Dissertations / Theses: 'Teatro (teoria)'

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MOSETTI, ALESSANDRO VIRGILIO. "Venezia teatro di teoria e tecnica." Doctoral thesis, Università IUAV di Venezia, 2022. http://hdl.handle.net/11578/315468.

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Abstract:

L’emersione di un progetto perduto offre la possibilità di riflettere su come la metafora teatrale associata alla prassi del progetto costruisca uno dei versanti teorico-pratici maggiormente riconosciuti della scuola italiana inerenti alla disciplina della composizione architettonica-urbana. Proseguendo nel solco delineato da questo assunto inziale, la figura dell’autore si erge a necessario interpréte. Il progetto-composizione di Gian Carlo Leoncilli Massi per l’allestimento della mostra Venezia e lo spazio scenico curata dalla Biennale Architettura/Teatro del 1979, oltre agli aspetti inediti di un progetto scenico riflettuto alla scala urbana, ambisce a mettere in tensione il rapporto che sussiste tra una metodologia compositiva che interiorizza l’azione della mise-en-scène, e uno sguardo capace di interpretare il luogo-territorio in termini di ‘teatro di teoria e di tecnica’. Se nel comporre è intrinseca l’operazione di messa in scena, l’allestimento per Venezia e lo spazio scenico costituisce un momento di riflessione nodale per la messa a fuoco di alcuni temi teorici capaci di chiarire quali corollari pratico-compositivo-progettuali scaturiscano dall’assunzione del luogo in termini di ‘teatro’: luogo nel quale si esige il doppio della narrazione: finzione e verità, immaginazione e realtà, tradizione e invenzione. È nella tensione tra reale e mentale che il processo compositivo si attua come prassi alchemica, ars combinatoria, abile nel comporre figure che siano in grado di avvalorare la duplice natura che struttura ogni luogo: il comporre scenico garantisce la permanenza nel mox delle convenzioni di valori che hanno costruito, stratificandosi, lo stesso concetto di luogo e assicura mediante l’esercizio dell’artificio della rappresentazione l’esercizio che il soggetto autorale deve rivendicare per sé: lo straniamento. Approfondendo tali spunti teorici e tenendo come fondale l’esperienza compositiva della Biennale del 1979, il progetto di ricerca, sviando dalla metafora ormai usurata che riconosce la città come scenografia fissa e il cittadino in veste di attore, sfrutta l’occasione del progetto di Leoncilli Massi per ricostruire il senso dell’agire compositivo-scenico, le finalità, le potenzialità che un tale approccio al luogo è capace di proiettare all’interno del processo di elaborazione compositiva a fini progettuali. Le conclusioni che la tesi di ricerca individua sono trattate in apertura nella sezione Prospettive di ricerca per il teatro lagunare mediante l’unico mezzo che si ritiene coerente al tema trattato dalla ricerca: un saggio compositivo-progettuale veneziano. Predisponendo una lettura teatrale pluriscalare del territorio-laguna, il progetto ricerca lo scenario che il luogo è capace di evocare qualora sia riletto criticamente a partire da documenti storici, cronache, miti e leggende. Il progetto si definisce affermando il suo valore primo nel disegno di una geografia scenica entro la quale l’architettura si specchia e si riconosce come compartecipe di un ‘doppio’.

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Luz, Ana Maria Lima da. "Autoconhecimento e teatro." Florianópolis, SC, 2000. https://repositorio.ufsc.br/handle/123456789/106489.

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Abstract:

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas.
Made available in DSpace on 2013-12-05T20:46:13Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2000Bitstream added on 2014-09-25T19:19:31Z : No. of bitstreams: 1 170204.pdf: 5062878 bytes, checksum: 37c3fed031634ccb7b8c1db229b945dc (MD5)
Analisa-se a possibilidade do teatro ser uma via de acesso para o autoconhecimento do ator. Foram entrevistados doze atores, seis do sexo masculino e seis do sexo feminino com idades compreendidas entre 16 e 66 anos, pertencentes a três grupos de teatro de Florianópolis. O instrumento utilizado foi a entrevista semi-estruturada, enfocando a motivação dos atores para a atividade teatral, suas relações com as personagens e a elaboração psíquica decorrente da mesma. As entrevistas foram analisadas segundo as emoções expressas através da representação, pela dualidade ator versus personagem e pelos efeitos psicoterapêuticos do teatro. Na análise das entrevistas evidenciou-se que através da representação teatral os atores exercem uma atividade prospectiva de sua própria personalidade, apercebendo-se de suas características e reconhecendo a ambivalência de seus sentimentos, o que favorece a diminuição da repressão dando possibilidade ao indivíduo de experienciar menos inibição e ansiedade no cotidiano.

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Cortez, Ligia Maria Camargo Silva. "De Asja Lacis à Casa do Teatro: teoria e práticas do teatro com e para crianças." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8151/tde-11022019-154743/.

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Abstract:

Esta tese reconstitui a trajetória pessoal e artística de Asja Lacis (1891-1979), enfatizando sua importância para a formulação de novas teorias e práticas do teatro com e para crianças. Nesse sentido, contextualiza e analisa o importante texto de Walter Benjamin, Programa de um teatro infantil proletário, elaborado a partir de obras e reflexões da artista leta. A tese pretende ainda demonstrar certa continuidade e desenvolvimento de perspectivas do teatro infantil e apontar um vínculo inesperado entre as experiências soviéticas, alemãs e brasileiras. Como ponto de encontro dessas práticas, que levam a uma atualização necessária da obra de Lacis, serão analisadas as experiências de ensino e teatro infantil do Teatro-escola Célia Helena e da Casa do Teatro, sediados em São Paulo, Brasil.
This thesis reconstructs the personal and artistic career of Asja Lacis (18911979), emphasizing her importance for the formulation of new theories and practices of theater with and for children. To this end, it contextualizes and analyzes the important text by Walter Benjamin, Program for a Proletarian Childrens Theater, written in light of the Latvian artists work and reflections. The thesis demonstrates a certain continuity and development of perspectives of childrens theater and points to an unexpected link between the Soviet, German and Brazilian experiences. An analysis of confluences and common threads seen specifically in the work of the Teatro-escola Celia Helena and the Casa do Teatro, both headquartered in São Paulo, indicates a need for the updating of Laciss work in regard to childrens education and theater with children.

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Ribeiro, Paula Chagas Autran. "Teoria e prática do seminário de dramaturgia do Teatro de Arena." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-31082015-152343/.

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Abstract:

Este estudo pesquisa o Seminário de dramaturgia do Teatro de Arena, que ocorreu entre os anos de 1958 e 1961, na cidade de São Paulo. A partir da recuperação crítica da história do Seminário serão analisados os procedimentos de pesquisa formal ali empreendidos, que resultaram na produção de sete peças levadas à cena no período. O Seminário de Dramaturgia do Teatro de Arena forma uma geração de artistas que consolida a modernização do teatro brasileiro também no campo da dramaturgia. Sua importância histórica e cultural se dá não só no âmbito da história do teatro, mas no da cultura brasileira como um todo. Sua influência decorre não apenas dos trabalhos dos melhores autores ali surgidos, como Vianinha e Guarnieri, e suas criações estéticas, mas também de um arsenal crítico que contribuiu para a criação de ações culturais politizadas como as do CPC (Centro Popular de Cultura) e forneceu modelos para a crescente produção cinematográfica e televisiva. Assim, o estudo dos debates, do contexto e das peças do Seminário se faz essencial para a melhor compreensão da história recente da cultura brasileira no que se refere ao desenvolvimento dos seus padrões de representação dramatúrgica
This study investigates the Seminary of Dramaturgy of the Arena Theater (Teatro de Arena) during the years between 1958 and 1961 in the city of São Paulo. The procedures of a formal research there outlined from a critical recovery of the history of the Seminary which resulted in the production and staging of 7 plays at that time will beanalyzed. The Seminary of Dramaturgy of the Arena Theater draws up a generation of artists that also consolidates the modernization of the brazilian theater in the dramaturgy field. Its historical and cultural importance occurs in the history of theater as well as in the brazilian culture. Its influence not only derives from some of the pieces written by the best artists from there emerged such as Vianinha and Guarnieri , from their esthetic creations but also from a critical arsenal that contributed for the creation of cultural politicized actions such as CPC (Popular Culture Center) and supplied models for the increasing production of cinema and television. Therefore the study of the debates, contexts and plays of the Seminary is essential for a better comprehension of the recent history of brazilian culture regarding the development of dramaturgic representation standards.

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Fagundes, Fl?via Maiara Lima. "A motiva??o no teatro musical sob a perspectiva da teoria da autodetermina??o." Universidade Federal do Rio Grande do Norte, 2015. http://repositorio.ufrn.br/handle/123456789/20976.

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Abstract:

Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2016-07-11T18:12:27Z No. of bitstreams: 1 FlaviaMaiaraLimaFagundes_DISSERT.pdf: 806358 bytes, checksum: ebf30d0f5339c8c0af156ede81a0b1f8 (MD5)
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Made available in DSpace on 2016-07-19T17:30:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 FlaviaMaiaraLimaFagundes_DISSERT.pdf: 806358 bytes, checksum: ebf30d0f5339c8c0af156ede81a0b1f8 (MD5) Previous issue date: 2015-12-08
Este estudo teve por objetivo geral investigar os processos motivacionais dos participantes de um grupo de Teatro Musical sob a perspectiva da Teoria da Autodetermina??o - TAD (RYAN; DECI, 2004; REEVE, 2006). Os pesquisadores Edward Deci e Richard Ryan (1985, 2000, 2008a, 2008b) afirmam que todos os indiv?duos possuem uma propens?o inclinada ? autorregula??o. Por esse motivo, a TAD analisa as raz?es pelas quais os indiv?duos podem se envolver ou evitar participar de determinadas atividades, e adota um conceito de internaliza??o que ? representada por um continuum de autodetermina??o, evidenciando os diferentes tipos de motiva??o previstos na miniteoria da integra??o organ?smica. Os tipos de motiva??o podem ser identificados de acordo com o n?vel de autodetermina??o dos indiv?duos, atrav?s da satisfa??o de tr?s necessidades psicol?gicas b?sicas: a necessidade de autonomia, a necessidade de compet?ncia e a necessidade de pertencimento. Esta pesquisa tem uma abordagem qualitativa e escolheu-se o estudo de entrevistas como estrat?gia de investiga??o, utilizando a entrevista semiestruturada como principal t?cnica de coleta de dados. A pesquisa foi realizada com 12 participantes de um grupo de Teatro Musical de uma universidade do Estado Rio Grande do Norte, referida na pesquisa com o pseud?nimo de Companhia Musicale. Os resultados apontam que a principal motiva??o dos alunos n?o era a intr?nseca. Portanto, a motiva??o foi considerada complexa e multifacetada, pois os participantes passaram por internaliza??o do comportamento dependendo das condi??es situacionais. As complexidades nas intera??es puderam promover a satisfa??o das necessidades psicol?gicas b?sicas dos integrantes que apresentaram maior internaliza??o dos comportamentos autodeterminados. Assim, os integrantes com maior desempenho nas tarefas foram os que internalizaram a import?ncia e o valor das atividades. O estudo busca contribuir para futuras pesquisas e colaborar no sentido de perceber a import?ncia de investigar e promover a motiva??o de alunos, professores, diretores, regentes, coordenadores e participantes de grupos art?sticos em geral, trazendo esclarecimentos que ressaltam as contribui??es e a import?ncia que a motiva??o tem sobre o ensino, a aprendizagem musical e o envolvimento de participantes de grupos art?sticos em diferentes atividades.

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Leal, Cristyane Batista. "Configurações líricas do teatro de Hilda Hilst." Universidade Federal de Goiás, 2012. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tede/3763.

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Abstract:

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2014-12-08T13:57:47Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Cristyane Batista Leal - 2012.pdf: 1586159 bytes, checksum: 563c08bf76db616c66102e0df855af71 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5)
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Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq
This research examines the lyrical settings on the plays written by Hilda Hilst (1930- 2004). We analyze these plays: A empresa ou A possessa, O rato no muro, O visitante, Auto da barca de Camiri or Estória, muito notória, de uma ação declaratória and As aves da noite. These plays were written between the years 1967 and 1968 and they were published in Teatro completo (2008). It is understood that the lyricism of these plays, characteristic of a poet who writes theater and paradigmatic of a modern theater trend, is also linked to a national context of political oppression and restriction of freedom, although the plays transcends that. Accordingly, as a thesis suggested by the author herself, first complaint itself, the lyricism is the expression par excellence of the subject placed in an extreme situation. In the plays examined, we see that the poetic reflects a subjectivity repressed by various institutions that curtail individuality. The poet or artist, represented in them, is always present and sings its song of freedom, resisting a time which is hostile and oppressive. Representing an extreme situation, the dramatic character of Hilda Hilst do not have a sharp boundary, living situations in which the external action is secondary, forming a core fable frayed, his lines, often erupting in images possess the melodic rhythm poetry than the logical development of prose. These elements make up some of the lyrical settings of the Hilda Hilst’s plays. For its development, this research is divided into three chapters. In the first, there is a review of the critical reception of the dramaturgy of Hilda Hilst, trying to situate this research in relation to this critical material existing and trying to understand the shy critical reception of hilstian theater encouraged over the number of papers on poetry and fiction author. The second chapter is a brief itinerary conducted by Western drama, trying to locate the writer in an antirealist trend of the western theater. Also in this chapter, it is thought the hilstian drama at a specific time of Brazilian theater, contextualizing it in a national theater scene. In the third chapter, finally looking up mapping lyrical elements in the hilstian theather.
Esta pesquisa examina configurações líricas do teatro de Hilda Hilst (1930-2004) por meio da análise das peças A empresa ou A possessa, O rato no muro, O visitante, Auto da barca de Camiri ou Estória, muito notória, de uma ação declaratória e As aves da noite, escritas entre os anos de 1967 e 1968, e publicadas no Teatro completo (2008). Entende-se que o lirismo dessas peças, característico de uma poeta que escreve teatro e paradigmático de uma tendência do teatro moderno, também está ligado a um contexto nacional de opressão política e cerceamento da liberdade, ainda que o transcenda. Nesse sentido, conforme uma tese aventada pela própria autora, primeira crítica de si mesma, o lirismo é a expressão por excelência do sujeito colocado em uma situação extrema. Nas peças examinadas, verifica-se que o poético reflete um sujeito reprimido por instituições variadas, que cerceiam a individualidade. O poeta ou o artista, nelas representado, está sempre presente e entoa seu canto de liberdade, resistindo a um tempo que lhe é hostil e opressor. Representando uma situação extrema, as personagens dramáticas de Hilda Hilst não apresentam um contorno nítido, vivem situações em que a ação exterior é secundária, compondo um núcleo fabular esgarçado, suas falas, eclodindo frequentemente por meio de imagens, possuem antes o andamento melódico da poesia que o desenvolvimento lógico da prosa. Esses elementos compõem algumas das configurações líricas do teatro hilstiano. Para o seu desenvolvimento, esta pesquisa se estrutura em três capítulos. No primeiro, é feita uma revisão da recepção crítica da dramaturgia de HH, procurando situar esta pesquisa em relação a esse material crítico existente e tentando entender a acanhada recepção crítica do teatro hilstiano em detrimento do número alentado de trabalhos sobre a poesia e a ficção da autora. No segundo capítulo, é realizado um breve itinerário pela dramaturgia ocidental, tentando situar a escritora em uma tendência antirrealista do teatro ocidental. Ainda nesse capítulo, pensa-se a dramaturgia hilstiana em um momento específico do teatro brasileiro, contextualizando-a numa cena do teatro nacional. No terceiro capítulo, finalmente, procura-se cartografar elementos líricos do teatro hilstiano.

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Fernandes, Angela Maria Barbosa. "A História da Ciência por meio do teatro: A Teoria do Calórico contada em cena." Universidade Estadual da Paraíba, 2016. http://tede.bc.uepb.edu.br/tede/jspui/handle/tede/2696.

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Abstract:

Submitted by Jean Medeiros (jeanletras@uepb.edu.br) on 2016-12-07T11:28:55Z No. of bitstreams: 1 PDF - Ângela Maria Barbosa Fernandes.pdf: 2562010 bytes, checksum: 25d94d238731c40d73e1e53625978441 (MD5)
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The History of Science linked to the theater form an important partnership for science teaching. Some research mention the importance of this relationship both for teaching and for the dissemination of science. In this sense the present study aimed to produce educational material that can be used for high school physics teachers to address the caloric theory in historical perspective through theater. The work is qualitative and has developed into a group of second year high school of Hortensius school Sousa Ribeiro- PREMEN, located in the city of Campina Grande. We reflect on the search for alternative use of the History of Science in the classroom, through strategies that will involve school students to consider all aspects before mentioned and understand the feasibility of using innovative methodological alternatives in room class.
A História da Ciência vinculada ao teatro forma uma parceria importante para o ensino de ciências. Algumas pesquisas mencionam a importância dessa relação tanto para o ensino, como para a divulgação da ciência. Neste sentido o presente trabalho teve como objetivo produzir um material didático que poderá ser usado por professores de física do ensino médio para abordar a teoria do calórico numa perspectiva histórica por meio do teatro. O trabalho é de natureza qualitativa e se desenvolveu em uma turma de segundo ano do ensino médio da escola Hortênsio de Sousa Ribeiro- PREMEN, localizada na cidade de Campina Grande. Refletimos sobre a busca de alternativas de utilização da História da Ciência em sala de aula, por meio de estratégias que envolvam mais os estudantes da escola, a considerar todos os aspectos antes citados e por entendermos a viabilidade de uso de alternativas metodológicas inovadoras em sala de aula.

