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Journal articles on the topic 'Tableaux de peintures'

Author: Grafiati

Published: 7 July 2024

Last updated: 31 July 2025

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1

Colas-Blaise, Marion. "La forme de vie et le motif : comment penser la genealogie des tableaux ?" Gragoatá 28, no. 62 (2023): e58621. http://dx.doi.org/10.22409/gragoata.v28i62.58621.fr.

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Abstract:

Dans cet article, nous nous demandons comment on peut associer une forme de vie, dûment théorisée (BASSO FOSSALI ; COLAS-BLAISE ; FONTANILLE ; WITTGENSTEIN), à une ou plusieurs images, en étudiant la forme de vie d’un tableau ainsi que la ou les formes de vie (« jeux culturels ») associées à un tableau. Il s’agit, plus particulièrement, d’approcher la question des filiations entre tableaux – de la généalogie de tableaux – sous l’angle des migrations et mutations du motif (figuratif, plastique, figural). L’objectif est non seulement de dégager des modes de constitution des formes de vie (par él

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2

Perusini, Giuseppina. "Simon Horsin-Déon e il restauro dei dipinti in Francia alla metà dell’Ottocento." Technè 33 (2011): 105–11. http://dx.doi.org/10.4000/12hya.

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Abstract:

Historien de l’art, expert en peinture et marchand, Simon Horsin-Déon (1812-1882) fut l’un des lauréats du concours de restaurateurs lancé par le Louvre en 1848. Il fut également le premier Français à publier un traité sur l’art de la restauration, intitulé De la conservation et de la restauration des tableaux (1851), qui eut plus de succès à l’étranger que dans son propre pays. En dépit de son titre de restaurateur des Musées impériaux, Horsin-Déon travailla rarement pour le Louvre, sans doute en raison des critiques qu’il avait émises, dans son traité et d’autres écrits, sur les méthodes de

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3

Mironova, Milana. "Les peintures et les sculptures des premiers ensembles monastiques bouddhiques creusés sous roche dans l’oeuvre de Nicolas Roerich." Slavica Occitania 48, no. 1 (2019): 169–200. https://doi.org/10.3406/slaoc.2019.1217.

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Abstract:

Les peintures et les sculptures des premiers ensembles monastiques bouddhiques creusés sous roche dans l’oeuvre de Nicolas Roerich. Très tôt passionné par l’Orient, Nicolas Roerich, qui, à partir de 1924, eut l’occasion de voyager et de vivre dans des pays de confession bouddhique, en vint à associer l’épanouissement futur du monde à la renaissance d’un bouddhisme authentique. Il n’est donc pas surprenant qu’un nombre important des oeuvres qu’il réalisa au cours de la seconde moitié de sa vie possède une thématique bouddhique et inclut des éléments repris aux tout premiers modèles iconographiq

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4

Marquaille, Léonie. "Sensibilité catholique et tableaux sacrés dans les Provinces-Unies au XVIIe siècle." Revue de Théologie et de Philosophie 154, no. 3 (2022): 329–44. http://dx.doi.org/10.47421/rthph154_3_329-344.

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Abstract:

En dépit de l’instauration d’un gouvernement calviniste dès la fin du XVIe siècle dans les Provinces-Unies, les catholiques y sont restés nombreux pendant le XVIIe siècle. Si les crises iconoclastes ont pu freiner la commande de tableaux d’église, les huiskerken (églises-maisons) et les schuilkerken (églises-cachées) furent rapidement décorées d’au moins un tableau d’autel, selon l’usage légitime des images réaffirmé par le concile de Trente. L’étude des collections a également rappelé la place des tableaux religieux dans les intérieurs catholiques. Dans ce contexte confessionnel singulier, il

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5

Martens, Didier, and Alexandre Dimov. "Un imitateur moderne des Primitifs flamands établi en Espagne: le Faussaire de Valls Marín." BSAA arte, no. 84 (November 29, 2018): 353–78. http://dx.doi.org/10.24197/bsaaa.84.2018.353-378.

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Abstract:

Le Faussaire de Valls Marín peut être considéré comme l’un des imitateurs de la peinture des anciens Pays-Bas ayant connu le plus grand succès, une sorte de Joseph Van der Veken ibérique. Il semble avoir travaillé durant la première moitié du XXe siècle, principalement pour le marché d’art espagnol. Il réussit à vendre des peintures de sa main comme des œuvres flamandes authentiques à des collectionneurs renommés, tels l’éditeur José Lázaro Galdiano, le médecin Carmelo Valls Marín et l’historien d’art José Camón Aznar. Ses sources principales furent probablement des photographies de tableaux d

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6

Pinon, Jean. "Les ennemis de la forêt vus par les peintres." Revue forestière française 75, no. 1 (2024): 69–80. http://dx.doi.org/10.20870/revforfr.2024.7995.

