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Dissertations / Theses on the topic 'Symbolisme (littérature) – Au théâtre'
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Losco-Lena, Mireille. "La réinvention de l'espace et du temps dans le théâtre symboliste." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030111.
Full textAbstract:
Le théâtre symboliste, qui s'est développé en France et en Belgique à la fin du dix-neuvième siècle et tout particulièrement dans la dernière décennie (1890-1900), a fait le pari de renouveler l'écriture dramatique. Si le discours théorique des auteurs se caractérise par un rejet du réel et une réévaluation souvent vague du rêve et de la poésie, leurs textes dramatiques témoignent d'une grande richesse qui transforme leur réaction idéaliste en une véritable réinvention de l'espace et du temps dominée par une pensée de la discontinuité et de la pluralité. Le cosmos symboliste, tout en rendant compte des transformations modernes affectant les représentations de l'espace et du temps, renoue ainsi avec la configuration médiévale (première partie). Il en découle une poétique de la relativité qui met en crise la forme dramatique et que les symbolistes proposent de résoudre par deux voies essentielles : la voie de la dramaturgie itinérante, pensée comme inventaire des lieux multiples du cosmos mais toujours en butte à une conscience de l'infini qui déborde le drame et qui désigne son incomplétude, voire sa fragmentation (deuxième partie), et la voie de la forme brève, orientée par un désir de possession de l'invisible mais nécessairement vouée a reconnaitre son irréductible espacement à l'être (troisième partie). L’analyse des contradictions formelles du drame symboliste permet des lors de penser son inscription dans l'ensemble des bouleversements du théâtre du tournant du siècle, et notamment son rôle essentiel dans la mise en crise du drameSymbolist theatre, as it developed in France and Belgium towards the end of the nineteenth century (1890- 1900), ventured towards a renewal of play-writing. The theorizing discourse of the authors is characterized by a denial of the real and a reassessment of the poetic which remains often vague ; yet their plays stand as tokens of a richness which transmutes their idealist reaction into a genuine reinvention of space and time marked by a concern for discontinuity and plurality. While addressing the modem transformations of the notions of space and time, the symbolist cosmos thus reactivates the medieval pattern of space (part one). This generates a poetics of relavity which jeopardizes dramatic forms, and which the symbolists set out to transcend along two main paths: that of the dramatic structure of wander on the one hand, seen as a tentative process of inventoring the multiple loci of the cosmos, which ceaselessly comes up against some sense of infinity overflowing the structure of the drama, thereby pointing to its incompleteness, or to its fragmentation (part two); and, on the other hand, the path of the short form, governed by a desire to embrace and to possess the invisible, which, on its part, is necessarily bound to come up against (and acknowledge) the irreducible chasm that cuts it from the being (part three). Studying the formal contradictions inherent to symbolist drama thus allows us to address its inscription within the larger frame of the revolutions in drama at the turn of the century, and especially the essential role which this theatre played in the process of setting drama in jeopardy
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Sorokina-Vermorel, Natalia. "Le théâtre russe de 1900 à 1916 : le déplacement des valeurs artistiques, du symbolisme au futurisme : du théâtre intérieur au théâtre en tant que tel." Lyon 3, 2006. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/in/theses/2006_in_sorokinavermorel_n.pdf.
Full text
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Diassinous, Nicolas. "Crise de scène : dramaturgies poétiques du romantisme au symbolisme." Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0398.
Full textAbstract:
Cette réflexion porte sur l’influence de la poésie lyrique dans les œuvres théâtrales du romantisme au symbolisme. En essayant de confronter les corpus du drame romantique et du théâtre symboliste et en exhumant celui du théâtre des poètes parnassiens et de leurs contemporains, elle entend dégager des constantes et mettre en lumière une crise du théâtre aristotélicien, dont les effets se prolongent jusque dans les dramaturgies de l’extrême contemporain. Mais penser un théâtre de poètes, autrement dit un théâtre qui intègrerait les propriétés de la poésie lyrique au sein du genre dramatique, revient à soulever un certain nombre de paradoxes.Ce théâtre des poètes est d’abord un théâtre qui minore de plus en plus le poids de l’action, au profit de l’expression lyrique. Le drame et le système actantiel qu’il véhicule tendent à se réduire à une seule situation, unique et statique, de laquelle les conflits intersubjectifs ont été évacués. La poésie lyrique, de par sa subjectivité, intériorise le drame et c’est désormais au sein d’un même sujet qu’il faut chercher les composantes dramatiques. Son intérêt pour l’intériorité conduit le théâtre des poètes à délaisser le système de la représentation mimétique, parce qu’il préfère, à la réalité objective et concrète, le domaine plus abstrait des idées. Cette subjectivité qu’importe la poésie dans le genre théâtral pousse finalement les dramaturges à braver le tabou absolu du théâtre aristotélicien, à savoir la présence du poète dans son œuvre : la lyricisation du théâtre entraîne ainsi la manifestation du poète dans sa pièceThis reflection deals with the influence of lyrical poetry over theatrical works from romanticism to symbolism. By confronting the corpuses of the romantic drama and the symbolist theater, but also by exhuming the Parnassiens’ theater, it envisions encountering constants and highlighting a crisis of Aristotelian theater whose effects extend up until the most contemporary dramaturgies. But considering the existence of a theater by poets, one that integrates the characteristics of lyrical poetry into the dramatic forms, raises several paradoxes. This theater by poets is before all one that reduces more and more the importance of the action, in favour of the lyrical expression. The drama and the actantial model it implies get converted in one unique and static situation, where all the intersubjective conflicts have been erased. Because of its subjectivity, lyrical poetry internalizes the drama: and thus all the dramatic components have to be searched for inside the subject. Its interest for interiority leads the theater by poets to abandon the mimetic representation system, because of its favouring of the abstraction of ideas over the objective and material reality. This subjectivity imported by poetry into the dramatic form explains why the dramatists break the absolute taboo of Aristotelian theater: the poet’s presence inside his play. The lyricisation of theater entails the poet’s manifestation in a form where it is prohibited
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Lucet, Sophie. "Le Théâtre en liberté des symbolistes : dérives de l'écriture dramatique à la fin du XIXème siècle." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040274.
Full textAbstract:
Cette étude,conçue comme une contribution à l'histoire du théâtre symboliste d'expression française entre 1886 et 1900,se propose d'envisager le phénomène à partir de l'analyse précise des textes,en explorant un répertoire en partie méconnu et délaissé par la critique. Au-delà de l'idée d'un théâtre jouable ou injouable,il s'agit de comprendre les raisons qui poussèrent la plupart des écrivians et des poètes symbolistes à user de la forme dramatique en n'hésitant pas à enfreindre les règles de la dramaturgie traditionnelle pour concevoir un théâtre imaginaire,lyrique et intérieur. Une exploration du théâtre des symbolistes,vaste ensemble d'oeuvres hétérogènes destinées ou non à la scène,fait apparaître la séduction exercée sur ces auteurs par le genre spectaculaire de la féerie et par le mystère médiéval;l'analyse du traitement de ces genres dans les textes met en valeur la dimension anti-réaliste,poétique et subjective du projet théâtral symboliste(1ère et 2ème parties). Une analyse de l'influence wagnérienne-envisagée attentivement sous l'angle de la réception de Parsifal-permet par ailleurs de dégager le modèle d'un théâtre mystique et initiatique(3ème partie). Une réflexion autour du principe subjectiviste qui sous-tend la vision symboliste,ainsi qu'une analyse de l'apport mallarméen à la constitution de l'idée théâtrale symboliste,permettent enfin d'envisager différentes tentatives textuelles d'expression de l'intériorité au théâtre(4ème partie). Cette étude,qui s'attache à inscrire le projet théâtral symboliste dans l'histoire plus large du théâtre à la fin du XIXe siècle,met tout particulièrement au premier plan les oeuvres d'Ephrai͏̈m Mikhae͏̈l,de Jean Lorrain,de Maurice Maeterlink,de Pierre Quillard,d'André-Ferdinand Hérold,de Rémy de Gourmont,d'Oscar Wilde,d'Edouard Dujardin,de Joséphin Péladan,de Rachilde,de Mallarmé,de Saint-Pol-RouxThis study which revolves,to a large extent,on an analysis of specific dramatic texts,serves to fill a lacuna in the literary history of French Symbolism (between the years 1886-1900) which has largely ignored or downplayed the importance of the dramatic output of this movement. .
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Sakamaki, Koji. "L'influence des idées de Mallarmé sur les théories de la représentation à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle." Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA082973.
Full textAbstract:
Notre thèse a pour but d'examiner des phénomènes liés à la "crise de la représentation", crise qui est devenue manifeste à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, en considérant la situation du théâtre ainsi que la relation entre les textes de Mallarmé et ceux d'autres artistes. Cette thèse se compose de cinq parties. La première examine les traces de tentatives qui montrent déjà les caractéristiques exemplaires du théâtre mallarméen : "Crise du drame". La deuxième partie examine Mallarmé en tant que théoricien de la notion de "mimèsis" et celle de "poièsis". Nous examinons la notion de "poièsis", ce qui nous amène à dégager ce qui fait l'originalité de la pensée de Mallarmé. La troisième partie observe les deux tendances théâtrales au temps de Mallarmé : celle liée au "symbolisme" et celle liée au "naturalisme". Nous essayons de dégager l'impact des idées mallarméennes sur ces deux écoles afin de retrouver la différence entre elles et Mallarmé. La quatrième partie analyse la relation entre Mallarmé et les idées de Wagner qui sont, pour le premier, les plus importantes parmi les différentes conceptions de la représentation de cette époque. La dernière partie a pour but d'examiner la relation entre ces deux notions essentielles chez Mallarmé : la "représentation" et la "communauté", relation qui concerne le problème majeur auquel devait aboutir son esthétique. A travers ces recherches, cette thèse voudrait dégager les idées de Mallarmé sur le théâtre dans le contexte de la "crise" de l'art, de la politique et de la société moderneThe dissertation aims to examine several phenomena concerning the "crisis of the representation" which have become apparent in the late 19th century, taking into consideration both the theater's situations and the relationship between Mallarmé's several texts and the others'. Our study tries to clarify the essence of the cultural revolution in the field of the representation which has occurred at the end of the 19th century and the beginning of the 20th century. This dissertation is composed of five chapters. The first one concerns the traces of theatrical works which represent in themselves some tendencies of Mallarmé's theater : "Crisis of the drama". The second chapter treats Mallarmé as a theorist of the dance in order to clarify the struggle between "mimesis" and "poiesis", two important aesthetic conceptions. At this point, we investigate "poiesis" which represents the originality of Mallarmé's thinkings. The third chapter observes, on the other hand, two theatrical tendencies at this time, which mean the symbolism and the naturalism. We focus on the Mallarmé's thinkings which are distinct from these two movements. And the fourth chapter anlyses the relationship between Mallarmé and Wagner, who was, for the poet, the most important artist and theorician in the late 19th century. Finally, we focus on the Mallarmé's thinkings about the "community" which are concerned distinctly with the "representation". We hope that this dissertation will reach to Mallarmé's basic problems in this context of the crisis of art, politics and society. This work also tries to make sure Mallarmé's idea of the representation, which had been always at the center of this poet
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Kabeya, Mukamba Fabien Honoré. "De "La Princesse Maleine" au "Miracle des mères" : l'imprégnation religieuse dans le théâtre maeterlinckien." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01011175.
Full textAbstract:
Analyser l'ensemble de l'œuvre dramatique disponible de Maurice Maeterlinck, soit trente et une pièces de théâtre, en se laissant guider par le fil rouge majeur, son rapport avec les textes sacrés du christianisme, tel est l'objet de cette thèse. Les deux premiers théâtres maeterlinckiens apparaissent nettement comme deux tablettes antithétiques d'un même dyptique représentant respectivement l'enfer et le paradis. Aussi la notion biblique du libre arbitre s'impose-t-elle comme un facteur différentiel pertinent entre le théâtre du silence et d'aliénation et le théâtre de la parole et de libération. Des principes bibliques tels que la loi de la croyance, la puissance de la confession, le contraste entre les ténèbres et la lumière, la guerre et la paix, la perdition et la rédemption, la justice humaine et la justice divine, la mort et la résurrection des morts semblent s'ériger en métaphores obsédantes et en thématiques transversales unissant les quatre principaux moments du théâtre maeterlinckien.
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Pellois, Anne. "Utopies symbolistes : fictions théatrales de l'homme et de la cité." Grenoble 3, 2006. http://www.theses.fr/2006GRE39051.
