Dissertations / Theses: 'Teatro grego'

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Oliveira, Jane Kelly de [UNESP]. "As funções do coro na comédia de Aristófanes." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2009. http://hdl.handle.net/11449/102382.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:32:07Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-07-31Bitstream added on 2014-06-13T20:03:03Z : No. of bitstreams: 1 oliveira_jk_dr_arafcl.pdf: 2005071 bytes, checksum: 4b32864178e15ee3857fc899c460c105 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
As funções do coro na comédia de Aristófanes é o título e o tema desta tese que investiga o coro no gênero que foi praticado na Grécia antiga. Nossa investigação pautou-se no princípio de que os textos da Comédia Antiga que chegaram à nossa época foram compostos para serem postos em cena e, por isso mesmo, têm peculiaridades que devem ser levadas em consideração no momento da análise. Os textos das onze comédias de Aristófanes preservadas registram um roteiro ficcional que pode ser recuperado apenas pela leitura, como é comum em todo texto teatral, mas, além disso, os enredos das peças deixam gravadas as estratégias cênicas de realização concreta da obra em um espaço teatral específico. Assim, a partir do texto, é possível depreender tanto o enredo quando elementos da performance. Quando observamos o coro neste gênero, notamos que, nestes dois aspectos da comédia, ele desempenha importantes funções: na narrativa, ele assume diferentes papéis actanciais de acordo com as exigências do roteiro ficcional da peça; e, na performance, assume funções técnicas que viabilizam a apresentação da peça em um espaço concreto. A estrutura narrativa das obras foi estudada pelo viés teórico da semiologia do teatro. Para o estudo das funções do coro na performance das comédias, foram levadas em consideração as condições materiais dos festivais teatrais do século V a.C. – espaço amplo da orquestra, aglomeração no theatron, restrição a, no máximo, cinco atores para desempenhar todas as personagens da peça – e, a partir dessas exigências concretas, observou-se que o coro é um elemento estrutural do gênero frequentemente usado pelo poeta para solucionar os problemas ligados às dificuldades espaciais próprias da realização teatral da Atenas do século V a.C.
The functions of the chorus in the Aristophanes comedy is the title and the main subject of this thesis which study the chorus in the genre practiced in the Ancient Greece. Our investigation grounded in the principle the texts of the Ancient Comedy that survived until our time were made to be put in scene and for that reason they have some singular characteristics that needed to be considered in the analysis. The texts of the eleven preserved comedies of Aristophanes show a fictional script that can be recovered only by reading, as usual in every theatric text, but, more than that, the plot of the plays keep record the scenic strategies applied in its concrete realization. So, from the text it is possible to comprehend the plot and elements of the performance. When we focus the chorus in this genre we can notice that – in theses two aspects of comedy – it has important functions: in the narrative it took different actantial roles according to the demands of the script of the play; and in the performance it took some technical roles that make possible the presentation of the play in a concrete space. The narrative structure of the plays was studied using as theoretical support the theater semiology. To study the functions of the chorus in the performance of the comedies the material resources in the theater festivals during the 5th century B.C. were considered – and from theses concrete demands, we could see that the chorus is a structural element of the genre frequently used by the poet to solve some problems caused by space difficulties characteristic of the theatral realization in the 5th century B.C. Athens.

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Oliveira, Jane Kelly de. "As funções do coro na comédia de Aristófanes /." Araraquara : [s.n.], 2009. http://hdl.handle.net/11449/102382.

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Abstract:

Orientador: Maria Celeste Consolin Dezotti
Banca: Adriane da Silva Duarte
Banca: Marisa Giannecchini Gonçalves de Souza
Banca: Edvanda Bonavina da Rosa
Banca: Fernando Brandão dos Santos
Resumo: As funções do coro na comédia de Aristófanes é o título e o tema desta tese que investiga o coro no gênero que foi praticado na Grécia antiga. Nossa investigação pautou-se no princípio de que os textos da Comédia Antiga que chegaram à nossa época foram compostos para serem postos em cena e, por isso mesmo, têm peculiaridades que devem ser levadas em consideração no momento da análise. Os textos das onze comédias de Aristófanes preservadas registram um roteiro ficcional que pode ser recuperado apenas pela leitura, como é comum em todo texto teatral, mas, além disso, os enredos das peças deixam gravadas as estratégias cênicas de realização concreta da obra em um espaço teatral específico. Assim, a partir do texto, é possível depreender tanto o enredo quando elementos da performance. Quando observamos o coro neste gênero, notamos que, nestes dois aspectos da comédia, ele desempenha importantes funções: na narrativa, ele assume diferentes papéis actanciais de acordo com as exigências do roteiro ficcional da peça; e, na performance, assume funções técnicas que viabilizam a apresentação da peça em um espaço concreto. A estrutura narrativa das obras foi estudada pelo viés teórico da semiologia do teatro. Para o estudo das funções do coro na performance das comédias, foram levadas em consideração as condições materiais dos festivais teatrais do século V a.C. - espaço amplo da orquestra, aglomeração no theatron, restrição a, no máximo, cinco atores para desempenhar todas as personagens da peça - e, a partir dessas exigências concretas, observou-se que o coro é um elemento estrutural do gênero frequentemente usado pelo poeta para solucionar os problemas ligados às dificuldades espaciais próprias da realização teatral da Atenas do século V a.C.
Abstract: The functions of the chorus in the Aristophanes comedy is the title and the main subject of this thesis which study the chorus in the genre practiced in the Ancient Greece. Our investigation grounded in the principle the texts of the Ancient Comedy that survived until our time were made to be put in scene and for that reason they have some singular characteristics that needed to be considered in the analysis. The texts of the eleven preserved comedies of Aristophanes show a fictional script that can be recovered only by reading, as usual in every theatric text, but, more than that, the plot of the plays keep record the scenic strategies applied in its concrete realization. So, from the text it is possible to comprehend the plot and elements of the performance. When we focus the chorus in this genre we can notice that - in theses two aspects of comedy - it has important functions: in the narrative it took different actantial roles according to the demands of the script of the play; and in the performance it took some technical roles that make possible the presentation of the play in a concrete space. The narrative structure of the plays was studied using as theoretical support the theater semiology. To study the functions of the chorus in the performance of the comedies the material resources in the theater festivals during the 5th century B.C. were considered - and from theses concrete demands, we could see that the chorus is a structural element of the genre frequently used by the poet to solve some problems caused by space difficulties characteristic of the theatral realization in the 5th century B.C. Athens.
Doutor

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Fonseca, Ana Lara Vontobel. "Infancia trágica : maneiras de ser e morrer criança no universo espetacular classico ateniense." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2006. http://tede.udesc.br/handle/handle/1311.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Lara.pdf: 108889 bytes, checksum: 56b91d6d98713541d31199f03b95b250 (MD5) Previous issue date: 2006-11-06
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
O presente trabalho versa sobre a criança no teatro grego antigo. Seu objetivo consiste em examinar as maneiras de ser e morrer criança no universo espetacular clássico ateniense. Para tanto, é realizada uma análise das tragédias remanescentes, onde há personagens infantes, para desvelar suas características e funções na trama. Também é realizado um levantamento de dados que evidencia a presença de crianças na platéia do Teatro de Dioniso, durante as representações trágicas, cômicas e de drama satírico. Além disso, são apresentados indícios da possibilidade de atores mirins nas peças trágicas, bem como um breve estudo sobre a dramatização infantil em rituais e práticas pedagógicas da Grécia Antiga. São analisadas quatorze tragédias de Sófocles e Eurípides, das quais pode-se observar mais de trinta personagens crianças. Na pesquisa, elas foram divididas segundo as funções que exercem: vítimas de infanticídio, participantes dos rituais fúnebres na morte de algum familiar, suplicantes pela própria vida ou pela vida de outrem, e guias de cegos. Estas funções inspiram a hipótese de que todas as crianças trágicas mantêm algum tipo de relação com a morte. Trata-se de uma pesquisa bibliográfica, cujas fontes e instrumentos metodológicos são essencialmente literários. O resultado da pesquisa é o esboço de um quadro do que foi a infância na Grécia Antiga, particularmente em Atenas no século V a.C.

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Assumpção, Thiago Alessander Mascagni. "O espaço em cena e sua profundidade : As bacantes /." Araraquara : [s.n.], 2010. http://hdl.handle.net/11449/91509.

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Abstract:

Orientador: Fernando Brandão dos Santos
Banca: Edvanda Bonavina da Rosa
Banca: Filomena Yoshie Hirata
Resumo: Esta pesquisa visa a compreender a questão do espaço n' As bacantes de Eurípides desde a forma como ele é criado através do diálogo entre as personagens até a influência que esse mesmo espaço exerce na ação. O teatro representa visualmente em cena, através de gestos e falas dos atores, linguagens que são processadas mentalmente no público. Ao ler uma peça, deve-se estar ciente de que elementos concretos são usados pelo dramaturgo para criar o teatro mental. N'As bacantes de Eurípides, a ação, em certos momentos, remete a um universo mítico, como o nascimento de Dioniso, ou a um espaço exterior à cena, o monte Citerão, por exemplo, que se concretiza apenas na mente do espectador ateniense do século V a.C. Isso torna necessário recuperar e compreender esse espaço mutável para a leitura consciente da peça.
Abstract: This research seeks to comprehend the space subject in Euripides' Bacchae from the way it is created through characters' dialogue to the influence this space puts on the action. The theater performs visually, by actors' voice and action, the language that is mentally processed in the audience. When we read a play, we must be aware that concrete elements are been used by the dramatist to create the mental theater. In Euripides' Bacchae, the action, sometimes, refers to a mythic universe, like Dionysus' birth, or to an offstage space, like mount Cithaeron, for example, that is materialized only in the fifth-century Athenian spectator's mind. It makes necessary the recovery and the comprehension of this shifting space for the conscientious reading of the play.
Mestre

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Rodrigues, Marco Aurélio [UNESP]. "Nas redes da Àte: A hybris de Xerxes em Os persas de Ésquilo." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2011. http://hdl.handle.net/11449/91535.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-03-04Bitstream added on 2014-06-13T19:53:04Z : No. of bitstreams: 1 rodrigues_ma_me_arafcl.pdf: 571739 bytes, checksum: 5eaf122d53bb9df3d22f6140a3da35a3 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
Quando a rainha Atossa inicia sua explanação sobre um presságio concebido em sonho, o público helênico sentia o alívio de não ser ele a passar por aqueles momentos de angústia, mas também, através das palavras de Ésquilo, se impressionou com o relato e desespero que davam o mote inicial à única tragédia baseada em fatos históricos a chegar até nós: Os Persas (472 a.C.). A mais antiga tragédia grega de que se tem notícia é, também, o relato de um momento único e crucial na história do povo grego, que garantia a continuidade de sua tão valorosa liberdade e o início de uma nova forma de pensar e agir. Na tragédia Os Persas, ao introduzir alguns dos valores de sua época, Ésquilo demonstra os motivos pelos quais os gregos merecem a vitória e quais são as falhas cometidas pelos persas. Sendo assim, a noção de hybris (a soberbia), um desvio na conduta do homem em relação ao seu equilíbrio com as divindades, é tida como justificativa para os atos de Xerxes que, segundo o tragediógrafo, tornavam-se cada vez mais envoltos nas redes que a Áte (a divindade Erronia) cria aos propensos à ruína. Dessa forma, a dissertação se propõe a analisar a tragédia Os Persas verificando os aspectos que justificam a presença da hybris em Xerxes e, por consequência, a derrota nas Guerras Médicas
When Queen Atossa begins her explanation of an omen conceived in a dream, hellenistic audience felt relief of not it is going through those moments of anguish, but also through the words of Aeschylus, was impressed with the report and despair that gave the tone to the original single tragedy based on historical facts reach us: Persians (472 BC). The earliest of Greek tragedy that notice is also the story of a unique and crucial moment in history of the Greek people, which guarantee the continuity of your so valuable freedom and the beginning of a new way of thinking and acting. In Persians, by introducing some of the values of his era, Aeschylus demonstrates the reasons why the Greeks deserve to win and which are the faults committed by the Persians. Thus, the notion of hybris, (the arrogance) a shift in the man's conduct in relation to their balance with the gods, is taken as justification for acts of Xerxes, according to the tragedian, became increasingly enveloped networks that Áte (the divinity Erroneous) to create likely to ruin. Thus, the work aims to analyze the tragedy Persians checking the features that justify the presence of hybris in Xerxes and therefore, losing the Persian Wars

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Kopelman, Isa 1946. "As Suplicantes, de Esquilo, ecos da tragedia grega na cena contemporanea." [s.n.], 2004. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284854.

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Abstract:

Orientador : Ernesto Giovanni Boccara
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-04T00:57:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Kopelman_Isa_M.pdf: 314906 bytes, checksum: befa36f04e0cd08104e716a60523aec8 (MD5) Previous issue date: 2004
Resumo: Essa pesquisa visa à compreensão do discurso da tragédia grega, em releituras do Contemporâneo. Trata-se de verificar os paradigmas e as rupturas da textualidade da tragédia, nos vários aspectos que envolvem as relações texto/cena. Com essa finalidade, são examinadas as matrizes do repertório trágico, suas textualidades e seus comentários; os eventos linguísticos e performáticos do coro da tragédia e as abordagens modernistas do trágico, que partem do subjetivismo romântico para a disrupção de seus temas.; são examinadas ainda, as leituras semióticas da cena e das estruturas dinâmicas do discurso trágico. O surgimento da tragédia revelou o modo do drama nas formas da épica. Sua invenção implicou a instauração do pensamento mimético e aristotélico. No mapeamento das estruturas de representação do trágico, são analisados a problematização do gênero, o resgate do trágico e do pensamento mimético. A realização experimental desse estudo deteve-se na tradução cênica da lírica coral, em As Suplicantes , de Ésquilo, cujo protagonista é o próprio coro de cinqüenta irmãs, que dão o título à peça. Esse trabalho teve a participação colaborativa dos alunos do Curso de Interpretação da Unicamp, em oficinas e apresentações públicas, nas quais os atores elaboravam as reconfigurações do trágico por meio de improvisações
Abstract: The objective of this dissertation is a comprehensive understanding of the Greek Tragedy from a contemporary viewpoint. Since its origins, theatrical tragedy conveyed a dramatic mood, through the epic gender. During the period of Romanticism, the matter of tragedy received attention as focus of research, but independently of its artistic representations. The present examination of the structures composing the tragic element in the Greek theater emphasizes issues related to gender. Within this frame of work, patterns and ruptures inherent to the tragedy are reexamined along with several other matters related to text and its representation on stage. The most significative representations of the Greek Tragic theater were active for no more than one century. The experimental accomplishment of this study was restricted to the scenic interpretation of the lyric chorale, in The Supplicants, by Aeschylus, whose protagonist is the choir of fifty sisters that give the title to the play. This work was benefited by the contribution and participation of students of the Acting Course at Unicamp, in workshops and public presentations, in which the actors elaborated reconfigurations of the tragedy through improvisation
Mestrado
Artes
Mestre em Artes

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Oliveira, Jane Kelly de [UNESP]. "A ilusão dramática em Acarnenses, de Aristófanes." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2004. http://hdl.handle.net/11449/91590.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:24Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2004-03-18Bitstream added on 2014-06-13T20:32:56Z : No. of bitstreams: 1 oliveira_jk_me_arafcl.pdf: 429662 bytes, checksum: 7c52b637529c51e236631ac26dfda1bc (MD5)
Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
A ilusão dramática na comédia grega antiga possui interessantes peculiaridades quanto a seus mecanismos de construção da ficção teatral. Por vezes, o pacto que valida as convenções entre palco e platéia é evidenciado. Sabendo dessa característica, analisaremos a comédia grega antiga Acarnenses, de Aristófanes, levada à cena em 425 a. C., partindo da investigação das marcas lingüísticas que podem denotar a ruptura da ilusão. Para tal, faz-se necessário avaliar a estrutura enunciativa e definir quais são os enunciadores e os enunciatários do discurso: é necessário avaliar se o enunciado é proferido pela personagem ou pelo ator e qual é o destinatário da enunciação e, desta forma, notar se essa fala compõe-se dentro da ilusão, se for proferida pela personagem, ou se rompe a ilusão ao evidenciar a presença de um ator ou dos mecanismos teatrais. Acontece que em princípio essas falas se integram à estrutura narrativa do texto, considerando-se que se trata de falas proferidas por personagens. Mas, quando se dá a ruptura da ilusão dramática, a fala que registra essa ruptura promove, ao mesmo tempo, uma suspensão momentânea na seqüência narrativa. A confusão de identidade entre os enunciadores causa o embaralhamento entre efeito de real e efeito teatral, evidenciando a existência da dupla enunciação teatral. Avaliaremos a estrutura enunciativa da peça sem perder de vista que se trata de uma obra de ficção e, portanto, Aristófanes, ao evidenciar a presença dos mecanismos cênicos, na obra verdade, os inclui no corpo ficcional da comédia. Assim, as rupturas de ilusão, previstas pelo comediógrafo na composição da peça e esperadas pelo público das comédias do quinto século antes de Cristo, tornam-se parte integrante do gênero e, por isso, também são signos de teatro e em nenhum momento o processo semântico é suspenso.
The dramatic illusion in ancient Greek comedy presents some interesting peculiarities concerning the mechanism of its theatrical fiction construction. The pact which validates the conventions established between the stage and the audience is sometimes evidence. Taking into consideration this characteristic, we analyze the ancient Greek comedy Acharnians, by Aristophanes, staged in 425 BC, investigating the linguistic traces that may show the define which are the subjects of the énonciation and the subjects of the énoncé: it is necessary to exam if it is the ènoncé is uttered by the character or by the actor and who is the adressee of the énonciation and this way to note is this speech is made up within this illusin if it is uttered by the character or if it disrupts this illusion by presence of na actor or of the theatrical mechanisms. At first, those speeches are integrated in the narrative structure of the text, once they are speeches uttered by characters. But when the suspension of disbelief is broken, the speech, bearing this rupture creates at the subjects of the énonciation and the énoncé provokes the muddle between the effect of the real and the theatrical effect, showing the existence of a double theatrical énonciation. We exam the énonciation structure of the play considering we are working with a work of fiction. Thus, when Aristophanes shows the presence of the scenic mechanisms, he does so including them in the fictional body of the comedy. In this way, the disruption of illusion foreseen by the playwright in the composition of the play and expected by the 5th century BC audience, which were used to see comedies, become a vital part of the genre and therefore they are theatrical signs and in instance the semantic process is suspended.

