Dissertations / Theses: 'Théâtre – Aspect social – Cuba'

1

Nardo, Flavia. "La "cubanía théâtrale" : la spécificité du théâtre cubain de 1959 à nos jours." Phd thesis, Université de Strasbourg, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00809641.

Full text

Abstract:

Il est très délicat de parler " d'identité " cubaine sans la problématiser, la nuancer ou la circonstancier. Cuba est pourtant une île fouettée par des courants venus de tous les horizons, un creuset où se sont mêlées les cultures qui semblent définir son caractère propre. Le cas du théâtre est un exemple incontestable. Le théâtre cubain est un art plus ou moins sinistré à l'intérieur même de ses frontières. Mais après la révolution il commence à renaître. Le théâtre cubain a accompagné l'histoire de la révolution cubaine au milieu d'un siècle de grandes guerres et de mouvement de libération nationale. L'éclosion des années 1960 paraît ainsi être l'apogée de l'écriture dramatique cubaine, et la représentation dans le pays, de ce fait, le théâtre cubain rencontre une spécificité propre à l'intérieur et en dehors de l'île. Les dramaturges cubains représentent dans leurs œuvres la thématique cubaine dans et en dehors de l'île, intimement lié à la circonstance politique révolutionnaire et à ses conséquences dans la famille cubaine et l'individu. Tout ceci participe du " cubain ", autant d'exemples qui montrent la difficulté de parler d'un théâtre cubain. Il n'y pas qu'une seule façon de faire du cubain, car chaque auteur, chaque histoire est différente et implique différentes manières de percevoir " la cubania ", que ce soit dans l'aspect comique, tragique, réaliste, " absurdiste " ou politique, la spécificité de l'île est bien là.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

2

Graber, Nils. "La vacuna, une innovation cubaine : immunothérapie du cancer, essais cliniques et soins primaires aux marges de la globalisation." Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0122.

Full text

Abstract:

Depuis son émergence dans les années 1980, l’industrie des biotechnologies de Cuba développe des médicaments destinés à la fois à être exportés et à alimenter le système de santé national. Parmi les projets d’innovation, l’immunothérapie du cancer détient une place centrale. Ce domaine de la thérapie anticancéreuse est centré sur la mobilisation des mécanismes immunologiques pour tenter de détruire ou d’endiguer la tumeur. Depuis 2010, plusieurs traitements sont rendus accessibles à large échelle dans le pays par la mise en œuvre d’essais cliniques étendus aux centres de santé primaire, les polycliniques, où travaillent notamment des médecins généralistes. Outre la politique d’accès, l’objectif de cette intervention est d’évaluer la transformation du cancer (avancé) en une maladie chronique. Il s’agit d’un dispositif tout à fait inédit. Sur le plan international, si l’immunothérapie du cancer figure aussi parmi les domaines les plus à la pointe de l’oncologie, il s’agit de traitements particulièrement chers, dont l’accès, réservé au niveau hospitalier, se heurte à des problèmes de financement. Associant observations ethnographiques et études des réseaux de collaboration, ce travail explore le processus d’innovation en immunothérapie du cancer à Cuba dans la tentative de conciliation de la politique industrielle et des objectifs de santé publique. En mobilisant le terme local de vacuna employé pour se référer à ce type de traitement, il s’agit d’interroger la spécificité épistémique et les multiples compréhensions de l’immunothérapie du cancer, entre chercheurs industriels, oncologues et professionnels de la santé primaire. La vacuna prend forme au travers de pratiques, ancrées dans les institutions publiques, visant constamment à concilier des dimensions en tension, entre objectifs économiques et de santé publique, biomédecine et soins primaires, entre suivi des normes globales et prise en compte des particularités locales, ce qui est source d’innovations multiples et modulables, susceptibles de circuler dans les pays du Sud et du Nord
Since its emergence in the 1980s, the Cuban biotechnology industry has developed pharmaceuticals designed to both export and integration into the national health system. Among innovative projects, cancer immunotherapy stands as one of the main areas. This domain of cancer therapy attempts to act upon immunological mechanisms to destroy or contain the tumour. Since 2010, some of these treatments have been made accessible for a wide-spread use in the country through the implementation of clinical trials expanded to primary health centres, called polyclinics, where notably general practitioners are working. The aim of this intervention is to transform (advanced) cancer into a chronic disease. It is an unprecedented intervention. At the international level, where immunotherapy also stands as a cutting-edge oncology treatment, these new drugs are only available at the hospital level, and wide access is threatened due to high prices. Combining ethnography with the study of collaborative networks, this work explores the innovation process in the development of cancer immunotherapy in Cuba, in its attempts to conciliate industrial policies and public health goals. The use of the local term vacuna is part of an examination of epistemic specificity as well as of the multiple understanding of cancer immunotherapy among industrial researchers, oncologists and primary healthcare professionals. The vacuna is taking shape through practices embedded within public institutions, which attempt to constantly conciliate conflicting dimensions, between economic and public health goals, biomedicine and primary care, respect of global norms and attention to local particularities, which is a source of multiple and modular innovations, likely to circulate among both global South and global North

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

3

Boukadida, Ridha. "Le théâtre tunisien face à la modernité : la scène dans une société en mutation." Paris 10, 2003. http://www.theses.fr/2003PA100182.

Full text

Abstract:

Les pratiques théâtrales en Tunisie, le secteur artistique, le domaine culturel en général dégagent un état de déception chronique, congénitale touchant la sphère des arts dans sa totalité : structures de production, producteurs, structures de tutelle administrative, institutions de diffusion, critiques, publics, financement, créativité, consommation, formation et recherche scientifique. Comment comprendre et tenter d'expliquer, d'un point de vue critique, cet état sans se rendre compte que la formation sociale tunisienne subit depuis la fin du XIXème siècle une domination extérieure qui s'exerce sur les domaines névralgiques : l'économie, la politique, la défense, et le savoir. Une société en mutations profondes, mutations en contradiction avec de lourdes traditions d'immobilisme et de contre-réformes, mutations qui suscitent des déséquilibres stables, des tensions sourdes et un abandon pathogène de la pensée, une démission complice face au présent à confronter, pour un passé en ruine sectionné, bricolé, redoré ou enseveli, et pour un futur hypothétique, hypothéqué, et en hypostase. Faire l'histoire de l'individu dans cette formation sociale éclaire la question hors du domaine de la psychologie. Rappelons enfin, que cette déception, appelée désenchantement nous a été éloquemment transmise, entre autres de ses expressions, par la littérature moderne occidentale, puis latino-américaine. Nous participons donc d'un mouvement de plus en plus universel, contre la globalisation, dans l'espoir d'ouvrir un oeil plus vigilant sur ce que nous endurons, artistes et chercheurs en ce monde de plus en plus apocalyptique
Apart from political propaganda, the Tunisian theatrical practices, artistic field and cultural sphere are deceptive and source of inborn lingering "living" difficulties which affect the sector in all its aspects: producers, production facilities, administrative supervision, critics and audience, financing, creativity, accomplishment and scientific research and training. It'd be difficult to understand and critically decipher the scene without taking into account the formation of the country's social strata, having been subject to foreign hegemony affecting the most sensitive areas: economy, politics, defence and knowledge. A society characterized by deep mutations in total contradiction with ultra conservative trends that are in opposition to progress and rohich have resulted in steady imbalances, unerupted tensions and sickly neglect, withdrawal of a present to be confronted and held under control for the sake of a vaguely reshaped reornamented past and for a hypothetical risky future in hypothesis. Let's finally bear in mind that such a deception called disenchantment, has eloquently been transmitted for us, among others of its expressions, by modem western literature then by Latin American one. We, artists and researchers, partake of a more and more universal movement with the hope to open a more watchful eye on rohat we are enduring in this apocalyptic world

