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Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre – 16e siècle'
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Lochert, Véronique. "L'écriture du spectacle : formes et fonctions des didascalies dans le théâtre européen des XVIe et XVIIe siècles." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040201.
Full textAbstract:
Cette étude explore les modalités de l'écriture et de la lecture du spectacle dans le texte dramatique, à travers les formes et les fonctions des didascalies, et leurs variations en France, en Italie, en Espagne et en Angleterre, du XVIe au XVIIe siècle. Elle met au jour l'émergence d'une notation spécifique du spectacle dans les pratiques des dramaturges, des acteurs et des éditeurs, en s'appuyant sur la théorie du théâtre. La didascalie est envisagée dans sa double fonction, au service de la représentation et de la lecture, à laquelle correspondent des formes stylistiques et typographiques qui lui assurent une efficacité simultanée auprès des acteurs et des lecteurs. Qu'elle soit redondante ou complémentaire, la didascalie joue un rôle essentiel dans l'économie du dialogue dramatique et la diversité de ses emplois en Europe révèle le statut conféré au texte dramatique dans les différentes esthétiques nationalesThis study investigates the modes of writing and reading performance in the dramatic text through the forms and functions of stage directions and through their variations in France, Italy, Spain and England, from the sixteenth to the seventeenth century. It analyses the development of a specific notation of performance in the practices of playwrights, actors and editors, which are brought into light by the theory of theatre. Stage direction is approached in its double function, serving both performance and reading, in relation with style and typography which ensure its efficiency for actors as well as for readers. Whether redundant or complementary, stage direction plays an essential role in the economy of dramatic dialogue and the diversity of its uses in Europe reveals the status of dramatic text in the different national aesthetics
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Dautrey, Jehanne. "Dispositifs musicaux et dispositifs de pensée à l'âge classique : sensation et idée confuse à l'œuvre dans le théâtre lyrique du XVIe au XVIIIe siècle." Lille 3, 2005. http://www.theses.fr/2005LIL30018.
Full textAbstract:
Ce travail analyse la manière dont le théâtre lyrique depuis Monteverdi construit dans ses multiples formes (tragédie, opéra-ballet) un dispositif de subjectivation reposant sur un antagonisme entre raison et passion. L'analyse des principales œuvres de Lully et de Rameau (Atys, Roland, Armide, Les Indes galantes, Les Boréades) montre comment cette écoute musicale basée sur la distinction entre harmonie et mélodie implique un nouveau travail de pensée qui prolonge l'analyse cartésienne de la pensée confuse et inscrit la musique dans les dispositifs de représentation propres à l'épistémè de l'âge classique au sens où l'entend Foucault. Ce dispositif se met en place parallèlement à une réflexion sur le son et l'accord chez Cl. Perrault et Rameau qui articule une théorie de l'enveloppement des rapports et une analyse des effets de confusion dans la musique, et parallèlement à un nouveau modèle architectural, la salle à l'italienne, discuté par Patte, Chaumont et Cochin
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Cormouls-Houlés, Sylvie. "Le théâtre religieux de langue française (1550-1630) : dramaturgie et thématique." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030045.
Full textAbstract:
La Renaissance apporte une nouvelle conception de l'oeuvre dramatique en s'inspirant des genres antiques. Le thème de la Religion ne disparaît pas mais doit s'adapter. Cette étude met en lumière les pièces théâtrales religieuses de cette époque trop souvent oubliées. Le corpus est composé de nombreuses oeuvres, auteurs et sujets mais aussi conceptions religieuses dans une époque troublée. Le théâtre religieux de la Renaissance utilise des personnages ou des faits surnaturels : ils sont les intermédiaires ou les faire valoir de l'action céleste. L'intervention de Dieu se fait aussi grâce à l'Elu, vecteur de la didactique religieuse. Devant sa Foi éprouvée, ses réactions servent d'exemples au public souhaitant lui ressembler. Cette étude souhaite mettre en valeur ces pièces oubliées à tort tant leur richesse dramatique, théologique et politique est révélatrice d'une époque où le royaume de France se déchire pour des divergences d'opinion sur des valeurs identiquesThe Renaissance brought a new beginning to dramatic work. With it came new genres and new subject matter that were inspired by those from antiquity. Religion as a theme did not disappear, but rather was adapted. This study wants to uncover these religious plays. This body of work is composed of many plays, authors and subjects but also of many religious thinkings. Religious theater during the Renaissance regularly used unearthly characters or actions : they became direct intermediaries for the hands of God. God's intervention was also felt through the character of the "Chosen One" who became the agent of religious morality. When his faith was tested, the "Chosen One's" reactions set the example for the public who emulated such religious figures. This study emphasizes these wrongly-forgotten plays and the richness from a dramatic, theological and political point of view, thus revealing an age when France tore itself apart over a divergence of opinion on identical values
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Marciak, Dorothée. "La place du prince : perspective et pouvoir dans le théâtre des Médicis : Florence 1539-1600." Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0099.
Full text
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Bouhaïk-Gironès, Marie. "La Basoche et le théâtre comique : identité sociale, pratiques et culture des clercs de justice (Paris, 1420-1550)." Paris 7, 2004. http://www.theses.fr/2004PA070036.
Full textAbstract:
Née vraisemblablement à la fin du XIVe siècle, la Basoche du Palais est la communauté de métier des clercs de justice des avocats, procureurs et conseillers du Parlement de Paris. Elle défend leurs intérêts professionnels et organise l'apprentissage. Les clercs de la Basoche ont des pratiques communautaires, professionnelles et culturelles spécifiques, dans lesquelles la pratique du théâtre tient une place majeure. Il est nécessaire de regarder la production théâtrale de la Basoche comme une extension des pratiques didactiques de cette communauté de métier. Leurs pratiques judiciaires (et notamment les " causes grasses ") et leurs pratiques théâtrales sont liées et se transmettent au sein de leur communauté de métier, gardienne d'un patrimoine culturel, celui du monde de la justice. Les farces et les sotties jouées par les clercs de justice révèlent une culture proprement basochienne, où s'épanouit l'esprit carnavalesque, et où la satire politique est importante, où s'expose un fort esprit corporatif, un penchant prononcé pour le raisonnement intellectuel, un certain anticléricalisme et un matérialisme manifeste. Ces représentations théâtrales sont contrôlées par le Parlement de Paris, qui montre néanmoins au début du XVIe siècle une attitude bienveillante et protectrice envers les basochiens. On repère parmi les auteurs issus du milieu de la Basoche Guillaume Coquillart, Martial d'Auvergne, Pierre Gringore, Jehan Bouchet, Jehan d'Abondance, André de la Vigne, Roger de Collerye, François Habert et Clément MarotThe Basoche du Palais, likely formed towards the end of the XIVth century, is the trade community of the law clerks, "lawyers", "procureurs" and "conseillers" of the Paris Parliament. It defends their professional rights and organises apprenticeship. The law clerks have their own specific community, professional and cultural practices, among which theatre takes a major role. It is necessary to consider the Basoche theatre as an extension of the didactic practices of this corporation. Their judiciary practices (especially the "causes grasses") and their theatre practices are linked, and are transmitted among their trade community, warrant of the cultural heritage of the legal professions. The farces and sotties played by the law clerks reveal a proper basochial culture, where a carnivalesque spirit thrives, where the political satire takes a prime place, nurturing a strong "esprit de corps", a pronounced inclination towards intellectual reasoning, a certain degree of anti-clericalism and an obvious form of materialism. These theatre representations are controlled by the Paris Parliament, which nonetheless takes a benevolent and protecting attitude towards the "Basochiens" at the beginning of the XVlth century. Among the authors connected with the Basoche one counts Guillaume Coquillart, Martial d'Auvergne, Pierre Gringore, Jehan Bouchet, Jehan d'Abondance, André de la Vigne, Roger de Collerye, François Habert and Clément Marot
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Jouenne, Tatiana. "Le théâtre des mystères à Rouen (XVe-XVIe siècles)." Rouen, 2016. http://www.theses.fr/2016ROUEL042.
Full textAbstract:
Cette étude concerne le théâtre des mystères à Rouen aux XVe et XVIe siècles, période qui constitue son apogée. A cette époque, des Mystères sont régulièrement joués à Rouen. La ville est alors en plein essor, dirigée par une bourgeoisie puissante alliée à l’archevêque de la province de Normandie et son clergé. Tous deux jouent un rôle déterminant dans la vie culturelle rouennaise, en finançant, organisant ou en soutenant des représentations. Pour cette thèse, j’ai choisi de mettre l’accent sur le théâtre des mystères. Effectivement, il n’existe pas d’étude récente concernant les mystères rouennais. En outre, certaines représentations comme le mystère de saint Romain, qui bénéficie d’une riche documentation dans les archives de l’archevêché, méritent d’être étudiés. Véritables événements urbains et religieux, les mystères, aux XVe et XVIe siècles, rythment la vie rouennaise, et posent la question des modalités d’organisation mais aussi des lieux de leur représentation (église, cimetière, place publique voire couvent). En outre, il est certain que ces spectacles ont à cette époque une certaine importance pour la population rouennaise, au vu du nombre important de personnes qui peuvent être impliquées dans leur organisation. Pourquoi ? À quoi renvoient les mystères rouennais ? L’objectif de cette étude n’est pas de faire une énumération de tous les spectacles joués à Rouen (chose qui a déjà été plus ou moins faite, notamment par Louis Petit de Julleville et Hippolyte Gosselin), mais, à partir de l’étude des sources, de rechercher quelles représentations sont réellement attestées, et de replacer l’événement dans la ville et la sociétéThis study is about the theatre in Rouen, especially the mystery plays, during the fifteenth and sixteenth centuries. At that time, the city of Rouen was in development, ran by powerful burghers allied to an omnipresent archdiocese in the province of Normandy. They played an important part in the cultural life of the city, staging, financing or supporting performances. Of course, we should not omit the crucial role of charitable confraternities that organized and staged most mystery plays. I have chosen to focus this study on mystery plays. First, mystery plays are regularly performed in Rouen during this period, that constitute its peaks. Secondly, there is no recent study on Rouen mystery plays. Indeed, it is important to raise the question of organizational arrangements, but also about the places where the performances were staged (churches, cemeteries, public places or monasteries). In addition, many performances like the Passion or the mystery play of St. Romain, staged in 1476, needed to be studied. Actually, the mystery play of St. Romain benefits from a rich documentation in the archdiocese’s archives, but it has never been really analyzed yet. The objective of this study is not to make a list of all mystery plays staged in Rouen (this has already be done by Hippolyte Gosselin and Louis Petit de Julleville despite some errors), but analyzing the sources, to search for what performances are actually attested, and to place this events in both city and society
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Louvat-Molozay, Bénédicte. "Poétique de l'introduction musicale : le statut de la musique dans le théâtre français entre 1550 et 1680." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040400.
Full textAbstract:
La thèse propose d'articuler une réflexion théorique sur le statut de la musique dans le théâtre français et une étude des pratiques d'insertions musicales au théâtre depuis la renaissance jusqu'à la création de la Comédie-Française. Parce qu'elle ressortit au théâtre comme spectacle et qu'elle intéresse tous les genres dramatiques, la question musicale fait l'objet d'une marginalisation chez les théoriciens. Aussi le deuxième volet de l'étude est-il dévolu à la constitution d'une poétique de l'introduction musicale pensée en fonction d'une poétique des genres dramatiques : à la Renaissance et pendant le premier tiers du XVIIe siècle, la présence de la musique dans la tragédie humaniste, le théâtre protestant et la pastorale dramatique a partie liée avec la conception d'un théâtre lyrique, qui postule une forme d'union entre le théâtre et la poésie. A partir des années 1630, la musique est soumise aux exigences de l'action. La deuxième moitié du XVIIe siècle est alors marquée par une réflexion sur les conditions de possibilité d'un théâtre en musique, et par une résistance au modèle italien : face à lui, la tragédie à machines et la comédie-ballet font valoir un modèle de spectacle total à la française, où l'alternance est privilégiée par rapport à la simultanéité. La pastorale dramatique évolue pour sa part vers la pastorale-opéra, quand le théâtre religieux et la comédie restent fidèles à la formule du théâtre avec musiqueThis dissertation aims at articulating a theoretical reflection on the status of music in French theatre with an analysis of the practices of musical insertion in drama from the renaissance to the creation of the Comédie-Francaise. Because it depends on the definition of theatre as a spectacle and concerns all dramatic genres, the question of music is marginalized by the theoreticians. The second part of this study propounds therefore a poetics of musical introduction in relation to a poetics of the dramatic genres : in the renaissance and throughout the first third of the seventeenth century, the presence of music in humanist tragedies, protestant drama and dramatic pastorals is linked to the conception of a lyrical theatre, which postulates a kind of union between theatre and poetry. From the 1630s, music is submitted to the requirements of action. The second half of the seventeenth century is then characterized by a reflection on the conditions of possibility for a theatre in music to exist, and by a resistance to the Italian model: against it, the “tragédie à machines” and the “comédie-ballet” offer a model of total spectacle, which favors alternation over simultaneity. The dramatic pastoral evolves towards an operatic pastoral, while sacred drama and the comedy remain faithful to the pattern of theatre with music
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Guinle, Francis. "Accords parfaits : les rapports entre la musique et le théâtre de l'avènement des Tudors au début de la carrière de Shakespeare, c. 1485-1592." Paris 7, 1986. http://www.theses.fr/1986PA070138.
