Dissertations / Theses on the topic 'Teatro inglese'

La tesi indaga l'interazione tra genere drammatico e poetico nei primi anni di attività del poeta inglese W.H. Auden, e procede esaminando i drammi maggiori scritti durante gli anni trenta. Si sofferma su un'opera in particolare, The Ascent of F6, confrontanto la dimensione testuale con quella spettacolare, analizzando il copione originale dello spettacolo usato per la prima del 26 febbraio 1937 e la ricezione della critica. La dissertazione approfondisce il legame tra i due generi letterari soprattutto considerando la coerenza concettuale e di immagini che contraddistingue il pensiero audeniano, e mette in evidenza l'evoluzione della scrittura drammatica seguita in senso cronologico, dalla stesura della prima opera Paid on Both Sides nel 1928, al primo successo con la compagnia londinese del Group Theatre, The Dog Beneath the Skin nel 1935, fino all'ultimo successo nel 1937 scritto in collaborazione con Christopher Isherwood, The Ascent of F6, che segnò il progressivo abbandono del genere drammatico da parte dell'autore. La tesi dà un'amplia prospettiva d'esame considerando non solo la dimensione testuale e indagando il rapporto del testo con il genere tragico, ma evidenziando anche i molteplici rimandi intertestuali e considerando l'efficacia del testo in termini drammatici, ricostruendo lo spettacolo attraverso l'analisi di materiale inedito.
The present study investigates the interplay between poetry and drama in the early works of W.H. Auden, and proceeds in analysing the major plays composed during the 1930s. It focuses on a drama in particular, The Ascent of F6, comparing the textual aspect with the performance outcome, examining the original script used for the premiére on February 26, 1937 and also the response of the critic. The dissertation deepens the connection between poetry and drama considering the conceptual coherence and the unity of images that mark the thought of Auden in the early 30s. Auden's most important dramas are examined following a chronological perspective, from the first draft of Paid on Both Sides, in 1928, to the first success staged by the Group Theatre of London, The Dog Beneath the Skin, 1935, and eventually the last achievement in 1937 written with Christopher Isherwood, The Ascent of F6, which marked the progressive abandonment of the dramatic genre by Auden. The thesis gives an extensive outlook which considers not just the textual aspects of the play, investigating thus the connections with the classic tragedy, but also underlines the various intertextual references and the efficacy of the text in its performing aspects.

This thesis explores the function of the theatre in Derek Walcott's literary achievements. Focusing on the semiotic theories that characterize the study of drama as a literary text and as a staged text, the initial approach aims at creating a relationship between semiotics and postcolonial theories. In particular Pavis's concept of intercultural semiotics and Peter Brook's innovative visions about the regenerative function of the space of the theatre represent a useful theoretical basis to consider the specificity of postcolonial theatre as an innovative space, where new cultural meanings emerge. Derek Walcott's dramatic production is studied according to this approach, in order to be defined as a new hybrid, syncretic and multicultural space. After considering the development of drama from a postcolonial and Caribbean perspective, this study begins with an insight into Walcott's views on theatre, taking into consideration his linguistic depth, linked to the European tradition, but also his strong concern with the Caribbean public's cultural needs. The double tension characterizing Walcott's cultural identity as well as his art represents an essential element to analyse his dramatic texts. With an ambivalent approach, which takes into consideration language and performance, this thesis offers an insight into Walcott's plays to detect their postcolonial and multicultural elements. The analysis of the different texts are divided into two chapters (third and fourth). The third chapters - mainly focused on postcolonial themes - explores issues such as language, identity and space, whereas the fourth chapter centers on multiculturalism in text and performance. Dealing with interracial interactions, issues like re-writing classical texts and the manipulation of personal and collective memory as a way to re- establish new historical perspectives, the last part of the thesis aims at demonstrating the idea that Walcott has created a new space in the theatre made by the harmonic fusion of different and opposed cultural elements, which are visible in the literary as well as in the staged text. The textual perspective of Walcott's drama fits into Pavis's definition of intercultural semiotics, as the faithful representation of a multicultural creole society: that of the West Indies.

This thesis explores the function of the theatre in Derek Walcott's literary achievements. Focusing on the semiotic theories that characterize the study of drama as a literary text and as a staged text, the initial approach aims at creating a relationship between semiotics and postcolonial theories. In particular Pavis's concept of intercultural semiotics and Peter Brook's innovative visions about the regenerative function of the space of the theatre represent a useful theoretical basis to consider the specificity of postcolonial theatre as an innovative space, where new cultural meanings emerge. Derek Walcott's dramatic production is studied according to this approach, in order to be defined as a new hybrid, syncretic and multicultural space. After considering the development of drama from a postcolonial and Caribbean perspective, this study begins with an insight into Walcott's views on theatre, taking into consideration his linguistic depth, linked to the European tradition, but also his strong concern with the Caribbean public's cultural needs. The double tension characterizing Walcott's cultural identity as well as his art represents an essential element to analyse his dramatic texts. With an ambivalent approach, which takes into consideration language and performance, this thesis offers an insight into Walcott's plays to detect their postcolonial and multicultural elements. The analysis of the different texts are divided into two chapters (third and fourth). The third chapters - mainly focused on postcolonial themes - explores issues such as language, identity and space, whereas the fourth chapter centers on multiculturalism in text and performance. Dealing with interracial interactions, issues like re-writing classical texts and the manipulation of personal and collective memory as a way to re- establish new historical perspectives, the last part of the thesis aims at demonstrating the idea that Walcott has created a new space in the theatre made by the harmonic fusion of different and opposed cultural elements, which are visible in the literary as well as in the staged text. The textual perspective of Walcott's drama fits into Pavis's definition of intercultural semiotics, as the faithful representation of a multicultural creole society: that of the West Indies.

At the end of the nineteenth century many Western artists were fascinated and influenced by Oriental and, in particular, by Japanese art. That tendency, called Japonisme, began with the Universal Exposition of London in 1851, where Chinese and Japanese art was introduced with great success. Japonisme spread easily across West, charming it. It extended soon to literature, poetry and theatre. American and European artists found in Oriental art, culture and tradition a suitable means for the renewal of their artistic expression. Why Western art was not suitable to outline its expressions anymore? Why artists felt the need to find their renewal of the forms in Japan’s traditions? This is what my research is about. Through the literary, poetic and theatrical productions of Ernest Fenollosa, Ezra Pound and William Butler Yeats, I intend to draw a critical path paying attention to the cultural, theoretical and textual reasons. They devoted their artistic life to the search for a renewal of the contemporary poetic form by means of the discovery of Oriental and mainly Japanese culture

Il teatro cinese ha una storia lunga e complessa. Tra i drammaturghi illustri che hanno contribuito alla sua evoluzione, Gao Xingjian spicca tra tutti. Pur essendo un autore di romanzi molto famoso, Gao Xingjian è anche un drammaturgo molto controverso, ammirato e amato dalla maggioranza, ma rinnegato dal suo paese d'origine. Il presente elaborato intende proporre al pubblico italiano una proposta di traduzione dei primi sei capitoli della sua opera Alla ricerca del teatro moderno in cui vengono descritte le caratteristiche del teatro moderno cinese secondo il punto di vista dell’autore. Inoltre verrà fornita una breve presentazione dell’autore, delle sue opere teatrali e saggi correlati. Infine verrà presentato un commento traduttologico nel quale il traduttore descriverà il testo che ha tradotto e darà delle spiegazioni in merito alla macrostrategia traduttiva adottata e alle modalità con cui ha proceduto al superamento dei problemi traduttologici incontrati.