Full textAbstract:
Le théâtre symboliste, au tournant des dix-neuf et vingtième siècles en France et en Belgique, a souvent été considéré comme un théâtre de réaction, dont l'idéalisme interdisait toute connexion avec les réalités sociale, politique et idéologique de son époque. En analysant le positionnement des artistes symbolistes à l'égard de leur temps à l'aide du principe utopique, plus particulièrement pendant la décennie 1890-1900, il est possible d'y déceler un discours idéologique critique sur le contemporain des auteurs. Déçus par la Troisième République en mal d'idéal et de représentation, sceptiques quant à sa capacité à appliquer les principes de Liberté, d'Egalité et de Fraternité, les artistes symbolistes défendent les libertés de l'individu d'exception (artiste ou héroïque) contre l'égalitarisme républicain jugé illusoire, dans une perspective à la fois anarchiste, antilibérale et réactionnaire. Ils expriment la nécessité de refonder une communauté civique par la fête théâtrale, dans une conception mystique des modalités et des fonctions de l'art investi d’une fonction sociale essentielle (première partie). La représentation théâtrale de l'individu d'exception engagé dans un processus révolutionnaire instaure une dialectique féconde entre mythe, histoire et utopie, qui permet de dégager, dans la fiction théâtrale, les différentes alternatives symbolistes opposées à la société de leur temps (deuxième partie). Les dramaturgies de l'âme et du sujet constituent le point d'aboutissement du projet symboliste, la représentation du sujet servant à la fédération émotionnelle d'une communauté théâtrale idéale, aboutissant à la construction d'une véritable utopie théâtrale (troisième partie)Late 19th-early 20th century symbolist drama in France and Belgium has often been deemed reactionary as the idealism it conveyed was at odds with the social, political and ideological realities of its time. The Utopian principle helps understand how symbolist artists relate to and prove ideologically critical of their epoch – especially during the 1890-1900 decade. Such artists feel frustrated with the ideal- and representation-deprived Third Republic and sceptical about its ability to enforce the Liberty, Equality and Fraternity principles; they thus favour the liberties of exceptional individuals, including artists and heroic ones, over the illusory-seeming egalitarianism of the Republic which they question from an anarchistic, anti-liberal and reactionary standpoint. Their mystical approach to the form and role of socially irreplaceable art leads them to claim the necessity for theatrical feasts to weave a new civic communal fabric (first part). The theatrical representation of exceptional individuals who have embraced revolutionary methods introduces creative dialectics involving myths, history and Utopias which allow theatrical fiction to stage the range of the symbolists' alternatives to their epoch (second part). Theatrical art dealing with the soul or the subject is the ultimate goal of the symbolist artistic project as the representation of the subject creates emotional bonds within an ideal theatrical community which eventually leads to the creation of a genuine dramatic Utopia (third part)
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Bailey, Marianne Wichmann. "Le Théâtre rituel d'Aimé Césaire : les structures mythiques de l'imaginaire dramatique." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040025.
Full text
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Einman, Maria. "Lector in drama. Les enjeux fictionnels et imaginaires du suicide dans le théâtre français du XIXe siècle." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA048/document.
Full textAbstract:
Cette étude examine la lecture des textes de théâtre comme des textes de fiction, visant à faire sortir ce genre de lecture du cadre de l’analyse textuelle au sein duquel on a tendance à l’enfermer. L’examen s’effectue à la lumière de l’interrogation sur le suicide dans le drame français du XIXe siècle : son objectif est de cerner l’effet que le suicide d’un personnage exerce sur le lecteur. Pour ce faire, nous nous servons du concept de lecteur virtuel, destinataire implicite et atemporel des effets du texte selon Vincent Jouve ; ce lecteur immerge au sein du monde possible de fiction soutenu par le dispositif qui se fonde sur la tripartition Réel - Symbolique - Imaginaire de Lacan.La réflexion est structurée en cinq parties : l’introduction théorique est suivie des analyses qui portent, respectivement, sur le mélodrame, le drame romantique, le drame naturaliste et le drame symboliste. En nous penchant sur l’effet du suicide fictionnel sur le lecteur, qui est systématiquement relié au questionnement de la catharsis, nous traitons également de l’évolution des formes et genres théâtraux évoqués dans l’optique de la lecture « virtuelle ». Ainsi, lire le drame français du XIXe siècle, c’est voyager de la certitude optimiste du mélodrame à l’indétermination tragique du drame symboliste, du suicide effectif aux morts probablement volontaires, de la catharsis « larmoyante » à l’anticatharsisThis study examines the reading of drama texts as the reading of fictional texts, aiming to broaden the current approach according to which the reading of drama texts is mainly limited to text analysis. This question is examined in the light of the issue of suicide in 19th-century French drama. The principal aim of this study is therefore to understand the impact of the character’s suicide on the reader via the detailed analysis of the ins and outs of the suicidal act. The study applies Vincent Jouve’s concept of the virtual reader, who is defined as an implicit and atemporal recipient of the text effects. This reader emerges in a fictional world that is supported by an operative device (dispositif) based on the Lacanian triptych of the Real, the Symbolic and the Imaginary.The dissertation consists of five chapters. The theoretical discussion is followed by four chapters that deal, respectively, with melodrama, romantic drama, naturalist drama, and symbolist drama. In addition to the effect of the fictional suicide on the reader (which is systematically connected to the catharsis), the evolution of theatrical genres and forms is explored from the perspective of “virtual” reading. Thereby, the reading of 19th-century French drama could be viewed as a journey from the optimistic certainty of melodrama to the tragic indeterminacy of symbolist drama, from actual to probable suicides, from “sorrowful” catharsis to anticatharsis
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Imbert, Jeanne. "Edouard Dujardin, un cas exemplaire au sein du symbolisme : genres et formes (1885 -1893)." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040145.
Full textAbstract:
Édouard Dujardin (1861-1949), fondateur de la Revue wagnérienne et de la Revue Indépendante de littérature et d’art, n’a pas été seulement un théoricien du symbolisme, il en a été le praticien. Son œuvre littéraire entre 1885 et 1893 explore aussi bien le vers que la prose, en retrace les questionnements. Résolument engagée dans l’avant-Garde, elle ne s’attaque pas seulement à l’édifice du réalisme, elle remet en cause le modèle de la mimèsis dans une recherche formelle intense. Ainsi l’œuvre de Dujardin se fait-Elle, de manière exemplaire, témoin de cette crise du vers que traversait l’univers des lettres. Genres, formes et confrontation entre les arts délimitent ce parcours en trois parties, qui ne suit pas un plan linéaire ou chronologique, mais un questionnement spécifique déterminé par chaque ouvrage. Pour cette raison, nous avons commencé par son théâtre, qui soulevait la question de l’identité du personnage. Le prénom Antonia nous a ainsi servi de fil conducteur pour aborder la relation vers et prose, telle qu’elle se manifeste soit dans le poème en prose soit dans le vers libre. Dans une seconde partie, nous avons interrogé les formes, la prose poétique de ses nouvelles et de son roman, qui répondent partiellement aux critères définissant le poème en prose. Enfin, dans le cadre de la confrontation entre les arts, nous nous sommes intéressés au phénomène textuel Les Lauriers sont coupés, considéré par la critique comme un procédé de « monologue intérieur », puis au rapport entre poésie et musique par l’étude de l’ouvrage Litanies mélopées pour chant et piano, qui met en vis-À-Vis poème et musiqueEdouard Dujardin (1861-1949), the founder of Revue wagnérienne (the Wagnerian Journal) and Revue Indépendante de littérature et d’art (the independent journal of literature and art) has not only been a theoretician on symbolism but also a practitioner. His literary work between 1885 and 1893 explores verse as well as prose and traces back its questionings. Being resolutely engaged in the avant-Garde, it does not only tackle the structure of realism but also questions the model of mimesis in a sort of formal and intense research. It thus happens that Dujardin’s literary work testifies, in an exemplary way for that matter, to the crisis in verse that the literary universe was undergoing. Genres, forms and confrontations of different forms of arts define this course in three parts which does not follow a linear plan nor a chronological one but rather a specific questioning determined by each literary work. This is the reason why we started by studying his drama which raised the question of the character’s identity. The name of Antonia was thus used as a thread to tackle the relationship between prose and verse, as shown in the poem in prose or in free verse.In a second part, we questioned the forms-The poetic prose of his short stories and of his novel- which partly fulfil the criteria of the poem in verse. Lastly, in the context of the confrontation between the different types of arts, we focused on the text viewed as a phenomenon- Les Lauriers sont coupes- considered by critics as a form of “stream of consciousness” then on the connection between poetry and music through the study of the work Litanies, “mélopées” for piano and song, which confronts poem and music
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Darcq, Laure. "Le Théâtre de Joséphin Péladan : répertoire analytique de l’œuvre du dramaturge & contribution à l’histoire des idées et à l’étude de l’évolution dramatique de la fin du XIXe siècle au début du XXe siècle." Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30016.
Full textAbstract:
La thèse, composée de quatre volumes, propose l’ensemble de l’œuvre du dramaturge, à savoir les quinze pièces – dont sept sont inédites –, selon ses différentes caractéristiques : théâtre idéaliste (collaboration artistique), renouvellement de la tragédie antique (scènes de plein air), drames historiques (volonté d’accéder aux théâtres nationaux), adaptations dramatiques (traduction et translation). Les pièces, retranscrites, annotées (variantes et notes), sont accompagnées d’études (introduction et notice). L’introduction générale permet de présenter et de saisir le théâtre de l’écrivain, ses expériences scéniques ainsi que ses considérations sur l’art dramatique. L’édition critique a pour but de donner à lire l’œuvre injustement négligée, en rappelant le rôle important de ce théâtre dans l’histoire des idées et dans l’évolution artistique et littéraire de la fin du XIXe siècle jusqu’au début du XXe siècleThis is to prepare the scientific edition of the complete theatre work of Joséphin Péladan. The thesis in four volumes offers all of the work of the playwright, namely fifteen plays – seven of which are unpublished – according to its different characteristics: idealistic theater (artistic collaboration), renewal of ancient tragedy (outdoor scenes), historical dramas (willingness to access the national theaters), dramatic adaptations (translation and transposition). The plays, transcribed and annotated (variants and notes), are accompanied by some analysis (introductions and detailed descriptions). The general introduction presents the playwright and allows to understand his complete work, his stage experience and his reflections on the art of drama. The critical edition of the theatrical works of Joséphin Péladan aims to render accessible his plays unjustly neglected in spite of his profound influence on the theatre creation during the late 19th century and the early 20th century
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Kresine, Florence. "Le nombre et l'innombrable dans le théâtre de Shakespeare." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA132.
Full textAbstract:
L'œuvre de Shakespeare - et plus particulièrement les histoires et les tragédies - dont les proportions sont si vastes mais qui est si humaine, semble confirmer la conception pythagoricienne que « tout est nombre ». l'histoire du nombre, en effet, qui comprend l'innombrable, s'absorbe dans l'oeuvre théâtrale de Shakespeare. Elle tend à faire du nombre, du multiple, du multiforme et de leur présence tantôt discrète, tantôt ostentatoire, une histoire. L'histoire synchrone du nombre et de l'innombrable et inversement, celle du nombre et de l'innombrable en tant qu'histoire dans l'oeuvre de Shakespeare sont deux faits coïncidents. Dans le théâtre de Shakespeare, le nombre pullule : nombre de vers, nombre de corrections, d'augmentations, nombre d'auteurs, succession des règnes, des rois et des reines, foule innombrable…... La profusion de mots, de procédés qui se rapportent au nombre est imposante. Vertige de la liste. Le nombre est innombrable. Le nombre crée un modèle mais il existe une tension entre ce modèle et les irrégularités qui en sont l'avatar. Le vers de Shakespeare révèle l'existence de forces qui travaillent à la reproduction d'un schéma tout en valorisant et en intégrant l'irrégularité. Les mouvements désordonnés d'une foule, de la multitude qui s'émeut, qui s'enthousiasme ou qui se soulève sont canalisés par le pouvoir. le versant sombre de cette étude concerne l'appareil répressif et les relations qu'il entretient avec le spectacle. Il montre que le nombre et l'innombrable sont aussi le paradigme de l'inhumain. Hors du nombre, sans nombre, prémisses de l'innombrable, se situe l'oeuvre de Shakespeare, celle de « l'homme innombrable ». Les sciences ont pénétré l'univers de Shakespeare, qui subit, semble-t-il, l'influence des « mondes innombrables » de la cosmologie brunienne. L'innombrable est l'essence même du nombre, au confluent du démotique et de l'ésotérique. la conception d'une mystique du nombre, toutefois, ne peut être aisément raccordée à celle du génie populaire au caractère universel de Shakespeare. En raison de la coïncidence des contraires, de l'extraordinaire saisie du passé, du présent et de l'avenir, l'oeuvre se prête admirablement au jeu du dessaisissement, du désoeuvrementWith its vast but so human proportions, Shakespeare’s theatre seems to confirm the Pythagorean conception that “all is number”. Indeed, the history of number, which combines with the multiple, the multiform and the innumerable, has been absorbed into Shakespeare’s theatre. It is apt to transform the presence of numbers, which are sometimes unobtrusive sometimes ostentatious, into a story. The synchronous history of number and the innumerable, and conversely number and the innumerable as story meet in Shakespeare’s works. Numbers abound, namely the number of lines, the number of authors, the succession of reigns, of kings and queens and infinite numbers of people… The profusion of words and devices that are related to number is imposing. Lists are dizzying. Numbers are innumerable. Number shapes patterns but there may be tension between this pattern and the irregularities that are their final manifestation. The unruly movements of the crowd, of the multitude, that is easily moved, that is enthusiastic or may rebel, are channeled by the established power. The dark side of this study concerns the repressive state apparatus and the relationship with the theatre. This study shows that the inhuman is also no doubt inherent in the very notion of number and the innumerable. It is in the space of the numberless, without number, in the premise of the innumerable, that the works of “myriad-minded” Shakespeare reside. The sciences have penetrated Shakespeare’s works, which have been thought to undergo the influence of the innumerable worlds of Brunian cosmology. The innumerable lies somewhere between the demotic and the esoteric. The conception of a mystique of numbers, however, cannot be linked to the conception of Shakespeare’s universal popular genius. On account of the coincidentia oppositorum, of the extraordinary capture of the essence of the past, of the present and of the future, Shakespeare’s works admirably lend themselves to a process that entails a sense of loss
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Lasserre, Dempure Odile. "Maison et femme dans le théâtre profane de Luis Vélez de Guevara (1578?-1644) : recherches sur la dramatisation de l'espace réel et symbolique de la féminité." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030117.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur une quarantaine de pièces du théâtre profane de Luis Vélez de Guevara, étudiées à travers le prisme de la spatialisation d'un antagonisme entre masculinité et féminité. L'imaginaire du Siècle d'Or intègre le corps, la maison et le monde à un même réseau métaphorique, dramatisé par Vélez. Identifiés à leur maison, les personnages féminins s'opposent aux personnages masculins qui mettent la maison-corps-monde en péril. L'étude de la dialectique du dehors et du dedans aboutit au constat d'une valorisation des personnages féminins qui infirme certains jugements critiques portant sur la féminité et la femme virile dans le théâtre de Vélez. Les personnages masculins sont au contraire assimilés à une figure ennemie à laquelle les peurs de l'époque donnent un relief particulier. Cela ne renseigne pas sur l'intention idéologique d'un dramaturge soucieux d'exploiter la richesse d'une métaphore. Les images sont néanmoins livrées au public, libre d'en jouer à sa guiseThis work concerns about forty plays of Luis Vélez de Guevara's secular theatre. It is a study of the spacialisation of an antagonism between masculinity and femininity. For Golden Age's imaginations, body, house and world are an integral part of the same metaphor, wich is dramaticaly exploited by the playwright. The female characters are indentified with her house and they flight with male characters who try to imperil the house-body-world. The study of the dialectic of the inside and the outside proves that, unlike critics use to say about it, female characters and mujer varonil are positively presented. Male characters are an image of the hostility. The fears of the public of the time give a particular sense to this image. This perspective don't inform of playwright's ideological intention, but the public was free to play with the dramatic images
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Botella, Julien. "Dramaturgies du diaphane : enjeux esthétiques et politiques d’un paradigme, du symbolisme au néo-symbolisme, de Maeterlinck à Norén, Fosse et Lygre." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030050.