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CAMPOBASSO, Maria Giovanna. "Die reinste Form und der höchste Gehalt: teoria e prassi nel teatro di Friedrich Hebbel." Doctoral thesis, Università degli Studi di Palermo, 2021. http://hdl.handle.net/10447/515065.

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Monteiro, Rui Manuel Vieira. "Ciudades paralelas, políticas e poéticas teatrais: interações entre as vanguardas teatrais Europeias e Latino-Americanas." Master's thesis, Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, Universidade Nova de Lisboa, 2013. http://hdl.handle.net/10362/10638.

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Ferreira, Melissa da Silva. "Mitologia e ascese: Jerzy Grotowski "além do teatro"." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2009. http://tede.udesc.br/handle/handle/1328.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DissertacaoMelissa.pdf: 1068920 bytes, checksum: 8ff878a2da62e4b5d5625d415bff953d (MD5) Previous issue date: 2009-04-16
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This study proposes to bring in relation properties and themes of heroic mythology and the theatrical career, in the para-theatrical approach, of the Polish director Jerzy Grotowski. The first part of this work explains cultural, social and theoretical sources of Grotowski´s thought and practice, and demonstrates the relationship between his individual searches and his theatrical career. The second one puts in discussion modes to interpret myths in Grotowski´s work, its function, its significance and its influence on different kinds of artistic process: choice and treatment of texts, audience parts, actor´s work on character composition and actor ´s training. Theoretical references about mythical and symbolic questions are extracted from symbolic hermeneutic theory. In terms of conclusion, this dissertation puts in relief similarities between actions in the heroic mythology and Grotowski´s work, fundamentally, sacrificial acts as an way to consolidate an spiritual dimension
Este estudo se propõe articular as relações entre as características e os temas da mitologia heróica e o percurso teatral, além do teatro , do encenador polonês Jerzy Grotowski. Na primeira parte deste volume, são expostas as origens culturais, sociais e teóricas do pensamento e da prática de Grotowski, demonstrando, assim, a relação entre as suas buscas pessoais e o seu percurso teatral. Na segunda parte do trabalho, são discutidas as formas de tratamento do mito no trabalho de Grotowski, sua função, sua importância e a sua influência nos vários campos do processo artístico, como a escolha e o tratamento dos textos, o papel do público, o trabalho com o ator na construção da personagem e as técnicas de preparação de ator. O referencial teórico utilizado para a abordagem das questões míticas e simbólicas provém da hermenêutica simbólica. Em termos conclusivos, são destacadas as semelhanças entre as ações da mitologia heróica e o trabalho de Grotowski, no que diz respeito, principalmente, ao ato sacrificial como forma de consolidação da dimensão espiritual

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Corrêa, Flávio Rodrigo Vieira Lopes Penteado. "O teatro da escrita em Fernando Pessoa." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8150/tde-29092015-154229/.

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Abstract:

Este estudo propõe-se a ampliar a compreensão do conceito de drama na obra de Fernando Pessoa, para quem o elemento dramático constituiria o traço distintivo das grandes criações literárias, bem como um dos pilares da heteronímia. Um dos eixos centrais da dissertação consiste em repensar a equivalência das expressões poeta dramático e dramaturgo, constantemente empregadas pelo autor em referência a seu processo criativo. Sustenta-se que Pessoa terá relativizado as fronteiras entre essas categorias ao conceber pelo menos dois meios distintos de lidar com a forma dramática: por um lado, prevê a criação de um drama que se situe fora da esfera dramatúrgica propriamente dita, composto pela série de livros que daria origem às suas obras completas, abrangendo diversos gêneros literários e um único universo de relações; por outro lado, empenha-se na composição de dramas que, sendo dramas em sentido estrito, escapam às principais convenções do gênero, ao desestabilizarem categorias tradicionais como as de ação, diálogo, enredo e personagem.
This study proposes to expand the comprehension of the concept of drama in the work of Fernando Pessoa, for whom the dramatic factor would determine traces of grand literary creations, as well as of the bases of heteronymy. One of the key intentions of this dissertation is to rethink the equivalence of both terms dramatic poet and dramatist, which were constantly used by the author to make reference to his own creative process. It is stated that Pessoa would have relativized the boundaries between those terms by conceiving at least two different ways of approaching the dramatic form: on the one hand he presupposes the creation of a drama that is situated outside the dramaturgic sphere per se, which would comprise the books, including many different literary genres and a single relation between different authors that were to be compiled in his complete works; on the other hand he engages himself in the composition of dramas, in a strict sense, that escape the common places of the genre by destabilizing traditional categories such as action, dialogue, plot and characters.

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Miranda, Rita Alves. "O teatro experimental de Brecht." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2013. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/11641.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-04-27T17:27:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rita Alves Miranda.pdf: 2197473 bytes, checksum: 27e1b604e4f02f387a522aa42435e2a0 (MD5) Previous issue date: 2013-10-23
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
This master s thesis aims to approach the passage of Bertolt Brecht through the theater history and the influence of his proposal for the contemporary art. Initially, we analyzed Brecht s criticism towards some traditional conceptions of theater and the path taken by the author to think the crisis of drama that had settled times before. Along the way were considered some references and possible objections from Brecht to Aristotle and the Aristotelian model of theater. In this controversial debate, we analyzed the references to the Greek philosopher, to clarify weather Brecht really wanted to reject Aristotle, or he proposed an appropriation of that formal model. It is known that the Aristotelian model of theater was removed from the Poetics of Aristotle and suffered different appropriations in different epochs, one of them being the bourgeois reading. This view is refuted by Brecht, when he analyzes the reality of bourgeois drama and realizes that it was necessary that it be revised immediately, because the theater is no longer affecting the people, in the sense that their willingness depended on a relationship of passivity on the part of viewers. Facing this crisis of drama, some artists tried to reformulate it without however succeeding. Brecht, when began his work, had knowledge of these attempts and facing their failures, the goal was to make theater inaugurate a new place in society. In search of the best place he has in mind a place of production of consciousness, radically opposed to the bourgeois-capitalist logic that sought the alienation of individuals. So, now located outside the debate of reckoning with the past, Brecht focuses on your present and faces the ideas of György Lukács which oppose Brecht by thinking art in a different manner and attributing to him the image of Formalist. We also deal whit defending Brecht from these charges. This dissertation, different from common aspect of texts on Bertolt Brecht is not intended to scrutinize the techniques developed by the playwright in the formulation of the Epic Theater, or talking about the formal aspects of his work, but it is based on a philosophical approach, passing briefly through a few moments of the author s thought until it reaches the stage considered as a mature conception of theater, which is also the last phase of his career, when he revised many of his previous positions. This phase is one in which he writes pieces like The Good Soul of Setsuan (1939-1942) and Life of Galileo (1938-1939). Being so, our focus was this mature conception of the author s work and the characteristics of his thinking at that time, thinking that we take as very Brechtian itself. We focus at this moment of his work, to show the compatibility of his thought and a contemporary conception of theater
Este trabalho tem por objetivo abordar a passagem de Bertolt Brecht pela história do teatro e a influência de sua proposta na fase contemporânea da arte. Inicialmente, analisamos a crítica de Brecht dirigida a algumas concepções tradicionais de teatro e o caminho percorrido pelo autor para pensar a crise do drama que se instalara tempos antes. Nesse percurso foram consideradas algumas referências e possíveis objeções de Brecht a Aristóteles e ao modelo aristotélico de teatro. Nesse debate polêmico, analisamos as referências ao filósofo grego, a fim de esclarecer se o que Brecht pretendia era rejeitar mesmo Aristóteles, ou mais uma apropriação daquele modelo formal. Sabe-se que o modelo aristotélico de teatro foi retirado da obra Poética de Aristóteles e que sofreu apropriações segundo as épocas, sendo uma delas a leitura burguesa. Essa leitura é rebatida por Brecht que revê a realidade do drama burguês e percebe que era preciso que ele fosse revisto imediatamente, pois o teatro já não atingia mais as pessoas, mas sua disposição dependia de uma relação de passividade por parte dos espectadores. Frente a dessa crise do drama, alguns artistas, tentaram reformulá-lo sem, no entanto, obter sucesso. Brecht, quando deu início a seu trabalho, já tinha conhecimento dessas tentativas e diante desses fracassos, o objetivo era fazer o teatro inaugurar um novo lugar dentro da sociedade. Em busca do melhor lugar, ele tem em mente um lugar de produção de consciências, opondo-se radicalmente à logica burguesa-capitalista que buscava a alienação dos indivíduos. Assim, localizado já fora do debate de acerto de contas com o passado, Brecht concentrase em seu presente e enfrenta György Lukács que se opõe a Brecht ao pensar a arte de uma forma diferente, atribuindo a este a imagem de Formalista. Nos ocupámos de defender Brecht também dessas acusações. Esta dissertação, diferente do aspecto comum de textos sobre Bertolt Brecht não se propõe a analisar minuciosamente as técnicas desenvolvidas pelo dramaturgo na formulação do Teatro Épico, ou a falar dos aspectos formais de sua obra, senão que se apoia numa abordagem filosófica, que passa rapidamente por alguns momentos do pensamento do autor até chegar à fase considerada como fase de uma concepção madura de teatro, que é também a última fase de sua carreira, quando ele reviu muitas de suas posições anteriores. Esta fase é aquela em que ele escreve peças como A Alma Boa de Setsuan (1939-1942) e Vida de Galileu (1938- 1939). Neste momento do trabalho nosso foco foi essa dada concepção madura da obra do autor e as características de seu pensamento nessa época, pensamento que tomamos como próprio brechtiano. Concentramos nossa atenção neste momento da obra, a fim de mostrar a compatibilidade desse pensamento e uma concepção de teatro contemporânea

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Oliveira, Marina de. "O espaço dos miseráveis no teatro brasileiro nas décadas de 1950 e 1960." Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul, 2010. http://hdl.handle.net/10923/4067.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:01:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000422272-Texto+Completo-0.pdf: 3995043 bytes, checksum: 1baf5aac6b31e976caae36110f905ab8 (MD5) Previous issue date: 2010
The focus of the thesis is the analysis of the role of the miserable characters of the Brazilian drama of the 1950’s and 1960’s, its class conflicts and its relations with different spaces of social significance. For this purpose, the research is structured from the identification of three spatial aspects of staging: the first – Auto da Compadecida, Morte e vida severina e Vereda da salvação – covers the poor dramatic figures who inhabit small villages or territories of the countryside universe (rural axis); the second – Orfeu da Conceição, Pedro Mico e Gimba – refers to destitute characters who live on the outskirts of the cities (slum axis); and the third – Quarto de empregada, A invasão e O abajur lilás – portrays the situation of individuals who, in search for sustenance, are underemployed or engaged in degrading activities in the urban centers (city axis). It also adds that, although using the contribution of various thinkers, the study essentially makes use of the theories of two Brazilian anthropologists: Darcy Ribeiro and Roberto DaMatta.
O foco da tese consiste na análise do protagonismo dos miseráveis na dramaturgia brasileira das décadas de 1950 e 1960, seus conflitos de classe e suas relações com distintos espaços de significação social. Para tal objetivo, a pesquisa estrutura-se a partir da identificação de três vertentes espaciais de representação: a primeira delas – composta por Auto da Compadecida, Morte e vida severina e Vereda da salvação – abarca as figuras dramáticas carentes que habitam pequenas vilas ou territórios do universo campestre (eixo rural); a segunda – Orfeu da Conceição, Pedro Mico e Gimba – refere-se a personagens desprovidas de recursos que moram na periferia das cidades (eixo da favela); e a terceira – Quarto de empregada, A invasão e O abajur lilás – retrata a situação de indivíduos que, em busca de sustento, trabalham em subempregos ou exercem atividades degradantes nos centros urbanos (eixo da cidade). Acrescenta-se, ainda, que apesar de utilizar a contribuição de vários pensadores, o estudo vale-se, essencialmente, das teorias de dois antropólogos brasileiros: Darcy Ribeiro e Roberto DaMatta.

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Tscherne, Milca da Silva [UNESP]. "Por um teatro novo em Portugal: a contribuição de Luiz Francisco Rebello." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2010. http://hdl.handle.net/11449/106359.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:35:39Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-03-04Bitstream added on 2014-06-13T19:47:51Z : No. of bitstreams: 1 tscherne_ms_dr_arafcl.pdf: 370014 bytes, checksum: 605b7e579e06b11531ce698fad58909a (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Este trabalho analisa a dramaturgia de Luiz Francisco Rebello (1924), a partir da conexão com alguns fatores que desencadearam a crise dramática no final do século XIX, como a dissonância entre as unidades de diálogos (relação intersubjetiva), de ação (fato) e de tempo (presente contínuo). Para Rebelo, houve também uma crise no teatro português, uma vez que o país ainda não tinha experimentado plenamente a fase de transformação, pela qual o teatro europeu passara nas primeiras décadas do século XX, e ainda se comportava, na sua percepção, como um país não integrado artisticamente à Europa. Rebello aproximou seus dramas do moderno, isto é, daquele drama que não seria mais condensado numa relação de contigüidade, em que um elemento levaria ao outro, mas constituído por descontinuidades que, afinal, lhe dariam uma unidade, tal como ocorre no cinema. Seu teatro, ao longo das encenações que recebeu, acentuou as amplas possibilidades, já previstas no texto, de se distender por meio do elemento épico, pois se organiza dentro de outras instâncias enunciativas, que não somente a dramática. Diversificou-se em formatos curiosos como polimonodrama, farsa catastrófica, teledrama, apontamento dramático, sequência dramática, espetáculo-documentário entre outras. Dentro dessas escolhas formais, persistem o elemento insólito contrapondo-se a elementos de uma cena convencional, a desaceleração na tensão ou a quebra de expectativa, a intersecção cênica entre o apresentado e o narrado ou entre tempos que se misturam numa mesma cena. A tese defende que as descontinuidades dramáticas respondem pelo status de renovador que seu teatro alcançou no panorama teatral português pós-1945
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Malheiros, Rodrigo Rodrigues. "Em torno de uma cena épico-dialética na Paraíba e do trabalho do coletivo de Teatro Alfenim: balizas teóricas, dramaturgia e atuação crítica." Universidade Estadual da Paraíba, 2015. http://tede.bc.uepb.edu.br/tede/jspui/handle/tede/2721.

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Abstract:

Submitted by Ricardo Carrasco (ricardogc84@uepb.edu.br) on 2017-02-10T12:52:31Z No. of bitstreams: 1 PDF - Rodrigo Rodrigues Malheiros.pdf: 142049640 bytes, checksum: b9fb7e11b6794f694db69449e1602daa (MD5)
Approved for entry into archive by Luciana Medeiros (luciana@uepb.edu.br) on 2017-02-17T14:36:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PDF - Rodrigo Rodrigues Malheiros.pdf: 142049640 bytes, checksum: b9fb7e11b6794f694db69449e1602daa (MD5)
Made available in DSpace on 2017-02-17T14:36:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Rodrigo Rodrigues Malheiros.pdf: 142049640 bytes, checksum: b9fb7e11b6794f694db69449e1602daa (MD5) Previous issue date: 2015-07-14
This is a study about aesthetics acting and critical analysis of the plays from Coletivo de Teatro Alfenim, whose proposal aims to build, through the theater, a discussion about the Brazilian individual, in the materialistic and historical perspective, with an emphasis on the epic-dialectic dimension. This drama / theater dialogues with the Brazilian tradition of epic theater, settled in the decades of 1950-1960 and revived in the 1990s by a dynamic that implies the selection of scenic-dramaturgical elements and reorganization of these elements in favor of production their shows. Thereby, it was established, as corpus analyzed, three texts, which resulted in three shows premiered in Paraíba, namely: Quebra-Quilos (2008), Milagre Brasileiro (2010) e O Deus da Fortuna (2011). Therefore, the analytic-interpretation look to the way how drama / theater from Coletivo is linked to the Brazilian epic theater tradition, while pointing to their reinterpretation, with regard to the use of epic forms in the theater, by aesthetic and formal elaborations present nowadays, with which it dialogues. Therefore, we examine the epic resources and how they are inserted in the western theater, being reformulated, historically, in order to formalize the subject matter, such as synthesis of a social given, also historically situated, exposing the crisis of dramatic paradigm synthesized by the use of dialogue. In this way, there is a sedimentation of formal discussion linked to the theme and their parts which brings to the role the class conflict, a possibility of unity and continuity in the national tradition, still marking the relevance of this discussion in the contemporary world, through assimilation of elements present in the tradition of brazilian epic theater. By this reasoning, the analysis-interpretation contextualizes the production of Coletivo de Teatro Alfenim amid a sociopolitical discussion established around the class relations, whose fronts militate for the restoration of the theater while dialogue mechanism with society.
Este es un estudio sobre la actuación estética y crítica de las piezas del Colectivo de Teatro Alfenim, cuya la propuesta es construir, por el teatro, una discusión en torno del sujeto brasileño, en la perspectiva materialista e histórica, con énfasis en la dimensión épico- dialéctica. Este drama / teatro dialoga con la tradición brasileña del teatro épico, que se instaló en las décadas de 1950-1960, y revivió en la década de 1990, por una dinámica que implica en la selección de elementos escénicodramatúrgicos y en la reorganización de estos elementos a favor de la producción de sus espectáculos. Así se establecieron, como el análisis de corpus, tres textos, lo que resultaron en espectáculos estrenados en escenario Paraibano, a saber: Quiebra Kilos (2008), Milagro Brasileño (2010) y El Dios de la Fortuna (2011). Sin embargo, el análisis - interpretación se vuelve a la forma como el drama / teatro del Colectivo está afiliado a la tradición del teatro épico de Brasil, mientras que señala a su reinterpretación, en relación con el uso de formas épicas en el teatro, por medio de elaboraciones estético y elaboraciones formales presentes en los días actuales, con el que sucede al diálogo. Por lo tanto, se examina los recursos épicos y la forma en que se insertan en el teatro occidental, siendo reformulados, históricamente, con el fin de formalizar la materia temática, como la síntesis de un dado social, también situado históricamente, dejando al descubierto la crisis del paradigma dramático, sintetizado por el uso del diálogo. De esta manera, se observa una permanencia de la discusión formal relacionada con el eje temático-conteudístico que aporta al papel de la lucha de clases, en una posibilidad de la unidad y la continuidad adentro de la tradición nacional, sigue marcando la importancia de este debate en el mundo contemporáneo, a través de la asimilación de los elementos presentes en la tradición del teatro épico-brasileño. Por este razonamiento, por el análisisinterpretación, se contextualiza la producción de Colectivo Teatro Alfenim en medio de una discusión sociopolítica establecida alrededor de las relaciones de clase, cuyos frentes de actuación militan por la restauración del teatro... mientras mecanismo de diálogo con la sociedad.
Trata-se de um estudo sobre a atuação estética e crítica das peças do Coletivo de Teatro Alfenim, que tem como proposta construir, por meio do teatro, uma discussão acerca do sujeito brasileiro, em perspectiva materialista e histórica, com ênfase na dimensão épicodialética. Essa dramaturgia/teatro dialoga com a tradição do teatro épico brasileiro, sedimentado nas décadas de 1950-1960, e reavivado na década de 1990, mediante uma dinâmica que implica a seleção dos elementos cênico-dramatúrgicos e a reorganização desses elementos a favor da produção de seus espetáculos. Assim, estabeleceram-se, como corpus de análise, três textos, que resultaram em espetáculos estreados na cena paraibana, a saber: Quebra-quilos (2008), Milagre Brasileiro (2010) e O Deus da Fortuna (2011). Portanto, a análise-interpretação volta-se para a maneira como a dramaturgia/teatro do Coletivo filia-se à tradição do teatro épico brasileiro, ao mesmo tempo em que aponta para suas ressignificações, no que diz respeito à utilização das formas épicas no teatro, mediante elaborações estéticoformais presentes nos dias atuais, com as quais passa a dialogar. Para tanto, examinam-se os recursos épicos e como estão inseridos no teatro ocidental, sendo reformulados, historicamente, com vistas a formalizar a matéria temática, como síntese de um dado social, também historicamente situado, expondo-se a crise do paradigma dramático sintetizado pelo uso do diálogo. O estudo mostra uma permanência da discussão formal atrelada ao eixo temático-conteudístico que traz para o protagonismo o conflito de classes, numa possibilidade de unidade e continuidade dentro da tradição nacional, que marca a pertinência dessa discussão na contemporaneidade, via assimilação dos elementos presentes na tradição do teatro épico-brasileiro. Mediante esse raciocínio, pela análise-interpretação, contextualiza-se a produção do Coletivo de Teatro Alfenim, em meio a uma discussão sociopolítica estabelecida a respeito das relações de classe, cujas frentes de atuação militam pela restauração do teatro como um mecanismo de interlocução com a sociedade.

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Fracalanza, Narahan Dib. "O teatro experimental da Socìetas Raffaello Sanzio: percurso e linguagem. Da palavra-imagem ao corpo-palavra." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-19082015-144315/.

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Abstract:

A presente dissertação é parte da pesquisa que se propõe investigar o discurso da materialidade cênica do grupo italiano Socìetas Raffaello Sanzio. O foco central neste primeiro momento é sua trajetória e as experiências daí decorrentes. Através da analise de seu percurso, procura-se estabelecer nesta pesquisa uma reflexão sobre as práticas contemporâneas do espetáculo que marcam uma ruptura com o modelo dramático tradicional ao propor novos paradigmas na construção da escritura cênica.
This dissertation is part of the research that aims to investigate the discourse of materiality scenic of the Italian group Socìetas Raffaello Sanzio. The central focus in this first time is its history and experiences resulting. Through analysis of its trajectory, it aims to establish this research a study of the contemporary practice of the show that marks a dramatic break with the traditional model to propose new paradigms in the construction of the writing stage.

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Vieira, Lucila. "A ENCENABILIDADE DO TEATRO QUINHENTISTA PORTUGUÊS NO SÉCULO XXI: DIÁLOGOS ENTRE DOIS TEMPOS." Instituto de Letras, 2015. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/27221.

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Abstract:

Submitted by Roberth Novaes (roberth.novaes@live.com) on 2018-09-04T14:43:24Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Lucila Vieira.pdf: 2347759 bytes, checksum: 682af6e5bbddd99ec6dba18c0aad8eec (MD5)
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O Portugal quinhentista foi o espaço de representação de mais de uma centena de peças teatrais, das quais é possível depreender uma rica fonte de produção teatral, não só pelas influências e correspondências criativas existentes entre os autores quinhentistas, mas também pelo profícuo diálogo que a prática teatral daquele tempo estabelece com tendências artísticas mais recentes. Antônio José Saraiva, mais de vinte anos depois de ter declarado que o teatro medieval teria findado com Gil Vicente (1942), repensa seu duro veredito quando vê encenado um texto de Brecht e reconhece uma série de semelhanças estruturais entre a dramaturgia vicentina e a brechtiana (1965). A partir de reflexões críticas e de exercícios comparativos pontuais entre textos dramatúrgicos, este trabalho pretende destacar algumas características coincidentes entre o acervo teatral daquele tempo e outras tradições que marcaram a cronologia das artes cênicas. Além disso, com o intento de promover uma aproximação mais efetiva do teatro português de 1500 aos tempos atuais, estabelecemos o conceito de encenabilidade. Isto é, a partir da verificação dos vestígios cênicos presentes nos versos escritos no português clássico, quando expostos à criação e à audiência dos indivíduos do século XXI, este trabalho relata e analisa criticamente a experiência de encenação do Auto dos Escrivães do Pelourinho, texto quinhentista português anônimo.
The sixteenth-century Portugal was the space of representation for more than a hundred plays, of which it is possible to infer a plentiful source of theatrical production, not only by the existing creative influences and correspondences between the sixteenth century authors, but also by the rich dialogue that the theatrical practice of that time establishes with latest artistic trends. Antonio José Saraiva, twenty years after having declared that the medieval theater died with Gil Vicente (1942), rethinks his hard verdict when sees staged a text written by Brecht, and recognizes a lot of structural similarities between Vincentian and Brechtian (1965) dramaturgy. From critical reflections and comparative exercises between specific dramaturgical texts, this paper aims to highlight some matching characteristics between the dramaturgical collection of that time and other traditions that marked the chronology of the performing arts. Moreover, with the intent of promote a more effective approach of Portuguese theater from 1500 to present; we established the concept of “playability”. That is, from the analysis of scenic traces present in verses written in classic Portuguese when exposed to creation and the audience of person from twenty-first century, this paper describes and critically analyzes the staging experience of “Auto dos Escrivães do Pelourinho”, play of anonymous authorship, written in the sixteenth century.

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Matos, Ivan Delmanto Franklin de. "A dramaturgia negativa: dialética trágica e formação do teatro brasileiro." Universidade de São Paulo, 2016. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-14092016-114027/.

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Abstract:

Esta tese sobre a história da dramaturgia no Brasil tomou como pressuposto a ideia de formação, inspirada na obra de Antonio Candido, Formação da Literatura Brasileira, que é caracterizada por definir, no campo das letras nacionais, a ambivalência que marca nosso processo de constituição cultural, marcado pelo empréstimo de formas artísticas importadas em desajuste com a realidade histórica local. Procuramos traçar o percurso de formação de uma dramaturgia nacional identificando os limites e avanços deste processo de aclimatação das formas e gêneros de origem europeia, escolhendo objetos de análise específicos, a saber, obras e autores considerados como \"momentos decisivos\". Partimos da hipótese de que, no âmbito teatral, os \"momentos decisivos\" desta formação são aqueles influenciados pelos conceitos europeus (formulados pelo crítico Peter Szondi) de drama burguês, drama moderno e de teatro épico, que, no entanto, ao serem incorporados pelos autores teatrais brasileiros geraram formas híbridas, \"arruinadas\" e desajustadas em relação aos modelos originais. Consideramos que tal importação, assolada por um processo histórico também ele altamente contraditório e desigual, gerou entre nós diversas manifestações teatrais fraturadas, que poderiam ser contempladas por um conceito ampliado de tragédia. Procuraremos identificar, nestes momentos decisivos, diversas manifestações de uma certa dialética trágica que, não obstante sua diversidade, poderia caracterizar esse processo de formação como capaz de gerar obras tão dilaceradas quanto o tecido social que lhes corresponde.
This thesis on the history of dramaturgy in Brazil explores the idea of formation, inspired by Antonio Candido\'s work Formação da Literatura Brasileira (Brazilian\'s Literature Formation), which is known in the national literary field for defining the ambivalence that exists in our cultural constitution process, and is characterized by the influence of imported artistic forms imbalanced with local historical realities. We seek to trace the development of a national dramaturgy, identifying the boundaries and advances in the acclimation process of European forms and genres, by selecting key analytical pieces, namely works and authors considered to be \"turning points\". We hypothesize that these decisive moments are the ones influenced by the European concepts of bourgeois drama, modern drama and epictheater formulated by the critic Peter Szondi; by incorporating such concepts, Brazilian playwrights have generated hybrid forms, \"ruined\" and misfits of the original models. This thesis considers how such importation - coupled with a highly contradictory and uneven historical background - has generated amongst us several fractured theatrical manifestations that could be categorized under a broader concept of tragedy. We will seek to identify, from these decisive moments, indications of a certain tragic dialectic and how it, not withstanding its own diversity, could characterize this formation process capable of generating new works as lacerated as the social fabric to which they correspond.

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Ahumada, Zuaza Luis. "El Teatro Infantil y Juvenil de Carmen Conde." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2011. http://hdl.handle.net/10803/94519.

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Abstract:

In this research work addresses the question of the status of children´s theater and youth Carmen Conde. In turn is made a thorough study of historical-biographical which meant that literary Spain. Other aspects are addressed as: analysis of dramatic texts child, pedadoficus aspects thereof,subject index, etc. Accompany this study a wide and rich literature on the author and her child and youth drama.
En el presente trabajo de investigación se aborda el estado de la cuestión del teatro infantil y juvenil de Carmen Conde. a su vez se realiza un profundo estudio histórico-biográfico de lo que supuso dicho género literario en la producción literaria de la autora y la España del siglo XX. Se abordan otros aspectos como: Análisis de sus textos dramáticos infantiles, aspectos pedagógicos de los mismos, índice temático, etc. Acompaña a dicho estudio una amplia y rica bibliografía sobre la autora y su dramaturgia infantil.

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Matos, Ivan Delmanto Franklin de. "O Labirinto Miopia: o espetáculo teatral como planetário em ruínas." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8151/tde-30032012-134914/.

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Abstract:

Esta dissertação, que tem como objeto o processo de criação do espetáculo teatral Miopia, investiga as tensas relações entre forma teatral, abordada em suas diversas e contraditórias dramaturgias, e o tecido histórico. Procuramos reler tal experiência estética questionando se é possível enxergar nas cicatrizes, limitações e contradições do espetáculo teatral e do seu processo de criação índices da realidade histórica, caracterizada pelo estágio tardio do sistema capitalista de produção. Para conceituar esta experiência artística, que representou algumas possibilidades de suspensão dialética (sacrifício, aniquilamento, conservação e superação) dos pressupostos do teatro épico sistematizados por Bertolt Brecht, criamos o conceito de labirinto. Utilizamos este conceito porque categorizações geralmente utilizadas na descrição do teatro contemporâneo, como a de teatro pós-dramático, também não se ajustavam ao objeto, já que este levantava questões ligadas à tentativa de configurar características próprias da formação social brasileira. Esta forma do labirinto é caracterizada em Miopia por uma utilização sistemática da alegoria de difícil decifração, entendida aqui em sua aproximação da ruína, do enigma e da incompletude. Apresentada em uma Usina de Compostagem de Lixo, a peça teve sua encenação construída por meio de detritos de formas e procedimentos teatrais tradicionais e a partir do lixo, expondo na própria cena o inacabamento de seu processo de criação. O fracasso das intenções iniciais presentes neste processo pôde ser revelado nesta dissertação como possibilidade de construção de sentido, em que a crise de compreensão em Miopia inseriu o público como criador e consumador do espetáculo teatral, dissolvendo o conceito de obra artística e substituindo-o pela ideia de um ensaio em perpétuo devir.
In this dissertation our object of study is the creative process of the theater performance Miopia. It investigates the tense relations between the theatrical forms, approached by its diverse and contradictory dramatic structures, and the historical weaving. We aim to review this aesthetical experience by questioning the possibility of finding indexes of the historical reality, characterized by the late capitalist production system, as we look into the scars, limitations and contradictions of the theater performance and its creative process. In order to conceptualize this artistic experience, that has presented some possibilities of \"dialectical suspension\" (sacrifice, annihilation, conservation and overcoming) from the Bertolt Brecht\'s epic theater presuppositions, we have come up with the concept of \"labyrinth\". We stick to this concept because the categorizations that are currently used to describe contemporary theater, as the \"postdramatic\" one, cannot fit in our object of study, as it has brought up questions that are connected to the attempt of configuring specific characteristics of the Brazilian social development. The labyrinth set-up is characterized in Miopia by a systematic use of the allegory of the hard deciphering, here understood by approaching the ideas of ruin, enigma and incompleteness. The performance took place in a Garbage Composting Plant, and the staging was set up from the debris of traditional theatrical forms and procedures and from garbage, exposing on stage the undone characteristic of its own creative process. The failure of the initial intentions of the process could be analyzed in this dissertation as a possibility of constructing meaning, in which the crises of understanding Miopia has brought the audience to the role of creator and consummator of the theatrical performance, dissolving the concept of \"work of art\" and replacing it by the idea of a \"perpetual becoming rehearsal\".

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Grebler, Maria Albertina Silva. "Coreografias de Pina Bausch e Maguy Marin: A teatralidade como fundamento de uma Dança Contemporânea." Universidade Federal da Bahia, 2006. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/24073.

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Abstract:

Submitted by maria albertina silva grebler (bettigrebler@gmail.com) on 2017-08-18T14:36:20Z No. of bitstreams: 1 Tese revisada em 11_4_17.doc: 468480 bytes, checksum: fde42f852e128a8869f02e953d26399b (MD5)
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CAPES
O objeto deste trabalho é o estudo das relações entre as artes da dança e do teatro através de duas obras-primas da Dança Contemporânea que, a partir dos anos 80, constituíram uma nova forma de pensar e apresentar o movimento dançado. Ambas engendradas pela aproximação entre as artes da dança e do teatro e que produziu duas formas espetaculares para a arte coreográfica contemporânea: a Dança-Teatro Alemã, aqui representada pela coreografia 1980, Ein Stück von Pina Bausch, de Pina Bausch, e a Nova Dança Francesa, que se faz presente nesta pesquisa com a coreografia May B, de Maguy Marin. Estas duas obras demonstram de modo exemplar a utilização de processos da prática teatral assim como a presença de seus elementos na produção destas duas correntes da dança europeia. A primeira peça será abordada tanto em sua relação com o Teatro Épico de Brecht, como pelas assimilações e subversões textuais e cenográficas da prática teatral tradicional. Do mesmo modo, a coreografia May B indicará o diálogo entre a dança e os princípios do Teatro do Absurdo de Samuel Beckett. Além de nos ajudarem a pensar as aproximações entre as artes da dança e do teatro, o trabalho destas coreógrafas favorece o estudo das origens modernas da dança e do teatro, facilitando a compreensão das motivações e das transformações que atravessaram a história recente dessas artes.
The subject of this work is the study of the relationship between the arts of the dance and the theater through two masterpieces of the Contemporary Dance of the 80’s. These two works inaugurated and formulated two new forms of dance presentation: the German Dance Theater, here represented by Pina Bausch, and the French New Dance, represented by Maguy Marin. Bausch is one of the best known choreographers of the Tanztheater throughout the world and her work will be also viewed in its relation to the brechtian Epic Theater, as well as for the textual and cenographic assimilations which can be largely perceived in the chosen piece 1980, Ein Stück von Pina Bausch. Maguy Marin is one of the first choreographers of the New Dance french generation, and she contributes for this research through her masterpiece May B, in which she works under the influence of the Theater of Absurd envisioned by Samuel Beckett. Both pieces efficiently illustrates the appropriation of theatrical elements by Contemporary Dance, since then. After tracing a brief historical development of the Modern Dance we intend to proceed in the recognition and comparison between both creative processes and its results in the mentioned pieces, as a way to illuminate the presence of theatrical elements in the work of these two choreographers. More than help us to think the relations between the arts of dance and theater, their works also stand as a source for the choreographic analysis. Furthermore, they favor the study of the origins of Modern Dance, as well as the Modern Theater to enlighten our understanding of its motivations and transformations that affected their recent history.