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

4

Scherer, Marie-Catherine. "L' individu et le Nous dans le cinéma cubain (ICAIC 1960-2002) : mise en dialogue des discours fictionnels, personnels et officiels." Paris, EHESS, 2013. http://www.theses.fr/2013EHES0547.

Full text

Abstract:

Cette recherche émet le postulat que les expressions cinématographiques et plus particulièrement les films de fiction constituent un terrain de recherche de grand intérêt car permettant de découvrir et d'analyser des aspects de l'imaginaire véhiculé au sujet de la société, de son histoire et de la vie au quotidien. Dans le contexte cubain, la question de la représentation dynamique de la relation entre l'individu et le "Nous" (l'entité collective de référence) s'est révélée cruciale. Selon l'idéologie révolutionnaire, tout individu était appelé à s'engager activement pour la construction d'une société nouvelle qui offrirait enfin à tous la possibilité de s'épanouir individuellement et collectivement. Cependant, les profonds bouleversements internationaux au début des années 1990, entraînant une crise socio-économique sans égal, ont modifié le rapport de l'individu à la société environnante. Grâce à l'analyse d'une quarantaine de films de fiction et de leur mise en dialogue avec les divers dicours personnels, officiels et théoriques, cette recherche pose la question de savoir de quelle façon cette relation entre l'individu et le Nous a été représentée à partir des années 1960 et particulièrement depuis les années 1990. Sur quelles références - idéologiques, culturelles, affectives - le sentiment d'appartenir à un Nous doit-il et peut-il s'appuyer afin de continuer à faire sens ? Comment le Nous est-il imaginé afin de répondre à le revendication actuelle d'inclure d'une façon égalitaire la diversité des individus?
This research postulates that cinematographic expression, and especially fiction films, constitutes a highly interesting field of research, since it allows for discovery and analysis of aspects of the imagination regarding the society, its history and the daily life of its people. Regarding the cuban context, the question of the dynamic representation of the relationship between the individual and the "We" (the collectif entity of reference) appears to be crucial. According to revolutionary ideology, each individual was called upon to engage actively in the construction of a new society that would finally give everyone the opportunity to be fulfilled both individually and collectively. However, the profund national and international changes occuring at the beginning of the 1990s, generating a social and economic crisis that had never seen before, modified the individual's relationship with the surrounding society. Through the analysis of over forty fiction films and their connection with various personal, official and theoretical discourses, this survey examines how the relationship between the individual and the We has been represented since the 1960s and especially since the 1990s. What references - ideological, cultural, affective - can and must the sense of belonging to the We rely on in order to continue making sense? How is the We being imagined so as to answer today's demand to include, in an egalitarian way, the diversity of individuals?

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

5

Chabot, Véronique. "Le théâtre de l'extrême contemporain dans la société : Obsolescence et légitimité." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1995PA030106.

Full text

Abstract:

Au crepuscule du xxe siecle, a l'ere technologique de l'interconnexion, de la mediatisation et de l'internationalisation, quels sont la place et le role du theatre dans la societe ? sur bien des aspects, le theatre apparait comme un art du passe qui ne repond pas aux exigences de l'homme d'aujourd'hui et son public est tres minoritaire. Mais, ne suivant pas les caracteristiques generales de l'evolution de la societe, il peut presenter une alternative aux valeurs qu'elle nous impose et trouver sa legitimite. La recherche porte sur le theatre des dix dernieres annees et s'appuie sur une connaissance directe de spectacles appartenant au champ esthetique que l'on peut qualifier, apres georges banu, d'extreme contemporain. Il s'agit d'artistes qui, comme jan fabre, reza abdoh ou francois-michel pesenti, ont cherche a remettre en cause et a renouveler les codes du theatre. La societe est etudiee a partir des analyses des philosophes contemporazins, notamment jean baudrillard, felix guattari et gilles lipovetsky. A l'ere de la production "machinique" de subjectivite et de la societe du spectacle, le theatre propose une experimentation de la perception et une decouverte de l'extreme subjectif. Contre la predominance de l'image, il oppose l'experience emotionnelle de la reception. Par son existence meme, il constitue un espace de resistance au nivellement de l'imaginaire social. Dans une societe qui a perdu ses racines et son centre, on redecouvre la fonction mythologique du theatre. Cet art est l'endroit de l'insatisfaction, de l'insoumission, de la critique et de la vigilance. Au niveau politique, l'engagement contemporain est loin de l'engagement bruyant des annees soixante et soixante-dix. Le theatre engage ne sort plus du champ artistique. Il ne charche plus a prendre la place du politique mais a reveiller les consciences et a attiser le desir d'etre au monde dans le respect de l'alterite
At the twilight of the xxth century, in an era of technological interconnectioins, mediatisation and internationalisation, what are the place and the role of theatre in society ? on many levels, theatre appears as an art belonging to the past, not fitting man's current requirements. Its public is a tiny minority. But, as theatre doesn't adopt society's evolutionary characteristics, it can propose alternatives to the values society imposes on us. Here it finds its legitimacy. This research is about theatre over the last ten years and is based on first hand knowledge of performances belonging to the aesthetic field that georges banu calls "extremely contemporary". It concerns artists like jan fabre, reza abdoh or francois-michel pesenti, who have tried to question and to renew theatre's codes of conduct. A study of society is made through the analyses of contemporary philosophers, especially jean baudrillard, felix guattari and gilles lipovetsky. At a time of machine-like production of subjectivity and in the era of the "spectacle society", theatre experiments with the perception and offers the chance to discover the extreme subjectiveness. To the predominance of the image, it opposes the emotional experience of reception. Its own existence leaves room for resistance to a levelling out of social imagination. In a society that has lost its roots and its centre, one can discover anew the mythological function of theatre. This art is a place for dissatisfaction, insubordination, criticism and vigilance. On a political level, today's commitment is very far from the tumultuous commitment of the sixties and the seventies. Nowadays, commited art doesn't wander from the artistic field. It doesn't aim to change places with politics but aims to awake counsciousness and a desire to be in a world where "otherness" is respected

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

6

Leclercq, Etienne. "La cérémonie du rire : pour une socio-anthropologie de la théâtralité des rapports sociaux et des rites." Paris 5, 1995. http://www.theses.fr/1995PA05H010.