Il malcontent è un tipo epocale le cui dominanti caratteriali emergono in vario modo nella rappresentazione di alcune figure dello scontento di epoca elisabettiano-giacomiana. Nella prima parte di questo studio abbiamo rilevato che la parola “malcontent” su un piano discorsivo e culturale 1) individua un nucleo semantico che riguarda genericamente uno stato di scontentezza e si sovrappone in certa misura con altri termini (“discontent”); 2) viene attribuita ad alcune persone in particolare: si veda la questione religiosa e politica legata a figure storiche (quali, ad esempio, d’Alençon, i nobili cattolici delle Fiandre e Leicester) 3) viene utilizzata da Hall nella sua descrizione del malcontent che, sebbene non si identifichi con quelle appena menzionate, configura comunque un tipo culturale che verrà poi fissato da Earle. Su un piano drammaturgico, essendo storicamente determinata, questa figura non deriva da alcuna tradizione letteraria precedente. Quella del malcontent è infatti una categoria sfuggente, che nasce nel modo che abbiamo evidenziato e i cui tratti distintivi sembrano sfumare e quindi favorire una certa convergenza con varie figure tipologiche. Si tratta evidentemente di un personaggio storico e culturale, ma anche teatrale; quest’ultimo non coincide del tutto con quello storico (avvicinandosi anche al malinconico) e presenta alcune caratteristiche fisse (se non altro una generica scontentezza determinata dalla perdita di un ruolo e dal desiderio inappagato di un avanzamento di carriera) e altre variabili (politiche, religiose, umorali e così via), dominanti di volta in volta nelle rappresentazioni discorsive e letterario-teatrali che ne vengono date. I drammi presi in considerazione nel corso di questo studio, pur non presentando necessariamente allusioni topiche a personaggi storici esistenti, propongono dei personaggi, quasi mai definiti in modo esplicito malcontenti, che assumono caratteristiche rapportabili alla figura tipologica del discorso culturale (l’essere ambiziosi, colti ma caduti in disgrazia, il sentirsi immeritatamente esclusi dalla società, e così via). La ricorrenza pur non sempre omogenea di queste dominanti nella caratterizzazione di alcuni personaggi dimostra la non accessorietà e, anzi, l’importanza dei malcontents ai fini delle problematiche centrali dei testi. Considerare questi characters, in alcuni casi secondari solo per necessità d’intreccio, vuol dire anzitutto indagare la natura sociale e politica di alcune opere, nelle quali gli autori sembrano articolare e rappresentare specifici discorsi intorno al conflitto tra la costruzione identitaria – intesa in chiave socio-culturale – ascritta al soggetto e le prime, acerbe percezioni del sé da parte di alcuni malcontents. Nel terzo, quarto e quinto capitolo, abbiamo infatti indagato i modi attraverso i quali questa figura tipologica interviene nei drammi riflettendo sul ruolo sociale assunto e su una soggettualità sempre più emergente. Nella caratterizzazione dei figli cadetti, deformi o illegittimi – Porrex, Richard, Edmund e Spurio – la categoria del malcontent si insinua confondendosi nelle maglie di figure alla cui condizione dislocante nel nucleo familiare corrisponde per analogia un’esclusione dal sistema politico e sociale. Questo fa di loro dei malcontenti ‘naturali’, la cui etichetta sociale risulta determinante ai fini di una percezione dell’io che sembra uniformarsi totalmente alla costruzione dell’identità attribuita loro. Nel caso, invece, di personaggi che sono per antonomasia più complessi e irriducibili quindi a qualsiasi fissa stereotipizzazione – Hamlet, Iago, Vindice –, la categoria del malcontent è relegata primariamente alla dimensione metateatrale: il personaggio è consapevole del ruolo sociale che sta recitando e che, tuttavia, finisce con il modificare irrimediabilmente anche l’idea che ha di sé. L’assunzione della maschera funziona da catalizzatore del conflitto dicotomico tra identità personale e identità sociale, tra quello che una persona è, quello che crede di essere e l’idea di sé che vuole dare agli altri. Questi malcontents epitomano infatti le contraddizioni di chi da un lato manovra le identità attribuitegli dalla società, mentre dall’altro deve fare i conti con un processo di elaborazione del sé che affiora anche in relazione all’adozione del ruolo. Nell’ultimo capitolo, quello che riguarda le due tragedie websteriane, la categoria del malcontent si funzionalizza nei personaggi di Flamineo e Bosola superando i limiti del metateatro e risolvendo, almeno inizialmente, la dicotomia tra la percezione del sé e l’adozione di un’identità ascritta che, infine, Bosola sarà in grado di rifiutare. Questi due malcontenti sono, tuttavia, profondamente diversi tra loro: le fugaci osservazioni autoriflessive di Flamineo non sono mai davvero propulsive ai fini dell’azione drammatica e il personaggio indugia ineluttabilmente in una visione nichilistica del mondo e nel suo ruolo di malcontento in cui resta, infine, imbrigliato. In Bosola, invece, i tratti di questa figura tipologica emergono nella rappresentazione di un personaggio che, da malcontent, assume anche la maschera del tipo, in un gioco metateatrale assurdo in cui lo scollamento tra essere e apparire si risolve in una prima paradossale e irrealizzabile fusione, destinata tuttavia a fallire. L’assunzione della maschera modifica anche in questo caso la percezione dell’io da parte del personaggio, ma è questa una modifica che giunge a compimento consentendo a Bosola di liberarsi da un ruolo sociale che non gli appartiene più, fondendo così nel suo personaggio due figure già presenti nella fonte del dramma. Dopo Webster, la figura del malcontent non scompare dalle scene, ma non ha più quel dinamismo teatrale e quell’energia che ha, invece, caratterizzato i malcontenti di questo periodo. Il senso dell’io che sembra emergere in questi drammi proprio grazie all’impiego di questa categoria da parte dei drammaturghi – e che si pone come spartiacque tra la cultura ancora stereotipata, e in parte di stampo medievale, che percepisce l’identità come imitazione, e la filosofia individualistica di fine XVIII secolo – non riaffiora più nelle rappresentazioni teatrali del tipo. In Massinger, ad esempio, nella seconda scena del quarto atto di The Unnatural Combat (pubblicato nel 1639 e probabilmente scritto tra il 1624-1625), il “poore captain” Belgarde viene definito “malecontent”, ma è questo un personaggio comico piuttosto stereotipato, che soffre della “barbarous ingratitude” (III, 3, 87) da parte di una società che non riconosce più i meriti dei soldati e che, tuttavia, alla fine ricompensa il capitano dei servigi resi. Nel teatro della Restaurazione, Thomas D’Urfey è l’autore che impiega più volte il termine “malcontent”, addirittura proponendo una descrizione del tipo nella sua opera non drammatica The Malecontent: A Satyr (1684). Malcontent è un uomo ritiratosi dalla società perché, come dirà a Error, disgustato dagli affari del mondo. La figura del malcontent finisce qui per assolvere l’esclusiva funzione di denunciare i vizi dell’epoca; non c’è più alcuna investigazione, seppur breve, dell’io, né viene dato conto di una complessità psicologica del personaggio. Con la fine del regno di James I, la grande stagione dei malcontents sembra così giunta inevitabilmente al termine. Ma il fascino di questo personaggio resta indelebile nei secoli seguenti e fa da eco alla citazione di Demetrio riportata da Seneca nel suo De Providentia e poi tradotta in inglese da Thomas Lodge nel 1614: “There is nothing, saith he, more unhappy then that man that hath never been touched with adversity: for he hath not had the means to know himself”
The aim of this thesis is to build on critical recognition of the malcontent as a key figure in early modern drama. I focus mainly on the ways the dramatists use and manipulate the character-type in tragedies in order to structure specific discourses around a new, emergent awareness of a private self which develops during the last decade of the sixteenth century and the beginning of the next. Even though it is too early to treat these characters as examples of the individualism one associates with Hobbes or Milton’s Satan, the malcontents of this period epitomize the struggle of an age which is torn between the acceptance and the refusal of a socio-cultural determinism which considers identity as a form of imitation (see Characters). Critics are no longer content to view the malcontent merely as a plot-mechanism or a means of introducing sensational effects, and the character’s appeal, psychological, theatrical, and thematic, is now better understood. Progress on this front has brought problems, however. A greater sense of the character’s importance has triggered a readiness to label increasingly diverse figures as ‘malcontents’, so that it is possible to find political schemers, melancholics, satirical expositors, grudge-bearers and cynics all being treated as examples of the type. A category as inclusive as this threatens to become meaningless, and I therefore begin with the term itself, its development in critical discussion, and its origin and employment in late sixteenth-century English. The first attempt to define the character was by Elmer Edgar Stoll in 1906. Since Stoll described the malcontent as “a melancholy figure conceived in the Elizabethan ‘humorous’ manner, a professional fantastic meditator, a professional cynic and censor” , many critics have treated the malcontent accordingly, as a by-product of the fashion for melancholia in the period. Harrison (1929) , Spencer (1948) and Bridget Gellert Lyons (1971) retain this association, but add to it a political component. “Political” not in the sense of representing or alluding to real-life political figures, but of embodying the resentment and sense of alienation of those who feel themselves to be undervalued in or excluded from the social system. Lawrence Babb’s The Elizabethan Malady (1951) includes a socio-political dimension but offers as well a series of sub-categories which are an early sign of how critics will expand the definition in later decades: I shall characterize four species of malcontents as I find them represented in Elizabethan and early Stuart literature. The primary malcontent type, which comprises the melancholy travelers and their imitators, is the melancholy man who resents the world’s neglect of his superior abilities. The other three are derivative malcontent types appearing principally in the drama: the melancholy villain, the melancholy cynic, and the melancholy scholar . Babb’s divisions are one of many arbitrary categorizations by these early critics who approach the malcontent as a product – in varying proportions – both of literature and of existing social conditions. The different criteria adopted in the definitions demonstrate that the dominants in the representation of the type are not stable or self-sufficient: the malcontent may be viewed as a foreign traveller, as politically disappointed, or as a ‘humour’ character, according to the critical approach one prefers. One common element, melancholy, recurs as a defining characteristic of the malcontent in these early accounts, though there is variation as to how extreme the symptoms need to be. This is why The Alienated Figure in Drama: from Shakespeare to Pinter (1991) by Christine Gomez is as a turning-point in the definition of the type. Describing the malcontent as the alienated man of the Jacobean age, she does not analyze the character as a product of melancholy, even though she concedes the possibility that “two intellectual attitudes prevalent in the Jacobean age may also be related to the emergence of the malcontent character. They are the intellectual tradition of melancholy and Machiavellian cynicism about human weakness” . Gomez regards the malcontent as an outsider, alienated from men as well as from society, from life as well as from himself. James Keller, in the only book-length study of the early modern dramatic malcontent, follows Gomez in his desire to remove the character “from the tangled and ever-burgeoning mass of qualities which have come to be associated with Elizabethan melancholia” . However, his Princes, Soldiers and Rogues: The Politic Malcontent of Renaissance Drama (1993) suffers from divided aims. In this study, the malcontent is treated as a kind of sub-species of the melancholic, so diminishing the importance of a figure who is conceived of as not simply melancholy, though he may suffer some of the symptoms: “It is perhaps true”, says Keller, “that many, most or even all malcontents are melancholy, but all melancholiacs are not necessarily malcontents” . Despite the contributions of Gomez and Keller, and the more recent essay by Burnett, which has the merit of discussing the type in terms of the cultural context which brought it into being , there are important aspects of the type which remain unexplored. Before analyzing the dramatists’ use of the type, my first aim is to try and gain a clearer idea of what the dramatists themselves might have understood by ‘malcontentment’, by the psychological condition or posture which they sought to dramatize in their malcontent characters. A necessary question is therefore, when and how did ‘malcontent’ enter the language? Although Italian malcontento and French malcontent had been current for some two hundred years, there is good evidence that the English word did not come into use before the last quarter of the sixteenth century, at the same time that the malcontent as a literary and pathological type appeared in prose, satiric poetry, and drama. Nor does the word seem to have arrived simply as the result of influence by one or other of these two languages. When, in his 1578 textbook on translating between Italian and English, John Florio wished to render ‘mal contenti’, he offered merely ‘not contented’ . Conversely, when George Pettie used ‘mal contents’ in his 1581 translation of the French translation of Stefano Guazzo’s La Conversazione Civile, the word was his own: the French version speaks of men gripped by ‘l’indignation’ and the Italian by ‘lo sdegno’ . Pettie’s is OED’s first example of ‘malcontent’. It notes a succession of derivative forms straight after this: malcontented in 1582, then malcontent as an adjective (1583), malcontent as a verb (1584), malcontentment (1587), malcontent meaning ‘state of discontentment’ (1591), and malcontentedness (1594). Such a rapid proliferation is evidence that the term was at this date both novel and appealing, and there is more. The 1587 revision of Holinshed’s Chronicles uses ‘malcontent’ (in various forms) more than 40 times, including one occasion when it turns ‘rebels’ into ‘malcontents’, whereas the original of 1577 does not use it at all; and William Rankins’s 1588 satire The English Ape suggests that those who are ‘never content...or their estate holdeth above their deserte’ be branded ‘Malecontents’, which is ‘the newe found name’ . Four early uses of malcontent have escaped notice. Three, in two works by different authors, antedate OED’s first example, and have the additional interest of indicating why the word arrived into English when it did, and where it came from. The fourth antedates OED’s first example of an adjectival use, and is probably the first occurrence of the word in a play, thus marking the beginning of its association with the drama ten years earlier than the OED listings suggest, and some 23 years before Marston gave that association special status with The Malcontent (1604). The three pre-OED instances, in probable chronological order, are these: 1. Thomas Churchyard, The Miserie of Flaunders (1579), A4r: The Pater Noster men, or Mal content, thei saie: Hath brought our people suche a plague as breeds their whole decaie. 2. John Stubbes, The Discoverie of a Gaping Gulf Whereinto England Is Like To Be Swallowed by Another French Mariage (1579), D4v: more faythfull ayders...then ever Monsieur could bring into the field when he joined himself with the Malcontents eyther in Fraunce or the lowe countries. 3. Stubbes, The Discoverie, E7r: why then doth he [Monsieur] not joyne and conferr with us all thys whyle, rather then under hand seeke to trump both them of the religion there and the malcontent? Churchyard’s poem was entered in the Stationers’ Register on 20 January 1579. Stubbes’s pamphlet is dated August 1579 on its title-page, its publication timed to coincide with the visit to London of the Duke of Alençon (‘Monsieur’, as he was known in England) to renew his offer of marriage to Queen Elizabeth. Her annoyance at its contents cost Stubbes his right hand, and almost his life . These uses of ‘malcontent’ are closely linked by date, and something else connects them: the revolt against Spanish rule then underway in the Low Countries. Churchyard’s “Pater Noster men, or Malcontent” were a group of Catholic Walloon soldiers, nominally part of the anti-Spanish alliance, who styled themselves ‘the Malcontents’, and who were also called ‘Paternoster soldiers’, ‘Paternoster men’, and ‘Paternoster jacks’. They had mutinied because of Protestant domination of the States-General and Protestant persecution of Flemish Catholics. Given its date, Churchyard’s poem was probably prompted by a notorious incident in October 1578 when the Malcontents turned on their Protestant allies and sacked the town of Menen . Stubbes’s pamphlet refers to another threat, to English eyes, posed by the Malcontents: their support for the Duke of Alençon, who was currently based in Flanders, and the possibility that it might lead to a Catholic Union of the southern provinces with France. Alençon himself had been the leader of a faction in Paris three years earlier who had called themselves ‘Les Malcontents’, which was perhaps what suggested the name to the Walloon soldiers . The evidence thus strongly suggests that it was these political and military events across the North Sea in the 1570s, and English anxieties about them, which caused the sudden arrival of ‘malcontent’ at the end of the decade. In the two decades or so from 1580 malcontents (both the character and the term) are more frequent in non-dramatic literature than in the theatre. Greene , Nashe , Harington and Lodge offer detailed portrayals of the type which are earlier than the only description of the Malcontent as a Character given by Joseph Hall in his Characters of Virtues and Vices (1608). In his “Characterism of the Male-Content” Hall describes a ruthless, calculating political schemer, who is far from being rendered immobile by melancholy: “Nothing but fear, keeps him from conspiracies; and no man is more cruel, when he is not manacled with danger” . The threatening and aggressive malcontent of Hall and the melancholy depressive of other depictions come together twenty years later, in John Earle’s portrait of “A Discontented Man” in Microcosmography (1628): [He is] one that is fallen out with the world, and will be revenged on himself. Fortune has denied him in something, and he now takes pet, and will be miserable in spite. The root of his disease is a self-humouring pride, and an accustomed tenderness, not to be crossed in his fancy; and the occasion commonly of one of these three, a hard father, a peevish wench, or his ambition thwarted. (…). He is the spark that kindles the common-wealth, and the bellows himself to blow it: and if he turn any thing, it is commonly one of these, either friar, traitor, or mad-man . Here Earle assumes a synonymity between the terms “malcontent” and “discontent”, commonly confused by some of the dramatists of the period . But when did the word begin to appear in drama? OED is again somewhat misleading. It offers no example from a play before 1591 (1 The Troublesome Reign of King John) whereas there is one which is ten years older. It occurs in Thomas Newton’s translation of Seneca’s Thebais (now usually entitled Phoenissae), when Jocasta begs her sons not to fight one another: She Motherlike seekes how to linke their hartes in one assent, With brynish teares she wettes the cheekes of him thats malcontent . The original, which Newton expands and perhaps misunderstands, is ‘rogat abnuentes, inrigat fletu genas’ (‘she beseeches them as they refuse, and floods her cheeks with weeping’). His ‘malcontent’ was therefore not encouraged by any related Latin form. A few years later the word finds its way into the repertoire of the London theatres, occurring first in Lyly’s Sappho and Phao (1584). Around this date the spelling ‘malecontent’ becomes frequent, permitting punning allusions to questions of gender and what might be taken to characterise “male” behaviour. One other notable feature of the progress of ‘malcontent’ through the drama is that its use goes into decline at the end of the century, just before the character-type to which modern criticism most commonly applies the term achieves its most powerful embodiment. A simple comparison of frequencies indicates the change: between 1581 and 1603 the word occurs 50 times in 31 plays; between 1604 and 1625 it occurs 33 times in 22, despite the larger corpus of extant texts . The distribution in the Jacobean sample is also very uneven: older dramatists cease using the word, and many younger ones never use it at all. Shakespeare is a striking case. He uses ‘malcontent’ in very early work (Venus and Adonis, 3 Henry VI, Edward III, The Two Gentlemen of Verona, Love’s Labour’s Lost), but after that only in The Merry Wives of Windsor (c. 1598); he never uses it in tragedy. Among his younger contemporaries, it is never used by Jonson, Chettle, Ford or Shirley, and in all the plays of Dekker and Middleton it appears only once, in a comedy, 1 The Honest Whore, which they wrote together. In consequence, ‘the Jacobean tragic malcontent’ of critical depiction is hardly ever called a malcontent in Jacobean tragedy. The first and only time the term is used as a character name in the whole of the period is in the anti-catholic pageant Descensus Astraea by George Peele (29 October 1591), where two malcontents menace Astraea’s reign: 1. Malecontent: What meaneth this, I strive and cannot strike, She is preserved by miracle, belike: If so then, wherefore threaten we in vaine, That Queene, whose cause the gracious heavens maintain. 2. Malecontent: No marvell then, although we faint and quaile, For mightie is the truth and will prevaile. (Descensus Astraea) Peele’s malcontents demonstrate how undeveloped the expressive potential of the type is at this date. They are flat and aimless figures, motivated by nothing more than a vague scepticism about Astraea’s right to rule, and incapable of providing the kind of focus for questions concerning the individual’s relation to the state, the limits of state power, and personal versus political identity which the malcontent persona permits in John Marston’s The Malcontent (1604). In this tragicomedy Malevole, Altofronto’s alter-ego, is a particular kind of malcontent, different from any noticed so far: he is described, for example, as not ambitious or determined to gain power for himself . Consistently satirical in his language and attitude, Malevole is content to act the fool, and to be taken to be one. His malcontent credentials are limited to the fact that he casts himself as an outsider, and thinks badly of the world. The result is that the audience begins to identify Altofronto, the deposed duke, as the real malcontent of the play’s title, who adopts his fake malcontent persona in order to regain the power and status he has lost. Taking Altofronto, the protagonist, as the play’s real malcontent makes it easier to understand why Marston created Malevole. It enabled him at once to preserve the Guarinian tragicomic model, which forbids any on-stage deaths, and to complicate it, since the play ends with the elimination (and thus metaphorically the killing) of Malevole, whose cynical persona is absorbed alarmingly into Altofronto’s in the play’s closing moments, when ‘Malevole’ remains on stage wearing Altofronto’s clothes. Typically in some form of disgrace, the malcontent in the drama is, or sometimes poses as, an unhappy and neglected man whose distinctive qualities can include a disruptive and sarcastic verbal idiom, thwarted ambition, poverty, and academic failure. Even applying the definition fairly strictly, one is faced with a large number of malcontents in Elizabethan and Jacobean plays, and with characters with sufficient ‘malcontent’ qualities to be admitted to the group. To make the discussion more manageable I have made a distinction between malcontents whose malcontentedness is a settled and permanent mental condition, and those for whom malcontentedness is (at least initially) a pose or an assumed role which they intend to exploit. A large number of the first group are younger brothers or bastards. This is not surprising, given the economic and social penalties that younger brothers and, even more acutely, illegitimate male offspring laboured under throughout the period, and the feelings of inferiority and exclusion which these stigmas generated. Bastards and younger brothers were viewed as ‘natural’ malcontents, and if they exhibited bitterness or hostility in response to such labelling, that only confirmed the rightness of the label. The important thing is that there is a clear connection here between the drama and prevailing social reality. The ‘stage malcontent’ is a product only partly of theatrical tradition: he could and often did express the sense of alienation and rejection experienced in specific forms by members of the audiences who watched these plays. Already in the decades before ‘malcontent’ itself enters the language, the drama begins to introduce characters whose resentment to such social pigeon-holing anticipates the behaviour and mental complexion of the malcontent proper. Gorboduc is an example. This play, performed at the Inner Temple during the Christmas festivities of 1561/1562, features a mother, Videna, who loves her elder son, Ferrex, as much as she hates her younger, Porrex. Already marginalized, the younger brother is driven by this further rejection to couple vindictiveness with ambition: “not content”, he “aspires to more...above his native right” (III, 1, 53-4). Gorboduc’s themes of the maternal misrecognition and the warping effects of being a younger son and brother reappear in Richard III (c. 1592), where the protagonist carries in addition the visual sign of his own unnaturalness in the form of physical deformity. He is, he says, therefore “determined to be a villain” (I, 1, 30), the pun on “determined” (resolved, but also ordained, destined) expressing the malcontent’s simultaneous acceptance of his socially prescribed identity as moral outcast and his desire to embrace it because it is willed, chosen and created by himself . The same determinism operates in the case of bastards, whose legal illegitimacy was thought of as at once reflecting and causing the moral illegitimacy that their behaviour and personalities were programmed to exhibit. In addition, the lustfulness and stealth that attended their conception was sure to reappear: bastards could be expected to be both lustful and deceitful. Edmund in King Lear (1605-1606) and Spurio in The Revenger’s Tragedy (1606) embody all these traits. The connection between Edmund’s character and his conception are suggested at the beginning of Lear, where Edmund is forced to listen to his father’s boastful account of it, and to hear himself described as a “whoreson”. In the following scene Edmund reveals his resentment towards his father and the society of which he is a part, but also not a part. He copes with it by resorting to a form of fatalism: “I should have been that I am had the maidenliest star in the firmament twinkled on my bastardizing” (I, 2, 131-133). His bastard identity existed from the moment of his conception and is inalienable; he cannot conceive of himself – of his self – apart from it. Only when his father is dead does any alteration become possible, and even then the good he attempts to do is “in spite of mine own nature” (V, 3, 242). Spurio, Middleton’s discontented bastard, is even more in thrall to a false (both dishonest and counterfeit) identity. His vindictiveness is presented as entirely produced by his illegitimacy and his conviction that it makes him not fully human, an “uncertain man” (I, 2, 133). The personal and to some degree defensible grounds for vengefulness accorded to Edmund, in the form of Gloucester’s moral complacency and unfeeling remarks, are absent here: we are given no sense of the nature of Spurio’s relationship with his father the Duke. The treatment is flatter, and bleaker. Spurio comes close to being an ambulating symbol of his own counterfeit identity (“adultery is my nature”, I, 2, 177). Middleton withholds any sense of emotional complexity in his character, so that the old Duke’s death does not trigger any promptings of repentance – and one could say that the play itself endorses Spurio’s own conviction that he is a surplus quantity: he serves no particular dramatic function, apart from being briefly useful to Vindice’s revengeful plans . At the same time – and this is true of malcontents in many other plays – his cheerful cynicism and verbal wit are a source of considerable theatrical energy, so while he is in terms of the plot virtually redundant, he contributes significantly to the play’s black humour and its satiric vision. If the illegitimate sons and the younger brothers are in various degrees natural and involuntary malcontents, because their condition guarantees exclusion from all forms of social and political life, many other characters consciously assume a malcontent persona in order to pursue some secret agenda of their own. A complex example of this is Hamlet. Hamlet confesses to “my weakness and my melancholy” (II, 2, 597), perhaps viewing these traits as a settled part of his temperament rather than as having arisen only recently because of his father’s death and mother’s remarriage. At the same time, he consciously simulates other standard components of the malcontent personality, “putting on” an “antic disposition” (I, 5, 180), and telling Rosencrantz and Guildenstern that the reason for his “discontent” (this is the Bad Quarto’s term, the Good reads “distemper”) is that he lacks advancement. Calculation is at work here, rather than genuine self-description: the meaning of “advancement” he intends for his false friends is “ambition”, but the private meaning he intends for himself is that he is discontented because his plans to revenge his father’s death are not advancing as fast as he would like. A key source of the complexity of this play is thus that Hamlet is a genuine malcontent while simultaneously pretending to be one, and the dividing line between the reality and the role is constantly open to question. Shakespeare’s next tragedy, Othello (1602), offers in Iago another character who plays the malcontent while also being one. In his manipulation of Roderigo, he explains his hatred of Othello as a response to the promotion of Cassio, and bitterly denounces a world where “Preferment goes by letter and affection / And not by old gradation, where each second / Stood heir to th’ first” (I, 1, 34-37). Iago’s soliloquies, however, tell a different story, laying bare a tormented psychopathology involving sexual obsession and compulsive jealousy: “I hate the Moor / And it is thought abroad that ’twixt my sheets / He’s done my office” (I, 3, 385-387). Iago consciously uses the stock characteristics of the malcontent – ambition, resentfulness, a conviction of having been inadequately rewarded – to reassure Roderigo, and perhaps to some extent, himself. As in Hamlet, the character adopts a mask to provoke reactions, but here the adoption of the role works in a different way. Hamlet’s “antic disposition” is projected at everyone but Horatio, whereas Iago plays the malcontent only to Roderigo; for everyone else he creates another role, that of “honest Iago”. In The Revenger’s Tragedy this double-layering of malcontent identities, fake on top of real, reaches a high point of complex elaboration. The gap – and the overlap - between inner, perceived and outward identities, between what people are, what they take themselves to be, and what they contrive to make others think they are, is a paramount concern of the play. Vindice, in order to pursue his revenge on the murderer Duke, disguises himself as Piato, one meaning of which is “plated”. This should be a temporary disguise (“I’ll put on that knave for once”, I, 1, 93) but the play reveals that Vindice is actually Piato, since the elements from which Vindice constructs Piato’s identity reduplicate his own, and plot details corroborate this dovetailing: both characters have been socially demoted, and Vindice prostitutes Gloriana just as Piato seeks to prostitute Vindice’s sister . Middleton complicates the use of the character-type as a catalyst for a discourse on identity by creating a triple division of Vindice’s self. Vindice not only assumes the role of Piato, but later in the play he “plays” Hippolito’s melancholy and embittered brother whom Hippolito introduces to Lussurioso as someone he can employ as a knavish hireling – his task being to kill Vindice’s other fake (and true) self, Piato. This produces an ingenious short-circuiting: Vindice plays the role of the Vindice which his social betters impose on him, that of “a man / In whom much melancholy dwells” (IV, 1, 55-56), “of black condition, suitable / To want and ill content” (IV, 1, 70-71), possessing “a parlous melancholy” (IV, 2, 105) and a “ill-moneyed” man (IV, 2, 107). The dizzying ambiguities generated by this chain of duplicate selves are noted, appropriately, by Vindice: “Oh I’m in doubt / Whether I’m myself or no!” (IV, 4, 24-25). The mask of the malcontent at once conceals and expresses his identity. In Hamlet, Othello and The Revenger’s Tragedy true and pretended malcontents fold into one another so that the supposedly fake role expresses a degree of truth about the identity the role is meant to camouflage. In Webster’s The White Devil (1612) and The Duchess of Malfi (1614) this layering technique is largely absent: Flamineo and Bosola perceive themselves and are recognized by others as malcontents in a more straightforward way, without any metatheatrical dimension being involved. Whereas Hamlet, Iago and Vindice benefit (if that is the term) from a certain fluidity in the way the self is understood in their plays, so that they can move in and out of alternative personalities, these two Websterean characters are trapped in an oppressively punitive world governed by a social, economic and religious determinism. Here the malcontent is more victim than agent, and the limiting impact of low birth and poverty are more strongly registered. The struggle against these conditions gives these two malcontents a theatrical dynamism and energy which complicates our response to them. It also implies that simple condemnation of these discontented men who reject or invert all moral norms and social values (as in Flamineo’s wish to have “plurality of fathers”) may not be sustainable. As regards their treatment of the malcontent character, The White Devil is the more pessimistic play. Flamineo knows that social and economic constraints have made him what he is, but this knowledge does not give him the power to reshape his life. His dying words (“I do not look / Who went before, nor who shall follow me; / No, at myself I will begin and end”, V, 6, 254-256) declare the impossibility of growth or change. In no sense can the malcontent identity be regarded as energising or liberating, yet, for himself, he envisages no alternative to it. In The Duchess of Malfi, however, Bosola does at the end succeed in discarding his socially imposed role of malcontent and affirming his own subjective will. At the beginning of the play, Bosola’s status as a malcontent is undisputed . It is taken to be his essential identity: “Be yourself: / Keep your old garb of melancholy” (I, 2, 201-202), and he becomes Ferdinand’s “creature” (I, 2, 211). But in Act IV the play begins to suggest the presence of a different self, one which accepts the existence and the relevance of moral choices and the guiding power of conscience. The result is a conflict of impulses, as Bosola begins to pity the Duchess but feels simultaneously tied to Ferdinand (and by extension to his own malcontent side), and then takes shelter in a sequence of disguises designed, absurdly, to distance him from her murder (he is first “like an old man”, then “a tomb-maker”, then “the common bellman” (IV, 2, 115, 147, 172). Ironically, it is through another role, that of revenger, that he pursues justice and access to a new, morally aware self, and this role, too, fails, since he kills not Ferdinand but Antonio, the only person that he wants to save. Yet in spite – or perhaps because – of this failure Webster is able to dramatise the successful rejection of coercive social patterning in the formulation of the self, so that Bosola’s final verdict on himself is not undercut by irony or pessimism: he is of “good nature, yet i’th’end / Neglected” (V, 5, 86-87). What prompted Webster to modify the characterization of the malcontent in The Duchess, and with it his dramatic function? The answer lies not with a belated attempt at moralism or Webster’s supposed inconsistency and inability to create a coherent dramatic structure. One is dealing here with a deliberate use of sources, a use not previously noticed. In Matteo Bandello’s twenty-third novella Il signor Antonio Bologna sposa la duchessa di Amalfi e tutti due sono ammazzati, published in his Novelle of 1554 and translated by William Painter in 1567 in The Palace of Pleasure, Daniel de Bozola is a Lombard captain who kills Antonio Bologna. However, before the author mentions this murderer, we are told of a Neapolitan gentleman who was first asked to kill the Duchess’ husband and, “having chaunged his minde, and differing from day to day to sorte the same to effect” , was substituted by the Aragonian brothers with a man “of larger [i.e. less scrupulous] Conscience than the other, inveigled with Covetousnesse, and hired for ready Money” , namely Bozola. Bosola’s hesitation and repentance in the play clearly derive from Bandello’s description of this Neapolitan gentleman whose “Conscience” makes him reluctant to kill Antonio. It occurred to Webster that he could fuse the two historical figures (the Gentleman and Daniel de Bozola) and this in turn induced him to intensify the restorative and life-enhancing impact of the Duchess on those around her, as it is her responses to Bosola’s malcontent side which prompts the awakening of his conscience. Webster reshapes the malcontent in this play, but his plays remain part of the progressive pessimism of Jacobean literature. The decisive shift from agents to victims and the increasingly negative and satirical tone affect the portrayal of the character in Jacobean tragedy, a shift boosted in Webster by his nihilism, his inclination to depict a world without meaning or direction, where there is no coherence visible in either the human mind or the sequence of events. The pessimism is hardly diminished if one regards Webster instead as a social and political commentator, preoccupied with the power of ‘great men’ and with the idea that identity is a product of power-relations and the individual’s economic circumstances. After The Duchess of Malfi, the malcontent figure becomes flatter and less of a vehicle for the exploration of identity and subjectivity (the only exception is De Flores in Middleton and Rowley’s The Changeling). In Massinger’s The Unnatural Combat (1624-1625), for example, Captain Belgarde is defined as a malcontent because of his social and economical position, but he is mainly a comic figure who, at the end of the play, is rewarded for his services. In the Restoration drama, Thomas D’Urfey frequently uses the word “malcontent”, and he offers a portrait of this figure in a non-dramatic work (The Malecontent: A Satyr, 1684). Here the author describes a hermit, “A forlorn uncomfortable wretch, / Grizzled with hair, by Sorrow and by Years, / His Sullen face bedew’d with Tears, / [who] Look’t like the Figure of Mortality, / Or Man in his first State of misery” . His function is simply to denounce the vices of the world. With the end of the reign of James I the malcontent had lost his expressive potential and imaginative appeal, an appeal summed up by Demetrius’ comment as reported by Seneca in his De Providentia, and translated by Thomas Lodge in 1614: “There is nothing, saith he, more unhappy then that man that hath never beene touched with adversitie: for he hath not had the meanes to know himselfe”