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Salvador, Francisca Nunes da Mota. "Da lousa ao palco: teatro como possibilidade de desenvolvimento de agência." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2014. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/13699.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-04-28T18:22:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Francisca Nunes da Mota Salvador.pdf: 29148648 bytes, checksum: 860931329684636d5c1f101faa35481e (MD5) Previous issue date: 2014-10-17
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
The aim of this research is to investigate, critically, the development of creative agency in chain activity system on a drama project for teenagers at elementary school (7th grade). The project is developed at Instituto Dinâmico Alfredo Chaves (ES), where proposals aimed at reading and production of speech genres for elementary and high school are promoted. The question that organizes this research is: How do chain activity system enable the development of agency? Two sub questions were proposed: What types of collaboration were constituted in the meetings? What types of agency flourished? This study finds itself within the context of Applied Linguistics and is supported by the Social Historical and Cultural Activity Theory, with focus on agency. It is designed as a Critical Research on Collaboration (MAGALHÃES, 2010; 2011), whose goal is to create the context of negotiation in which the subjects learn from each other, generating shared knowledge. The corpus of this research consisted of four meetings held during the process of production of a play as well as testimonials, written by the students who were involved in the project in the year of 2013. Data were analyzed prioritizing enunciation, discursive and linguistic aspects, based on studies on argumentation. The results show that the process, which was carried out by the subjects of research, promotes collaborative relationships, enabling the development of agency. However, it is important that the teacher acts intentionally and responsively so that there is critical collaboration in a way that subjects take part in relational and transformative agency
O objetivo desta pesquisa é investigar, de forma crítica, o desenvolvimento de agência no sistema de atividades em cadeia, que se propõe criativa, em um projeto de teatro para adolescentes em fase de escolaridade do segmento Ensino Fundamental, 7º ano. Trata‐se de um projeto desenvolvido no Instituto Dinâmico Alfredo Chaves (ES), local em que são promovidas propostas voltadas à leitura e à produção de gêneros discursivos para o Ensino Fundamental e Médio. A pergunta que organiza esta pesquisa é: Como o sistema de atividades em cadeia possibilita o desenvolvimento de agência? Duas subperguntas foram organizadas: Que tipos de colaboração foram constituídos nos encontros? Que tipos de agência foram decorrentes? Este estudo está inserido no contexto da Linguística Aplicada e apoiado na Teoria da Atividade Sócio‐Histórico‐Cultural, com foco em agência. Está delineado como uma Pesquisa Crítica de Colaboração (MAGALHÃES, 2010; 2011), cujo objetivo é criar contexto de negociação, em que os sujeitos aprendam, uns com os outros, a produzir conhecimento compartilhado. O corpus desta pesquisa foi constituído de quatro encontros ocorridos durante o processo de produção de uma peça de teatro e depoimentos escritos por alunos do projeto, em 2013. Os dados foram analisados priorizando os aspectos enunciativos, discursivos e linguísticos, com base nos estudos sobre argumentação. Os resultados mostram que o processo percorrido pelos sujeitos da pesquisa promove relações colaborativas, possibilitando o desenvolvimento de agência. No entanto, é importante um agir intencional e responsivo do professor para que haja a colaboração crítica, de modo a mobilizar os sujeitos a uma agência relacional e transformativa

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Duarte, Márcia de Freitas. "Práticas de organizar na indústria criativa: a produção de um espetáculo de teatro musical em São Paulo - SP." reponame:Repositório Institucional do FGV, 2015. http://hdl.handle.net/10438/13749.

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Abstract:

Submitted by Márcia de Freitas Duarte (marcia.freitas.duarte@gmail.com) on 2015-06-09T09:18:35Z No. of bitstreams: 1 Tese - Márcia Duarte - Versão Final - Biblioteca.pdf: 21203549 bytes, checksum: 148d1658abe20953b0be2ce861bb3858 (MD5)
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This thesis aims to understand the practices and actions of organising necessary for production /organization of a musical theatre show in São Paulo, in order to explore how materially heterogeneous relations and articulations sustain it and allow their presentations. The focus on practice and organising is aligned to the concern of Organizational Studies (OS) about how 'organizations happen' and in the understanding of the everyday organizational processes and practices, referring to the comprehension of organizations as a process (organizing) in constant state of (re)constitution. The literature in creative industries presents a lack related to the organization of creative goods or services, considering it focuses its attention more in the consumption of these products than in their organization or production. The notion of creativity is also pointed as just a human attribute, a talent or ability without emphasizing some creative or cultural goods or services only can happen or are produced considering the relations and actions between human and non-human elements. In organizational literature, theatre is studied as metaphor or as a sort of intervention/tool in processes of organizational changes or learning and not as a particular form of organization. Musical theatre, a creative industry, seems to be a consolidated activity in Brazil, mainly by the increase of large musical montages from Broadway shows and its increasing professionalization, particularly in the last decade and especially in São Paulo, SP. Its production differs from other theatrical genres by the number of professionals, the amount of investments and presence of technology highlighted in its sound, light and set design and stage management department, making it a fertile field for the exploration about how these actors get together and form the visible show (seen on the stage by the audience) and the invisible one (hidden behind the scenes). About this aspect, Actor-Network Theory (ANT), here used as theoretical and methodological framework , is an approach which provides an analytical repertoire for understanding the organization as the effect of a network of heterogeneous elements, with a stability temporarily achieved. This is a qualitative research and to achieve the aim of exploring the organization of a musical I carried out a fieldwork inspired in ethnographic principles along ten months in one company whose show was being presented in São Paulo between 2013 and 2014. From what was observed in the field, I described the associations and articulations between human and non-human actors, which are permeated by efforts to generate a stabilized order, even if precarious, which is here understood the musical itself (macro-actor or network-of-actors) and its more than three hundred performances during the season, resulting from actions in continuous (re)constitution. Negotiations concerning copyright acquisitions, particular aspects of the Portuguese language, the Brazilian audience, the bodies and voices of the Brazilian cast, the structural constraints of the theater, the production of documents, marking the rehearsing room, the articulation of the show via sound and image systems, the acquisition of specific equipment and the ‘calling system’ which allows to 'call the show' during the presentation are some of the themes I explored. In conclusion, with this research, I attempted to link the growing interest of OS field in relation to organising and some of the possibilities offered by ANT on the understanding of the multiplicity and heterogeneity inherent to organizational practices, in order to enrich the discussion of the organization and production of creative goods and services highlighting how the organization 'musical theatre show' is multiple and materially heterogeneous, and not only an idea related to human agency or creativity as production input, as emphasize the most descriptions related to creative industries.
Esta tese tem por objetivo compreender as práticas e ações de organizar necessárias à produção/organização de um espetáculo de teatro musical em São Paulo, a fim de explorar como as relações e articulações materialmente heterogêneas o sustentam e permitem suas apresentações. O foco nas práticas está alinhado à preocupação dos Estudos Organizacionais (EO) acerca de como ‘as organizações acontecem’, e na compreensão dos processos e práticas de organizar do cotidiano organizacional, remetendo ao entendimento das organizações como processos (organising) em constante estado de (re)constituição. O campo das indústrias criativas apresenta ainda lacunas pouco exploradas, referentes aos bens e serviços criativos. Seu foco de estudos está mais voltado para o consumo de tais bens e poucas pesquisas dedicam-se à sua produção e/ou organização. A própria noção de criatividade é entendida apenas como um atributo humano, talento ou habilidade, sem se enfatizar que alguns bens e serviços criativos e culturais apenas são possíveis a partir das relações e ações entre humanos e não-humanos. Na literatura organizacional, o teatro é amplamente estudado como uma metáfora ou como uma ferramenta de intervenção em processos de mudança ou aprendizado, sendo ainda raros estudos dedicados a explorar um espetáculo teatral como forma particular de organização. O teatro musical, inserido nas indústrias criativas, parece se consolidar no Brasil, principalmente pelo aumento de montagens de grandes musicais oriundos da Broadway, NYC, EUA, e sua crescente profissionalização, sobretudo na última década e, especialmente, na cidade de São Paulo, SP. Sua produção difere de outros gêneros teatrais pelo número de profissionais, investimentos e presença da tecnologia evidenciada em seus projetos de som, luz, cenografia e gestão de palco, tornando-o um campo fértil para a exploração sobre como atores se reúnem e formam o espetáculo visível (visto pelo público no palco) e o invisível (oculto nos bastidores). Sobre tal aspecto, a Teoria Ator-Rede (TAR), aqui utilizada como referencial teórico-metodológico, fornece um repertório analítico para a compreensão da organização como efeito de uma rede heterogênea de elementos, com uma estabilidade temporariamente alcançada. Para concretizar meu objetivo de explorar a organização de um musical, realizei uma pesquisa qualitativa, com inspiração etnográfica, na qual permaneci em campo durante dez meses junto a uma companhia cujo espetáculo esteve em cartaz em São Paulo entre os anos de 2013 e 2014. Descrevo, assim, como ocorreram as associações a articulações entre atores humanos e não-humanos, permeadas por esforços no sentido de gerar uma estabilização, um ordenamento, mesmo que precário, o qual é aqui entendido o musical (macro-ator ou rede-de-atores) em si e suas mais de trezentas apresentações durante a temporada, resultantes de ações em contínua (re)constituição. Negociações referentes a aquisições de direitos autorais, aspectos particulares da língua portuguesa, do público brasileiro, dos corpos e vozes do elenco brasileiro, as restrições estruturais do teatro, a produção de documentos, a marcação na sala de ensaios, a união do espetáculo via sistemas de som e imagem, a aquisição de equipamentos específicos e o sistema que permite ‘chamar o show’ durante a apresentação são alguns dos temas que exploro. Com esta pesquisa, busquei assimilar o crescente interesse dos EO em relação organising e algumas das possibilidades oferecidas pela TAR quanto à multiplicidade e heterogeneidade inerentes às práticas organizativas, com o intuito de enriquecer a discussão acerca da organização e produção de bens e serviços criativos, destacando como a organização ‘espetáculo de teatro musical’ é múltipla e materialmente heterogênea, e não apenas uma ideia exclusiva à ação humana ou criatividade como insumo de produção, tal como apregoa a maior parte das descrições referentes às indústrias criativas.

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Delgado, Pedro Omar Lacerda. "Moldar a carne : a queerização do corpo no teatro de João Carlos Castanha." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2013. http://hdl.handle.net/10183/78758.

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Abstract:

Este estudo tem o objetivo de construir uma reflexão acerca do processo de corporificação de personagens transgêneros e das construções teatrais de um ator homossexual a partir de seu corpo cotidiano (conjugado). Para tanto, escolhi investigar os processos de criação teatral e de construção corporal de alguns personagens interpretados pelo ator João Carlos Castanha. Os corpos criados por esse ator ganham carne a partir de pedaços de corpos masculinos e femininos que resultam em corpos estéticos de sexualidade e gênero híbridos. Diante disso, desenvolvi uma pesquisa embasada em referencias teóricos que subsidiam a Teoria Queer, aliados a procedimentos metodológicos oriundos da pesquisa qualitativa. Assim, utilizei fontes impressas, imagéticas, entrevistas e observações durante a prática do trabalho do ator. Esse trabalho resulta de uma necessidade particular de me aproximar e de compreender essas construções corpóreas que acontecem em zonas periféricas num devir-teatral. Zonas essas que se constituem fora dos padrões dos gêneros masculino e feminino.
This study aims to build a reflection on the embodiment process of transgender characters and theatrical constructions of a gay actor from his real life body (conjugate). Therefore, I chose to investigate the working process and body constructions of the characters played by actor João Carlos Castanha. The bodies created by this actor gain flesh from pieces of male and female bodies that result in hybrid sexuality and gender aesthetics bodies. Therefore, I have chosen to develop a research grounded in theoretical and methodological references of qualitative research, as well as the thought that subsidizes Queer Theory. So, I made use of printed sources, imagery, interviews and observations during the practice of that actor's work. Therefore, this paper is the result of a particular need for the researcher to approach these body constructions that occur in peripheral areas in a becoming theater. Thus, those areas are constituted outside the standards of male and female bodies.

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Oliveira, Natássia Duarte Garcia Leite de. "Teatro dialético em terras estranhas: a (in)diferenciação entre sujeito e objeto na formação cultural." Universidade Federal de Goiás, 2013. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tede/3649.

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Abstract:

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2014-11-20T10:12:41Z No. of bitstreams: 2 Tese - Natássia Duarte Garcia Leite de Oliveira - 2013.pdf: 3602344 bytes, checksum: 762e67dc5f778124ce2908f23fee12af (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5)
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Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG
This work is a result of a research developed from 2009 to 2013, compounding the set of productions at the study line Culture and Educational Processes of the Post-Graduation Program in Education at Faculty of Education/UFG, being bound to the Nucleus of Research and Studies: Society, Subjectivity and Education (NUPESE). The title of the thesis, Dialectical Theater in strange lands: the (in)differentiation between subject and object in cultural formation, searched theoretically the relationship between the Bertolt Brecht’s dialectical theatre and the critical theory of School Frankfurt, represented in the Theodor Adorno and Walter Benjamin’s works. The central problem of the research is: why and how brechtiano epic theatre is relevant for the conception of epic form overwhelmed by cultural industry? As a main objective, it sought critical theory contributions about (in)differentiation between subject and object for a reflection about epic theatre constitution. For this, concepts of strangeness and detachments were analyzed, dialoguing with: meaning of identification in freudiana theory; categories of strangeness, strangeness in himself and strange work in the marxist conception; and the bejaminiano concept of experience. In this sense, the work is a reflection of the dialogue of many voices, and its theoretical referential is Constantin Stanislavski, Berlot Brecht, Karl Marx, Sigmund Freud, Walter Benjamin, Theodor Adorno. We still based on readings of Viktor Choklovski, Eric Hobsbawn and Iná Costa’s works, like other ones, and the negative dialectical body and conceptual analysis of Adorno. At the end of the research, it was concluded that it is primordial the differentiation in the relationship between subject and object for the cultural formation of the subjects, in the actor, director, dramaturge or spectator positions. This question pervades through the mediation process, in which the subject constitutes himself, as well as the form and content of the object. Thus, it is necessary to intend the affective approach of the subject to what it is aesthetically produced, and the critical distance of the artistic experience, in ambivalent and contradictory relationship between particular and universal, subjectivity and objectivity, individual and society. Such dialectical movement may enable the subject to recognize himself in the critical creation with/of the object. So there is this experience for and by the formation, it is fundamental the affective link with the art work and subjects involved on the artistic work; and, still, the necessary strangeness and distance to the critical reflection in the possibility of overcoming barbarism in the sense of the subject autonomy.
O presente trabalho resulta de uma pesquisa desenvolvida no período de 2009 a 2013, compondo o conjunto de produções da linha Cultura e Processos Educacionais do Programa de Pós Graduação em Educação da Faculdade de Educação/UFG, estando vinculado ao Núcleo de Pesquisa e Estudos Sociedade, Subjetividade e Educação (NUPESE). A tese intitulada Teatro dialético em terras estranhas: a (in)diferenciação entre sujeito e objeto na formação cultural investigou teoricamente a relação entre o teatro dialético de Bertolt Brecht e a teoria crítica da Escola de Frankfurt, representada nas obras de Theodor Adorno e Walter Benjamin. Definiu-se como problema central da pesquisa: por que e como o teatro épico brechtiano é relevante para a concepção da forma épica, subjugada pela indústria cultural? Como principal objetivo, buscou-se as contribuições da teoria crítica acerca da (in)diferenciação entre sujeito e objeto, para uma reflexão sobre a constituição do teatro épico. Para tanto, analisou-se os conceitos de estranhamento e de distanciamento em Brecht, dialogando com: a acepção de identificação na teoria freudiana; as categorias de estranhamento, estranhamento-em-si e trabalho estranhado na concepção marxista; e o conceito bejaminiano de experiência. Nesse sentido, o trabalho é reflexo de diálogo de muitas vozes, tendo como referencial teórico Constantin Stanislavski, Bertolt Brecht, Karl Marx, Sigmund Freud, Walter Benjamin, Theodor Adorno; apoiando-nos, ainda, em leituras como Viktor Choklovski, Eric Hobsbawm, Iná Costa, entre outros. A análise conceitual e do corpo teórico cotejado na pesquisa foi realizada com base no materialismo histórico e na dialética negativa, de Adorno. Ao final da pesquisa, concluiu-se que é fundamental a diferenciação na relação entre sujeito e objeto para a formação cultural dos sujeitos, quer estejam na posição de ator, diretor, dramaturgo ou espectador. Essa questão perpassa pelo processo de mediação, pela qual o sujeito se constitui, assim como constitui a forma e o conteúdo do objeto. Destarte, faz-se necessário tencionar a aproximação afetiva do sujeito ao que é produzido esteticamente, e o distanciamento crítico da experiência artística; numa relação ambivalente e contraditória entre particular e universal, subjetividade e objetividade, indivíduo e sociedade. Tal movimento dialético pode possibilitar ao sujeito que ele se reconheça na criação crítica com/do objeto. Para que haja essa experiência para e pela formação, é fundamental o vínculo afetivo com a obra de arte e com os sujeitos envolvidos no trabalho artístico; e ainda, o estranhamento e o distanciamento necessários à reflexão crítica na possiblidade de superação da barbárie no sentido da autonomia do sujeito.