Full text

Abstract:

Le propos théorique se fonde sur une observation participante d'un réseau de compagnies théâtrales, produisant des spectacles humoristiques et muets. Pour nous, la soirée au théâtre représente un lieu privilégié de la production de la théâtralité des rapports sociaux, dont la modélisation peut être appliquée à d'autres domaines. Il ressort de notre étude que, contrairement aux hypothèses d'E. Goffman et V. Turner, la théâtralité des rapports sociaux ne résulte pas seulement des interactions individuelles, mais aussi de la dynamique collective inscrite dans les villes, les réseaux d'artistes, et les normes protocolaires de la soirée au théâtre
The study is based on a systematic observation of humoristic and silent shows. The thesis positively states, in opposition to E. Goffman and V. Turner, that the theatrality of social relationships is not only the result of the individual interactions but also of the collective dynamic included in the cities, the networks and the formal tradition of the theatre

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

7

Coquelin, Jean-Yves. "Les partenaires de la création theâtrale : approche réticulaire." Bordeaux 3, 1998. http://www.theses.fr/1998BOR30011.

Full text

Abstract:

La recherche esthetique, au theatre, repose sur l'elaboration d'un cadre integrant la totalite des processus artistiques, sociaux, economiques et politiques en dehors duquel l'objet d'art n'est porteur d'aucun sens. Pour saisir les enjeux des pratiques theatrales aujourd'hui en france, il est necessaire d'apprehender tous les phenomenes concourant a la creation. En posant l'hypothese que les partenaires de la sphere theatrale forment un reseau constitue de quatre champs subdivises en neuf categories - le texte (auteurs et editeurs), la scene (metteurs en scene, acteurs et directeurs), la salle (medias et public) et les finances (producteurs prives-mecenes et pouvoirs publics) -, les responsabilites fonctionnelles de chacun peuvent etre mises a jour. L'etude des influences (stimulations, selections, flux financiers) et des dependances permet de schematiser un systeme interactif complexe caracterise par un desequilibre prejudiciable a la qualite de la recherche esthetique. La modelisation en manifeste les causes : malgre la constitution d'un secteur public (engagement de l'etat et des collectivites locales dans la decentralisation) et du fait de l'extreme precarite economique du spectacle vivant, le reseau est en effet sclerose par le prestige et le marketing. Leur suprematie se revele tant du cote des pouvoirs publics qui, dans un contexte de reduction des deficits publics, souhaitent, sur le modele du mecenat, maximiser la rentabilite de leurs investissements sans parvenir a affirmer leurs objectifs artistiques et sociaux, que du cote des medias, economiquement assujettis au vedettariat, et des directeurs artistiques lances dans une course aux subventions qui privilegie davantage la standardisation mediatique que l'accomplissement des missions de service public (democratisation et exigence artistique). Cette conjoncture a entraine une institutionnalisation de la creation, une devalorisation du travail a long terme, un renforcement du centralisme et de l'individualisation d'un art devenu accessoirement collectif. Il est urgent que le reseau retrouve un veritable dynamisme en replacant au coeur d'une pensee politique republicaine les propositions alternatives des compagnies d'une part, et d'autre part, les roles atrophies des auteurs contemporains, de la population et du systeme educatif
Research in the aesthetics of drama and theatre proceeds from the development of a framework which involves all artistic, social, economic and political processes without which the artistic object does not generate any meaning. To be fully aware of the challenges of theatrical practices in france today, every element that helps creation must be taken into consideration. Starting from the hypothesis that all the partners in the world of drama and theatre build a network made up of four parts divided into nine categories - the script (playwrights and publishers), the stage (actors, directors and managers), the house (media and audience), finance (private, sponsoring and patronage, government), the functional responsibilities of each partner can be brought to light. Studying the influences (stimuluses, selections, money flows) and mutual dependencies helps to draw up a complex, interactive system characterised by an imbalance that is prejudicial to the quality of aesthetic research. The building of a model reveals the causes : in spite of a state-aided sector (local authorities and central government involved in the decentralisation process) and because of the native economic fragility of the living performing arts, the network is seriously affected by prestige and marketing which reign supreme over the state side - with a reduction of public deficits it hopes (following the patronage model) to improve the profitability of investment without defining clearly its artistic and social aims -, over the media, economically dependent on the star syndrome and over artistic directors involved in the funding race which entails a strong media standardisation rather than the carrying out of a public service (democratisation and high artistic standards). This situation has resulted in the development of an established type of creation, the depreciation of long term work, the strengthening of centralisation and an ego-based art that has become only marginally collective. It is urgent that the network should recover its former aggressiveness by reinstating at the heart of a genuine republican political way of thinking, the alternative proposals of theatrical companies on one hand and the reduced role of contemporary playwrights, the public and the education system on the other

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

8

Vincent-Winogradoff, Cécile. "Le rôle philosophique du théâtre : éprouver et penser." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010698.

Full text

Abstract:

Le rôle philosophique du théâtre : éprouver et penser vise à montrer comment philosophie et théâtre se retrouvent dans une quête commune de vérité. En nous basant sur une démarche empiriste, nous voyons comment au théâtre comme en philosophie, il s'agit avant tout d'interroger la réalité perçue et de proposer différentes orientations, en sachant que le théâtre suscite d'abord une expérience vivante et sensible bien qu'imaginaire. La problématique est: en quoi l'imaginaire théâtral et le travail corporel qu'il implique constituent-ils des éléments essentiels de la (ou d'une) recherche rationnelle de vérité ? Eprouver signifie à la fois faire l'expérience de, mais aussi sentir par la. Sensation et par l'émotion. L'expérience sensible génère une pensée car le spectateur est amené à. Chercher à comprendre ce qui se joue sur scène. Plan: I-L’imagination créative au théâtre. IIL'expressivité du corps de l'acteur et la pensée physique. III- Le théâtre et l'imaginaire socio-politique

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

9

Suréda, François. "Théâtre et société à Valencia au XVIIIe siècle (1705-1779)." Perpignan, 1987. http://books.openedition.org/pupvd/33344.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

10

Dubois, Jérôme. "La mise en scène du corps social : contribution aux marges complémentaires des sociologies du théâtre et du corps." Paris 5, 2005. http://www.theses.fr/2005PA05H060.