Nel teatro shakespeariano è molto spesso presente un uso del tempo affatto moderno e connesso con le nuove tecnologie, se si considera come moderna la presenza massiccia nel canone di una temporalità realistica e cadenzata dal movimento delle lancette dell’orologio, vero oggetto rivoluzionario del nuovo modello temporale. Tra i tanti strumenti che Shakespeare impiega per la manipolazione dell’elemento temporale a livello di drammaturgia, uno è sembrato particolarmente innovativo e rilevante: la scadenza. Si è pensato che la presenza di questo elemento in circa un quarto della produzione shakespeariana potesse rappresentare, anche solo dal punto di vista quantitativo, un dato interessante e meritevole di esame approfondito. Si è infatti ritenuto che l’imposizione di un limite di tempo preciso e scandito dall'orologio all’interno del dramma testimoni non soltanto la sussistenza di un nuovo approccio alla temporalità, ma anche la familiarità del pubblico con un nuovo modo di pensare il tempo. Si è considerato inoltre che il legame tra la scadenza e una nuova concezione del tempo potesse risultare con maggiore evidenza mettendola a confronto con un altro elemento, rappresentativo invece di un pensiero più tradizionale: la profezia. Nella profezia si è infatti voluto vedere una sorta di antecedente della scadenza stessa, a causa di alcuni aspetti formali che le accomunano; allo stesso tempo, tuttavia, ci si è concentrati sull’aspetto che le differenzia, operante proprio sul piano temporale e tale da renderle emblematiche di due tradizioni culturali e teatrali vicine ma fondamentalmente differenti.
Shakespearian theatre often presents a use of time which is undeniably modern and connected to new technologies, if we consider as modern the presence, in the Canon, of a realistic kind of temporality, marked by the rhythm of the clock, the revolutionary object that characterizes the new temporal model. Among the techniques that Shakespeare uses to manipulate the temporal element on a dramaturgical level, one seemed to be particularly innovative and relevant: deadline. The presence of this element in about one fourth of Shakespearean production could represent, if only from a quantitative perspective, an interesting fact, worthy of in-depth analysis. The imposition of a precise time limit, marked by the clock, was thought to be a testimony both of a new approach to temporality, and of the audience's familiarity with a new way to conceive time. The connection between deadline and a new conception of time was thought to better emerge by comparing it to another element, more representative of a traditional way of thinking: prophecy. Prophecy was considered as a sort of precedent for deadline, because of some formal aspects that they have in common; at the same time, however, the work focused on their differences, that occur on the temporal level, so much so that they almost become symbols of two cultural and theatrical traditions that are close, but fundamentally different.

Il progetto si sviluppa attraverso una successione di padiglioni, piccoli elementi , per lo più belvederi ,che portano il visitatore dall’ Ingresso del Giardino Inglese della Reggia di Caserta, fino al progetto conclusivo del teatro all’aperto. Il percorso segue un tracciato sinuoso che, instaura un dialogo con le preesistenze e che va ad armonizzarsi con la natura e con il percorso dell’acqua, elemento generatore del complesso.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente.
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Rispetto agli altri studi sulla ricezione dell’opera drammatica di Shakespeare, questa tesi sulla fortuna del Julius Caesar nel teatro italiano dal 1949 al 2012 si spende innanzitutto per promuovere una rivalutazione, in senso positivo, dell’apporto degli adattamenti drammaturgici alla conoscenza del Bardo inglese in Italia. Avvalendosi di documentazione a stampa e archivistica coeva, nonché di interviste agli artisti del nostro teatro contemporaneo, lo studio ha verificato come nel realizzare le proprie messinscene del Julius Cesar i registi e gli attori che nel passato recente vi si sono cimentati abbiano perseguito tanto la ricostruzione filologica del dettato shakespeariano originale, quanto la propria ricerca stilistica personale, spesso e volentieri avvalendosi della collaborazione con eminenti esperti, al fine di presentare al pubblico allestimenti sempre esteticamente e filologicamente rigorosi, oltre che pertinenti e significativi. Pertanto, interrogandosi in generale sulle sfide e i compromessi insiti nella prassi ermeneutica, in definitiva questa ricerca sull’interpretazione del Julius Caesar nella scena italiana contemporanea tenta altresì di “demistificare” entrambe le mitologie shakespeariana e cesarea al fine di auspicare nuove pratiche di indagine drammaturgica e registica che permettano al nostro teatro di superare la crisi che attualmente attraversa. Ricostruendo i caratteri dei quindici allestimenti contemplati dal nostro studio, infatti, si è cercato di trarre dalla storia del nostro teatro e dei nostri studi shakespeariani degli utili spunti che possano infondere nuova linfa vitale alla dialettica tra la ricerca accademica e quella teatrale.
This dissertation on the reception of William Shakespeare’s Julius Caesar in Italian theatre from 1949 to 2012 calls for a positive consideration of theatrical adaptation practices, which only recently have been appropriately valued in Italian critical discourse on Shakespeare’s staging desiderata. Based on thorough archival research and interviews with contemporary theatre directors and actors, it also questions how much, and with what results, Italian theatre and academia have cooperated in the last seventy years so as to offer to the Italian audience "compromise stagings" of the Bard’s Roman tragedy that pursue both philology and innovation in theatrical work. While focusing on the history of Shakespeare’s Julius Caesar hermeneutic practice, this research may also be read as an investigation into the myths surrounding both the historical figure of Julius Caesar and that of Shakespeare. This is achieved through an historical reconstruction of different critical approaches to textual analysis in the study of both subjects, which indirectly yet daringly tackles the question of why Italian theatre practitioners prefer Shakespeare’s plays to new dramaturgy in Italian. Through the study of a set of 15 Julius Caesar Italian productions, I thus aim to assess the “liveliness” of Italian theatre and present solution to its current “crisis” by learning from the past and suggesting new ways for active cooperation between theatre and academia.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2014.
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Abstract : The problem discussed in this study regards the analysis of the construction of Folias d'Arte's production of Otelo in relation to the cultural and political scenario that involved the Iraq war, more specifically concerning the depiction of the character Iago in selected scenes of the production. Folias' Otelo, which premiered in 2003 in São Paulo, was directed by Marco Antonio Rodrigues and had the text translated by Maria Sílvia Betti. The scene analysis concentrated mainly on the study of Folias' portrayal of Iago's intellectual tactics in relation to George W. Bush's administration's political games to invade Iraq in 2003. Such event caused a feeling of unfairness around the world concerning the real motives and strategies that Bush's administration deployed to go to war. I have relied on Edward Rocklin's notions of conception, enactment, and critical reception to structure this study. Also, I have counted on Alan Dessen's concepts regarding the subject of text alteration, and Dennis Kennedy's comments concerning the significance of the visual in theatrical productions. As for the discussion on parameters to investigate the performance of actors, and the translation of dramatic texts, I have brought to this investigation Patrice Pavis' thoughts on such subjects. The present thesis demonstrates that Folias' Otelo offers, in different stages of its construction, elements that propose a critical view on the cultural and political scenario related to the Iraq war. Additionally, the connection between Iago's intellectual tactics and Bush's administration's schemes to invade Iraq can be vastly observed in the analysis of scenes.