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Abstract:

Les principaux dommages aux arbres et aux forêts visibles en peinture sont dus à des causes abiotiques. En premier lieu, le vent qui fait pencher les arbres, les déforme durablement ou cause chablis et bris de branche ou de tronc. Les incendies actifs ou leurs conséquences sont aussi bien illustrés. De rares toiles évoquent les inondations, la sécheresse et le gel. Parmi les adversités biotiques, ce sont les dégâts dus aux champignons (lignivores pour l’essentiel) qui sont visibles. La graphiose de l’Orme est suggérée sans être clairement illustrée alors que plusieurs tableaux suggèrent la rou

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7

Berthelé, Odette. "Émile Rostain et les artistes de son temps." Technè 33 (2011): 38–43. http://dx.doi.org/10.4000/12hy0.

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Abstract:

Émile Rostain intègre en 1945 l’atelier Chauffrey-Müller, haut lieu de la restauration de peintures situé 17, quai des Grands-Augustins à Paris. Le jeune professeur de dessin embrasse alors une carrière de restaurateur spécialisé dans la restauration de supports de tableaux et de peintures murales. Nommé chef de l’atelier de rentoilage des musées nationaux en 1966, il participe également aux commandes du ministère de la Culture à des artistes contemporains pour les palais et les théâtres nationaux. À la tête de « l’Atelier Rostain », il est par ailleurs le conseiller technique de plusieurs art

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8

Trudel, Éric. "Spectres de la peinture." Études françaises 42, no. 2 (2006): 61–83. http://dx.doi.org/10.7202/013864ar.

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Abstract:

Jean Paulhan est catégorique : il serait « loyal » d’avouer une fois pour toutes que nous croyons aux fantômes. Dès les premières pages de Braque le patron, Paulhan parle de la présence « gênante » qu’il ressent en face d’un tableau du peintre, malaise qu’il explique ensuite en se montrant critique d’une certaine idée reçue de la ressemblance. Pour l’écrivain, il serait plus juste, devant ces tableaux, de parler de « spectre », une ressemblance excessive, autre, et pourtant d’une évidence toute banale, qui constituerait la possibilité d’un sens commun à travers l’expérience sensible de cette h

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9

Liatard, Antonin. "Les Autels à tableaux multiples en Allemagne, dans les Pays-Bas espagnols, en France et aux Provinces-Unies au xvii e siècle." Dix-septième siècle 302, no. 1 (2024): 29–54. http://dx.doi.org/10.3917/dss.241.0029.

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Abstract:

Succédant aux polyptyques médiévaux, certains retables modernes ont été pourvus d’un mécanisme permettant d’exposer successivement différents tableaux d’autel. Cet article aborde les raisons qui motivèrent le changement des peintures et le rythme selon lequel il s’opérait, en étudiant l’histoire des cycles et leur iconographie. Prenant en compte les travaux les plus récents ainsi que de nouvelles découvertes en archives, le corpus d’étude – dont le répertoire est annexé en ligne – permet d’interroger la dimension spectaculaire de ces dispositifs comme l’implication des Jésuites dans sa diffusi

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Štěpánek, Pavel. "Pinturas y esculturas góticas españolas en la Galería Nacional de Praga." Anuario de Estudios Medievales 20, no. 1 (2020): 349. http://dx.doi.org/10.3989/aem.1990.v20.1153.

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Abstract:

L'article traite des chefs-d'oeuvre espagnols (peintures et sculptures) conservés a la Galerie Nationale de Prague. L'ensemble artistique mérite une attention spéciale, étant donné la rareté des pièces de ce genre que l'on peut trouver en Tchécoslovaquie. Il s'agit de six tableaux (Vierge assise avec l'Enfant Jésus, Vierge intronisée, Adoration de l'Enfant Jésus, Christ apparaîssant à Marie, Ecce Homo, Calvaire) et de trois sculptures done deux représentent la Vierge intronisée et une la Vierge sur le Calvaire. L'auteur décrit et commente minutieusement chacune de ces oeuvres et les accompagne

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11

Visa-Ondarçuhu, Valérie. "Le Mélès dans les Images de Philostrate : enjeux poétiques d’une métamorphose." Littératures 87 (2023): 27–38. http://dx.doi.org/10.4000/121yn.

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Abstract:

Dans les descriptions de tableaux que présente Philostrate, et qui pour beaucoup illustrent des sujets mythologiques, le motif de la métamorphose trouve une place allant de la brève allusion à quelques évocations plus nourries. Or celle du Mélès y occupe une place particulière, dieu-fleuve se transformant en jeune homme pour séduire Crithéis. Le récit de la légende bénéficie d’une mise en scène soignée, avec échanges entre spectateurs et personnages, mais l’originalité de cette pièce ne tient pas qu’à des effets esthétiques ; une réflexion poétique anime l’image, mise en lien avec d’autres pei

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Vanlathem, Marie-Paule. "Cléopâtre dans le miroir de la peinture du XIXe siècle." Trabajos de Egiptología. Papers on Ancien Egypt 1695-4750 (2005): 129–46. http://dx.doi.org/10.25145/j.tde.2005.04.06.