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Lima, Francisco Wellington Rodrigues. "A Representação do Diabo no Teatro Vicentino e Seus Aspectos Residuais No Teatro Quinhentista do Padre José de Anchieta e no Contemporâneo Ariano Suassuna." http://www.teses.ufc.br, 2010. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/3461.

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Abstract:

LIMA, Francisco Wellington Rodrigues. A representação do diabo no teatro vicentino e seus aspectos residuais no teatro quinhentista do Padre José de Anchieta e no contemporâneo Ariano Suassuna. 2010. 288f. Dissertação (Mestrado em Letras) – Universidade Federal do Ceará, Departamento de Literatura, Programa de Pós-Graduação em Letras, Fortaleza-CE, 2010.
Submitted by Liliane oliveira (morena.liliane@hotmail.com) on 2012-06-28T14:33:49Z No. of bitstreams: 1 2010_DIS_FWRLIMA.pdf: 1523386 bytes, checksum: cdef1b17fb0253bd811844ee1dbfd01c (MD5)
Approved for entry into archive by Maria Josineide Góis(josineide@ufc.br) on 2012-07-24T11:04:48Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_DIS_FWRLIMA.pdf: 1523386 bytes, checksum: cdef1b17fb0253bd811844ee1dbfd01c (MD5)
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Figura emblemática presente no imaginário popular europeu, devido à ascensão do Cristianismo como religião dominante, o Diabo recebeu diversas definições e transformações que o moldaram através dos séculos. Na Literatura Brasileira, em especial, no Quinhentismo e na Contemporaneidade, temos de maneira bastante significativa a representação residual de tais personificações do Diabo, seguindo os moldes do imaginário cristão medieval conforme se encontra no Auto da Alma, no Auto da Barca do Inferno, no Auto da Barca do Purgatório e no Auto da Barca da Glória, de Gil Vicente. O intuito deste trabalho é demonstrar os aspectos residuais da representação do Diabo medieval vicentino no teatro brasileiro quinhentista do Padre José de Anchieta e no contemporâneo de Ariano Suassuna.

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Oliveira, Yonara Dantas de. "O rebaixamento da negatividade da arte: Um estudo sobre a instrumentalização do teatro na educação." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/47/47131/tde-14072010-174052/.

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Abstract:

Este estudo discute a inserção do teatro no âmbito educacional, considerando o atravessamento do teatro pela instituição escolar e os movimentos que permearam a história do teatro. Com base na teoria crítica da sociedade desenvolvida por Theodor Wiesengrund Adorno, entende-se que o teatro, como expressão artística, é, em si, forma de conhecimento. Por meio do seu caráter de negatividade, as obras de arte condensam as antinomias e os antagonismos como antíteses da sociedade enquanto problema de sua forma interna, o que potencializa a arte como crítica imanente à realidade social. Partindo desse entendimento, buscou-se elucidar como o teatro se relaciona com os demais conteúdos escolares. Para tanto, foram selecionadas como material para análise quatro produções acadêmicas sobre teatro e educação, entre dissertações e teses produzidas na Universidade de São Paulo, já situadas dentro do contexto da vigência da nova Lei de Diretrizes e Bases da Educação, de 1996, e da implementação dos Parâmetros Curriculares Nacionais, em 1998. As reflexões de Theodor W. Adorno e as discussões apresentadas nas obras selecionadas contribuem para a compreensão do objeto de estudo, em uma análise sobre a relação entre teatro e educação escolar, a qual indaga de que maneira, nessa relação, o teatro encontra-se rebaixado em seu potencial de contato com a realidade e de crítica a ela. Da análise das quatro obras selecionadas é possível depreender que o teatro encontra-se instrumentalizado, tendo em vista que as atividades de ensino de teatro têm ido ao encontro de uma educação afirmativa da ordem vigente
This study is about the insertion of theater in the educational field, and it considers the crossing through of theater by the school, as well as the movements that permeate the history of theater. Based on the critical theory of society developed by Theodor Wiesengrund Adorno, it is understood that theater itself, as an artistic expression, is a way of knowledge. The works of art condense both the contradictions and the antagonism as antitheses of society as problems of their inner shape through their character of negativity, which reinforces art as criticism pertaining to the social reality. From that perception, it was explained how theater relates to the other school contents. To do so, four academic papers about theater and education were selected among the theses and dissertations done at Universidade de São Paulo after the new National Education Bases and Guidelines Law was in force (the law has been ruling since 1996) and the National Curriculum Parameters were implemented (1998). Both Theodor W. Adorno´s thoughts and the discussions in the selected papers help to understand the object of the present study, in an analysis of the relation of theater to education, which searches the way theater is lowered in its potential of contact with reality and criticism of it inside such relation. From the analyses of the four selected papers it is possible to infer that theater has been transformed into an instrument of education, for the teaching activities of theater have met the education of the ruling order

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Leite, José Marcio Nerone Leite. "Estudos sobre o ensino do teatro na escola e a apropriação da teaoria crítica." Universidade Federal de Goiás, 2018. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tede/8381.

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Abstract:

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-04-25T11:33:36Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - José Marcio Nerone Leite - 2018.pdf: 786954 bytes, checksum: 393061fa1878293a9c76bf9b1f772d7e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-04-25T12:17:51Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - José Marcio Nerone Leite - 2018.pdf: 786954 bytes, checksum: 393061fa1878293a9c76bf9b1f772d7e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
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This work develops a research of the State of the Knowledge with the objective of investigating how the Teaching of the Theater in the School Education has been discussed in the dissertations and theses of Graduate Programs Masters and Doctorate in Scenic Arts. We selected three older programs from public universities and from different regions that had the works available on the online page. They are Graduate Program in Performing Arts of the Federal University of Bahia (UFBA), Graduate Program in Performing Arts of the University of São Paulo (USP) and Graduate Program in Theater of the State University of Santa Catarina (UDESC). The theoretical basis of this work was the Critical Theory of Society, especially in Adorno, Horkheimer, Benjamin and Marcuse, who even with theoretical differences contributed to problematize the object. We find that theorists Walter Benjamin, Theodor Adorno and Marx Horkheimer of Critical Theory appear tangentially in the discussions. Benjamin is quoted in 9 works to discuss experience, narration, mimesis, modernity and childhood. Adorno in 1 work to highlight the importance of emancipation in education and Adorno and Horkheimer to highlight the critical reason. The teaching of the theater is considered important to develop human existence and the specific dimensions of creativity, the relationship with the community and a work only to learn the content of writing and does not have the show primarily as an end. The research developed was carried out by the Post- Graduation Program in Education of the Faculty of Education / FE of the Federal University of Goiás, in the MINTER agreement in Education UFG / IFMT 2015.
Este trabalho desenvolve uma pesquisa do Estado do Conhecimento com o objetivo de investigar como o Ensino do Teatro na Educação Escolar vem sendo discutido nas dissertações e teses de Programas de Pós-Graduação Mestrado e Doutorado em Artes Cênicas. Selecionamos três Programas mais antigos de Universidades públicas e de regiões diferentes que tiveram os trabalhos disponíveis na página on line. São eles: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas daUniversidade Federal da Bahia (UFBA), Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade de São Paulo (USP) e Programa de Pós-Graduação em Teatro da Universidade Estadual de Santa Catarina (UDESC). A base teórica desse trabalho foi a Teoria Crítica da Sociedade, especialmente Adorno, Horkheimer, Benjamin e Marcuse, que mesmo com diferenças teóricas contribuíram para problematizar o objeto. Percebemos que os teóricos Walter Benjamin, Theodor Adorno e Marx Horkheimer da Teoria Crítica aparecem de forma tangencial nas discussões. Benjamin é citado em 9 trabalhos para debater experiência, narração, mimese, modernidade e infância. Adorno em 1 trabalho para ressaltar a importância da emancipação na educação e Adorno e Horkheimer para realçar a razão crítica. O ensino do teatro é considerado importante para desenvolver a existência humana e as dimensões mais especificas da criatividade, da relação com a comunidade e em um trabalho apenas para aprendizagem do conteúdo da escrita e não tem prioritariamente o espetáculo como fim. A pesquisa desenvolvida foi realizada pelo Programa de Pós-Graduação em Educação da Faculdade de Educação/FE da Universidade Federal de Goiás, no convênio MINTER em Educação UFG/IFMT 2015.

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Oliveira, Marina de. "O espa?o dos miser?veis no teatro brasileiro nas d?cadas de 1950 e 1960." Pontif?cia Universidade Cat?lica do Rio Grande do Sul, 2010. http://tede2.pucrs.br/tede2/handle/tede/1951.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-04-14T13:38:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 422272.pdf: 3995043 bytes, checksum: 1baf5aac6b31e976caae36110f905ab8 (MD5) Previous issue date: 2010-01-14
O foco da tese consiste na an?lise do protagonismo dos miser?veis na dramaturgia brasileira das d?cadas de 1950 e 1960, seus conflitos de classe e suas rela??es com distintos espa?os de significa??o social. Para tal objetivo, a pesquisa estrutura-se a partir da identifica??o de tr?s vertentes espaciais de representa??o: a primeira delas composta por Auto da Compadecida, Morte e vida severina e Vereda da salva??o abarca as figuras dram?ticas carentes que habitam pequenas vilas ou territ?rios do universo campestre (eixo rural); a segunda Orfeu da Concei??o, Pedro Mico e Gimba refere-se a personagens desprovidas de recursos que moram na periferia das cidades (eixo da favela); e a terceira Quarto de empregada, A invas?o e O abajur lil?s retrata a situa??o de indiv?duos que, em busca de sustento, trabalham em subempregos ou exercem atividades degradantes nos centros urbanos (eixo da cidade). Acrescenta-se, ainda, que apesar de utilizar a contribui??o de v?rios pensadores, o estudo vale-se, essencialmente, das teorias de dois antrop?logos brasileiros: Darcy Ribeiro e Roberto DaMatta.

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SILVA, Vanuza Souza. "O Teatro de Lourdes Ramalho e a invenção da autoria nordestina." Universidade Federal de Campina Grande, 2005. http://dspace.sti.ufcg.edu.br:8080/jspui/handle/riufcg/1893.

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Abstract:

Submitted by Johnny Rodrigues (johnnyrodrigues@ufcg.edu.br) on 2018-10-04T13:44:17Z No. of bitstreams: 1 VANUZA SOUZA SILVA - DISSERTAÇÃO PPGCS 2005..pdf: 18489316 bytes, checksum: 61f53d0e72fcaaa8de79ccadf8cf6ac2 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-10-04T13:44:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 VANUZA SOUZA SILVA - DISSERTAÇÃO PPGCS 2005..pdf: 18489316 bytes, checksum: 61f53d0e72fcaaa8de79ccadf8cf6ac2 (MD5) Previous issue date: 2005
Este trabalho discute as condições históricas da construção da autoria e obra de Lourdes Ramalho, percorrendo a trajetória de vida e intelectual da autora, perscrutando as relações que manteve com seus contemporâneos, com os livros que leu e como leu para pensar a maneira como essa autora imprimiu em seus textos a idéia de Nordeste e de nordestino. Pensar a autoria como um lugar histórico e social, significa ao mesmo tempo discutir as brechas e as contradições que também constituem a mesma, por isso a necessidade de ter discutido a idéia de povo enquanto lugar de distanciamento do lugar da autora, o modelo de feminino que a mesma constrói como um lugar de masculinização das mulheres da região, e por fim, a construção do riso em seus textos como um lugar, também, de regramento da inversão dos costumes da cultura nordestina. Inspirada na proposta Foucaultiana de análise de discurso, que sugere ver as relações de poder nas linhas de discurso, as verdades e os embates que são parte de todo escrever, na teoria de gênero de Butler e Foucault que pensam os sexos, os corpos, o gênero como dimensões outras dos discursos que tentam definir uma verdade para os sujeitos, e na proposta de Durval Muniz, que inspira o (re)pensar as identidades sociais, culturais e sexuais que inscreveram uma dada forma de ver e se fazer nordestino, imprime-se nesse texto uma outra maneira de ler a obra de Lourdes Ramalho e tudo o que ela cria, de (re)ver o lugar que ocupa a autoria nordestina e a naturalização que a define, porque as nossas identidades regionais misturadas às identidades de gênero naturalizaram a cultura nordestina e tudo o que nela é produzido, criando silêncios, negando a diferença, a diferença de ser homem, mulher, autor e obra no Nordeste, dentro e fora desse espaço.
This research discuss about the historic conditions of the authorship construction and Lourdes Ramalho's work, going through the authoress' intellectual and life path, descriting the relationships kept with her conteporaneans, with the books that she read and how she read to think about the way how this authores printed in her texts the Northeast and northeast people idea. Think about the authorship as a social and historic place, means at same time to discuss the gap and the contradictions that also make-up itself, that's why the need of have discussed the idea of folk while place of great distance from the authoress' place, the feminine model that herself makes as a place of male-processing of the women on this region, and the end, the making of the lagh in her text as a placealso, about inversion of the rules of the northeast culture uses. Base don the foucaultian proposal of speech analysis, that suggest to see the relations of power in the speech lines, the truths and conflicts that are parto f all the writtings, on the treory about genus of Butler and Foucault that thin about the sex, the bodies, the gens as other dimensions of the speech that inspire the (re)thinking of the social identities, culturally and sexually that mark a way of seeing and making a northeast, it can be found on this text another way for reading the work f Lourdes Ramalho and everything that she creates, to (re)see the place that ocupies he northheaster authorship and the naturalization that defines it, because our regional identities of this genus neutralized the northeaster culture and everything produced on it, producing silences, denying the difference, the difference of being a man, womwn, authoress and work on Northeast, in ando ut this space.

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Fiedler, Elisabete dos Santos. "O teatro como metáfora e alegoria da vida: a pena e a lei, de Ariano Suassuna." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2010. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/14933.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Elisabete dos Santos Fiedler.pdf: 344560 bytes, checksum: f229bb5039ec6c7826b18b0e257a26e3 (MD5) Previous issue date: 2010-04-24
Our research about 'A pena e a Lei', from Ariano Suassuna had as its purpose to apprehend in the play the allegorical representation of life, by means of a inverted relation with the biblical text, articulated to the theatrical elements (characters, scene indicators, voice of the author-actor-host). So that, we supported it specially in the reading of the acts and puppet-shows that are inscribed in this dramatic text and in Bakhtin's concepts of carnavalisation and grotesque parody of Middle Age, representing the passage of the man, the automated birth to the truth autonomy of the being, in an inversion of the biblical Genesis, which goal is to create by the theatrical art a proposal of a liberating critic of the political and economical domination system. Thus, one may observe that the unit of the play is in parallel with the Bible and talks directly with the medieval theater describing a logical sequence of the Man's history, from the origin to redemption, and the struggle between both entities: Good and Evil. Such structure points to a bigger allegory, representing life of man on Earth. One may still observe that the play represents characteristics of the popular culture from northeast of Brazil puppet-show theater, 'bumba-meu-boi', sayings and popular songs in a confluence that makes evident the interest of Suassuna in not only putting the popular culture from northeast of Brazil besides an erudite culture but also to take to people a knowledge propitiated by art. Therefore, one may presume that Suassuna's theater brings in its core the duplicity between the artistic function and pragmatics, which serves Armorial's project, afterwards created by the author
Nossa pesquisa sobre A pena e a Lei , de Ariano Suassuna teve como objetivo apreender na peça teatral a representação alegórica da vida, por meio de uma relação invertida com o texto bíblico, articulada aos elementos teatrais (personagens, indicadores de cena, voz do autor-ator-apresentador). Para isso, amparamo-nos, especialmente, na leitura dos autos e mamulengos que estão inscritos nesse texto dramático e nos conceitos bakhtinianos de carnavalização e paródia grotesca da Idade Média, representando a passagem do homem, do nascimento automatizado até chegar à verdadeira autonomia do ser, numa inversão do gênesis bíblico, cuja meta é criar pela arte teatral uma proposta de crítica libertadora do sistema de dominação econômica e política. Desse modo, observamos que a unidade da peça anda em paralelo com a Bíblia e dialoga diretamente com o teatro medieval narrando numa seqüência lógica a história do Homem, da origem à redenção, e da luta entre as duas entidades: o Bem e o Mal. Tal estrutura aponta para uma alegoria maior, representando a vida do homem na Terra. Observamos ainda, que a peça apresenta características da cultura popular nordestina o teatro de mamulengos, o bumba-meu-boi, ditados e canções populares numa confluência que torna evidente o interesse de Suassuna em não só colocar a cultura popular nordestina ao lado da erudita como também de levar ao público um saber propiciado pela arte. Portanto, podemos inferir que o teatro de Suassuna traz em seu bojo a duplicidade entre a função artística e a pragmática, que atende à proposta do projeto Armorial, criado posteriormente pelo autor

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Carvalho, Igor Nunes Dourado de. "As ideias de catarse na produção de Cleise Mendes." reponame:Repositório Institucional da UFBA, 2013. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/10484.