O problema a ser discutido neste estudo diz respeito à análise da construção do Otelo da companhia de teatro Folias d'Arte em relação ao cenário político e cultural associados à guerra do Iraque, mais especificamente quanto à representação do personagem Iago em cenas selecionadas da produção teatral. O Otelo do Folias, que estreou em 2003 em São Paulo, foi dirigido por Marco Antonio Rodrigues e teve o texto traduzido por Maria Sílvia Betti. A análise de cenas concentrou-se principalmente no estudo da representação das táticas intelectuais de Iago na produção do Folias com relação ao jogos políticos da administração de George W. Bush para invadir o Iraque. Tal evento gerou um sentimento de injustiça que se espalhou mundialmente devido aos reais motivos e estratégias que a administração de Bush utilizou para efetivar a guerra. Para a estruturação deste estudo, utilizei as noções de concepção, produção e recepção crítica de Edward Rocklin. Também adotei os conceitos de Alan Dessen para abordar o assunto de alteração de texto, e comentários de Dennis Kennedy relacionados à importância do visual em produções teatrais. A respeito da discussão sobre parâmetros para a investigação da performance de atores e sobre a tradução de textos dramáticos, inclui neste estudo noções de Patrice Pavis relacionadas a tais assuntos. Esta dissertação mostra que o Otelo do Folias oferece, em variados estágios da sua elaboração, elementos que sugerem uma visão crítica do cenário político e cultural relacionado à guerra do Iraque. Além disso, por meio da análise de cenas, é possível observar em diversos momentos a conexão entre as táticas intelectuais de Iago e os esquemas da administração de Bush para invadir o Iraque.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2012
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Abstract : This study assesses the impact of a specific theatre space on Shakespeare's work along two broad lines of inquiry. The sociopolitical environment and the structural features and resources of the Globe theatre are examined in turn, in an effort to ascertain the extent to which they may have shaped the conception and enactment of Julius Caesar in 1599. The social, religious, and political concerns of contemporary London are elucidated by the identification of relevant evidence from the play text. Likewise, discussions of the Globe's structure and staging conditions are informed by the analysis of several key scenes from the play. The study relates the attributes of the Globe theatre and the Shakespearean stage in general to the concepts of Holy and Rough Theatre found in Peter Brook's The Empty Space, and employs Andrew Gurr's notion of the "Shakespearean Mindset" as well as J. L. Styan's theories concerning the imaginative neutrality of the stage space and the creative collaboration of the audience, to apprehend the connection between the language of Julius Caesar and the specific theatre space in which it was first enacted. The metaphorical potential of the stage space and theatre structure as a whole are discussed with reference to discernable metatheatrical moments in the play. The study verifies a complex connection between Julius Caesar and the Globe theatre and its surroundings, allowing for an improved understanding of the play's layered contextual significance, as well as informing of staging practices at the Globe that brought Shakespeare's words to life.

Este trabalho avalia o impacto de um espaço de teatro específico sobre a obra de Shakespeare ao longo de duas amplas linhas de investigação. O ambiente sócio-político e as características estruturais e recursos do teatro Globe são analisados sucessivamente, em um esforço para determinar a medida em que eles podem ter formado a concepção e encenação de Julius Caesar em 1599. As questões sociais, religiosas e políticas da Londres contemporânea são elucidadas pela identificação de evidências relevantes no texto. Da mesma forma, as discussões sobre a estrutura do Globe e as condições de encenação são esclarecidas pela análise de várias cenas-chave da peça. O estudo relaciona os atributos do teatro Globe e do teatro Shakespeareano em geral aos conceitos de "Holy and Rough Theatre" de Peter Brook, e utiliza a concepção de Andrew Gurr chamada "Shakespearean Mindset", assim como as teorias de J. L. Styan relativas à neutralidade imaginativa do espaço do palco e à colaboração criativa do público, para compreender a conexão entre a linguagem de Julius Caesar e do espaço teatral em que foi inicialmente encenada. O potencial metafórico do espaço do palco e da estrutura do teatro como um todo é discutido no que tange a momentos metateatrais discerníveis na peça. O estudo verifica uma relação complexa entre Julius Caesar e o teatro Globe e os seus arredores, permitindo uma melhor compreensão da significância contextual multifacetada da peça, bem como registro de práticas de encenação no Globe que trouxeram as palavras de Shakespeare à vida.

La tesi investiga la critica shakespeariana di Hazlitt, concentrandosi sulle analisi alle quattro maggiori tragedie del bardo, Macbeth, Othello, Hamlet e King Lear. Uno dei i principali e più importanti obiettivi della tesi è quello di dimostrare come la critica shakespeariana di Hazlitt si discosti da quello che è solitamente conosciuto come “character criticism”, mettendo in luce l’interesse del critico romantico non soltanto per i personaggi, ma anche per la trama e la struttura generale dei drammi, e per le interpretazioni teatrali dei drammi stessi. Il capitolo uno riunisce le recensioni, i saggi, le lezioni e le pubblicazioni che costituiscono il vasto apparato critico shakespeariano di Hazlitt, fornendo un’interessante ed ampia panoramica delle principali fonti della sua critica shakespeariana. I capitoli due e tre presentando un’analisi puntuale delle letture hazlittiane delle quattro grandi tragedie di shakespeare, rispettivamente di Macbeth e Othello, Hamlet e King Lear. Vengono evidenziati gli elementi che permettono di inserire Hazlitt fra i maggiori esponenti del Romanticismo critico inglese e di proporlo come acuto precursore di argomentazioni novecentesche su Shakespeare.
The dissertation investigates Hazlitt’s Shakespearean criticism, focusing mainly on his analysis of Shakespeare’s major tragedies, Macbeth, Othello, Hamlet and King Lear. One of the main and most important objectives of the dissertation is that of demonstrating that Hazlitt’s Shakespearean criticism differs from what is usually known as “character criticism”, underlining the critic’s interest not only for the characters, but also for the plot and the general structure of the plays, and for the theatrical interpretations of the plays themselves. Chapter one collects the reviews, the essays, the lectures and the many publications that constitute Hazlitt’s vast Shakespearean criticism. It provides an interesting and wide overview of the main sources of Hazlitt’s Shakespearean criticism. Chapters two and three present an accurate analysis of Hazlitt’s readings of Shakespeare’s great tragedies, respectively Macbeth and Othello, Hamlet and King Lear. These chapters bring to light the elements that allow Hazlitt to be included among the major English Romantic critics and that establish him as acute forerunner of twentieth-century Shakespearean theses.

Il presente elaborato offre una proposta di traduzione commentata di quattro scene del dramma di Larry Kramer, “The Normal Heart”. La tesi consiste di tre capitoli: il primo di questi si concentra sulla biografia e sulla produzione artistica dell'autore, con un focus particolare su The Normal Heart, di cui analizzo le tematiche, e sul contesto storico-sociale in cui l'opera si inserisce. Questo capitolo offre inoltre un excursus sulla letteratura sull'AIDS e presenta le quattro scene di cui propongo la traduzione nel secondo capitolo. È nel terzo e ultimo capitolo che viene poi esposta un'analisi commentata della traduzione, in cui sono messe in luce le difficoltà relative alla traduzione e le strategie con le quali ho risolto i problemi traduttivi. In particolar modo, vengono presi in considerazione il rispetto del criterio della “recitabilità” e i problemi relativi alla traduzione del linguaggio colloquiale, delle forme verbali che non hanno equivalenti precisi nella lingua d'arrivo e delle espressioni volgari. Seguono infine le conclusioni, in cui espongo alcune riflessioni personali sul lavoro eseguito.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Inglês: Estudos Linguísticos e Literários, Florianópolis, 2016.
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Abstract : The problem addressed in this thesis concerns the analysis of William Charles Macready's reconstruction of Shakespeare's King John in Victorian London. During the nineteenth century, the Medieval Revival movement achieved its peak. This movement aimed at reviving the Middle Ages as the glorious birth of English culture and identity in opposition to the Ancient Roman and Greek traditions. As a consequence, artistic manifestations which expressed medieval themes gained prominence, including Shakespeare's historical plays. Macready's production of King John premiered at Royal Theatre Drury Lane on 24 October 1842, therefore, during the heyday of the Medieval Revival. My initial questioning was on the implications of this medievalist trend of the nineteenth century in Macready's production. My initial hypotheses were two: Macready's production followed the general Victorian perspective on the Middle Ages, which was romanticised and idealised; or his production maintained a more negative outlook on the medieval past, characteristic of the Renaissance period, in which Shakespeare wrote the original play. What I came to realise during this study was that in Macready's case both perspectives intertwined on the Victorian stage. My analysis is based on postmodern discussions on history, historiography, and theatre historiography, mainly supported by the works of Linda Hutcheon, Hayden White, Thomas Postlewait, and Richard Schoch. Schoch's concept of double-voiced historicism¬ permeates this thesis. From his concept, I have created the notion of double-voiced medievalism, which is the combination of two different perspectives on the Middle Ages in one artistic manifestation. The main corpus of the present analysis was Charles Shattuck's published version of Macready's prompt-book for Shakespeare's King John.

O problema abordado nesta dissertação diz respeito à análise da reconstrução de William Charles Macready da peça King John de Shakespeare na Londres vitoriana. Durante o século XIX, o movimento Medieval Revival atingiu o seu auge. Esse movimento destinava-se a reviver a Idade Média como o glorioso nascimento da cultura e da identidade inglesas em oposição às tradições da Antiguidade Greco-Romana. Como consequência, as manifestações artísticas que expressavam temas medievais ganharam destaque, incluindo as peças históricas de Shakespeare. A produção de King John de Macready estreou em 24 de outubro de 1842 no Royal Theatre Drury Lane, portanto, durante o auge do Medieval Revival. Meu questionamento inicial foi sobre as implicações dessa tendência medievalista do século XIX na produção de Macready. Minhas hipóteses iniciais eram duas: a produção de Macready seguiu a perspectiva geral vitoriana sobre a Idade Média: romantizada e idealizada; ou a sua produção manteve uma perspectiva mais negativa sobre o passado medieval, típica do período da Renascença, em que Shakespeare escreveu a peça original. O que eu vim a perceber durante este estudo foi que, no caso de Macready, ambas as perspectivas se entrelaçaram no palco vitoriano. Minha análise é baseada em discussões pós-modernas sobre história, historiografia e historiografia do teatro, tendo como suporte, principalmente, os trabalhos de Linda Hutcheon, Hayden White, Thomas Postlewait e Richard Schoch. O conceito de double-voiced historicism de Schoch permeia esta tese. A partir do seu conceito, eu criei a noção de double-voiced medievalism, que é a combinação de duas perspectivas diferentes sobre a Idade Média em uma manifestação artística. O principal corpus da presente análise foi a versão publicada de Charles Shattuck do prompt-book de Macready da peça King John de Shakespeare.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Inglês: Estudos Linguísticos e Literários, Florianópolis, 2016.
Made available in DSpace on 2016-09-20T04:47:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 339903.pdf: 25212532 bytes, checksum: 56d7668a74a46b3ddcfec875fac9c570 (MD5) Previous issue date: 2016
Abstract : This study examines William Shakespeare's ?Great Tragedies??Hamlet, Othello, King Lear, Macbeth, Antony and Cleopatra?and their precursor, Julius Caesar, with a view to apprehending their historicity. The relationship between literature and history is here addressed from a theoretical perspective that foregrounds the historical and local specificity of literary texts. The aim is thereby to consolidate the perception of the plays as historical events, centre-stage in a city and a cultural moment that are of great interest to the literary critic and the historian alike. The selected plays are treated as a series?the ?Globe tragedies??in order to highlight a remarkable period of professional stability and success in Shakespeare's career. The nine years between 1599 and 1608 constitute the only period in which Shakespeare can be said to have written for the Globe playhouse, while the venue was the primary focus of dramatic production for the Chamberlain-King's Men playing company. The present study shows that the contingent origins of the Globe, together with various political and theatrical controversies of the years immediately preceding the building of the Globe, left their mark on the plays. Likewise, traits of a Renaissance ethos, which was embodied by the new playhouse, are identified in the play texts. The study also focuses on moments of metatheatre, which draw attention to the playhouse itself, the city, or the society in which the drama is being performed, and which thus indicate the importance of ?place? in Shakespeare's work. By examining various facets of Shakespeare's creative environment across three principal chapters, the study demonstrates that the Globe tragedies were ineluctably shaped by their original conditions of performance in London between 1599 and 1608.
O presente estudo examina as ?Grandes Tragédias? shakespearianas?Hamlet, Otelo, Rei Lear, Macbeth, Antônio e Cleópatra?bem como a tragédia precursora, Júlio César, visando à apreensão da historicidade dessas peças. A relação entre Literatura e História é aqui abordada a partir de uma perspectiva teórica que topicaliza as especificidades históricas e locais dos textos literários. O objetivo, portanto, é consolidar uma percepção das peças teatrais enquanto eventos históricos, no centro do palco, numa cidade e num momento cultural de grande interesse, tanto para o crítico literário como para o historiador. As peças escolhidas são tratadas como uma série?as ?tragédias do Teatro Globe??, no intuito de ressaltar um extraordinário período de estabilidade profissional e sucesso na carreira de Shakespeare. Os nove anos, entre 1599 e 1608, constituem o único período em que Shakespeare, provavelmente, escreveu para o Teatro Globe, local que era o foco principal da produção dramática voltada para a companhia teatral Chamberlain-King's Men. O presente estudo demonstra que as contingências do surgimento do Teatro Globe, ao lado de várias controvérsias políticas e teatrais registradas nos anos anteriores à construção do Globe, deixaram suas marcas nas peças. Ademais, características do ethos renascentista, o qual foi incorporado ao novo teatro, podem ser identificadas nas peças. O estudo aborda, também, momentos metateatrais, que chamam a atenção para o próprio teatro, para a cidade, ou para a sociedade onde as peças são encenadas, e que, portanto, indicam a importância do ?lugar? na obra shakespeariana. Analisando diversas facetas do ambiente criativo em que Shakespeare se inseria, ao longo de três capítulos centrais, a investigação demonstra que as ?tragédias do Globe? foram, inevitavelmente, moldadas pelas condições de encenação que prevaleciam em Londres entre 1599 e 1608.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Inglês: Estudos Linguísticos e Literários, Florianópolis, 2016.
Made available in DSpace on 2017-04-11T04:12:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 344852.pdf: 1618921 bytes, checksum: 8a92dc48d5bf529c6a1c7d164cdd1cd0 (MD5) Previous issue date: 2016
Esta dissertação investiga a adaptação da peça A Tempestade, de William Shakespeare, para o álbum Aqua, lançado em 2010 pela banda brasileira de heavy metal Angra. A trajetória histórica da peça nos últimos séculos sofreu impactos políticos e teóricos com a ascensão do pós-colonialismo. Em 1950, Octave Mannoni desencadeou, em Psychologie de la colonization, crescente atenção à peça Shakespeareana em cenários onde ideologias anticoloniais estavam por emergir, como a África e o Caribe. De forma análoga, George Lamming apropriou Shakespeare a perspectivas pós-coloniais com sua coleção de ensaios intitulada The Pleasures of Exile (1960), com sua (re)interpretação dos personagens Próspero e Caliban. O álbum Aqua, através do uso de mecanismos de adaptação específicos, tais como elementos melódicos, letras e material paratextual, aborda diferentes temas, personagens e situações da peça, ao mesmo tempo em que adentra questões pós-coloniais. A adaptação musical desenvolve, na canção "A Monster in Her Eyes", uma releitura da relação entre Próspero e Caliban, que ressoa com a teoria crítica pós-colonial, subvertendo a representação de Caliban como um monstro e resguardando sua soberania nativa. Relações dialógicas entre a peça e o álbum são traçadas com o suporte de A Theory of Adaptation, de Linda Hutcheon, no intuito de analisar os meios de expressão por trás do fenômeno de adaptação musical, que apropria obras adaptadas para diferentes públicos e contextos espaciotemporais.