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Abstract:

L’histoire, ainsi que la légende de Cléopâtre, ne sont pas mortes. Plusieurs aspects de sa vie tumultueuse, très courte, ont été peints. Seul les tableaux du 19e siècle sont traités ici. Les auteurs classiques ont été l’une des sources d’inspiration pour évoquer les événements historiques de la dernière reine d’Égypte. Mais aussi l’expédition de Bonaparte au pays des pyramides, dont est issue la Description de l’Égypte, a fortement marqué le siècle qui a suivi, au cours duquel on retrouve des influences égyptiennes dans certaines peintures. Les œuvres décrites ici dans l’ordre chronologique du

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Ouellet, Pierre-Olivier. "Ornements, tableaux et vases sacrés : libéralités des seigneurs en faveur des lieux de culte ruraux en Nouvelle-France." Articles 78, no. 1 (2012): 25–41. http://dx.doi.org/10.7202/1008561ar.

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Abstract:

L’Église catholique a souvent été présentée comme la principale protectrice des arts en Nouvelle-France. Cette vision est nuancée par la mise en évidence du rôle des seigneurs laïcs dans l’achat de peintures, d’objets d’orfèvrerie, etc., destinés aux lieux de culte ruraux. Ainsi, ils assurent la décence des célébrations dans leur seigneurie; que le culte soit célébré dans leur manoir seigneurial, dans leur chapelle privée ou dans l’église paroissiale. Différentes motivations peuvent être associées à ces pratiques d’ornementation, tandis que des conditions spirituelles (libéralités en faveur du

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Pichon-Meunier, Gaëlle. "L’histoire de la restauration des peintures à la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine." Technè 33 (2011): 112–20. http://dx.doi.org/10.4000/12hyc.

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Abstract:

Au sein des archives de la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine (MAP) se présentent deux ensembles utiles à l’étude de la restauration des œuvres peintes. D’une part, se trouvent les archives administratives (rapports rédigés par les inspecteurs présentés au cours de la commission des Monuments historiques et les procès-verbaux correspondants, pièces comptables, correspondance entre le conservateur – ex-inspecteur – et le restaurateur), les dossiers de restauration proprement dits et surtout les fonds photographiques.D’autre part, la MAP a entrepris de rassembler les archives d’ateli

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Chan, Tina. "Cœur d’animal : l’emploi des animaux pour établir le portrait de l’animalité chez les humains dans les œuvres littéraires et picturales à travers les âges." Voix Plurielles 14, no. 1 (2017): 29–41. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v14i1.1544.

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Abstract:

Malgré le fait que, depuis les débuts de la civilisation, l’animal est considéré un être inférieur par l’être humain tandis que l’humain, posant un jugement sur la qualité de cet être, est son dominateur, les animaux sont souvent illustrés dans la littérature et dans les beaux-arts de façon positive. De ce fait, cet article propose de les voir d’une nouvelle perspective : l’animal n’est pas inférieur — il joue un rôle important. L’animal peut signaler notre impuissance et nos faiblesses, être un personnage innocent abusé par des humains ou être un totem qui prête aux hommes certains traits d’a

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Lamoureux, Johanne. "De la peinture de ruines à la ruine de la peinture. Hubert Robert et le Louvre." Protée 27, no. 3 (2005): 56–69. http://dx.doi.org/10.7202/030571ar.

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Abstract:

Il semblerait que le discours historique et critique sur l’art en Occident, avant même l’iconoclasme et l’aniconisme de tableaux modernes, ait d’entrée de jeu été travaillé par le ressassement de la mort imminente de la peinture. Cet article veut montrer comment cette problématique – l’impossible survivance de la peinture – a pu être aussi formulée par la peinture même. Il s’y emploie en s’attardant à deux oeuvres d’Hubert Robert (1733-1808) où des conceptions opposées de l’histoire, progressiste ou cyclique, sont traduites spatialement : Le Projet d’aménagement de la Grande Galerie du Louvre

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Cahill, Susan. "The Art of War: Painted Photographs and Australia’s “War on Terror”." RACAR : Revue d'art canadienne 39, no. 2 (2014): 71–87. http://dx.doi.org/10.7202/1027750ar.

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Abstract:

De novembre 2008 à décembre 2010, l’exposition Framing Conflict : Iraq and Afghanistan est présentée dans un grand nombre d’institutions culturelles et militaires à travers l’Australie. Organisée par le Australian War Memorial et sous l’égide du commissaire Warwick Heywood, elle est principalement composée d’huiles sur toile de lin réalisées par le duo d’artistes australiens Lyndell Brown et Charles Green. Leurs oeuvres s’appuient sur une série de photographies prises en 2007 pendant leur « embarquement » (« embed ») en tant qu’artistes officiels du War Art Scheme, au sein de la Australian Def

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Bak, Hans. "Flights to Canada : Promised lands and imaginary homelands in Jacob Lawrence, Ishmael Reed and Lawrence Hill." Recherches anglaises et nord-américaines 46, no. 1 (2013): 57–74. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.2013.1445.