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Abstract:

62 f.(Introdução)
Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-05-06T15:07:14Z No. of bitstreams: 3 Igor Nunes Dourado de Carvalho - Introdução.pdf: 352807 bytes, checksum: 8b9463cadb4ecfde91d2fe1d7c296907 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Ficha Catalográfica.pdf: 15703 bytes, checksum: ca872beb11866e04b8dab6dc77b2d9d7 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Pré-Textuais.pdf: 16368 bytes, checksum: a99fe9e41c9f1537d35fbce845fe2682 (MD5)
Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva(sivalda@ufba.br) on 2013-05-07T17:05:39Z (GMT) No. of bitstreams: 3 Igor Nunes Dourado de Carvalho - Introdução.pdf: 352807 bytes, checksum: 8b9463cadb4ecfde91d2fe1d7c296907 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Ficha Catalográfica.pdf: 15703 bytes, checksum: ca872beb11866e04b8dab6dc77b2d9d7 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Pré-Textuais.pdf: 16368 bytes, checksum: a99fe9e41c9f1537d35fbce845fe2682 (MD5)
Made available in DSpace on 2013-05-07T17:05:39Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Igor Nunes Dourado de Carvalho - Introdução.pdf: 352807 bytes, checksum: 8b9463cadb4ecfde91d2fe1d7c296907 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Ficha Catalográfica.pdf: 15703 bytes, checksum: ca872beb11866e04b8dab6dc77b2d9d7 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Pré-Textuais.pdf: 16368 bytes, checksum: a99fe9e41c9f1537d35fbce845fe2682 (MD5)
A produção acadêmica de Cleise Mendes propõe uma releitura do conceito de catarse, especialmente quanto ao efeito da comédia. Partindo de expressivas referências teóricas, como Henri Bergson e Bertolt Brecht a proposta de Mendes é investigar a possibilidade de o gênero dramático ser mobilizador da integralidade do sujeito: razão e emoção, independentemente da modalidade de representação literária. Após a compreensão das concepções de catarse de Mendes, proponho uma leitura dialógica com sua própria produção ficcional dramática: a comédia Marmelada: uma comédia caseira e o drama Noivas. Suspeito, que uma melhor leitura das teorias de Mendes não decorre apenas dos textos acadêmicos, mas também que sua própria ficção pode dar pistas, suplementar o entendimento da catarse. Deste modo, a pesquisa ora apresentada tem o objetivo de confrontar e analisar conexões possíveis entre a teoria e dramaturgia de Cleise Mendes, sendo possível visualizar e compreender contaminações entre as instâncias de fala assumidas pela teórica. Com esta investigação, não pretendo defender que a ficção serve aos ideais teóricos, mas que a construção teórica de Mendes possibilita uma metodologia de leitura convergente e integrativa com a própria ficção. Portanto, este trabalho é a construção de uma leitura possível da ficção de Mendes, articulada e em diálogo com a produção teórico-acadêmcia da própria dramaturga.
Universidade Federal da Bahia. Instituto de Letras. Salvador-Ba, 2012.

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Lima, Maria Inez Galvão. "Literatura, resistência, memória: a atuação do grupo de teatro do SESC Uberlândia (1968-1974)." Universidade Federal de Uberlândia, 2014. https://repositorio.ufu.br/handle/123456789/11887.

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Abstract:

This research intends to build a narrative that updates the cultural and historical moment experienced by the SESC Theater Group (STG) of Uberlândia. As inferred from testimonials, this group turned into a poetic and cultural resistance movement during Brazil s dictatorial period in this city, from 1968 to 1974. Therefore, the importance of capturing the location of this cultural-artistic movement as a place of memory in the history of Uberlandia, identifying a different outlook on political and cultural matters that were happening in our country at the time. With a literary-musical proposal the STG took to the stage the voice of great Brazilian poets. Bringing text and music together, they created shows with their own texts and those of other poets, which, at that moment, remained silent by the reality in which they found themselves. The Group built and re-enacted speeches filled with poetry and intentionality. In a polyphonic and interactive exercise, they played Zumbi, one of the great works in the dramatic arts of the 1960s. The group recited lyrics by Vinícius de Morais, Lindolf Bell, Thiago de Mello, sang Chico Buarque, Edu Lobo, Sidney Miller among many others, and paid homage to Carlos Drummond de Andrade, the greater poet, singing and reciting his life through his works. For this literary journey it is justified, in this work, to collect and organize the production of the STG as a source of memory for future researchers on the literature of the 1960/70 and the history of theater in Uberlândia.
A presente pesquisa pretende construir uma narrativa que reatualize o momento cultural e histórico vivenciado pelo Grupo de Teatro do SESC-Uberlândia (GTS), pois, conforme inferência em testemunhos, este grupo transformou-se, durante o regime ditatorial no Brasil, em um movimento de resistência poético-cultural desta cidade, no período de 1968 a 1974. Assim, percebe-se a importância de apreender o lugar desse movimento artístico-cultural como um lugar de memória na história da cultura de Uberlândia, identificando outra forma de olhar as questões políticas e culturais que ocorriam em nosso país. Em uma proposta lítero-musical, o GTS levou em cena a voz de grandes poetas brasileiros. Unindo texto e música, montou espetáculos com seus próprios poemas e de outros poetas que, naquele momento, permaneciam emudecidos pela realidade vivenciada. O Grupo construiu e encenou discursos repletos de poesias e intencionalidade. Em um exercício polifônico e interativo, encenou Zumbi, uma das grandes obras da dramaturgia da década de sessenta. Declamou líricos como Vinícius de Morais, Lindolf Bell, Thiago de Mello, cantou Chico Buarque, Edu Lobo, Sidney Miller, entre tantos outros, e prestou uma homenagem a Carlos Drummond de Andrade, o poeta maior, cantando e declamando sua vida através de sua obra. Por essa trajetória literária justifica-se, nesse trabalho, recolher, organizar essa produção do GTS como fonte de memória para futuros pesquisadores sobre a literatura dos anos 60/70 e a história do teatro em Uberlândia.
Mestre em Teoria Literária

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Dalalio, Maira Fanton. "Da violência ao diálogo - teoria e práxis de uma oficina teatral baseada em Grande Sertão: Veredas." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8144/tde-17092012-123429/.

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Abstract:

Trata-se aqui de uma pesquisa intercultural e interdisciplinar envolvendo teatro e literatura em que foram aproximados os romances Os anos de aprendizagem de Wilhelm Meister (1795-6), de Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832), e Grande Sertão: Veredas (1956), de João Guimarães Rosa (1908-1967), por meio de uma ideia de formação desenvolvida a partir da relação entre Bildung e uma tradição intelectual brasileira de ensaios de formação. Aliaram-se a esse estudo as teorias sobre o Teatro de Aprendizagem de Bertolt Brecht (1898-1956). Esse aparato teórico é utilizado para analisar uma oficina teatral baseada em uma adaptação de Grande Sertão: Veredas, oficina realizada em diversos locais do Brasil e da Europa entre 2004 e 2006. Através do desenvolvimento e aprofundamento de elementos estéticos e teóricos presentes nessa oficina, intitulada atores da violência atores do diálogo, juntamente com a análise de sua recepção, buscou-se entender e organizar essa experiência cênica com vistas à proposição de um método pedagógico.
This text is the result of an intercultural and interdisciplinary research involving theater and literature in which an approach has been made between the novels Wilhelm Meister Apprenticeship (1795-6), by Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832), and Grande Sertão: Veredas (1956), by João Guimarães Rosa (1908-1967), using the formation concept developed from the relationship between Bildung and the Brazilian intellectual tradition of formation essays. Bertolt Brecht (1898-1956) theories about his Learning Theater have been allied to this study. This theoretical apparatus is used to analyze a theatrical workshop based on a Grande Sertão: Veredas adaptation. This workshop was performed in several places in Brazil and Europe between 2004 and 2006. Through the development and deepening of theoretical and aesthetic elements presented in this workshop, with the title actors of violence actors of dialogue, along with the analysis of its reception, we sought to understand and organize this theatrical experience targeting the proposition of a pedagogical method.

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Pereira, Tatiana Cibele Mendonça. "O teatro como estímulo à aprendizagem de língua inglesa: a experiência em uma escola pública." Universidade do Vale do Rio dos Sinos, 2011. http://www.repositorio.jesuita.org.br/handle/UNISINOS/3031.

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Abstract:

Submitted by Mariana Dornelles Vargas (marianadv) on 2015-03-17T18:35:58Z No. of bitstreams: 1 teatro_como.pdf: 725560 bytes, checksum: 89c959a8efcd98fa0f19d33812223d69 (MD5)
Made available in DSpace on 2015-03-17T18:35:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 teatro_como.pdf: 725560 bytes, checksum: 89c959a8efcd98fa0f19d33812223d69 (MD5) Previous issue date: 2011
Nenhuma
O projeto DRAMA CLUB, do Colégio de Aplicação da UFRGS, consiste na elaboração de um espetáculo teatral em língua inglesa a partir de textos adaptados para aquele grupo. Esta pesquisa-ação propôs-se a investigar de que maneira a construção coletiva de um espetáculo teatral em Língua Estrangeira (LE) estimula sua aprendizagem pelos alunos participantes. Para tal, buscou-se observar a ocorrência de eventos de regulação e a autorregulação nas interações do professor com os alunos e entre pares. Outra hipótese da pesquisa diz respeito ao papel do referido projeto na formação de uma comunidade de aprendizes. A base teórica desta pesquisa foi a Teoria Sociocultural de Liev Vigotski e os estudos dela decorrentes desenvolvidos na área de Linguística Aplicada, bem como outros conhecimentos subsidiários como a Pedagogia de Projetos, os estudos sobre Motivação e Autonomia, a formação de Comunidade de Aprendizes, a Educação Humanística e o Teatro no Ensino de LE. A geração de dados foi feita a partir do registro em vídeo dos ensaios e espetáculos do grupo no ano de 2010, bem como de entrevistas semi-estruturadas com alguns dos participantes. Os dados gerados permitem afirmar que a atividade teatral em LE pode propiciar a ocorrência de eventos de regulação e autorregulação em ambiente mais favorável a uma aprendizagem mais contextualizada e ao estabelecimento de uma comunidade de aprendizes.
The DRAMA CLUB Project of Colégio de Aplicação da UFRGS consists of elaborating a theater presentation in English based on long-duration plays adapted to that specific group. This action research aims at investigating in which way the process of colectively organising a theater presentation in a foreign language stimulates its learning by the participant students. Thus, regulation and self-regulation occurances, both in the teacher-student and peer interaction, were observed. Another hipothesis is about the role of such Project in the creation of a community of learners. The theoretical approach of this research was Lev Vygotsky's Sociocultural Theory and other studies in the area of Applied Linguistics, as well as Project Pedagogy, motivation, autonomy, Comunity of Learners, Humanistic Teaching and Drama in Foreign Language Learning. For this study, the students' interactions were recorded in video, both those occured in rehearsals and presentations; semi-structured interviews with some of the students were also used. The data analysis suggests that the theatrical activity in a foreign language may allow the occurance of regulation and self-regulation events in an ambience friendlier to a more contextualized learning and to the creation of a community of learners

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Apolinário, Rodrigo Emanuel de Freitas. "A literatura de folhetos nordestina e o teatro em cordel de Lourdes Ramalho: Cruzamentos." Universidade Estadual da Paraíba, 2011. http://tede.bc.uepb.edu.br/tede/jspui/handle/tede/1757.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-09-25T12:19:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rodrigo Emanuel de Freitas Apolinario.pdf: 932460 bytes, checksum: 89afb42db4496024e5c5d965d3476129 (MD5) Previous issue date: 2011-03-14
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
It consists of the analysis and interpretation, considering issues around the popular, from national-popular and regional, of four leaflets that are printed in string dramaturgical texts produced by playwright Lourdes Ramalho namely Judite Fiapo in Serra Pelada (Judite Fiapo em Serra Pelada), The Warrior Joanita Guabiraba (A Guerreira Joanita Guabiraba), Travel in Pau-de-Arara (Viagem no Pau-de-Arara) and Why the Bride and Groom putted in Court (Porque a Noiva botou o Noivo na Justiça) without exact dating probably written and published during the military dictatorship in Brazil (between 1964-1985). For this we observe the concepts of culture, popular culture, national-popular with a view to analysis, interpretation proposed, considering also the presence of the string as a support for the publication of texts of the theater, in their crosses with the Portuguese and popular literature with emphasis on the emergence of so called literature brochures in Brazilian Northeast. It starts with the assumption that formal aesthetic aspects of this system are components of the texts of the theater in line Lourdes Ramalho, line of organic-making as an intellectual of the lower classes of their socio-cultural-historical insofar as this author formalizes aesthetic issues such as challenging the social situation of women and political neglect, using as a strategy for communication, support/editorial formula of the brochure, as one can observe the analysis and interpretation applied on this work.
Constitui-se da análise-interpretação, considerando aspectos em torno do popular, do nacional-popular e do regional, de quatro folhetos em que se imprimem textos dramatúrgicos em cordel produzidos pela dramaturga Lourdes Ramalho, a saber: Judite Fiapo em Serra Pelada, A Guerreira Joanita Guabiraba, Viagem no Pau-de-Arara e Porque a Noiva botou o Noivo na Justiça, sem datação exata, provavelmente, escritos e publicados no período da ditadura militar no Brasil (entre 1964-1985). Para tanto, observa-se o desenvolvimento dos conceitos de cultura, cultura popular, nacional-popular e regional, com vistas à análiseinterpretação proposta, considerando, ainda, a presença do cordel como suporte para a publicação de textos de teatro, em seus cruzamentos com a literatura popular portuguesa e com ênfase sobre o surgimento da, assim chamada, literatura de folhetos no Nordeste brasileiro. Parte-se da hipótese de que aspectos estético-formais desse sistema são constituintes dos textos de teatro em cordel de Lourdes Ramalho, tomada como intelectual-orgânica das classes subalternas do seu contexto sócio-histórico-cultural, na medida em que esta autora formaliza esteticamente temas como a contestação da situação social da mulher e do descaso político, utilizando, enquanto estratégia de comunicação, o suporte/fórmula editorial do folheto, como se pode atestar mediante a análiseinterpretação empreendida.

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Sampaio, Alexandre [UNESP]. "O olhar pós-colonial na construção de uma identidade irlandesa: um estudo da peça Translations, de Brian Friel." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2008. http://hdl.handle.net/11449/99117.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:49Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-02-18Bitstream added on 2014-06-13T19:59:50Z : No. of bitstreams: 1 sampaio_a_me_sjrp.pdf: 947406 bytes, checksum: 439f9305de41533c9a4b49fefb3caad1 (MD5)
Esta dissertação analisa a peça Translations (1980), de Brian Friel, a partir de uma leitura póscolonial da situação irlandesa do final da década de 1970. Como primeira produção da Companhia de Teatro Field Day, Translations fez parte do projeto de restabelecer a consciência política das artes em relação às tradições da nação, do sujeito irlandês e sua língua. Nossa proposta é a de que a peça de Friel se constrói como uma atualização histórica, a qual se desdobra em dois planos textuais, um denotativo e um figurativo, em que a relação colonial entre Irlanda e Inglaterra se apresenta como metáfora dos problemas contemporâneos que envolvem a República e o Norte. Assim, na busca por um conceito de identidade nacional e cultural irlandesa, pensamos a peça de Friel sob o enfoque da revisão histórica do nacionalismo, representada na releitura ficcional da colonização no período do século XIX. Para tanto, trabalhamos o desenvolvimento discursivo do nacionalismo irlandês para, então, focarmos na questão do discurso e suas formações e no pós-colonialismo como resposta às práticas hegemônicas. Por meio da seleção de trechos da peça – diálogos e rubricas –, analisamos a posição discursiva de cada personagem no embate cultural entre colonizado e colonizador, segundo as estratégias pós-coloniais de que se serve o escritor na representação do sujeito. Vemos que, em Translations, a busca por uma identidade livre de qualquer essencialismo revela uma consciência e intenção política do autor; além disso, subjacente a esse processo, está um exame “auto-crítico” da imagem do escritor pós-colonial e de seu posicionamento estratégico dentro da representação literária.
This dissertation is an analysis of Brian Friel’s play Translations (1980), based on a postcolonial reading of the Irish situation at the end of the 1970s. As the first production of the Field Day Theatre Company, Translations was part of a project which was aimed at reestablishing a political conscience in the artistic world regarding the nation’s tradition, as well as the Irish subject and his/her language. We propose that Friel’s play takes the form of a historical updating which operates both denotatively and figuratively, in which aspects of the colonial history of Ireland and England are used as a metaphor for contemporary problems involving the Republic and the North. Thus, in seeking a concept for Irish national and cultural identity, we consider Friel’s play as a form of nationalist historical revision, represented as a fictional re-reading of nineteenth-century colonisation. We study the discursive development of Irish nationalism in order to focus on the issue of discourse and its formation, as well as on post-colonialism as a response to hegemonic practices. Based upon a selection of extracts from the play – both dialogue and stage directions –, we analyse the discursive position of the principal characters with regard to the cultural confrontation between colonised and coloniser, according to the postcolonial strategies available to the writer in his representation of the subject. In Translations, we see that the search for an identity free of essentialism reveals the author’s conscience and political intention; in addition, we demonstrate that Friel is conducting a self-critical examination of the image and strategic position of the postcolonial writer.

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Rabelo, Carlos Afonso Monteiro. "Um método de ensino e criação em dramaturgia: ensaiando para escrever." Universidade Federal de Goiás, 2016. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tede/6160.