Full textAbstract:
L'évolution du théâtre en Angleterre au XVIème siècle est étroitement liée à l'évolution sociale, politique et religieuse. Le théâtre évolue à partir de formes et de structures bien définies. Sous l'influence du théâtre classique, des farces françaises et des comédies italiennes, il intègre de nouveaux éléments, mais garde les composantes essentielles de sa propre tradition, les adaptant aux conditions et modes de représentation nouveaux que rencontrent les troupes de professionnels adultes et les troupes d'enfants. L’utilisation du langage vernaculaire et la présence constante de la musique dans des fonctions bien définies sont des aspects permanents de ce théâtre. A travers des schémas et des conventions établis, l'élément musical est étroitement lié à la structure et aux thèmes des pièces. Il est analysé dans son contexte, à travers le répertoire des troupes d'acteurs adultes et celui des troupes d'enfants. La notion de détournement de l'harmonie céleste par les vices des pièces morales constitue un élément fondamental dans l'utilisation et la fonction de la musique, et en particulier de certaines formes de chansons que l'on retrouve souvent associées à des personnages : serviteurs, pages, personnages de basse condition sociale, dans les comédies de cour pré-shakespeariennesThe evolution of drama in England in the 16th century is linked to the social, political and religious evolution. Drama evolves from well-established forms and structures. Under the influence of classical drama, the French farce and Italian comedy, it integrates new elements, but also retains the essential components of its own native traditions, adapting them to the new modes and conditions of performance met by the adult professional actors and the children's troupes. The use of the vernacular and the constant presence of music with well-defined functions are permanent aspects of this drama. Through established patterns and conventions, the musical element is closely linked to the structure and themes of the plays. It is analyzed here in its context throughout the repertoire of adult and children's troupes. The concept of a distortion and misappropriation of celestial harmony by the vices of the moral plays constitutes a basic element in the use and function of music, and in particular some forms of songs often associated with servants, pages, and in general low characters in pre-shakespearean court comedies
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Coulomb, Olivia. "Stases et statues : l’art de l’immobile dans le théâtre élisabéthain et jacobéen." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2017. http://www.theses.fr/2017CLFAL004/document.
Full textAbstract:
L’art de la statuaire à l’époque élisabéthaine et jacobéenne a subi les contrecoups de plusieurs siècles d’instabilité politique et religieuse. Cependant, l’Angleterre de la fin du XVIe et du début du XVIIe siècle a fait montre d’un intérêt – pour ne pas dire d’un engouement – tout particulier envers des artistes italiens et flamands célèbres pour leur approche tant artistique que théorique de la sculpture. Si maintes études ont déjà été réalisées sur la peinture et la place problématique des images dans l’Angleterre de la Réforme, peu d’études, en revanche, ont été consacrées aux images en trois dimensions et à leur impact sur le public.Mon travail de thèse s’efforce donc d’analyser le contexte politique, religieux et culturel dans lesquels s’inscrivaient les statues à l’époque, d’une part, et de définir précisément la manière dont elles apparaissaient sur la scène élisabéthaine et jacobéenne, de l’autre.Dans un premier temps, j’ai souhaité inventorier les événements historiques et les textes dans lesquels les statues ont eu une place prépondérante, sans négliger l’aspect juridique relatif à la production des images. J’ai ensuite analysé sous un angle plus littéraire des pièces majeures tirées du corpus shakespearien telles que Roméo et Juliette, Jules César, Antoine et Cléopâtre et Le conte d’hiver. En dernier lieu, j’ai cherché à mettre en lumière l’art de la stase et de la statuaire dans le théâtre jacobéen en prenant pour objets d’étude les moments d’immobilité et de pétrification des personnages dans Bussy d’Amboise de George Chapman, La duchesse d’Amalfi de John Webster, et Une partie d’échecs de Thomas Middleton.Le double objectif de cette thèse est, in fine, de comparer l’impact de la statue et de ses représentations sur scène sur deux publics de la première modernité, l’un élisabéthain, l’autre jacobéen, et de prouver la réelle importance de la statuaire au sein même de l’univers théâtral de Shakespeare et de ses contemporainsThe art of statuary in the Elizabethan and Jacobean era has suffered from the repercussions of several centuries of political and religious instability. However, early modern England proved particularly interested in, if not totally fascinated by, Italian and Flemish artists famous for their artistic and theoretical approach to sculpture. Although many studies have already been made on painting and the problematic place of images in Reformation England, only a few books have focused on three-dimensional images and on their reception.My dissertation therefore seeks to analyze the political, religious and cultural context in which the statues were inscribed at the time, on the one hand, and to precisely reassess the ways in which they appeared on the Elizabethan and Jacobean stage, on the other hand.First, I pay attention to the historical events and texts in which statues have had a prominent place, taking into account the legal aspect related to the production of early modern images. This leads me to study from a more literary perspective major plays from the Shakespearean corpus such as Romeo and Juliet, Julius Caesar, Antony and Cleopatra and The Winter's Tale. Finally, I seek to highlight the art of stasis and statuary in the Jacobean drama by focusing on the moments of immobility and petrification of the characters in George Chapman’s Bussy d’Ambois, John Webster’s The Duchess of Malfi, and Thomas Middleton’s A Game at Chess.The double objective of this thesis is, in fine, to compare the impact of the statue and its representations on stage on two different types of audience both belonging to the early modern era (one Elizabethan, the other Jacobean), and to prove the importance of the statuary within the dramatic universe of Shakespeare and his contemporaries
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Thibault, Gaëlle. "Stratégies de l'image dans les cycles religieux XVème-XVIème siècles : Etude de quelques scènes liminaires." Tours, 2003. http://www.theses.fr/2003TOUR2013.
Full textAbstract:
Partant du postulat que l'essentiel de la spécularité d'une oeuvre théâtrale peut se déduire du texte dramatique, cette étude propose une analyse fonctionnelle des élements d'encodage présents dans le texte écrit sous des formes plus ou moins explicites à travers une sélection d'épisodes extraits de quatre Cycles britanniques, corpus s'étendant de la fin du XIVe au XVIe siècle. Gardant à l'esprit les valeurs conflictuelles inhérentes aux deux concepts fondamentaux que sont l'image et la corporeité dans le contexte religieux de la fin du Moyen-Age, nous examinons le fonctionnement des vecteurs sémiotiques dans l'éléaboration de stratégies visuelles sur la scène médiévale en tentant compte de la diversité des dispositifs scéniques. Faisant appel à des images scéniques ou mentalement suggérées, ces stratégies sont envisagées sous l'angle de leur réception par un public à la culture composite et néammoins "commune", dont on s'est attaché à démontrer le rôle central et dynamique.
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Fouassier, Frédérique. "Représentations de la transgression sexuelle féminine dans le théâtre anglais de la Renaissance." Tours, 2005. http://www.theses.fr/2005TOUR2005.
Full textAbstract:
Cette étude analyse les modes et stratégies de représentation de la transgression sexuelle féminine dans le théâtre anglais de la Renaissance. La majorité des œuvres retenues se situe au tournant des XVIème et XVIIème siècles. Notre démarche analytique pluridisciplinaire est à la croisée des critiques féministe et psychanalytique avec mise en contexte des œuvres analysées. Nous adoptons une réflexion en trois temps symbolisés par l'antithèse, le chiasme et l'oxymore. Notre premier chapitre aborde la prostituée professionnelle opposée à la femme " vertueuse ". Les chapitres suivants envisagent la prostituée dans sa relation avec l'autre pôle, double, de l'antithèse. Le second chapitre étudie les liens prostituée-épouse, qui révèlent que l'antithèse dissimule un chiasme. Le troisième considère les relations prostituée-vierge. L'opposition cache un oxymore, qui trouve son expression dans la figure de la prostituée repentie. Nous posons en prologue des repères génériques et stylistiques.
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Goursolas, Marie-Hélène. "« La société des idolâtres ». L’idolâtrie dans la polémique contre le théâtre en France et en Angleterre, XVIe-XVIIe siècles." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL108.
Full textAbstract:
Cette thèse rend compte du sens et de la portée de l’idolâtrie dans la polémique contre la scène au XVIe et au XVIIe siècles en France et en Angleterre. Parce que les condamnations des premiers Pères de l’Église visaient des spectacles étroitement liés au culte païen, l’argument de l’idolâtrie est discuté dans les débats sur le statut de ces autorités dans la controverse moderne. Il questionne l’évolution de la Comédie et la possibilité de sa « conversion » au christianisme. L’idolâtrie soutient aussi l’assimilation du théâtre à une « Église du diable », car elle a été comprise comme un dévoiement du culte divin à son profit. Elle fait écho aux controverses religieuses du temps : l’amalgame puritain ou calviniste entre théâtre et papisme, tout comme la condamnation augustinienne des passions, trouvent dans l’idée d’idolâtrie un motif rhétorique signifiant. Articulant l’analyse de discours et l’histoire des idées, cette étude suit les ramifications d’un grief qui combine la disqualification platonicienne de l’illusion et la condamnation biblique de la vanité. Elle illustre la propension de la polémique à réorienter les arguments qu’elle semble répéter. L’examen de pièces qui mettent en scène l’idolâtrie (amoureuse ou religieuse) montre aussi l’intérêt dramaturgique de ce thème, par lequel le théâtre répond parfois aux attaques qui lui sont faitesThis thesis considers the meaning and scope of idolatry in the french and english polemics against the stage in the 16th and 17th centuries. Because the condemnations of the early Church Fathers were aimed at spectacles closely related to pagan worship, the argument of idolatry is discussed in debates on the status of these authorities in the modern controversy. It questions the evolution of the stage and the possibility of its "conversion" to Christianity. Idolatry also supports the assimilation of the theatre to a "devil's church", as it has been understood as a deviation of divine worship to its benefit. It echoes the religious controversies of the time: the Puritan or Calvinist association of theatre and papism, as well as the Augustinian condemnation of passions, find in the idea of idolatry a significant rhetorical motif. Articulating discourse analysis and the history of ideas, this study follows the ramifications of a grievance that combines the Platonic disqualification of illusion with the Biblical condemnation of vanity. It illustrates the propensity of polemics to redirect arguments that it seems to repeat. An examination of plays that stage idolatry (whether amorous or religious) also shows the dramatic interest of this theme, whereby theatre can face the attacks launched toward it
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Tin, Louis-Georges. "Tragédie et politique en France au XVIe siècle." Paris 10, 2003. http://www.theses.fr/2003PA100138.
Full textAbstract:
Au XVIe siècle revient la gloire d'avoir réinventé la tragédie antique. Deux circonstances favorisent cette renaissance. C'est tout d'abord l'humanisme, qui redécouvre et traduit les Anciens, et encourage ainsi l'émulation parmi les hommes de ce temps désireux d'imiter un Sénèque ou un Sophocle en composant des tragédies nouvelles ; ensuite, le développement des guerres civiles donne à chacun l'impression que le tragique est désormais la condition ordinaire du royaume de France. Aussi les nouveaux dramaturges ont-ils le sentiment de renouer avec le passé en puisant dans le présent. La tragédie renaissante prend donc un tour politique particulièrement marqué à cette époque. Elle met en scène les conflits, prend position, s'engage, et parfois violemment. Or cette vocation politique, chaque fois réaffirmée, commence à décroître à partir de la fin du XVIe siècle. Avec l'achèvement des combats et des guerres civiles, la tragédie politique se fait plus consensuelle, romanesque, pastorale, élégiaque ou galante. En somme, elle se dépolitise. La politique, qui lui avait donné une puissance et une ardeur jusqu'alors inconnues, est désormais bannie de la tragédie, ou du moins largement euphémisée, et c'est ce phénomène de politisation puis de dépolitisation de la tragédie, qui constitue l'objet de cette rechercheThe rebirth of tragedy in Renaissance France is linked to two phenomena: first, humanists eager to discover the writings of Antiquity; second, civil wars leading to the widespread impression that the kingdom's entire political life was itself a tragedy. Thus, new dramatists felt that in dealing with the past, they also dealt with the present. The political engagement of French tragedies in the 16th century is quite conspicuous, but after the Wars of Religion, the plays tend to express a sort of political consensus: they become less radical and are slowly replaced by pastoral, elegiac or courtly tragedies. On the whole this reflection is a contribution to the history of French Tragedy. It restores some of the elements missing from histories of the genre (tragedy during medieval times, during and after the Wars of Religion) and explains the political implications of the various Jewish, Greek, Roman or French tragedies written during the Renaissance
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Sabatier, Armelle. "Mort et résurrection dans le théâtre élisabéthain et jacobéen." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100153.