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Abstract:

On se penche, dans cet essai, sur la représentation visuelle et littéraire du Canada qui serait cette utopie imaginée comme le terme de l’exil et du déracinement expérimentés dans la fuite loin de l’esclavage que l’on trouve dans l’œuvre de trois artistes Nord-Américains contemporains : (a) Harriet and the Promised Land (1967), une série de peintures narratives par l’artiste Noir Américain Jacob Lawrence ; (b) Flight to Canada (1976), une replongée postmoderne dans l’écriture de l’esclavage par le romancier noir Américain Ishmael Reed ; et (c) The Book of Negroes (2007) du Canadien Lawrence Hi

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Luhovy, Laryssa. "Mai 65." Revue Possibles, hs (September 1, 2022): 148–49. http://dx.doi.org/10.62212/revuepossibles.vihs.544.

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Abstract:

1965. Huile sur masonite, 61 x 91 cm. « [L’artiste] propose une peinture discursive et presque surréaliste qui lui permet d’affirmer avec plus de vigueur son appréhension de l’espace, d’en faire sentir et d’en expérimenter pleinement l’émotivité, [...] chaque tableau étant pour elle une naissance et une renaissance. » Jules Arbec, critique d’art émérite (voir documentaire de Michel Moreau, Jules le magnifique).« La peinture de Laryssa Luhovy vise à produire une sensation d’euphorie chez le spectateur. Au risque de susciter la controverse, je dirais qu’elle offre dans ses tableaux une vis

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Lefebvre, Paul. "Treize tableaux." Dossier — Jean-Pierre Ronfard : l’expérience du théâtre, no. 35 (May 6, 2010): 73–94. http://dx.doi.org/10.7202/041557ar.

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Abstract:

Treize tableaux, produit par le Nouveau Théâtre Expérimental en décembre 1979, n’a suscité que peu d’échos critiques et n’a pas attiré le public; pourtant, ce spectacle apparaît rétrospectivement comme exemplaire et déterminant dans le parcours de Ronfard. Cet article cherche à donner un descriptif du spectacle et à en explorer les principales dimensions : la réactualisation de récits mythologiques, le rapport théâtre-peinture, l’exploration des divers sens du terme tableau, les relations entre théâtre et culture au Québec à la fin des années soixante-dix, l’intertextualité, l’organicité et la

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Bonnefoi, Christian, and Dina Germanos Besson. "L’envers du tableau." Figures de la psychanalyse 44, no. 2 (2023): 209–20. http://dx.doi.org/10.3917/fp.044.0209.

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Abstract:

Christian Bonnefoi pratique la peinture. Son intérêt pour les constructivistes russes et les collages cubistes est à l’origine de son approche théorique : il considère qu’à partir de « l’invention » du collage, la peinture oriente l’histoire à rebours, vers son principe. L’œuvre théorique qu’il construit sur ce postulat a contribué à repenser les questions : « Qu’est-ce que le tableau ? », « Qu’est-ce que la peinture ? » Cet échange a été initié par Dina Germanos Besson, repérant dans l’ envers du tableau un écho avec la psychanalyse.

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Grossman, Simone. "Récrire l’Amérique : la peinture d’Edward Hopper mise en fiction." Études françaises 46, no. 1 (2010): 123–37. http://dx.doi.org/10.7202/039820ar.

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Abstract:

Dans Les enfants de Manhattan de Marie-Jeanne Méoule (Québec, L’instant même, 2006) et L’arrière-saison (Paris, Éditions Julliard, 2002) de Philippe Besson, la narration se développe à partir de Nighthawks (1942) et Western Motel (1957) d’Edward Hopper. Dans le roman de Besson, une femme en robe rouge, dramaturge, attend son amant dans le diner de Nighthawks, le café-tableau devenant le plateau d’un théâtre dans l’atmosphère de l’Amérique profonde, puritaine et conservatrice des années 1920. Méoule met en scène le peintre Hopper lui-même dans « Eddy », à travers l’Indien Mohawk, ancien ouvrier

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Dubreuil, Nicole. "Le dispositif de l’icône dans la peinture américaine de l’après-Deuxième Guerre mondiale." Thème 17, no. 2 (2010): 197–224. http://dx.doi.org/10.7202/044069ar.

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Abstract:

Résumé En prenant la production de Barnett Newman comme exemple, cet article examine la survivance d’une dimension iconique dans la peinture abstraite américaine de l’après-Deuxième Guerre mondiale. Les tableaux dits du champ coloré (color field paintings) qui, au cours des décennies 1950 et 1960, marquent l’apogée de la tendance moderniste à l’autodéfinition du médium, semblent de prime abord complètement étrangers à toute forme de signification religieuse. Non seulement ont-ils abandonné la figuration et, par voie de conséquence, l’iconographie chrétienne : ils travaillent même à effacer tou

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Lafond, Natacha. "Les Opéras de Klaus Michael Grüber : la scène et le peintre Gilles Aillaud." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 18, no. 1 (2010): 43–59. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2010.889.