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Rodrigues, Marco Aurélio. "Nas redes da Àte : A hybris de Xerxes em Os persas de Ésquilo /." Araraquara : [s.n.], 2011. http://hdl.handle.net/11449/91535.

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Abstract:

Orientador: Fernando Brandão dos Santos
Banca: Edvanda Bonavina da Rosa
Banca: Henrique Fortuna Cairus
Resumo: Quando a rainha Atossa inicia sua explanação sobre um presságio concebido em sonho, o público helênico sentia o alívio de não ser ele a passar por aqueles momentos de angústia, mas também, através das palavras de Ésquilo, se impressionou com o relato e desespero que davam o mote inicial à única tragédia baseada em fatos históricos a chegar até nós: Os Persas (472 a.C.). A mais antiga tragédia grega de que se tem notícia é, também, o relato de um momento único e crucial na história do povo grego, que garantia a continuidade de sua tão valorosa liberdade e o início de uma nova forma de pensar e agir. Na tragédia Os Persas, ao introduzir alguns dos valores de sua época, Ésquilo demonstra os motivos pelos quais os gregos merecem a vitória e quais são as falhas cometidas pelos persas. Sendo assim, a noção de hybris (a soberbia), um desvio na conduta do homem em relação ao seu equilíbrio com as divindades, é tida como justificativa para os atos de Xerxes que, segundo o tragediógrafo, tornavam-se cada vez mais envoltos nas redes que a Áte (a divindade Erronia) cria aos propensos à ruína. Dessa forma, a dissertação se propõe a analisar a tragédia Os Persas verificando os aspectos que justificam a presença da hybris em Xerxes e, por consequência, a derrota nas Guerras Médicas
Abstract: When Queen Atossa begins her explanation of an omen conceived in a dream, hellenistic audience felt relief of not it is going through those moments of anguish, but also through the words of Aeschylus, was impressed with the report and despair that gave the tone to the original single tragedy based on historical facts reach us: Persians (472 BC). The earliest of Greek tragedy that notice is also the story of a unique and crucial moment in history of the Greek people, which guarantee the continuity of your so valuable freedom and the beginning of a new way of thinking and acting. In Persians, by introducing some of the values of his era, Aeschylus demonstrates the reasons why the Greeks deserve to win and which are the faults committed by the Persians. Thus, the notion of hybris, (the arrogance) a shift in the man's conduct in relation to their balance with the gods, is taken as justification for acts of Xerxes, according to the tragedian, became increasingly enveloped networks that Áte (the divinity Erroneous) to create likely to ruin. Thus, the work aims to analyze the tragedy Persians checking the features that justify the presence of hybris in Xerxes and therefore, losing the Persian Wars
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Cruz, Paula Cristina Lopes da. "Anfitrião: sob a perspectiva de dois autores: Camões e Plauto." Master's thesis, Universidade da Beira Interior, 2010. http://hdl.handle.net/10400.6/1819.

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Abstract:

Os mitos gregos estão ainda hoje por toda a parte. Estas narrativas perduram no tempo, fascinando não só poetas, como escritores ou cineastas. Como disse um dia Fernando Pessoa “O mito é o nada que é tudo”. E o mito de Anfitrião é um desses exemplos. Foram muitos os autores que nele pegaram e o adaptaram. De entre eles destaco Plauto e Camões. Os dois tiveram uma vida atribulada, de sacrifícios e se um conheceu a fama ainda em vida o outro só viu reconhecido o seu génio depois que morreu. Dos dois muito se pode dizer e ambos são estudados e investigados até aos dias de hoje. Plauto foi um génio no seu tempo e Camões é um cânone da literatura portuguesa. Em comum têm “Anfitrião”, uma peça teatral, cujas personagens continuam a fascinar até hoje. Falamos de deuses como Júpiter e Mercúrio, mas também de Anfitrião e de Sósia. Estes últimos perduram não só como personagens mas adquiriram um estatuto novo, passando a fazer parte do dicionário como substantivos comuns.

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Oliveira, Jane Kelly de. "A ilusão dramática em Acarnenses, de Aristófanes /." Araraquara : [s.n.], 2004. http://hdl.handle.net/11449/91590.

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Abstract:

Orientador: Maria Celeste Consolin Dezotti
Resumo: A ilusão dramática na comédia grega antiga possui interessantes peculiaridades quanto a seus mecanismos de construção da ficção teatral. Por vezes, o pacto que valida as convenções entre palco e platéia é evidenciado. Sabendo dessa característica, analisaremos a comédia grega antiga Acarnenses, de Aristófanes, levada à cena em 425 a. C., partindo da investigação das marcas lingüísticas que podem denotar a ruptura da ilusão. Para tal, faz-se necessário avaliar a estrutura enunciativa e definir quais são os enunciadores e os enunciatários do discurso: é necessário avaliar se o enunciado é proferido pela personagem ou pelo ator e qual é o destinatário da enunciação e, desta forma, notar se essa fala compõe-se dentro da ilusão, se for proferida pela personagem, ou se rompe a ilusão ao evidenciar a presença de um ator ou dos mecanismos teatrais. Acontece que em princípio essas falas se integram à estrutura narrativa do texto, considerando-se que se trata de falas proferidas por personagens. Mas, quando se dá a ruptura da ilusão dramática, a fala que registra essa ruptura promove, ao mesmo tempo, uma suspensão momentânea na seqüência narrativa. A confusão de identidade entre os enunciadores causa o embaralhamento entre efeito de real e efeito teatral, evidenciando a existência da dupla enunciação teatral. Avaliaremos a estrutura enunciativa da peça sem perder de vista que se trata de uma obra de ficção e, portanto, Aristófanes, ao evidenciar a presença dos mecanismos cênicos, na obra verdade, os inclui no corpo ficcional da comédia. Assim, as rupturas de ilusão, previstas pelo comediógrafo na composição da peça e esperadas pelo público das comédias do quinto século antes de Cristo, tornam-se parte integrante do gênero e, por isso, também são signos de teatro e em nenhum momento o processo semântico é suspenso.
Abstract: The dramatic illusion in ancient Greek comedy presents some interesting peculiarities concerning the mechanism of its theatrical fiction construction. The pact which validates the conventions established between the stage and the audience is sometimes evidence. Taking into consideration this characteristic, we analyze the ancient Greek comedy Acharnians, by Aristophanes, staged in 425 BC, investigating the linguistic traces that may show the define which are the "subjects of the énonciation" and the "subjects of the énoncé": it is necessary to exam if it is the ènoncé is uttered by the character or by the actor and who is the adressee of the énonciation and this way to note is this speech is made up within this illusin if it is uttered by the character or if it disrupts this illusion by presence of na actor or of the theatrical mechanisms. At first, those speeches are integrated in the narrative structure of the text, once they are speeches uttered by characters. But when the suspension of disbelief is broken, the speech, bearing this rupture creates at the subjects of the énonciation and the énoncé provokes the muddle between the effect of the real and the theatrical effect, showing the existence of a double theatrical énonciation. We exam the énonciation structure of the play considering we are working with a work of fiction. Thus, when Aristophanes shows the presence of the scenic mechanisms, he does so including them in the fictional body of the comedy. In this way, the disruption of illusion foreseen by the playwright in the composition of the play and expected by the 5th century BC audience, which were used to see comedies, become a vital part of the genre and therefore they are theatrical signs and in instance the semantic process is suspended.
Mestre

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Figueira, Bárbara Cristina dos Santos. "Antígona e a Ditadura Militar : a experiência e o diálogo cênico-trágico na montagem do Coletivo Calcanhar de Aquiles." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2017. http://repositorio.unb.br/handle/10482/31178.

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Abstract:

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2017.
Submitted by Gabriela Lima (gabrieladaduch@gmail.com) on 2017-11-28T13:00:19Z No. of bitstreams: 1 2017_BárbaraCristinadosSantosFigueira.pdf: 4376881 bytes, checksum: 2c8f7716e7bd42763fe42b0f12fd84ad (MD5)
Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-02-07T20:18:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_BárbaraCristinadosSantosFigueira.pdf: 4376881 bytes, checksum: 2c8f7716e7bd42763fe42b0f12fd84ad (MD5)
Made available in DSpace on 2018-02-07T20:18:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_BárbaraCristinadosSantosFigueira.pdf: 4376881 bytes, checksum: 2c8f7716e7bd42763fe42b0f12fd84ad (MD5) Previous issue date: 2018-02-07
O presente estudo propõe uma investigação teórica acerca da obra Antígona, de Sófocles, vinculada à montagem teatral homônima do Coletivo Calcanhar de Aquiles, realizada na Universidade de Brasília no ano de 2014. Na busca pela atualização do debate expresso na tragédia de Sófocles, o Coletivo optou pelo desenvolvimento de reflexões acerca de nosso passado recente, conectando o enredo da peça ao período da Ditadura Militar Brasileira. As questões suscitadas pelo clássico grego pareceram bastante pertinentes ao objetivo de investigar o percurso e as bases ideológicas que permitiram a continuidade da estrutura ditatorial aos dias de hoje e, diante disso, investir no estudo crítico da Literatura e do Teatro. A partir desse propósito, empreenderemos uma análise da tragédia Antígona, de Sófocles, mediada pela montagem do Coletivo Calcanhar de Aquiles e filiada à busca pela compreensão do tempo presente. Acreditamos que, mesmo na morte, Antígona vence o adversário, pois o sentido de sua luta se sobressai. Por meio do presente estudo afirmamos que Antígona, além de um dos mais belos questionamentos acerca dos limites do poder, converteu-se para sempre em um símbolo da liberdade de se agir contra o Estado (ROSENFELD, 2009), chegando até nós como o monumento da cultura ocidental que melhor apresenta as questões acerca da liberdade do sujeito de rebelar-se contra as estruturas que o oprimem. Nisto reside sua assombrosa atualidade.
The present study proposes a theoretical investigation about the literary work Sophocles’ Antigone (Antígona de Sófocles) linked to the homonymous theatrical play of the Coletivo Calcanhar de Aquiles, held at the University of Brasilia in the year 2014. In order to update the debate about the tragedy of Sophocles, the Coletivo opted to develop reflections about our recent past, connecting the plot of the play to the period of the Brazilian Military Dictatorship. The questions raised by this Greek’s classic seemed quite pertinent to the goal of investigating the course and the ideological bases that allowed the permanency of the dictatorial structure to the present day and, therefore, to invest in the critical study of Literature and Theater. With this purpose, it will be undertake an analysis of the Antigone, Sophocles' tragedy, mediated by the theatrical production of the Coletivo Calcanhar de Aquiles and dedicated to the search for understanding the present time. We believe that even in death Antigone defeats the adversary, because the sense of her struggle stands out. Throughout the present study we affirm that Antigone, is not only one of the most beautiful questioning about the limits of power, but also has forever become a symbol of the freedom to act against the State (ROSENFELD, 2009), arriving to us as the Western culture piece that best poses questions about the subject's freedom to rebel against the structures that oppress him. Here in lies his astounding contemporaneity.

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Martinez, Josiane Teixeira. "Filoctetes, de Sofocles : introdução, tradução e notas." [s.n.], 2003. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/270383.

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Abstract:

Orientador : Trajano A. R. Vieira
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-03T14:51:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Martinez_JosianeTeixeira_M.pdf: 5017106 bytes, checksum: e05de2d51fbfbf8502e24c6ac4b85e23 (MD5) Previous issue date: 2003
Resumo: Este trabalho consiste em uma tradução da tragédia Filoctetes, de Sófocles, acompanhada de notas explicativas e de um ensaio introdutório a respeito do drama. Nesse ensaio, apresenta-se uma breve análise das personagens centrais (Filoctetes, Neoptólemo e Odisseu), baseada em trechos de seus discursos mais representativos. No decorrer dessa análise, não foram desprezadas as relações dessas personagens com o contexto sociopolítico grego do século V a. C., mas foram consideradas, sobretudo, as relações com os textos da tradição literária (principalmente com os de Homero)
Abstract: This work consists of a translation of Sofocles' Philoctetes tragedy, followed by explanation notes and an introductory essay about the drama. A brief analysis of the mainly characters (Philoctetes, Neoptolemos and Odysseus), based on the their more representative discourses, is introduced. In this analysis, the relations between the characters and the texts from the literary tradition (especially the Homer' s ones) were considered, and also the relations between the characters and the Greek sociopolitical context from the 5th century
Mestrado
Letras Classicas
Mestre em Linguística

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Wexel, Juliana. "Medeia Vozes de Christa Wolf: a reinvenção polifônica do mito trágico." reponame:Repositório Institucional da UCS, 2012. https://repositorio.ucs.br/handle/11338/772.

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Abstract:

A presente dissertação apresenta uma investigação sobre a reinvenção do mito grego de Medéia no romance alemão Medeia Vozes, de Christa Wolf, através da aplicação da teoria da polifonia do linguista russo Mikhail Bakhtin. Busca-se identificar tal reinvenção do mito ancestral da feiticeira bárbara que mata os filhos para vingar-se da traição do marido, originalmente descrito na tragédia grega Medéia de Eurípedes, através da análise das vozes múltiplas que compõem a obra contemporânea da escritora alemã. Para realizar o estudo, escolheu-se a teoria da polifonia como instrumento a ser utilizado no percurso de análise da narrativa moderna por entender-se ser adequada ao exame do texto, pois opera como uma forma de reinventar o universo do mito grego e todas as suas personagens, mas principalmente o da mulher traída e vingativa, que é transformada pela narrativa contemporânea.
Submitted by Marcelo Teixeira (mvteixeira@ucs.br) on 2014-07-04T12:44:19Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao Juliana Wexel.pdf: 2316800 bytes, checksum: d063b40736580ef4516b71d5e02c6705 (MD5)
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This dissertation proposes an investigation about the recreation of the greek's myth Medéia in the german novel Medeia Vozes, by Christa Wolf, through the aplication of polyphony's theory by the russian linguist Mikhail Bakhtin. It tries to identify the reinvention of the ancestral myth of the witch Bárbara, who kill her children to revenge the husband betrayal, originally described in the greek tragedy Medéia, by Eurípedes, through analysis of multiple voices's that compose the contemporary book written by the german writer. To realise this study, it was chosen the polyphony's theory like an instrument to be used in the modern narrative analysis, understanding that it would be appropriated to the text exam, because it operates like a way to reinvent the universe of the greek myth and all of its characters, but mainly the one about the betrayed and vindictive woman, who is changed by the contemporary narrative.

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Oliveira, CÃntia AraÃjo. "Drama Tecido em Palavras: Multiplicidades de Helena no Teatro de EurÃpides." Universidade Federal do CearÃ, 2015. http://www.teses.ufc.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=16537.

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Abstract:

FundaÃÃo de Amparo Ã Pesquisa do Estado do CearÃ
Helena, filha de Zeus, esposa de Menelau e mais bela entre as mortais, desperta atenÃÃo a partir da complexidade observada em suas representaÃÃes na Literatura Antiga: sÃmbolo de beleza e de transgressÃo, Helena Ã uma figura ambÃgua, ora apresentada como motivo maior da Guerra de Troia, ora revelada como vÃtima das vontades divinas. Helena, enquanto personagem, revela-se uma fonte de criaÃÃo poÃtica, permitindo muitas apresentaÃÃes de sua figura nada simples, conforme podemos observar nas muitas Helenas de EurÃpides, tragediÃgrafo grego do sÃculo V a.C., autor de peÃas como Troianas. Nessa obra, a bela mulher Ã rejeitada e reprovada pelas mulheres de Troia, por ter causado a guerra, a morte de vÃrios herÃis e a desgraÃa de inÃmeras pessoas. Tanto a beleza fÃsica quanto a beleza das palavras de Helena, quando ela se apresenta no drama, mostram a forÃa persuasiva da personagem que se configura uma ameaÃa ao bom julgamento da verdade e da justiÃa. JÃ em Helena, outra tragÃdia de EurÃpides, a inventividade do autor e a estrutura do drama permitem que a forÃa dos argumentos apresentados pela personagem â amparados por uma versÃo do mito em que a filha de Zeus Ã completamente inocente, fiel e virtuosa â seja, mais uma vez, observada. Vernant (2011) e BrandÃo (1985) afirmam que a inventividade prÃpria de EurÃpides, acerca da criaÃÃo de personagens e de suas falas dentro das tragÃdias, Ã efeito da influÃncia sofista e retÃrica de seu tempo, e Baliff (2001) assegura a relaÃÃo existente entre seduÃÃo, feminino e retÃrica, enquanto Mastronarde (2010) e Sansone (2012) chamam atenÃÃo para o desdobramento peculiar e especÃfico do gÃnero dramÃtico, que permite Ãs personagens o desenvolvimento de habilidades linguÃsticas e a sofisticaÃÃo argumentativa que situaria o drama como gÃnero de grande inovaÃÃo na Literatura Grega. Nesta dissertaÃÃo, portanto, objetivamos analisar as apresentaÃÃes de Helena, situadas entre a inventividade do drama e a potencialidade dos discursos, de acordo com a multiplicidade que a personagem suscita e que parece ser o prÃprio desdobramento da criaÃÃo poÃtica e da multifacetada linguagem.

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Lemos, Tércia Montenegro. "Gota d'água: um discurso retextualizador de Medéia." www.teses.ufc.br, 2008. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/8865.