Full text

Abstract:

Malgré le diagnostic de Lipovetsky, qui dans les années 1980, constata la désaffection générale envers les institutions de la modernité, il est possible d'envisager la vitalité du corps social via les formes de socialisation. Or, il est une activité symptomatique de ce rapport labile à l'institution: le théâtre allie loisir et travail, il fait appel à la présence effective du corps en situation, s'interdit toute division aliénante du travail puisque le résultat advient lors de la représentation qui rassemble tous les corps de métiers. Aussi, nous considérons le monde du théâtre comme paradigmatique de cette tendance à rebours des institutions établies. Dans cette perspective, nous abordons diverses théâtralisations à travers des études de cas qui présentent des ruptures avec le théâtre institué tout en faisant appel aux catégories et principes qui gouvernent le cadre théâtral, afin de dégager les éléments d'une mise en scène - parmi d'autres - du corps social
Accepting the diagnosis of Lipovetsky who, in the 1980's, noticed the general abandon of the institution of the modernity, it is possible to envisage a revitalisation of the social body by forms of socialization. Exists an activity which is symptomatic of this kind of relation between subjects and institutions: theatre joins together leisure and work, it appeals to the actual presence of the body in situation and forbids any alienating division of the work as the result of this work takes act of the representation which gathers together all corporate bodies. So, we consider the world of theatre as the pradigm of this tendency. Our work approches this kind of modulations of theatralization through case studies. Referring to the theatrical frame, our work presents cases that constitute a rupture with the established theatre while, at the same time, they appeal to categories and principles which govern theatre, in order to clarify the elements of a stage setting - among others - of social body

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

11

Yao, Wen-Chian. "Une nouvelle page de l'histoire théâtrale chinoise - le petit théâtre de Taiwan dans les années 1980 : discussion autour de sa naissance, de son essor, du contexte politique et social de sa création et de son avenir." Aix-Marseille 1, 2007. http://www.theses.fr/2007AIX10069.

Full text

Abstract:

Cette thèse est une étude sur le phénomène du "petit théâtre" taiwanais des années 1980, focalisée sur son origine, son développement et son déclin. On commence par une introduction concise de la société taiwanaise qui aide à comprendre les origines et la signification du "petit théâtre". On étudie ensuite le théâtre expérimental apparu vers la fin des années 1970 et qui a préparé le terrain pour le "petit théâtre". Le troisième chapitre est consacré à la première génération du "petit théâtre" de 1980 à 1985 et le quatrième chapitre à la deuxième génération du "petit théâtre" taiwanais de 1985 à 1990 avec des discussions plus détaillées sur les trois groupes principaux de ce temps. La conclusion contient quatre parties : une définition du "petit théâtre", une discussion sur les influences éventuelles du théâtre moderne occidental, la situation difficile et la future évolution du "petit théâtre" taiwanais

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

12

Kinkeu, Martin Honoré. "L'Etat et le théâtre au Cameroun : 1960-1992." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100101.

Full text

Abstract:

Quelle est la contribution de l'Etat au développement du théâtre au Cameroun? La présente thèse tente de répondre a cette question en l'examinant sous deux angles : la politique culturelle de l'Etat a la lumière des conditions d'existence des troupes ; la formation des interprètes et l'infrastructure théâtrale, il découle de cette analyse fondée sur des exemples précis y compris ceux de nombreux pays africains que la participation de l'Etat camerounais au rayonnement du théâtre est insignifiante au regard de la réalité théâtrale de 1960 à 1992. Parce que le théâtre est à la fois un fait social, économique et politique, notre conclusion s'efforce de montrer que la démocratie est au cœur de tout procès dramatique, de tout phénomène culturel. Dans le sens de l'amélioration du rôle de l'Etat, nous suggérons une politique d'un théâtre sans politique en même temps que nous nous interrogeons sur le nouveau ministère de la culture déjà dépasse par les évènements avant même sa création
What’s the state's contribution to the development of theatre in Cameron? The present thesis tries to answer this question by examining it under two points of view: the state cultural politic under the light of troups'existence conditions, the comedians teaching and the theatric infrastructure. It follows from this analyses based on accurate examples and those from many African countries that the state's participation to the theatre's development is very insignificant concerning the dramatic reality from 1960 to 1992. Because theatre is a social, economic and political fact, our conclusion strives to show that democracy concerns all dramatic act, all cultural phenomenons. In the same point of view to improve the state's roll, we suggest a politic of that is without politic but in the same time we interrogate the creation of the ministry of culture since 1992

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

13

Huapaya, Cesar Augusto Amaro. "L'utilisation des matrices rituelles afro-amérindiennes dans le processus créatif du théâtre expérimental capixaba (Vitoria, Espirito santo, Brésil)." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082120.

Full text

Abstract:

Cette thèse porte sur le processus de création caractéristique du groupe de Théâtre Expérimental Capixaba (Vitória, Espírito Santo, Brésil), en analysant ses techniques du corps et ses relations avec les candomblés et la société brésilienne. Depuis vingt-cinq ans celui-ci assure un travail de recherche et de résistance contre la dictature (politique et économique) dans le pays. Elle rend compte de son passage d'un engagement politique militant sous-tendu par une esthétique théâtrale d'inspiration européenne au temps de la dictature militaire à un militantisme social, culturel et économique, sous-tendu par une esthétique théâtrale inspirée des pratiques des candomblés afro-amérindiens. Au Brésil les multiples formes de pratiques performatives (candomblé, congo et carnaval) constituent des expériences de vie individuelle et une action politique, corporelle et performative dans le quotidien du performer. La manifestation individuelle contribue pour une part déterminante à la fabrication et à la construction de la réalité. L'axé est la fontaine et la force vitale (réinventée) de tout processus créatif du groupe avec sa théorie du Performer Iaô. Le Performer Iaô suit le principe même du candomblé et des rituels, à savoir qu'il développe toutes les possibilités du performer, tant sur le plan esthétique que comme expérience personnelle. De même que dans le candomblé, le performer cherche à intervenir sur sa propre réalité en développant ses caractéristiques personnelles, le Performer Iaô va agir sur sa réalité, la modifiant et agissant corporellement sur son temps présent. Les pratiques performatives et corporelles du groupe de Théâtre Expérimental Capixaba avec la société brésilienne sont de réinvention, une construction imaginaire, sociale, politique et individuelle d'une génération qui a cherché à construire dans la crise " économique ", " politique " et " existentielle " du Brésil une forme d'art performatif d'intervention. Comme réponse à cette crise, ils interfèrent dans la réalité et l'existence quotidienne de l'individu et dans l'espace-temps performatif (l'intimité, le privé, le public)
This thesis deals with the process of creation, which characterizes the group of experimental theatre called Capixaba (Vitoria, Espirito Santo, Brazil). This work analyses its body technics and its links with the different kinds of candomblé and with the Brazilian society. The group has been doing research and has been engaging in resistance against the political, economical dictatorship in Brazil for 25 years. The thesis points out the group's evolution from a militant political commitment characterized by a theatrical aesthetic in the European style during the militarian dictatorship to a social, cultural and economical militancy defined by a theatrical aesthetic inspired by Afro-Amerindian candomblé's practices. In Brazil, the various kinds of performative practices (candomblé, congo and carnaval) represent both some experiences of individual life and some political, bodily and performative action in the performer's day life. The individual exhibition (or work) mainly contributes to the making and construction of reality. The axé is the source and the vital strength of any creative process of the group through its theory called Performer laô. The Performer laô's principles are similar to those of candomblé and rituals, insofar as it develops every performer's ability both on aesthetic and inner experience level. Exactly like in the candomblé, in which the performer aims at changing its own reality by developing its personal abilities, the Performer laô changes its reality and present time through body performances. In Brazilian society, the performative and body practices of Capixada experimental theatre's group constitute a re-creation and an imaginary, social, political and individual construction of a generation which aims at creating a form of "active" performing art in "economical", "political" and "exsitential" crisis. To react against the crisis, they interfere in reality, individual daily life and performative space-time (intimacy, private and public life)