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Abstract:

Submitted by Marlene Santos (marlene.bc.ufg@gmail.com) on 2016-09-08T21:04:05Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Carlos Afonso Monteiro Rabelo - 2016.pdf: 767805 bytes, checksum: 4ac3de5ea55c18e530919a245d8b1748 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-09-09T15:21:26Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Carlos Afonso Monteiro Rabelo - 2016.pdf: 767805 bytes, checksum: 4ac3de5ea55c18e530919a245d8b1748 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
Made available in DSpace on 2016-09-09T15:21:26Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Carlos Afonso Monteiro Rabelo - 2016.pdf: 767805 bytes, checksum: 4ac3de5ea55c18e530919a245d8b1748 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-04-26
This master thesis proposes a method for teaching playwriting based on my literary and stage practice, offering students of different communities a way of artistic, political and human expression. Based on my personal experience in writing new dramaturgy, and teaching playwriting in workshops, this project will organize a way of teaching playwriting, without relying on specific languages, much less normative ideas. For my examples, I will use Gota d’água by Chico Buarque and Paulo Pontes, as well as some classical Brazilian plays, written by Gonçalves Dias, Hilda Hilst, Nelson Rodrigues, Gianfrancesco Guarnieiri and Martins Penna, easy to find in libraries and websites, to introduce the students to the Brazilian dramatic literature. This research is based on authors in playwriting teaching, such as David Edgar, Renata Pallottini, Robert McKee and Jean-Pierre Ryngaert, looking for a way of developing new plays. Finally, how play readings in the classroom, theatrical and dramatic games, writing exercises and group work, how all that combined can encourage the appearance of new playwrights, new theatergoers, new theater groups, providing emotional, cultural and human development.
Essa dissertação de mestrado é uma proposta de método para o ensino em dramaturgia a partir de uma prática cênica e literária, com o objetivo de oferecer a diversas comunidades um meio de expressão artística, política e humana. Baseado em experiência e trajetória pessoal com a criação de novos textos teatrais, e do ensino da escrita para o teatro em oficinas, esse projeto procura sistematizar um possível modo de ensino da escrita teatral, sem se apegar em linguagens específicas, muito menos ideias normativas. Usarei como exemplo Gota d’água de Chico Buarque e Paulo Pontes, e outros clássicos da dramaturgia brasileira, de autores como Gonçalves Dias, Hilda Hilst, Nelson Rodrigues, Gianfrancesco Guarinieri, Paulo Pontes e Martins Penna, de fácil acesso em bibliotecas e acervos virtuais, para tentar estimular o contato dos estudantes com a literatura dramática brasileira. Essa pesquisa se baseia em teóricos do ensino da dramaturgia como David Edgar, Renata Pallottini, Robert McKee, and Jean-Pierre Ryngaert, para encontrar um modo de desenvolver novas peças de teatro. E por fim, como a leitura dramática em sala de aula, jogos teatrais e dramáticos, exercícios de escrita e trabalho em grupo, podem estimular o surgimento de novos dramaturgos, novos frequentadores do teatro, novos grupos de teatro, oferecendo desenvolvimento emocional, cultural e humano.

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Sampaio, Alexandre. "O olhar pós-colonial na construção de uma identidade irlandesa : um estudo da peça Translations, de Brian Friel /." São José do Rio Preto : [s.n.], 2008. http://hdl.handle.net/11449/99117.

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Abstract:

Orientador: Peter James Harris
Banca: Giséle Manganelli Fernandes
Banca: Thomas Bonnici
Resumo: Esta dissertação analisa a peça Translations (1980), de Brian Friel, a partir de uma leitura póscolonial da situação irlandesa do final da década de 1970. Como primeira produção da Companhia de Teatro Field Day, Translations fez parte do projeto de restabelecer a consciência política das artes em relação às tradições da nação, do sujeito irlandês e sua língua. Nossa proposta é a de que a peça de Friel se constrói como uma atualização histórica, a qual se desdobra em dois planos textuais, um denotativo e um figurativo, em que a relação colonial entre Irlanda e Inglaterra se apresenta como metáfora dos problemas contemporâneos que envolvem a República e o Norte. Assim, na busca por um conceito de identidade nacional e cultural irlandesa, pensamos a peça de Friel sob o enfoque da revisão histórica do nacionalismo, representada na releitura ficcional da colonização no período do século XIX. Para tanto, trabalhamos o desenvolvimento discursivo do nacionalismo irlandês para, então, focarmos na questão do discurso e suas formações e no pós-colonialismo como resposta às práticas hegemônicas. Por meio da seleção de trechos da peça - diálogos e rubricas -, analisamos a posição discursiva de cada personagem no embate cultural entre colonizado e colonizador, segundo as estratégias pós-coloniais de que se serve o escritor na representação do sujeito. Vemos que, em Translations, a busca por uma identidade livre de qualquer essencialismo revela uma consciência e intenção política do autor; além disso, subjacente a esse processo, está um exame "auto-crítico" da imagem do escritor pós-colonial e de seu posicionamento estratégico dentro da representação literária.
Abstract: This dissertation is an analysis of Brian Friel's play Translations (1980), based on a postcolonial reading of the Irish situation at the end of the 1970s. As the first production of the Field Day Theatre Company, Translations was part of a project which was aimed at reestablishing a political conscience in the artistic world regarding the nation's tradition, as well as the Irish subject and his/her language. We propose that Friel's play takes the form of a historical updating which operates both denotatively and figuratively, in which aspects of the colonial history of Ireland and England are used as a metaphor for contemporary problems involving the Republic and the North. Thus, in seeking a concept for Irish national and cultural identity, we consider Friel's play as a form of nationalist historical revision, represented as a fictional re-reading of nineteenth-century colonisation. We study the discursive development of Irish nationalism in order to focus on the issue of discourse and its formation, as well as on post-colonialism as a response to hegemonic practices. Based upon a selection of extracts from the play - both dialogue and stage directions -, we analyse the discursive position of the principal characters with regard to the cultural confrontation between colonised and coloniser, according to the postcolonial strategies available to the writer in his representation of the subject. In Translations, we see that the search for an identity free of essentialism reveals the author's conscience and political intention; in addition, we demonstrate that Friel is conducting a self-critical examination of the image and strategic position of the postcolonial writer.
Mestre

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Herrerias, Priscilla. "A poética dramática de Tchékhov: um olhar sobre os problemas de comunicação." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8155/tde-13072011-143257/.

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Abstract:

As lacunas nos processos de comunicação entre as personagens dramáticas de Anton Tchékhov (1860-1904) apresentam-se como um traço básico e definitivo de sua poética. A análise dos processos comunicativos entre as personagens das quatro principais peças do autor - A gaivota (1896), O tio Vânia (1897), As três irmãs (1900) e O jardim das cerejeiras (1904) - elucida a criação de um novo paradigma artístico em seu sistema dramático, cujas inovações marcaram profundamente todo o teatro do século XX e exercem enorme influência até os dias de hoje. O presente trabalho apresenta um recorte das obras selecionadas em relação ao contexto russo da época, evidenciando inquietações que anunciavam transformações profundas na sociedade. Neste intuito, retoma a teoria dos gêneros literários e suas principais críticas, que realçaram a importância da relação entre os gêneros e o momento histórico em que se consolidavam; assim, adquire relevo nas análises o conceito de \"romantização\" dos gêneros proposto pelo filósofo e teórico literário russo Mikhail Bakhtin (1895-1975), a partir da ideia de \"supremacia\" do único gênero em devir. Com a emersão de elementos épicos e líricos na dramaturgia tchekhoviana, observa-se como o diálogo, forma do gênero dramático por excelência, motor das ações que impulsionam o avanço do enredo no sistema dramático tradicional, tem sua unidade enfraquecida, fazendo com que o drama tchekhoviano necessite da encenação para realizar-se plenamente. O \"invisível\" e o \"indizível\", aquilo que subjaz às réplicas, que está latente justamente nas lacunas dos processos comunicativos entre as personagens, torna-se vital a este novo teatro, que acolhe e conta com a imaginação de leitores/espectadores.
The gaps in the communication processes between the dramatic characters of Anton Chekhov (1869-1904) consist on a basic and definite trait of the author\'s dramatic poetics. The analysis of the communication processes of four of Chekhov\'s major plays - The seagull (1896), Uncle Vanya (1897), Three sisters (1900) and The cherry orchard (1904) - elucidate the creation of a new artistic paradigm in the author\'s dramatic system, the innovations of which deeply affected the twentieth century theatre and have exerted a major influence until today. The study approaches the selected plays firstly considering the Russian context of the period, highlighting historical transformations that were already on course. Secondly, it examines the literary genres theory, as well as the most important criticism it suffered. The concepts developed by the Russian philosopher and literary critic Mikhail Bakhtin (1895-1975), which took into account the relationship between the literary genres and the historical moments when they were being shaped, acquire great importance in our analysis. Specially the notion of the novel as a contemporary genre, which embraces and affects all the other genres. After clarifying this influence by identifying the presence of epic and lyric elements in Chekhov\'s plays, we observe how the dialogue, the traditional form of the dramatic genre, motor of the actions that push the plot forward, has its unit weakened. As a consequence, chekhovian drama needs staging to be fully achieved: what is not visible and cannot be reduced to words, what is latent in the gaps of communication, underlying the characters\' speeches, become vital to this new theatre, which welcomes and counts on the imagination of its audience.

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Lopes, Herbert de Proença. "Cartografias de vivências trans : experimentações teatrais e modos de subjetivação /." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2018. http://hdl.handle.net/11449/153710.

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Abstract:

Submitted by Herbert De Proença Lopes (herbert.proenca@gmail.com) on 2018-04-24T19:47:46Z No. of bitstreams: 1 VERSÃO FINAL DEPOSITO.pdf: 7853014 bytes, checksum: ca06515297d0e4ab5431b743a3282997 (MD5)
Approved for entry into archive by Maria Luiza Carpi Semeghini (luiza@assis.unesp.br) on 2018-04-24T23:20:41Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lopes_hp_me_assis_int.pdf: 7853014 bytes, checksum: ca06515297d0e4ab5431b743a3282997 (MD5)
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O objetivo desta pesquisa foi acompanhar o Coletivo ElityTrans, grupo formado por travestis e transexuais da cidade de Londrina (PR), nos processos de experimentação teatral vividos por meio de oficinas compartilhadas entre participantes do coletivo e pesquisador, que resultou na criação da Cia. Translúcidas de Teatro. Procuramos no método da cartografia caminhos para acompanhar as linhas de subjetivação que atravessavam xs participantes e que indicavam problematizações sobre temas suscitados. Estes temas se transversalizaram e encontraram no termo “vivências trans” diferentes sentidos que foram explorados teoricamente: expressões de travestilidades e transexualidades; formas mais potentes de abordar tais expressões, como as perspectivas queer; experimentações artísticas através da prática teatral, e experiências coletivas que permitiram o exercício do teatro e da pesquisa, colocando o próprio sentido de experiência em questão. Esta pesquisa acompanhou a montagem de uma peça teatral realizada junto com xs participantes do coletivo e elaborada como um dispositivo de luta política e emancipatória, que se inscreve no cenário de violências contra expressões de gêneros dissidentes. Este dispositivo interessou-se por das condições de “ver” e “falar” que estavam entre os desejos das pessoas envoltas ao projeto que confluíram na necessidade ética de garantir às pessoas trans e travestis, o direito fundamental à existência.
The purpose of this research was to accompany the ElityTrans Collective, a group formed by transvestites and transsexuals from Londrina (PR), in the processes of theatrical experimentation lived through workshops realized with participants of the collective and researcher. We found in the method of cartography ways to follow the lines of subjectivation that crossed participants and indicated problematizations on issues raised. These themes were transversalized and found in the term "trans experiences" different meanings that were explored theoretically: expressions of travestilities and transsexualities; more potent ways of addressing such expressions, such as queer perspectives; artistic experiments through theatrical practice, and collective experiences that allowed the exercise of theater and research, putting the very meaning of experience in question. This research followed the construction of a theatrical play performed together with participants from the collective and elaborated as a device of political and emancipatory struggle, which is part of the scenario of violence against expressions of dissenting genres. This device was interested in the conditions of "seeing" and "talking" that were among the wishes of the people involved in the project that came together in the ethical need to guarantee trans people and transvestites the fundamental right to existence.

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Leite, Rodrigo Morais [UNESP]. "A (moderna) historiografia teatral de Décio de Almeida Prado." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2018. http://hdl.handle.net/11449/154486.

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Abstract:

Submitted by Rodrigo Morais Leite (leitemorais@ig.com.br) on 2018-06-26T13:55:39Z No. of bitstreams: 1 Tese (Versão Final).pdf: 3414715 bytes, checksum: a15097db7716a2205fbc956ec6188a85 (MD5)
Rejected by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br), reason: Solicitamos que realize correções na submissão seguindo as orientações abaixo: - o item "resumo" deve ser apresentado em folha única. As mesmas regras servem para o item "abstract". Caso seja necessário, consulte o modelo em: http://www.ia.unesp.br/Home/Biblioteca/orientacoes-para-a-normalizacao-de-trabalhos-academicos_iaunesp_26_03.pdf Caso haja dúvidas, consulte a biblioteca. Agradecemos a compreensão. on 2018-06-27T00:23:40Z (GMT)
Submitted by Rodrigo Morais Leite (leitemorais@ig.com.br) on 2018-06-27T01:50:53Z No. of bitstreams: 1 Tese (Versão Final).pdf: 3414715 bytes, checksum: a15097db7716a2205fbc956ec6188a85 (MD5)
Rejected by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br), reason: Solicitamos que realize correções na submissão seguindo as orientações abaixo: - o item "resumo" deve ser apresentado em folha única. As mesmas regras servem para o item "abstract". Ou seja, o “resumo” deve constar em uma página e o “abstract” na próxima. Caso seja necessário, consulte o modelo em: http://www.ia.unesp.br/Home/Biblioteca/orientacoes-para-a-normalizacao-de-trabalhos-academicos_iaunesp_26_03.pdf Caso haja dúvidas, consulte a biblioteca. Agradecemos a compreensão. on 2018-07-05T12:59:42Z (GMT)
Submitted by Rodrigo Morais Leite (leitemorais@ig.com.br) on 2018-07-05T13:40:01Z No. of bitstreams: 1 Tese (Versão Final).pdf: 3414715 bytes, checksum: a15097db7716a2205fbc956ec6188a85 (MD5)
Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-07-11T12:44:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 leite_rm_dr_ia.pdf: 3190092 bytes, checksum: 12769717101f026f9ce6e10cd98aee06 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-07-11T12:44:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 leite_rm_dr_ia.pdf: 3190092 bytes, checksum: 12769717101f026f9ce6e10cd98aee06 (MD5) Previous issue date: 2018-05-18
A pesquisa apresenta uma reflexão sobre a historiografia teatral de Décio de Almeida Prado, importante crítico e historiador do teatro brasileiro. Intelectual ligado à terceira fase do movimento modernista, que alguns autores designam como a “Geração de 1945”, seu pensamento estético e historiográfico possui laços estreitos com uma certa concepção de mundo moderna, donde se explica o título conferido ao trabalho. A tese defendida objetiva demonstrar os diferentes imbricamentos existentes entre os ensaios de Prado sobre o passado cênico nacional e semelhante cosmovisão, procurando deslindá-los à luz de certos parâmetros como, por exemplo, a filosofia da história e algumas noções estético-teatrais que conformariam essa vertente de sua obra. Em que pese, contudo, o foco mais concentrado nos ensaios historiográficos, informe-se que suas críticas de espetáculos, produzidas ao longo de anos, não foram ignoradas, na medida em que fazem parte do escopo deste estudo, cujo projeto, dentro de suas possibilidades, é analisar o pensamento de Prado como um todo. Tendo isso em vista, para uma melhor compreensão do assunto, empreendeu-se uma comparação, que atravessa a pesquisa do início ao fim, entre o ensaísmo teatral de Prado e o ensaísmo literário de Antonio Candido, lembrando que ambos começaram suas carreiras juntos ao fundarem, em parceria com outros nomes, como Paulo Emílio Salles Gomes e Ruy Coelho, a revista Clima (1941-1944). Pelo fato de suas respectivas historiografias apresentarem muitos vínculos entre si, a ponto de ser possível afirmar que elas pertenceriam a um mesmo projeto intelectual, tal cotejo acabou se mostrando fundamental para as pretensões embutidas na tese, fazendo com que este trabalho se tornasse, à sua maneira, uma obra de historiografia comparada.
This research presents a reflection on the theatrical historiography of Décio de Almeida Prado, an important critic and historian of Brazilian theater. As an intellectual associated with the third phase of the modernist movement, which some authors call the “Generation of 1945”, his aesthetic and historiographical thinking has close ties with a certain conception of the modern world, which explains the title given to this paper. The thesis defended here aims to demonstrate the different overlaps existing between Prado’s essays on the country’s theatrical past and similar worldviews, aiming to address them in the light of certain parameters, such as the philosophy of history and some aesthetic and theatrical notions that shape this aspect of his writings. However, despite the more concentrated focus on his historiographical essays, the reviews of performances he penned over the years have not been ignored, to the extent that they are included within the scope of this paper, which is intended, as far as this is possible, to analyze Prado’s overall thinking. That said, in order to provide a better understanding of the topic, a comparison has been made, throughout the research from start to finish, between Prado’s theatrical essays and the literary essays of Antonio Candido, recalling that they both started their careers together when they founded, in partnership with other names such as Paulo Emílio Salles Gomes and Ruy Coelho, the magazine Clima (1941-1944). Given that their respective historiographies are related in many ways, to the point that it is possible to say that they belong to the same intellectual tradition, this comparison proved to be instrumental for the aspirations of this thesis, turning this paper, in its own way, into a comparative historiography.

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IAQUINTA, CATERINA. "I "CATTIVI MAESTRI" Dalla "Performance art" alle forme d'azione e animazione radicale in Italia tra il 1975 e il 1980 (teoria critica e pratica politica)." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2014. http://hdl.handle.net/10280/4175.