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Abstract:

LEMOS, Tércia Montenegro. Gota d'água: um discurso retextualizador de Medéia. 2008. 315f. – Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Ceará, Departamento de Letras Vernáculas, Programa de Pós-graduação em Linguística, Fortaleza (CE), 2008.
Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-08-25T13:40:26Z No. of bitstreams: 1 2008_tese_tmlemos.pdf: 6204484 bytes, checksum: daf38456a381b19b9943a5274c9011f5 (MD5)
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This essay analyses the play Gota d’água by Chico Buarque and Paulo Pontes, as a result of rewriting the classical tragedy Medea. Taking into consideration theoric and methodological from the Discours Analysis, the essay searches for the articulation text / context, essential for the understanding of the literary work interacting at the same time as a product, reflex and active element of historical circumstances. It will be taken into consideration, in the extention from Medea by Euripides to Gota d’água, by Chico Buarque and Paulo Pontes, the script Medea by Oduvaldo Vianna Filho. The previously mentioned articulation is essential due to the fact that many of the rewriting processes that Gota d’água presents can be noticed in a script written for an episode of a television program in Globo TV. Observing these influence relations will be part of this research, that will also observe the content these works in the context of the National-Popular Theatre in the 1970’s. Working with a literary and musical play, which is the case of Gota d’água, will still allow reflections about the Brazilian theatrical reality and popular music.
Esta pesquisa analisa a peça Gota d’água, de Chico Buarque e Paulo Pontes, enquanto resultado de um processo de retextualização da tragédia clássica Medéia. Levando em conta elementos teórico-metodológicos da Análise do Discurso, buscamos sempre a articulação texto/contexto, necessária para o entendimento da obra como a um só tempo produto, reflexo e elemento ativo das circunstâncias sócio-históricas. Consideramos, dentro do percurso que vai da Medéia de Eurípides à Gota d’água, de Chico Buarque e Paulo Pontes, o roteiro Medéia, de Oduvaldo Vianna Filho. Tal articulação é indispensável, pois muitos dos processos de retextualização que Gota d’água apresenta já podem ser observados nesse roteiro, escrito para um “Caso Especial” da Rede Globo. Perceber tais relações de influência fez parte de nossa investigação, que também abordou o enquadramento destas obras no contexto do Teatro Nacional-Popular da década de 1970. Trabalhar com uma peça de teor musical, como é o caso de Gota d´água, ainda permitiu reflexões sobre a realidade dramatúrgica brasileira e o gênero canção popular.

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Pereira, Vera Lucia Crepaldi 1945. "O mito de Ifigênia no teatro : Eurípides, Racine e Michel Azama." [s.n.], 2015. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/253986.

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Abstract:

Orientador: Joaquim Brasil Fontes Júnior
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação
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Resumo: Este estudo tem como objetivo ler uma tragédia do teatro clássico grego escrita por Eurípides, Ifigênia em Áulis, com base em um tema mítico, e analisá-la sob o olhar dos helenistas, estabelecendo, a partir daí, um diálogo com a mesma temática em tragédias do período clássico e do teatro contemporâneo de autores franceses, através das obras Iphigénie e Iphigénie ou le Péché des Dieux, de Jean Racine e de Michel Azama, respectivamente. Apoia-se esta pesquisa em conceitos da filosofia moderna e pós-moderna para explicar o movimento do mito nessas diversas etapas da temporalidade que fazem parte do processo evolutivo do teatro, desde a Grécia Antiga até a época atual, sem perder de vista o período clássico. No caminho que se percorreu, procurou-se destacar a questão do conceito de sacrifício nesse mito que impulsionou as peças teatrais que são a base do corpus deste trabalho. Verificou-se que todas as obras levantam a ideia do sacrifício simbolizada através da Guerra de Troia e revisitada no momento em que esses autores comparavam valores políticos, sociais e religiosos moldados de acordo com a noção do poder vigente, em suas próprias épocas. Conclui-se, assim, que os três autores fazem uso da tragédia para denunciar o sacrifício e que Ifigênia continua viva no mundo atual. Desde a peça euripideana, a ação está subordinada à palavra, refletindo as tensões entre o poder e o sacrifício do ato
Abstract: This study has as its aim to read a tragedy of the classical Greek theatre written by Euripides, Iphigenia in Aulis, based on a mythical theme, and analyse it from the perspective of the Hellenists and from this, set up a dialogue with the same theme in tragedies of the classical era and contemporary theatre of French writers through the works Iphigénie and Iphigénie ou le Péché des Dieux, of Jean Racine and Michel Azama, respectively. This research is underpinned by modern and post-modern philosophical concepts in order to explain the movement of the myth in those distinct stages of temporality that are part of the evolutionary process of the theatre, from Ancient Greece to modern times, bearing in mind the classical period. In undertaking this trajectory, special focus was given to the question of the concept of sacrifice present in this myth, which inspired the theatrical plays that are the basis of this study. It was confirmed that all the works raise the idea of sacrifice, symbolized by the Trojan War and revisited when these authors compared political, social and religious values molded according to the notion of power present in their respective times. It is concluded that the three authors make use of tragedy to denounce the sacrifice and that Iphigenia is still alive in the contemporary world. Moreover, since the Euripidean play, action is subordinated to the word, reflecting the tension between power and the act of sacrifice
Doutorado
Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte
Doutora em Educação

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Nobre, Milena. "Tecendo o universo feminino em Lisístrata: entre guerreiras divinas e mortais." www.teses.ufc.br, 2013. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/8660.

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Abstract:

NOBRE, Milena. Tecendo o universo feminino em Lisístrata: entre guerreiras divinas e mortais. 2013. 79f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2013
Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-08-08T17:07:00Z No. of bitstreams: 1 2013_dis_mnobre.pdf: 1052767 bytes, checksum: aaf81e874411616e1191b77fd2a4eb0c (MD5)
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Made available in DSpace on 2014-08-08T17:37:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_dis_mnobre.pdf: 1052767 bytes, checksum: aaf81e874411616e1191b77fd2a4eb0c (MD5) Previous issue date: 2013
Our thesis aims to analyze the relationship between the divine and the human, political and sexual, as well as the relationships established between these plans and the dramatic text from the comedy skit Lysistrata, written by the Greek poet Aristophanes. It is due to show how textual and discursive elements are crucial for the development of the female characters who are opposed to the male characters, either by speech or symbolic images, since the ideal hero to the public administration of the city. It dialogues to some aspects of comic irony, such as the exaggeration and pun, to demonstrate how these elements work together as a discourse, which is an important characteristic for the composition of the part and which by women take the power of the city. We try to analyze the images related to the weave- spin that exemplifies the relationship between creating / narration, in order to demonstrate the feminine imagery that makes up the work. We used, as a guide for our research, the concepts of hero, arete, identity and imagination to confirm our thinking about the social and political aspects of women in ancient Greece. Among the theoretical underpinning our research are the classic reference works such as Homer and Hesiod , the studies of Vernant (1977, 2001) , Silva (1983, 2007), Brandão ( 1985, 1987 ) and POMPEU (1997, 2004).
A presente dissertação tem como objetivo analisar as relações entre os planos divino e humano, político e sexual, como também as relações que se estabelecem entre esses planos e o texto dramático, a partir da peça cômica Lisístrata, do poeta grego Aristófanes. Buscaremos mostrar como os elementos textuais e discursivos são preponderantes para a elaboração das personagens femininas que se contrapõem às personagens masculinas, seja através do discurso ou das imagens simbólicas, desde o ideal de herói até a administração pública da cidade. Abordaremos dentre alguns aspectos do cômico a ironia, o exagero, o trocadilho, buscando demonstrar como esses elementos colaboram como discurso, que constitui importante particularidade para a composição da peça e com o qual as mulheres tomam o poder da cidade. Analisaremos as imagens relacionadas ao tecer/ fiar que exemplificam a relação entre criar/narrar, para procurar comprovar o imaginário feminino que compõe a obra. Utilizaremos como norteadores de nossa investigação os conceitos de herói, areté, identidade e imaginário para confirmar nosso pensamento sobre os aspectos social e político da mulher na Grécia antiga. Dentre os teóricos que sustentam nossa pesquisa estão, além das obras de referência clássica como Homero e Hesíodo, os estudos de VERNANT (1977, 2001), SILVA (1983, 2007), BRANDÃO (1985, 1987) e POMPEU (1997, 2004).

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Assumpção, Thiago Alessander Mascagni [UNESP]. "O espaço em cena e sua profundidade: As bacantes." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2010. http://hdl.handle.net/11449/91509.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:22Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-02-26Bitstream added on 2014-06-13T18:53:18Z : No. of bitstreams: 1 assumpcao_tam_me_arafcl.pdf: 377441 bytes, checksum: 5845206036c6f1b1f4d3fb36ae855af2 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
Esta pesquisa visa a compreender a questão do espaço n’ As bacantes de Eurípides desde a forma como ele é criado através do diálogo entre as personagens até a influência que esse mesmo espaço exerce na ação. O teatro representa visualmente em cena, através de gestos e falas dos atores, linguagens que são processadas mentalmente no público. Ao ler uma peça, deve-se estar ciente de que elementos concretos são usados pelo dramaturgo para criar o teatro mental. N’As bacantes de Eurípides, a ação, em certos momentos, remete a um universo mítico, como o nascimento de Dioniso, ou a um espaço exterior à cena, o monte Citerão, por exemplo, que se concretiza apenas na mente do espectador ateniense do século V a.C. Isso torna necessário recuperar e compreender esse espaço mutável para a leitura consciente da peça.
This research seeks to comprehend the space subject in Euripides’ Bacchae from the way it is created through characters’ dialogue to the influence this space puts on the action. The theater performs visually, by actors’ voice and action, the language that is mentally processed in the audience. When we read a play, we must be aware that concrete elements are been used by the dramatist to create the mental theater. In Euripides’ Bacchae, the action, sometimes, refers to a mythic universe, like Dionysus’ birth, or to an offstage space, like mount Cithaeron, for example, that is materialized only in the fifth-century Athenian spectator’s mind. It makes necessary the recovery and the comprehension of this shifting space for the conscientious reading of the play.

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Salvador, Evandro Luis. "Tradução da tragédia As Fenícias, de Eurípides, e ensaio sobre o prólogo (vv. 1-201) e o primeiro episódio (vv. 261-637)." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/269069.

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Abstract:

Orientador: Flavio Ribeiro de Oliveira
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-17T13:28:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Salvador_EvandroLuis_D.pdf: 724657 bytes, checksum: 33f856b8879463095c8d1581fd848ecc (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: Destinada ao público não especializado na questão da poesia dramática grega, a pesquisa de doutorado tem como foco principal a tradução em prosa da tragédia As Fenícias, de Eurípides. Apresenta-se, também, um ensaio sobre o prólogo e o primeiro episódio, possibilitando aos leitores da tragédia compreender um aspecto por vezes esquecido, mas que é fundamental para a sua dramatização: a audiência teatral. Desse modo, pretende-se construir uma ponte entre o mundo grego antigo e o mundo do leitor moderno
Abstract: Not specialized for the public on the issue of Greek dramatic poetry, the doctoral research is focused on the translation in prose of the Euripides' tragedy Phoenissae. It presents also an essay on the prologue and the first episode, which enable readers to understand an aspect of tragedy that is sometimes forgotten, but that is essencial for its enactment: the theatrical audience. Thus, we intend to build a bridge between the ancient Greek world and the world of the modern reader
Doutorado
Linguistica
Doutor em Linguística

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Amaro, Márcio Henrique Vieira. "O amor e a guerra em Aristófanes a partir de uma leitura da Peça Rãs." www.teses.ufc.br, 2015. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/13199.

Full text

Abstract:

AMARO, Márcio Henrique Vieira. O amor e a guerra em Aristófanes a partir de uma leitura da Peça Rãs. 2015. 135f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2015.
Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-08-27T12:49:49Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_mhvamaro.pdf: 643827 bytes, checksum: 69bb1b4651424c07506a8c2db8a642de (MD5)
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Based on a reading of the play The Frogs, 405 b.C., by Aristophanes, it’s inferred a strong use of mythological material used by the comediographist in the construction of the text. Therefore, a reading of that comedy under the modern scientific approaches to the myth allows the determination of a mythical nucleus able to offer an important key to reading the work of Aristophanes as well as the dramatic production of the late classical Greek period. In the agon between Aeschylus and Euripedes, the tragic themselves are the ones who, insulting each other, reveal the source of their production to be, respectively, the influence from the myths of Ares and Aphrodite. Both the tragedians being members of the triad elected by the Athenians as the best representatives of the tragic genre, and, the poetry being one of the constituent sources of the Greek citizen’s education, this research will verify to what extent the myths of Ares and Aphrodite are present in the work of the two tragedians, and how both use it as a contribution to the foundation for the shaping of the Greek man’s spirit. From a dialectic between love and war, the second part of the research will verify the occurrences of these traditions in the work of the comediographist Aristophanes, analyzing the play The Frogs. The author, when choosing the kingdom of the dead as a discussion space between these two mythological traditions, establishes a paradigmatic court, able to appreciate and value the diferent elements and types of tragic speech, treating them, however, under the comical perspective. It is necessary to determine to what extent the comic speech from the parallel between the underground structures and the contingency of Athenian life were being used as an attempt to interpret the myth. Finally, will verify with the presentation of the play Frogs, the comedy would be, in 405 b.C., seeking to appropriate the mythological speech, modifying it and shaping it according to the new requirements of the polis, as the tragic did before, and what are the implications of this new discourse on the elements related to theater: text, performance and audience.
A partir da leitura da peça Rãs, de 405 a.C., de Aristófanes, depreende-se uma forte utilização de material mitológico utilizado pelo comediógrafo na construção do texto. Dessa forma, uma leitura dessa comédia, a partir das modernas abordagens científicas do mito, permite a determinação de um núcleo mítico capaz de oferecer uma importante chave de leitura para a obra de Aristófanes, bem como para a produção dramática do final do período clássico grego. No agón entre Ésquilo e Eurípedes, são os próprios trágicos, que, insultando-se, revelam como fonte de sua produção, respectivamente, a influência dos mitos de Ares e Afrodite. Sendo os dois tragediógrafos integrantes da tríade eleita pelos atenienses como os melhores representantes do gênero trágico, e, sendo a poesia uma das fontes constituintes da educação do cidadão grego, a pesquisa verificará, até que ponto os mitos de Ares e Afrodite estão presentes na obra dos dois tragediógrafos, e como ambos os utilizam como contribuição para o fundamento da formação do espírito do homem grego. Tendo como base uma dialética entre o amor e a guerra, a pesquisa irá verificar as ocorrências dessas tradições na obra do comediógrafo Aristófanes, a partir da leitura da peça Rãs. Aristófanes, ao escolher o reino dos mortos como espaço de discussão entre essas duas tradições mitológicas, estabelece um tribunal paradigmático, apto para apreciar e valorar os diferentes elementos e tipos de discurso trágico, tratando-os, entretanto, sob a ótica cômica. Faz-se mister determinar até que ponto o discurso cômico, a partir do paralelo entre estruturas do submundo e a contingência da vida ateniense estariam sendo utilizados como uma tentativa de interpretar o mito. Por fim, verificaremos se comédia no ano de 405 a.C., com a apresentação da peça Rãs, procurava apropriar-se do discurso mitológico, modificando-o e plasmando-o de acordo com as novas exigências da pólis, como antes fizeram os trágicos, e quais as implicações desse novo discurso diante dos elementos do fazer teatral: texto, performance e audiência.

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Almeida, João Estevam Lima de. "Um deus a céu aberto: Diônisos e a expressão material do teatro na paisagem da pólis na Grécia arcaica e clássica - séc. VI-III a.C." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/71/71131/tde-15102014-104045/.

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Abstract:

Na contemporaneidade nenhum deus da Grécia antiga exerce tanto fascínio quanto o deus do vinho, Diônisos. Filho de Zeus e de Sêmele, perseguido por Hera, protegido por Hermes e duas vezes nascido, estranho estrangeiro, veste máscaras, é coroado de hera, senhor da videira, impera nas Antestérias e nas Lenéias, está representado nos textos antigos, em vasos, frisos, frontões e nos legou o lugar de sua identidade, o teatro. O teatro é por excelência o espaço de Diônisos. Livre e libertador, o deus a céu aberto, com o passar do tempo tem para si um espaço singular. A presente pesquisa se detém na arquitetura teatral como uma tecnologia simbólica e sua disposição na paisagem para tentar compreender os códigos implícitos que denotam indícios de uma comunicação não verbal, presente no ambiente construído. Entendemos lugar como um conceito relacional, repositório de sequências e ações que se torna parte da tradição de um povo. Aliamos documentação textual às fontes materiais e, para desenvolver nosso tema, selecionamos um repertório com dezesseis teatros do mundo grego. Na Grécia situam-se nas seguintes cidades: Atenas, Argos, Delfos, Delos, Dodona, Epidauro, Mileto, Priene e Sicione. Na Itália eles estão localizados em Heracleia Minoa, Lócris, Metaponto, Morgantina, Segesta, Siracusa e Taormina. Utilizamos o nosso corpus documental como um registro a revelar aspectos do culto dionisíaco na pólis grega do séc. VI ao III a.C.
In the contemporary world, there is no other ancient Greek god who is found as fascinating as Dionysus, the god of wine. Son of Zeus and Semele, pursued by Hera, protected by Hermes and twice-born, strange foreigner, wearer of masks, crowned with ivy, lord of the vines, he is represented in ancient texts, vases and friezes, and he bequeathed to us the home of his identity: the theatre. The theatre is the Dionysian space par excellence. Liberated and liberating, the god of the open sky, with the passing of time he comes to possess a singular space for himself. This research project focuses on theatrical architecture as a symbolic technology, and on its use within the landscape, with the aim of understanding the implicit codes that denote the indices of a non-verbal communication present in the built environment. Space is understood as a relational concept, a repository of sequences and actions that become part of a people\'s tradition. We will link textual documents to material sources and, in order to develop the subject further, we have made a selection of sixteen theatres in the Greek world. In Greece, they are situated in the following cities: Athens, Argos, Delphi, Delos, Dodona, Epidaurus, Miletus, Priene and Sicione. In Italy, they are located in Heracleia Minoa, Locri, Metaponto, Morgantina, Segesta, Syracuse and Taormina. We will use our body of documents as a register through which to reveal aspects of the Dionysian cult in the Greek polis during the period VI-III BC.