Full textAbstract:
La thèse analyse l’esthétique du diffus et son devenir dramaturgique dans les théâtralités symboliste et néo-symboliste. Elle interroge la notion d’atmosphère théâtrale depuis la fin du XIXe siècle sur la scène symboliste, à partir du moment où l’économie de l’immatériel en fait un enjeu spécifique pour l’écriture du drame. A travers l’analyse des travaux d’Appia sur la dramaturgie wagnérienne, de Meyerhold et de Régy sur le théâtre de Maeterlinck, elle vise à repenser la corrélation que la pensée brechtienne a établie entre cette esthétique du diffus et de l’effacement que nous désignons par le substantif « diaphane » et un régime de pure fascination esthétique qui caractérise le divertissement bourgeois. Est ainsi interrogée la place de l’altération perceptive dans la politique de la représentation. Quelle éthique, quelle politique de la représentation la dramaturgie du diaphane fait-elle intervenir ? Dans la première partie, intitulée « Influences et contextes : modélisation d’une théâtralité atmosphérique au XIXe siècle », est analysé comment, dans le contexte d’une autonomisation des arts, s’est développée une esthétique symboliste du diaphane fondée sur le voilage et la dématérialisation. La seconde partie, intitulée « Du symbolisme au néo-symbolisme : devenir scénique du corps diaphane » envisage la proxémie du spectacle et montre comment s'est formée une conception du jeu et de la présence fondée sur une approche auratique. Dans la troisième partie, intitulée « Dramaturgies contemporaines du diaphane », les dramaturgies de Lars Norén, Jon Fosse et Arne Lygre sont plus particulièrement analysées dans la mesure où elles sollicitent à des degrés divers l’esthétique néo-symboliste et travaillent à partir du diaphane dans une perspective politique. La non-transparence apparaît ainsi comme un régime de perception du réel et de construction de la réflexivité qui caractérise ce que nous nommons « théâtre du disparaître »The dissertation analyzes the aesthetics of diaphanous and its scenic becoming in symbolist and neo-symbolist drama. It aims at refunding the combination that Brecht established between the aesthetics of diaphanous and a pure fascination regimen that annihilates critical judgment. Through the analyze of Appia’s work on Wagnerian “Worttondrama” and of Meyerhold or Régy’s works on Maeterlinck drama, the dissertation aims at emphasizing the role of perceptive alteration in politics of representation. Which ethics, which politics does aesthetics of diaphanous promote? To answer this question, the work analyzes the way that Lars Norén, Jon Fosse and Arne Lygre drama, as reluctant as Brecht to a pure aesthetic approach of representation, nevertheless use diaphanous in a political purpose. Suspension and unclearness then can be considered as ways of perceiving and building reality. Thus is renewed the dialectics of irony and empathy, identity and alteration, politics and metaphysics that fed perspectivist theory of representation. Lars Norén, Jon Fosse and Arne Lygre drama are significant in their purpose of dissolving rhetorical structures and teleology, questioning the status of emotion and judgment that lies in vanishment
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Johansson, Franz. "Le corps dans le théâtre de Paul Valéry." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040059.
Full textAbstract:
Parmi toutes les écritures, celle du théâtre engage le corps d’une manière particulière : elle l’accueille non seulement comme une représentation mais aussi comme un instrument, un matériau, une présence. Le dramaturge se trouve confronté au corps de la manière la plus étroite ; aux prises avec sa constitution, ses ressources, ses limites et, en définitive, avec son essence. C’est pourquoi nous abordons le rapport qui lie Paul Valéry au corps précisément à travers son expérience théâtrale : le drame est sans doute le domaine privilégié où cet auteur explore et approfondit sa relation au corps -une relation qui, pour être problématique et conflictuelle, n’en est pas moins riche. Valéry est un grand écrivain du corps. La première partie de notre étude se penche sur le rapport que l’auteur entretient vis-à-vis de l’incarnation scénique : son théâtre suppose-t-il, appelle-t-il ou, du moins, tolère-t-il le corps ? Nous sommes amenés, dans une deuxième partie, à analyser la manière dont le dramaturge se saisit de la présence vivante de l’interprète et l’incorpore dans son écriture scénique ; à définir donc la place que le corps occupe à l’intérieur de l’esthétique théâtrale de l’auteur. Dans la troisième partie, nous cherchons à préciser les représentations, les visions ou les conceptions du corps qui se dessinent au fil des drames et des ébauches tracés par l’écrivain ; en d’autres termes à déterminer quels sont les discours sur le corps que tient ce discours du corps qu’est l’oeuvre théâtrale de ValéryAmong all the literary genres, theatre deals with the human body in a unique way: not only is the body figured in a play but it also becomes a substance, an instrument, a presence on the stage. A playwright will always, in some way or another, be confronted with the body in the meaning of its biological constitution, its shape and movement, its resources and limitations and, ultimately, its essence. Theatre is therefore one of the most interesting fields for studying Valéry’s approach to the human body : in no other part of his work does the writer embrace the body in such an immediate, complex, profound - and nonetheless problematic and ambiguous -way. Valéry is an immense artist of the body. The first part of this work explores how Valéry contemplates the experience of theatrical embodiment: do his dramatic works and projects need and call on the actor’s active matter ? Or do they, at least, tolerate it ? The second part analyses the different ways in which Valéry’s aesthetic principles incorporate the presence and movement of the body in dramatic writing: how are the expressive means of the actor seized and transformed by artistic conventions, processes or techniques ? The last part aims to specify the conceptions of the body that emerge from Valéry’s plays and drafts: what does this theatre, as a language of the body, tell us about the human body ?
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Chu, Ge. "Les interactions de la culture occidentale et de la culture chinoise dans l'oeuvre théâtrale et poétique de Paul Claudel." Thesis, Bordeaux 3, 2020. http://www.theses.fr/2020BOR30008.
Full textAbstract:
De 1895 à 1909, Claudel a fait trois séjours de mission diplomatiques en Chine et il y a vécu presque douze ans. En tant que diplomate, il a séjourné dans plusieurs villes chinoises, Shanghai, Fou-Tchéou, Hankéou, Hong-Kong, Pékin et Tian-Tsin ; et en tant que dramaturge et poète, il a témoigné de la largeur et de la profondeur des paysages exotiques et orientaux. Sous la plume de Paul Claudel, la rencontre avec l’Empire du Milieu s’est faite dans un double plan. On y trouve d’une part une attitude réservée et résistante, qui suscite des malentendus et des étonnements, et d’autre part une attitude qui recherche de l’inspiration dans l’altérité. Compte tenu du parcours personnel de Claudel, nous pouvons situer ses œuvres dans une dimension transculturelle (culture française et culture chinoise), trans-spatiale (la Chine vue de l’extérieur et la Chine vue de l’intérieur), trans-temporelle (Chine ancienne et Chine contemporaine) et trans-religieuse (le christianisme et le taoïsme, le confucianisme ainsi que le bouddhisme). Nous prenons ici pour champ d’étude ses œuvres théâtrales et poétiques inspirées par la culture chinoise, nous cherchons à y trouver les éléments chinois et à les analyser, à découvrir la réaction de Claudel en face d’un paysage étranger, et nous voyons comment Claudel traite la rencontre poétique et conceptuelle de deux cultures, ce qui nous permet de mettre en valeur les implications significatives apportées par l’écrivain, et de souligner ses efforts dans la communication sino-française. Signalons enfin que, à la différence du travail effectué par les prédécesseurs, notre thèse concerne non pas Claudel et la Chine en général, mais plus particulièrement les interactions mutuelles entre la culture occidentale et la culture chinoise dans ses œuvres théâtrales et poétiquesFrom 1895 to 1909, Claudel had made three business trips in China and lived there for almost twelve years. As a diplomat, he visited several Chinese cities, such as Shanghai, Foochow, Haikou, Hong Kong, Beijing and Tientsin; as a playwright and poet, he also experienced the breadth and depth of exotic oriental landscapes. In the writings of Paul Claudel, the encounter with the China was two- dimensional: there is firstly a reserved and obstinate attitude, producing misunderstandings and surprises, and also an attitude that seeks inspiration in otherness. Based on the personal journey of Claudel, we can situate his works in several perspectives: cross-cultural (French culture and Chinese culture), cross-spatial (from external view to internal view of China), cross-temporal (ancient China and contemporary China) and cross-religious (Christianity，Taoism, Confucianism and Buddhism). We study his theatrical and poetic works inspired by Chinese culture, we focus on analyzing the Chinese elements and we see how Claudel manages the poetic and conceptual interaction between two cultures so as to explore and appreciate the cultural implications with rich symbolic significance in these works and to highlight his efforts in the Sino-French communication. We point out that, different from the previous studies, our thesis doesn’t concern the general connection of Claudel with China, but particularly the mutual interaction between Chinese and Western cultures in his theatrical and poetic works
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Giuffrè, Gabriele. "Le bestiaire de la violence sur la scène : métaphores animales dans le théâtre attique tragique et comique." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H092.
Full textAbstract:
La thèse analyse les métaphores animales dans le théâtre tragique et comique. Dans la tragédie les métaphores représentent l’histoire et les meurtres cruels de femmes violentes qui ont oublié leur rôle de mères et d’épouses, ces images poétiques représentent donc idéologiquement la violence des mères de la tragédie, Clytemnestre, Medea et d’Hécube. Dans la comédie à la place de métaphores animales concernent le caractère de Cléon, ce qui signifie qu’ils assument une valeur politique claire et veulent dénoncer la démagogie. Chaque image est analysée de manière comparative et selon les rapports d’intertextualité entre la comédie et la tragédieThe thesis analyzes the animal metaphors in the tragic drama and comedy. In tragedy metaphor represent the history and the cruel murders of ciolent women who have forgotten their role as mothers and wives. These poetic images thus represent ideologically the violence of anti-mothers of the tragedy, Clytemnestra, Medea, Hecuba. In comedy instead many animal metaphors relate to the character of Cleon, meaning that they assume a clear political value and want to denounce the demagogue. Each image is analyzed in a comparative manner and according to reports of intertextuality between comedy and tragedy
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Armion, Clifford Jean Julien. "Le langage des blessures chez Shakespeare." Lyon 3, 2010. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/out/theses/2010_out_armion_c.pdf.