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Abstract:

Les trois opéras mis en scène par Grüber et le peintre Aillaud représentent des périodes fondatrices pour la musique et l’alliance des arts, consacrée par ce genre : sa naissance, avec Monteverdi et l’aube de la modernité, avec le Triptyque Boulez. La peinture trouve sa place dans cette consécration artistique et intellectuelle, tout en désignant une esthétique plus générale pour ce metteur en scène, attaché à sa présence en scène (toiles, motifs picturaux et esthétique du tableau dans la direction des chanteurs-acteurs). Elle relève de différentes périodes, tissant un fil entre l’époque des l

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Michaud, Ginette. "Che cos’è la pittura ?" Études françaises 42, no. 2 (2006): 103–33. http://dx.doi.org/10.7202/013866ar.

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Abstract:

Notre étude s’inscrit dans le cadre du projet de recherche subventionné par le CRSH, « Entre philosophie et littérature : Jacques Derrida et Hélène Cixous, rapports croisés ». Comment l’écriture touche-t-elle le tableau ? Il s’agit d’examiner ici, dans une sorte de triptyque, trois façons d’« être », de se tenir, de se plier ou de se rendre à la Chose de la peinture, à la chose peinte. Des nombreux textes de Jean-Luc Nancy consacrés à l’art, nous retenons surtout sa Visitation (de la peinture chrétienne), Noli me tangere et Transcription, en nous attachant au « sens dessus dessous » produit pa

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Truchot, Pierre. "Quand la lumière se révèle (Charles Lapicque, Julio Le Parc, Garcia Rossi, James Turrell)." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 17, no. 1 (2009): 95–110. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2009.870.

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Abstract:

La peinture de Charles Lapicque a ceci de particulier que chacun de ses tableaux est pensé comme une surface diffusante de lumière. Une toile, pour ce physicien des couleurs, c’est d’abord un objet lumineux qu’il faut organiser en fonction des ondes lumineuses qui diffusent, diffractent et réfractent les différentes couleurs, de sorte que la rétine du spectateur suive et anime ce balai lumineux. Si l’emploi des couleurs est si particulier dans cette peinture, c’est parce que leur répartition dans l’espace pictural est pensée en vertu de leurs longueurs d’ondes et de leurs contrastes. Par ses t

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Gagnon, François-Marc. "Le silence dans la peinture contemporaine." Thème 7, no. 2 (2002): 53–77. http://dx.doi.org/10.7202/005006ar.

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Abstract:

RÉSUMÉ Rien n’est plus silencieux qu’un tableau. Une longue évolution a conduit àces silences volontaires. On trace ici ce parcours, depuis l’iconographiereligieuse « parlante » en passant par le travail des surréalistes, l’art abstraitet la peinture contemporaine. De la fenêtre sur le monde au tableau-mur lesartistes ont dû lutter pour que leur art ne serve plus les intérêts des puissants,mais qu’il conduise au silence et au questionnement.

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Lochtchilov, Igor Evgenievitch. "Xx плоскость сверхповести Велимира Хлебникова «Зангези» («Горе и смех») и её «Развитие» у поэтов Обэриу (1927-1929)". Modernités Russes 8, № 1 (2009): 407–35. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2009.1480.

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Abstract:

Dans la conclusion de son article “Les cartes entre le jeu et la cartomancie” Lena Silard parle de la macrostructure de “Zanguezi”, sumouvelle de Xlebnikov, qui reproduit la structure du Tarot et du rite d'initiation. La lecture de cette sumouvelle “est devenue le chemin d'initiation pour plusieurs poètes de la génération suivante, en particulier pour les “oberiu”. Elle était importante pour Xarms et Vvedenskij, qui avaient reçu la commande du Théâtre expérimental “Radix” et les répétitions de leur pièce “Ma mère est toute en heures” avaient lieu dans la salle Blanche de l'Institut de la cultu

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Ledbury, Mark. "Stages of Creation : History, Epic and Theatre in David's Early History Paintings Projects." Studiolo 3, no. 1 (2005): 169–90. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2005.1142.

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Abstract:

Sur la base de notes inédites prises par David d'après ses propres lectures concernant l'histoire ancienne publiées en annexe, l'article examine les sujets choisis par David pendant les premières années de la décennie décisive de 1780, et se concentre sur ses choix de récits et de sources. Le document apporte quelques éclaircissements sur les goûts historiques et théâtraux de l'artiste, ainsi que sur des projets de tableaux d'histoire, en particulier Les Horaces et La Douleur et les Regrets d'Andromaque. Le témoignage de ces feuillets nous aide à comprendre l'intérêt de David pour le motif de

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Giorgiutti-Dauphiné, Frédérique, and Ludovic Pauchard. "Craquelures et art : le temps et la matière." Reflets de la physique, no. 63 (October 2019): 32–37. http://dx.doi.org/10.1051/refdp/201963032.