Full textAbstract:
La résurrection constitue le fondement du Christianisme et annonce la victoire sur la mort et la promesse de la vie éternelle. A la Renaissance anglaise, la représentation de la mort et de la résurrection est encore empreinte des modèles médiévaux même si des changements profonds sont à l'œuvre. Le théâtre élisabéthain et jacobéen se réapproprie les codes et l'esthétique funéraires. Dans le même temps, le théâtre a conscience de son pouvoir de résurrection puisque la représentation théâtrale permet de faire renaître le passé. Avant d'être une renaissance du corps et de l'âme dans l'au-delà, la résurrection est d'abord liée à la mort. Le théâtre de la Renaissance anglaise explore toutes les facettes de cette première résurrection et s'interroge sur le sens des rituels funèbres qui célèbrent le passage de la vie à la mort et qui doivent préserver la mémoire du défunt. La mort apparente et les fausses résurrections deviennent un motif comique dans certaines comédies jacobéennes. Enfin, l'animation de l'inanimé dans The Winter's Tale de Shakespeare célèbre le don quasi divin du dramaturge, maître dans l'art de la résurrectionResurrection lies at the heart of Christianity – it epitomizes the triumph over death and symbolizes the hope for eternal life. Despite underlying changes, the varied representations of death and resurrection are imbued with medieval patterns in early modern England. Elizabethan and Jacobean drama integrates the different funerary codes. Drama is also aware of its power of resurrection in so far as it brings the past back to life. Before the final reunion of the body and soul, resurrection is linked to death. English Renaissance drama explores all the aspects of the first resurrection and questions the meaning of all the rituals celebrating the passage from life to death and preserving memory. Apparent death and false resurrections become a comical pattern in Jacobean comedies. The return to life in Shakespeare's The Winter's Tale praises the dramatist's divine gift
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Rivère, de Carles Nathalie. "Entre texte et scénographie : théâtralité de la toile à la Renaissance." Montpellier 3, 2005. http://www.theses.fr/2005MON30051.
Full textAbstract:
" Lets place our selues within the Curtaines, / for good faith the Stage is so very little we shall wrong / the generall eye els very much ". Comme le souligne cette didascalie d'une pièce de John Marston, la métaphore théâtrale à la Renaissance ne semble pas s'envisager sans la tenture comme repère matériel. Pourtant, la question de son existence se pose encore de nos jours en dépit de preuves textuelles aussi évidentes que la mort de Polonius derrière une tapisserie dans Hamlet. Etudier la tenture, c'est observer un élément concret nous permettant d'interroger la mise en espace du texte dramatique à la Renaissance. L'analyse des pièces de Shakespeare et de ses contemporains mettra en évidence l'existence d'une conscience scénographique renaissante. La tenture permet de décoder la scène et les pratiques dramaturgiques des XVIème et XVIIème siècles. Elle est un vecteur de sens entre le dramaturge, les acteurs et les spectateurs tant dans une perspective textuelle que scénique“Let's place our selues within the Curtaines, / for good faith the Stage is so very little we shall wrong / the generall eye els very much”. John Marston's stage directions for his play What you Will stresses that the Renaissance playing space is hardly thought about without curtains as material landmarks. Yet, this prop is constantly denied its existence and its impact on the Shakespearean stage. . . Despite textual evidence as the murder of Polonius behind the arras in Hamlet, there are still doubts about the role of curtains in Renaissance scenography. The purpose of this study is not only to reassert the existence of curtains thanks to archaeological data but to assess the impact of the material culture on the writing and the performance of dramatic texts. Since the Middle Ages, acting troupes have used a varied amount of cloths, tapestries and veils on stage. Those props are keys to the scenographical consciousness of the 16th and 17th centuries playwrights and actors. We will consider the flexibility and the complexity of the theatrical space and practices through an object belonging to both the domestic and the dramatic worlds
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Lavéant, Katell. "Théâtre et culture dramatique d'expression française dans les villes des Pays-Bas méridionaux (XVe-XVIe siècles)." Rennes 2, 2007. http://www.theses.fr/2007REN20014.
Full textAbstract:
La présente thèse a pour objet l’étude du théâtre et de la culture dramatique dans les villes francophones du sud des Pays-Bas (Artois, Picardie, Flandres et Hainaut) à la fin du Moyen Âge (XVe et XVIe siècles). L’approche interdisciplinaire, combinant une étude d’histoire culturelle et une analyse littéraire de plusieurs pièces, prend en compte un nombre important de documents d’archives ainsi que des textes manuscrits et imprimés. La première partie présente les différents groupes et les structures de cette culture dramatique, ce qui permet d’en mettre les spécificités en avant, comme le rôle important joué par les compagnies joyeuses, la question de la professionnalisation des pratiques, l’existence d’un calendrier festif spécifique et de liens intéressants avec la culture dramatique en langue néerlandaise de l’époque. Les relations entre théâtre et pouvoir sont également prises en compte. Dans cette culture d’échanges symboliques, le théâtre a une signification politique pour les villes comme pour les pouvoirs religieux, royaux et bourguignons puis impériaux. Le rôle du théâtre comme moyen de propagande (en particulier au XVIe siècle) est également pris en considération, à partir de plusieurs exemples de représentations organisées par des partisans de la Réforme afin de promouvoir leurs idées en évitant la censure. Enfin, la production dramatique de la région est examinée afin de présenter les pièces dont le texte a été conservé, mais aussi celles dont le texte a disparu mais pour lesquelles on a conservé un titre ou une description. Cette analyse permet de remettre en question la division générique traditionnelle, ainsi que les limites du corpus dramatique actuelThis PhD-research centers on drama and the dramatic culture in the French-speaking cities of southern Low Countries (regions of Artois, Picardie, Flanders and Hainaut) at the end of the Middle Ages (15th and 16th centuries). Archive documents of various nature as well as literary texts (both manuscript and printed) have been studied, thanks to an interdisciplinary approach combining a study of cultural history with a literary focus on some theatre plays. First, the different theatrical groups and the structures of this dramatic culture are presented, which allows to show the specificities of this culture, such as the importance of the joyful companies, the question of the professional practices of the actors, the existence of a specific festive calendar and of interesting links with the Dutch dramatic culture of the time. A second part studies the relations between drama and power. In this culture of symbolic exchange, drama has a political meaning for the cities as well as for the religious, royal and Burgundian/imperial powers. The role of drama in propaganda (during the 16th century especially) is also investigated, through several instances of plays staged by the supporters of the Reformation in order to spread their ideas despite censorship. Finally, the study focuses on the dramatic production of the region, presenting not only the texts that are still available today, but also archival evidences that allow us to extend our knowledge about plays that have been staged but not kept. This allow us to question the traditional classification of theatrical texts according to dramatic genres, as well as the limits of the actual corpus of preserved texts
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Karsenti, Tiphaine. "Le détour troyen : formes et fonctions de la matière troyenne dans le théâtre français des guerres de religion et la fin du règne de Louis XIV." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100183.
Full textAbstract:
Le mythe de Troie fournit plus de sujets aux dramaturges français des XVIe et XVIIe siècles que toutes les autres fables antiques. L’étendue exceptionnelle de cette légende, le nombre de ses personnages et de ses séquences, la variété des points de vue qu’elle autorise et des problématiques qu’elle met en jeu contribuent à expliquer ce phénomène. Mais cette étude s’attache à montrer comment les structures et l’héritage spécifiques du mythe troyen en font une matrice apte à traduire les problématiques singulières d’une époque qui voit se transformer profondément son modèle culturel et son modèle politique : dans la deuxième moitié du XVIe siècle naissent à la fois le théâtre et l’État modernes. L’utilisation de la matière troyenne dans les différentes formes dramatiques au cours du siècle et demi qui suit cette double naissance s’éclaire ainsi à la lumière de l’évolution des débats esthétiques, politiques et éthico-théologiques qui accompagnent la transition culturelle alors à l’œuvreThe myth of Troy provided more subject matter to 16th and 17th century French playwrights than any other ancient fable. The exceptional scope of this legend, the multitude of its scenes and characters, and the variety of available themes and viewpoints can partly explain this phenomenon. Yet this study seeks to demonstrate how the Trojan myth, through its unique legacy and structure, served as a model for exploring the problematics of an era marked by massive political and cultural transformation : the second half of the 16th century saw the birth of both the modern State and the modern theatre. Throughout the 150-year period which followed this simultaneous development, the use of the Trojan theme in different dramatic contexts can be understood in the light of the progression of aesthetic, political, ethical and theological ideas that accompanied the cultural transition at hand
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Chiari-Lasserre, Sophie. "L'image du labyrinthe dans la culture et la littérature de la Renaissance anglaise : origines, diffusion, appropriations et interprétations." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30086.
Full textAbstract:
Les seizième et dix-septième siècles anglais révélèrent une culture de l'oblique, en marge de l'Europe. Les Elisabéthains façonnèrent une esthétique labyrinthique, puisant dans le réservoir mythologique des Anciens à l'instar d'Ovide, et faisant fructifier leur héritage médiéval. Le motif du dédale, polymorphe, fut privilégié par les emblèmes, remodelé par les jardiniers, les poètes, les danseurs ou les dramaturges. La légende du " maze ", ou " labyrinth ", généra des mises en scène surprenantes, subversives, révélatrices de représentations mentales bien particulières. Se développa alors un dense réseau métaphorique, à partir d'un symbole ambigu : tantôt harmonieux et attractif, tantôt chaotique et répulsif. Les grands thèmes existentiels, relus de manière euphorique ou dysphorique, furent abordés grâce au labyrinthe: détours amoureux, filets rhétoriques, méandres religieux, impasses du pouvoir devinrent des sources d'inspiration renforçant la multiplicité des voies dramatiquesIn the Elizabethan period, the image of the labyrinth was being re-appropriated in several ways, all based on an ideal first championed by Horace : discordia concors. Throughout Antiquity, the story related to Theseus and the Minotaur had been retold many times, by authors such as Pliny, Ovid, Plutarch, whose texts were to be digested by translators. Renaissance England could boast, too, of an impressive medieval heritage, which favoured the didactic transmission of the myth : the influence of clerical writings linked to the idea of the unicursal maze, one way leading to God, contributed to the popularization of the legend. Gradually, the symbol was secularized during the sixteenth century. Although mythic multicursal paths proliferated in gardens, representations, danse and poetry, they reached their climax on stage. As an obsessional motif, the labyrinth is a hermeneutic key revealing new interpretative tracks exploring a multisemic theatre, whose possibilities remain to be exploited
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Niayesh, Ladan. "Aux frontières de l'humain : figures du cannibalisme dans le théâtre anglais de la Renaissance." Montpellier 3, 2000. http://www.theses.fr/2000MON30014.
Full text
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Stawarz-Luginbühl, Ruth. "La tragédie biblique d'inspiration huguenote en France dans la seconde moitié du XVIe siècle (1550-1573) : un théâtre de l'épreuve." Thesis, Paris Est, 2010. http://www.theses.fr/2010PEST0015.
Full text
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Bayouli, Tahar. "L'image de l'orient dans le théâtre élisabéthain." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100033.
Full textAbstract:
Dans cette thèse, l'image de l'orient dans le théâtre élisabéthain est étudiée premièrement en relation avec son arrière-plan historique. Le commerce avec les pays orientaux et la guerre contre le turc sont relevés comme les facteurs qui ont contribué le plus à la construction de l'image de l'orient et son expression sur la scène. La vision de l'orient comme domaine de la passion, la violence et la sensualité et comme terre de merveilles et de richesses prodigieuses se voit à travers les différentes évocations de l'orient. L'étrangeté et l'exotisme sont les caractéristiques qui marquent les mœurs orientales dépeintes par les dramaturges. Les images d'un oriental violent, sensuel et foncièrement méchant ont leur expression en particulier dans les drames concentres sur le thème de la confrontation avec le turc ou à travers les figures des scélérats orientaux comme Eléazar (Lust's Dominion : Th. Dekker) et Mulleasses (the Turke : J. Mason). Dans Mustapha (G. Greville), cette image de l'oriental est moins stéréotypée car elle prend une certaine profondeur psychologique et thématique dans la tragédie. L'évaluation des images dans la troisième partie révèle la valeur et l'importance de tamburlaine (Ch. Marlowe) au sein de cette tradition d'orientalisme du drame élisabéthain, et d'autre part la distinction d’Antony and Cléopâtre de ShakespeareIn this thesis, the image of the eastern world in the Elizabethan theatre is first studied in relation with its historical background. Trade with the eastern countries and the war against the Turk are pointed out as the factors which most contributed in shaping the Elizabethan image of the eastern world and its expression on the stage. The vision of the east as the realm of passion, violence and sensuality and as a land of marvels and stupendous wealth can be seen through the different evocations of the eastern world. Strangeness and exoticism are the characteristics which mark the oriental life and customs portrayed by the dramatists. The images of a violent, sensual and thoroughly wicked oriental have their expression particularly in the plays centered on the theme of the confrontation with the Turk or through the figures of the oriental villains such as alcazar (lust's dominion: Th. Dekker) and mulleasses (the Turke: J. Mason ). In Mustapha (Greville, the image of the oriental is less stereotyped because it takes its psychological and thematic depth in the tragedy. The evaluation of the images in the third part shows the value and the importance of Marlowe’s Tamburlaine in the tradition of orientalism in the Elizabethan drama and the distinction of Shakespeare’s Antony and Cleopatra
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Ruiz, Soto Héctor. "Apariencia ou l’instant du dévoilement : théâtre et rituels dans l’Espagne du Siècle d’or." Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL161.