Full textAbstract:
Fondée sur une étude approfondie de la médecine, de l’Église et des arts de l’Angleterre élisabéthaine, cette thèse vise à éclairer le lecteur et le spectateur moderne de Shakespeare quant au symbolisme des blessures. L’ouverture des chairs est ici considérée comme un motif signifiant, un signe langagier dont le sens répond à un nombre défini de règles, d’usages et d’acceptions. En fonction de leur emplacement et de leur forme, les blessures peuvent ainsi signifier la gloire militaire ou la couardise, le rite purificateur du sacrifice ou l’horreur du crime. Au-delà de ce sémantisme complexe, la blessure et l’effusion de sang qui l’accompagne sont aussi un moyen pour le dramaturge d’inviter son public dans une expérience théâtrale participative du danger, du sublime et du sensuel. Il sera enfin question de l’immédiateté du motif de la blessure et de ses résonances dans l’inconscient, par delà les limites d’une culture ou d’une société donnéeBased on a careful study of the medical, religious and artistic background of Elizabethan England, this thesis means to shed light on the symbolism of wounds in Shakespearian drama and poetry. The tearing or puncturing of the skin is to be considered as a form of linguistic communication obeying to a number of rules and uses. Depending on its place and shape, a wound can signify military glory or cowardice, purification through sacrifice or the dereliction of the murdered body. Beyond this complex symbolism, gashes and the blood flowing from them can also be a means for the playwright to involve his audience in a dramatic experience of participation. Eventually, wounds will be analysed as a non-cultural symbol, the meaning of which is deeply rooted in the collective unconscious
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Grauby, Françoise. "La création mythique à l'époque du symbolisme : histoire, analyse et interprétation des mythes fondamentaux du symbolisme." Montpellier 3, 1992. http://www.theses.fr/1992MON30011.
Full text
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Labaye, Pierre. "Eduard Mörike : symbolisme et transparence." Rennes 2, 1987. http://www.theses.fr/1987REN20005.
Full textAbstract:
S'inscrivant en faux contre des prises de position récentes qui, sur des bases formelles, tendent à ériger le disparate en loi de la création morikéenne tout en considérant certains éléments de l'oeuvre comme des exemples de poésie absolue, la présente étude, centrée sur les images, démontre la cohérence remarquable de la vie, de l'esthétique et de la religiosité du poète. Morike utilise d'antiques figures mythiques qu'il ne laisse percevoir qu'en filigrane et sur lesquelles il se livre à un jeu délibéré, savamment construit, qui répond à une finalité multiple. Ce jeu revêt d'abord une fonction cognitive puisqu'il vise à dévoiler les invisibles puissances organisatrices de la matière en lesquelles le poète aperçoit, à la manière des esprits antiques, les forces éternelles et toutes-puissantes du destin naturel. La vision d'un temps prédateur déterminé ainsi chez lui le désir de retenir l'instant par la saisie des impressions fugitives. C'est ce qui fonde l'aspect impressionniste de sa sensibilité. Parallèlement, la claire conscience de la vie éphémère le conduit à rechercher, dans l'écriture, un refuge contre les nombreux visages qu'il donne au temps destructeur. Au fil des années, et plus nettement à partir de 1835, s'affirme le penchant hédoniste à dominer l'angoisse face aux caprices du destin par une quête de la proximité gratifiante des anciens dieux, en des images lumineuses qui conservent la grâce que Morike percevait chez Homère et Théocrite. Ainsi naît et se développe une esthétique très personnelle, unique en cette période de renouveau poétique. Entre la poésie morikeenne et la poésie romantique, il ne saurait être question de continuité. La conception d'une nature démonique et d'une temporalité prédatrice marque la rupture avec cette nature accueillante qui, pour le poète romantique, est une création du dieu chrétien. C'est donc aussi sur le plan des conceptions religieuses que Morike se démarque de l'époque précédente. Sa constante valorisation des anciens mythes païens constitue une critique voilée du christianisme, critique qui l'engage dans la grande controverse du siècle opposant, dans le sillage de D. F. Strauss, les esprits rationalistes aux défenseurs des dogmes chrétiens. Cependant, la position religieuse de Morike demeure originale. Tout en stigmatisant les dogmes chrétiens, le poète se différencie radicalement des rationalistes par sa conception grecque du divin et de la vie selon laquelle l'esprit se confond avec la natureRejecting recent stands which, on formal grounds, tend to establish the disparate as a principle of Morike's creation while considering certain elements of his work as examples of pure poetry, the present study focuses on his imagery to demonstrate the remarkable coherence of the poet's life, aesthetics and religious views. Morike takes ancient mythological figures as a subtle filigree which he carefully and deliberately manipulates to attain his various ends. This creative play first assumes a cognitive function, revealing the invisible organizing powers of matter in which the poet, like the ancients, perceives the eternal, all-powerful forces of natural destiny. His vision of time as a predator thus inspires his wish to preserve the moment by seizing his fleeting impressions. That is the basis of the impressionistic side of his sensibility. In parallel with this, his clear awareness of ephemeral life leads him to seek refuge in writing from the many faces he gives to destructive time. Over the years, and more sharply after 1835, his hedonistic tendence to overcome his anxiety at the vagaries of destiny by a quest for a satisfying approach to the ancient gods is confirmed in the luminous images that recapture the grace that Morike admired in Homer and Theocritus. Thus his very personal aesthetic ideal is born and develops, unique in this period of poetic renewal. There can be no question of any continuity between Morike's poetry and romantic poetry. His conceptions of demonic nature and predatory time mark a break with welcoming nature which is a creation of the Christian god for the romantic poets. Hence Morike also sets himself apart from the preceding period by his religious concepts. His constant bringing to the forefront of the ancient pagan myths constitutes a veiled criticism of Christianity, making him a party to the great controversy of his century opposing the rationalists in the camp of D. F. Strauss to the defenders of Christian dogma. Morike's religious position remains original, however. While he stigmatizes Christian dogma, the poet differs radically from the rationalists in his Greek concept of divinity and of life, according to which spirit and nature are one
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Perez, José. "Le symbolisme de José Antonio Ramos Sucre." Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA081075.
Full textAbstract:
Le symbolisme de jose antonio ramos sucre est plutot le symbolisme traditionnel qui exprime des idees sublimes et philosophiques. Les symboles majeurs que l'on trouve dans ses poemes en prose sont-selon nous-la fuite et la solitude, themes a travers lesquels sont explorees d'autres figures de sa thematique. Chaque figure symbolique est constituee d'une tension et d'une detente pendant lesquelles se tient l'attente spirituelle du poete. Cette soif d'infini donne une teleologie a l'oeuvre, un but a atteindre. Persuade du pouvoir redempteur de l'oeuvre ecrite, ramos sucre fera de sa poesie une longue meditation sur l'etre ideal, poetisant surtout son aspect impossible, effrayant ou chimerique, comme pour laisser a l'imagination le soin de restituer sa qualite intrinseque. Si l'on veut atteindre un etre parfait, les moyens pour y parvenir seront eux aussi, et dans la mesure du possible, parfaits. C'est pourquoi la poesie de ramos sucre est tributaire de la notion d'eloquence, concept defendu par notre poete et selon lequel l'oeuvre litteraire doit obeir a une logique et a une proportion. Ainsi, la thematique de ramos sucre met en place une esthetique et une ethique. Au plan esthetique fonde sur l'eloquence, se joint le plan ethique concentre autour de l'idee de salut. Pas de salut sans eloquence-aurait dit le poeteJose antonio ramos sucre's symbolism is more the traditional symbolism that expresses philosophical ideas and those of the sublime. The major symbols one finds in his poems in prose are, to our mind, escape and solitude, themes through wich other figures of his thematique are explored. Each symbolic figure is composed of an element of tension and an element of laxity where the spiritual expectation of the poet resides. This thirst for the infinite gives a teleology to the work, a goal to attain. Convinced of the redemption power of the written work, ramos sucre makes his poetry a long meditation on the ideal being, discoursing in poetic terms particularly on the aspect of the impossible, thus the dreadful or the chimeric confering on the imagination the task of reconstituating its intrinsic quality. If one desires to attain the perfect being, the means employed to this end must also be, in as much as it is possible, perfect. It is for this reason that ramos sucre's poetry yields to the notion of eloquence, a concept the poet preconizes. For ramos sucre a literary work must repond to a logic and a proportion. His thematique imposes both an esthetic and an ethic. The esthetique domain founded on eloquence joints with that of the ethic, wich is centered on the idea of salvation. There is no salvation without eloquence, the poet would have said
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Jantzen, René. "Réalités et symbolisme de la montagne dans la littérature." Dijon, 1987. http://www.theses.fr/1987DIJOL003.
Full textAbstract:
Obstacle naturel, la montagne rassemble ceux qui en sont natifs et ceux qui lui témoignent leur passion mais la dure condition des paysans de l'Alpe n'est plus connue qu'à travers certains auteurs. Cette vie à l'état de nature a passé trop souvent pour la confirmation tangible des origines édéniques de l'humanité. Les auteurs du XIXe siècle se projetaient dans ce monde merveilleux propice aux rencontres surnaturelles qu'ils animaient ou peuplaient d'êtres fantastiques. Les plus hardis d'entre eux nous ont traduit les durs combats qu'ils livraient à la recherche d'un hypothétique graal. Les plus sages rejoignaient dieu dans ces vastes déserts. Or, ce milieu privilégié se révèle centre du monde ou se dresse l'axis mundi, voie traditionnelle permettant la liaison entre l'immanent et le transcendant à travers le paradis terrestre, ce cloitre des élus qui recèle les marches célestes permettant au rêveur comme au mystique d'accomplir, à la manière de Dante, l'ultime montée vers le paradis. Si beaucoup d'alpinistes, jusqu'au début de ce siècle, étaient persuadés de rencontrer dieu sur les sommets, ils n'avaient pas souvent conscience que les terrains pentus étaient des lieux propices à une initiation qui les autorisait a connaitre l'illumination après la descente aux enfers, l'anabase après la catabase, le glacier et les pentes abruptes conduisant aux cimes y jouant le rôle du labyrinthe, ce lieu d'épreuve qui permet d'entrer dans la caverne initiatique, image symbolique retournée de la montagne. Selon le même schéma, mystiques et poètes, se passant du support physique de la montagne ou de ses figurations monumentales, vivent une ascension sans cesse renouvelée selon le processus du descensus-ascensus accompli par le fils de l'homme dont, pour la plupart, ils revendiquent la démarcheA natural obstacle, mountains bring together those who originate from them as well as those who display a passion for them. However the hard living conditions of the alpine peasant is now known only through a few writers. That life in a state of nature has been too often considered as the confirmation of the eden-related origins of mankind. 19th century writers projected themselves into that world of wonders propitions to supernatural meetings and animated or peopled by them with fantastic beings. The bravest among them conveyed to us the hard battles they were fighting in their quest for a hypothetical grail. Now then, that privileged environment appears to be the center of the world where the axis mundi rises, a traditional route enabling the connection between the immanent and the transcendental across the earthly paradise, that cloister for the elect which conceals the celestial steps intended to allow the dreamer as well as the mystic to accomplish, in Dante's manner, the ultimate ascent towards heaven. If many climbers, until the beginning of this century, were persuaded they would meet god on these summits, they were not often aware that sloping lands were places propitions to a form of initiation which entitled them to experience enlightenment after the descent to hell they had known, the anabasis after the catabasis; the glacier and the steep slopes that lead to the pinnacles played there the part of the labyrinth, that place of trial which opens the way to the initiatory cave, a symbolic inverted image of the mountain. Following the same movement, mystics and poets, dispensing with the physical support of mountains or their monumental representations, perform in their existence an endlessly renewed ascent in accordance with the descensus-ascensus process achieved by the son of man
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Bouchardon, Marianne. "Théâtre-poésie : limites non-frontières entre deux genres du symbolisme à nos jours." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100127.
Full textAbstract:
L'objet de ce travail est de montrer que la forme dramatique, entrée en crise à partir de la fin du XIXe siècle et pendant tout le XXe siècle, ne s'est pas seulement renouvelée par le biais d'une ouverture du genre théâtral du côté du genre romanesque, c'est à dire par le biais d'une "romanisation" ou d'une "épicisation" d'ores et déjà abondamment théorisée, mais également par la voie d'un décloisonnement du genre théâtral du côté du genre poétique, suggérant l'invention d'une sorte de "théâtre-poésie". Cette problématique invite à interroger le rapport du dramatique et du poétique à différentes époques charnières de l'histoire du théâtre, le symbolisme, les avants-gardes et l'époque contemporaine, et à analyser, pour chacune de ces périodes, une ou dramaturgies à valeur exemplaire, en l'occurence, celles de Villiers de l'Isle-Adam et de Maurice Maeterlinck, celles de Guillaume Apollinaire et de Roger Vitrac, celle enfin de Valère NovarinaThe object of this work is to show that the dramatic form, entered in crisis from the end of the XIXth century and during all XXth century, was not only renewed by means of an opening of the theatrical genre as for the romantic genre, that is by means of a "romanisation" or of an "épicisation" already abundantly theorized, but also by the way of a decompartmentalization of the theatrical genre towards the poetic genre, suggesting the invention of a sort of "theater-poetry". This problem prompt to interrogate the report of the dramatic and of poetics in various times hinges of the history of the theater, the symbolism, the avant-gardes and the contemporary time, and to analyze, for each of these periods, one or two dramatic arts with exemplary value, in this particular case, those of Villiers de l'Isle-Adam and Maurice Maeterlinck, those of Guillaume Apollinaire and Roger Vitrac, that finally Valère Novarina
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Aristei, Maria Teresa. "Le bestiaire dans l'oeuvre théâtrale d'Armand Gatti." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100142.