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

14

Labrouche, Laurence. "Le parcours théâtral d’Ariane Mnouchkine : théories et pratiques du théâtre du soleil 1969-1994." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100194.

Full text

Abstract:

D’Ariane Mnouchkine. Il ne s'agit pas d'un historique exhaustif de ces trente années d'existence du théâtre du soleil. L'élaboration d'un théâtre historique (analyse du répertoire): depuis le début des années 70, la scène du soleil est celle de l'histoire. "Nous voulons raconter l'histoire de notre temps pour la faire avancer, si tel peut être le rôle du théâtre", écrivait Mnouchkine en 1975, théâtre de l'histoire c'est-à-dire théâtre de l'engagement et de la prise de conscience. Entre les années 70 et les années 80, il passe du politique a l'éthique, de la peinture des mécanismes sociaux à celle de l'âme, du collectif a l'individuel, de l'appel à la conscience de classe à l'appel à la conscience, du citoyen au sujet. Mais de 1789 aux Atrides, ce théâtre entend mener une réflexion sur le passe et le présent qui se pose du cote de l'analyse du jeu des pouvoirs, de la légitimité, de l'oppression, de l'injustice, en s'attachant à œuvrer à la prise de conscience vis-à-vis de la mise en place d'un système extérieur et ou intérieur au sujet. Il parle du renoncement ou de la résistance de l'humanité face à cet ordre établi et de sa puissance, force potentielle et peut-être formidable, de modifier le cours des choses. Le théâtre de Mnouchkine veut nous faire entendre le grand récit de la liberté, de la fécondité, de la responsabilité de chaque individu face au monde et de la nécessité, de la difficulté et du bonheur de les assumer toutes, la grande geste des hommes et des femmes en travail de leur vie. La scène du mythe (analyse de la scénographie): la recherche de Mnouchkine est celle d'un "théâtre théâtral". S'inscrivant dans un rapport vivant à la tradition, son théâtre revisite le clown, le masque et les formes orientales (kabuki, kathakali, topeng. . . ), à la recherche d'une "grammaire" propre au théâtre.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

15

Fofié, Jacques Raymond. "Individu et société dans le théâtre camerounais." Bordeaux 3, 1989. http://www.theses.fr/1989BOR30048.

Full text

Abstract:

Trois grands groupes sociaux parfois antagonistes se distinguant par leur pouvoir financier apparaissent dans le theatre camerounais : le groupe des individus les plus aises, le groupe des individus moyennement aises et le groupe populaire pauvre. Ce theatre presente un certain nombre d'institutions caracterisees par leur recurrence dans les oeuvres : l'administration, la justice, la loi, l'education, le mariage, la politique. De l'etude de ces groupes et de ces institutions on decouvre qu'on a affaire a une societe dualiste, c'est-a-dire a la fois traditionnelle et moderne, mais qui tend vers une societe-synthese. Face a une telle societe les individus reagissent differemment : les uns tels que le boy, l'enfant naturel et la femme apparaissent comme des victimes resignees ou luttant pour une meilleure integration sociale, les autres tournent le dos a leur societe, tendent vers l'occident, font du snobisme social, deviennent des fossoyeurs de leur societe. D'autres encore deviennent des individus deviants, deviants destructifs ou deviants constructifs. Il y a donc conflit entre l'individu et la societe. L'image que donne les oeuvres dramatiques est celle d'une societe atteinte dans son ame et qui a besoin de refection. Cette refection passera necessairement par la redynamisation de certaines valeurs telles que l'amour, la generosite, une justice veritable, la democratie, la liberte, la solidarite. Le theatre camerounais d'abord concu comme ethique, didactique, socio-politique avant de l'etre comme esthetique, et qui est en soi une valeur, s'attelle a cette tache par tous les moyens. Il est un message d'humanis
Three important social groups often antagonistic and distinguishable by their financial power appear in cameroonian theatre: the upper, the middle and the lower groups. This theatre shows a certain number of institutions characterized by their frequent recurrence in the plays: public administration, justice, law, education, marriage and politics. From the study of these social groups and institutions one discovers that the society is dualist, i. E. Both traditional and modern. Its target is a synthesis. In the face of such a society individuals react in various ways. Some like the houseboy, the natural child and the woman appear as resigned victims or victims fighting for a best social integration. Others turn their back to the society, admire the west, become social snobs or grave-diggers of their society. Some become positive or negative deviants. Therefore there is a conflict between the individual and society. Finally, the image of the society drawn from the plays is that of a society whose bases have been destroyed and that needs to be rebuilt. This will be done through redynamisation of values like love, generosity, true justice, democracy, freedom, solidarity. One notices that in its conception cameroonian theatre lays more emphasis on ethics than on aesthetics. For cameroonians it is a value. It tries to rebuild the society by all means. As a whole it is a message of humanism

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

16

Talbot, Armelle. "Théâtres du pouvoir, théâtres du quotidien : nouvelles économies du visible dans les dramaturgies des années soixante-dix." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030114.