Full textAbstract:
L’apariencia est un dispositif visuel composé d’une image cachée par un rideau, visible un court instant devant une assemblée. Le mot désigne à l’origine un spectacle, celui d’un tableau vivant que l’on montre « courtine tirée ». Cependant, ce même procédé de dévoilement se retrouve dans les collections privées de peinture, où des tableaux sont conservés derrière des rideaux, dans des cérémonies liturgiques et royales, et jusque dans la représentation peinte, qui thématise le motif des rideaux dans l’émulation du célèbre Parrhasios, capable, d’après les trésors d’apologues sur la peinture, de peindre des rideaux avec un art tel que le spectateur s’y tromperait et demanderait de les tirer. En 1611, dans son Tesoro de la lengua castellana o española, Sebastián de Covarrubias décrit ce dispositif dans ses définitions de l’apariencia et de la cortina (le rideau). Les domaines qu’il évoque pour ce dispositif sont ceux de la cérémonie royale, du théâtre, de la peinture, et jusque du langage commun, où « tirer le rideau » signifie « émerveiller ». Les référents mimétiques que le théâtre se donne parfois, lorsqu’il met en scène des dévoilements, recoupent les catégories du lexicographe, et y ajoutent le dévoilement liturgique. Un concept émerge dès lors, celui d’un spectacle destiné à être vu au moyen d’un dévoilement, pour quelques instants seulement, qui vise ou provoque une réaction émotionnelle chez le spectateur. Cette thèse étudie l’ensemble des domaines mentionnés, afin de faire l’histoire de l’apariencia dans l’Espagne du Siècle d’or, au croisement de l’histoire du théâtre et de l’histoire de la cultureThe apariencia, a typically Iberian special effect, is defined in 1611 as ‘a mute representation shown by drawing a curtain in front of people, and immediately hiding it again’ (Covarrubias, Tesoro lexicográfico). In other words, it is a performance of unveiling, used mostly in theatre, but also in liturgy – where it displays relics and sacred images – and in royal ceremonies – both in public pageant and inside the royal chapel. Apariencia also innervates private collections of paintings, where some masterpieces or cultural images are shown by pulling a curtain and closing it soon thereafter. A topic coming from the Naturalis Historia by Pliny the Elder gives a model of interpretation: the victory of Parrhasios against Apelles is the result of the illusionism of a painted curtain, that everyone would want to unveil. In his definitions of apariencia and cortina (curtain), Covarrubias describes this visual device, and he mentions spectacular unveilings both in theatre and in the royal chapel. He also reveals that the common language associates the unveiling with something that produces wonder. The theatrical apariencias, which sometimes imitate ritual, also open to the fields of painting, royal ritual and liturgy. Therefore, a concept emerges : the apariencia becomes a visual effect used to unveil something striking for a few moments, in the fields of theatre, painting, royal ritual and liturgy. This PhD dissertation deals with these spheres, and it combines history of the theatre and cultural history in order to understand the emotional and symbolic connotations of this act of unveiling in the early modern Iberian peninsula
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Roger, Christine. "La réception de Shakespeare en Allemagne de 1815 à 1850 : propagation et assimilation de la référence étrangère." Metz, 2003. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/UPV-M/Theses/2003/Roger.Christine.LMZ0319_1.pdf.
Full textAbstract:
La réception de Shakespeare en Allemagne entre 1815 et 1850 n'a, jusqu'à présent, fait que très partiellement l'objet d'une considération spécifique. La majorité des travaux sur le poéte-dramaturge britannique qui aborde son accueil au XIXe siècle se concentrent en effet sur sa réception esthétique et littéraire antérieure à 1830. La présente étude se propose de mettre en lumière la coexistence de plusieurs Shakespeare durant la période dite du Vormärz, c'est à dire avant que le discours institutionnalisé sur l'auteur étranger, allant de pair avec la fondation de la Deutsche Shakespeare-Gesellschaft (1864), ne fixe durablement les modalités de sa représentation. Entre 1815 et 1850, les débats sur l'auteur dramatique étranger continuent à porter sur les conditions nécessaires pour la constitution d'un théâtre national allemand et l'apparition sur scène d'un "deuxième" Shakespeare. Toutefois, en raison du "morcellement" politique, social et culturel qui caractérise la période du Vormärz, ces thèmes invariants, hérités des discussions esthétiques du XVIIIe siècle sur l'auteur dramatique, sont enrichis d'une nouvelle dimension, désormais plus politique : Shakespeare devient progressivement une autorité morale et éthique que des médiateurs instrumentalisent dans le cadre de l'élaboration d'une identité nationale allemande. L'essor des éditions des œuvres complètes de notre auteur, sa présence dans les périodiques à vocation culturelle, les almanachs, les "galeries", les anthologies, ainsi que la publication des premières monographies, témoignent de l'ampleur étonnante de ce transfert culturel, tout en offrant une vue instructive du champ littéraire de l'époque. La nouvelle familiarité ainsi acquise d'un large public allemand avec Shakespeare à travers l'écrit et l'image, prépare la voie à son assimilation et son élévation au rang de " troisième auteur classique allemand au cours de la deuxième moitié du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècleThe reception of Shakespeare in Germany between 1815 and 1850 has, until recently, attracted little sustained critical attention. Modern research on the poet-playwright's 19th century reception has thus far focused principally on its aesthetic and literary aspects before 1830. The present study aims to shed new ligth on the coexistence of several Shakespeares during the Vormärz period, i. E. Before the institutionalized German discourse on the Shakespeare - supported mainly by the newly founded Deutsche Shakespeare-Gesellschaft (1864) - determined the ways he entered German national consciousness. Between 1815 and 1850 debates on the dramatist continued to have a bearing on the fashioning of German national theatre and appearance of a "second" Shakespeare on the scene. But because of the political, and cultural divisions which characterize te Vormärz period, the traditional aesthetical discussions inherited from the 18th century were enriched with a new, more political dimension : the Vormärz saw Shakespeare's promotion from a literary authority to a more moral and ethical one that his supporters could use in the working out of a German national identity. The rising numbers of editions of his complete works, his presence in literary journals, almanacs, "galleries", anthologies of the time alongside the publication of the first critical monographs devoted entirely to his life and works attest the astonishing breadth of this cultural transfer. Moreover
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Oiry, Goulven Hervé. "L' Iliade parodique : la comédie française et la ville 1550-1650." Paris 7, 2012. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=GoyMS01.
Full textAbstract:
Notre propos croise les lettres et l'urbanisme. Il analyse la comédie française des années 1550-1650 sous l'angle de la relation qu'elle entretient à la ville. Les arts poétiques mais aussi les traités architecturaux assignent au théâtre du rire la représentation de la société citadine quotidienne. Farce et comédie de surcroît, avant d'être des genres littéraires bien identifiés, sont des spectacles urbains. La recherche explore dans ses deux premières parties la réciprocité des liens entre le théâtre et la ville. Elle établit que la cité comique est en partie une ville-spectacle, et montre que cette image est à rapporter à une société elle-même en voie de « théâtralisation ». Le rire et la ville renvoient l'un à l'autre ; la comédie se présente comme un révélateur et un catalyseur du processus d'« urbanisation ». La troisième partie envisage la cité comme emboîtement d'échelles. La comédie des années 1550-1650 apparaît dès lors comme un jeu avec les limites urbaines. Déclinant la métaphore de la conquête et du siège, les textes tissent une correspondance entre les portes de la ville, les portes des logis et les sexes des jeunes premières. Sonder les fondements de cette matrice analogique permet d'éclairer le sens de la dramaturgie comique autant que de réfléchir aux fondements symboliques du phénomène citadin. L'imaginaire de la ville-théâtre interroge le rapport qui rattache la libido à la guerre. La comédie, considérée sous l'angle de son fonctionnement spatial, est un siège de ville parodique. Elle engage une réflexion sur l'ordre généalogique pour mettre en scène les fondements du droitThis study stands at the crossroads of arts and town planning. It analyses French comedy from the period 1550-1650 in the light of its relationship to the town. Poetic and architectural arts both assign to the theatre of laughter the representation of everyday city life. What best characterises farce and comedy is not as much their classification as literary genres as the fact that they are both urban shows. The first two parts of our study show that the relationship between theatre and town go both ways. On the one hand, the town of comedy can be defined as a show-town and, on the other hand, society itself was undergoing a process of "dramatisation". Laughter and the town echo each other; comedy both reveals and catalyses the process of "urbanisation". The third part considers the interlocking planes of the town and shows how 1550-1650 comedy plays with the limits of the town. As they unfold the metaphor of siege and conquest, these plays spin a web of connections between city gates, house doors and the genitals of female protagonists. By probing the foundations of this metaphor we can simultaneously clarify the meaning of the art of comedy and reflect on the symbolic foundations of the town. The imaginative world of the theatre-town examines the relationship that connects libido with war. Considering the way it uses space, comedy can be said to stage a parody of a siege. It involves reflection on genealogy in order to present the foundations of the law
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Ntantinakis, Konstantinos. "Femmes et pouvoir dans le théâtre tragique crétois (1590-1647)." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030020.
Full textAbstract:
Le Théâtre Crétois est le seul théâtre existant en Grèce à la suite du théâtre classique antique et le seul "signe" théâtral grec de la Renaissance; Dans les œuvres tragiques Erophile et Jérusalem Délivrée de G. Chortatzis, Le Sacrifice d'Abraham d'auteur anonyme et Rodolinos de I. A. Troi͏̈los, la question "femme et pouvoir" présente un grand intérêt pour la situation des femmes en Crète pendant cette période face aux multiples aspects du pouvoir. Malgré l'universalité de ce théâtre, et ses influences issues du théâtre italien, les personnages féminins ont une identité complètement grecque, et ils portent l'écho d'un vieux monde oublié, le monde matriarcal. La rhétorique des personnages féminins ne mène pas le lecteur à une problématique uniquement amoureuse, mais elle mène aussi à une problématique socio-politique : les héroi͏̈nes permettent aux auteurs crétois de personnifier des idées qui leur sont chères, dans une réalité historique grave, sous l'occupation vénitienne et la menace turque. Les exhortations des héroi͏̈nes contre les divers mécanismes du pouvoir sous lequel elles se trouvent reflètent l'expression de l'âme d'un peuple désespéré sous une puissance tyranniqueThe Cretan Theatre (1590-1647) is the only theatre existing in Crete following the ancient classic theatre and is also the only theatrical sign in the Greek Renaissance. The question "Women and authority" in the tragic plays (Erophile and Delivered Jerusalem of G. Chortatzis, The Abraham's sacrifice of anonymous author, Rodolinos of I. A. TroÔlos) presents a great interest on women's situation in Crete, during that period, facing the multiple sides of authority. Despite the universality of that theatre and its influences from the Italian theatre, women's characters are absolutely Greek and they also bring the echo of a forgotten world, the matriarchal period. The rhetoric of women's characters doesn't only lead the reader into the mere problem of love but also into a sociopolitical problem: the heroines allow the authors to personify ideas that they cherish, in a serious historical reality, under the Venetian occupation and the Turkish threat. The heroines' exhortations against the varied machinery of the power they suffer from reflect the soul of a people without hope under the burden of a tyrannical power
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Gallégo, Josée. "Le mythe des Argonautes dans le théâtre du Siècle d'or espagnol." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA041.
Full textAbstract:
Le mythe de la Toison d'or est le récit d'une aventure maritime jusqu'au bout du monde pour y rapporter un emblème de royauté. Chassé par un oncle usurpateur, Jason triomphe des épreuves qui lui sont imposées grâce à l'amour de la magicienne Médée. Tamis des orpailleurs, trésor caché, parchemin sacré, constellation ou Saint-Graal, le bélier volant qui sauva Hellé et Phryxos de la noyade a été l’objet de nombreuses interprétations.En 1430, le duc de Bourgogne, Philippe le Bon, fonde l'ordre de la Toison d'or pour fédérer les princes de la chrétienté. À l'issue de la cérémonie d'intronisation, un collier est remis au nouveau chevalier. Pourtant, l'évêque de Chalon se récrie face au choix de ce héros parjure, et l'on décide de lui adjoindre Gédéon, dont les brebis s'étaient couvertes de rosée mariale, en signe de la victoire prochaine sur les mécréants.Par le jeu des alliances matrimoniales, le titre de Souverain de l'ordre échoit à Charles Quint qui ajoute à ses armoiries le « Plus Oultre ». Lors de la bataille de Lépante, en 1571, la Galera Real Argo proclame, à coups de décorations, fresques, statues et devises, le projet de la monarchie catholique de terrasser le dragon qui s'est emparé des territoires chrétiens, assimilés au mouton doré du mythe.Quand la saga des Argonautes arrive sur les planches du théâtre auriséculaire, elle jouit d'un immense avantage. Le héros est connu dans son aspect le plus lumineux et le traitement bourguignon alimente la résistance face aux hérétiques de toutes sortes.Si le mythe se prête aux innovations les plus spectaculaires et relaie les valeurs de la monarchie, il entretient une singulière relation avec la politique menée par ses princes, tandis que les guerres laissent attendre l'âge d'or tant espéré, que la dette se creuse, que la cour mène un train de vie dispendieux et que la corruption gagne progressivement toute la société.Avec l'Art Nouveau de faire des comédies, Lope de Vega ouvre une brèche qui permet de voir derrière les ors et les fastes de la cour la lente désagrégation de la monarchieThe story of Jason is a most ancient myth and survives in various forms. A more widespread interpretation relates the myth of the fleece to a method of washing gold from streams. More often, the Golden Fleece represents royal power, the spring-hero or a book on alchemy. According to Apollonius of Rhodes, a flying golden ram rescued Phrixus and Helle as their stepmother wantedto kill them. Phrixus safely reached Colchis where he sacrificed the ram and gave its skin to Aetes. Meanwhile, Pelias had usurped the throne of Eson and as his son reclaimed it, sent him to fetch the Golden Fleece. Jason assembled a remarkable group of heroes on board the Argo. At Colchis, the witch Medea helped Jason to complete the mortal tasks. Upon returning, she plotted the death of Jason's uncle, so both took refuge with their children in Corinth. There, the hero betrayed her as he fell in love with Creusa. The witch got rid of this rival, burnt the palace and slaughtered their chidren.In 1430, the Duke of Burgundy founded the Order of the Golden Fleece. As a shield, a sheepskin was suspended from a jeweled collar of firesteel linked by flints. But the choice of Jason caused controversy, so Bishop of Chalon linked it to the fleece of Gideon. As part of the Burgundian inheritance, the Order was a welcomed instrument to the ambitious Habsburgs to strengthen the bonds and Charles V added as a motto « Plus Oultre ».Performances of the Spanish Golden Age Theater were used to develop the ideology of the Catholic Monarchy. When Lope de Vega published el “Arte nuevo”, he introduced the tradition of the « Mirror for Prince » giving opportunity to express one's point of view, despite the censure
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Peyré, Yves. "La mythologie dans la tragédie élisabéthaine." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1993PA040013.