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Abstract:

On s’intéresse à la matière qui constitue une peinture d’art, c’est-à-dire une succession de couches picturales déposées sur un support. Cet ensemble est complexe de par sa composition et sa géométrie (différentes couches superposées). Il est le siège de nombreux phénomènes physiques et chimiques qui apparaissent à plusieurs moments dans la vie de l’œuvre. Différents types de dégradations altèrent ou modifient la perception du tableau au cours du temps. Les craquelures sont parmi les plus apparentes. Leur étude permet de caractériser certaines propriétés mécaniques de la matière constituant la

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Preud'homme, Sandra. "Willem de Kooning et Jackson Pollock, confrontation sur le plan de l'espace pictural." Bulletin de la Classe des Beaux-Arts 8, no. 1 (1997): 53–83. http://dx.doi.org/10.3406/barb.1997.20431.

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Abstract:

Le présent article constitue la refonte d'une conférence donnée à la Classe des Beaux-Arts, le 27 mars 1997. Il s'agit d'une présentation succincte des caractéristiques principales et des conclusions davantage développées dans un travail de recherche intitulé Les effets de spatialité dans la peinture gestuelle américaine : Willem de Kooning, Jackson Pollock auquel nous renvoyons le lecteur désireux d'approfondir la problématique esquissée ci-après. Notre propos n'est pas de présenter la peinture gestuelle américaine sous l'angle historique, sociologique ou biographique, mais d'effectuer une le

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Fricker, Bernard. "La bacchanale des Andriens." Kentron 11, no. 2 (1995): 143–44. http://dx.doi.org/10.3406/kent.1995.1632.

Full text

Abstract:

Philostrate, Galerie de tableaux, La Roue à Livres, Belles lettres, Paris, 1991, p. 50. Titien, La Bacchanale des Andriens, Madrid, Prado. Panofsky, Titien, question d'iconologie, Hazan, Paris, 1889, p. 152. Le lien entre Dionysos et Aphrodite et le lien entre le dieu et Perséphone. Peinture exaltant la vie et écho du Memento mori.

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Gharbi, Farah Aïcha. "Femmes d’Alger dans leur appartement d’Assia Djebar : une rencontre entre la peinture et l’écriture." Études françaises 40, no. 1 (2004): 63–80. http://dx.doi.org/10.7202/008476ar.

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Abstract:

Résumé Femmes d’Alger dans leur appartement d’Assia Djebar est un recueil de nouvelles qui entretient un rapport dialogique avec la peinture puisqu’il emprunte son titre aux tableaux de Delacroix et de Picasso et qu’il s’en inspire pour élaborer un parcours narratif racontant l’histoire des femmes d’Alger. C’est la rencontre entre la peinture et l’écriture, la nature, le fonctionnement et les conséquences d’un tel échange qu’analyse cet article, et ce, plus précisément à travers la première longue nouvelle du recueil, récit éponyme composé en 1978 qui présente une réécriture au féminin des Fem

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Betelu, Claire. "Prévention de l’altération dans la peinture de Jean-Baptiste Oudry. Les mots au crible de la matérialité des tableaux." Technè 57 (2024): 20–29. http://dx.doi.org/10.4000/12cw0.

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Abstract:

Le 2 décembre 1752, Jean-Baptiste Oudry prononce Sur la pratique de la peinture, sa seconde conférence à l’Académie royale de peinture et de sculpture. Ce texte témoigne de son expérience de peintre, mais également d’une profonde connaissance des productions de ses contemporains et de ses prédécesseurs. Il accorde une attention particulière à leur évolution matérielle, arguant l’importance des choix techniques pour leur bonne conservation. Oudry adopte une terminologie imagée et claire à la portée de tous. La mise en rapport de son discours avec des documents d’archives et avec ses œuvres mont

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Ménard, Guillaume. "« Peindre la société moderne en action »." L'Année balzacienne 24, no. 1 (2024): 405–19. http://dx.doi.org/10.3917/balz.024.0405.

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Abstract:

Cet article se penche sur la pensée de l’art à l’œuvre chez Balzac à partir d’un syntagme qu’on trouve à quelques reprises chez le romancier vers les années 1840, et qui synthétise l’entreprise de La Comédie humaine : « peindre la société moderne en action ». Moins tributaire de l’idée antique et classique de l’ ut pictura poesis , qui fait de la peinture, en tant que duplication visible de la nature, le modèle de l’art, la peinture de la société moderne balzacienne se comprend plutôt autour de la notion de tableau. Entre copie et invention, le tableau balzacien se donne à lire comme catégorie

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Daniel, Hugo. "« Marx et Mondrian » : Öyvind Fahlström et la peinture d’histoire, entre les faits et les « scénarios »." Histoire de l'art 80, no. 1 (2017): 111–23. https://doi.org/10.3406/hista.2017.3731.