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Luna, Sandra. "Para uma arqueologia da ação tragica : a dramatização do tragico no teatro do tempo." [s.n.], 2002. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/270328.

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Abstract:

Orientador: Suzi Frankl Sperber
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-07-31T22:31:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luna_Sandra_D.pdf: 24302800 bytes, checksum: 64a7fca441003da5ee22886dba7eb379 (MD5) Previous issue date: 2002
Resumo: Este trabalho investiga o conceito de ação na dramaturgia trágica, revisitando uma tradição que se origina na Grécia Antiga, berço da tragédia, e que se estende inquestionada até meados do século XX, quando a pós-modernidade lança seu desafio à racionalidade, à subjetividade e ao conhecimento conceitual, pressupostos fundamentais à teorização sobre a ação. Considerando, por um lado, a contribuição dessa nova visada critica aos estudos literários, por outro, a dificuldade de se escapar a essas mesmas categorias que os pensadores pós-modernos tentam desconstruir, a pesquisa se desenvolve através de uma articulação metodológica que aproveita idéias e conceitos formulados pelos pensadores do drama, confrontando-os com leituras próprias de "fontes primárias" e com informações de caráter histórico, literário, filosófico, antropológico, epistemológico, entre outras. Dessas negociações emerge um quadro conceitual cuja rentabilidade teórica é finalmente aferida em um corpus interdisciplinar, composto de uma peça da dramaturgia trágica - A Streetcar Named Desire, de Tennessee Williams, e suas adaptações fílmicas, uma dirigida por Elia Kazan em 1951, a outra por Glenn Jordan em 1995. Situado esse corpus fora dos limites históricos da trajetória que inspirou os conceitos e as hipóteses formuladas como fundamentos estruturais da ação trágica, a verificação da permanência e da validade desses conceitos na análise das obras legitima a própria orientação metodológica da pesquisa, assim como referenda a tese que, de hipótese em hipótese, se constrói ao longo do percurso. Ao final do trabalho, confirma-se que a dramaturgia trágica ocidental se estrutura como uma estratégia poética de racionalização, um gênero que se esforça por impor uma lógica causal àquilo que, no limite, é inexplicável e inescrutável: o trágico destino humano
Abstract: This work investigates the concept of action in tragic drama, revising a tradition originated in Ancient Greece, birthplace of tragedy, a tradition which extends itself up to the middle of the twentieth century, when representatives of the so-called "post-modem" thought defy exactly the premises upon which this dramatic tradition was built up -rationality, subjectivity and the bases of conceptual knowledge. Considering, on one hand, the contributions of these new critical trends to literary studies, on the other, the difficulties to escape the categories post-modern thinkers try to "deconstruct", this research develops through a methodological articulation based on a permanent evaluation of the concepts and ideas proposed by the theoretical tradition in the light of personal readings of " primary sources" and other - historical, literary, philosophical, anthropological, epistemological sources of information. From these negotiations a set of conceptual elements emerges as the fundamentals of tragic drama, its validity being asserted through the analysis of an interdisciplinary corpus, composed of a twentieth century drama (A Streetcar Named Desire, by Tenessee Williams) and its two filmic adaptations (one by Elia Kazan, from1951, the other by Glenn Jordan, ITom 1995). Because the play and its adaptations are situated out of the historical boundaries of the investigative trajectory which inspired the concepts and the hypotheses formulated as the fundamentals of tragic action, the verification of the permanence and validity of these concepts in the analyses of the corpus not only asserts the methodological orientation of the research, but also legitimizes the thesis which, from hypothesis to hypothesis, was built up. At the end of the work, occidental tragic drama is proclaimed as a poetical strategy of rationalization, a geme which imposes a causal logic to what is, in its limit, inexplicableand inscrutable- the tragic destiny of human beings
Doutorado
Literatura Geral e Comparada
Doutor em Teoria e História Literária

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Soares, Marina Peixoto 1985. "As Rãs, de Aristófanes : introdução, tradução e notas." [s.n.], 2014. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/270757.

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Abstract:

Orientador: Flávio Ribeiro de Oliveira
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-24T23:09:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Soares_MarinaPeixoto_M.pdf: 3795789 bytes, checksum: 6535fed014bae350a69e6c944a1cf5c6 (MD5) Previous issue date: 2014
Resumo: Esta pesquisa tem como objeto de estudo a comédia grega As Rãs, do poeta Aristófanes (c. 450 a.C.). Nosso principal objetivo é a realização da tradução da peça para o português, buscando preservar as características do estilo do autor e os efeitos cômicos que predominam nas obras do gênero. Além da tradução, elaboramos também uma introdução à peça, visando esclarecer alguns aspectos relacionados à obra que nos pareceram relevantes para sua compreensão durante nossa pesquisa. Por fim, apresentamos alguns comentários que abordam a visão da crítica contemporânea a respeito dessa comédia de Aristófanes
Abstract: The subject of this research is the Greek comedy Frogs, by Aristophanes (c. 450 a.C). Our main goal is the accomplishment of the translation of the play to the Portuguese language, trying to preserve the characteristics of the author¿s style and the comic effects that predominate in the works of this kind. Besides the translation, we also elaborate an introduction to the play, with the aim of clarifying some aspects related to the comedy that seemed relevant to us during our research. At last, we present some commentaries that approach the contemporary criticism of this play
Mestrado
Linguistica
Mestra em Linguística

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Silva, Iracema Maria de Macedo Gonçalves da. "Nietzsche, Wagner e a epoca tragica dos gregos." [s.n.], 2003. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/279822.

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Abstract:

Orientador : Alcides Hector R. Benoit
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-03T11:22:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_IracemaMariadeMacedoGoncalvesda_D.pdf: 9697304 bytes, checksum: c7d0ebf57dc21631d476e887f5796043 (MD5) Previous issue date: 2003
Resumo: Trata-se de um estudo das interpretações de Richard Wagner e Nietzsche sobre a "época trágica" e da investigação que fizeram, em suas respectivas obras, acerca do vínculo da posteridade com a arte grega. Tendo como fio condutor a relação com a Grécia, analisa-se também as razões filosóficas do companheirismo e do posterior rompimento teórico entre Wagner e Nietzsche
Abstract: lt concems a study on both Richard Wer's' and Nietzsche's interpretations on the "tragic age". In addition, it involves the investigation they had done in their respective work regarding the li* between posterity and the Greek art. Utilizing the relationship with Greece as a point of reference, the work also analyses the philosophic reasons for the ftiendship and subsequent theoretical rupture between Wagner and Nietzsche
Doutorado
Doutor em Filosofia

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Guimarães, Deborah Vogelsanger. "O percurso do logos na "poetica" de Aristoteles." [s.n.], 2002. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/281976.

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Abstract:

Orientador : Francisco Benjamin de Souza Netto
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-01T05:51:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Guimaraes_DeborahVogelsanger_M.pdf: 8249189 bytes, checksum: 35b90e1d82f934f5b63ac78f96948f63 (MD5) Previous issue date: 2002
Resumo: Neste trabalho será exposto o texto aristotélico "Sobre a Poética" , ao qual nos referiremos como "Poética", em especial nos capítulos 6,9 e 21 de maneira que, em conjunto com a exposição do Livro 11da "Retórica", também de Aristóteles, se possa responder a questão: de que maneira uma composição poética se aproxima de uma composição retórica no âmbito específico de seus conteúdos? A resposta a esta questão deve levar ao reconhecimento de um conteúdo ético para ambas as composições. O estudo dos dois textos deve servir, também, para aproximar a estudo da poesia ao estudo da lógica e da metafísica aristotélica, em um retorno aos primeiros tradutores da "Poética", no século XVI
Abstract: Not informed.
Mestrado
Mestre em Filosofia

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Corso, Gizelle Kaminski. "Édipo-Rei e Antígone, adaptações da tragédia sofocleana para o leitor juvenil brasileiro /." Assis : [s.n.], 2007. http://hdl.handle.net/11449/94112.

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Abstract:

Orientador: Benedito Antunes
Banca: Reginaldo Pinto de Carvalho
Banca: João Luís Cardoso Tápias Ceccantini
Resumo: O propósito deste trabalho é analisar as adaptações para a literatura juvenil Édipo rei e Antígona, de Cecília Casas, comparando-as às tragédias sofocleanas. Para tanto, são utilizados como textos-fonte duas traduções da trilogia de Sófocles: uma para a língua portuguesa, de Mário da Gama Kury, e outra para a língua italiana, de Filippo Maria Pontani. Já que as adaptações podem ser compreendidas como uma forma de avivar obras "clássicas" (as tragédias de Sófocles), verifica-se, em primeiro lugar, a formação do conceito do termo "clássico" paralelamente ao de "cânone". A seguir, são apresentados os percursos da adaptação na literatura infanto-juvenil no Brasil, bem como aproximações e distanciamentos entre o traduzir e o adaptar. Também são evidenciados questionamentos acerca de a adaptação juvenil ser matéria de recriação e retomar as obras clássicas. Em seguida, são analisadas as adaptações de Cecília Casas, abordando também a apreciação das ilustrações, léxico e roteiros de leitura, parte integrante das narrativas, e suas relações com o público a que se destinam, os leitores juvenis brasileiros.
Astract: Il proposito di questo lavoro è analizzare gli adattamenti per la letteratura giovanile Édipo rei e Antígona, di Cecília Casas, paragonando alle tragedie di Sofocle. Per questo, sono usate come testi-fonte due traduzioni della trilogia di Sofocle: una per il portoghese, di Mário da Gama Kury, ed un'altra per l'italiano, di Filippo Maria Pontani. Siccome gli adattamenti possono esser resi come una forma di avvivare le opere "classiche" (le tragedie di Sofocle), è verificata, inizialmente, la formazione del concetto del termine "classico" parallelamente a quello di canone. Di seguito, sono presentate i percorsi dell'adattamento nella letteratura infanto giovanile nel Brasile, e gli avvicinamenti e allontanamenti tra l'adattare e il tradurre. Sono evidenziati anche questioni sul fatto dell'adattamento giovanile essere elemento di ricreazione e riprendere le opere classiche. In seguito, sono analizzate gli adattamenti di Cecília Casas, affrontando anche l'apprezzamento delle illustrazioni, lessico e guide di lettura, che fanno parte delle due opere in oggetto, e le sue relazioni con il pubblico destinato, i lettori giovanili brasiliani.
Mestre

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Corso, Gizelle Kaminski [UNESP]. "Édipo-Rei e Antígone, adaptações da tragédia sofocleana para o leitor juvenil brasileiro." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2007. http://hdl.handle.net/11449/94112.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:53Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-08-10Bitstream added on 2014-06-13T20:48:23Z : No. of bitstreams: 1 corso_gk_me_assis.pdf: 683170 bytes, checksum: 445385badf3d8abcc4b3727b4014361c (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
O propósito deste trabalho é analisar as adaptações para a literatura juvenil Édipo rei e Antígona, de Cecília Casas, comparando-as às tragédias sofocleanas. Para tanto, são utilizados como textos-fonte duas traduções da trilogia de Sófocles: uma para a língua portuguesa, de Mário da Gama Kury, e outra para a língua italiana, de Filippo Maria Pontani. Já que as adaptações podem ser compreendidas como uma forma de avivar obras clássicas (as tragédias de Sófocles), verifica-se, em primeiro lugar, a formação do conceito do termo clássico paralelamente ao de cânone. A seguir, são apresentados os percursos da adaptação na literatura infanto-juvenil no Brasil, bem como aproximações e distanciamentos entre o traduzir e o adaptar. Também são evidenciados questionamentos acerca de a adaptação juvenil ser matéria de recriação e retomar as obras clássicas. Em seguida, são analisadas as adaptações de Cecília Casas, abordando também a apreciação das ilustrações, léxico e roteiros de leitura, parte integrante das narrativas, e suas relações com o público a que se destinam, os leitores juvenis brasileiros.
Astract: Il proposito di questo lavoro è analizzare gli adattamenti per la letteratura giovanile Édipo rei e Antígona, di Cecília Casas, paragonando alle tragedie di Sofocle. Per questo, sono usate come testi-fonte due traduzioni della trilogia di Sofocle: una per il portoghese, di Mário da Gama Kury, ed un'altra per l'italiano, di Filippo Maria Pontani. Siccome gli adattamenti possono esser resi come una forma di avvivare le opere classiche (le tragedie di Sofocle), è verificata, inizialmente, la formazione del concetto del termine classico parallelamente a quello di canone. Di seguito, sono presentate i percorsi dell'adattamento nella letteratura infanto giovanile nel Brasile, e gli avvicinamenti e allontanamenti tra l'adattare e il tradurre. Sono evidenziati anche questioni sul fatto dell'adattamento giovanile essere elemento di ricreazione e riprendere le opere classiche. In seguito, sono analizzate gli adattamenti di Cecília Casas, affrontando anche l'apprezzamento delle illustrazioni, lessico e guide di lettura, che fanno parte delle due opere in oggetto, e le sue relazioni con il pubblico destinato, i lettori giovanili brasiliani.

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Melo, Aldo Rezende de. "Psicodrama e seu dionisismo : percursos de uma clínica desviante." Universidade Federal de Sergipe, 2015. https://ri.ufs.br/handle/riufs/6022.

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Abstract:

The aim of this study is to analyse the trajectory of cuts production practices and knowledge in Psychodrama, regarding the diversion of certain clinical traditions and conservative dramaturgies of the early twentieth century, through the invention of the concept of creaturgie. Thus, it analyzes the assertion of the political strength of the Theatre of Spontaneity and Psychodrama, both created by Jacob Levy Moreno, highlighting their practices in the exercise of a Dionysian ethos, questioning and disruptive. We pursue, from the analysis and theoretical stitching, inside of Psychodrama and theatrical and philosophical intercessors, trails that give lanes in addition to the cultural psychodrama preserves, in order to destabilize concepts and practices already grounded, crystallized and put this knowledge at the surface of life. Fertile hybrids, besides the interface between art and clinic, necessary for continued significant reinvention of the ways to care for and to practice the Theatre of Spontaneity. We see the possibility of alliances with theoretical authors of different theoretical productions, but they thought the clinical and theater in their deviant functions. Then we use the argument of Jacques Rancière on the " Emancipação do Espectador" ; the Deleuzian concept of " intercessors " and his notion of "minor theater " to put the psychodrama and theatrical thought moving; and Artaudian concept of " body without organs " operated by Deleuze , analyzing and questioning psychodramatic concepts in their aesthetic , political and ethical treatment
O objetivo desse trabalho é analisar recortes da trajetória de produção de práticas e conhecimento no Psicodrama no que tange ao desvio de certas tradições clínicas e das dramaturgias conservadoras do início do século XX, através da fabricação do conceito de criaturgia. Assim, analisa-se a afirmação da força política do Teatro da Espontaneidade e do Psicodrama, ambos criados por Jacob Levi Moreno, destacando em suas práticas o exercício de um ethos dionisíaco, questionador e disrruptivo. Perseguimos, a partir da análise e costura teórica por dentro do psicodrama e de intercessores teatrais e filosóficos, trilhas que nos dessem pistas de um para além das conservas culturais psicodramáticas, no sentido de desestabilizar conceitos e práticas já alicerçados, cristalizados e colocar esses saberes na superfície da vida. Hibridismos férteis, além da interface arte-clínica, necessários para a contínua reinvenção significativa dos modos de cuidar e de praticar o teatro da espontaneidade. Veremos a possibilidade de alianças teóricas com autores de produções teóricas distintas, mas que pensaram a clínica e o teatro em suas funções desviantes. Usamos então a discussão de Jacques Rancière sobre a “emancipação do espectador”; o conceito deleuziano de “intercessores” e sua noção de “teatro menor”, para colocar o pensamento psicodramático e teatral em movimento; e o conceito artaudiano de “Corpo sem Órgãos” operado por Deleuze, analisando e problematizando conceitos psicodramáticos em sua estética, política e ética terapêutica.

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Feral, Claudia Manoel Rached [UNESP]. "O Agon na poética aristofânica: diversidade da forma e do conteúdo." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2009. http://hdl.handle.net/11449/102365.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:32:07Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-03-11Bitstream added on 2014-06-13T18:43:00Z : No. of bitstreams: 1 feral_cmr_dr_arafcl.pdf: 1702812 bytes, checksum: 6a189fe37989eba25e08515cd773daf5 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
L‘objectif de ce travail est d‘étudier la nature de l’agôn (ἀγών) dans les onzes comédies d‘Aristophane qui nous sont parvenues. Le travail est organisé autour d‘une introduction, cinq chapitres, conclusion, reférence et traductions des agôns. L‘introduction nous présente le thème, définit l‘objet, délimite le corpus et fait une révision critique de la bibliographie spécifique. Le premier chapitre traite du parcours et de l‘importance du mot agon qui est à l‘origine de l‘expression civilisation agonistique, emblématique de la société grecque vue comme une culture qui est par essence, compétitive.Les agôns de chaque comédie sont ensuite analysés du deuxième au cinquième chapitre. Conjointement à ces analyses de caractère structurale et thématique, les rôles du héro comique sont aussi étudiées et sont classées en: i) bomolochos: bouffon; ii) eiron: dissimulateur; iii) alazon: fanfaron; iv) poneros: rusé; v) spoudaios: sérieux.
Esta pesquisa tem o objetivo de estudar, nas onze comédias supérstites de Aristófanes, a natureza do agon (ἀγών). O trabalho está composto de apresentação, introdução, cinco capítulos, conclusão, referências e anexo com tradução dos agones estudados. A introdução apresenta o tema, define o objeto e delimita o corpus, e por fim expõe a revisão crítica da bibliografia específica. O primeiro capítulo aborda algumas considerações preliminares sobre o percurso e a importância da palavra agon, da qual se derivou a expressão civilização agonística emblemática para a sociedade grega como uma cultura por essência competitiva. Do segundo ao quinto capítulo foram feitas análises de caráter estrutural e temático dos agones das comédia; em parelelo, fez-se um estudo do papel do herói cômico, de acordo com as seguintes classificações: i) bomolochos: bufão; ii) eiron: irônico, dissimulador; iii) alazon: fanfarrão; iv) poneros: espertalhão, matreiro; v) spoudaios: soberbo.