Full textAbstract:
L'analyse de l'expression mythologique dans la tragédie élisabéthaine s'appuie sur l'examen des fonctions et des conceptions de la mythologie dans la culture de la Renaissance en Angleterre. La diversité des approches mythographiques donne de chaque mythe plusieurs lectures simultanées, tandis que s'élabore une réflexion sur les problèmes de l'interprétation. En même temps, la mythologie nourrit les principales controverses du temps. Et tandis que se crée autour du souverain un mouvement d'élaboration mythique, apparait un scepticisme scientifique qui tente de séparer la science du merveilleux. La tragédie, qui joue des valorisations et dévalorisations du langage mythologique, et met en œuvre des structures symboliques selon un mouvement général qui mené de l'allégorie a l'ironie, pose la question de la nature et du fonctionnement des signes. Elle utilise la mythologie, langage de vivantes synthèses, mais dans lequel s'expriment de profondes fractures, pour construire des tensions dramatiques ou d'ironiques effets d'anamorphose par l'intermédiaire desquels il est peut-être possible de percevoir ce que la culture élisabéthaine tient pour tragique, c'est-à-dire, semble-t-il, ce qui porte atteinte aux idéaux combinés de la renovatio et de l'intergratio. Enfin, l'exploration des potentialités expressives de la mythologie conduit peut-être les élisabéthains à pressentir certains aspects de ce qui deviendra le concept de mythe, dans ses rapports avec le tragiqueThe analysis of mythological expression in Elizabethan tragedy rests on a study of the functions and conceptions of mythology in the culture of the English Renaissance. A diversity of mythographic approaches led to multiple, simultaneous readings of each myth, while inviting reflection on the problems of interpretation. At the same time, mythology contributed to literary and religious controversies. The emergence of a fashion for mythical elaboration centred on the sovereign paralleled that of scientific scepticism. Tragedy, which explores the magnifying and belittling potentialities of mythological rhetoric, and sets in play symbolic structures that progress from allegory to irony, raises questions about the nature and role of signs. Mythology, a language of stimulating syntheses also expressive of deep fractures, is used to create dramatic tension or ironic effects of anamorphosis in which it may be possible to apprehend what the Elizabethan mind viewed as tragic, that is to say, whatever undermined the combined ideals of renovatio and integratio. Finally, in exploring the expressive potentialities of mythology, the Elizabethans may have arrived at an intuitive inkling of what would become the concept of myth, as related to tragedy
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Neimon, Delphine. "Le surnaturel dans le théâtre élisabéthain." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030145.
Full textAbstract:
Ce travail entreprend de démontrer que le surnaturel est un des rouages essentiels du théâtre élisabéthain tel qu'on le conçoit alors. Nous étudierons au préalable la gestation des figures surnaturelles depuis leurs origines religieuses et littéraires jusqu'a leur représentation scénique : synthèses délicates de diverses sources, ces apparitions, toujours spectaculaires, sont systématiquement démantelées par une constante incertitude, fondée sur l'ambivalence de cet univers, les tromperies, les erreurs, la folie qu'il peut occasionner. Equivoque, le surnaturel s'intègre néanmoins dans l'action et l'évolution des personnages. En brouillant la perception de l'espace et du temps, cette intervention met en lumière les agissements des protagonistes, en donnant l'impression de les diriger, ce qui attire l'attention sur la question du choix et de la volonté. Cette force fabuleuse semble générer la métamorphose de certains personnages fascines par cet univers au point de vouloir le pénétrer. Reste à étudier La manière dont certains auteurs se référent au surnaturel pour expliquer et amplifier les mystères de leur art. L'univers surnaturel aime le théâtre et le pratique ; il apparait dans le système d'encadrement des pièces. A l'inverse, le théâtre, construit selon des codes ésotériques, permettrait d'entrer en contact avec l'au-delà. L'acteur confirme cette proximité : statue animée, ombre spectrale, il se dédouble, se transforme tel un dieu ou un diable.
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Hausermann, Christophe. "Apprentis et apprentissage dans les comédies citadines élisabéthaines." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030110.
Full textAbstract:
À l'époque élisabéthaine, l'apprentissage marquait le début d'un long parcours professionnel. Après avoir terminé sa formation, un jeune artisan obtenait sa liberté et devenait membre à part entière de la corporation qui l'avait engagé. Ce statut de freeman lui conférait de fait la citoyenneté londonienne et l'obligeait à exercer ses droits et ses devoirs civiques. Tout apprenti pouvait donc ambitionner de devenir à son tour maître et propriétaire d'un atelier. Sa progression sociale dépendait de sa capacité à se plier au jugement de son maître et à patienter jusqu'à l'obtention de sa salutaire liberté. De nombreux dramaturges élisabéthains ont transposé l'apprentissage sur scène et ont fait de l'apprenti un personnage de répertoire tour à tour veule et héroïque, fustigeant ses excès ou encensant ses exploits. Dans la représentation qu'elles donnent de l'apprentissage, les comédies citadines ont fidèlement décrit la vie de la Cité et de ses corporationsIn Elizabethan times, apprenticeship marked the beginning of a long professional journey. After completing his training, the young craftsman was granted his freedom and became a full member of the livery company that had hired him. This status of freeman gave him London's citizenship and compelled him to exert his civic rights and duties. Every apprenticeřs ambition was to become in his turn a master and a householder. His upward mobility depended on his ability to comply with his master's judgment until he obtained his freedom. Many Elizabethan playwrights staged the training of apprentices, thus making the apprentice a stock character, criticising his excesses and praising his high deeds. Through the representation of apprenticeship, city comedies have faithfully described the life of the City and that of its livery companies
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Coffin, Charlotte. "Echanges mythologiques dans le théâtre de shakespeare." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040052.
Full textAbstract:
Plus de huit cent cinquante références mythologiques jalonnent les trente-huit pièces répertoriées dans le canon shakespearien. Si ces allusions se prêtent à une exégèse savante, elles sont également compréhensibles comme un discours-cliché, fondé sur des conventions partagées par le grand public. Il s'agit alors de reconstruire les conventions qui animent une culture mythologique populaire, et d'approfondir les implications poétiques de la convention, souvent écartée au profit de la création, selon une antithèse qui perdure depuis le Romantisme. Le dynamisme de la convention est mis en valeur par la notion d'échange, aux implications aussi bien concrètes que symboliques, avec sa double acception de mobilité (déplacement et adaptation), et de négociation (donner pour obtenir). La réflexion se déploie sur trois volets, contextuel, textuel et scénique. La première partie évalue la familiarité des Elisabéthains avecs les mythes , et montre le rôle des images de grande circulation dans la diffusion d'une mythologie conventionnelle. Le centre de la thèse est consacré aux références textuelles, dont l'inscription en situation sert aussi bien la persuasion rhétorique que la reformulation poétique. Le lieu commun mythologique , "métaphore morte" en apparence, banalisée par les "commonplace-books" et réinsérée d'un texte à l'autre, fonctionne comme un instrument d'exploration du monde. En fin, la mise en scène des dieux et des héros permet d'analyser les rapports entre convention et spectacleShakespearean drama is permeated with mythological references, with more than 850 allusions disseminated throughout the 38 plays in the canon. While critics have deployed a sophisticated approach to these references, they can also be understood as a commonplace discourse, made up of conventions shared by the general public. Thus it is necessary to reconstruct the conventions that shaped popular mythological culture, as well as to explore the poetic implications of the convention. Romantic theory introduced an antithesis between creation and convention which has resulted in the dismissal of the latter in favour of the former. Yet convention is not rigid but dynamic, as is shown by the exchanges that constitute the main axis of this work. With both concrete and symbolic implications, the concept encompasses the notions of mobility (displacing and adapting ) and negotiation (giving and gaining). The analysis unfolds on the three districts planes of context, text and stage. The fisrt part assesses the range of Elizabethan mythological culture, and shows how cheap prints and familiar images contributed to spreading conventional myths throuhout society. The central part is dedicated to textual references : inscribed within a specific dramatic situation, they participate in rhetorical persuasion, as well as in poetic reformulation. Though they may sond like "dead metaphors", trivialized by commonplace-books and transplanted from one text to another, mythological commonplaces function as exploratory tools in the world of the play. Finally, the analysis of gods and heroes on stage details the relationships between the conventional and the spectacular
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Brailowsky, Yan. "Divination et prophétie dans le théâtre de Shakespeare : herméneutique et poétique." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100106.
Full textAbstract:
A partir de huit pièces — deux pièces romaines (Jules César et Coriolan), deux « romances » (Le Conte d’hiver et Cymbeline), trois « histories » (2 Henry VI, Richard II et Richard III), et Macbeth —, il s’agit d’analyser le rôle des prophètes, des prophéties et de la divination dans le théâtre de Shakespeare. En partant de l’analyse de sources antiques (Cicéron et Plutarque) et de sources contemporaines (Bacon et Montaigne, notamment), ce travail montre d’abord que la « survivance » des dieux justifie la « survivance » de pratiques divinatoires. Ainsi, la présence-absence du dieu Mars dans les pièces romaines met en évidence l’influence des dieux sur la destinée des hommes, une influence qui procède par détournement. L’analyse des rituels divinatoires païens, notamment l’oniromancie et la consultation des augures ou des oracles, distingue les prêtres des sorciers interprètes-herméneutes. L’analyse de pratiques païennes déviantes dans un cadre chrétien, le spiritisme et la nécromancie, met en évidence la spécificité des prophéties chrétiennes, tout en posant le problème de l’interprétation de prophéties prononcées par des « esprits » équivoques. L’étude des tétralogies shakespeariennes permet d’explorer le rôle des prophètes autoproclamés dans un cadre historique apocalyptique, et l’importance des noms dans les prophéties dynastiques de la Guerre des Deux-Roses. Enfin, un examen du problème spatial, et non plus simplement temporel, posé par les prophéties, montre à quel point la situation marginale des théâtres élisabéthains fait partie intégrante du caractère prophétique et « outrancier » du drame shakespearienThis thesis aims at studying the role of prophets, prophecies and divination in Shakespeare's plays, through the analysis of eight plays : two Roman plays (Julius Caesar and Coriolanus), two Romances (The Winter's Tale and Cymbeline), three Histories (2 Henry VI, Richard II, Richard III), and Macbeth. By analyzing ancient and contemporary sources (Cicero, Plutarch, Holinshed, Montaigne and Bacon, among others), I first show that the ``survival” of the gods of yore explains the “survival” of antique divinatory practices. The presence-absence of Mars in the Roman plays evidences the influence of the gods on man's destiny, an influence that works by indirection. The analysis of pagan rituals, notably oneiromancy, augurs and oracles, enables one to compare priests and soothsayers whose role as interpreters is defined by those in power. The study of deviant pagan practices in a Christian context (spiritism and necromancy) makes it possible to see what makes Christian prophecies unique, all the while showing the interpretive problems posed by prophecies uttered by equivocating spirits or apparitions. As for the tetralogies, they serve to understand the role of self-proclaimed prophets in an apocalyptic historical setting. The War of the Roses is as much emblematized by onomastic puns in a series of dynastic prophecies as it is by the claims of rival factions. Lastly, prophecies are not only a temporal, but also a spatial conundrum: the marginal location of Elizabethan playhouses is part and parcel of their prophetic nature, and accounts for Shakespeare's constant double-play on “utterance” and the French “outrance”
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Liosi, Marilia. "La maison des Atrides dans le théâtre tragique français du XVIe et du XVIIe siècles : la question du crime." Rouen, 2012. http://www.theses.fr/2012ROUEL017.
