an abstract concept, and femininity were synonymous with the marvelous. This entailed that Surrealist women had the advantage of being “sources of revelation, as provokers of wonder, dreams, and freedom,” whose intellectual agency allowed them to delve into their own femininity in order to attain the higher reality that Surrealism was devoted to unlocking. In contrast from Surrealist men who relied on the image of woman to lead them to this superior realm, Surrealist women were able to look within themselves in order to comprehend the marvelous. Conversely, Surrealist women often reversed the idea of the muse, by exploring their feminine unconscious through the objectification of men.

La obra de César Moro representa la mejor práctica del surrealismo dentro de la literatura hispanoamericana. En La tortuga ecuestre se define su estrategia poética en plena madurez expresiva. En su estilo domina el manejo del automatismo, que, a su vez, se apoya en la profusión de frases nominales, repeticiones, anáfora, etc., de donde se deriva el ritmo del poema. El discurso surrealista de Moro plantea la destrucción de los órdenes previos de percepción y experiencia. Con tensión entre la constancia del deseo y la presencia y la ausencia del amado, se establece un discurso amoroso que se desglosa interminablemente, recreando el mundo, su naturaleza y su sentido.
César Moro’s work represents the main achievement of surrealism in Latin American Literature. His poetic strategy is best defined in La tortuga ecuestre, where he reaches the maximum width of his artistic attainment. His style is characterized by a variant of automatism, which is supported by plenty of nominal phrases, repetitions, anaphors, etc., from where the poem’s rhythm is derived. Moro’s surrealist discourse proposes the destruction of previous orders of perception and experience. The lover’s discourse is established through the tension between the persistence of desire, and the presence and absence of the beloved. It is constantly broken down, thus recreating the world, its Nature and its sense.

Thesis (M.S.)--Massachusetts Institute of Technology, Dept. of Architecture, 1988.
Includes bibliographical references (leaves 66-73).
In 1935, Andre Breton published his speech Qu'est-ce que le Surrealisme? with Rene Magritte's drawing, "Le Viol" (The Rape) on its cover. The image, a view of a woman's head in which her facial features have been replaced by her torso, was meant to shock the viewer out of complacent acceptance of present reality into "surreality," that liberated state of being which would foster revolutionary social change. Because "Le Viol" is such a violently charged image and because of the claims made for it by Magritte for its revolutionary potential, the drawing has been the subject of many arguments, both for and against its effectiveness. The feminist community has had a particular interest in this image (and in Magritte's work as a whole) not only because of the controversial treatment of the female subject in "Le Viol," but also because of the ways in which our culture has been so easily able to strip surrealist images of their political content and subsume them back into mainstream culture for use in those very categories of social practice which Surrealism wanted to eradicate. The reincorporation of surrealist works has been especially noticeable and damaging in the case of images of women, as feminists like Susan Gubar and Mary Ann Caws have pointed out Against those claims made against "Le Viol" as an image which affirms phallocentric language and discourse rather than disrupting them, I argue in this paper that the drawing in fact exposes the mechanisms by which female sexuality is formed and controlled within phallocentric language. In exposing these constructions, "Le Viol" forces the viewer to realize them as ideological positions which maintain women as Other, as unable to gain access to coherent meaning within that language. In performing this function, Magritte's picture undermines that process through which women are deprived of a coherent self-image and of the material power which comes with that image in the social realm. To substantiate my arguments, I trace the relationship between several of Magritte's images and the surrealist texts in which they were published, in order to provide a complex understanding of the interrelationships between word and image to which the artist directed much of his work. My use of the theoretical positions of deconstruction, feminism and psychoanalysis allows me to take the observations made onto the terrain of sexuality. These positions provide an understanding of how language and representation operate with respect to each other, and how the human subject (particularly the female) is formed through language.
by Robin Adèle Greeley.
M.S.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura
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A soberania não é NADA". Esta tese busca reconstruir o percurso que levou o escritor francês Georges Bataille (1896-1962) do "baixo materialismo" à "soberania". Mas a um conceito de soberania completamente dessubstancializado e depurado de seus vínculos com o poder. Busca ainda pensar a relação deste conceito com a literatura tomada como crise e crítica do regime da representação.