Full textAbstract:
Ce travail de thèse est l'issue d'une rencontre avec un univers fantastique, celui des animaux et de leur place dans la dramaturgie d'Armand Gatti qui avoue un amour total et inconditionnel pour le règne animal. D'abord, nous avons voulu retracer, surtout à travers ses oeuvres non théâtrales et des témoignages directs, l'histoire d'un compagnonnage quotidien avec les animaux qui a des racines dans les héritages familiaux. Ensuite, nous avons souligné la présence prépondérante des animaux dans ses pièces, ce qui justifie l'existence, chez Gatti, d'un véritable bestiaire théâtral, à travers la répartition des animaux en instruments de lecture ou d'analyse. Malgré la différenciation en animaux éponymes (totems), animaux personnages, animaux objets de scène et animaux images au contenu poétique (métaphores), les animaux restent, pour la plupart, des créations surtout verbales, emblématiques de son écriture poétique et qui rarement arrivent à se matérialiser sur scène sous une forme autre que dans un acte de parole. A la fin, nous avons proposé la lecture des cinq premières pièces de Gatti qui, hasard ou nécessité, regroupent en même temps tous nos critères d'analyseThis Ph. D. Thesis completely reveals my passion for Armand Gatti's imaginative universe, where his beloved animais act and speak. First of ail, I wanted to outline, especially through his non theatre- works and interwievs, the history of a daily deep relationship with animais having its mots in bis family heritage. Then, I pointed out the importance of animais in bis pièces wbich justifies the existence of a real theatre-bestiary in Gatti's work, using animais as a mean for reading or analysis. Although the classification consisting of eponymous animais (totems), character animais, scene-object animais, and image animais with a poetical content (metaphors), Gatti's animais remain, as a general rule, verbal creations meaningful of his poetical writing and they rarely succeed in having a role on the stage different from actors'voices. Ln the end, I suggested a method of reading the firs five Gatti's piecès keeping together, by chance or need, all my anaiysis criteria
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Totibadzé-Shalikashvili, David. "L'âme symboliste." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040043.
Full textAbstract:
Les origines du mouvement symboliste se situent entre 1880 et 1920. Il est issu à la fois de divers courants philosophiques et des œuvres de poètes précurseurs, tels Baudelaire et Verlaine. Cette étude replace la poésie symboliste à l'Ouest et à l'Est de l'Europe dans le contexte historique et littéraire des deux dernières décennies du XIXème siècle. Elle cherche d'abord à montrer comment les poètes symbolistes, affectés par un dégoût d'eux-mêmes et de désespoir en la vie, se sont d'abord laissé aller au spleen et à une complaisance marquée pour la décadence. Elle présente ensuite leur remontée vers la lumière sous l'effet de l'émergence de l'âme qui les anime et les pousse à créer. Car le plus important est le travail que les poètes font sur leur âme, la plaçant au centre d'eux-mêmes et du monde, par leur culte du beau, la création d'atmosphères symbolistes, leur quête de purs au-delà infinis et indéfinis, leur rapport à l'Eternel féminin, la certitude qu'existe un monde où règne l'Absolu. La thèse s'achève sur les apports du Symbolisme à la poésie, à savoir la redéfinition du rôle du poète, l'élaboration d'une nouvelle poésie dite "pure", la volonté de faire du symbolisme un idéalisme, voire un mysticisme. La poésie symboliste permet au poète comme à son lecteur de se sentir en symbiose avec l'univers et son Créateur, et d'atteindre un au-delà de la création tout entière dans lequel le poète va se reconnaître. Partie d'une enquête exhaustive de la vie et de l'œuvre du poète géorgien Térénti Granéli, cette étude tend à montrer comment le mouvement symboliste européen s'est peu à peu mué de recherche d'idéalisme en quête mystique. Ce travail explore le cheminement de l'âme symboliste, ses diverses manifestations et l'objet ultime de sa quête : créer de la "poésie pure", dans les œuvres des principaux poètes européens, ainsi que russes et géorgiens, connus ou moins connus, de ce courant, des années 1880 à l'aube du XXème siècleThe origins of the symbolist movement took place between 1880 and 1920. It was preceded by various philosophical ideas and the works of precursory poets such Baudelaire and Verlaine. This study replaces the symbolist poetry in Eastern and Western Europe in the historic and literary context of the last two decades of the XIX century. In the first place it tries to show how the symbolist poets, affected by a disgust for themselves and a despair of life, have first let themselves go to spleen and to a marked complacency for decadence. It then presents their rise to the light under the action of the emergence of the soul, which leads them and pushes them to create. Because what is most important is the work done by the poets on their soul replacing it in the centre of themselves and of the world by their cult of beauty, the creation of symbolist atmospheres, their quest of pure infinite undefined beyonds, their relation with the eternal feminine, the certitude that there is a world where the absolute prevails. The thesis ends with the contribution of symbolism to poetry: a new definition of the poet's role, the elaboration of a new “pure” poetry, the will to transform symbolism into idealism and even mysticism. The symbolist poetry allows the poet and his reader to feel in symbiosis with the universe and its Creator and to reach a beyond of the entire creation in which the poet will recognize himself. This study is a part of an exhaustive inquiry into the life and work of the Georgian poet Terenti Graneli; it aims at demonstrating how the European symbolist movement little by little turns from a search of idealism into a mystic quest. This work explores the progress of the symbolist soul, its various appearances and the final aim of its quest: to create "pure" poetry, in the works of the main European as well as in Russian and Georgian poets, whether they are known or less known in this movement from the years 1880 to the beginning of the XX century
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Kim, Sun-Yi. "Illusion et réalité dans le théâtre de Molière." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030162.
Full textAbstract:
Notre etude s'interesse a l'aspect omnipresent de l'illusion chez les personnages centraux molieresques, et a leur maniere de vivre ce reve. Nous avons aborde le sujet par le point de vue l'analyse dramaturgique. La premiere partie traite brievement de la societe du xviie siecle et de sa theatralisation chez moliere, et les specificites de sa dramaturgie. Dans la deuxieme partie, nous avons analyse, le systeme d'illusion dans les comedies de moliere: le critere des ridicules, leur psychologie "visualisee", le fonctionnement de leur illusion, et leur langage, sans oublier la rhetorique propre a l'imposteur. La troisieme partie est consacree a la realite molieresque (ses normes ethique et esthetique) qui souligne par contraste les deviances des personnages victimes de l'illusion. La question sur le dosage molieresque entre les necessites comiques et la realite psychologique, nous amene a conclure a la coexistence d'une vision "conservatrice" et "revolutionnaire" dans le fond comme dans la forme des oeuvre de moliere.
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Hwang, Sun-Hee. "L' influence du symbolisme français sur la poésie coréenne moderne." Paris, INALCO, 1998. http://www.theses.fr/1998INAL0006.
Full textAbstract:
Le symbolisme fut l'une des veines poétiques les plus profondes et les plus riches de la litterature française, et il fut un mouvement universel. Ce courant exerça une influence prépondérante sur la poésie en Extrême-Orient, en particulier au Japon et en Corée. Il fut introduit en Corée vers 1915 par le biais de la littérature japonaise qui joua ainsi le rôle d'intermédiaire. Le symbolisme français eut sur la poésie coréenne une influence immédiate et prépondérante jusqu'à la fin des années 30. Les aspects qui ont le plus séduit les poètes coréens d'alors furent la sensibilité de Verlaine et la sensualité de Baudelaire. Ilil fit entrer dans la modernité. Il modifia l'art poétique dans sa forme et en enrichit considérablement les thèmes. Les poètes coréens qui à l'époque se sont engagés dans ce mouvement nouveau étaient étrangers à son état d'esprit. Ils se sont contentés d'emprunter aux poètes symbolistes français des thèmes, des images, une terminologie et rhétorique, ainsi que la musicalité des mots, sans vraiment ressentir en eux une inspiration symbolique authentique. Malgré ces insuffisances, la poésie coréenne entra, avec le symbolisme français, dans une nouvelle phase qui forgea les basess de la modernisationThe symbolism was one of the greatest and richest poetical veins of the French literature, and it was an universal movement. This current exerted a preponderant influence on poetry in Asia, especially in Japan and in Korea. It was introduced in Korea near 1915 by means of the Japanese literature that played thus the role of go-between. The French symbolism had on Korean poetry a preponderant and immediate influence until the end of years 1930s. Aspects that have the most seduced Korean poets were the sensitivity of Verlaine and the sensuality of Baudelaire. It transformed thus deeply Korean poetry that it made enter in the modernity. It modified the poetical art in its form and enriched considerably its themes. Korean poets who have been then committed in this new movement, were foreign to it. They have been contented to borrow to poets French symbolists themes, images, a terminology and rhetoric, as well as the musicality of words, without truly feeling in them an authentic symbolic inspiration. Despite these insufficiencies, Korean poetry entered, with the French symbolism, in a new phase that was the basis of its modernization
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Nam, Suki Hee. "Le thème de Phèdre dans le théâtre." Rouen, 2000. http://www.theses.fr/2000ROUEL343.
Full textAbstract:
Le mythe de l'amour de Phèdre a de tous temps passionné les auteurs qui, dans leurs diverses adaptations, ont continué d'en perpétuer les caractéristiques essentielles. L'objet de notre étude consiste donc à analyser comparativement le thème de Phèdre à travers les données des pièces antiques jusqu'aux oeuvres théâtrales du XVIIIème siècle : d'Euripide à Pellegrin en passant par Sénèque, Garnier, La Pinelière, Gilbert, Bidar, Racine ou Pradon. L'analyse et la comparaison de chacune des pièces ont démontré que les différents auteurs ont fait évoluer la structure dramatique, la mise en scène des personnages, ou les rapports entre les hommes et les dieux. Le travail des auteurs s'apparente à celui d'un peintre qui teinte d'une couleur originale les éléments communs. L'interprétation personnelle, mais non l'imitation du thème traditionnel, leur permet de faire évoluer leur pensée en donnant à leur talent toute sa dimension. Tous les auteurs ont pris la liberté d'interpréter le drame de Phèdre en se référant à la source légendaire ou aux oeuvres de leurs prédécesseurs immédiats ou lointains. En effet, la légende de Phèdre a fourni le substratum des tragédies qui a contribué à nourrir les pensées philosophiques, religieuses et littéraires de chaque auteur. Ils ont tous fait preuve d'originalité et de créativité personnelle. Pourtant, quelle que soit la différence de leur interprétation, l'image de Phèdre reste intemporelle. Cette Phèdre est une passionnée, ravagée par la souffrance, humiliée dans sa solitude, victime d'une jalousie fatale. Phèdre, personnage central du drame nous délivre un message susceptible de pénétrer l'âme de tout un chacun de nous.
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Winkler, Jean-Marie. "Le théâtre de Thomas Bernhard : formes et structures." Paris 10, 1988. http://www.theses.fr/1988PA100067.
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Ce travail étudie les quatorze premières pièces de Thomas Bernhard (auteur autrichien né en 1931), écrites de 1970 à 1984. La méthode choisie utilise les acquis du formalisme et du structuralisme, en tendant vers une interprétation des structures observées: en première partie, l'opposition systématique entre l'attente et le "divertissement" au sens pascalien détermine un théâtre de la négativité et de l'immobilisme, qui rend impossible toute action. La deuxième partie étudie les "mots", l'opposition entre parole et mutisme, ainsi que les diverses formes de la parole. L'écriture théâtrale se fait partition musicale et logique. La troisième partie traite de l'opposition du tragique et du comique : le tragi-comique indique une vision grotesque de l'homme et de l'univers, qui fait basculer ce théâtre dans le ridicule et le rire "amer". En conclusion, ce théâtre s'inscrit dans une forme de dramaturgie moderne qui renonce à l'illusion, et qui vise à rendre actif un spectateur désorienté. Face au néant, la dramaturgie combat ses propres ténèbres par la recherche obstinée de la forme et de l'œuvre d'artThis work analyses the first fourteen plays written by Thomas Bernhard (Austrian playwright born in 1931) which were written from 1970 to 1984. The method chosen here uses notions of formalism and structuralism and tries to provide an interpretation for the observed structures. In the first part, the systematic opposition between expectation and "divertissement" in the pascalian sense determines a theatre of negativity and immobility which makes any action impossible. The second part is a study of "words", of the opposition between speech and muteness as well as of the different forms of speech. Theatrical writing becomes a musical and logical score. The third part deals with the opposition between tragedy and comedy: tragy-comedy implies a grotesque vision of man and universe which makes that theatre shift to the ridicule and derision. As a conclusion, this theatre belongs to a modern dramatically trend which discards illusion and which aims at making a puzzled spectator active. Confronted with nothingness, the author fights his own darkness by means of an obstinate search for form and for the work of art
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Suk, Jun. "La réception du symbolisme dans la poésie coréenne moderne." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040047.
Full textAbstract:
Cette thèse consiste à expliquer comment se déroula la réception du symbolisme dans la poésie coréenne moderne lors de la première moitié du vingtième siècle. Pour cette démarche, l'on fait appel à trois voies que l'on nomme : l'étude historique, morphologique et poétique. Dans le chapitre intitulé "l'étude historique", l'on essaie d'établir une chronologie de la publication des poèmes symbolistes traduits en coréen dans divers revues et journaux allant de mille huit cent quatre-vingt-cinq à mille neuf cent quarante-cinq. Dans le chapitre intitulé "l'étude morphologique", l'on traite des problèmes de traduction de la poésie en procédant à plusieurs comparaisons entre différentes traductions. Dans le chapitre intitulé "l'étude poétique", l'on recherche l'héritage et l'influence du symbolisme dans la poésie coréenne. Pour cette démarche, dix poèmes coréens sont étudiés sous plusieurs angles, afin que l'on puisse récapituler les différents aspects de cette influenceThis thesis consists by explaining how happened the reception of symbolism in the modern Korean poetry at the first half of twentieth century. In the first chapter entitled "historic study", we establish a chronology of publications of symbolists poems in Korean between eighteen eighty-five to nineteen forty-five. In the second chapter entitled "morphological study", we deal with the problems of poetry translation, with several comparisons of translated poems. In the next chapter entitled "poetic study", we try to find the influence of French symbolism in the Korean poetry. Ten poems are analyzed so as to recapitulate several aspects of this influence
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Dawe, Erin M. "L'Acadie dans le théâtre d'Antonine Maillet." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp01/MQ57280.pdf.