Full text

Abstract:

Comment donner à voir un pouvoir qui ne s’impose plus de l’extérieur à ses sujets ? Au prix de quels aménagements le drame peut-il représenter les infimes procédures par lesquelles le pouvoir informe nos gestes et nos paroles ? Partant de la nouvelle économie de la visibilité des rapports de force sociaux diagnostiquée par Michel Foucault, notre recherche analyse les modalités selon lesquelles les dramaturgies des années 1970 ont expérimenté la “réalité sans corps” du pouvoir contemporain. De fait, qu’il s’agisse de l’entreprise menée par Franz Xaver Kroetz, Rainer Werner Fassbinder et Martin Sperr pour rénover le Volksstück, du mouvement créé par Jean-Paul Wenzel et Michel Deutsch sous le nom de “théâtre du quotidien”, ou encore des recherches de Michel Vinaver, nombreux sont les auteurs qui ont choisi de promouvoir l’ordinaire des gens ordinaires au rang d’objet théâtral digne d’être représenté, et d’en faire le lieu d’une micro-analyse des relations de pouvoir qui traversent l’ensemble du champ social. Renonçant à la publicité et à l’événementialité selon lesquelles se décline traditionnellement la représentation du pouvoir, engageant un changement d’échelle qui cherche à dessaisir le quotidien de sa familiarité et à solliciter notre activité critique, ces dramaturgies nous permettent d’interroger à nouveaux frais le devenir formel du drame. Mais c’est aussi la dimension politique du théâtre qu’elles invitent à questionner, dessinant, sous l’influence d’auteurs tels que Georg Büchner, Ödön von Horváth ou Marieluise Fleisser, le territoire méconnu d’une scène alternative, qui, sans tapage et par la bande, n’a cessé de s’engager dans l’Histoire
How can a power that is no longer imposed on its subjects from the outside be shown ? At the price of what adjustments can drama represent the minuscule proceedings by which power informs our actions and words ? Based upon the new economy of the visibility of the social relations of power diagnosed by Michel Foucault, our research analyzes the ways in which the dramaturgies of the 1970s have experimented with the “bodiless reality” of contemporary power. In effect, whether it is a matter of the endeavours of Franz Xaver Kroetz, Rainer Werner Fassbinder and Martin Sperr to renew the Volksstück, or of the movement initiated by Jean-Paul Wenzel and Michel Deutsch under the name of the “theatre of everyday life,” or of the research of Michel Vinaver, numerous authors have chosen to elevate everyday life to the dignity of a theatrical object worthy of representation, and to make it the site of a microanalysis of the relations of power that traverse the whole of the social field. Renouncing the public and historical character of traditional representations of power, initiating a change of scale that strives to rid the everyday of its familiarity and to solicit our critical activity, these dramaturgies allow us to question anew the formal becoming of the drama. But it is also the political dimension of the theatre that they prompt us to question, mapping, under the influence of such authors as Georg Büchner, Ödön von Horváth or Marieluise Fleisser, the unrecognized territory of an alternative scene, which, quietly and surreptitiously, has not ceased to be engaged with History

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

17

Hamidi-Kim, Bérénice. "Les cités du "théâtre politique" en France de 1989 à 2007 : archéologie et avatars d'une notion idéologique, esthétique et institutionnelle plurielle." Lyon 2, 2007. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2007/hamidi-kim_b.

Full text

Abstract:

L'enjeu du présent travail consiste à saisir les différentes significations que peut prendre, sur la période 1989-2007, l'expression "théâtre politique", aussi omniprésente dans la pratique et dans le discours des différents acteurs du théâtre – artistes, directeurs de théâtre, programmateurs, pouvoirs publics – que polysémique. Refusant une approche normative et téléologique, fondée sur un principe de dépassement chrono-logique d'une définition par une autre, et parce qu'il nous paraissait que coexistait sur cette période une pluralité mais non une infinité de significations à l'expression "théâtre politique", nous avons adapté à la sphère théâtrale un concept emprunté au champ de la sociologie, et plus précisément aux travaux de Luc Boltanski et Laurent Thévenot : le concept de "cité". Nous avons défini chaque "cité du théâtre politique" comme un discours théâtral cohérent, le terme discours recouvrant aussi bien les spectacles que les propos publics tenus par les artistes, par les pouvoirs publics et par la critique. Dans chaque cité, ce discours se fonde sur une vision du monde – induite par une conception spécifique de l'histoire et du politique – qui détermine une légitimation du théâtre et de l'artiste au sein du champ théâtral et au sein de la société. Nous avons distingué quatre cités du théâtre politique qui nous paraissaient actives sur cette période, quoiqu'à des degrés d'existence et de reconnaissance variables : la cité du théâtre postpolitique, la cité du théâtre politique œcuménique, la cité de refondation de la communauté théâtrale et politique et la cité du théâtre de lutte politique
This work, which focuses on the 1989-2007 period, aims at clarifying the various meanings of "political theatre", a highly polysemic notion, which has been used at every turn, both in the practice and in the discourse of the various players on the theatrical stage : artists, theatre managers, programme planners, state and local authorities. Rejecting a normative, teleological approach based on the assumption that in the course of time one definition will invariably be succeeded and superseded by a better one, we started instead from our observation that in the past 20 years, the phrase "political theatre" has been subjected to a fairly large but by no mean unlimited number of simultaneous interpretations. This is why we adapted for the theatrical sphere a concept borrowed from the field of sociology, and more precisely from the works of Luc Boltanski and Laurent Thévenot, the concept of "cité". We then proceeded to define each of the "cités" comprising political theatre as a coherent theatrical discourse, and by this word we mean not just the shows but also the public statements made by artists, critics and officials. This discourse is based on a certain ideology, itself stemming from a specific conception of history and policy, and results in a legitimation of the theatre and of artists, both in the theatrical field and in society at large. We have identified four different "cités" of "political theatre" which have coexisted and achieved recognition over the past two decades, though with varying degrees : the city of postpolitcal theatre, the city of oecumenical political theatre, the city of the radical reform of the theatrical and political community, and the city of political struggle theatre

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

18

Verdier, Anne. "Poétique de l'habit de théâtre en France (1606-1680) : contribution à l'histoire du vêtement." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100045.

Full text

Abstract:

Cette thèse se propose d'apporter une contribution à l'histoire du vêtement et à l'histoire du théâtre, en prenant comme objet d'étude un vêtement particulier,le costume de théâtre porté sur les scènes de la ville au XVIIe siècle, afin d'en établir la spécificité. Elle rappelle d'abord le contexte de la société des apparences qui a ses vêtements spécifiques dont le port est codifié et réglementé par la loi. Cette conception générale du vêtement sert de cadre pour appréhender plus spécialement la question du costume de théâtre et celle de sa mise en concurrence avec le vêtement social. L'étude s'organise ensuite autour de trois axes et la méthode se veut résolument transversale. .
This dissertation purports to contribute to the history of dress and the history of drama by examining a particular type of dress, i. E. , that worn on the urban stage in the 17th century, in order to establish its specificity. The first section of the dissertation will address the context of a society based on appearances, and characterized by specific dress will serve as the conceptual framework within which to focus more specifically on the question of the theatrical costume, and on that of its competing with the social costume. .

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

19

Saneh, Lina. "La crise du théâtre au Liban entre le politique et le religieux." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030074.