Abstract : The present thesis investigates the adaptation of William Shakespeare?s The Tempest into the music album entitled Aqua, released by the Brazilian heavy metal band Angra in 2010. The historical trajectory of the The Tempest throughout the last centuries underwent political and theoretical impacts with the rise of postcolonialism. In 1950, Octave Mannoni unleashed, with Psychologie de la colonization, the sparkle for an increasing attention to the play in places where anticolonial ideologies would soon emerge, noticeably Africa and the Caribbean. Similarly, George Lamming approached Shakespeare in the light of postcolonial perspectives with his collection of essays entitled The Pleasures of Exile (1960), a (re)interpretation of The Tempest that focuses on its characters Prospero and Caliban. Angra?s music album Aqua, through the usage of its specific adaptation apparatuses such as melodic elements, lyrics, and paratextual material, addresses different themes, characters, and situations from The Tempest while bringing a postcolonial perspective to the fore. Moreover, the musical adaptation provides, with the song ?A Monster in Her Eyes?, a reinterpretation of the relationship between Prospero and Caliban which resonates with postcolonial critical theory, subverting the depiction of Caliban as a monster and giving voice to his claim as a native sovereign. This theoretical interplay is analyzed under the light of Linda Hutcheon?s A Theory of Adaptation as a means to observe the means of expression behind the musical adaptation phenomenon, channeling the adapted works to alternative publics, settings, and temporal contexts.

Orientador(a): Natália Corrêa Porto Fadel Barcellos
Banca: Andressa Cristina de Oliveira
Banca: Márcio Scheel
Resumo: Os estudos comparativos entre literatura e outras artes distintas têm contribuído desde a Antiguidade para maior compreensão de obras, propiciando - concomitantemente à compreensão do objeto literário - o aumento de pesquisas e discussões. O mito bíblico de Salomé foi fortemente retomado na França do fim século XIX e, adquirindo novas e diferentes roupagens do mito original, percorreu o imaginário dos artistas do período através das famosas pinturas de Gustave Moreau, tornando-se um forte símbolo feminino de uma época marcada pelo simbolismo /decadentismo, onde a arte buscava explorar as paixões e os mistérios, em meio aos grandes avanços científicos. Oscar Wilde foi um dos escritores que deu voz à dançarina, construindo em francês mais uma versão entre as muitas variações do mito ao publicar sua peça em 1893. Sua Salomé percorreu a Europa em meio a polêmicas e obteve mais sucesso que as outras obras de mesmo tema - e melhores avaliadas pela crítica do período - dando à personagem maior destaque e repercussão. Encantado com a peça de Wilde, Aubrey Beardsley, em 1894, ilustra a versão inglesa com seu estilo característico - variando da Art Noveau à influência das pinturas japonesas - em um tom erótico e grotesco peculiar. Suas ilustrações correram o mundo com a peça e trouxeram ainda mais notoriedade e significado à versão wildeana, o que permite pensar que o elemento pictórico poderia ultrapassar suas funções tradicionais de simples acompanhante do texto, acrescentando inform... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: Comparative studies between literature and other distinct arts have contributed since the ancient times to a better understanding of art pieces, providing - simultaneously to the understanding of the literary field - an increase in researches and discussions. The biblical myth of Salomé was highly restored in France late in the 19th century and, by featuring a new and different appearance from the original one, covered the imagination of artists from that period through Gustave Moreau's famous paintings, becoming a powerful female symbol of a time marked by the Symbolism/ Decadentism, when art aimed to explore passions and mysteries among the great scientific advances. Oscar Wilde was one of the writers who gave voice to the dancer, building another version of the myth among several ones by publishing his play in 1893. His Salomé roamed Europe in the middle of controversies and obtained more success than the other pieces about the same theme - and the ones that received the best evaluations of that time - what gave the character a greater focus and impact. Amazed by Wilde's play, Aubrey Beardsley, in 1894, illustrates the British version with his typical style - ranging from the Art Nouveau to the influence of Japanese paintings - in a peculiar erotic and grotesque shade. His illustrations roamed the world with the play and brought even more visibility and meaning to Wilde's version, which enables to assume that the pictorial element could overcome its traditional functions o... (Complete abstract click electronic access below)
Mestre

Orientador: Peter James Harris
Banca: Márcio Scheel
Banca: Flávia Andrea Rodrigues Benfatti
Resumo: Este trabalho realiza uma leitura crítica da primeira obra erótica publicada em língua inglesa, Fanny Hill: Memoirs of a Woman of Pleasure (1748-49), que conta as aventuras de uma jovem prostituta, e a adaptação teatral da autora feminista April de Angelis: The Life and Times of Fanny Hill (1996), que relata os processos pelos quais Fanny Hill, uma prostituta mais velha, enfrenta ao escrever um livro encomendado. Além da análise das duas obras, este estudo apresenta uma comparação direta entre o romance e a peça, utilizando como ponto de partida para a reflexão o modo como cada uma das histórias foram contadas ao leitor, a escolha linguística dos autores, a maneira como a temática sexual foi tratada por Cleland e por Angelis e a construção das duas personagens, tão próximas e tão distantes entre si
Abstract: This paper makes a critical reading of the first erotic book published in English, Fanny Hill: Memoirs of a Woman of Pleasure (1748-49), which tells the adventures of a young prostitute, and the theatrical adaptation of feminist author April de Angelis: The Life and Times of Fanny Hill (1996), which chronicles the processes Fanny Hill, an older prostitute, faces in writing a commissioned book. In addition to the analysis of the two works, this study presents a direct comparison between the novel and the play, using as a starting point for reflection how each of the stories were told to the reader, the linguistic choice of the authors, the form sexual themes were treated by Cleland and Angelis, and the construction of the two characters, so close and so far apart
Mestre

O objetivo desta dissertação é apresentar algumas traduções e encenações em língua inglesa do teatro de Nelson Rodrigues nos anos recentes. A tradução de texto teatral é um campo pouco pesquisado nos estudos de tradução. A relação entre texto e representação é algo inerente a esse tipo de texto, algo que deve ser levado em consideração ao se traduzir para o palco. O texto teatral não pode ser tratado como literatura devido à natureza múltipla de seus signos; que ultrapassam a dimensão linguística, incluindo também, ritmo, entonação, pausa, cenografia, figurino, gesto entre outros elementos. Por meio da análise de traduções e encenações realizadas nos Estados Unidos e na Inglaterra, veremos como ocorreu a transposição de peças rodriguianas para os palcos desses países, num estudo que aborda tanto questões lingüísticas quanto aspectos próprios ao teatro.
The purpose of this dissertation is to analyse some translations and performances of Nelson Rodrigues´s theater presented in English recently. Theater Translation is not a very explored area within Translation Studies. The relationship between text and performance must be taken into consideration when translating for the stage. Theater texts can not be treated as literature due to the multiple nature of their signs, that goes beyond the linguistic dimension, including also rhythm, intonation, pause, design, costume and gesture, among other aspects. Analysing translations and performances staged in the United States and in England, it will be possible to see how the transposition of the Portuguese text into English occurred. The analysis includes linguistic issues and aspects related to theater as well.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Florianópolis, 1980.
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Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Florianópolis, 1983.
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“Lo Stato considera l'attività lirica e concertistica di rilevante interesse generale, in quanto intesa a favorire la formazione musicale, culturale e sociale della collettività nazionale”. Questo è quanto riportato all’art. 1 della legge 14 agosto 1967 n. 800, intervenuta per disciplinare gli “enti autonomi lirici e le istituzioni concertistiche assimilate”. Appoggiando tale orientamento, si propone una analisi comparata di alcuni dei più importanti Teatri Lirici italiani ed inglesi per comprendere le dinamiche che coinvolgono il settore artistico-musicale tipiche dei due Paesi, e le conseguenti risposte gestionali dei Teatri. Si pone l’obiettivo di combinare due realtà tra loro molto diverse per far emergere i punti di forza delle nostre Istituzioni, nonché alcuni spunti per possibili interventi nell’ambito della gestione delle stesse. Si comprenderà quindi l’importanza che l’istruzione e la sensibilizzazione sociale rivestono per il futuro delle Fondazioni. Quali strumenti di osservazione verranno utilizzati i bilanci d’esercizio degli ultimi anni e le informazioni pubblicate nei siti internet delle Fondazioni e delle Charity inglesi. Si arriverà quindi a comprendere l’importanza della trasparenza ai fini della sponsorizzazione. In un periodo caratterizzato da interventi volti a fronteggiare lo stato di crisi delle Fondazioni lirico-sinfoniche italiane, si vuole offrire un umile contributo per salvaguardare tale importante patrimonio culturale. Platone disse: “Se volete conoscere un popolo, dovete ascoltare la sua musica”, oserei aggiungere che il nostro Paese offre anche dei luoghi splendidi dove far conoscere la propria realtà.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Cominicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente.
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Recorrendo a conceitos como opressão, identidade e representação, segundo são desenvolvidos na teoria pós-colonial contemporânea, analisa a produção teatral de 1993 d'A Tempestade com o objetivo de discutir o papel da monstruosidade de Caliban e como ela diz respeito a temas como relações de poder e espetáculo. A leitura é contextualizada não apenas em termos da apresentação de Caliban, mas também em relação às circunstâncias sociais, políticas e culturais da criação da produção. Conclui-se que a produção de 1993 da RSC reforça, de diversas maneiras, leituras tradicionais d'A Tempestade acerca do domínio de Prospero sobre a ilha.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2011
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This dissertation discusses the use of theatricalizing devices in four stage productions of William Shakespeare's The Winter's Tale. The selected performances were staged by the Royal Shakespeare Company (England, 1992), Théâtre de la Complicité (England, 1992), Folger Theatre (United States, 2009), and Companhia Atores de Laura (Brazil, 2004-2005). The discussion is structured following the notion of "performance text", proposed by Marco de Marinis (1993), which testifies to the importance of analyzing a performance in terms of its stage elements and also its contextual circumstances. Hence, the notion of "theatricalizing devices" is proposed in the present study as a tool to look at those devices employed on stage that can, simultaneously, comment on the theatrical medium and its conventions and help a production address themes and concerns related to the world outside the theater building. Additionally, the referred devices have to do with further fictionalizing the already fictional stage reality, without losing sight of the fact that those making and attending any given performance are inserted in an outside context.
A presente tese discute o uso de recursos teatricalizantes em quatro produções teatrais de O Conto do Inverno, de William Shakespeare. As performances selecionadas foram produzidas pela Royal Shakespeare Company (Inglaterra, 1992), Théâtre de la Complicité (Inglaterra, 1992), Folger Theatre (Estados Unidos, 2009), e Companhia Atores de Laura (Brasil, 2004-2005). A discussão está estruturada seguindo a noção de "texto espetacular" proposta por Marco de Marinis (1993), a qual testemunha a favor da importância de se analisar uma performance em termos de seus elementos de palco e também de suas circunstâncias contextuais. Dessa forma, a noção de "recursos teatricalizantes" é proposta na presente tese como ferramenta para olhar aqueles recursos empregados no palco que podem, simultaneamente, comentar o meio teatral e suas convenções e ajudar uma produção a tratar temas e preocupações relacionados ao mundo existente para além do auditório do teatro. Além disso, os referidos recursos associam-se com ficcionalizar mais profundamente a realidade já fictícia do palco teatral, sem perder de vista o fato que os indivíduos que realizam e assistem a qualquer performance estão inseridos em um contexto exterior.

La presente tesis doctoral es un estudio de la recepción de Shakespeare desde 1939 hasta 1975 (período de la dictadura de Franco). El trabajo comienza desgranando el canon de las producciones de Shakespeare en España desde 1772 hasta 1936, comenzando por las primeras producciones, para continuar analizando el teatro shakespeariano durante la dictadura de Primo de Rivera y la II República. Este preámbulo nos servirá para comprobar posibles influencias en la conformación del canon del teatro franquista y de la forma de representar las obras de Shakespeare. Profundizaremos en el estudio de los condicionantes políticos y culturales en la España de Franco, determinando cuál fue el papel de la censura en España y de la ideología. A continuación se vislumbra un rápido bosquejo de las producciones shakespearianas en países de ideología análoga en la misma franja temporal para estudiar posibles paralelismos. Para el estudio del canon shakespeariano se utilizan los fondos documentales existentes en torno a la prensa del momento, así como los archivos de la censura y las colecciones fotográficas de las obras representadas. Todo ello nos servirá para establecer unas conclusiones en torno a la recepción de Shakespeare en los teatros nacionales franquistas.
This work is study on the recception of Shakespeare from 1939 until 1975 (Franco´s dictatorship in Spain). The study starts in the canon observed in the Shakespere´s performances from 1772 until 1936, from the very first productions, to continue analysing Shakespere´s theatre at Primo de Rivera´s dictatorship and the 2nd. Spanish Republic. This introduction will guide us to see possible influences when studying the Francoist canon and its way of performing Shakespeare´s plays. I am also deepening in the cultural and political background, determining which was the role placed by censhorship and ideology in Spain. There is also an interesting account on the Shakespeare´s performances in Fascist countries at the same time to see possible parallelisms. For the study of Shakespeare´s canon I have been using the press at that time, as well as censorship files and photo collections. Bearing all that mind I am conforming some conclusions on Shakespeare´s reception at the Spa nish National Theatres.