Full textAbstract:
Cette recherche a pour objet de démontrer comment et sous quelles conditions s'effectue, dans le théâtre tragique français du XVIe et du XVIIe siècles, la transposition d'un thème antique aussi horrible et atypique que les crimes de la famille des Atrides. Elle présente les divers aspects de son évolution difficile à cerner sous un angle anthropologique et dramaturgique en raison de son ampleur. -Elle s'interroge sur les définitions du crime et en propose une typologie à partir des textes de la tradition mythique et du théâtre tragique gréco-romain et français. -Elle reste attentive aux configuration et aux moyens qui font apparaître la cruauté du crime et celle de ses auteurs. -Elle présente, dans une approche à la fois synchronique et historique, les pièces du théâtre français qui ont adapté le thème des Atrides, afin de donner au lecteur la perception la plus juste et la plus complète possible de leurs filiations et de leurs dissemblancesThis research aims to show how and under what conditions is carried out in the French tragic theatre of the Sixteenth and Seventeenth centuries, the transposition of such a horrible and atypical ancient theme as the crimes of the Atreus clan. It presents the various aspects of its evolution which is difficult to define, under an anthropological and dramaturgic angle, due to its size. - It examines the definitions of crime and proposes a typology from texts of the mythical tradition and of the tragic theater, both greco-roman and french. -It remains attentive to the ways and configurations which show the cruelty of the crime and of its authors. -It presents, in a synchronic and historical approach, the French theatre plays that have adapted the theme of the House of Atrides, in order to give the reader the most accurate and complete possible perception concerning their affiliations and their differences
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Boyer-Lafont, Agnès. "Visages de Diane dans le théâtre élisabéthain et jacobéen (1560-1616) : réfections poétiques du mythe." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30088.
Full textAbstract:
Les gloses antiques et médiévales nourrissent l'image mythique mouvante de la triple déesse, Diane chasseresse terrestre, Hécate infernale, Phœbé / Cynthia céleste. Au XVIe siècle, les métamorphoses poétiques de l'allusion à la chaste Diane (en tension avec d'autres chasseurs ovidiens comme Actéon et Hippolyte, et avec Vénus, en lien avec Endymion) révèlent des mécanismes modifiant le scénario mythique : parallélismes ou opposition, adjonction, troncation ou interchangeabilité de mythèmes. Comment s'opèrent les réfections intergénériques (transvestitio du mythe) en poésie, théâtre, mythographie, emblématique et dans les célébrations officielles d'Élisabeth Ire ? Ces utilisations dévoilent la mécanique créative du mythe et des fonctionnements de l'insertion fabuleuse dans le théâtre écrit et joué. Médiateur entre les divers plans de la représentation, le Corps attirant mais interdit de Diane interroge les passions humaines (désir, pouvoir, savoir) en incarnant la quête d'un idéalThe mythic image of the triple goddess, Diana, a huntress on earth, Hecate in Hell and Phœbe / Cynthia in heaven, derives from classical and medieval commentaries. In the XVIth century, the allusions to chaste Diana (related to other hunters such as Actaeon or Hippolytus, to her opponent Venus, and also to Endymion) undergo poetic metamorphoses which unveil how the mythical scenario can be changed by the use of structures: parallelisms or oppositions, additions to, shortening or interchangeability of mythic motifs. How does intergeneric refashioning of the myth (transvestitio) intervene in poems, drama, mythography, emblems and political celebrations of Elizabeth I? These uses point to mythological creation and to the working of how the legendary allusion is woven into dramatic and performance text. Linking several levels of the performance, Diana's Body, enticing but forbidden, brings into question human passion for desire, power and knowledge while embodying the quest for an ideal
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Mauré, Cécile. "Héritages et réappropriations du mythe d'Écho dans la littérature élisabéthaine." Montpellier 3, 2006. http://www.theses.fr/2006MON30027.
Full textAbstract:
Phénomène acoustique, figure mythologique, procédé littéraire, Écho offre aux artistes élisabéthains de nombreuses possibilités. Altéré, moralisé, compilé, le mythe d’Ovide se présente, dans les années 1550-1560, sous une forme hybride. Écho fascine et intrigue les artistes car il s’agit de représenter ce qui, dans le fond, est irreprésentable. Les poètes et les dramaturges déjouent, chacun à leur manière, ce paradoxe. Soumis aux influences italiennes et françaises, ils suivent la mode pastorale et place Écho dans une nouvelle Arcadie où se mêlent joie et mélancolie. Présente également dans les élégies et les complaintes, Écho est aussi une figure tragique associée à la douleur et à la lamentation, qui ne loue plus les noms des dieux mais pleure les défunts. Dissimulée dans l’ombre, sa voix se fait suspecte, entraînant les hommes sur de fausses pistes, brouillant les signes dans des bois qui ressemblent soudainement à de dangereux labyrinthes. Elle est, chez Shakespeare, une représentation du désordre, la preuve d’un monde changeant. Figure mineure, elle révèle pourtant les mouvements d’une écriture riche et complexe qui aime les biais et les détoursAt one and the same time an acoustical phenomenon, a mythological figure and a literary device, Echo offers Elizabethan artists many outlets. The Ovidian myth has been adulterated, moralised, synthesised, and appears in a hybrid form in the 1550's and 1560's. Echo captivates and puzzles artists because it involves representing what cannot in fact be represented. Poets and dramatists find their own way round this paradox. Under French and Italian influence, they follow the pastoral trend and place Echo in a new Arcadia where joy and melancholy are mingled. Frequently quoted in elegies and complaints, Echo is also a tragic figure associated with suffering and lamentation, who no longer praises the gods, but bewails the dead. Hidden in the shade, her voice becomes suspect, leading men on false trails, blurring signs in woods which are suddenly transformed into dangerous labyrinths. In Shakespeare's plays and poems, she stands for disorder, bearing witness to a changing world. Echo is considered a minor figure, yet she incarnates the different aspects of a rich and complex style of writing which delights in taking the reader on roundabout detours
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Drouet, Pascale. ""Counterfeiting" : le vagabond et sa mise en scène dans l'Angleterre élisabéthaine et jacobéenne." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040108.
Full textAbstract:
Sous le règne d'Elisabeth I, les lois contre les vagabonds se multiplient et se durcissent : fouet public et infamie, marquage au fer rouge, essorillement, enfermenent, etc. , c'est tout un système punitif qui est mis en place pour châtier les vagabonds, puis pour les soustraire à la vue de la société. Ce sont ces "mauvais pauvres" qui inspirent des pamphlétaires comme Thomas Harman et Robert Greene, et des dramaturges comme Thomas Dekker, Ben Johnson et William Shakespeare. Les brochures contre les "attrape-conils" et les typologies mettent à nu les artifices des faux mendiants qui contournent les lois grâce à leur ingéniosité, leur capacité à se faire passer pour des miséreux invalides ; leurs auteurs, dont la position est souvent ambivalente, vident à avertir le lecteur autant qu'à le divertir. Le théâtre ajoute une dimension subversive tout en faisant entendre une véritable polyphonie discursive : les gueux font l'objet d'une projection utopique et sont pris dans une économie du divertissement, ils favorisent les effets de miroir et de repoussoir qui orientent le regard vers une perspective relativiste de la société et ils rendent saillants les traits satiriques qui prennent pour cible la justice défaillante. La sympathie et l'absence de condamnation qui se dégagent du traitement dramatique trouve peut-être son explication dans l'amalgame que fait la législation entre les "statuts" de vagabond et d'acteur et dans leur art de contrefaireIn the reign of Elisabeth I, the laws against vagabonds grow in number and advocate harsher punishment such as public whipping and infamy, red hot branding. . . : an extensive punitive system is being implemented to castigate vagrants in a conspicuous way before excluding them from society. .
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Bouteille-Meister, Charlotte. "Représenter le présent : formes et fonctions de "l’actualité" dans le théâtre d’expression française à l’époque des conflits religieux (1554-1629)." Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100133.
Full textAbstract:
Le théâtre ne choisit pas nécessairement le détour pour représenter le temps présent des spectateurs. Souvent négligée voire méprisée par la critique, la mise en scène directe de l’actualité propose pourtant un terrain d’étude fécond du regard que les individus d’une époque portent sur leur existence dans le temps. Vecteur privilégié de la polémique orchestrée par les catholiques et les protestants à l’époque des conflits religieux, le théâtre d’actualité mêle toutes les formes et tous les héritages pour proposer à son public une vision à la fois divertissante et tranchée du présent, propre à conforter la communauté spectatrice dans ses positions. Les formes et les fonctions de ce théâtre évoluent cependant à mesure que l’opposition religieuse se déplace du terrain théologique au terrain politique, et à mesure que l’espoir d’une conciliation laisse place au conflit armé. À la vision eschatologique du théâtre d’actualité protestant qui voit dans le présent une annonce de l’imminente fin du monde et à la tentative désespérée du théâtre d’actualité valois de maintenir la fiction d’un présent doré de concorde succède le constat d’un présent de fer, qui fait de la scène le reflet sanglant d’une actualité particulièrement violente, convoquant son public à l’action. La paix de compromis établie par l’édit de Nantes et le devoir d’oubli qu’elle impose substitue à cet horizon pragmatique un horizon mémoriel : la représentation du présent sur la scène devient un enjeu de « souvenance », alors que se met en marche la légendarisation de l’action pacificatrice de la monarchie bourbonienneDisplaying contemporaneous events on the theatre stage does not necessarily need to involve mythological or historical transposition. Often neglected or even despised by theatre critics, the representation of contemporaneousness, however, offers a particularly fertile field of study when it comes to analysing how individuals reflect on their own existence in Time.During times of religious conflict in Europe, both Catholics and Protestants alike used the stage as a powerful vehicle to stir controversy; situated at the crossroads between multiple forms and influences, theatre can provide its public with a re-presentation of present time both entertaining and critical, designed to strengthen a community’s actual and intellectual unity. What is more, forms and functions of “topicality” on stage evolve and develop further as religious conflict shifts from the theological to the political battleground and hope for reconciliation is overshadowed by escalating armed conflicts.Whilst Protestant topical theatre finds numerous concurrent signs of the imminent end of the world, the topical theatre created and represented at the Catholic Valois court tries desperately to maintain the illusion of a Golden Age of concord; soon thereafter, however, an Age of Iron is acknowledged, in which theatre reflects the violence and bloodthirstiness of its time and calls on the audiences to take action. When the compromise of the edict of Nantes imposes peace and amnesty, this pragmatism is substituted by a drive towards memorialisation: performing the present on stage becomes a matter of remembrance, at a time when the Bourbon monarchy tries to turn the recent past into a legend
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Vahedian, Bahram. "Shakespeare et le "livre du destin" dans richard ii, hamlet, macbeth, kinglear, the tempest." Caen, 1993. http://www.theses.fr/1993CAEN1137.
Full textAbstract:
Le but de cette these est d'etudier le probleme du destin a travers les cinq pieces qui correspondent aux differentes etapes de l'evolution de shakespeare. Le premier chapitre- plan intellectuel de l'epoque concernant les notions qui definissent le mot destin. Cette partie demontre la preoccupation du poete qui s'exprime par un langage symbolique. Nous constatons que le dramaturge s'oriente de plus en plus vers une idee deterministe du destin. Il fait l'analogie entre son art et le monde ; ainsi la nature serait une scene ou l'homme-acteur est appele a jouer son role. Le deuxieme chapitre, qui est consacre a l'etue des pieces en particulier, illustre comment shakespeare traduit sa pensee a travers les images et la structure des ses oeuvresThe aim of this thesis is to study the problem of destiny in shakespeare's five plays selected for this end. These plays correspond in fact to different stages of the poet's evolution. The first chapter looks at the intellectual background of the tine. In this chapter we find a recurrent imagery concerning the notions which define the word-destiny. The poet turns into his art in order to clarify the mysteries : he compares the world to playhouse where man-actor is called by a divine power to play his part. The second chapter goes down into a more detailed study of the plays. It finds that shakespeare conveys his ideas through dramatic means such as imagery and the structure of his plays
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Coulaud, Sandra. "Crime, histoire et politique : la représentation du régicide dans le théâtre anglais et français au tournant du XVIe et du XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040070.