Full text

Abstract:

Que le théâtre soit en crise est une chose et que la représentation soit impossible à actualiser en est une autre. Dans la première partie, nous étudions les conditions historiques et polémiques de l'émergence du théâtre au Liban et dans le monde arabe, les problèmes d'identité, d'authenticité et de modernité qui affrontèrent les artistes arabes dès les débuts de leur pratique, et les raisons, essentiellement religieuses, données comme causes de l'absence historique du théâtre dans cette région. Mais la crise du théâtre n'est-elle pas due aussi au positionnement de nos artistes par rapport au théâtre, au monde et à la vie en commun ? L'étude des thématiques des pièces autoréflexives auxquelles ont eu recours nombre d'artistes libanais (telle la critique du théâtre et du pouvoir) ne pourrait-elle par ressortir des contradictions internes qui empêcheraient l'actualisation de la représentation ? Une vision religieuse et archaïque du monde alentour n'est-elle pas en contradiction avec cette pratique politique et “laïque” qu'est le théâtre ? C'est ce que la deuxième partie analyse longuement
There is a big difference between the fact that theatre is in crisis and that representation is impossible to actualize. The first part of this study presents the historical and polemic conditions behind the emergence of theatre in Lebanon and the Arab world, the concrete problems of identity, authenticity and modernity with wich Arab artists have been confronted since the very beginning of their practice and the causes for the historical lack of theatre in this region. But beyond such discourse, wouldn't the crisis of theatre be due to the positioning of our artists towards theatre, the world and communal life as well? The second part of the study is about specific questions such as: Couldn't the study of the auto-reflective plays' themes to which several Lebanese artists resort (such as the critique of theatre and power) isolate internal contradictions that impede the actualization of representation? Isn't a religious and archaic vision of the surrounding world in contradiction with this political and " laic " practice that theatre is?

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

20

Cardot, Nathalie. "Art théâtral et/ou théâtralisation de la société : vers une sociologie de la formation théâtrale du comédien décentralisé." Besançon, 2002. http://www.theses.fr/2002BESA1030.

Full text

Abstract:

Ce travail traite de la formation du comédien de théâtre en région et ce, par l'approche d'une formation universitaire le Deust à Besançon en association avec le centre dramatique national. En accord avec la sociologie de Jean Duvignaud nous considérons le théâtre comme un art source d'informations sur l'état de la société et en perpétuelle interaction avec celle-ci. C'est pourquoi, nous avons effectué un historique relatant les rôles et fonctions du comédien. De l'acteur grec au contestataire du XXème siècle, chaque époque modèle un statut à cet artiste atypique. Guidé aussi par différentes conceptions de mise en scène, il devra adapter son comportement scénique à ces divers facteurs. Artiste, terme problématique en référence aux thématiques du don et de la vocation qui plus est singulier puisque son oeuvre est reproductible et éphémère, il devra justifier d'une technicité de jeu apprise pour accéder au rang des professions. Les entretiens, méthode d'enquête utilisée, ont montré que la constitution de réseaux de connaissances semble première et le rôle du CDN comme garant de la formation, vital. L'apprenti comédien doit s'engager dans un chemin réglementé où les diverses voies suivies : succession des formations, reconnaissance de celles-ci commandent l'espérance d'une intégration plus ou moins réussie telle que l'intermittence.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

21

Quintero, Pérez Ana Margarita. "La Havane, 1959-1979 : l'architecture sociale de la révolution cubaine : l'architecture face à l'histoire : de la quête d'une identité nationale à la standardisation de la construction." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010562.

Full text

Abstract:

À La Havane, l'architecture de la première moitié du XX siècle est marquée par I'influence des modèles étrangers, mais après la Révolution de 1959, elle connaît des changements significatifs, aussi bien sur le plan esthétique que technique. L'architecture va jouer un rôle déterminant dans la construction d'une nouvelle identité nationale. À Cuba, la volonté de reforme sociale a aboutit à I'emploi de la préfabrication à grande échelle et à la standardisation de l'architecture. Néanmoins, dans cette production massive, certaines oeuvres se démarquent par leur valeur culturelle et patrimoniale. Menée à travers des exemples de réalisations dans les domaines de l'éducation, du logement et des loisirs, cette étude s'intéresse également à l'évolution de la profession d'architecte et de I'enseignement de I'architecture à Cuba. Enfin, cette thèse tache d'analyser quelle forme de créativité reste possible dans un système économique étatique et centralisé qui privilégie une architecture sociale.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

22

Schenck, Cécile. "De la crise de l'homme moderne à la construction de l'homme nouveau dans les arts du spectacle (théâtre et danse) français et allemands des années 1880-1920." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030152.

Full text

Abstract:

Ma thèse porte sur l’utopie d’un Homme nouveau, censée remédier à la crise européenne de l’homme moderne apparue dès la fin du XIXe siècle, et sur les différentes conceptions du lien social rattachant l’individu à la collectivité dans deux domaines d’expression : le théâtre et la danse, dont les diverses manifestations dans le champ des arts du spectacle français et allemands reflètent un large spectre de significations esthétiques, morales, idéologiques et politiques, révélateur des profondes mutations culturelles des années 1880-1920. À un moment de grande effervescence politique et intellectuelle liée à l’Histoire européenne, artistes et intellectuels ne cessent d’invoquer la nécessité d’un changement radical de l’homme et du monde. C’est dans les arts du spectacle que cet espoir paraît certes le plus vif, mais aussi le plus ambivalent : dramaturges et chorégraphes tendent en effet à substituer à l’idée proprement révolutionnaire la thématique d’une conversion et d’une rédemption spirituelles, devant réconcilier l’individu avec lui-même et avec sa communauté, comme le montrent, des deux côtés du Rhin, les œuvres d’inspiration wagnérienne dans les années 1880-1920. Des dernières pièces de Villiers de l’Isle-Adam au théâtre mystique de Péladan et aux drames préchrétiens du jeune Claudel, des premières mises en scène chorales de Rudolf Laban aux représentations parisiennes des Ballets russes et suédois, du Théâtre du peuple à la scène futuriste et au Bauhaus, le rêve d’une œuvre d’art totale est indissociable d’une réflexion multiforme sur les possibilités d’un renouveau esthético-religieux de l’humanité décadente
My thesis bears on the utopia of the New Man, which is supposed to be a remedy to the crisis of the modern man at the end of the 19th century. It also bears on the different conceptions of the social ties by means of which the individual is attached to the community ; it explores these conceptions in two domains of expression : theater and dance, whose diverse manifestations in the field of the French and German arts of expression reflect a large spectrum of esthetic, moral, ideological and political significances. Those manifestations reveal the profound cultural mutations of the years 1880-1920. In a time of great political and intellectual effervescence related to the particular moment of European history, artists and intellectuals incessantly evoke the neccessity of a radical change of the man and the world. It is in the arts of spectacle that this hope appears in its most vivid, but also in its most ambivalent : dramatists and choreographs have the tendency to replace to a properly revolutionary idea by the thematics of a spiritual conversion and redemption, that should reconcile the individual with herself and her community, as we can see, on both sides of the Rhin river, the works inspired by Wagner in the years 1880-1920. From the last pieces of Villiers de l’Isle-Adam to the mystical theater of Péladan and the pre-christian pieces of young Claudel, from the first choral stagings of Rudolf Laban to the parisian representations of the Russian and Swedish ballets, from the People’s Theater to the futurist scene and to the Bauhaus, the dream of a total work of art is indissociable from a manifold reflexion on the possibilities of an esthetic and religious renewal of decadent humanity

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

23

Liang, Zong. "Le théâtre à Taiwan : structures et fonctionnement (1980-1990)." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100140.