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Pereira, André Luiz Gardesani. "Confluências entre mito, literatura e direito em Édipo Rei, de Sófocles /." São José do Rio Preto, 2015. http://hdl.handle.net/11449/138405.

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Abstract:

Orientador: Gentil de Faria
Banca: Daniel Rossi Nunes Lopes
Banca: Fernando Brandão dos Santos
Resumo: Este estudo aborda a intersecção entre mito, literatura e direito em Édipo rei, de Sófocles, e tem como objetivo identificar os fatores de conexão entre essas áreas do saber na tragédia grega, propondo reflexões em torno dessas disciplinas. Objetiva, ainda, demonstrar como a interpretação literária pode ser útil para identificar a temática jurídica em narrativas literárias, bem como realçar a função sociológica e psicológica do mito, aproximando-o das finalidades do direito, notadamente como modelo de conduta humana e forma de controle social. Adota como ponto de partida as contribuições fornecidas pela teoria dos sistemas autopoiéticos de Niklas Luhmann, da qual se originam os fundamentos basilares para justificar a comunicação entre diferentes nichos do saber e dos teóricos do Law and Literature Movement. A literatura comparada sob a vertente do dialogismo bakhtiniano também reforça a noção de comunicação entre discursos de naturezas diversas (antropológico, literário e jurídico). Os estudos de Frye, Mielietinski e Durand explicam a dupla relação que se estabelece entre o mito e a literatura e pensadores modernos como Nietszche e Lévi-Strauss contribuem para demonstrar que os mitos continuam a ser valorizados e sobrevivem nos dias atuais. O denominado ―prolegômeno de Campbell‖, sobretudo sob a perspectiva da função sociológica e psicológica da narrativa mítica, e a tese de Eliade que encerra a ideia do caráter ritualístico do mito e a sua correspondência a um conjunto de códigos exemplares de conduta estreitam ainda mais as relações do mito com o direito. Na sequência, partindo das considerações teóricas, a pesquisa centra-se na questão da analogia entre o saber de Édipo, consubstanciado na solução do enigma da esfinge e na cura de Tebas, com os problemas da hermenêutica jurídica. Dessa forma, o trabalho se propõe a obter a ampliação e fusão dos horizontes de cada uma das...
Abstract: This study focuses on the intersection between myth, literature and law in Oedipus the King, by Sophocles, and aims to identify the connections between these areas of knowledge in Greek tragedy. It also aims to demonstrate how literary interpretation can be useful to identify the legal issues in literary narratives, as well as enhance the psychological and sociological functions of the myth, approaching it from the law purposes, notably as model of human behavior and form of social control. It adopts as a starting point for the input provided by the autopoietic systems theory by Niklas Luhmann, from which originate the basic foundations to justify the communication between different niches of knowledge and theorists of the Law and Literature Movement. Comparative literature under Bakhtin's dialogism also reinforces the notion of communication between speeches of various kinds (anthropological, literary and legal). Studies of Frye, Mielietinski and Durand explain the dual relationship established between myth and literature, and modern thinkers such as Nietzsche and Lévi-Strauss show that the myths will continue to be valued and survive. The so-called "Campbell prolegomenon", especially from the perspective of sociological and psychological function of mythic narrative and Eliade's arguments that conveys the idea of ritualistic character of myth and its correspondence to a set of exemplary codes of conduct, even more the relation myth and Law. In sequence, starting from theoretical considerations, the research focuses on the issue of analogy between the wisdom of Oedipus, embodied in the solution of the riddle of the Sphinx and in the healing of Thebes, with legal interpretation issues. Thus, the thesis aims to achieve the expansion and fusion of horizons of each of one of the areas of knowledge involved, especially from the point of view of identification and understanding of the law and its resonance in Greek tragedy, and the ...
Mestre

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Kopelman, Isa 1946. "As vespas de Aristofanes e as questões da dramaturgia." [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284080.

Full text

Abstract:

Orientador: Veronica Fabrini Machado de Almeida
Acompanha 1 DVD-R com gravação do espetáculo "As Vespas"
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-14T15:50:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Kopelman_Isa_D.pdf: 37824865 bytes, checksum: ae52582183c9ad5edf8c0c37cbe39f23 (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: As releituras de textos da Comédia Antiga apontam para um conjunto de questões pertinentes aos procedimentos artísticos da Modernidade. Mapeando as questões teóricas e praticas, podemos verificar alguns temas caros à produção teatral contemporânea e que transitam entre a obra literária e os processos criativos do espetáculo. A pesquisa tem como objetivo a investigação experimental e teórica das operações texto/cena tendo como pré-texto uma obra da Comédia Antiga, As Vespas, de Aristófanes. Com o objetivo de situar e contextualizar o trabalho prático reunimos, em um primeiro núcleo, a investigação dos procedimentos ideológicos e estéticos que alimentam e situam o fazer teatral no âmbito da sensibilidade contemporânea. Nesse núcleo examinamos as questões teóricas que envolvem a constituição do elemento onde, relativo às abordagens do espaço: as tematizações do espaço e os elementos estético/ideológicos do espaço que estruturam as ações. Ainda nesse núcleo investigamos as questões concernentes às ações e figurações do sujeito na cena e no texto escrito e que se referem ao elemento quem. Nessa direção também é contemplada a relação sujeito/memória na figuração do personagem. O segundo núcleo refere-se aos contextos de origem da dramaturgia cômica da Antiguidade grega. Aí são mapeados aspectos da retórica e visão de mundo originários do texto, de modo a inserir a leitura da obra nos rastros de uma herança, no âmbito de um legado, expondo a obra textual inclusive em suas defasagens. Finalmente, no terceiro núcleo, retomando algumas questões do primeiro núcleo, abordamos o trabalho prático com a apresentação cênica, o registro dos depoimentos do elenco, as anotações de alguns envolvidos - atores e músico - no processo e a gravação em DVD da apresentação de As Vespas.
Abstract: The reading of some of the texts of Ancient Comedy reveals a set of issues which are relevant to modern artistic procedures. By studying these theoretical and practical issues, we can identify various themes valuable in contemporary theatrical production which are located on the borderline between literary work and the creative processes of plays. The research was designed to investigate the operations of text/scene, both experimentally and theoretically, using a text from the Ancient Comedy as a pre-text: Wasps, by Aristophanes. The first nucleus presents the practical investigation, which studied the ideological and esthetic proceedings which orient what is done in the theater to account for contemporary sensitivity. In this nucleus, we examine the theoretical issues involving the constitution of the element of where in relation to approaches to space: the thematization of space and the esthetic/ideological elements of space which structure actions. In this nucleus we also investigate questions about actions and the configuration of the subject on stage and in the written text in relation to the element of who. Moreover, the relation between subject and memory for the characters is considered. The second nucleus investigates the context of the origin of comic drama in ancient Greece. In this nucleus, various aspects of rhetoric and world view revealed in the text are identified, so that the reading of the text becomes a part of our heritage from the past, a kind of legacy, which reveals the text to us even when its reading is displaced in time. Finally, in the third nucleus, we again take up some of the issues presented of the first nucleus and consider actual scenic performances, including the testimony of the cast and the notes of some of those involved in the process and the recording of a DVD of the production of Wasps.
Doutorado
Artes Cenicas
Doutor em Artes

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Féral, Cláudia Manoel Rached. "O Agon na poética aristofânica : diversidade da forma e do conteúdo /." Araraquara : [s.n.], 2009. http://hdl.handle.net/11449/102365.

Full text

Abstract:

Orientador: Maria Celeste Consolin Dezotti
Banca: Teresa Virgínia Ribeiro Barbosa
Banca: Adriane da Silva Duarte
Banca: Edvanda Bonavina da Rosa
Banca: Fernando Brandão dos Santos
Resumo: Esta pesquisa tem o objetivo de estudar, nas onze comédias supérstites de Aristófanes, a natureza do agon (ἀγών). O trabalho está composto de apresentação, introdução, cinco capítulos, conclusão, referências e anexo com tradução dos agones estudados. A introdução apresenta o tema, define o objeto e delimita o corpus, e por fim expõe a revisão crítica da bibliografia específica. O primeiro capítulo aborda algumas considerações preliminares sobre o percurso e a importância da palavra agon, da qual se derivou a expressão civilização agonística emblemática para a sociedade grega como uma cultura por essência competitiva. Do segundo ao quinto capítulo foram feitas análises de caráter estrutural e temático dos agones das comédia; em parelelo, fez-se um estudo do papel do herói cômico, de acordo com as seguintes classificações: i) bomolochos: bufão; ii) eiron: irônico, dissimulador; iii) alazon: fanfarrão; iv) poneros: espertalhão, matreiro; v) spoudaios: soberbo.
Résumé: L'objectif de ce travail est d'étudier la nature de l'agôn (ἀγών) dans les onzes comédies d'Aristophane qui nous sont parvenues. Le travail est organisé autour d'une introduction, cinq chapitres, conclusion, reférence et traductions des agôns. L'introduction nous présente le thème, définit l'objet, délimite le corpus et fait une révision critique de la bibliographie spécifique. Le premier chapitre traite du parcours et de l'importance du mot agon qui est à l'origine de l'expression civilisation agonistique, emblématique de la société grecque vue comme une culture qui est par essence, compétitive.Les agôns de chaque comédie sont ensuite analysés du deuxième au cinquième chapitre. Conjointement à ces analyses de caractère structurale et thématique, les rôles du héro comique sont aussi étudiées et sont classées en: i) bomolochos: bouffon; ii) eiron: dissimulateur; iii) alazon: fanfaron; iv) poneros: rusé; v) spoudaios: sérieux.
Doutor

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Almeida, Vanessa Silva. "Lamento e Luto na TraduÃÃo de Suplicantes de EurÃpides." Universidade Federal do CearÃ, 2017. http://www.teses.ufc.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=19836.

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Abstract:

FundaÃÃo Cearense de Apoio ao Desenvolvimento Cientifico e TecnolÃgico
Este trabalho tem o objetivo de analisar o luto e as lamentaÃÃes fÃnebres das personagens da tragÃdia Suplicantes, de EurÃpides, no contexto do teatro, da religiÃo e da polÃtica grega. Para isso, proponho a traduÃÃo da peÃa citada para o portuguÃs brasileiro, observando, por meio dela, o modo como os aspectos concernentes ao luto na GrÃcia antiga podem ser compreendidos por nÃs. A traduÃÃo proposta Ã feita a partir da ediÃÃo do texto grego estabelecido por Paley (2010), e apoiada em traduÃÃes existentes em lÃnguas modernas, como a portuguesa de JosÃ Ribeiro Ferreira (2012), a inglesa de David Kovacs (1998), a espanhola de JosÃ Luis Calvo MartÃnez (1995), entre outras. O primeiro capÃtulo apresenta algumas definiÃÃes gerais de teatro e discute o papel do tradutor de teatro em face dessas definiÃÃes; o segundo trata de modo mais especÃfico do teatro grego em si; o terceiro traz a traduÃÃo proposta com as notas e uma breve apresentaÃÃo de Suplicantes; e o quarto apresenta o estudo da peÃa-objeto no que tange Ãs aÃÃes dos personagens nas cenas que mostram as lamentaÃÃes, o luto e os ritos fÃnebres em suas implicaÃÃes teatrais, religiosas e polÃticas. Baseio-me, principalmente, em Loraux (1994), Alexiou (2002) e Storey (2008). Por fim, concluo com uma reflexÃo sobre o processo de traduÃÃo e sobre a contribuiÃÃo da traduÃÃo da peÃa-objeto para os Estudos ClÃssicos, bem como para os Estudos da TraduÃÃo no Brasil.
This work aims at analyzing the mourning and funeral lamentations of the characters in Euripidesâ Suppliants in the context of the Greek theater, religion and politics. For this, I propose the translation of the mentioned play into Brazilian Portuguese, observing throught it the way the aspects regarding to mourning in Ancient Greece can be comprehended by us. The proposed translation starts from the Greek text edition established by Paley (2010), and is supported by translations into modern languages, such as the Spanish one by JosÃ Luis Calvo MartÃnez (1995), the Brittish one by David Kovacs (1998), the Portuguese one by JosÃ Ribeiro Ferreira (2012), among others. The first chapter presents some general notions of Theater and discusses the theater translatorâs role in light of these definitions; the second one regards more specifically to the Greek Theater itself; the third one brings the proposed translation with the notes and a brief presentation of the Suppliants; the fourth one presents the study of the play regarding to the charactersâ actions in scenes of lamentations, mourning and funeral rituals in its theatrical, religious and political implications. In this chapter, I am mainly based on Lourax (1994), Alexiou (2002) and Storey (2008). Finally, I conclude with a reflection upon the translation process as well as the contribution of the translation of the play to the Classical and Translation Studies in Brazil.

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Almeida, Solange Maria Soares de. "Nuvens carregadas de ideias: o Engraçado e o Sério entre Estrepsíades e Sócrates na Comédia de Aristófanes." www.teses.ufc.br, 2012. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/11182.

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Abstract:

ALMEIDA, Solange Maria Soares de. Nuvens carregadas de ideias: o Engraçado e o Sério entre Estrepsíades e Sócrates na Comédia de Aristófanes. 2012. 108f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2012.
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It is analyzed at this dissertation, by comparative study of the play Clouds and of some Plato’s dialogues, what is funny and serious among Strepsiades and Socrates, both characters of the Aristophanes’ comedy. Based on the research and the subsequent study of the texts fragments from physicists or philosophers of nature, nowadays called the Presocratics, an attempt is done to explain some scientific theories used in the play. Different situations of confrontation among the two characters selected for this study are discussed with the support of theoretical texts. Another relevant aspect in this study is the search of correlations among comic Poetry and Philosophy, to do this some of the Platonic dialogues are used as source. Even though these texts occurred after the play, they help to compose the picture that the philosopher had of Aristophanes, for example, when he has chosen him as the only representative of Comedy in Symposium. As Socrates aristofânico is also an object of study, is necessary comparing him to the Platonic Socrates, not with the intent to point out who is the "true", but in helping to understand the first.
É analisado, nesta dissertação, através do estudo comparativo da peça As Nuvens e de alguns diálogos de Platão, o que há de engraçado e de sério entre Estrepsíades e Sócrates, ambos personagens da comédia de Aristófanes. Partindo da pesquisa e do posterior estudo de fragmentos de textos dos físicos ou filósofos da natureza, hoje chamados pré socráticos, é feita uma tentativa de esclarecer algumas teorias científicas usadas na peça. Diversas situações de confronto entre os dois personagens escolhidos para esse estudo são discutidas com o apoio dos textos teóricos. Outro ponto relevante nessa pesquisa é a busca de correlações entre Poesia cômica e Filosofia, para isso são usados como fonte alguns diálogos platônicos. Mesmo sabendo que esses textos são posteriores à peça, eles ajudam a compor a imagem que o filósofo tinha de Aristófanes, por exemplo, quando o elegeu como o único representante da Comédia n’O Banquete. Como o Sócrates aristofânico é também objeto de estudo, é necessário a comparação dele com o Sócrates platônico, não com a intenção de apontar qual é o “verdadeiro”, mas para ajudar a entender o primeiro.

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Moura, Filho Lauro Inácio de. "Transtextualidade e hermenêutica na comédia de Aristófanes: o poeta como mestre da cidade." www.teses.ufc.br, 2012. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/8098.

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Abstract:

MOURA FILHO, Lauro Inácio de. Transtextualidade e hermenêutica na comédia de Aristófanes: o poeta como mestre da cidade. 2012. 166f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2012.
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Aristófanes é o principal representante da comédia grega antiga. Algumas de suas obras foram as únicas a sobreviver até os nossos dias com textos integrais. Suas peças, seguindo a tradição oral do poeta sábio desde Homero, demonstram possuir uma ampla cultura a respeito de várias esferas do mundo de então: política, música, história, literatura etc. No entanto, de todo esse conhecimento presente na comédia de Aristófanes, a cultura literária se destaca de uma forma especial. Vários poetas são aludidos, citados, parodiados etc. no texto de Aristófanes. Dentre eles, porém, Eurípides ocupa um lugar de destaque. Esse tragediógrafo é eleito pelo poeta cômico como “saco de pancadas” literário. Todo esse conhecimento revelado na comédia aristofânica, especialmente o literário, pode simplificar ou dificultar o entendimento do leitor ulterior. Diante disso, apresentamos dois aportes teóricos que ajudarão o leitor hodierno a entender com menos dificuldade o teatro de Aristófanes. O primeiro deles é a proposta exegética de Schleiermacher, presente em sua "Hermenêutica: arte e técnica da interpretação". A hermenêutica schleiermacheriana servirá de princípio norteador para a compreensão da comédia aristofânica de modo geral. O segundo é a proposta da transtextualidade de Gérard Genette, tratada no livro "Palimpsestos: a literatura de segunda mão". A transtextualidade de Genette servirá de fundamento para o entendimento, especificamente, da cultura literária que encontramos na obra de Aristófanes. Essas duas propostas teóricas têm se revelado como importantes ferramentas de interpretação para a comédia de Aristófanes. Sem elas, o leitor ulterior encontrará dificuldades para entender, de forma satisfatória, o sentido textual proposto por aquele comediógrafo.