Interest in Joyce Mansour has centered mostly on the ambiguity and the lack of "subjective identity" in her poetic works. This dissertation proposes to investigate that notion and demonstrates that Mansour's discourse is that of a woman poet's assertive, complex, and universal voice in the realm of post-surrealism. Chapter 1 introduces Mansour's poetic corpus, and provides the theoretical approach of our study in view of various critics' interpretations of Joyce Mansour's lack of "subjective identity," as well as other recent, more positive readings of her literary production. Chapter 2 provides pertinent information about the surrealist movement and its founder, Andre Breton. It also considers the role of women and their artistic contribution to the movement. Chapter 3 expounds on the uniqueness of Mansour's assertive voice via the technique of poetic-collage, and highlights the function of eroticism as a liberating force. Georges Bataille's study of Eroticism in literature and surrealism contributes to our study. This chapter also recognizes Mansour's use of Egyptian myths as one of the pillar of her narrative structure. It will show that the poet favors a language of self-regeneration in which the dichotomies between light versus dark, and life versus death are underscored. Chapter 4 explores the role of archetypal images in Mansour's poetry. While the Mother archetypal images demonstrate the universality of her poetry, the Jungian concept of a collective unconscious further clarifies Mansour's poetic discourse. An analysis of archetypes in women literature contributes to the identification of other archetypes, (The Devil, God, and Aphrodite) present in Mansour's discourse. Chapter 5 acknowledges Mansour's pronominal gender play. Monique Wittig's approach on gender theories and our textual concordances of Mansour's poems will provide the underlying theory for discussion. The conclusion supports the notion that Mansour's discourse of plurality is that of a woman who, fearful of humanity's inevitable fate, confronted death through a literary exuberance that has become her identity and personal signature. Our conclusion reveals the existence of two texts that are not part of Mansour's published collection. These texts contribute to a better understanding of Mansour's literary contribution.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2015
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Esta pesquisa foi realizada com o intuito de apresentar o autor e ilustrador Edward Gorey (1925-2000), destacando algumas características presentes em sua obra, como o gênero Nonsense, características Surrealistas e Dadaístas, assim como a relevância de suas ilustrações. Além disso, o trabalho discute a Literatura Infantil e Juvenil esclarecendo por que este autor agrada este público leitor. Após isso, propõe-se uma tradução para dois de seus textos: The Doubtful Guest (1980g) e The Gashlycrumb Tinies (1980h), dois livros que se encontram na coletânea Amphigorey (1980a). Ambas as obras são poesias com rimas emparelhadas, com um ritmo que não pode ser ignorado. A tradução dos textos é realizada em três principais etapas. A primeira se preocupa apenas com o conteúdo semântico, enquanto a segunda propõe uma poesia em versos livres e a terceira uma tradução que tenta recriar as poesias buscando manter forma e conteúdo. As três fases são partes do processo tradutório das obras, que é descrito no quarto capítulo.

Abstract : The aim of this research is to present the writer and illustrator Edward Gorey (1925-2000) and to discuss about some interesting characteristics of his books, as the Nonsense genre, some Surrealist and Dadaist characteristics, and the importance of his drawings in his books. Furthermore, it discusses about children´s literature in order to explain why these readers like his books. In addition, it brings a translation for two of his books: The Doubtful Guest (1980g) and The Gashlycrumb Tinies (1980h), both of them are in his book Amphigorey (1980a). Both of the books chosen are in verses that have rhyming couplets and have important rhythm. The translation of the books have three stages. The first stage is the translation of the words without worrying about rhymes or verses. The second stage of the translation is a poem made of free verses, and the third stage of the translation results in a poem that worries about the rhythm, the verses, the rhyme and the meaning of the words. The three stages are part of the translating process of the books and they are described in the fourth chapter of the research.