Submitted by Mariana Dornelles Vargas (marianadv) on 2015-03-17T18:35:58Z No. of bitstreams: 1 teatro_como.pdf: 725560 bytes, checksum: 89c959a8efcd98fa0f19d33812223d69 (MD5)
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Nenhuma
O projeto DRAMA CLUB, do Colégio de Aplicação da UFRGS, consiste na elaboração de um espetáculo teatral em língua inglesa a partir de textos adaptados para aquele grupo. Esta pesquisa-ação propôs-se a investigar de que maneira a construção coletiva de um espetáculo teatral em Língua Estrangeira (LE) estimula sua aprendizagem pelos alunos participantes. Para tal, buscou-se observar a ocorrência de eventos de regulação e a autorregulação nas interações do professor com os alunos e entre pares. Outra hipótese da pesquisa diz respeito ao papel do referido projeto na formação de uma comunidade de aprendizes. A base teórica desta pesquisa foi a Teoria Sociocultural de Liev Vigotski e os estudos dela decorrentes desenvolvidos na área de Linguística Aplicada, bem como outros conhecimentos subsidiários como a Pedagogia de Projetos, os estudos sobre Motivação e Autonomia, a formação de Comunidade de Aprendizes, a Educação Humanística e o Teatro no Ensino de LE. A geração de dados foi feita a partir do registro em vídeo dos ensaios e espetáculos do grupo no ano de 2010, bem como de entrevistas semi-estruturadas com alguns dos participantes. Os dados gerados permitem afirmar que a atividade teatral em LE pode propiciar a ocorrência de eventos de regulação e autorregulação em ambiente mais favorável a uma aprendizagem mais contextualizada e ao estabelecimento de uma comunidade de aprendizes.
The DRAMA CLUB Project of Colégio de Aplicação da UFRGS consists of elaborating a theater presentation in English based on long-duration plays adapted to that specific group. This action research aims at investigating in which way the process of colectively organising a theater presentation in a foreign language stimulates its learning by the participant students. Thus, regulation and self-regulation occurances, both in the teacher-student and peer interaction, were observed. Another hipothesis is about the role of such Project in the creation of a community of learners. The theoretical approach of this research was Lev Vygotsky's Sociocultural Theory and other studies in the area of Applied Linguistics, as well as Project Pedagogy, motivation, autonomy, Comunity of Learners, Humanistic Teaching and Drama in Foreign Language Learning. For this study, the students' interactions were recorded in video, both those occured in rehearsals and presentations; semi-structured interviews with some of the students were also used. The data analysis suggests that the theatrical activity in a foreign language may allow the occurance of regulation and self-regulation events in an ambience friendlier to a more contextualized learning and to the creation of a community of learners

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Florianópolis, 1980.
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Nas escolas públicas, de um modo geral, percebemos que os alunos carecem de eventos e práticas de letramento que os beneficiem como leitores da língua inglesa. Juntamente com outros métodos pedagógicos, há uma necessidade de práticas motivadoras e lúdicas que possam levar os alunos ao entendimento do texto e o articulem criticamente à situação social e política na qual se encontram. Este estudo vem ao encontro de tais necessidades. É uma pesquisa-ação que envolve o uso do Teatro Lido (Readers Theater) como prática multiletrada. Tem por objetivo gerar reflexões sobre eventos de letramento, evidenciando como as práticas de leitura podem ser benéficas para os alunos. Como uma pesquisa-ação, o todo abrange duas partes: o projeto pedagógico e o projeto de pesquisa no qual os resultados obtidos são analisados e discutidos. O projeto pedagógico foi implementado em uma Escola Estadual de Ensino Fundamental e Médio (localizada no município de Cariacica, ES), e proporcionou o envolvimento dos alunos do 2º ano do Ensino Médio em práticas oralizadas de leitura. Aspectos segmentais e suprassegmentais da oralidade (aspectos prosódicos) foram apresentados aos alunos durante a fase de ensaios para orientá-los quanto à leitura em voz alta dos textos. Contudo, os aspectos mais importantes disseram respeito às vivências singulares dos alunos e alunas envolvidos no projeto, bem como as relações dialógicas constituídas a partir das práticas multiletradas em torno do Teatro Lido. Para mitigar a limitação das poucas horas de instrução, o projeto contemplou a criação de um grupo fechado em uma rede social que proporcionou aos alunos autonomia nas práticas extras-classe e permitiu o acesso a vídeos, scripts e orientações postadas pelo professor. O projeto pedagógico seguiu também uma perspectiva crítica de educação problematizando as relações de poder presentes nas falas e nas atitudes dos personagens das peças. Por outro lado, o projeto de pesquisa, com base nos dados colhidos, procurou investigar, seguindo parâmetros qualitativos, os aspectos mais relevantes observados nas práticas de letramento do Teatro Lido em inglês, especialmente para os alunos que ainda não conseguem se enxergar como leitores na língua adicional. Palavras Chave: Ensino de Língua Inglesa; Teatro Lido; Leitura em língua Adicional

Mestrado em Estudos Ingleses
Esta tese visa a análise e conclusão sobre uso da linguagem, das relações depoder e da inter-relação entre pessoas do mesmo ou de diferente sexo nas peças mais relevantes da fase intermédia da carreira do dramaturgo DavidMamet. Para dar cumprimento a esta tarefa, iniciarei com uma contextualizaçãohistórica do autor e do teatro na América do Norte dos anos setenta aos anos noventa. Seguidamente, procederei à análise do estilo linguístico de Mamet. Aqui incidirei sobre o estilo do autor relativamente à construção das cenas, dodiálogo, e das suas especificidades linguísticas, tal como a gramática, a sintaxe, o ritmo, a velocidade (o andamento), a prosódia, o recurso à invectiva, à profanidade, ao calão e à linguagem demótica, para concluir sobre a suafunção. De seguida, debruçar-me-ei sobre o modo como as relações de poder são estabelecidas nas peças em apreço. Numa primeira instância, apresentarei osresultados de uma pesquisa sobre os elementos passíveis de constituíremfontes de poder, depois analisarei a forma como as personagens masculinasestabelecemrelações de poder com os seus pares e com as personagens dosexo oposto, para de seguidame debruçar sobre o como e o porquê da transformação de carácter e linguística que se opera em duas daspersonagens principais destas peças. Finalmente, procederei à caracterização da linguagem da masculinidade nas peças, das figuras masculinas e femininas, bem como da natureza da polarização das figuras masculinas e das figuras masculinas versus femininas. ABSTRACT: This thesis aims to analyse Mamet’s mid-career as a playwright and his object of drama through the study of five of his most acclaimed plays of the time. To accomplish my task I am going to provide a historical contextualization ofthe author and of theatre in the 1970s up until the early 1990s America. Then, I am going to carry out a thorough analysis of Mamet’s linguistic style.Here, I will study Mamet’s approach to dialogue and scene setting/building, andhis linguistic specificities such as the use of invective, profanity, grammar, syntax, rhythm, pace, prosody, jargon and demotic language, to concludeabout their effects. After that,I am going to analyse how power relations are established in theplays. First, I am going to present the results of my research onwhat can constitute symbols of power; second, I am going to analyse how men establishpower relations with one another and with women; and third, I am going to account for how and why two major characters in these plays undergo alinguistic and character transformation. Finally, I am going to characterize the language of masculinity in the plays, themale and female figures and the nature of male-male and male-female polarization.

The present PhD thesis, entitled “Globalisation in David Greig’s Theatre: Space, Ethics and the Spectator”, aims to contribute to the field of contemporary British drama and theatre studies in the form of an extended monographic study of Greig’s theatre and globalisation with a particular focus on a triad of elements: space, ethics and the spectator. The thesis’s corpus spans two decades, from the 1990s to the present time. It examines Europe (1994), One Way Street (1995) [both under “Europe Plays”], The Architect (1996), The Cosmonaut’s Last Message to the Woman He Once Loved in the Former Soviet Union (1999) [both under “Vertical Plays”], Outlying Islands (2002), San Diego (2003) [both under “Bird Plays”], The American Pilot (2005), Damascus (2007) [both under “Encounter Plays”], Fragile (2011) and The Events (2013) [both under “Here Plays”], all of which are seen as prominently responding to globalisation. After articulating globalisation by drawing mainly on David Harvey, Zygmunt Bauman and Jean-Luc Nancy, the theoretical and methodological framework focuses on positioning Greig’s work in the context of contemporary British political theatre. Critical theories drawn from ethics (Emmanuel Levinas, Judith Butler), aesthetics (Nicolas Bourriaud, Claire Bishop, Jacques Rancière) and affect studies (Gilles Deleuze) are deployed in order to trace and attempt to explain the woundedness and porousness that characterises it. More specifically, the thesis lays out a theory of crosspollination between aesthetics, ethics and politics in order to address the co-work between world, playwright and play in Greig’s theatre, and uses affect theories in order to examine the transformative loop not just between world, playwright and plays, but also the spectator and the world-to- be-created (Nancy). It is claimed that by means of a complex experimentation with space, Greig’s plays represent all the above-named elements, including the spectator, as ‘holed’. This produces a sense of ‘aesthethic’ confounding and bleeding across that ultimately articulates the idea of an urgently interconnected ‘here’. Thus, Europe blurs the borders between two Europes (old and new), immigrants and locals, financial elites and economic pariahs, among others. One Way Street focuses on walking and destabilises space-times in several multivalent ways. The Architect engages with architectures of power, which eventually explode to reveal, perhaps, a new spatial understanding. Cosmonaut ingrains urban and outer spaces in an above-below dialectics wherein characters, despite communication failures, are able to reach out of themselves horizontally. Outlying Islands continues delving into the idea of ‘here’ through bird trajectories and the play’s insistence on the pervasiveness of water and the fluidity of watching acts. San Diego stitches up the whole globe, so that impossible connections are disclosed between supposedly distant occurrences. The American Pilot probes the concept of ‘here’ further through an emphasis on the space of the stage, where the entire cast remain visible throughout the performance. Gaining confidence in the power of both story and theatricality, Damascus acknowledges the presence of both performers and spectators through the use of music on stage, story-telling devices and a character that, by always being ‘here’, connects the worlds of the play and the spectator and the one ‘outside’. Fragile manages to render separate locations as one single space via Jack transcorporeally evoking all bodies and spaces and Caroline’s/the audience’s becoming part of that through the unusual conversation she/they establish(es) with Jack. Finally, The Events highlights ‘here’ via the highly a/effective strategy of having real local choirs participate in each performance so as to compellingly put forward the idea that events (albeit unevenly) always happen to all of us, in this cracked globe. The thesis concludes by confirming that Greig’s theatre does indeed respond to globalisation ‘aesthethically’, that is, by engaging with complex articulations of space that underline ethical questions by repeatedly and multifariously infusing the spectator with a sense of our irrepressible interconnectedness and co-responsibility.
El objetivo principal de la presente tesis, titulada “Globalisation in David Greig’s Theatre: Space, Ethics and the Spectator”, consiste en llevar a cabo un extenso estudio monográfico de la dramaturgia de David Greig y su imbricación con el fenómeno de la globalización, poniendo un énfasis particular en cuestiones de espacio, ética y espectador. El corpus de este estudio engloba aproximadamente dos décadas, desde los años 1990 hasta el momento actual. Específicamente, las obras estudiadas en relación al tema delineado son Europe (1994), One Way Street (1995) [ambas en la parte titulada “Europe Plays”], The Architect (1996), The Cosmonaut’s Last Message to the Woman He Once Loved in the Former Soviet Union (1999) [ambas en la parte titulada “Vertical Plays”], Outlying Islands (2002), San Diego (2003) [ambas en la parte titulada “Bird Plays”], The American Pilot (2005), Damascus (2007) [ambas en la parte titulada “Encounter Plays”], Fragile (2011) y The Events (2013) [ambas en la parte titulada “Here Plays”]. Tras introducir la globalización de la mano de David Harvey, Zygmunt Bauman y Jean-Luc Nancy, el marco teórico-metodológico se centra en posicionar el trabajo de Greig en el contexto del teatro británico contemporáneo de corte político a través de la utilización de enfoques crítico-teóricos provenientes tanto de corrientes éticas (Emmanuel Levinas, Judith Butler) y estéticas (Nicolas Bourriaud, Claire Bishop, Jacques Rancière) como de estudios de afecto (Gilles Delleuze) que permiten enmarcar de un modo adecuado la forma dañada y porosa que revelan las obras de Greig. Se trata no tan solo de explicar la entrada del mundo real en las obras, lo cual provoca rupturas en su forma, sino también de examinar y explicar la retroalimentación que se produce entre el mundo, el dramaturgo, la obra, el espectador y, de nuevo, el mundo, en un movimiento afectivo circular que puede, potencialmente, conducir a la creación de ese mundo en el sentido que le da Nancy. La conclusión principal del trabajo apunta a que el teatro de Greig responde a la realidad de la globalización mediante complejas articulaciones del espacio que subrayan cuestiones éticas, dado que sugieren continuamente al espectador la profunda interconexión que nos une y nos hace corresponsables.

Orientador: João Francisco Duarte Junior
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-14T11:34:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Morais_FlaviaDomitilaCosta_D.pdf: 4537541 bytes, checksum: 26fba01114793a3a9cfe3f83120e6643 (MD5) Previous issue date: 2008
Resumo: A presente pesquisa objetivou realizar um estudo voltado para o período elisabetano (Renascimento inglês), neste focalizando a arte teatral como das mais fortes expressões de arte, sociedade e cultura. Nosso foco de problematização está na análise de até que ponto o teatro elisabetano teve participação efetiva na transição de uma visão de mundo marcada pela episteme medieval, para uma cosmovisão renascentista. Michel Foucault, com seu conceito de episteme, ajudou-nos a estabelecer as bases teóricas para a compreensão de uma realidade desde suas estruturas mais profundas até a emergência de um sujeito autônomo a representar-se nos palcos e a fazer vibrar nas mentes e nos corações do público novas metas para a expressão humana. Buscamos afirmar a tese de que o teatro elisabetano, com suas caracterizações específicas, significou uma das forças de formação de uma nova visão antropológica e também cosmológica. Nossos objetivos desejaram realmente contemplar as convergências entre a arte, a cultura e a sociedade em um determinado segmento da história inglesa, o qual tem indiscutível importância para compreendermos a linha essencial de desenvolvimento das artes cênicas nos tempos posteriores. Demonstramos, através de seus temas, imagens, e principalmente da linguagem, os novos valores tanto individuais como socioculturais, por aglutinação, que esta arte ajudou a formar, ou antes, consolidou por meio de suas peças de talhe e temática crescentemente inovadores. Assim, buscamos argumentar acerca do ativismo sociocultural em que consistiu o teatro inglês renascentista.
Abstract: The following research aimed to achieve a study about the Elizabethan Age (English Renaissance), focusing its theatrical art as one of the most important expression of art, society and culture. The focus of our discussion is in the analysis of the Elizabethan theatre participation in the effective transition from a world view marked by the medieval episteme to the new Renaissance world view. The French philosopher Michel Foucault, with his concept of episteme, helped us to establish the theoretical basis to the comprehension of a reality from its deepest structures till the emergency of an autonomous subject representing himself in the stage, and vibrating, in the hearts and minds of the public, new aims for human expression. Along this research, we affirm the thesis that the Elizabethan theatre, with its specific characterizations, signified one strong formation power of a new anthropological and cosmological view. Our objectives desire to contemplate the convergencies among art, culture and society in a specific historic moment of the English nation, which has unquestionable importance when we want to understand the essential development of the dramatic art in later times. We demonstrated, through its themes, images and mainly its language, the new individual and sociocultural values that the Elizabethan theatrical art helped to form, or better saying, consolidated through its innovative plays in terms of themes and specific characteristics. We aimed to argue on the sociocultural activism of the English Renaissance theatre.
Doutorado
Doutor em Artes