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Pereira, André Luiz Gardesani [UNESP]. "Confluências entre mito, literatura e direito em Édipo Rei, de Sófocles." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2015. http://hdl.handle.net/11449/138405.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-05-17T16:51:09Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-05-29. Added 1 bitstream(s) on 2016-05-17T16:54:43Z : No. of bitstreams: 1 000863936.pdf: 1190724 bytes, checksum: 65bada9ba0c7ffbec9009f03e0feec03 (MD5)
Este estudo aborda a intersecção entre mito, literatura e direito em Édipo rei, de Sófocles, e tem como objetivo identificar os fatores de conexão entre essas áreas do saber na tragédia grega, propondo reflexões em torno dessas disciplinas. Objetiva, ainda, demonstrar como a interpretação literária pode ser útil para identificar a temática jurídica em narrativas literárias, bem como realçar a função sociológica e psicológica do mito, aproximando-o das finalidades do direito, notadamente como modelo de conduta humana e forma de controle social. Adota como ponto de partida as contribuições fornecidas pela teoria dos sistemas autopoiéticos de Niklas Luhmann, da qual se originam os fundamentos basilares para justificar a comunicação entre diferentes nichos do saber e dos teóricos do Law and Literature Movement. A literatura comparada sob a vertente do dialogismo bakhtiniano também reforça a noção de comunicação entre discursos de naturezas diversas (antropológico, literário e jurídico). Os estudos de Frye, Mielietinski e Durand explicam a dupla relação que se estabelece entre o mito e a literatura e pensadores modernos como Nietszche e Lévi-Strauss contribuem para demonstrar que os mitos continuam a ser valorizados e sobrevivem nos dias atuais. O denominado ―prolegômeno de Campbell‖, sobretudo sob a perspectiva da função sociológica e psicológica da narrativa mítica, e a tese de Eliade que encerra a ideia do caráter ritualístico do mito e a sua correspondência a um conjunto de códigos exemplares de conduta estreitam ainda mais as relações do mito com o direito. Na sequência, partindo das considerações teóricas, a pesquisa centra-se na questão da analogia entre o saber de Édipo, consubstanciado na solução do enigma da esfinge e na cura de Tebas, com os problemas da hermenêutica jurídica. Dessa forma, o trabalho se propõe a obter a ampliação e fusão dos horizontes de cada uma das...
This study focuses on the intersection between myth, literature and law in Oedipus the King, by Sophocles, and aims to identify the connections between these areas of knowledge in Greek tragedy. It also aims to demonstrate how literary interpretation can be useful to identify the legal issues in literary narratives, as well as enhance the psychological and sociological functions of the myth, approaching it from the law purposes, notably as model of human behavior and form of social control. It adopts as a starting point for the input provided by the autopoietic systems theory by Niklas Luhmann, from which originate the basic foundations to justify the communication between different niches of knowledge and theorists of the Law and Literature Movement. Comparative literature under Bakhtin's dialogism also reinforces the notion of communication between speeches of various kinds (anthropological, literary and legal). Studies of Frye, Mielietinski and Durand explain the dual relationship established between myth and literature, and modern thinkers such as Nietzsche and Lévi-Strauss show that the myths will continue to be valued and survive. The so-called Campbell prolegomenon, especially from the perspective of sociological and psychological function of mythic narrative and Eliade's arguments that conveys the idea of ritualistic character of myth and its correspondence to a set of exemplary codes of conduct, even more the relation myth and Law. In sequence, starting from theoretical considerations, the research focuses on the issue of analogy between the wisdom of Oedipus, embodied in the solution of the riddle of the Sphinx and in the healing of Thebes, with legal interpretation issues. Thus, the thesis aims to achieve the expansion and fusion of horizons of each of one of the areas of knowledge involved, especially from the point of view of identification and understanding of the law and its resonance in Greek tragedy, and the ...

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Silva, Rosely de Fatima. "Do ato heroico à construção da noção de responsabilidade do agente moral, paralelos entre a Ética Nicomaqueia e a Poética de Aristóteles." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8133/tde-15042014-095541/.

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Abstract:

O objetivo deste trabalho é investigar a teoria da ação humana presente na Ética Nicomaqueia de Aristóteles e, em particular, os elementos que constituem os critérios para a determinação da noção de responsabilidade do agente moral e identificar se tais critérios se encontram presentes na teoria sobre a imitação da ação humana na tragédia grega, apresentada na Poética. Para ilustrar essa possível relação, utilizar-se-á o mito de Édipo, paradigma da discussão sobre a virtude na ação heroica, presente na tragédia de Sófocles, Édipo-Rei.
The aim of this master degree dissertation is to investigate the theory of human action available in Aristotles Nicomachean Ethics. The aim is particularly to investigate the elements that constitute the criteria to determining the notion of responsibility of the agent and to identify if these criteria can be found in the theory about the imitation of human action in Greek tragedy available in Aristotles Poetics. In order to ilustrate this possible relation, it will be used Oedipus myth, as a paradigm of the discussion about virtue in heroic action, available in Sophocles tragedy, Oedipus-Rex.

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Silva, Francisca Luciana Sousa da. "De exílio em exílio: um diálogo entre Eurípides e Clara de Góes na peça Medea en Promenade." reponame:Repositório Institucional da UFC, 2015. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/18955.

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Abstract:

SILVA, Francisca Luciana Sousa da. De exílio em exílio: um diálogo entre Eurípides e Clara de Góes na peça Medea en Promenade. 2015. 166f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2015.
Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2016-08-05T16:39:01Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_flssilva.pdf: 3767809 bytes, checksum: 6ba722a9950245ad0a7f31c2684e2366 (MD5)
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This dissertation analyzes the unpublished text by Clara de Góes, Medea en Promenade (2012), based on the homonymous tragedy of Euripides' Medea (431 BC). The target text narrates the meeting of Glauce, (the young one), Medea (the woman) and the love of Medea (the old one), three women "in a sort of desert outside of time and space" according to the words of the author. Punctuating the speech of these women, the voice of Corifeu is perceived, often in the dark. Thus, we propose a critical reflection, turning our gaze to the protagonists of this poetic work, whose speeches are characterized by the following questions: "What is my place in exile? Do I belong to the exile ? "Such questions reinforce a longstanding demand of women, not only in Athens, but in many other places, especially the foreign ones. In order to understand these banks and the reason why there are so many crossings, many of them forced, we choose exile as a theme, considering it a object of interest not only of the Classics, but also of the cultural studies, for example. Our aim is to show, comparatively, how the so called "dialogue" between Euripides and Clara Garcia is constructed, trying also to discover another reading for the Medea myth, parallel or beyond the metaphor itself, concerning especially the heroin journeys. As pointed out by Jan Felix Gaertner, one of the authors that support our research, exile "has been one of the most productive literary themes in the literature of the twentieth century" (2007, p. 1) and has become a central theme in postcolonial literature or in association with another themes related to distance, separation, displacement, detachment and diaspora. Our hypothesis is to recognize the exile as a device, as Agamben would define (2009) – a key technical term in Foucault's thinking strategy, - not only a political device but also an existential one. All of this analysis, according to Medea, of Euripides, who immortalized her as an infanticide, but not without questioning her status as a foreign woman. In order to study this condition, we support ourselves especially in the works of Pierre Vidal - Naquet (1999) and Vernant (2009), Queiroz (1998) and Jasinski (2012). The following studies don’t seem to contradict our hypothesis, given their hybridization aspect: Sara Forsdyke (2005) and Gayatri C. Spivak (2014). The theoretical syllabus about the theater - from Greek tragedy to the contemporary scene – is based on the following works: Albin Lesky, Jacqueline Rommily, Marie - Claude Hubert and Patrice Pavis (2011).
A presente dissertação analisa o texto de Clara de Góes, Medea en Promenade (2012), a partir da tragédia homônima de Eurípedes, Medeia, (431 a.C.). O texto de chegada narra o encontro de Glauce, (Jovem), Medeia (Mulher) e a ama de Medeia (Velha), três mulheres “em uma espécie de deserto fora do tempo e do espaço”, nas palavras da autora. Pontuando a fala dessas mulheres, ouvimos a voz do Corifeu, quase sempre à penumbra. Propomos, assim, uma reflexão crítica, voltando nosso olhar para as protagonistas dessas poéticas, cujas falas são marcadas por questionamentos: “Qual meu lugar no exílio? Seria o exílio meu lugar?” Tais perguntas reforçam uma antiga reivindicação das mulheres, não só de Atenas, mas de muitos outros lugares, especialmente as estrangeiras. Foi buscando entender essas margens e o porquê de tantas travessias, muitas delas forçadas, que elegemos o tema do exílio, haja vista constituir objeto de interesse não só dos Estudos Clássicos, mas também dos Estudos Culturais, por exemplo. Nosso intuito é mostrar como ocorre o que ora chamamos “diálogo” entre Eurípides e Clara de Góes, numa perspectiva comparada, buscando imprimir outra leitura para o mito de Medeia, paralela ou além da metáfora, especialmente voltada para os constantes deslocamentos da heroína. Como salienta Jan Felix Gaertner, um dos autores que fundamentam nossa pesquisa, o exílio “tem sido um dos temas literários mais produtivos em literatura do século XX” (2007, p. 1) e tornou-se um tema central na literatura pós-colonial em associação a temas relacionados a distância, separação, deslocamento, desprendimento e diáspora. Nossa hipótese é reconhecer ou ler o exílio como dispositivo, conforme Agamben (2009) – termo técnico decisivo na estratégia do pensamento de Foucault, do qual foi tomado de “empréstimo” – não só político, mas também existencial, a partir da Medeia, de Eurípides, que a imortalizou como infanticida, não sem antes problematizar seu status de mulher estrangeira. A respeito dessa condição, apoiamo-nos, especialmente, em Pierre Vidal-Naquet (1999) e Vernant (2009), Queiroz (1998) e Jasinski (2012). A fim de confirmar, em parte, nossa hipótese, dado o hibridismo da análise, apoiamo-nos em Sara Forsdyke (2005) e Gayatri C. Spivak (2014). Como aporte teórico do teatro – da tragédia grega à cena contemporânea –, Albin Lesky (2010), Jacqueline de Romilly (2013), Marie-Claude Hubert (2013) e Patrice Pavis (2011).

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Roense, i. Simó Anna. "Ésser i tragèdia. Llegir les "Eumènides"." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2011. http://hdl.handle.net/10803/38357.

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Abstract:

Aquest treball s’insereix en una línia d’investigació en què la reflexió sorgeix de la confrontació amb el text, per aquesta raó els problemes de comprensió que han sorgit en el moment de posar-nos a llegir la tragèdia de les Eumènides han estat els que ens han permès una nova aproximació al que podria significar que quelcom fos tràgic, i per tant, a allò que podria ser una tragèdia. El treball d’exegesi del text grec, així com les dificultats de la seva traducció han posat de manifest la distància que separa Grècia de la Modernitat, en la mesura que el text només s’ha obert a la comprensió quan hem estat capaços de deixar endarrere els supòsits que ens conformen en tant que moderns i hem intentat una interpretació que busqués la coherència interna del text més enllà de preconcepcions tradicionals. D’aquesta manera hem intentat donar cobertura a diferents escenes de les Eumènides i assajar algun tipus de solució als diversos problemes que ens havien impulsat a fer d’aquest treball la lectura d’una tragèdia, entre ells la importància de la figura de Dionís com a déu de la tragèdia, la irrenunciabilitat a l’oposició entre el cor i els personatges, la possibilitat de la tragèdia com a festa en què la pólis es detenia per anar al teatre o la relació d’aquesta amb la mort. En el curs de la investigació la tragèdia s’ha revelat com a obra radicalment grega, i per tant, com l’expressió del que nosaltres des de la nostra posició moderna no podem deixar de percebre com la seva estructura. En aquest moment es feia rellevant Grècia com allò altre, i per tant, com el més necessari per entendre qui érem nosaltres.
This work fits with research in that reflection arises from the confrontation with the text, which is why understanding the problems that have arisen in the moment we read the tragedy of the Eumenides have been those that have allowed us a new approach to what it might mean something to be tragic, and therefore what could be a tragedy. The work of exegesis of the Greek text and translation difficulties have highlighted the gap between Modernity and Greece, because the text has only been open to understanding when we were able to leave behind the assumptions that shape us as a moderns and tried an interpretation to look for internal coherence of the text beyond traditional preconceptions. In this way we tried to cover different scenes in the Eumenides and try some kind of solution to various problems that had driven to make this work the reading of a tragedy, including the importance of the figure of Dionysus as the god of tragedy, the indispensability of opposition between the chorus and the characters, the possibility of tragedy as the polis party that stops the activity for going to the theatre and its relationship with death. The course of the investigation has revealed tragedy as a work radically Greek and therefore, as an expression of what, our modern position cannot fail to perceive as its structure. At this time, Greece became relevant as the other, and therefore, as the most necessary to understand who we were.

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REIS, Ronney Alano Pinto dos. "O lugar do poeta Eurípides na primeira estética de Nietzsche: tensões e ambiguidades na recepção da Tragédia grega." Universidade Federal do Pará, 2017. http://repositorio.ufpa.br/jspui/handle/2011/9538.

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Abstract:

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Em seu primeiro livro, Nietzsche ensejou tocar nos temas mais candentes de seu tempo, entre os quais se encontra o problema da ciência como modelo de apreciação da vida, cujo reflexo mais significativo se expressa na figura do homem teórico – fruto do racionalismo oriundo da metafísica socrático-platônica. Embalado por suas esperanças de renovação das artes germânicas, o filósofo procurou na Grécia uma espécie de contramodelo. Tal empreendimento exigiu todo um estudo a respeito da origem e declínio da arte trágica, no qual Eurípides ocupa um papel de destaque. Assim, buscamos refazer este percurso em torno do “Nascimento da Tragédia” de modo a pensar o poeta, para além do lugar comum (quase sempre ligado a uma cerrada crítica), também como uma possível e importante referência para aquele momento, pondo em evidência as tensões e ambiguidades acerca da interpretação nietzschiana da tragédia. Neste sentido, nossa pesquisa apresenta os deslocamentos teóricos operados pela filosofia trágica do jovem Nietzsche, de maneira a apontar para as bases com que ele lança sua própria proposta estética fundada na metafísica de artista. Na sequência, defendemos que Eurípides ocupa um lugar dentro do projeto nietzschiano de um antiplatonismo. Por fim, analisamos as máscaras ou facetas do tragediógrafo com e para além da crítica de Nietzsche.
In his first book, Nietzsche attempted to touch on the most burning themes of his time, among which there is the problem of science as a model of appreciation of life, whose most significant reflection is expressed by the figure of the theoretical man - the fruit of rationalism from the Socratic-Platonic metaphysics. Balanced by his hopes for the renewal of the Germanic arts, the philosopher sought in Greece a kind of counter-model. This undertaking required a study of the origin and decline of the tragic art in which Euripides occupies a prominent role. Thus, we seek to retake this path around the “Birth of the Tragedy” in order to think the poet, beyond the common place (almost always linked to a closed critic), also as a possible and important reference for that moment, putting in evidence the tensions and ambiguities surrounding Nietzsche interpretation for tragedy. In this sense, our research intends to present the theoretical displacements operated by the tragic philosophy of the young Nietzsche, in order to point to the bases with which he launches his own aesthetic proposal based on the metaphysics of an artist. In the sequence, we argue that Euripides occupies a place within Nietzsche’s project of an anti-Platonism. Finally, we analyze the masks or facets of the tragedy with and beyond Nietzsche's critique.

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Troiani, Sara. "Tra testo e messinscena: Ettore Romagnoli e il teatro greco." Doctoral thesis, Università degli studi di Trento, 2020. http://hdl.handle.net/11572/265461.

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Abstract:

The thesis aims to analyse the reception of the ancient Greek drama by the Italian scholar Ettore Romagnoli (1871-1938), considering his critical essays, translations, and theatre performances. The mutual interaction of these three aspects represents the methodological approach to understand how Romagnoli conceived the interpretation of Greek theatre and its dramatic production in the modern age. The thesis consists of three parts. The first one analyses Romagnoli’s ideas on classical studies and the modern translations of ancient Greek poetry within the Italian culture in the early 20th Century and in opposition to the positivist approach in the classical philology and the Neo Idealistic Aesthetics. Furthermore, an exam of the entire work of Romagnoli as stage director is offered, along with the reconstruction of a mainly unknow controversy after his dismissal from the National Institute of Ancient Drama. The second part analyses Romagnoli’s academic studies on the hypothetical performance of ancient tragedy and comedy and the evolution of Greek poetry from music. It also identifies the possible influence of these theories within his own translations and performances. The last part deals with two examples of translations for the stage: the "Agamemnon" (1914) and the "Bacchae" (1922). On the basis of theatre translation studies and thanks to Romagnoli’s editions of the two works, both placed at his archive and library in Rovereto and rich of notes by the translator himself, the analysis attempts to examine the hypothetical performability and speakability of the two texts and whether cuts or modifications were introduced during the stage productions.
La ricerca si propone di condurre un esame il più possibile esaustivo dell’opera del grecista Ettore Romagnoli (1871-1938) come esegeta, traduttore e metteur en scène del dramma antico. Grazie all’analisi della reciproca interazione di questi tre aspetti si è tentato di comprendere come il grecista abbia concepito l’interpretazione del teatro greco e ne abbia progettato la ‘reinvenzione’ drammatica. Il lavoro si suddivide in tre parti. Nella prima viene condotta una ricostruzione della carriera di Romagnoli nel contesto storico-culturale di inizio Novecento, analizzando le sue idee sul rinnovamento degli studi classici e sull’aggiornamento delle traduzioni della poesia greca. In questo quadro assumono notevole rilievo le polemiche condotte da Romagnoli in opposizione alle maggiori correnti accademico-culturali dell’epoca: l’estetica crociana e la filologia scientifica. Inoltre, l’analisi prende in esame l’idea di messinscena e le produzioni dirette da Romagnoli a partire dagli spettacoli universitari (1911-1913) fino alle rappresentazioni teatrali svolte a Siracusa e in altri teatri e siti archeologici d’Italia (1914-1937), insieme alla ricostruzione di una terza polemica, definita ‘siracusana’, che coinvolse il grecista in seguito alla sua estromissione dall’Istituto Nazionale del Dramma Antico. La seconda parte prende in considerazione gli studi scientifici e divulgativi di Romagnoli circa la ricostruzione dell’ipotetica performace della tragedia e della commedia di quinto secolo a.C. e l’evoluzione della poesia greca dalla musica, individuando, inoltre, le possibili rielaborazioni di queste teorie all’interno delle traduzioni e degli spettacoli teatrali. Nella terza parte si analizzano le traduzioni di "Agamennone" e "Baccanti" che Romagnoli portò in scena a Siracusa. Si è tentato di valutare, anche sulla base degli studi teorici relativi alla traduzione per il teatro, quanto l’attenzione alla ‘performabilità’ e alla ‘dicibilità’ del testo ne avesse influenzato la composizione oppure se fossero stati introdotti tagli e modifiche in fase di produzione degli spettacoli. Le due edizioni di "Agamennone" (1914) e "Baccanti" (1922) che facevano parte della biblioteca privata di Romagnoli presentano infatti annotazioni dell’autore riconducibili proprio ai suoi allestimenti per gli spettacoli al Teatro greco di Siracusa. Il lavoro ha potuto avvalersi di scritti inediti, articoli di giornale e documenti privati custoditi negli Archivi della Fondazione INDA e presso il Fondo Romagnoli, dal 2016 proprietà dell’Accademia Roveretana degli Agiati e attualmente in catalogazione presso la Biblioteca civica “G. Tartarotti” di Rovereto.