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Abstract:

In una riflessione storico-critica sulle questioni che hanno animato il dibattito nazionale e internazionale intorno alla Performance art durante gli anni Settanta, fino alle implicazioni critiche più recenti sul concetto di "performatività", la ricerca affronta la funzione estetico-politica della performance connessa ad alcuni casi specifici di azioni e animazioni radicali in Italia tra il 1975 e il 1980 tra teoria critica e pratica politica.
In a historical-critical reflection on the issues that have animated the national and international debate about the performance art during the seventies, until the most recent critical implications on the concept of "performativity", the research addresses the aesthetic-political function of the performance related to some specific cases of radical actions and animations in Italy between 1975 and 1980 between critical theory and political practice.

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IAQUINTA, CATERINA. "I "CATTIVI MAESTRI" Dalla "Performance art" alle forme d'azione e animazione radicale in Italia tra il 1975 e il 1980 (teoria critica e pratica politica)." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2014. http://hdl.handle.net/10280/4175.

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Abstract:

In una riflessione storico-critica sulle questioni che hanno animato il dibattito nazionale e internazionale intorno alla Performance art durante gli anni Settanta, fino alle implicazioni critiche più recenti sul concetto di "performatività", la ricerca affronta la funzione estetico-politica della performance connessa ad alcuni casi specifici di azioni e animazioni radicali in Italia tra il 1975 e il 1980 tra teoria critica e pratica politica.
In a historical-critical reflection on the issues that have animated the national and international debate about the performance art during the seventies, until the most recent critical implications on the concept of "performativity", the research addresses the aesthetic-political function of the performance related to some specific cases of radical actions and animations in Italy between 1975 and 1980 between critical theory and political practice.

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Silva, Mariza Bicudo da. "Uma viagem ao absurdo: a formação técnica em arte dramática à luz da teoria crítica da sociedade." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2011. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/10323.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-04-27T16:32:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mariza Bicudo da Silva.pdf: 447439 bytes, checksum: f34e8e5d7f79a854be34ad2ff1989791 (MD5) Previous issue date: 2011-08-26
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The objective of this study was to investigate the training of trajectory of Technical Course in Dramatic Art. Starting from the premise that, over of its existence, important changes occurred, particularly in relation to the labor market in the arts and the increased number of people who are interested in this training type, were analyzed documents provided by schools, testimonials from students, collected by teachers of Theatre History and Dramatic Interpretation and notes made by teachers and pedagogical coordination during the course. Thus, were investigated: a) the profile of individuals who seek technical professionalization in theatre; b) the main characteristics of the approved in the selection process; c) the day by day in the classroom of one of classes this course. The analysis was performed based on ideas and concepts expressed by authors of the Critical Theory of Society, in specially, studies of T. W. Adorno and M. Horkheimer about the cultural industry and cultural background. For sometimes such ideas and concepts were related to the precepts of the Stanislavski system of scenic research, considering that these are the main theoretical reference used in the course. The results indicate that the course attracts residents of distant districts and cities, which use public transportation to their locomotion to school. Most of them have previous experience in the area, obtained in free courses promoted by public bodies, studied in public school, completed high school, but not attended superior level. Moreover, coexistence in group, promoted by the methodology used, was identified as essential and beneficial for students, because to provide the possibility of contact with the other and with art as a vehicle for self-knowledge and development of critical thinking. However, given the difficulties imposed by social conditions currently, the intention of the recent actors graduates is to remain in areas which offer greater financial stability, working with theatre only in free time
O objetivo deste trabalho foi investigar a trajetória de formação em um curso Técnico em Arte Dramática. Partindo da premissa de que, ao longo de sua existência, mudanças importantes aconteceram principalmente, em relação ao mercado de trabalho em artes e ao aumento do número de pessoas que se interessam por esse tipo de formação , foram analisados documentos fornecidos pela escola, depoimentos de alunos colhidos por professores de História do Teatro e Interpretação Dramática e apontamentos efetuados por docentes e coordenação pedagógica durante o curso. Dessa forma, foram investigados: a) o perfil dos sujeitos que buscam a profissionalização técnica em teatro; b) as principais características dos aprovados no processo seletivo; c) o dia a dia em sala de aula de uma das turmas do referido curso. A análise foi efetuada tendo como base noções e conceitos formulados por autores da Teoria Crítica da Sociedade, em especial, os estudos de T. W. Adorno e M. Horkheimer sobre a indústria cultural e formação cultural. Por vezes, tais noções e conceitos foram relacionados aos preceitos do Sistema Stanislavski de pesquisa cênica, uma vez que estes constituem a principal referência teórica utilizada no curso. Os resultados encontrados indicam que o curso atrai pessoas residentes em bairros e cidades distantes, que utilizam transporte público para sua locomoção até a escola. A maioria delas possui experiência prévia na área, obtida em cursos livres promovidos por órgãos públicos, estudou em escola pública, concluiu o ensino médio, mas não cursou o superior. Além disso, a convivência em grupo, promovida pela metodologia utilizada, foi apontada como essencial e benéfica pelos alunos, por proporcionar a possibilidade do contato com o outro e com a arte, como veículo de autoconhecimento e desenvolvimento do senso crítico. Entretanto, em razão das dificuldades impostas pelas condições sociais, na atualidade, a intenção dos recém-formados atores é permanecer trabalhando em áreas que ofereçam maiores chances de estabilidade financeira, dedicando-se à profissão de ator somente em horas de tempo livre

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Pardim, Renata Pereira. "As contribuições do Teatro do Oprimido na Formação de Permanente de Professoras da Infância: atos de uma experiência vívida." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2018. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/21480.

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Abstract:

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2018-10-05T12:14:43Z No. of bitstreams: 1 Renata Pereira Pardim.pdf: 744904 bytes, checksum: 23c44095d67b1c801186e7c3ddce4ea1 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-10-05T12:14:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Renata Pereira Pardim.pdf: 744904 bytes, checksum: 23c44095d67b1c801186e7c3ddce4ea1 (MD5) Previous issue date: 2017-08-27
This research had as main objective to rescue a vivid teacher training experience inside an EMEI of the city of São Paulo, reflecting on the contributions that the Theater of the Oppressed provided to this formative moment. We conducted a Qualitative Research, in which we used the analysis of the training registration books and the collective interview with the teachers involved who agreed to participate. In order to analyze the collected data, we use a conceptual framework, in which we highlight the main concepts of Augusto Boal and Paulo Freire, which could contribute to the dialogue between the data and our theoretical references. The analysis of the data showed that the vivid formation left memories in the participants, above all, the Theater - Forum activity. Other data revealed were the awareness of the professionals of childhood about the daily oppressions that occur inside the school and how are the mechanisms for overcoming them. He also demonstrated how the mechanization of bodies and minds, end up interfering in teaching practice. Another finding of the research was about the recognition of the "knowledge of life made" of the teachers, something that tells us much about the permanent formation that disregards these knowledge. Finally, we learn that lifelong learning can bring about transformations in teaching practice when developed within a process that is meaningful for the participants. OT can be powerful both in the permanent teacher training and in other formative spaces of the school. The dialogue between Boal and Freire can contribute to the reflections on many aspects of daily school life, not only in kindergartens, but also in other segments, as shown in the last chapter of the paper
Esta pesquisa teve como objetivo principal resgatar uma experiência de formação docente vívida no interior de uma EMEI da cidade de São Paulo, refletindo sobre as contribuições que o Teatro do Oprimido proporcionou a este momento formativo. Realizamos uma Pesquisa Qualitativa, na qual utilizamos a análise dos livros de registro da formação e a entrevista coletiva com as professoras envolvidas que aceitaram participar. Para fazer a análise dos dados coletados, utilizamos uma trama conceitual, na qual destacamos os principais conceitos de Augusto Boal e Paulo Freire, que poderiam contribuir no diálogo entre os dados e nossos referenciais teóricos. A análise dos dados demonstrou que a formação vívida deixou memórias nas participantes, sobretudo, a atividade de Teatro – Fórum. Outros dados revelados foram a consciência das profissionais da infância acerca das opressões cotidianas que ocorrem no interior da escola e como são os mecanismos para superação destas. Demonstrou, também, o quanto a mecanização dos corpos e mentes acaba por interferir na prática docente. Outro achado da pesquisa foi acerca do reconhecimento dos “saberes de vida feito” das professoras, algo que nos diz muito acerca da formação permanente que desconsidere esses saberes. Por fim, apreendemos que a formação permanente pode provocar transformações na prática docente quando desenvolvida dentro de um processo que seja significativo para as participantes. O TO pode ser potente tanto na formação permanente docente, quanto em outros espaços formativos da escola. O diálogo entre Boal e Freire pode contribuir para as reflexões sobre muitos aspectos do cotidiano escolar, não só das escolas de Educação Infantil, como em outros segmentos, conforme demonstrado no último capítulo do trabalho

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CHIARULLI, RAFFAELE ROSARIO. "Strutture drammaturgiche e tecniche di scrittura del cinema americano classico : casi di intertestualità tra teatro e cinema." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2012. http://hdl.handle.net/10280/1533.

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Abstract:

Questa tesi è un’esplorazione dei rapporti tra il segno teatrale e il segno cinematografico attraverso la prospettiva degli sceneggiatori e della sceneggiatura nel cinema hollywoodiano classico. Presenta problematiche che riguardano la sceneggiatura come pratica, forma d’arte, oggetto di discussione, mezzo di espressione e risultato di una messa in campo di propositi, valori e significati.
This doctoral thesis is an analysis of the relationships between the "theatrical sign" and the "cinematographic sign" from the perspective of screenwriters and of Classic Hollywood screenwriting. It introduces issues related to screenwriting as practical activity, form of art, subject of discussion, system of communication, and as the result of a negotiation of aims, values and meanings.

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CHIARULLI, RAFFAELE ROSARIO. "Strutture drammaturgiche e tecniche di scrittura del cinema americano classico : casi di intertestualità tra teatro e cinema." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2012. http://hdl.handle.net/10280/1533.

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Abstract:

Questa tesi è un’esplorazione dei rapporti tra il segno teatrale e il segno cinematografico attraverso la prospettiva degli sceneggiatori e della sceneggiatura nel cinema hollywoodiano classico. Presenta problematiche che riguardano la sceneggiatura come pratica, forma d’arte, oggetto di discussione, mezzo di espressione e risultato di una messa in campo di propositi, valori e significati.
This doctoral thesis is an analysis of the relationships between the "theatrical sign" and the "cinematographic sign" from the perspective of screenwriters and of Classic Hollywood screenwriting. It introduces issues related to screenwriting as practical activity, form of art, subject of discussion, system of communication, and as the result of a negotiation of aims, values and meanings.

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Rodrigues, Aurélio Costa. "Suspensórios: inscrições épicas em palhaços, de Timochenco Wehbi." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2016. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/19617.

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Abstract:

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-01-10T11:33:08Z No. of bitstreams: 1 Aurélio Costa Rodrigues.pdf: 1261237 bytes, checksum: 59cb18a428cfce5f6307d4d6e0d3648e (MD5)
Made available in DSpace on 2017-01-10T11:33:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aurélio Costa Rodrigues.pdf: 1261237 bytes, checksum: 59cb18a428cfce5f6307d4d6e0d3648e (MD5) Previous issue date: 2016-12-16
The purpose of this work is to look at the theatrical text of a little known author: Timochenko Wehbi (1946-1986). Because of this, the first part of this paper offers an overview of the author and his production. In the second part, we present the main ideas about the piece Clowns, so that it is possible to glimpse the general construction of the plot and the constitution of the characters. In the third part, we point out the possible links of his writing with epic elements of Brechtian bases. Timochenko Wehbi wrote his texts in the 1970s-80s, within a historical period with demarcated characteristics, and the piece Clowns is from the beginning of 1970, ie, his beginning as a writer. From the very first, he wrote from a foundation that we could treat as sociologically oriented, first because of his academic background - he was a sociologist and teacher in the field - which seems to have determined his interest in certain characters and the way of Treat them. Second, his interest in theater sociology and by Brecht tends to reinforce certain inclinations and direct elements that are inscribed in his texts, making possible to connect his creation with postulates of the Brechtian epic. We must emphasize that there are no studies on the author's text, which obliges us to deal with his production without starting from previous formulations that can serve as a consistent critical basis, except for newspapers of the period, which are generally quite generic
Este trabalho tem por propósito lançar o olhar sobre o texto teatral de um autor pouco conhecido: Timochenco Wehbi (1946-1986). Por conta disso, a primeira parte deste escrito oferece uma panorâmica sobre o autor e sua produção. Na segunda parte, apresentamos as ideias principais a respeito da peça Palhaços, de modo que seja possível vislumbrar a construção geral do enredo e a constituição das personagens. Na terceira parte, apontamos as possíveis vinculações de sua escritura com elementos épicos de bases brechtianas. Timochenco Wehbi escreveu seus textos nas décadas de 1970-80, dentro de um período histórico com características demarcadas, e a peça Palhaços é do princípio de 1970, ou seja, de seu principiar como escritor. Desde o primeiro momento, ele escreveu a partir de uma base que poderíamos tratar como sociologicamente orientada, primeiro por conta de sua formação acadêmica – ele era sociólogo e professor na área –, o que parece ter determinado seu interesse por certas personagens e a maneira de tratá-las. Em segundo lugar, seu interesse por sociologia do teatro e por Brecht tende a reforçar determinadas inclinações e direcionar elementos que se inscrevem em seus textos, possibilitando ligar sua criação com postulados da épica brechtiana. Devemos destacar que não há estudos sobre o texto desse autor, o que nos obriga tratar de sua produção sem partir de formulações anteriores que possam nos servir de base crítica consistente, salvo as de jornais da época, que no geral são bastante genéricas

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Borges, Paula Alice Baptista. "Isso é infantil?: perspectivas, expectativas e tabus transmidiáticos a partir de Miúda e o Guarda - Chuva." Escola de Teatro, 2014. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/27487.

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Abstract:

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-20T20:08:31Z No. of bitstreams: 1 tese arquivo único_final.pdf: 1735509 bytes, checksum: 93313d86a6b81b4dba7fc85873f82a71 (MD5)
Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-25T12:46:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tese arquivo único_final.pdf: 1735509 bytes, checksum: 93313d86a6b81b4dba7fc85873f82a71 (MD5)
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Esse trabalho pretende construir uma teia discursiva particular, a partir das ideias de memória, imaginação e poesia, cruzando perspectivas teórico-críticas à minha leitura sobre como as discursividades sobre/para a infância têm negociado suas produções na contemporaneidade. Aqui, me coloco em primeira pessoa, fugindo da retórica discursiva abstrata da modernidade, que forja uma expressão universalista de mundo. Ao desenhar meu lugar de fala, a partir da minha experiência de criadora de um produto transmidiático para a infância: Miúda e o guarda-chuva, pretendo discutir os usos da infância, desejando uma maior politização das ações artísticas voltadas para crianças, que repense modelos engessados, estereotipados e estagnados. O primeiro capítulo relaciona os discursos produzidos sobre a infância à literatura, partindo do conto e da relação proibitiva da ideia de tabu com a infância. O segundo capítulo apresenta textos escritos sobre a peça Miúda e o guarda-chuva, que foram disparadores de muitas das reflexões desse trabalho. A leitura crucial, portanto, redimensiona infância e teatro, aventando conexões entre o tabu e o estereótipo, como instâncias de luta e de conforto. O terceiro capítulo relaciona os discursos produzidos sobre a infância ao cinema dirigido a ela. Parte dele se debruça sobre a mudança paradigmática que se processa na atualidade, no tocante à revisão de estigmas hegemônicos em narrativas fílmicas infantis contemporâneas. Nele também, procuro agenciar leituras sobre a infância à articulação de três pesquisas de grupo focal feitas sobre o curta e a versão em longa-metragem, ambas de animação, de Miúda e o guarda-chuva. As considerações finais apontam para o fim desse processo como o começo de uma nova jornada, a construção do meu segundo espetáculo para crianças: Para o menino-bolha.
This work intends to build a particular discursive web out of notions such as memory, imagination and poetry, crossing critical theoretical perspectives to my view as to how discursivities about/for childhood have been dealing with its productions in contemporary times. Here I use the first person in na attempt to escape modernity´s abstract discursive rhetorics, which forges an universalist world expression. By highlighting my locus of speech, from my experience as a creator of a transmediatic product for childhood: Miúda and the Umbrella, I intend to discuss the uses of the childhood notion, aspiring to a greater politization of artistic actions for children which may rethink cast, stereotyped and stagnant models. The first chapter relates the discourses produced on childhood to literature, starting from the short story and the prohibitive idea of taboo in childhood. The second chapter presents written texts about the play Miúda and the Umbrella, which triggered many of the reflections present in this work. That crucial reading, therefore, resizes childhood and theater, suggesting connections between taboo and stereotype, as both mourning and comfort instances. The third chapter links discourses produced on childhood to the cinema especially produced for children. Part of it is dedicated to the paradigmatic shift taking place today, when it comes to revising hegemonic stigmas in contemporary child filmic narratives. I also try to enable ways of looking looking at childhood, articulating three focus group researches made on the short and long versions of the animated film Miúda and the Umbrella. Final comments point at the end of this process, as much at the beginning of a new journey – the construction of my new play for children: To the bubble-boy.

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Dissertations / Theses on the topic 'Teatro (teoria)'

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