Submitted by Thadyanara Wanessa Martinelli Oliveira null (thadyanara@gmail.com) on 2017-12-13T23:05:34Z No. of bitstreams: 1 A cidade delirante de Roberto Piva - THADYANARA MARTINELLI - versão correta.pdf: 740927 bytes, checksum: fec2581b8c29733b98f733c09ec0b0a8 (MD5)
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Segundo Orlandi (2004), dentro do espaço urbano, no que se referem às mais variadas dimensões como a econômica, a cultural, a histórica, etc, o corpo dos sujeitos e o corpo da cidade formam uma construção única, estando os corpos de ambos atados e o destino de um não se separa do destino do outro. Sob esse aspecto, nas relações poéticas, a discussão sobre a cidade, o sujeito lírico e a modernidade é intrinsecamente ligada, já que o início do que pode ser considerado moderno está relacionado com o crescimento das grandes cidades. Essa relação entre sujeito-cidade mudou as relações sociais e, consequentemente, o fazer e o pensar a arte. Tais relações entre sujeito e cidade se acentuam na contemporaneidade, uma vez que o caos urbano se torna mais acirrado e a sensação de fragmentação dos sujeitos se aprofunda. Com base nesses pressupostos, o objetivo desta pesquisa foi empreender um estudo de quatro poemas de Roberto Piva (1937 – 2010) presentes no livro Paranoia ([1963] 2009): “A piedade”, “Poema Porrada”, “Praça da República dos meus sonhos” e “Visão de São Paulo à noite – Poema antropófago sob narcótico”. Partindo do enfoque do urbano, o intento do trabalho foi estabelecer de que forma se constrói a imagem da cidade de São Paulo nos quatro poemas supracitados. Em relação aos aspectos da modernidade lírica, algumas teorias servirão como base às análises dos poemas, como a de Paz (2012; 2014), cuja obra trata, dentre outros temas, da construção de imagens e ritmos dentro dos textos na modernidade poética, e de Friedrich (1978), que discorre sobre os aspectos negativos da lírica moderna, os quais acreditamos permanecerem na obra de Piva.
According to Orlandi (2004), the body of the individual and the ‘body’ of the city form, within urban space, one sole construction, which encompasses their economic, cultural and historical dimensions. In that sense, both types of bodies and their destinies are reciprocally linked. Since the inception of what may be considered modern is related to the growth of big urban centers, as far as poetic relations are concerned, the discussion about the city, the poetic subject and modernity are intrinsically connected. Such relationship between the self and the city has undoubtedly changed social relations and, consequently, the ways in which art is conceived and made. On the other hand, the self-city relationship has been enhanced in contemporary society due to a more acute perception of urban life as chaotic and of the individual as fragmented. These presuppositions lay the basis for the present thesis. Its objective is to examine four poems by Roberto Piva (1937-2010) published in his book Paranoia ([1963] 2009), namely, “A piedade”, “Poema Porrada”, “Praça da República dos meus sonhos” and “Visão de São Paulo à noite – Poema antropófago sob narcótico”. By focusing on the urban aspect, this thesis intends to show how the aforementioned poems representthe city of São Paulo. The aspects of modern lyricism analyzed in this thesis were examined according to Paz’s (2012; 2014) theoretical work, which concerns, amongst other themes, the composition of images and rhythms in modern lyricism. Other literature includes Friedrich (1978), which considers negative aspects of modern lyricism which we believe remain present in Piva’s work.