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Abstract:

En 1973, sur fond d’opposition à la guerre du Vietnam et contre l’usage de données « inoffensives » par les artistes, Öyvind Fahlström défend une forme spécifique de peinture d’histoire qui prend pour modèles Goya et Picasso et fait correspondre ce genre à une position critique de l’artiste. Dans la série des Column, Fahlström met en relation des faits liés à l’ordre politique mondial, aboutissant à une réflexion sur ce qui sépare le voir de l’agir. La peinture d’histoire ainsi entendue interroge la relation médiatique et médiatisée à l’événement historique. Les réponses plastiques à cette int

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Rouget, Francois, Blaise de Vigenere, and Francoise Graziani. "Les images ou tableaux de platte-peinture de Philostrate." Sixteenth Century Journal 28, no. 4 (1997): 1380. http://dx.doi.org/10.2307/2543619.

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Graziani (book editor), Françoise, and Raymond Cormier (review author). "Les Images ou tableaux de platte-peinture de Philostrate." Renaissance and Reformation 34, no. 1 (1998): 73–75. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v34i1.10850.

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Moureau, François. "Le tableau libertin ou l’amoral de la peinture." Lumen: Selected Proceedings from the Canadian Society for Eighteenth-Century Studies 12 (1993): 89. http://dx.doi.org/10.7202/1012582ar.

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Dupuis, Danielle. "Entre théâtre et peinture : le tableau pathétique balzacien." L'Année balzacienne 2, no. 1 (2001): 83. http://dx.doi.org/10.3917/balz.002.0083.

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Kaës, Emmanuelle. "Claudel et la peinture: "l'enchantement" mélancolique." Revue d'histoire littéraire de la France o 95, no. 2 (1995): 260–305. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1995.95n2.0260.

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Abstract:

Résumé Méditant à partir de 1933 sur la peinture hollandaise, Claudel porte son attention sur une série de tableaux qui relèvent de l'iconographie de la Mélancolie. Cette orientation du musée claudélien invite à élargir l'étude à d'autres domaines ; il s'agira ici d'envisager l'articulation de cette forme culturelle de la mélancolie au discours mélancolique du poète, en considérant ses orientations imaginaires (scénario, constantes thématiques), son mode d'énonciation et ses fondements théologiques. Aux limites de l'orthodoxie catholique, se développe en certains lieux de l'oeuvre du poète, en

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Burtin, Tatiana. "Interartialité et remédiation scénique de la peinture." Mettre en scène, no. 12 (February 19, 2010): 67–93. http://dx.doi.org/10.7202/039232ar.

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Abstract:

Résumé Le propos de cet article est d’approfondir la notion d’interartialité, dont l’archéologie a été élaborée par Walter Moser, et d’étendre son application à des cas peu fréquents afin de la mettre à l’épreuve. La théâtralisation de la peinture sur la scène, examinée dans deux spectacles contemporains, « Art » de Yasmina Reza et Seuls de Wajdi Mouawad, offre un bon exemple de résistance d’un art à un autre. La mise en scène d’un tableau interroge le statut et le sens de l’oeuvre d’art hors du musée, mais aussi la spécificité de l’esthétique théâtrale, et sa capacité à jouer avec la transpar

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Corrain, Lucia. "Les objets en peinture : un exemple d’interobjectivité « matrimoniale »." Protée 29, no. 1 (2005): 65–73. http://dx.doi.org/10.7202/030617ar.

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Abstract:

Dans la peinture figurative, les objets perdent leur caractère de singularité pour assumer entre eux des relations de solidarité et de cohérence isotopique interobjective. L’analyse du diptyque de G. Metsu, Homme en train d’écrire une lettre et Dame en train de lire une lettre (1664), confirme cette hypothèse : les objets qui meublent les deux scènes concourent à produire un seul effet de sens. Dans le tableau consacré à la figure masculine, l’organisation des relations plastiques entre objets permet de déchiffrer le contenu de la lettre ; dans l’autre tableau, les objets servent à traduire le

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Garziano, Svetlana. "«Пропевень о проросли мировой» П.Филонова и «ошибка смерти» В.Хлебникова : две литературные интерпретации картины П.Филонова «пир королей»". Modernités Russes 8, № 1 (2009): 257–72. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2009.1469.

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Abstract:

Notre article porte sur les relations artistiques qu’ont entretenues les deux grands penseurs au début du XXeme siècle, Velimir Xlebnikov, poète futurien et théoricien du futurianisme, et Pavel Filonov, peintre et théoricien de l’art analytique. Nous examinons les liens qui existent entre «Chantement du croissement mondial» («Пропевень о проросли мировой»), le seul texte poétique publié de Filonov, paru en mars 1915 et que Xlebnikov a lu en avril 1915, et la pièce de théâtre de Xlebnikov «L’erreur de la mort» («Ошибка смерти»), écrite en novembre 1915. Ces deux œuvres littéraires présentent, à

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Huet-Brichard, Marie-Catherine. "« Vivre dans un paysage comme dans une peinture » : Les Chasseurs dans la neige de Jean-Yves Laurichesse." Géographie sensible 89 (2024): 267–78. http://dx.doi.org/10.4000/12200.