Full textAbstract:
Crime d’actualité au tournant du XVIe et du XVIIe siècle, le régicide est un objet de spéculations et un fait d’actualité en France et en Angleterre. Dans les deux royaumes, on débat de cette question sur fond de schisme religieux. Des théoriciens politiques réinventent la manière de parler de ce crime pour le légitimer et les dramaturges s’emparent de ce sujet problématique. Jacques de Fonteny met en scène le meurtre d’Henri III, Claude Billard de Courgenay celui d’Henri IV, Montchrestien représente l’exécution de Marie Stuart, Shakespeare et Marlowe mettent en scène les meurtres de Richard II et d’Edouard II. Au théâtre, le régicide est a priori un spectacle efficace, propre à provoquer de vives émotions chez le spectateur. Pourtant, ces représentations ne vont pas de soi. Comment, en effet, représenter un crime aussi énorme dans un contexte de crise politique ? Comment justifier le spectacle d’un meurtre d’une actualité aussi brûlante ? Les dramaturges négocient constamment entre des contraintes idéologiques et esthétiques, parfois contradictoires, qui pèsent sur la représentation. Ils empruntent souvent le détour par l’histoire. Plus le crime est inefficace politiquement, et plus il est efficace sur scène. La tyrannie du prince justifie sa mise à mort. Ses fautes morales transforment le régicide en châtiment acceptable et sa déchéance rend la scène pathétique. Un récit permet fréquemment de raconter la mort que l’on ne peut pas montrer sans risquer de décevoir le publicThe regicide is a topical crime between the sixteenth and the seventeenth-century. It is an object of many reflections and an actual event for french and english people. In both kingdom, there are debates on this issue while the schism has begun a reality. Because of the controversy, it is possible to speack about régicide as a punishment. Playwrighters perform this problematic subject. Jacques de Fonteny represent the murder of Henri Ird, Claude Billard de Courgenay represent Henri IVrth’s one, Antoine de Montchrestien represent the execution of Marie Stuart, Shakespeare and Marlowe perform the murders of Richard IInd et Edward IInd. A priori, such subject can move the audience. Nevertheless, such a performance isn’t an evidence. How, indeed, can a playwrighter show such an enormous crime during troubled period ? How can he justify the show in a crisis context ? Playwrighters have to consider ideological and aesthetic restrictions, which are sometimes in contradiction, to perform the murder of the sovereign. In many cases, they rewright history. Because the crime is usually ineffective as a politic action, it is effective for dramatic art. Tyranny justify that the prince is murdered. Some moral failures make this one acceptable. And because the king is falling, he appears as a pathetic victim for the spectators. When it is difficult to show the crime scene, the regicide is described by a messenger
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Kapitaniak, Pierre. "Spectres, fantômes et revenants : phénomène et représentation dans le théâtre de la Renaissance anglaise." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040156.
Full textAbstract:
Avec le rejet du purgatoire par la Réforme, les fantômes reviennent sur le devant de la scène dans les débats démonologiques, et envahissent en même temps les planches des théâtres européens grâce à la redécouverte de Sénèque. L'étude des rapports entre ces deux domaines a fait ressortir certaines similitudes, mais surtout des divergences dans l'appréhension du phénomène : pour les démonologues, les apparitions sont presque toujours liées à l'action du Malin, tandis que les dramaturges développent un double discours paradoxal à propos de la figure spectrale, soulignant son autorité tout en remettant en question sa réalité. Au-delà de cette contradiction, le théâtre reflète mieux qu'aucun autre discours l'ambivalence fondamentale du revenant, à la fois humain et surnaturel, mais aussi celle de sa perception en tant que phénomène qui oscille entre crédulité et scepticismeWith the rejection of Purgatory by the Reformed Church, the ghosts became a fashionable subject in demonological debates, just as the rediscovery of Seneca encouraged spirits to haunt the European stages. The study of the relations between these two fields shows some similitude but mostly underlines the differences in apprehending the phenomenon itself : for the demonologists, the Devil always lurked behind apparitions of the souls, whereas the playwrights developed a paradoxical ghost figure insisting on its authority but questioning its reality. Beyond this contradiction, drama better than any other genre reflects the ghost's essential ambivalence, both human and supernatural, but also the ambivalence of its perception as a phenomenon, oscillating between credulity and scepticism
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Krawczyk, Dariusz. "Dialectique de la parole : étude de la poésie et du théâtre de Marguerite de Navarre." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100018.
Full textAbstract:
L'étude est consacrée à la partie moins connue de l'oeuvre de Marguerite de Navarre (1492-1549) : sa poésie et ses pièces de théâtre. Elle prend en compte les critères littéraires qu'elle emploie à l'analyse des textes afin de formuler les traits particuliers de la «poétique» propre à cet auteur. Elle met surtout en relief l'impact de l'idéologie sur la littérature - la Reine de Navarre était l'un des plus actifs propagateurs de l'évangélisme, ce qui se traduit dans ses textes par tout un ensemble de choix esthétiques et poétiques telles que le rôle du poète et de la poésie, la conception du sujet lyrique et l'inscription du lecteur dans le texte. L'étude se divise en trois parties. Dans la première, il est question à la fois de l'attitude de Marguerite envers ses propres œuvres, que son attitude envers la forme poétique comprise dans le sens général, englobant la question des genres et des figures stylistiques micro et macrostructurales. La deuxième partie est consacrée à la personne et son inscription dans le texte de la Reine. En effet, chez elle, la parole est toujours la parole de quelqu'un, l'analyse des instances qui apparaissent dans le discours permet de comprendre jusqu'à quel point l'inscription du lecteur constitue le fondement de sa poétique. La troisième partie s'appuie sur les précédentes et s'articule autour du concept du rôle de la parole poétique : sur sa justification et sa finalité. L'ensemble est précédé par une courte esquisse de l'histoire de la critique des poésies de Marguerite de NavarreThe study is based on the analysis of the works of Marguerite de Navarre (1492-1591) and its purpose is to show their exceptional character in comparison to the works of the French Renaissance authors such as Clément Marot or Charles Fontaine. It's also a try to find the poetic tradition the author drew abundantly from. But, most of all, its aim is to present the main axis of the Marguerite's works, and to show how the ideology influences her poetics, knowing that the Queen was one of the mort active defender of the French evangelical movement. The ideology determines the place of the lyrical subject and the reader in the text, the role and character of the word, the role of poetics figures and of the mystic silence, towards which, paradoxally, the word and the poetry of Marguerite de Navarre moue. And, last but not least, the study contributes to rehabilitate the Queen of Navarre, known mostly as the writer of the famous collection of the short stories entitled Heptaméron, as an author creating a very personal and deeply religions poetry. The work is composed of the three parts. The first one is focused on the meaning of the poetic forms: genres, figures and the interior construction of the text. The second considers the rote of the lyrical subject in the Marguerite's poetry. It reflects the author herself, but also her relations with the others. In this part we analyze also the importance of the dialogue as a place of meeting with the Living Word. The third and the last part tries to determine the ideal of Marguerite's poetic word and its tendency to disappear in the silence-nothingness
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Camard, Christophe. "Les représentations de l'Italie et des Italiens dans le théâtre de William Shakespeare et Ben Jonson." Thesis, Tours, 2010. http://www.theses.fr/2010TOUR2004.
Full textAbstract:
Cette thèse propose d’étudier la place et la portée de l’Italie comme lieu scénique dans les pièces de deux célèbres dramaturges de la période élisabéthaine. L’introduction met en lumière la présence et l’influence de l’Italie durant la période qui précède l’essor du théâtre à Londres, ainsi que l’omniprésence de la péninsule au théâtre entre 1580 et 1620, en particulier chez William Shakespeare. La première partie de l’étude s’attache à mettre en évidence la façon dont le décor italien se met en place et dont se construit la figure de l’Autre sur la scène élisabéthaine. Sur une scène où le décor physique est limité, les procédés de création d’une couleur locale prennent des formes diverses et variées et révèlent la nature de la dualité entre identité et altérité pour le spectateur de la Renaissance anglaise. C’est alors que l’on entrevoit les différences entre la représentation satirique de Ben Jonson et celle de William Shakespeare, dont la vision de l’Italie apparaît bien plus vague, complexe et changeante. La seconde partie de ce travail repose sur l’étude des différents topoï auxquels est liée l’Italie au théâtre. Ces derniers permettent de comprendre que la représentation de la péninsule s’appuie sur un certain nombre de codes en partie attendus du public. Ils démontrent en outre combien l’identité anglaise se construit à la fois à travers le rejet et l’imitation de la patrie de la Renaissance, en un temps où l’Europe est coupée en deux sur le plan politique et religieuxThis dissertation proposes the study of the place and significance of Italy as a dramatic setting in the plays of two famous dramatists of the Elizabethan period. The introduction describes the presence and influence of Italy during the period preceding the rise and blossoming of the theatre in London, as well as the omnipresence of the Italian peninsula in drama between1580 and 1620, particularly in that of William Shakespeare. The first part of the study aims to show how the Italian setting is constructed and how the figure of the Other is represented on the Elizabethan stage. In a theatre where the physical décor is limited, the methods for creating local colour take diverse and varied forms and reveal the nature of the duality between identity and otherness for the English Renaissance spectator. This then brings into focus the differences between the satirical representation of Ben Jonson and that of William Shakespeare, whose vision of Italy appears far more vague, complex and mutable. The second part of this work focuses on the study of the different topoi to which Italy is linked in their plays. They reveal the extent to which representation of the Italian peninsula is based on a collection of codes shaped in part by the expectations by the public. Moreover, they demonstrate the importance of the simultaneous rejection and imitation of the homeland of the Renaissance in the construction of English identity,at a time when Europe is divided in two on political and religious grounds
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Fortin, Cécile. "La "Congrega dei Rozzi" de Sienne (1531-1603) : des ateliers d'artisans à l'écriture et à la scène." Bordeaux 3, 2001. http://www.theses.fr/2001BOR30057.
Full textAbstract:
En octobre 1531, douze jeunes artisans fondent à Sienne la "Congrga dei Rozzi". Le projet initial, fruit d'une réflexion collective s'impose jusqu'au début du XVIIe siècle. Il s'agit par la pratique des lettres, non seulement de combattre l'oisiveté mais de se perfectionner intellectuellement. C'est en examinant les événements économiques et politiques qu'ils traversent et en comprenant la société qui les a produit et dans laquelle ils travaillent que se dessinent les objectifs des Rozzi. A travers des documents de première main, d'origines diverses, archives fiscales, statuts des corporations et de la "Congrega", délibérations de réunions, exercices académiques (lectures, sonnets, devinettes, questions), comédies, pastorales, dialogues. . . Nous retraçons le parcours des Rozzi des ateliers d'artisans à l'écriture, à l'édition et à la scène. Un parcours d'autant plus intéressant et original qu'il oscille constamment entre deux traditions révélant une forte acculturation. Cet attachement fort à la campagne se manifeste par la présence prédominante, dans leur théâtre, de la figure du paysan. De ces modèles, de ces références et de ces intéractions l'étude de la "Congrega" des Rozzi au XVIe siècle illustre l'existence à Sienne d'une culture citadine populaire autonome.
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Sibille, Jean. "La Passion de Saint André : drame religieux de 1512 en occitan briançonnais : édition critique, étude linguistique comparée." Lyon 2, 2003. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2003/sibille_j.
Full textAbstract:
La première partie de ce travail présente une édition critique de la "Passion de Saint André" accompagnée d'une traduction. La deuxième partie intitulée "La langue des mystères alpins, études comparatives" situe la langue des mystères alpins et les parlers modernes du Briançonnais dans l'ensemble occitan et la famille galloromane. Cette partie s'ouvre par une description des principaux traits typologiques de la langue des mystères alpins et une présentation des parlers modernes du Briançonnais. Deux phénomènes particulièrement caractéristiques du corpus sont ensuite étudiés : la persistance tardive de certaines formes de flexion casuelle des substantifs et des adjectifs, et l'emploi du preterit périphrastique du type anar + infinitif. Cette partie se termine par l'étude d'un certain nombre de phénomènes de variation (diachronique et diatopique) repérables dans les textes briançonnais et embrunais, littéraires et juridico-administratifs. La troisième partie intitulée "La Passion de Saint André, grammaire comparée" présente une grammaire du texte (graphie et phonétique, morphologie et morphosyntaxe, lexique) dans une perspective de comparaison avec les autres mystères alpins et avec les parlers modernes du nord du Briançonnais historique, que ce soit les parlers de la zone restée française ou ceux de la partie devenue piémontaise en 1713 et aujourd'hui italienne. La conclusion propose une chronologie des mystères alpins et une synthèse sur l'évolution de l'occitan briançonnais de la fin du XVe siècle à nos jours.
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Hugot, Nina. "« Une femme peut bien s’armer de hardiesse ». La tragédie française et le féminin entre 1537 et 1583." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL154.