Orientador: Cleide Antônia Rapucci
Banca: Solange Aranha
Banca: Sérgio Augusto Zanoto
Resumo: As obras de um dos mais conhecidos humoristas brasileiros, Millôr Fernandes, já foram bastante exploradas pelos pesquisadores de uma forma geral. Mesmo assim, há ainda uma vertente desse autor a ser estudada: o Millôr tradutor. O nosso objetivo nesta dissertação é analisar a peça Pygmalion, escrita por George Bernard Shaw em 1913, e sua tradução para o português pelo autor-tradutor Millôr Fernandes em 1963. A peça em cinco atos trata do professor de fonética Henry Higgins que se prontifica a transformar Eliza Doolittle, uma vendedora de flores que fala o dialeto cockney, em uma verdadeira dama, ensinando-a a falar "corretamente". O que nos chama a atenção nesta obra de Shaw é o dialeto cockney e as muitas expressões que encontramos no decorrer da peça. A nossa intenção é, portanto, mostrar as soluções encontradas por Millôr ao traduzir Pygmalion. No primeiro capítulo, temos um panorama geral do gênero teatral, da tradução em si e posteriormente a história da tradução de teatro, assunto pouco explorado até hoje pelos teóricos e que nos é importante para que possamos ter uma visão geral da linha que cada um destes teóricos seguem. No segundo capítulo exploramos um pouco acerca do autor da peça, George Bernard Shaw, mostrando suas obras, sua vida e suas características principais, além de termos uma análise da peça com o objetivo de que os leitores possam entender quais são os pontos principais da obra e sua idéia central. O terceiro capítulo é o que nomeia esta dissertação, pois é onde analisamos a tradução para o português de Pygmalion, mostrando quais foram as maiores dificuldades encontradas por Millôr, chamado por nós de autor-tradutor, e as soluções apresentadas por ele para resolver o problema da... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: The works by one of the most known Brazilian humorists, Millôr Fernandes, have already been explored by many researchers in general. However there is still an aspect of this author to be studied: Millôr as a translator. Our main objective in this dissertation is to analyze the work Pygmalion written by George Bernard Shaw in 1913 and translated to Portuguese by the author-translator Millôr Fernandes in 1963. The play is divided in five acts and deals with the phonetics professor, Henry Higgins, who is in charge of transforming Eliza Doolittle, a flower saleswoman who speaks cockney dialect, in a truthful lady, teaching her how to speak English properly. What draws our attention in Shaw's work is the cockney dialect and the plenty of expressions that we can find in the play. Our main intention here is to show the difficulties and the solutions found out by Millôr during Pygmalion translation. In the first chapter we have a general panorama about the theatre genre, the translation itself and later about the history of the theatre translation, a subject that is not much explored by scholars and that is very important for us because we can have a general view of each tendency that these scholars follow. The second chapter explores a little bit about the play author, George Bernard Shaw, showing his works, his life and his main characteristics, besides having a play analysis to allow the readers a better understanding about the main points of the play and its central idea. The third chapter names this dissertation and analyses the Portuguese translation, showing the major difficulties found by Millôr, whom we call an author-translator, and the solutions he presents to the cultural... (Complete abstract click electronic access below)
Mestre

Esta dissertação de Mestrado consiste numa tradução da peça Absent Friends do dramaturgo inglês Alan Ayckbourn, acompanhada de um breve comentário sobre o autor e as tradições dramáticas que enquadram e ajudam a entender a sua obra. Num primeiro momento, evidencio a forma como este autor determinou o seu próprio percurso na comédia inglesa, contrariando alguns dos seus contemporâneos, bem como apresento o enquadramento histórico-social do autor e da obra. Num segundo momento, reflicto acerca de alguns contributos teóricos no âmbito da tradução dramática, de modo a não só delimitar as linhas de pensamento que orientarão a tradução da presente dissertação, como também explicitar alguns problemas pontuais da mesma.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Línguas Estrangeiras e Tradução, Programa de Pós-Graduação em Linguística Aplicada, 2013.
Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-05-16T12:59:45Z No. of bitstreams: 1 2013_JunioCesarBatistaSouza.pdf: 1373752 bytes, checksum: 4ac7ab4e6a6293d691e87737add23538 (MD5)
Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-05-17T12:00:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_JunioCesarBatistaSouza.pdf: 1373752 bytes, checksum: 4ac7ab4e6a6293d691e87737add23538 (MD5)
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Este trabalho é resultado de um estudo no qual o texto dramático foi utilizado como ferramenta para desenvolver a apropriação de LE – Inglês. Apresenta as experiências de uma classe de estudantes de língua inglesa de nível intermediário adulto, em um curso temático intitulado ―Teatro e Inglês Língua Estrangeira‖ realizado no primeiro semestre de 2012 na Universidade de Brasília. Fundamentado nas teorias de Bakhtin (2003), Mastrella-de-Andrade (2011), Massaro (2008), PCN (2002), Prabhu (2003), Rajagopalan (2009) e Reis (2008), esta pesquisa investigou como o texto teatral na sua aplicabilidade permite e promove uma melhora na produção oral do aluno no processo de apropriação do Inglês Língua Estrangeira ao mesmo tempo em que, por conseguinte, novos processos de reconstrução de identidades são inicializados. A metodologia utilizada foi a Pesquisa-Ação, segundo Barbier (2007) e Andaloussi (2004), que por sua vez propiciou adequações metodológicas durante todo o processo bem como a constante reavaliação do desenvolvimento do curso e dos participantes nele inseridos. Os resultados mostraram que as técnicas dramáticas fornecem elementos que potencializam o aprendizado de LE, tais como: segurança, motivação e iniciativa. Ademais, dentre as várias dimensões pressupostas em relação às expectativas do aprendizado dos participantes, observou-se que a mais relevante delas foi a capacidade de se expressarem em outra língua em contextos diversos de utilização linguística. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT
This work is the result of a study in which the dramatic text was used as a tool to develop ownership of LE - English. Presents the experiences of a class of English-speaking students of intermediate level adult in a thematic course titled "Theatre and English as a Foreign Language" performed in the first semester of 2012 at the University of Brasilia. Based on the theories of Bakhtin (2003), Mastrella-de-Andrade (2011), Massaro (2008), PCNs (2002), Prabhu (2003), Rajagopalan (2009) and Reis (2008), this study investigated how the theatrical text in its applicability allows and promotes an improvement in the student's oral production in the process of appropriation of English as a Foreign Language at the same time, therefore new methods of reconstruction of identities are initialized. The methodology used was the Action Research, according to Barbier (2007) and Andaloussi (2004), which in turn led to methodological adjustments during the entire process well as the constant reassessment of the development of the course and participants inserted it. The results showed that the techniques provide dramatic elements that enhance learning LE, such as: security, motivation and initiative. Moreover, among the several dimensions assumed in relation to the expectations of the participants' learning, it was observed that the most important of them was the ability to express themselves in another language in different contexts of language use.

Mestrado em Estudos Ingleses
O presente trabalho propõe-se examinar o projecto póstumo que adaptou 19 peças de Samuel Beckett para o cinema, Beckett on Film, à luz de três grandes aspectos temáticos: memória, repetição e o corpo. Neste processo, os textos das peças que originaram os filmes, bem como relatos de performances importantes, serão usados como termos de comparação para estabelecer possíveis (e previsíveis) diferenças no tratamento destes assuntos fulcrais na obra do autor que possam ser originadas pela mudança de medium que este projecto representa. A realização de um projecto desta importância e envergadura, e que se pretende apresentar como uma obra definitiva e canónica, levanta questões de agência, identidade nacional e relevância da obra do actor no panorama cultural internacional que serão debatidas com a legitimidade do projecto Beckett on Film em mente. Aspectos práticos que se prendem com a realização do projecto também serão tidos em consideração, e é traçado um paralelo entre Beckett on Film e Film (o único filme que Beckett fez).
This study examines the posthumous project that adapted 19 plays by Samuel Beckett to the screen, Beckett on Film, under three broad thematical aspects: memory, repetition and the body. In this process, the texts of the plays as well as accounts of important performances are used as means of comparison to establish possible (and predictible) differences in the treatment of these fulcral issues to the work of the author that might be originated by the change of medium that this project represents. The making of a project of this relevance and size, and one that tries to establish itself as a definite and canonical work, raises questions of agency, national identity and the international relevance of Beckett’s work that will come under scrutiny with the legitimacy of Beckett on Film in mind. Practical aspects related to the making of the project will be taken into consideration, and a parallel between Beckett on Film and Film (the only film Beckett made) will be established.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente
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Peças teatrais podem ser consideradas tanto literatura como performance. Isso significa que elas têm força, autoridade tanto na forma de texto escrito (drama), como na forma de ação encenada (performance). A literatura, instituição baseada na pretensa estabilidade da palavra escrita, costuma simplificar o teatro à apenas drama, especialmente em se tratando de autores canônicos como William Shakespeare. Considerando tal contexto, a presente investigação analisa a relação entre linguagens verbais e não-verbais em performance teatral baseada em texto dramático, visando entender o processo que transforma o texto dramático em comportamento teatral (de acordo com o conceito de W. B. Worthen de dramatic performativity). Especificamente, esta investigação analisa os elementos verbais e não-verbais usados para produzir humor na tradução de The Taming of the Shrew, de Beatriz Viégas-Faria, e na encenação de A Megera Domada dirigida por Patrícia Fagundes e encenada em 2008, em Porto Alegre, pela Cia. Rústica. Os parâmetros conceituais utilizados nessa investigação são determinados por Worthen (2003), Patrice Pavis (1995) e Richard Schechner (2003, 2006), sendo que a análise da produção teatral é baseada na teoria de mise en scène de Pavis (1995).
Theatre plays enjoy a status of both dramatic literature and performance. This means that they have force, authority as both written texts (drama) and staged action (performance). Literature, an institution base based on a pretense stability of the written word, tends to reduce theatre to drama, especially when it concerns canonic authors such as William Shakespeare. In face of this context, the present investigation analyzes the relation between verbal and non-verbal languages in stage performance of scripted drama, aiming at understanding the process to which the dramatic text is subject in order to be transformed into stage behavior (according to W. B. Worthen's concept of "dramatic performativity"). More specifically, it analyzes the verbal and non-verbal elements used to construct humor, in Beatriz Viégas-Faria's translation of The Taming of the Shrew and in Patrícia Fagundes's staging of A Megera Domada, performed in 2008, in Porto Alegre, by Cia Rústica. The conceptual parameters that guide this investigation are drawn mainly from Worthen (2003), Patrice Pavis (1995) and Richard Schechner (2003, 2006), being the approach to the theatrical activity based on Pavis's (1995) theory of mise en scène.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente.
Made available in DSpace on 2013-07-15T23:34:41Z (GMT). No. of bitstreams: 0
O objetivo deste trabalho é analisar o uso de canções e efeitos sonoros em quatro produções teatrais de Romeu e Julieta, de William Shakespeare, enfocando os cruzamentos interculturais entre o texto e os vários contextos de performance. Este estudo propõe a análise do desenho sonoro como prática teatral, tomando como referência central teorias dos estudos musicais (Luiz Tatit e Marcos Napolitano), dos estudos de desenho sonoro (Deena Kaye, James Lebrecht e Livio Tragtenberg), da análise da performance (W. B. Worthen, Patrice Pavis, Susan Bennett, e outros), e de análises textuais, e levando em conta os estágios que envolvem uma produção teatral: concepção, produção, e recepção. O corpus da pesquisa é constituído pelas seguintes produções teatrais: Romeo and Juliet, da Royal Shakespeare Company, dirigida por Michael Bogdanov (1986); Romeo and Juliet, da Royal Shakespeare Company, dirigida por Michael Boyd (2000); Romeu e Julieta, do Grupo Macunaíma, dirigida por Antunes Filho (1984); e Romeu e Julieta, do Grupo Galpão, dirigida por Gabriel Villela (1992). O estudo demonstra que a análise da performance pode ser aprimorada ao enfocar a complexidade discursiva dos eventos sonoros, através da investigação dos momentos em que som e canção ocupam papéis importantes na cena teatral.

Esta dissertação de Mestrado consiste numa tradução da peça Absent Friends do dramaturgo inglês Alan Ayckbourn, acompanhada de um breve comentário sobre o autor e as tradições dramáticas que enquadram e ajudam a entender a sua obra. Num primeiro momento, evidencio a forma como este autor determinou o seu próprio percurso na comédia inglesa, contrariando alguns dos seus contemporâneos, bem como apresento o enquadramento histórico-social do autor e da obra. Num segundo momento, reflicto acerca de alguns contributos teóricos no âmbito da tradução dramática, de modo a não só delimitar as linhas de pensamento que orientarão a tradução da presente dissertação, como também explicitar alguns problemas pontuais da mesma.

Made available in DSpace on 2016-12-12T20:34:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AlfredoLeonardoPenzcapa.pdf: 135781 bytes, checksum: e1a753210a7f8c25462e95998abfb1c2 (MD5) Previous issue date: 2005-12-19
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
This is a research in the field of foreign language, emphasizing the English language. It suggests the presentation of the studied subjects in classroom in form of Projects (role plays) Task based learning, learning through tasks, aiming at the practice of the speaking ability. It presents the English language as a universal languague, siting it at the brazilian educational context, based on the Nova LDB (the law that rules the brazilian educational system). It also suggests the use of Projects (role plays) as a way of evaluation. It focuses the three pillars of the language learning: vocabulary, verbs and basic grammatical rules. It compairs the verb to work and its inflection in Portuguese and English. It conceptualizes the Good Language Learner. It presents strategies that showed good academic result: talles telling (metaphors), the classroom lay out and the production of comemorative date cards. It presents, according to Krashen, the learning and aquisition theory of a second language and its hypothesis. It details the presentations of the Projects (role plays) and its composition phases. It analyzes the learning materials used in this research and the level progress. It shows a case study among high school students, through a chat, which learned the English language through the presentation of the Projects (role plays), and two foreigners, who did not speak portuguese. The event/chat was digitized in CD ROM, which can be seen attached at the end of this paper, as well as its tapescript. The proposition (learning through Projects / role plays) showed positive results, taking into consideration that, for a period of over an hour, different kinds of subjesct were discussed subjects, many of them previously showed on the students presentations. At its end, it presents the questionaries answered by the participants, to expose their ideas as part of this research
Esta é uma pesquisa na área da língua estrangeira, com ênfase na língua inglesa. Propõe a apresentação dos conteúdos estudados em sala de aula na forma de Projetos de Teatralização - Task based learning, ou seja, o aprendizado através de tarefas, visando a prática da oralidade. Introduz inicialmente a língua inglesa como idioma universal, situando-a no contexto escolar brasileiro, com base na Nova LDB. Sugere os projetos como forma de avaliação acadêmica. Centra-se nos três pilares para o aprendizado de um idioma: vocabulário, verbos e regras gramaticais básicas. Apresenta uma rápida comparação da conjugação verbal do verbo trabalhar em português e inglês. Conceitua o Good Language Learner (O Bom Aprendiz de Idiomas). Traça estratégias que se mostraram bons resultados acadêmicos: a contação de metáforas, a disposição física da sala de aula e os cartões alusivos às datas comemorativas. Apresenta, segundo Krashen, a Teoria da aquisição e aprendizagem de uma segunda língua e suas hipóteses. Detalha a apresentação dos Projetos de Teatralização nas suas fases de construção. Analisa o material didático utilizado na pesquisa e a progressão dos níveis. Tratase de estudo de caso, através de um bate-papo envolvendo alunos do ensino médio, os quais estudaram a língua inglesa através da apresentação dos Projetos de Teatralização, e duas estrangeiras, as quais não falavam português. O evento foi digitalizado em forma de CD ROM, o qual pode ser apreciado, pois, se encontra encartado ao final desse trabalho, assim como sua transcrição. A proposta apresentou um resultado positivo, pois após mais de uma hora de bate-papo, foram tratados assuntos dos mais variados tipos, muitos dos quais previamente apresentados nos projetos de teatralização. Ao final, apresenta os questionários respondidos pelos participantes a fim de expor as impressões dos próprios envolvidos na pesquisa.