Full text
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Racine, Noële. "Les poètes au théâtre." Thèse, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2012. http://hdl.handle.net/10393/20671.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie le passage de la poésie au théâtre, à partir de trois parcours créateurs majeurs appartenant aux littératures française et québécoise des trois premiers quarts du XXe siècle – soit ceux d’Antonin Artaud, de Paul Claudel et de Claude Gauvreau.
Ces auteurs – d’abord reconnus pour leur écriture poétique – ont su, soit en pratiquant, soit en inspirant une écriture théâtrale radicalement novatrice, jouer un rôle déterminant dans la mutation des formes tant dramatiques que dramaturgiques, et cela, par le biais de trois stratégies.
Après une introduction rappelant l’évolution des liens (dés)unissant la poésie et le théâtre à travers les siècles, le premier chapitre s’attache à mettre au jour les approches mises en œuvre par les trois écrivains pour rejeter l’illusion réaliste. Celles-là ressortissent à leur prise de position antinaturaliste, à leur volonté de fonder un art total et à leur souhait de revenir aux sources d’une mimesis archaïque.
Le second chapitre explore, quant à lui, les procédés de poétisation du dramatique : les mécanismes et les caractéristiques de la langue lyrique des poètes en général, et la génération d’idiomes inédits en particulier.
Les techniques de théâtralisation et de dramatisation du poétique, de leur côté, sont examinées dans le dernier chapitre. Plusieurs événements et rencontres ont donné l’occasion aux poètes-dramaturges de saisir quelles sont les modalités inhérentes à la scène. Cette prise de conscience a directement influé sur leur écriture dramaturgique, notamment en les faisant user de deux stratégies propices au surgissement de la théâtralité : l’oralisation lyrique de la partition dramatique et la plastification des corps.
La conclusion, pour sa part, propose une synthèse des résultats de recherche, et montre que ces trois auteurs sont réunis par la même quête cosmique d’un théâtre vital et existentiel.
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Requemora, Sylvie. "Littérature et voyage au XVIIe siècle : (récit, roman, théâtre)." Aix-Marseille 1, 2000. http://www.theses.fr/2000AIX10012.
Full textAbstract:
L'etude des liens entre la litterature et le voyage permet d'analyser la topique de l'homo viator a la fois dans sa realite, a travers des recits de voyage authentiques, et dans ses traitements litteraires, a travers la production romanesque, theatrale et poetique de la meme epoque. Le corpus couvre une periode qui s'etend de la fin du xvieme siecle jusqu'aux premieres annees du xviiieme siecle, depuis montaigne et lery jusqu'a la traduction des mille et une nuits de galland, en passant par de grandes oeuvres comme polexandre, ibrahim, le bourgeois gentilhomme, bajazet ou les aventures de telemaque, et par des oeuvres moins connues (relations de voyageurs, recits de flibustiers, tragi-comedies, ballets, romans baroques, alchimiques, libertins, voyages imaginaires, utopies, etc. ). L'espacegeographique considere couvre les quatre points cardinaux (indes orientales et occidentales, laponie, barbarie, cafrerie) et privilegie l'outremer par rapport au voyage en europe. La premiere partie de la these s'attache a la lettre meme des textes recenses, afin de mettre en valeur la verite litteraire de cette interinfluence entre voyage et litterature en degageant des arts poetiques viatiques mixtes. La seconde confronte l'ecriture a l'imaginaire de l'ailleurs, le texte a la culture de son contexte a travers l'etude des images, de la cartographie allegorique et de notions telles que la curiosite, le merveilleux, le vraisemblable, les stereotypes, pour arriver a preciser les fonctions du voyage. La derniere partie essaie de penser les sens ideologiques que le voyage prend au xviieme siecle (reflexions sur l'autre, soi, l'etat, le droit, la religion, la nature humaine). L'interference des ecritures et des imaginaires s'avere etre le lieu privilegie de la comprehension d'une certaine "modernite" du xviieme siecle, creant et metamorphosant des genres en fonction d'experiences et d'idees nouvelles.
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Lee, Kye-Jin. "L'influence du symbolisme français sur la poésie coréenne (1915-1925) : contribution à une étude de la réfraction de la poétique baudelairienne et verlainienne." Rouen, 1989. http://www.theses.fr/1989ROUEL074.
Full textAbstract:
La présente étude se propose de préciser la nature de l'imaginaire symboliste qui a contribué à la formation de la poésie coréenne moderne, en rapport avec la réfraction et la réception du symbolisme français. Notamment l'influence baudelairienne et verlainienne dans les années 1915-1925. La première partie est consacrée au recensement général des traductions de poèmes ainsi que des diverses présentations de la théorie symboliste française. Nous examinons également un recueil traduit, la valse de l'angoisse (1921) et son retentissement. La deuxième partie traite des affinités, des thèmes et des motifs ainsi que des procédés stylistiques des deux précurseurs symbolistes Kim Ok et Ju Yo-Han en relation avec les sources françaises (Verlaine, Rimbaud, Samain, Gourmont, Fort). Nous observons en détail l'esthétique de mélancolie de Kim et le symbolisme romantique de Ju. La troisième se consacre au caractère décadent du symbolisme coréen en comparaison avec les traits de l'esprit décadent français. Nous tentons de déceler les traces de l'inspiration provenant des Fleurs du Mal de Baudelaire chez les poètes des groupes "Marée Blanche" et "Vénus". La conclusion reprend le développement de façon synthétique. Nous y abordons dans ses grandes lignes l'héritage et le déclin du symbolisme en Corée dans la première moitié du 20e siècleMaking of the modern korean poetry, related to the refraction and the reception of the french symbolism. Especially the baudelairian and verlainian influence in the years 1915-1925. The first part deals with the aspects of the translated poems and with the different presentations of the French's symbolist theory. We examine moreover the first translated korean anthology, the dance of the agony (1921) and its echo. The second part treats of the affinities, the themes, the motifs and the stylistic procedures of the precursors of the symbolist movement, Kim Ok and Ju Yo-Han, related to the french sources (Verlaine, Rimbaud, Samain, Gourmont, Fort). The melancholy aesthetics of Kim and romantic symbolism of Ju are observed in detail. The third part deals with the decadent feature of the korean symbolism in comparison with the French's decadent spirit. We try to reveal the traits of the inspiration that come from Baudelaire's Flowers of the Evil among the poets of the groups "White Tides" and "Venus"
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Decu, Adriana. "Le symbolisme mineur à la fin du XIXe siècle et au début du XXème siècle." Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA1020.
Full textAbstract:
La période qu’on se propose d’analyser, 1880-1916 (c’est-à-dire l’époque marquée par l’apparition du Literatorul et par l’entrée de la Roumanie dans la Première Guerre Mondiale) est souvent ignorée, surtout les symbolistes « au fil de l’herbe », « la masse de symbolistes », qui n’accéderont jamais aux cimes de la vraie poésie symboliste, en gardant plutôt la manière d’Eminescu; eux, ils s’obstinent à utiliser en premier lieu les thèmes symbolistes: l’univers floral, le satanisme, l’automne, les instruments musicaux. Nous proposons ici une analyse du début du phénomène symboliste, suivie par un essai où on tâche de rendre l’atmosphère symboliste, en faisant la reconstitution du «climat poétique» autour du Literatorul, ce qui nous oblige à passer en revue l’acception générale de ce courant dans les journaux de l’époque, à l’étude de ses sources d’inspiration, du contexte programmatique du cénacle, et, pour en finir, comme «point fort» de cette recherche, à quelques études de cas des poètes mineurs, qui n’ont fait jusqu’ici l’objet d’une recherche détaillée. Sans essayer d'être une étude de référence dans notre poésie moderne, notre approche est plutôt un dossier, négligé trop long temps par la justice littéraire, en attendant sa décision judiciaire: le dossier des «mineurs», que maintenant, juste en présentant tous les aspects de leur création, peut être «un plaidoyer» pour un nouvel examenThe analyzed period, 1880- 1916 (the interval between the year of the first issue of Literatorul and the year when Romania entered World War I) is often ignored, at least when it comes to minor symbolists who, even if they will not succeed to elevate to the standards of symbolist poetry, creating more like Eminescu, nevertheless they will keep with strictness the specific symbolist themes: the floral universe, the Satanism, the autumn, the musical instruments. My attempt is to analyze the beginnings of Romanian symbolism, to reconstruct the poetic outset surrounding Literatorul , including not only the general opinion about this literary current but also the sources of inspiration, the critics’ opinion, the programmatic context of the literary circle, and finally, as a novelty my thesis brings, some studies about minor symbolists who were never the object of a detailed analyze. Without trying to be a direction study our thesis is rather a dossier unexamined for a long time by the literary justice and now by presenting each aspect of their creation may represent a “pleading for reconsideration”
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Hammou, Malika. "Le monde du théâtre chez Aristophane." Toulouse 2, 2002. http://www.theses.fr/2002TOU20063.
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Toppan, Laura. "Mario Luzi poète, critique et traducteur : un témoin du symbolisme français en Italie." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040210.
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Notre recherche explore les rapports entre Mario Luzi poète, critique et traducteur italien (Florence, 1914-…) et le symbolisme français. Apres une présentation de la formation littéraire de Luzi, dans le premier chapitre nous analysons les références à la poésie symboliste européenne présentes dans le recueil poétique Avvento notturno (1940), avec une attention particulière pour Mallarmé, aboutissant à l'examen des intertextualités entre le poème de Luzi « un brindisi » (1946) et le sonnet « toast funèbre » de Mallarmé. Dans le deuxième chapitre, nous analysons l'essai de Luzi Studio su Mallarmé (1952), afin de mettre en relief la raison et la valeur ontologique de cette approche critique, ainsi que son anthologie L'Idea simbolista (1959), où Luzi présente le parcours du symbolisme en Europe, à travers un choix de textes, issus de plusieurs zones linguistiques (française, allemande, italienne, espagnole, russe et grecque), donnes en langue originale et traduction italienne. Le troisième chapitre est consacré aux traductions de L'Après-midi d'un faune, sorte de "banc d'essai" pour la traduction poétique dans l’Italie de l'après-guerre ; après un bilan des études mallarméennes en France, dans la culture anglo-saxonne et en Italie, nous proposons une comparaison entre la traduction réalisée par Luzi dans les années 80, de deux fragments du faune, et celles effectuées dans les années 40 par Bigongiari et Parronchi, poètes contemporains et amis, dans le but de comprendre cet écart chronologique. Le quatrième chapitre est consacré aux traductions par Luzi de plusieurs sonnets mallarméens. Le dernier chapitre met en évidence les liens existant sur le plan textuel et poétique entre ces traductions et le recueil Per il battesimo dei nostri frammenti (1985), qui marque un changement radical dans l'écriture poétique de Luzi. Sur un plan théorique, l'ambition de ce travail est d'approfondir les rapports entre la traduction, vue comme un acte critique, et la création poétique.
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Smadja, Isabelle. "Images et usages de la folie dans le théâtre contemporain." Paris 10, 1998. http://www.theses.fr/1998PA100071.
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Comment le theatre a-t-il reagi a la mutation culturelle qui fit disparaitre la fascinante folie et apparaitre de "pauvres malades" ? il garde une reference a la folie, use peu du concept de maladie mentale et repercute avec reticence le changement de perception de la folie. La folie contemporaine s'inscrit sur le corps du personnage, aveugle, boiteux ou mutile. Avec l'aveuglement, la tradition se maintient mais l'image du fou se deteriore : sa cecite n'est plus que l'effet du delire ou d'un retrait hors du monde et n'a plus la clairvoyance qui la qualifiait chez sophocle ou shakespeare. Avec la boiterie, nous passons d'une folie grandiose a une folie mediocre. Lorsque, par le biais de la mutilation, certains conservent une image puissante de la folie, le fou est un personnage inquietant,ce que confirme la frequence du theme de la mort d'un enfant dans son association a la folie. Les dramaturges s'interrogent alors sur la cruaute : faut-il la rejeter du cote de la folie ? le theatre se trouve une justification : l'aveu de l'infanticide necessite une mise en scene qui se passe du langage. Enfin, la mort pourrait etre une metaphore de l'ecriture dans son opposition a la parole vive. La folie, operant la confusion entre fantasme et realite, interroge le statut de la litterature dans le reel. A cela, s'ajoutent des usages lies a l'origine du theatre et a la catharsis. Des affinites structurelles existent aussi : la cloture de l'espace scenique correspond au "grand renfermement" dans l'hopital ; le regard exigeant des spectateurs sur le personnage de l'acteur fait surgir de lafolie ; l'alienation dans un role est une remise en question de l'identite. Existe encore un usage politique de la notion : a une maladie individuelle a enfermer, certains opposent la folie de la guerre, de la religion ou du monde du travail. Enfin le theatre se fait parfois le bouffon de la psychiatrie et des psychodrames, les renvoyant a leurs delires.