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Abstract:

L’histoire des Chasseurs dans la neige de Jean-Yves Laurichesse a pour origine un tableau de Pieter Bruegel l’Ancien, un tableau dont le décor et les personnages prennent vie au fil du récit. Mais une rupture entre la première et la deuxième partie du texte interroge : quelque chose au-delà de l’histoire et que l’histoire cependant masque et révèle à la fois tenterait-il de s’exprimer ? Il s’agit dans cet article de saisir non seulement comment un récit prend sa source dans un tableau, mais aussi ce qui se cache derrière le tableau-paysage ou derrière le paysage-tableau, et donc derrière le pr

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Vandendorpe, Christian. "Régimes du visuel et transformations de l'allégorie." Protée 33, no. 1 (2006): 25–38. http://dx.doi.org/10.7202/012264ar.

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Abstract:

Résumé L'allégorie est un des procédés majeurs dont dispose le peintre pour faire accéder le tableau au domaine du sens. La vogue et le déclin de cette figure en peinture sont parallèles au destin changeant que connut l'allégorie verbale, tombée en discrédit à l'époque romantique. Tout comme le langage s'est détaché du référent à la fin du xixe siècle, la peinture a effectué une rupture avec l'ordre de la représentation quelques années plus tard. À notre époque, l'avènement de la « vidéosphère » a réintroduit dans l'image de grande consommation les exigences d'une symbolisation aussi univoque

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KONÉ, Yacouba, and Irié Alain TIÉ BI. "Lecture interartiale des romans de Malraux. Pour une poétique de la peinture et de l’écriture dans La Condition humaine et L’Espoir." Cahiers Africains de Rhétorique 1, no. 2 (2025): 113–27. https://doi.org/10.55595/30mqgw21.

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Abstract:

Depuis la doctrine de l’Ut pictura poesis, l’on découvre une piste d’analyse assez intéressante sur les rapports de la littérature et de la peinture. L’analyse de l’œuvre malrucienne, à la lumière des interactions suscitées par Mikhaïl Bakhtine, montre qu’elle est constamment en dialogue et continûment régenté par les arts du musée, au nombre desquels la peinture tient une place singulière. Cet article montre que La Condition humaine, L’Espoir et Les Conquérants sont une sorte de récit hybride ayant intégré des techniques et procédés picturaux, des personnages artistes peintres et des descript

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Court, Raymond. "Cézanne et la vérité de la peinture." Études Tome 405, no. 11 (2006): 507–16. http://dx.doi.org/10.3917/etu.055.0507.

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Abstract:

Résumé « Dans un bon tableau, comme je le rêve, il y a une unité. Le dessin et la couleur ne sont plus distincts ; au fur et à mesure que l’on peint, on dessine ; plus la couleur s’harmonise, plus le dessin se précise. Voilà ce que je sais, d’expérience. Quand la couleur est à sa richesse, la forme est à sa plénitude. »

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Simonot, Lionel. "Des peintures des Primitifs flamands à l’impression 3D. Comment jouer avec des couches colorées translucides ?" Reflets de la physique, no. 63 (October 2019): 43–46. http://dx.doi.org/10.1051/refdp/201963043.

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Abstract:

Avec l’invention de la peinture à l’huile au XVe siècle, la couleur prend une autre dimension : elle se construit dans l’épaisseur de la matière picturale. En effet, le nombre de couches déposées module la clarté et la saturation de la couleur, tandis qu’un fond blanc diffusant donne l’impression d’une lumière provenant de l’arrière du tableau tel un rétro-éclairage. Étudier la matière picturale comme un composant optique permet de simuler l’apparence d’un tableau, aide qui peut être précieuse lors d’une opération de restauration sur les couches picturales. Cette approche est aussi à la source

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Beyaert, Anne. "Plasticité et signification : le cas d’Eugène Leroy." Hors dossier 27, no. 2 (2005): 125–31. http://dx.doi.org/10.7202/030565ar.

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Abstract:

Si les principales théories de la sémiotique visuelle ont convenu, à côté de l’iconicité, de l’importance du plastique, il reste à trouver les moyens de rendre compte de cette dimension. Les peintures de l’artiste du nord de la France, Eugène Leroy, qui recouvre les figures jusqu’à les faire disparaître dans la matière plastique, sont un possible champ d’investigation pour envisager une prise en compte de cette dimension. Plutôt que sur les « formants » (J.-M. Floch) ou les gestalts (sémiologie topologique), l’analyse s’appuie alors sur le temps de fabrication du tableau.

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