O teatro comercial e popular isabelino qualifica decisivamente a relação entre o autor e a sua criação: o texto dramático é modelado pelo mercado e os contextos de produção dramática tendem a esbater o rosto do autor e emprestam às peças dramáticas, que ainda se não definem como literatura, uma configuração precária e indecisa. Porém, as pressões dissolventes das instância autoral, à partida inviabilizando a identificação da voz do dramaturgo e do lugar que a ironia ocupa no texto, cedem em Christopher Marlowe (1564-1593) perante os direitos de uma irredutível presença. A suvversão lúdica da memória clássica, em celebração ambígua do conquistador, do desejo herético do poder e do saber, a sedução pelos jogos do excesso e do grotesco ou ainda a desembaraçada expressão de uma perturbadora identidade marginal, momentos de um percurso experimental descontínuo, correspondem simultaneamenteà irreverência provocatória do criador heterodoxo e a um sentido de oportunidade do produtor que sabe manter o interesse do seu público investindo nesta relação uma equívoca cumplicidade. A condição social do artista e o estatuto da arte dramática numa sociedade aristocrática iluminam em grande medida o radicalismo da revolta e a insubordinação iconoclasta das personagens; a liberdade vigiada do teatro ajuda a compreender as * estratégicas de persuasão de que o arrojo da representação se reveste; e o cepticismo dognático revelado no corpo irregular da criação marlowiana insinua o reducionismo da tese e amortece as virtudes compreensivas e dialécticas da supervisão irónica.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2010
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O objetivo desta pesquisa é analisar como o personagem Ricardo é construído em duas adaptações teatrais brasileiras de Ricardo III de William Shakespeare: Ricardo III, dirigida e adaptada por Jô Soares, e Ricardo III, dirigida por Roberto Lage e adaptada por Celso Frateschi, ambas encenadas em São Paulo em 2006. De 2003 a 2006, o Brasil passou por um momento delicado em termos de política. Vários escândalos aconteceram durante o governo Lula, sendo Escândalo do Mensalão, Escândalo dos Correios e Escândalo dos Bingos os que vieram à tona nos anos 2005 e 2006 e que causaram grande instabilidade política. Levando em consideração o fato de que duas montagens de uma das peças mais políticas de Shakespeare foram encenadas no Brasil em meio a esse turbilhão de escândalos políticos, a análise tem como foco a construção do personagem Ricardo, em cada produção, em relação ao contexto político brasileiro da época. A análise mostra que a construção dos protagonistas difere em cada produção. Enquanto a produção de Soares parece fazer referências ao contexto político da época e ao presidente Lula por meio de um Ricardo irônico, quase cômico, a produção de Frateschi e de Lage demonstra certa neutralidade e procura mostrar, por meio de um Ricardo malvado, cruel e violento, outros problemas da sociedade brasileira, tais como violência e os efeitos negativos do capitalismo.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2010
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Since its advent, photography has been used as a process of registry of images, either for souvenirs or as a physical proof that something existed in the past. The use of photographs as historical documents serves several areas, for the static and immutable physical characteristics of photos allow the images to be used as sources for analysis and study. It is in this context that photographs of a production of A Comédia dos Erros allow a detailed study of their contents and possible meanings. It is through the photographs of a scene that the analyst is able to detect particularities of a moment of the performance that no longer exists and, this way, reconstruct its moment within the spectacle. With the help of iconographic indications allied with the playtext, it is possible to obtain further details of a scene, even identifying the exact moment of the performance the image refers to. Considering that every photograph is a trace from the past, it is the viewer's role to read and understand the photographic image based on his or her socio-cultural background which will enable the reconstruction of meanings for the implicit fragments within the image.
Desde seu advento, fotografias têm sido usadas como veículo de registro de imagens, sejam elas para recordação ou como prova física de que algo existiu no passado. O uso de fotografias como documento histórico se estende por diversas áreas devido a suas características físicas estáticas e imutáveis que permitem que imagens sejam utilizadas como fontes de análise e estudo. É neste contexto que fotografias de uma montagem de A Comédia dos Erros permitem um estudo detalhado de seus conteúdos e possíveis significados. É através da fotografia de uma cena que o analista consegue detectar particularidades de um momento da performance que já não mais existe e assim reconstruir seu momento dentro do espetáculo. Com a ajuda de indicações iconográficas aliadas ao texto dramático é possível obter mais detalhes de uma cena, até mesmo identificar o exato momento da performance a qual a imagem se refere. Considerando que toda fotografia é um resíduo do passado, cabe ao interprete ler e compreender a imagem fotográfica baseado em sua bagagem sócio-cultural que possibilitará a construção de significados dos fragmentos implícitos na imagem.

O teatro comercial e popular isabelino qualifica decisivamente a relação entre o autor e a sua criação: o texto dramático é modelado pelo mercado e os contextos de produção dramática tendem a esbater o rosto do autor e emprestam às peças dramáticas, que ainda se não definem como literatura, uma configuração precária e indecisa. Porém, as pressões dissolventes das instância autoral, à partida inviabilizando a identificação da voz do dramaturgo e do lugar que a ironia ocupa no texto, cedem em Christopher Marlowe (1564-1593) perante os direitos de uma irredutível presença. A suvversão lúdica da memória clássica, em celebração ambígua do conquistador, do desejo herético do poder e do saber, a sedução pelos jogos do excesso e do grotesco ou ainda a desembaraçada expressão de uma perturbadora identidade marginal, momentos de um percurso experimental descontínuo, correspondem simultaneamenteà irreverência provocatória do criador heterodoxo e a um sentido de oportunidade do produtor que sabe manter o interesse do seu público investindo nesta relação uma equívoca cumplicidade. A condição social do artista e o estatuto da arte dramática numa sociedade aristocrática iluminam em grande medida o radicalismo da revolta e a insubordinação iconoclasta das personagens; a liberdade vigiada do teatro ajuda a compreender as * estratégicas de persuasão de que o arrojo da representação se reveste; e o cepticismo dognático revelado no corpo irregular da criação marlowiana insinua o reducionismo da tese e amortece as virtudes compreensivas e dialécticas da supervisão irónica.

When shall we three meet again? es una de las preguntas que se plantean las hechiceras al comienzo de la obra shakesperiana de Macbeth. Meditan sobre un nuevo re-encuentro al que todas ellas asistan en compañía, a su vez, del protagonista. Sin embargo, desde sus primeros momentos de vida en la producción dramática londinense de comienzos del siglo XVII, no sabían, quizás ni el propio Shakespeare lo sabía, que se reencontrarían hasta la infinidad, en los escenarios más diferentes y variopintos del mundo desde la creación de esta obra hasta la actualidad. A partir de reflexiones de este tipo, el objetivo de la tesis es indagar los procesos de metamorfosis que experimenta un conjunto de datos históricos sobre rey escocés Macbeth en el campo de la producción dramática británica, en concreto, en ocho instantes específicos de la historia del teatro inglés. Y lo hace a través de ocho reescrituras que incluyen elementos comunes reconocibles en las crónicas iniciales junto a otros de características ajenas que dependen de la particular aclimatación de cada una de ellas a cada momento social. En primer lugar, se analizan las aventuras y desventuras de este personaje legendario en la obra shakesperiana de Macbeth junto a las fuentes i situaciones sociopolíticas que originaron la aparición de esta tragedia. Se constata la multiplicidad referencial y semántica de la obra jacobina y su capacidad virtual de reproducirse en otras producciones. En segundo lugar, asistimos al rediseño de esta ficción por parte de otros dramaturgos a través de los siglos, desde la época de la Restauración hasta finales del siglo XX: Sir William Davenant, Robert Bell, Francis Talfourd, George Bernard Shaw, Charles Marowitz, Welcome Msomi y Tom Stoppard. Finalmente, presenciamos cómo cada nueva acomodación a un período distinto y a sus receptores ha motivado, por una parte, ideas inéditas relacionadas con la situación contemporánea que rodea a cada nueva re-lectura, por otra parte, ideas inéditas relacionadas con el original shakesperiano, que, observado desde perspectivas distantes, nos sumerge en contenidos inexplorados con anterioridad. Un proceso en el que el mito se retroalimenta: sirve para nuevas creaciones, custodia su riqueza de significados y, en último lugar, acrecienta su credibilidad.
"When shall we three meet again?" is a question the weird sisters usually draw attention to when the Shakespearean play of Macbeth is performed. When they first uttered those words in the 17th century, however, they did not know about their never-ending meetings on the stage of a vast number of theatres since the creation of this tragedy to the present time.These kind of thoughts conduct the project of this thesis: the metamorphosis processes which several historical data about the Scottish king Macbeth have gone through in the field of the British drama. In particular, in eight moments of the history of British theatre.Firstly, we observe the special quest this Jacobean character is involved in. We study the historical sources and political influence upon Shakespeare's play, its semantic and referential multiplicity and its virtual possibilities of procreation in other productions.Secondly, we view the reshaping of this fiction in other dramatic pieces and how it has been transformed through diverse styles along the centuries, from the Restoration to our time. We study the plays related to Macbeth of Sir William Davenant, Robert Bell, Francis Talfourd, George Bernard Shaw, Charles Marowitz, Welcom Msomi and Tom Stoppard.Finally, we witness how each new rewriting has accommodated itself to a different period, to its audience, to its instant. How it has produced newborn ideas related, on the one hand, to the contemporary situation involving each fresh interpretation of the story. On the other hand, to the Shakespearean original itself, which, being observed from distant viewpoints, lets us know contents unexplored previously.

Orientador: Peter James Harris
Banca: Alvaro Luiz Hattnher
Banca: Nilce Maria Pereira
Banca: Maria das Graças Gomes Villa da Silva
Banca: Ivan Marcos Ribeiro
Resumo: Esta tese propõe que todas as peças escritas por Oscar Wilde (1854-1900), a saber: Vera or, The Nihilists (1880), The Duchess of Padua (1883), Lady Windermere's Fan (1892), Salomé (1892), A Woman of No Importance (1894), An Ideal Husband (1895) e The Importance of Being Earnest (1895), podem ser analisadas de acordo com a perspectiva teórica de base estética da qual Wilde foi um dos expoentes maiores. O embasamento teórico-crítico de tal análise consiste dos ensaios críticos de Wilde ‗The Truth of Masks' (1885), ‗The Decay of Lying' (1889), ‗Pen, Pencil and Poison' (1889) e ‗The Critic as Artist' (1890), que foram posteriormente compilados em seu livro Intentions (1891). O presente estudo tem seus alicerces em minha dissertação de mestrado intitulada Oscar Wilde: teoria e prática, defendida em abril de 2011. Nessa dissertação, a peça The Importance of Being Earnest foi analisada sob essa mesma ótica e permitiu a compreensão da coerência entre a teoria e a prática de Oscar Wilde, uma vez que, nos resultados que foram obtidos, pode-se perceber que os elementos estruturais da peça, bem como seus elementos linguísticos, contêm veios estéticos profundos. Dessa maneira, o trabalho aqui desenvolvido averigua se a transposição da teoria em prática se dá em toda a composição dramática de Wilde ou se The Importance of Being Earnest é apenas um caso específico e isolado. Uma vez provada que a coerência wildeana se mantém, foi instaurado, então, um questionamento sobre a medida em que sua composição dramática está associada às suas próprias ponderações estéticas
Abstract: This doctoral thesis proposes that all the plays written by Oscar Wilde (1854 - 1900), namely Vera or, The Nihilists (1880), The Duchess of Padua (1883), Lady Windermere's Fan (1892), Salomé (1892), A Woman of No Importance (1894), An Ideal Husband (1895) and The Importance of Being Earnest (1895), can be analysed according to the aesthetic theoretical perspective of which Wilde was one of the major exponents. The theoretical basis for the analysis is to be found in Wilde's critical essays, ‗The Truth of Masks' (1885), ‗The Decay of Lying' (1889), ‗Pen, Pencil and Poison' (1889) and ‗The Critic as Artist' (1890), which were later published in Intentions (1891). The present study has its foundations in my MA dissertation, Oscar Wilde: teoria e prática, concluded in April 2011. In that work, Wilde's play The Importance of Being Earnest was analysed from the same perspective, which made it possible to perceive the consistency between Oscar Wilde's theory and practice, as the results proved that both the structural and the linguistic elements of the play contain deep aesthetic features. The work developed here is thus intended to verify whether the transposition from theory to practice occurs in Wilde's dramatic work as a whole, or whether The Importance of Being Earnest is a specific and isolated case. Since it was possible to demonstrate that Wilde's plays are indeed consistent with his aesthetic principles, the study goes on to investigate the extent to which his dramatic composition may be associated with his own aesthetic precepts
Doutor

The main goal of this study is to investigate and analyze the cognition of pre-service teachers and also of the teacher researcher of this study about the use and possible contributions of drama workshop to the teaching and learning process and to the education of English language teachers. I understand that by analyzing the points of view and opinions of those involved, I can get a better understanding of the teaching and learning process and of the education of pre-service teachers. In a qualitative approach, four different tools were used: focus groups, "Q" Distribution (Q Methodology), reflective sessions and questionnaire. The focus group was used as a secondary instrument to collect data for further development of the Q sample, which is the primary tool in the use of the Q methodology research approach. This Q sample was used in the Q Distribution of pre-service teachers of the third term of a Letras course of a private institution of a higher education Institute in Alto Paranaíba. These participants distributed the sample items throughout a scale ranging from "more likely my point of view" (+5) to "least likely my point of view" (-5) and the results were initially submitted to a factor analysis via a statistical package called PQmethod. From the triangulation of data obtained through the above mentioned instruments and through the qualitative and interpretive analysis, the groups that emerged from the factor analysis were defined, characterized and interpreted by the teacher researcher. The participants share points of view in the perspective of Language Learners (group A), Language Teachers (groups B and C) and Critics (group D). The teacher researcher was also investigated and revealed her cognitions in line with the Language Learners and with the Language Teachers, which may indicate a perspective tending towards the dichotomy: linguistic development and professional education in Letras Course.
O principal objetivo deste estudo é levantar e analisar as cognições dos professores pré-serviço e da professora-pesquisadora deste estudo sobre o uso e possíveis contribuições das Oficinas de Teatro no processo de ensino e aprendizagem e na formação de professores de Língua Inglesa. Entendo que, por meio da análise das visões e pontos de vista dos envolvidos, posso obter uma melhor compreensão do processo de ensino e aprendizagem e da formação dos professores pré-serviço. Em uma abordagem qualitativa, quatro ferramentas distintas foram utilizadas: grupos focais, distribuição Q (Metodologia Q), sessões reflexivas e questionário. O grupo focal foi aplicado como instrumento secundário na coleta de dados para posterior elaboração da amostra Q, a qual constitui instrumento primário no uso da Metodologia Q de pesquisa. Essa amostra Q foi utilizada na distribuição Q pelos professores pré-serviço do III período de Letras de uma instituição particular de ensino superior do Alto Paranaíba. Esses participantes distribuíram os itens da amostra ao longo de uma escala, variando de mais semelhante ao meu ponto de vista (+5) a menos semelhante ao meu ponto de vista (-5) e os resultados foram submetidos, inicialmente, a uma análise fatorial por meio de um pacote estatístico denominado PQmethod. A partir da triangulação dos dados obtidos por meio dos instrumentos supracitados e da análise qualitativa e interpretativista, os grupos que emergiram da análise fatorial foram definidos, caracterizados e interpretados pela professora-pesquisadora. Os participantes compartilham pontos de vista na perspectiva de Aprendizes de língua (grupo A), Professores de língua (grupos B e C) e de Críticos (grupo D). A professora-pesquisadora também foi investigada e revelou suas cognições em consonância com os Aprendizes de língua e com Professores de língua, o que pode significar uma postura enraizada na dicotomia: desenvolvimento linguístico e formação profissional presentes nos cursos de Letras.
Mestre em Estudos Linguísticos

O objecto desta dissertação é o estudo da tradução de quatro peças de Samuel Beckett em Portugal entre 1959 e 2002 (En attendant Godot, La dernière bande, Krapp's Last Tape e Happy Days), tendo em vista a compreensão da tradução como um fenómeno importante para as relações interliterárias e interculturais. Consideraremos o bilinguismo de Beckett e as suas consequências para a tradução. A oposição entre tradução para a página e para o palco será equacionada com referência a duas versões da mesma peça. Procederemos à comparação de diferentes traduções portuguesas entre si e com os textos de partida francês e inglês, atendendo a aspectos micro-textuais. O contexto histórico em que as traduções e os espectáculos se realizaram, a organização dos programas e a recepção crítica também merecem atenção. / *** Abstract - This essay deals with the translation of four plays of Samuel Beckett in Portugal between 1959 and 2002 - En attendant Godot, La dernière bande, Krapp's Last Tape and Happy Days – aiming at the comprehension of translation as an important phenomenon for interliterary and intercultural relations. Attention will be given to Beckett's bilinguism and its consequences for translation. The topic of page/stage translation will be analyzed with reference to two versions of the same play. We will compare different Portuguese translations among them and with their English and French originals, focusing on micro-textual aspects. We also draw attention to the historical context in which translations and productions were made, to the way theatre programs are organized and to the textual reception by the critics.