Full textAbstract:
Ce travail a pour vocation d’interroger, dans un corpus de pièces françaises compris entre 1537 et 1583, la spécificité de la présence féminine en tragédie et son rôle dans l’élaboration de l’esthétique tragique, supposée entre autres à partir du constat de la préférence des premiers dramaturges pour les héroïnes. Nous examinons la place du féminin et ses enjeux à trois niveaux différents. Tout d’abord, nous étudions les textes théoriques et paratextes qui définissent la tragédie. Dans ce cadre, nous ne trouvons aucune association explicite du tragique et du féminin, néanmoins le féminin y est défini de manière problématique, entre nécessité de la norme (la convenance) et constat de la transgression (Electra qui émerveille par sa virilité). Ensuite, dans les textes eux-mêmes, nous observons une profusion de discours des personnages portant sur la question du féminin. Bien souvent, les lieux communs sont convoqués pour mieux marquer le décalage de l’héroïne avec les femmes du commun ; parfois, le cas de l’héroïne est même utilisé pour contester le lieu commun. Dès lors, nous étudions enfin l’action des femmes sur la scène tragique en la comparant à celle des hommes : l’étude de la spécificité des rôles féminins dans l’intrigue, du type de jeu et de spectacle qu’elles mettent en place, celle de leur effet moral et idéologique sur le spectateur enfin, nous permettent de redéfinir l’héroïsme féminin dans le corpus. Étant donné que la tragédie se construit, d’après nous, sur la recherche de l’action extraordinaire, les héroïnes, plus admirables justement parce qu’elles appartiennent au sexe faible, paraîtraient d’abord plus favorables à la renaissance de la tragédie à l’antique de langue française et lui conféreraient ainsi ses premiers traitsFrom a study of a corpus of French plays written 1537-1583, this dissertation examines in detail the female presence in tragedy and its role in the development of the aesthetics of tragic drama. The place of the feminine and the issues arising from it are analyzed on three different levels. First, the theoretical and paratextual works that define tragedy were studied. In this corpus of work, no explicit association between the tragic and the feminine is found. However, the feminine is defined throughout in a problematic way, between the necessity to conform to the norm (the decorum) and the evidence of departures from this norm (Electra will amaze because of her virility). Secondly, within the plays themselves, there are many speeches made by the characters pertaining to the question of femininity. Frequently, the common norms are referenced in order to better differentiate between the heroine and ordinary women; on occasion, the case of the heroine herself is used to contest more strongly the common norms. Finally, the action of the women in the tragic dramas is compared to that of the men. This entails the study of the roles of females in the plot, of the style of acting and performance required of them, of their moral and ideological effect on the audience, all of which allows for a redefinition of female heroism in the corpus. Given that tragic drama is constructed, in this author’s view, from the quest for extraordinary action, these heroines, all the more admirable precisely because they belong to the weaker sex, would primarily appear to be highly favorable for the successful revival of French classical tragedy, thus conferring upon it its first characteristics
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Cimmieri, Valeria. "Femme et pouvoir dans le théâtre tragique italien des XVIe et XVIIe siècles : étude d’un corpus emblématique de rôles-titres féminins." Thesis, Toulouse 2, 2013. http://www.theses.fr/2013TOU20096.
Full textAbstract:
Aux XVIe et XVIIe siècles, en Italie, une ample production de tragédies voit le jour, parmi lesquelles de nombreuses pièces consacrées à des héroïnes éponymes. Nés de procédés complexes de réécriture (de mythes, de récits historiques, de sources religieuses et littéraires), ces personnages, qui posent sur scène la question du rapport entre la femme et le pouvoir, mobilisent le jugement des auteurs et du public sur des débats capitaux pour la société de l’époque. Par des démarches d’écriture particulières, plus ou moins explicites, le théâtre tragique se fait ainsi théâtre politique, puisqu’il élève la cité à la dignité d’un spectacle qui s’interroge sur ses mécanismes civiques et culturelsTragedy was a genre that flourished in Italy in the 16th and 17th century of which numerous examples were dedicated to the eponymous heroines. Created in the process of rewriting (réécriture) of myths, historical narratives and various religious and literary sources, those characters bring up questions concerning the relation between women and power encouraging authors and their public to take part in the debates that are crucial for the contemporary society. Through more or less explicit literary means, tragic theater becomes a political theater for it raises the city to the dignity of the spectacle that reflects on its civic and cultural mechanisms
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Berton-Charrière, Danièle. "Cyril Tourneur : vie et œuvre d'un dramaturge jacobéen." Montpellier 3, 2002. http://www.theses.fr/2002MON30047.
Full textAbstract:
Mon travail de recherche comprend quatre parties essentielles : I une biographie, portrait-anatomie du sujet "IL", Cyril-William Tourneur ; II une traduction de "The Atheist's Tragedy" ; III la concordance de l'œuvre dramatique attribuée à Cyril Tourneur ("The Atheist's Tragedy" ; "The Revenger's Tragedy") ; IV l'étude d'une méthode lexicométrique et stylostatistique dans sa relation avec les problèmes de paternité textuelle et son application à l'œuvre de Cyril-William TourneurMy research work includes four essential parts : I a biography, portrait-anatomy of subject "HE", Cyril-William Tourneur ; II a translation of "The Atheist's Tragedy" ; III the concordance to the dramatic works attributed to Cyril Tourneur ("The Atheist's Tragedy" ; "The Revenger's Tragedy") ; IV the study of an analytical method based on lexicometry and stylostatistics, and its application to works attributed to Cyril Tourneur to solve some of the problems related to textual authorship
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Bouisson, Jean-Luc. "Les rapports de la musique et du duel dans le théâtre de Shakespeare." Avignon, 1998. http://www.theses.fr/1998AVIG1018.
Full textAbstract:
Au centre de la culture et de l'éducation des élisabéthains, au coeur de mutations d'une société anglaise en pleine renaissance, la musique et le duel fusionnent sur la scène shakespearienne. Le dramaturge, qui a pour but "d'offrir à la vie un miroir", les intègre naturellement à son univers scénique. Au fil des pièces et des genres dramatiques (pièces historiques, comédies, tragédies et drames romanesques), les représentations variées et les diverses valeurs symboliques de la musique et du duel lui permettent de multiplier les effets dramatiques. Ces deux arts animent les rapports de force et de courtoisie que Shakespeare met en scène et ils oeuvrent à une représentation de l'harmonie, une fois les tensions apaisées. Ils servent également la mise en scène du texte dramatique shakespearien. Ce texte - devenu "spectaculaire" - endosse alors certaines de leurs formes. Illustrations de la mimesis - essence même du théâtre -, musique et duel créent un langage qui réalise la symbiose texte-représentation au sein de l'univers dramatique shakespearienAt the core of elizabethan culture and education, in the midst of the changes coming over renaissance England, music and swordfighting met on the shakespearian stage. The playwright, whose aim was "to hold as'twere the mirror up to nature", naturally integrated them into the setting of his plays. Play after play, in the histories, as well as in the comedies, the tragedies and the romances, the various representations and symbolic meanings of music and swordfighting allowed Shakespeare to extend considerably his dramatic effects. These two arts enhanced the liveliness of the relationships, friendly or hostile, between his characters and worked towards the representation of harmony, the tensions once soothed. They also contributed to the staging of the shakespearian dramatic text. This text - the performance text - thus assumes some of their idiosyncrasies. As illustrations of mimesis, the very essence of drama, music and swordfighting build up a language that achieves the union between text and representation on the shakespearian stage
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Fernandes, Isabelle. "Le sang et l'encre : le théâtre de la religion chez John Foxe : les martyrs protestants sous Marie Tudor." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2004. http://www.theses.fr/2004VERS014S.
Full textAbstract:
La catholique Marie Tudor accéda au trône d'Angleterre en 1553 après les efforts réformateurs de son demi-frère Edouard VI. Ce moment clé de l'histoire anglaise devait tenir une place importante dans le maryrologe de John Foxe qui vantait la constance des quelque trois cents protestants qui périrent sur le bûcher pour leur foi entre 1555 et 1558. Comme Foxe contribua beaucoup à la création du mythe de "Marie la Sanglante", la présente étude se propose de fournir tout d'abord une approche de la politique menée par la Couronne durant ces années de feu et de cendres afin de démêler le vrai du mythe. Puis la question du martyre protestant sera abordée. Comment expliquer que le protestantisme, qui avait définitivement renoncé au sacrifice au moment où le concile de Trente précisait que la messe était sacrifice, non sanglant certes, mais sacrifice quand-même, ait insisté sur la valeur de la mort de ses victimes au fil des pages du martyrologe ? Nous suggérons que Foxe a tenté de substituer le corps du martyr à l'hostie catholique, que la mise au bûcher grâce à l'iconographie devient une messe à mort, que la transsubstantiation abhorrée s'est déplacée, mais qu'elle existe : le sang des martyrs s'est fait encreThe catholic queen Mary Tudor ascended the English throne in 1553 after her half-brother Edward VI's endeavours to thorouthly reform the country. This key episode in English history was to have pride of place in John Foxe's martyrology which praised the constancy of the three hundred protestants or so who died on the stake for their faith between 1555 and 1558. As Foxe contributed much to the creation of the myth of "Bloody Mary", the present work intends first to purvey an approach to the Crown's policy during those years of fire and ashes to sort the truth out from the lies. Then the question of protestant martyrdom will be broached. How can we explain that though protestantism had definitively renounced the notion of sacrifice whereas the Concil of Trent clarified that mass was a sacrifice, a bloodless sacrifice, but a sacrifice anyhow, it insisted on the value of the demise of its victims with the use of martyrology ? We suggest that Foxe tried to substitute the body of the martyr for the catholic host, that thanks to iconography, the stake becomes an inverted mass, that the loathed transubstantiation has been displaced, but that it does extist, as the blood of the martyrs has become ink
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Ruberry-Blanc, Pauline. "La vision tragi-comique de William Shakespeare et ses précédents dans le théâtre Tudor." Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/ruberry_p.
Full textAbstract:
La première partie de la thèse fait incursion dans le théâtre médiéval et post-médiéval anglais afin d'explorer la matrice esthétique et culturelle dans laquelle Shakespeare puise sa vision tragi-comique. La focalisation sur le personnage phare de l'aire de jeu Tudor, dénommé le Vice, incarnation de l'esprit tragi-comique anglais, permet de faire ressortir les conventions théâtrales réutilisées et transposées dans la création shakespearienne. La deuxième partie de l'étude se concentre sur les deux personnages Richard III et Falstaff, nécessitant des aller-retour dans le théâtre des prédécesseurs de Shakespeare afin de faire ressortir les continuités diachroniques ainsi que les nouveaux éléments en gestation chez lui. Enfin le troisième volet développe les critères éthico-littéraires et les grandes théories philosophiques et poétiques qui jalonnent l'époque élisabéthaine, les grands mythes de l'antiquité classique et leur ré-utilisation dans le théâtre de cour et dans les théâtres publics de la période 1594-1616. L'exploration s'articule autour des éléments constitutifs d'un nouveau genre, la tragi-comédie de Guarini, qui émerge sur la scène jacobéenne. Cette exploration s'efforce de démontrer l'éclectisme de la vision tragi-comique de Shakespeare tout en faisant ressortir la manière dont les traditions et conventions sont dépassées et transcendéesThis doctoral thesis takes the medieval and late-medieval theatre as a starting-point for its exploration of the aesthetic and cultural matrix which shaped Shakespeare's tragic-comic vision. The character known as the Vice", who appears in many Tudor plays, and who is often considered to be an incarnation of the English tragi-comic spirit, provides a useful pointer to the theatrical conventions which Shakespeare transmutes in the process of creating his own plays. The second part of this study centres on Richard III and Falstaff necessitating frequent comparisons between Shakespeare's dramaturgy and that of his predecessors in order to underline the diachronic continuities as well as the embryonic developments. In the third section, the ethical-literary-philosophical background of the Elizabethan age is explored, along with an examination of the manner in which some of the most prominent myths of classical antiquity are adapted to the aristocratic and public stages from 1594 to 1616. These elements are seen to contribute to the formation of a separate theatrical genre, bearing much resemblance to Guarini's "tragi-comedy," which occupied the Jacobean stage. Throughout this analysis of the eclectic nature of Shakespeare's tragi-comic vision emphasis is laid upon his transcendence of inherited traditions and conventions
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Werchowski, Katherine. "Un exemple d'intertextualité : Comédie du mariage : premier drame juif en hébreu." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081614.
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Vers 1550 apparait dans l'italie de la renaissance un drame inedit dans l'histoire des lettres hebraiques : comedie du mariage, oeuvre du juif mantuan yehudah somo (1525-1592). En effet, la tradition juive litteraire n'a pas de precedent a cette piece pour laquelle le genre theatral est vil et honni en ce qu'il puise ses origines et ses inspirations dans la culture idolatre greco-latine. La presente recherche repose principalement sur la traduction de ce texte qui a valeur de curiosite et dans le reperage et le role induit par les nombreux intertextes tant bibliques que rabbiniques qui se fondent en un tout homogene. Dans un second temps, sont passes au crible les differents manuscrits de ce drame auxquels l'analyse litteraire de la piece (langue biblique, rabbinique, hebreu tardif, le role fondamental que remplit ici l'onomastique) et l'examen des intertextes principaux convoques par l'auteur comme le midrash tanhumah permettent de confirmer que comedie du mariage est specifiquement juive. A la principale interrogation posee ici a savoir : comment ce drame en langue hebraique a-t-il pu voir le jour, un element de reponse est apporte par la tradition humaniste dont peut se prevaloir yehudah somo, auteur celebre d'un ouvrage theorique sur sa pratique en tant que dramaturge dans la double acception de ce terme : ainsi l'etude des quatre dialogues en matiere de representation theatrale permet-elle d'etablir que somo a du faire jouer comedie du mariage. Sa familiarite avec les grands textes dramatiques de la renaissance italienne se revele a travers la transposition qu'il en afaite dans son drame hebraique : la structure de la piece comme la typologie des personnages evoquent indubitablement la commedia erudita, la commedia dell'arte mais aussi les moralites du moyen age. Cette etude se conclue par la perspective imaginaire d'une mise en scene de la piece a laquelle invitent les precieuses indications dramaturgiques (eclairage, decor, elements architecturaux, direction d'acteurs) des quatre dialogues en matiere de representation theatrale.