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Troiani, Sara. "Tra testo e messinscena: Ettore Romagnoli e il teatro greco." Doctoral thesis, Università degli studi di Trento, 2020. http://hdl.handle.net/11572/265461.

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Abstract:

The thesis aims to analyse the reception of the ancient Greek drama by the Italian scholar Ettore Romagnoli (1871-1938), considering his critical essays, translations, and theatre performances. The mutual interaction of these three aspects represents the methodological approach to understand how Romagnoli conceived the interpretation of Greek theatre and its dramatic production in the modern age. The thesis consists of three parts. The first one analyses Romagnoli’s ideas on classical studies and the modern translations of ancient Greek poetry within the Italian culture in the early 20th Century and in opposition to the positivist approach in the classical philology and the Neo Idealistic Aesthetics. Furthermore, an exam of the entire work of Romagnoli as stage director is offered, along with the reconstruction of a mainly unknow controversy after his dismissal from the National Institute of Ancient Drama. The second part analyses Romagnoli’s academic studies on the hypothetical performance of ancient tragedy and comedy and the evolution of Greek poetry from music. It also identifies the possible influence of these theories within his own translations and performances. The last part deals with two examples of translations for the stage: the "Agamemnon" (1914) and the "Bacchae" (1922). On the basis of theatre translation studies and thanks to Romagnoli’s editions of the two works, both placed at his archive and library in Rovereto and rich of notes by the translator himself, the analysis attempts to examine the hypothetical performability and speakability of the two texts and whether cuts or modifications were introduced during the stage productions.
La ricerca si propone di condurre un esame il più possibile esaustivo dell’opera del grecista Ettore Romagnoli (1871-1938) come esegeta, traduttore e metteur en scène del dramma antico. Grazie all’analisi della reciproca interazione di questi tre aspetti si è tentato di comprendere come il grecista abbia concepito l’interpretazione del teatro greco e ne abbia progettato la ‘reinvenzione’ drammatica. Il lavoro si suddivide in tre parti. Nella prima viene condotta una ricostruzione della carriera di Romagnoli nel contesto storico-culturale di inizio Novecento, analizzando le sue idee sul rinnovamento degli studi classici e sull’aggiornamento delle traduzioni della poesia greca. In questo quadro assumono notevole rilievo le polemiche condotte da Romagnoli in opposizione alle maggiori correnti accademico-culturali dell’epoca: l’estetica crociana e la filologia scientifica. Inoltre, l’analisi prende in esame l’idea di messinscena e le produzioni dirette da Romagnoli a partire dagli spettacoli universitari (1911-1913) fino alle rappresentazioni teatrali svolte a Siracusa e in altri teatri e siti archeologici d’Italia (1914-1937), insieme alla ricostruzione di una terza polemica, definita ‘siracusana’, che coinvolse il grecista in seguito alla sua estromissione dall’Istituto Nazionale del Dramma Antico. La seconda parte prende in considerazione gli studi scientifici e divulgativi di Romagnoli circa la ricostruzione dell’ipotetica performace della tragedia e della commedia di quinto secolo a.C. e l’evoluzione della poesia greca dalla musica, individuando, inoltre, le possibili rielaborazioni di queste teorie all’interno delle traduzioni e degli spettacoli teatrali. Nella terza parte si analizzano le traduzioni di "Agamennone" e "Baccanti" che Romagnoli portò in scena a Siracusa. Si è tentato di valutare, anche sulla base degli studi teorici relativi alla traduzione per il teatro, quanto l’attenzione alla ‘performabilità’ e alla ‘dicibilità’ del testo ne avesse influenzato la composizione oppure se fossero stati introdotti tagli e modifiche in fase di produzione degli spettacoli. Le due edizioni di "Agamennone" (1914) e "Baccanti" (1922) che facevano parte della biblioteca privata di Romagnoli presentano infatti annotazioni dell’autore riconducibili proprio ai suoi allestimenti per gli spettacoli al Teatro greco di Siracusa. Il lavoro ha potuto avvalersi di scritti inediti, articoli di giornale e documenti privati custoditi negli Archivi della Fondazione INDA e presso il Fondo Romagnoli, dal 2016 proprietà dell’Accademia Roveretana degli Agiati e attualmente in catalogazione presso la Biblioteca civica “G. Tartarotti” di Rovereto.

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Araujo, Danielle Motta. "LisÃstrata: estudo e adaptatraduÃÃo para o teatro de bonecos." Universidade Federal do CearÃ, 2017. http://www.teses.ufc.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=20178.

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Abstract:

nÃo hÃ
O trabalho tem como objetivos primordiais a divulgaÃÃo da comÃdia grega de AristÃfanes atravÃs de uma adaptaÃÃo/traduÃÃo da peÃa LisÃstrata (411 a.C.) para o gÃnero Teatro de Bonecos, com o intuito de tornar a obra acessÃvel a outro pÃblico, nÃo somente ao erudito; a valorizaÃÃo dos falares nordestinos, principalmente os de Fortaleza, com a utilizaÃÃo de inÃmeras marcas da oralidade no roteiro da peÃa; e a divulgaÃÃo do Grupo Paideia. Trata tambÃm, no capÃtulo dois, sobre alguns conceitos de traduÃÃo e de adaptaÃÃo, para que se chegue a um conceito hÃbrido entre esses dois tipos, o qual Ã o utilizado pela autora e que recebe o nome de adaptatraduÃÃo. Em seguida, expÃe comentÃrios acerca de outras traduÃÃes e adaptaÃÃes da obra em questÃo. O terceiro capÃtulo Ã dedicado ao estudo comparativo entre o elemento mÃscara e os bonecos de animaÃÃo, no que diz respeito Ã funÃÃo cÃnica e Ã reaÃÃo da plateia, e trata da histÃria do Teatro de bonecos no mundo. Apresenta tambÃm o processo de confecÃÃo dos bonecos, montagem e encenaÃÃo de outras peÃas do grupo. Outro capÃtulo traz um resumo comentado da comÃdia LisÃstrata, o contexto histÃrico em que a obra estÃ inserida e a importÃncia da retomada desta peÃa pelo Grupo Paideia nos tempos atuais. Ao final, descreve-se o processo desta adaptatraduÃÃo da peÃa para o gÃnero teatro de bonecos no linguajar fortalezense e, em seguida, expÃe o texto adaptatraduzido. Os resultados finais desta experiÃncia estarÃo expostos na conclusÃo, em que se confirmarÃ a popularizaÃÃo da peÃa clÃssica, mesmo sendo encenada no gÃnero Teatro de Bonecos e em outro contexto cultural.
O trabalho tem como objetivos primordiais a divulgaÃÃo da comÃdia grega de AristÃfanes atravÃs de uma adaptaÃÃo/traduÃÃo da peÃa LisÃstrata (411 a.C.) para o gÃnero Teatro de Bonecos, com o intuito de tornar a obra acessÃvel a outro pÃblico, nÃo somente ao erudito; a valorizaÃÃo dos falares nordestinos, principalmente os de Fortaleza, com a utilizaÃÃo de inÃmeras marcas da oralidade no roteiro da peÃa; e a divulgaÃÃo do Grupo Paideia. Trata tambÃm, no capÃtulo dois, sobre alguns conceitos de traduÃÃo e de adaptaÃÃo, para que se chegue a um conceito hÃbrido entre esses dois tipos, o qual Ã o utilizado pela autora e que recebe o nome de adaptatraduÃÃo. Em seguida, expÃe comentÃrios acerca de outras traduÃÃes e adaptaÃÃes da obra em questÃo. O terceiro capÃtulo Ã dedicado ao estudo comparativo entre o elemento mÃscara e os bonecos de animaÃÃo, no que diz respeito Ã funÃÃo cÃnica e Ã reaÃÃo da plateia, e trata da histÃria do Teatro de bonecos no mundo. Apresenta tambÃm o processo de confecÃÃo dos bonecos, montagem e encenaÃÃo de outras peÃas do grupo. Outro capÃtulo traz um resumo comentado da comÃdia LisÃstrata, o contexto histÃrico em que a obra estÃ inserida e a importÃncia da retomada desta peÃa pelo Grupo Paideia nos tempos atuais. Ao final, descreve-se o processo desta adaptatraduÃÃo da peÃa para o gÃnero teatro de bonecos no linguajar fortalezense e, em seguida, expÃe o texto adaptatraduzido. Os resultados finais desta experiÃncia estarÃo expostos na conclusÃo, em que se confirmarÃ a popularizaÃÃo da peÃa clÃssica, mesmo sendo encenada no gÃnero Teatro de Bonecos e em outro contexto cultural.
The main objectives of the dissertation are: the dissemination of Aristophanes Greek comedy through an adaptation / translation of the play Lysistrata (411 BC) for the genre Puppets Theater, with the intention of making accessible to another audience, not only to the erudite; the valorization of the regional speeches, especially those of Fortaleza, with the use of innumerable marks of oral communication in the script; and the promotion of the Paideia Group. In chapter two, it treats some concepts of translation and adaptation, so that a hybrid concept between the two types, which is used by the author and which is called adaptatranslation. Comments about other translations and adaptations of the play in question. The third chapter is devoted to the comparative study between the mask and the puppets, involving the scenic function and reaction of the audience, and comments the history of the Puppet Theater in the world. It also presents the process of confection of the puppets, setting and play-acting of other plays of the Paideia Group. Another chapter brings an annotated summary of the comedy Lysistrata, the historical context in which the play is inserted and the importance of the revival of this play by the Paideia Group currently. In the end, describes the process of adaptatranslation of the play for the Puppet genre in the regional parlance, and then exposing the adaptatranslated text. The results of this experiment will exposed in the conclusion, which will confirm the popularization of the classic play, even being play-acting in the genre Puppets Theater and in another cultural context.
The main objectives of the dissertation are: the dissemination of Aristophanes Greek comedy through an adaptation / translation of the play Lysistrata (411 BC) for the genre Puppets Theater, with the intention of making accessible to another audience, not only to the erudite; the valorization of the regional speeches, especially those of Fortaleza, with the use of innumerable marks of oral communication in the script; and the promotion of the Paideia Group. In chapter two, it treats some concepts of translation and adaptation, so that a hybrid concept between the two types, which is used by the author and which is called adaptatranslation. Comments about other translations and adaptations of the play in question. The third chapter is devoted to the comparative study between the mask and the puppets, involving the scenic function and reaction of the audience, and comments the history of the Puppet Theater in the world. It also presents the process of confection of the puppets, setting and play-acting of other plays of the Paideia Group. Another chapter brings an annotated summary of the comedy Lysistrata, the historical context in which the play is inserted and the importance of the revival of this play by the Paideia Group currently. In the end, describes the process of adaptatranslation of the play for the Puppet genre in the regional parlance, and then exposing the adaptatranslated text. The results of this experiment will exposed in the conclusion, which will confirm the popularization of the classic play, even being play-acting in the genre Puppets Theater and in another cultural context.

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Araujo, Danielle Motta. "Lisístrata: estudo e adaptatradução para o teatro de bonecos." reponame:Repositório Institucional da UFC, 2017. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/27560.

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Abstract:

ARAUJO: Danielle Motta. Lisístrata: estudo e adaptatradução para o teatro de bonecos. 2017. 100f. - Dissertação (Mestrado) - Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-Graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2017.
Submitted by Programa de Pós-Graduação em Letras (ppgletrasufc@gmail.com) on 2017-11-20T12:48:52Z No. of bitstreams: 1 2017_dis_dmaraujo.pdf.pdf: 1554704 bytes, checksum: 3f76bea51226375f429622c71f4c96ec (MD5)
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Made available in DSpace on 2017-11-20T18:21:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_dis_dmaraujo.pdf.pdf: 1554704 bytes, checksum: 3f76bea51226375f429622c71f4c96ec (MD5) Previous issue date: 2017
The main objectives of the dissertation are: the dissemination of Aristophanes Greek comedy through an adaptation / translation of the play Lysistrata (411 BC) for the genre Puppets Theater, with the intention of making accessible to another audience, not only to the erudite; the valorization of the regional speeches, especially those of Fortaleza, with the use of innumerable marks of oral communication in the script; and the promotion of the Paideia Group. In chapter two, it treats some concepts of translation and adaptation, so that a hybrid concept between the two types, which is used by the author and which is called adaptatranslation. Comments about other translations and adaptations of the play in question. The third chapter is devoted to the comparative study between the mask and the puppets, involving the scenic function and reaction of the audience, and comments the history of the Puppet Theater in the world. It also presents the process of confection of the puppets, setting and play-acting of other plays of the Paideia Group. Another chapter brings an annotated summary of the comedy Lysistrata, the historical context in which the play is inserted and the importance of the revival of this play by the Paideia Group currently. In the end, describes the process of adaptatranslation of the play for the Puppet genre in the regional parlance, and then exposing the adaptatranslated text. The results of this experiment will exposed in the conclusion, which will confirm the popularization of the classic play, even being play-acting in the genre Puppets Theater and in another cultural context.
O trabalho tem como objetivos primordiais a divulgação da comédia grega de Aristófanes através de uma adaptação/tradução da peça Lisístrata (411 a.C.) para o gênero Teatro de Bonecos, com o intuito de tornar a obra acessível a outro público, não somente ao erudito; a valorização dos falares nordestinos, principalmente os de Fortaleza, com a utilização de inúmeras marcas da oralidade no roteiro da peça; e a divulgação do Grupo Paideia. Trata também, no capítulo dois, sobre alguns conceitos de tradução e de adaptação, para que se chegue a um conceito híbrido entre esses dois tipos, o qual é o utilizado pela autora e que recebe o nome de adaptatradução. Em seguida, expõe comentários acerca de outras traduções e adaptações da obra em questão. O terceiro capítulo é dedicado ao estudo comparativo entre o elemento máscara e os bonecos de animação, no que diz respeito à função cênica e à reação da plateia, e trata da história do Teatro de bonecos no mundo. Apresenta também o processo de confecção dos bonecos, montagem e encenação de outras peças do grupo. Outro capítulo traz um resumo comentado da comédia Lisístrata, o contexto histórico em que a obra está inserida e a importância da retomada desta peça pelo Grupo Paideia nos tempos atuais. Ao final, descreve-se o processo desta adaptatradução da peça para o gênero teatro de bonecos no linguajar fortalezense e, em seguida, expõe o texto adaptatraduzido. Os resultados finais desta experiência estarão expostos na conclusão, em que se confirmará a popularização da peça clássica, mesmo sendo encenada no gênero Teatro de Bonecos e em outro contexto cultural.

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Napoli, Luca <1993&gt. "Lo scambio di popolazione (1922-1923) nel teatro contemporaneo turco e greco." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2018. http://hdl.handle.net/10579/12433.

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Abstract:

A partire da una panoramica delle dinamiche storico-politiche che hanno condotto allo scambio di popolazione greco-turca del 1923 e procedendo con un focus sul processo di trasmissione della memoria, questo lavoro si propone di analizzare la descrizione dell'evento in alcuni testi del teatro contemporaneo di Turchia e Grecia.