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Gutierrez, Laffond Aurore. "Théâtre et magie dans la littérature dramatique du XVIIè siècle." Toulouse 2, 1998. http://www.theses.fr/1998TOU20067.
Full textAbstract:
Le propos de cette étude "Théâtre et magie dans la littérature dramatique du XVIIe siècle, est de montrer en quoi, comment et pourquoi le théâtre de ce siècle reflète les différentes formes d'irrationnel et d'éclairer un aspect souvent laissé dans l'ombre, peut-être en raison de l'image prédominante d'un classicisme français épris de raison, d'ordre et de clarté. La pensée pré-scientifique du premier XVIIe siècle reste en effet fortement tributaire de la magie savante de la Renaissance. Kepler et Galilée sont autant astrologues qu'astronomes et le passage d'une comète, sérieusement interprété comme un presage funeste encore en 1680, répand la terreur parmi la population. La médecine est encore astrophile et marquée par la théorie des signatures de Paracelse. Les esprits les plus ouverts demeurent fascinés par le merveilleux que l'emblématique entretient et renouvelle. La mystique royale prend, avec Louis XIV, une dimension magique magnifiée par l'emblème solaire. La peur du diable et de la femme se concrétisent par une chasse aux sorcières jusqu'après 1650, à travers les affaires de possession de Loudun, Louviers, Aix etc. . . L'Affaire des Poisons est aussi, en 1679, une résurgence des sortilèges et des messes noires. La première partie prend en compte cette réalité de la magie. La représentation de la mentalité magique est différente selon les genres. Les genres sérieux tels que la tragédie, la tragédie en musique et, dans une moindre mesure, la tragi-comédie abordés en deuxième partie, révèlent, à la fois voilée et sublimée par le mythe, la fascination constante du XVIIe siècle pour le merveilleux magique. Les jardins d'Armide sont desormais l'image du rêve d'amour comme la destruction du palais enchanté est l'image de son impossibilité. La magie sur le mode comique, qui fait l'objet de la troisième partie, reflète plus directement les realités de la magie et de son avatar, la sorcellerie. Le thème atteint une grande variété de registres dans la production antérieure à Molière, la pastorale, la tragi-comédie et la comédie. Les motifs baroques de l'illusion, du miroir, de la métamorphose du moi et du monde, de la morte-vive, inspirent parfois une haute poésie tandis que les motifs du diable, de la sorcière et du satyre jouent sur le clavier très étendu du rire. A partir de Molière, la comedie amplifie la dénonciation de l'imposture amorcée précédemment avec un acharnement qui témoigne de la survivance tenace de la superstition et de l'antique mentalité magique, d'autant plus pernicieuses qu'elles prennent, avec les médecins de Molière, une apparence pédante. Cette reconstitution des formes de la représentation de la magie engage à une réflexion sur leur signification. La fonction mimétique du théâtre s'accompagne d'une catharsis soit par l'illusion et le rêve à travers la féérie des tragédies en musique et des pièces à machines qui mobilisent toutes les ressources du théâtre-illusion, soit par le rire appuyé lui aussi par les artifices de la scène comme dans "Les amants magnifiques" de Molière ou "La devineresse ou Les faux enchantements" de Thomas Corneille et Donneau de Visé. La magie, déjà théâtrale par ses officiants, leur allure et leur costume, par la mise en scène de ses rituels, la force de la parole magique lors des évocations, et autres aspects, entraîne certaines caractéristiques dramatiques et esthétiques qui sont définies en dernière partie. Tous les traits de la poésie et de l'art baroques s'y retrouvent, avec leurs beautés et leurs faiblesses. La permanence de ce thème et la splendeur qu'il a revêtue dans les tragédies en musique, montrent que la France a connu une tentation baroque dont la figure ostentatoire du Roi-Soleil offre un bel exempleThe purpose of this study, "theatre and magic in the dramatic literature of the 17th century" is to show how and why the theatre of that century reflected the different forms of the irrational. It is meant to shed light on a subject often left in the shade, perhaps on account of the prevailing image of French classicism yearning for order, reason and clarity. Pre-scientific thinking in the early 17th century remained indeed highly dependent on the learned magic of the renaissance. Kepler and Galilee were as many astrologers as astronomers and the passing of a comet, seriously interpreted as an ill-fated foreboding still in 1680, spread terror among the population. Medicine was still astrophile and influenced by Paracelsus's theory of marks. The most enlightened minds remained under the spell of the marvelous, kept alive and renewed by emblematic. Royal mystic under Louis XIV took on a magic dimension, magnified by the solar emblem. Awe of the devil and of woman assumed the form of witch hunting until after 1650 through the affairs of possession of Loudun, Louviers, and Aix. . . Etc. The Affair of the Poisons in 1679 was also a resurgence of the magic spells and black masses. The first part of the study analyses the reality of this magic. How this magic mentality was depicted varied with the literary genres. Such serious genres as tragedy, musical tragedy and to a lesser extent tragi-comedy - in the second part of the study - reveal the constant fascination of the 17th century for the magic marvelous, both veiled and sublimated by myths. Armida's gardens were the symbol of the dream of love just as the destruction of the enchanted palace was the symbol of its impossibility. Magic in comedy, developed in the third part, reflects more directly the reality of magic and of its avatar, witchcraft. The theme showed a great variety of registers in the pre-Moliere productions, in pastorals, tragi-comedies and comedies. Sometimes a lofty poetry is inspired by the baroque themes of the illusion, of the mirror, of the metamorphosis of the self and of the world, of the dead-alive, while the theme of the devil, the witch and the satire played upon the whole spectrum of laughter. From Moliere onwards comedy stressed the denunciation of imposture previously initiated with a determination that testified to the long-lasting survival of superstition and the ancient magic mentality
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Dupupet, Daniel. "Symbolisme, initiation et enfance. Approche thematique de l'oeuvre de michel tournier." Lyon 2, 1987. http://www.theses.fr/1987LYO20027.
Full textAbstract:
L'enfance est assurement un des themes de predilection de michel tournier. Ses trois premiers romans analyses chacun et en detail sous le projecteur de ce theme recurrent nous permettent de constater une evolution manifeste dans la dynamique d'une pensee, ce qui ne saurait etonner lorsque l'on songe a l'ambition philosophique de l'auteur. Evolution confirmee ensuite par l'analyse des autres themes essentiels rencontres tout au long de l'oeuvre. D'un texte a l'autre, a travers un symbolisme tres fort et par le biais d'une structure initiatique, se tisse tout un reseau de concordances qui finit par elucider la veritable motivation de l'auteur : un retour a sa propre enfance avec le desir forcene de recreer le couple originel ideal, sanctionnant ainsi la pale et sordide dualite heterosexuelle. Cette demarche s'est accompagnee d'une reflexion de michel tournier sur son travail qui l'a conduit a modifier considerablement son rapport avec l'ecrit, d'ou son projet de ne plus faire que des livres "assez bons pour etre lus par des enfants". Notre etude nous permet de suivre pas a pas cette evolution. Mais nous finissons par y voir comme une regression qui ne fait qu'en cacher une autre beaucoup plus intime, car cette recherche du couple ideal n'est en fait que le desir de retrouver l'union primitive et sublime de l'enfant avec sa mereCHILDHOOD IS UNDOUBTEDLY ONE OF MICHEL TOURNIER'S FAVORITE TOPICS. HIS FIRST THREE NOVELS, WHEN ANALYZED IN DETAILS AND STUDIED THROUGH THAT PARTICULAR RECURRENT THEME, ALLOW US TO STATE THAT AN OBVIOUS DEVELOPMENT HAS TAKEN PLACE IN THE DYNAMICS OF HIS IDEAS : THAT IS NOT TO SURPRISE ANYONE WHEN ONE KNOWS WHAT THE AUTHOR PHILOSOPHICAL AMBITIONS ARE. THAT DEVELOPMENT IS FURTHER ESTABLISHED THROUGH THE ANALYSIS OF THE OTHER MAIN THEMES THROUGHOUT HIS WORKS. IN ALL HIS BOOKS, TROUGH A VERY STRONG SYMBOLISM AND AN INITIATION-STRUCTURED APPROACH, A WHOLE NETWORK OF SIMILITARIES IS PROGRESSIVELY WOVEN AND IT FINALLY CASTS A LIGHT ON THE REAL AIMS OF THE AUTHOR I. E. A COMING BACK TO HIS OWN CHILDHOOD WITH THE FRANTIC DESIRE TO RECREATE THE IDEAL ORIGINAL COUPLE - IN THE MEANTIME CONDEMNING THE PALE AND SORDID HETEROSEXUAL DUALITY. THAT PERSONAL WAY OF WORKING, TOGETHER WITH MICHEL TOURNIER'S DEEP THINKING ON HIS WORKS HAS LED HIM TO MODIFY GREATLY HIS RELATIONSHIP with THE "WRITTEN THING"; HENCE HIS GOAL TO WRITE BOOKS THAT WOULD ONLY BE "GOOD ENOUGH TO BE READ BY CHILDREN". THE PRESENT INVESTIGATION ALLOW US TO FOLLOW STEP BY STEP THAT DEVE- LOPMENT. HOWEVER THE FINAL FEELING IS THAT OF A BACKWARD QUEST WHICH HIDES ANOTHER ONE, A LOT MORE INTIMATE. . . IN FACT THAT NEED TO FIND THE IDEAL COUPLE IS MOST OF ALL THE DESIRE TO FIND AGAIN THE FORMER AND EXQUISITE UNION OF MOTHER AND CHILD
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Danan, Joseph. "Transpositions du monologue intérieur au théâtre." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030155.
Full textAbstract:
L'apparition du monologue interieur romanesque coincide, au theatre, avec celui d'une dramaturgie de la subjectivite dont on peut suivre les developpements a la fin du xixe siecle et tout au long du xxe. Peu d'auteurs ont exolicitement cherche ( comme o'neil ) a transposer au theatre le monologue interieur romanesque. Le detour par la theorisation ebauchee par eisenstein, qui se demanda comment transposer le monologue interieur au cinema, permet pourtant de mieux reperer, dans le foisenement des formes theatrales modernes, ces "monologues interieurs de sons et d'images" qui se donnent pour tache plus ou moins implicte de restituer, par le jeu du montage et du contrepoint, le mouvement de la pensee. De quelle pensee s'agit-il? celle, saisie, comme le voulait dujardin, "en son etat naissant", que le recours a l'image autorise a mieux reduire a ses aspects non rationnels, non logiques? ou bien le "monologue interieur" peut-il etre le creuset ou s'elabore, comme le laissait entendre eisenstein, une pensee plus "haute", eventuellement detachee de la subjectivite d'un moi conduit par beckett (comme le monde que ce moi reflete) au bord de l'extinction?The apparition of the novelistic stream of consciousness coincides, in theatre, with a dramatur5gy of subjectivity whose developments can be witnessed since the end of the nineteenth century and throughout the twentieth century. Few authors have explicitly attempted (as o'neil did) to transpose the novelistic steam of consciousness within theatre. However. Turning for a time to the theorization initiated by eisenstein, who reflected on how to transpose stream of consciousness within film, helps identify among the proliferation of modern theatrical forms these "streams of consciousness of sounds and images" intended more or less implicity to restore the movement of thought through the interplay of montage and couterpoint. What form of thought is it? the one, as dujardin wished, captured "in its nascent state", where recourse to the image gives licence to further reduce thought to its non-rational, non-logical aspects? or rather, as eisentein suggested, can "streams of consciousness" be the crucible where "higher" thought is formed, and is then possibly detached from the subjectivity of a self driven (like the word that this self reflects) to the brink of extinction, as in beckett's work?
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Jin, Siyan. "La métamorphose des images poétiques : des symbolistes français aux symbolistes chinois." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040120.
Full textAbstract:
La thèse présente porte sur la réception des poètes symbolistes français en Chine. Nous avons voulu ici, à travers l'examen des œuvres des poètes de l'école symboliste chinoise, interroger les textes, pour tenter de dégager les infiltrations, les revêtements d'habits de lumière, les malentendus, les angoisses, et les fantasmes, dus au choc des deux cultures. Nous avons commencé par interroger deux revues-pilotes, revues culturelles et littéraires : nouvelle jeunesse (xinqingnian) et revue mensuelle du roman (xiaoshusyuebao). Une première interrogation porte sur les genres d'œuvres traduites, les auteurs traduits, et les époques privilégiées. (1915-1925). Nous nous sommes demandé ensuite, pour la période 1921-1925, quels étaient les pays et les écrivains qui avaient fait l'objet d'une interprétation et d'une critique attentive de la part des critiques chinois. L'étude porte ensuite sur l'aventure poétique de Li Jinfa et sur la révolution (musicalité poétique) des symbolistes chinoisThe present is a study of the literary reception of French symbolism in china. We have first treated the translation of foreign genres, works and writers into Chinese. We have then convered the interpretation of foreign literatures and the Chinese literary criticism there of finally, we have investigated the poetic adventure of Li Jinfa and the revolution in poetic musicality engendered by Chinese symbolists
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Balard, Thierry. "L'interaction phono-sémantique dans la poésie symboliste." Dijon, 1998. http://www.theses.fr/1999DIJOL010.