Mestrado em Línguas, Literaturas e Culturas
O presente trabalho propõe-se explorar as modalidades de inscrição erótica na obra de Luiz Pacheco, de modo a salientar o seu alcance estético, ideológico e ético-filosófico, em estreita articulação com a noção de marginalidade literária. A análise da expressão multímoda do erotismo dissidente ou transgressor será desenvolvida a partir de exercícios de leitura intensiva de um corpus textual representativo, propondo-se uma filiação aproximativa do autor numa linhagem estético-literária libertina, no que especificamente diz respeito aos processos de tematização do erotismo. A dissertação compreende, assim, dois momentos de indagação: partindo da caracterização do diálogo crítico que Luiz Pacheco desenvolve com a tradição, e em particular com os modelos literários libertinos franceses setecentistas, propõe-se, num segundo momento, a leitura crítica de um conjunto seleccionado de textos do autor considerados ilustrativos da diversidade de concretizações semântico-formais da escrita erótica. Pretende-se, deste modo, contribuir para a caracterização de uma erótica libertina, segundo Luiz Pacheco.
This dissertation aims to examine the modes of erotic representation patent in Luiz Pacheco’s work with the purpose of characterizing its aesthetic, ideological, ethical and philosophical scope, in close connection with the experience of literary marginality. The multifarious expression of erotic dissidence and sexual transgression will be highlighted through literary analysis of representative texts, enabling us to define, albeit provisionally, the libertine literary lineage the author can be associated with. The structure of this dissertation is two-fold: after looking into Pacheco’s critical appropriation of literary tradition, particularly libertine 17th century French models, close literary reading of selected texts will be carried out, so as to illustrate the semantic and formal diversity of erotic discourse. We ultimately aim at outlining an erotics of the libertine, as defined by Pacheco.

Esta dissertação analisa a presença de elementos surrealistas na obra do poeta João Cabral de Melo Neto (1920 1999), na primeira década de sua produção poética o período que vai de sua estréia literária, em 1942, com Pedra do sono, a 1950, ano de lançamento de O cão sem plumas. Nesse livro-poema, produzido em sua longa temporada afastado do país, nos deteremos com maior acuidade, estabelecendo relações com procedimentos do cinema surrealista, em especial as conexões entre montagem e metáfora e a utilização do símile como modo de composição do poeta. Além da análise de marcas textuais que delimitam o itinerário temático das relações entre João Cabral, expressões surrealistas e a criação cinematográfica. Além disso, perpassará nosso percurso o diálogo do poeta, ainda no Recife, com dois personagens fundamentais na sua formação intelectual: Willy Lewin e Joaquim Cardozo. Interlocutores cuja influência pode ser percebida no conjunto de sua produção poética.
This dissertation examines the presence of surrealistic elements in the poetic work of the poet João Cabral de Melo Neto (1920 1999), from his literary debut with Pedra do sono, in 1942, until O cão sem plumas (1950). This work, written by the poet during his long sojourn abroad, it will be the main object of this study, the corpus where well describe the relation between the surrealistic procedure, mainly its filmic aspect, and procedures operated by the poet, like the relation between montage and metaphor, and the use of simile as a way of composition by the poet. It will help us to point textual marks that makes possible a kind of thematic itinerary of the relation among João Cabral, surrealistic expression and film creation. At last, well recompose the poets dialogue with two characters from his Recifes background: Willy Lewin and Joaquim Cardozo. Detailing the way them influences will be noted in the body of his work.

La presente investigación se centra en los aportes que el poeta chileno Ludwig Zeller ha realizado en torno a la figura femenina como parte de la reivindicación y visualización de la imagen de la mujer. Se revisan en esta tesis, elementos importantes de la escritura del poeta que sitúan a la mujer como pilar fundamental de su obra creativa. Se analiza y compara su propuesta escritural con las tesis de tres teóricas feministas y se interpretan cuatro libros/poemas dedicados a diferentes mujeres de la historia. Finalmente se concluye el aporte artístico de este poeta -situado dentro del movimiento surrealista- y sus implicancias en la literatura contemporánea.