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Meneghatti, Douglas. "Construção e superação das imagens de Sócrates em Nietzsche." Universidade Estadual do Oeste do Parana, 2014. http://tede.unioeste.br:8080/tede/handle/tede/2058.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:26:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Douglas Meneghatti.pdf: 1037414 bytes, checksum: 6c34aede2731797a640b2396e89f86f6 (MD5) Previous issue date: 2014-06-27
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Nietzsche and Socrates are considered watershed thinkers and carried opposite ideas of allegedly secure and gloomy times, they both knew how to detect the gaps, or better, the historical and cultural illness that they belonged to, and which they lived, grew up and made of their lives a continuous exercise of philosophizing. This proximity of both philosophers is torn for antagonistic project that reveals, at once, the hardest opposition and the most nearness between both thinkers. The so acute and staunch criticism that are drawn by Nietzsche against Socrates in works such as The birth or tragedy and Twilight of the idols, in which appears malign expressions as devil , dying and illness ; are eased by intermediate paintings that make a friendly scenery, in which rises the shining figure of Socrates that comes as free Spirit , "big rich irony in mystery" and as "Teacher Apollonian". Nietzsche brings Socrates in every work, sometimes with shocking criticism and sometimes by suddenly praises. Analyzing the Socrates images through the Nietzsche philosophy lights allow us to travel into the deepest subject that the Germany Philosopher dealt: the diversity of characters Socrates reveals the dynamic and even the Nietzsche diversity that shows a philosophy in contrast come-to-be (Werden), in a process that is flexible and bellicose at the same time, through the philosophy is built while effective (Wirklichkeit), in a continuous pursuit for overcoming oneself (Selbst), this requires an unconditional love for the life in its misfortune (Verhängniss). The whole work is a presentation of images of Socrates under Nietzsche views, in order to show the mainly traces that built the complex theoretical relationship between both thinkers, as well as the elements that give us the possibility of thinking in a overcoming of the man built by Socrates while theoretical man prototype. Nietzsche diagnostics in this human being the genesis of the decadence of the Western that develops itself under the eagis of the Socrates idea of fearlessness of death, thanks to the knowledge and to the dialectic procedure, that characterize the image of the dying Socrates, mainly aim of the Nietzsche attacks. Thus, first, through a mapping of the images of Socrates in his works and in the posthumous fragments of the German philosopher, will be possible to have a vision more specific of the Nietzschean thought. Then considering the work Ecce Homo, in which there are some central points of his works, it will seek for elements that distinguish Nietzsche and Socrates as an expression of the maximum western decadence.
Nietzsche e Sócrates são considerados pensadores divisores de água e, como antinomias de tempos pretensamente seguros e sóbrios, ambos souberam detectar as lacunas, ou melhor, o adoecimento histórico-cultural a que pertenciam, no qual viveram, cresceram e pelo qual fizeram de sua vida um contínuo exercício de filosofar. Essa proximidade entre ambos é dilacerada por projetos antagônicos que revelam, ao mesmo tempo, a mais dura antinomia e a mais branda proximidade entre os pensadores. As críticas tão agudas e ferrenhas que são desenhadas por Nietzsche contra Sócrates em obras como O Nascimento da tragédia e o Crepúsculo dos ídolos, nas quais surgem nefastas expressões como demônio , moribundo e doente , são amenizadas com pinturas intermediárias que compõem um cenário cordial, no qual emerge sútil complacência à luminosa figura de Sócrates que desponta como Espírito livre , grande irônico rico em mistérios e como Professor Apolíneo . Sócrates perpassa toda a obra nietzschiana, em meio às mais chocantes críticas e a repentinos elogios. Uma análise das imagens socráticas à luz da filosofia nietzschiana permite navegar nos temas mais profundos abordados pelo filósofo alemão: a diversidade das personagens Sócrates revela a dinamicidade e a própria diversidade de Nietzsche, que apresenta uma filosofia em constante vir-a-ser (Werden), num processo, conjuntamente, belicoso e flexível, pelo qual a filosofia é construída enquanto efetividade (Wirklichkeit), numa busca contínua pela superação de si-mesmo (Selbst), que requer um amor incondicional à vida em sua fatalidade (Verhängniss). O conjunto do trabalho é uma apresentação das imagens de Sócrates no corpus nietzschiano, para mostrar os traços principais que compõem a complexa relação teórica entre os pensadores, bem como os elementos a partir dos quais é possível pensar uma superação do homem socrático enquanto protótipo do homem teórico . Nietzsche diagnostica nesse homem a gênese da decadência ocidental, que se desenvolveu sob a égide do brasão socrático do destemor à morte, graças ao saber, e ao procedimento dialético, que caracterizam a imagem do Sócrates moribundo, principal alvo dos ataques nietzschianos. Desse modo, primeiramente, através de um mapeamento das imagens de Sócrates nas obras e nos fragmentos póstumos do filósofo alemão, poder-se-á ter uma visão mais específica do pensamento nietzschiano, em seguida, levando em consideração a obra Ecce homo, na qual aparecem os pontos centrais dos seus escritos, buscar-se-ão os elementos que distanciam Nietzsche de Sócrates enquanto expressão máxima da decadência ocidental.

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Oliveira, Cíntia Araújo. "Drama Tecido em Palavras: Multiplicidades de Helena no Teatro de Eurípides." www.teses.ufc.br, 2015. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/15894.

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Abstract:

OLIVEIRA, Cíntia Araújo. Drama Tecido em Palavras: Multiplicidades de Helena no Teatro de Eurípides. 2015. 97f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2015.
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Helena, filha de Zeus, esposa de Menelau e mais bela entre as mortais, desperta atenção a partir da complexidade observada em suas representações na Literatura Antiga: símbolo de beleza e de transgressão, Helena é uma figura ambígua, ora apresentada como motivo maior da Guerra de Troia, ora revelada como vítima das vontades divinas. Helena, enquanto personagem, revela-se uma fonte de criação poética, permitindo muitas apresentações de sua figura nada simples, conforme podemos observar nas muitas Helenas de Eurípides, tragediógrafo grego do século V a.C., autor de peças como Troianas. Nessa obra, a bela mulher é rejeitada e reprovada pelas mulheres de Troia, por ter causado a guerra, a morte de vários heróis e a desgraça de inúmeras pessoas. Tanto a beleza física quanto a beleza das palavras de Helena, quando ela se apresenta no drama, mostram a força persuasiva da personagem que se configura uma ameaça ao bom julgamento da verdade e da justiça. Já em Helena, outra tragédia de Eurípides, a inventividade do autor e a estrutura do drama permitem que a força dos argumentos apresentados pela personagem – amparados por uma versão do mito em que a filha de Zeus é completamente inocente, fiel e virtuosa – seja, mais uma vez, observada. Vernant (2011) e Brandão (1985) afirmam que a inventividade própria de Eurípides, acerca da criação de personagens e de suas falas dentro das tragédias, é efeito da influência sofista e retórica de seu tempo, e Baliff (2001) assegura a relação existente entre sedução, feminino e retórica, enquanto Mastronarde (2010) e Sansone (2012) chamam atenção para o desdobramento peculiar e específico do gênero dramático, que permite às personagens o desenvolvimento de habilidades linguísticas e a sofisticação argumentativa que situaria o drama como gênero de grande inovação na Literatura Grega. Nesta dissertação, portanto, objetivamos analisar as apresentações de Helena, situadas entre a inventividade do drama e a potencialidade dos discursos, de acordo com a multiplicidade que a personagem suscita e que parece ser o próprio desdobramento da criação poética e da multifacetada linguagem.

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Giacobbi, Alessandro. "La testimonianza riscoperta. Proposta di valorizzazione e rifunzionalizzazione del "Teatro Greco" di Villa Adriana." Master's thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2019. http://amslaurea.unibo.it/18211/.

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Abstract:

L’idea di rifunzionalizzare il “Teatro Greco” di Villa Adriana nasce come approfondimento di un progetto a grande scala condotto dal laboratorio di laurea “Architettura per l’archeologia, A. A. 2017-2018” con l’intento di riqualificare il territorio compreso nella Unesco Buffer Zone di Villa Adriana, tra il sito archeologico e il corso del fiume Aniene. Il progetto dell’area ha permesso di delineare una nuova visione del territorio in termini sia di nuovi servizi e infrastrutture sia di valorizzazione del paesaggio. Nella seconda parte del percorso di tesi ho deciso di affrontare il tema dell’ingresso a Villa Adriana. L’area, che comprende vari manufatti archeologici, “Teatro Greco”, “Palestre” e “Ninfeo di Venere”, ha subito nel corso degli anni alcuni interventi. Il più importante è stato l’acquisizione di questi terreni da parte del Conte Fede nella seconda metà del Settecento per costruirvi la propria tenuta agricola. In seguito dalla seconda metà del Novecento l’area è stata dimenticata ed esclusa dal percorso di visita della Villa per utilizzare la zona come grande area parcheggio nel punto di contatto con la strada e gli edifici settecenteschi presenti sono stati adibiti a sede della Soprintendenza. Riprendendo il tema di una linea di tram elettrico che unisca il territorio, sviluppata nel progetto a larga scala, la proposta è quella di ripristinare l’ingresso alla Villa dall’esedra del Conte Fede, lungo il viale dei cipressi, limitare i parcheggi e potenziare i servizi. All’interno di questo percorso assume grande rilevanza l’idea di rifunzionalizzare il “Teatro Greco” sia per manifestazioni teatrali durante i periodi primaverile-estivo, sia come primo luogo di accoglienza per i visitatori. Il progetto prevede la ricostruzione del manufatto, parziale nelle forma e reversibile nei materiali, a partire da un’ipotesi formale basata su un attento studio dei dati archeologici e delle prescrizioni vitruviane.

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Junior, Renato Forin. "De gregos a baianos : canção, literatura e teatro nas tramas rapsódicas de Maria Bethânia." Universidade Estadual de Londrina. Centro de Letras e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em Letras, 2017. http://www.bibliotecadigital.uel.br/document/?code=vtls000213559.

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Abstract:

A tese toma como objeto a obra da intérprete Maria Bethânia, mais especificamente a forma que ela concebeu junto do diretor Fauzi Arap entre os anos 1960-1970 e refinou ao longo de cinco décadas de trajetória artística, com diferentes encenadores: o espetáculo de música teatralizado. O roteiro destes shows é pensado a partir da minuciosa organização intertextual de fragmentos literários e canções. Tal dramaturgia, feita de quadros sucessivos, dialoga com signos de várias naturezas durante a realização cênica. Estes dados nos levam a despeito da crítica a destacar a essência teatral da forma e servem de base para nossa principal hipótese: o espetáculo de música teatralizado de Maria Bethânia anuncia no Brasil características da cena contemporânea, que se tornariam paradigmáticas nos palcos a partir dos anos 1980. Para comprovar a proposição, analisamos trechos de vários shows da intérprete à luz da teoria do drama, sem perder de vista os estudos de literatura e oralidade. Nossa principal base teórica é o francês Jean-Pierre Sarrazac, para quem a rapsódia regressa da ancestralidade grega para se transformar em uma das qualidades peculiares do drama moderno e contemporâneo. Assim, o texto teatral torna-se um jogo de construção a partir de colagens e montagens, e o autor é uma espécie de engenheiro que organiza esses elementos exatamente como ocorre na obra de Bethânia. Adotamos ainda outros conceitos como o transbordamento, a poeticidade, o teatro dos possíveis, a fragmentação, o drama-da-vida, o íntimo, a (crise da) mimesis, o metateatro e o trágico (do) cotidiano, sempre tendo como norte a pertinência à obra da intérprete baiana. Antes, nossas reflexões centram-se sobre o fenômeno da canção popular brasileira. Lançamos a possibilidade de compreendê-la como um lugar de reencontro entre filosofia e poesia, estas instâncias segregadas pelo racionalismo de Platão. O filósofo condena a textura performativa da palavra poética e a conduz ao silêncio ocidental. A partir destes argumentos e tomando como referência a transformação de um dos primeiros mitos femininos da voz, as sereias , estabelecemos uma ponte sincrônica entre o Brasil e a Grécia Arcaica (mitopoética, não contaminada pelo logocentrismo insonoro). Nossa proposta é compreender a cultura brasileira a partir da rapsodização, cuja marca é a mistura, a amálgama, a heterogeneidade na linha da Antropofagia e do Tropicalismo. Nossos intérpretes são neorrapsodos: como os antigos poetas gregos, elaboram obras autorais a partir da costura (rhaptein, em grego, significa costurar) de múltiplos textos-tecidos e realizam-nas plenamente em uma performance interartística.
The thesis takes as its object the work of the interpreter Maria Bethânia, more specifically the form she conceived with the director Fauzi Arap between the years 1960 and 1970 and refined over five decades of artistic trajectory, with different directors: the "theatrical spectacle of music". The script of these shows is thought from the meticulous intertextual organization of literary fragments and songs. Such dramaturgy, made of successive takes, dialogues with signs of various natures during the scenic performance. These data lead us - despite criticism - to emphasize the theatrical essence of form and serve as a basis for our main hypothesis: the Maria Bethânia's theatrical spectacle of music announces in Brazil characteristics of the contemporary scene, which would become paradigmatic on stage from the 1980s. To prove the proposition, we analyze portions of several interpreter shows in the light of drama theory, without losing sight of literature and oral studies. Our main theoretical basis is the French Jean-Pierre Sarrazac, for whom "rhapsody" returns from Greek ancestry to become one of the peculiar qualities of modern and contemporary drama. Thus, the theatrical text becomes a game of construction from collages and assemblies, and the author is a kind of engineer who organizes these elements - just as it happens in the work of Bethânia. We also adopt other concepts such as the overflow, poeticity, theater of possibles, fragmentation, drama-of-life, intimate, the (crisis of) mimesis, metatheatre, and tragic (of) everyday life, always aiming at the pertinence to the work of the Bahian interpreter. Previously, our reflections center on the phenomenon of the popular Brazilian song. We launch the possibility of understanding it as a place of reencounter between philosophy and poetry, these instances segregated by the rationalism of Plato. The philosopher condemns the performative texture of the poetic word and leads it to the Western silence. Using these arguments and taking as a reference the transformation of one of the first feminine myths of the voice, the sirens/mermaids , we established a synchronic bridge between Brazil and Archaic Greece (mythopoetic, uncontaminated by soundless logocentrism). Our proposal is to understand the Brazilian culture from the rhapsodization, whose mark is the mixture, the amalgam, the heterogeneity - in the line of Anthropophagy and Tropicalism. Our interpreters are neorhapsodies: like the ancient Greek poets, they elaborate works from the sewing ("rhaptein", in Greek, means "sew") of multiple texts-fabrics and fully realize them in an interart performance.

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Palmeri, Daniela. "Indagaciones sobre la reescritura del mito griego en el teatro contemporáneo. las orestíadas de la socìetas Raffaello Sanzio, mapa teatro, Rodrigo García y Yael Farber." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/129369.

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Abstract:

La presente tesis realiza un estudio sobre la reescritura del mito griego en el teatro contemporáneo. El centro de la atención es la reescritura de la Orestíada, la tragedia esquilea en la que se representa el paso de una sociedad arcaica y violenta a una democrática, donde, sin embargo, el matricida queda impune. A lo largo de la historia cultural europea la Orestíada ha representado un importante modelo teatral así como un núcleo para reflexionar sobre el nexo entre tragedia, política y rito. Reescribir el mito significa deconstruir el imaginario y trabajar sobre las representaciones presentes en el canon occidental que ha desarrollado una función normativa. En la primera parte de esta tesis, se propone un recorrido teórico y propedéutico alrededor de tres núcleos: una aproximación a la Orestíada a lo largo de la historia cultural; un análisis detallado de los conceptos de intertextualidad y reescritura a partir de las teorías literarias y teatrales; una descripción panorámica de las distintas tendencias estéticas y culturales presentes en el teatro contemporáneo (las tendencias postmodernas y posdramáticas y las conexiones con lo intercultural y postcolonial y el género). En la segunda parte se analizan cuatro reescrituras contemporáneas de diferentes países: Orestea. Una Commedia Organica? de Romeo Castellucci y la Socìetas Raffaello Sanzio, (Italia, 1995); Orestea ex machina de Mapa Teatro (Colombia,1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos de Rodrigo García y la Carnicería Teatro (España, 2003); Molora de Yael Farber y la Farber Foundry (Sudáfrica, 2003). El objetivo es analizar la reescritura de la Orestíada dentro y fuera de Europa y observar cómo el contexto histórico, político y cultural influye en la reescritura. Por una parte, el análisis de las obras desarrolla los vínculos entre los sistemas escénicos de representación y los contextos histórico-culturales específicos. Por otra, se apoya en la reconstrucción de la estética de cada compañía y de las estrategias de re-apropiación del mito clásico. La investigación toma como eje vertebrador el teatro actual como espacio cultural y artístico propicio para replantear una reflexión sobre la relación entre el mito griego, lo político y lo ritual en la contemporaneidad. La perspectiva teórica es interdisciplinar y entrecruza varios discursos presentes en la contemporaneidad: artes escénicas, teoría del teatro y de la literatura, semiótica, estudios de género y postcoloniales. Dentro de este marco, la reescritura constituye un complejo laboratorio para trabajar sobre la dialéctica pasado/presente y, también, nosotros/los otros.
This thesis presents a study on the rewriting of Greek myth in contemporary theatre and, in particular, analyzes the rewriting of the Oresteia in different countries. The Aeschylus’ trilogy is concerned with the transition from a violent society to a democratic one. Nevertheless, the resulting democracy is not a fair one because it is based on impunity: Orestes is absolved. Within the European cultural history, the Oresteia represents an important theatrical model as well as an interesting topic to re-interpret the relationship between tragedy, politics and ritual. Re-writing the myth entails deconstructing the stereotypes and working through the western canon, which involves a normative connotation. In the first part of my dissertation, I examine three clusters: the myth of the Oresteia; the topics of “intertextuality” and “rewriting” from a literary and theatrical perspective; the description of the different trends in contemporary theatre (postmodern and post-dramatic movements and the connections with intercultural, postcolonial and gender studies). In the second part of the dissertation, I examine four rewritings of the Oresteia: Orestea. Una Commedia Organica? by Romeo Castellucci and the Socìetas Raffaello Sanzio (Italy, 1995); Orestea ex machina by Mapa Teatro 1995 (Colombia, 1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos by Rodrigo García and the Carnicería teatro (Spain, 2003); Molora by Yael Farber and the Farber Foundry (South Africa, 2003). The main purpose is to approach the “rewriting” of Greek myth in contemporary theatre from an interdisciplinary and theoretical perspective as well as to analyze the connections between the historical and political contexts and the texts. On the one hand, the thesis analyzes the relationship between theatrical strategies and specific historic-cultural contexts. On the other hand, the purpose is to reconstruct the aesthetics of the performances and the different models of reappropriation of the Greek myth. In my thesis, I consider theatre as a cultural tool which contributes to the survival of Greek culture intertwining political and ritual aspects. In this respect, the “re-writing” is like a huge laboratory, where it is possible to explore the borders between classic and contemporary representations of us/the others.

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Dissertations / Theses on the topic 'Teatro grego'

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