Full textAbstract:
L'objet de la thèse est de rendre compte de l'interaction entre le son et le sens dans un corpus d'œuvres poétiques symbolistes de langue française. Ghil et Moréas sont étudiés pour leurs recherches formelles, Samain, Viele-Griffin et Van Lerberghe pour leur ambition cratylienne, Eiskamp et Saint-Pol-Roux pour leur rôle de transition vers la modernité. L'étude de l'euphonie en tant que telle est écartée, ainsi que le cratylisme primaire. L'approche est donc fondée sur le cratylisme indirect. Toutes les répétitions du corpus, selon une définition restrictive de la notion de récurrence phonique, sont recensées au moyen d'un programme informatique. Pour sélectionner les effets pertinents du point de vue phono-sémantique, le plan métrico-rythmique est considéré comme un élément essentiel de la perceptibilité. La compensation de l'affaiblissement des contraintes traditionnelles de versification par la structure phonique est mise en évidence : l'expansion d'un patron phonique selon des schémas analogues aux schémas rimiques structure l'écriture. Du point de vue de l'interaction entre cette structure phonique et le sens, l'analogie entre le plan de l'expression et le plan du contenu est analysée dans le processus de perception : la signification profonde ne réside ni dans la perception du contenu, ni dans celle de l'expression, mais dans un entre-deux qui s'exprime au moyen de procédés de travail sur les signifiants : l'effacement de traits sémantiques dénotatifs au profit d'un changement de signification, le détournement des clichés, l'élucidation des lapsus poétiques ou des termes impertinents du point de vue sémantique. L'axe de la taxinomie, sur lequel se déploient les relations de similarité, et l'axe de la générativité, qui correspond aux liens de contiguïté, structurent, dans les processus cognitifs, à la fois la substance de l'expression et la substance du contenu. Les symbolistes ont ainsi fondé une esthétique nouvelle sur l'utilisation d'éléments anciensThe aim of the thesis is to account for the interaction between sound and meaning in a set of symbolist poetic texts in french language. Ghil and Moreas are studied for their formal work on sounds, Samain, Viele-Griffin and Van Lerberghe for their cratylian aim, Elskamp and Saint-Pol- Roux for their role of transition towards modernity. The study of the euphonia as such is drawn aside, as well as the primary cratylism. The approach is founded on the indirect cratylism. All the repetitions of the set of texts, according to a restrictive definition of phonic repetitions, are listed by means of a data-processing program. To select the relevant effects from the phono-semantic point of view, the metrical and rhythmic structure is regarded as an essential element of perceptibility. The compensation of the attenuation of the traditional constraints of versification by the phonic structure is highlighted: the writing is structured by the expansion of a group of phonemes according to patterns similar to the rimic pattern. From the point of view of the interaction between this phonic structure and the meaning, the analogy between the expression plane and the content plane is analyzed in the process of perception: the major significance lies neither in the perception of the content plane, nor in that of the expression plane, but in an interval between these planes, which is expressed by means of work on the signifiers: the attenuation of denotative semantic features to the profit of a change of significance, the diversion of the stereotypes, the elucidation of the poetic lapses or impertinent terms from the semantic point of view. The axis of taxonomy, on which the relations of similarity are situated, and the axis of generativity, which corresponds to the links of adjacency, implement a structure in the cognitive processes, at the same time in the substance of expression and in the substance of content. The symbolists thus based a new esthetics on the use of old elements
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Michaux, Charlotte. "La fée dans le symbolisme européen, domaines francophone et anglophone : identité nationale, mémoire littéraire et questionnements poétiques." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030067.
Full textAbstract:
Notre étude met en regard les symbolismes francophones et anglophones européens à travers la figure de la fée. Passage obligé pour une majorité de petits et de grands poètes de la jeune génération symboliste, l’oeuvre à thème féerique manifeste des préoccupations communes à chacun d’entre eux : donner forme à une mémoire archaïque du merveilleux, construire une image idéalisée de la nation, revisiter par la fable l’expérience du ravissement poétique, interroger la légitimité de l’image et éprouver les possibilités de la voix poétique. Loin de se réduire à un symbole d’escapisme, le motif de la fée thématise espoirs, questionnements et failles du geste poétique symboliste. On voit comment, grâce à un topos merveilleux, un mouvement fragile et dispersé parvient à ouvrir dans l’espace du poème un lieu de dialogue national et transnational entre ses différents acteurs, et, plus encore, à s’inventer une identité et une histoire collectives qui vient compenser l’histoire officielle du mouvementOur study takes a look at the symbolism in French and English literature, represented by the personage of the fairy. Writings with a mythical theme were an obligatory rite of passage for the majority of poets, big and small, in the young generation of the Symbolist movement. Their works share common concerns; the desire to create an archaic memory of the fabulous, to construct an ideal image of the nation, to revisit poetic rapture through storytelling, to question the legitimacy of the image and to test the possibilities of the poetic voice. Far from being reduced to a symbol of escapism, the motif of the fairy represents hope, questioning and flaws in the Symbolist movement. We can see how, thanks to an enchanted topos, a fragile and dispersed movement succeeded in opening up the literary tool of the poem to a national and transnational dialogue between its different actors, and moreover creating for itself an identity and a collective history which compensates for the official history of the movement. Is
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Ghezali, Habib. "Culture et tradition dans le théâtre populaire en Algérie." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20080.
Full textAbstract:
La culture populaire est une source inépuisable d'inspiration pour les productions artistiques en Algérie. Poètes, peintres, romanciers et dramaturges puisent dans ce trésor leurs matières premières avec le souci de réactualiser des modes traditionnels de communication de plus en plus menacés de disparition, par la modernisation de la société. Kaki et Kateb illustrent l'utilisation du tremplin mythique pour découvrir un monde nouveau. La remontée au monde des anciens est une investigation en vue de la découverte d'une nouvelle parole. Elle est précisément une réflexion sur l'histoire de cette parole et de ses formes multiples d'émission. Le théâtre devient une fenêtre ouverte sur l'univers fabuleux de cet imaginaire populaire qui intègre pleinement la tradition orale avec ses diverses formes de productions. Alloula, Benissa, Fellag et tant d'autres dramaturges, désireux de prendre en main la culture de leur pays, dévoilent le souci de donner un souffle nouveau à cet art populaire. Ils tentent ainsi de maîtriser le réel, de lancer un appel aux hommes, de transformer le monde, en faisant preuve de solidarité et de lucidité. Un théâtre montrant l'homme à partir des données par lesquelles et dans lesquelles il vitPopular culture is an inexhaustible source of inspiration for artistic productions in Algeria. Poets, painters, novelists and playwrights draw their raw material from this treasure with a concern for updating the traditional modes of communication which, day after day, are threatened of extinction through the modernisation of society. Kaki, as well as Kateb, illustrates the utilisation of the mythical springboard to unearth a new world. The coming up to the ancients' world is an investigation to discover a new speech. It is precisely a reflection on the history of this speech and on its various forms of voicing. The theatre becomes an open window to the fabulous universe of this popular imaginary which fully integrates the oral tradition with its various forms of production. Alloula, Benissa, Fellag and so many other playwrights, avid for taking in hands the culture of their country, unveil the concern for giving a new breath to this popular art. So they attempt to master the reality, to appeal to men, to transform the world by showing proof of solidarity and clear-mindedness. A theatre showing Man through facts for which and in which he lives
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Bouchard, Colombe. "L'atelier d'art, ou, Comment des artistes, animés par des maîtres, ont réalisé leur théâtre." Thèse, Université du Québec à Trois-Rivières, 1991. http://constellation.uqac.ca/1430/1/1475016.pdf.
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Chamié, Rim. "Le rire paradoxal dans le théâtre d'Eugène Ionesco." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20024.
Full textAbstract:
Le rire semble être la clé de voûte de l'oeuvre de Ionesco. Il trouve ses racines dans les oeuvres de Jarry, Kafka et les Surréalistes, mais il a ses propres caractéristiques. C'est un rire qui tente une révélation de la vérité sur notre condition humaine tout en faisant appel au travestissement burlesque, à la satire mais surtout à un humour moderne fondé sur le non-sens, d'où la création d'un nouveau langage caractérisé par un décalage sur le plan de la communication, par une rupture entre signifiants et signifiés. Le jeu de mots, la suppression des liaisons grammaticales créent un langage sans signification, ce qui fait jaillir le rire. Cet humour est aussi caractérisé par la mise en abîme des personnages. Fantoches sans caractères ni identité, marionnettes à ficelles, encombrées par la prolifération de la matière, les créatures de Ionesco portent en elles la tragédie de l'existence humaine. Le rire dans le théâtre de Ionesco a donc pour fonction d'exprimer l'angoisse et l'absurdité de l'existence humaine. Cette oeuvre permet ainsi au spectateur de prendre conscience du tragique de son existence et de s'en libérer par le rireLaughter is cornerstone of Ionesco's theatre. Its roots can be traced back to the works of Jarry, Kafka and the Surrealists. However, Ionesco's laughter has its own characteristics. It is a laughter that attempts to denude truth through comic travesty, through satire, but above all through modern humour that verges on the absurd, using for medium a new language characterized by a separation from the normal way of communication, by rupture between the significant and the signified. The play on words and the suppression of grammatical links allow the appearance of a senseless language, which evokes laughter. This humour is characterized by exposing character vices. Ionesco's creation are without character or identity; puppets moved by strings, shackled by the proliferation of matter, carrying in them the tragedy of human existence. Doubtless, Ionesco's laughter shows the pain and absurdity of human existence and to be liberated from it by laughter
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Félix, Clélia. "L'héroi͏̈sme dans le théâtre de Corneille du Cid à Polyeucte." Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30022.
Full text
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QUEINNEC, COLAS PIERRETTE. "Rêve et illusion dans le théâtre de Molière." Paris 7, 2000. http://www.theses.fr/2000PA070079.
Full textAbstract:
La litterature porte en ses flancs du non-conscient et la psychanalyse apporte une theorie de ce qui echappe au conscient. On est donc tente de rapprocher ces deux disciplines jusqu'a les confondre. C'est au theatre que nous nous interessons parce qu'il se prete particulierement bien a la lecture psychanalytique. Notre propos est de montrer comment il peut etre considere comme le ressort meme de la pensee freudienne et nous nous attachons a mettre en evidence le caractere fictif de la scene jouee que freud appelle illusion. Dans cette lecture nous mettons en evidence l'existence de concepts psychanalytiques dans le theatre de moliere: le desir, l'obsession, l'illusion, et la pulsion, qui n'est pas sans rapport avec le caractere passionne de ses personnages. Nous nous interessons au rire que nous presentons comme une figure de l'inconscient. L'analyse du rire nous permet de devoiler l'architecture souterraine que masque l'aspect comique du theatre de moliere. En effet la faiblesse derisoire de tous ses personnages est comique mais devoile en meme temps des figures monstrueuses qui, si elles n'etaient pas mises a distance par le rire, seraient probablement insupportables, "etrangement inquietantes". Certains personnages sont les indices de la comedie puisqu'ils font rire, mais ils devoilent aussi une seconde theatralite plus enigmatique, qui est l'objet de notre travail. Dans le theatre de moliere, une des figures monstrueuses que masque le rire est l'hypocrisie, l'analyse de ce theme nous permet d'illustrer l'idee fondamentale de notre these: l'aspect onirique du theatre demoliere. Dom juan est la piece qui se prete le mieux a cette interpretation.
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Kawgy, Chawa Rawa. "Histoire de la mort dans le théâtre de Jean Giraudoux." Tours, 1999. http://www.theses.fr/1999TOUR2009.
Full textAbstract:
Jean Giraudoux est un écrivain qui a toujours été qualifié d'auteur léger, précieux, esquivant tous les problèmes graves superficiellement. Son théâtre contredit ce jugement car il s'agit d'un effort pour penser systématiquement la condition humaine. L’une des interrogations les plus importantes qui a toujours occupé les hommes s'y trouve : la mort. La guerre, celle de 1914, a surement influencé son œuvre. Dans presque toutes les pièces, elle est omniprésente. Mais au lieu de raconter les horreurs de la guerre et par occasion, celles de la mort, Giraudoux déleste l'acte de la mort en faisant de cette force auguste qui menace le genre humain un refuge, une porte de secours. Ses héros l'acceptent avec sérénité, ses héroïnes y trouvent un pays d'évasion. Les malheurs de la vie sont cités dans l'intention de les combattre et pour chanter l'espoir d'une nouvelle vie pure, innocente, vidée des angoisses qui terrifient les hommes. Dans cette dialectique la mort devient un droit non accessible à tout le monde. Un droit pour ceux qui ont su jouir de la vie intensément mais ceux qui ont raté leur vie, auront une mort atroce car "la mort vaut ce que vaut la vie du mort. La mort d'un vaurien, ce n'est rien". Giraudoux n'a cessé de combattre la mort de toutes ses forces et jusqu'au dernier souffle : le remaniement de ses pièces et l'élimination des éléments tragiques, le goût du cercle fermé et l'eternel retour, les règles de la métempsycose et le refus du divin ne sont que les combattants de la vie contre l'omniprésence de la mort. Giraudoux nous offre "la seule route, le seul acheminement normal vers la mort et vers les morts" la vie, car celui-là va à eux lentement, doucement, mais surement. Il nous y porte" et la réflexion sur la mort se renverse en une réflexion sur la vie.