Full text

Abstract:

Cette étude se compose de trois parties. La première présente l'administration culturelle d'état: organes publics et instituts nationaux, ainsi que leur fonctionnement. Puis un examen de l'ensemble (des organismes s'occupant de théâtre) du domaine théâtral depuis les établissements scolaires universitaires jusqu'aux compagnies indépendantes et aux agences de spectacle du secteur privé, permet d'avoir une vue globale de l'évolution du théâtre durant la décade 80-90. La deuxième partie analyse les difficultés affrontées par le théâtre face aux autres spectacles vivants. Les résultats de l'enquête menée auprès des étudiants en art dramatique dévoilent les projets de ces étudiants et permettent d'évoluer l'efficacité de l'enseignement de l'art dramatique. La troisième partie traite surtout de l'application de la politique culturelle de l'état. Le fonctionnement de certains centres culturels et la politique de subventions révèlent les points faibles de cette politique. Cependant, les engagements près par le mécénat et la future création d'un ministère de la culture laissent entrevoir de nouvelles perspectives pour le théâtre
The first part of this study introduces the public organs and the national institutes in charge of culture as well as their function then through a comprehensive view of the establishments involved in theatre from the schools the universities to the self-reliant theatre companies, and the private performance agencies we get a general idea of the evolution of theatre during the decade 1980-1990 the second part analyzes the difficulties the theatre has to cope with while competing with other types of stage performances. The results of the survey conducted towards the students in dramatic art reveal what those students are planning to do and the outcome of the teaching of dramatic art. The third part mainly deals with carrying out of the cultural governmental policy. The working out of some arts centers and the subsidiary policy shows up the weak points of this policy. But the promises made by sponsors and the setting up in the next future of the ministry of culture will open up new prospect to the theatre

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

24

Bouillet, Frédéric. "La réalité des apparences : le théâtre de J.P. Sartre (1943-1951)." Aix-Marseille 1, 2001. http://www.theses.fr/2001AIX10013.

Full text

Abstract:

Sous le prétexte de vouloir reconsidérer l'experience de l'espace à la façon d'une réalité autre que celle,totalement imaginaire,du texte littéraire;l'art de la mise en scène expérimentale a pris le pas sur la notion de vérité humaine au théâtre. L'identification au personnage principal,la dramatisation sont des procèdés désormais considérés comme suspects depuis le début du siècle. C'est ce que l'on a associé,à tort ou abusivement,conventions scèniques et conventions sociales. La vie,c'est du théâtre,mais le théâtre n'est pas non plus la vie. Mais que faut-il entendre lorsque l'on parle de réalité ou d'apparence au théâtre? Quelle est la valeur objective du jeu? En quoi peut-elle nous ramener objectivement,à notre je social? Le théâtre de situations sartriens prétent réconcilier images et vérité alors que les apparences scéniques ne sont habitullement appréciées que du point du vue de la simple vraisemblance. L'homme médiocre,sûr de ses droits,juge ces sortes de ferveurs irréalistes et idôlatres comme incapables de donner du sens et des valeurs concrètes au réel. Pourtant, l'espace dramatique peut signifier s'il nous renvoie aux apparences sociales,s'il sait nous montrer la consistance,aliénante, d'un système mystificateur. Il ne sert à rien de feindre l'ignorance. Le drame existentialiste athé sait imaginer l'action,sa nécessité, et les gestes des comédiens ne sont plus gesticulations mais présentations mythiques,manifestations authentiques de volontés subjectives en quête de sens,d'universelle singularité. Ce parti pris n'est pas seulement politique. Aussi,le théâtre engagé est pleine puissance positive. Par l'illusion,la vie des personnages n'est pas réduite au pur non-être. La situation modifie notre approche de la fiction. La noblesse du jeu vient à susciter,dans les esprits,le désir d'une émancipation véritable.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

25

Mauro, Didier. "Madagascar, le theatre du peuple : l'art hira gasy entre rebellion et tradition." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030089.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

26

Bloch, Vincent. "Le joug de la lucha : l'ancrage socio-historique du régime castriste : de 1959 à nos jours." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0053.

Full text

Abstract:

Au sein de la société cubaine contemporaine, les limites imposées par l’Etat sur les activités économiques privées s’ajoutent à la précarité des conditions de vie matérielles, et tous ou presque en sont réduits à « lutter » aux marges du légal et de l’illégal pour joindre les deux bouts. Mais davantage que la déclinaison cubaine de la débrouille, la lucha est un fait social total qui invite à la description ethnographique de pratiques en situation, afin de mieux comprendre les normes tacites et locales dans lesquelles elle s’inscrit, les contraintes spécifiques auxquelles elle renvoie et le sens de la réalité qu’elle véhicule. Les pistes de la lutte mènent petit-à-petit à une vue synoptique. La multiplication des points de vue, combinée à l’analyse, permet finalement, tout en suivant des pistes hachées, de cerner une forme de vie. La lutte est un joug : ses protagonistes acceptent l’état d’indécision chronique, et la limite consistant à n’agir qu’à la marge du possible. Elle est la modalité à travers laquelle la société et les individus se sont adaptés à un ensemble de règles et à un sens de la réalité dont ils acceptent la fatalité, ce dès lorsqu’ils parviennent à habiter l’espace social. Pour cela, ils s’attachent perpétuellement à créer et à préserver des routines. Disparates. Celles-ci, tout en s’écartant de la légalité socialiste et de la pureté idéologique de« l’homme nouveau », intègrent les attentes normatives des dirigeants. Mais en ce sens, la lutte est aussi ce qui reste du projet totalitaire cubain, une fois que les dirigeants ont accepté le fait que son idéal, transformer la société en communauté conquérante, épurée et indivisible, est hors d’atteinte à moyen terme
The limits that the State imposes on private economic activities as well as the precariousness of living conditions lie at the heart of contemporary Cuban society. Luchar is the verb that designates the way that everyone gets by in daily life and suggests that the line between lawful and unlawful activities is always ambiguous. However, the lucha is more than the Cuban version of making ends meet. It is a total social phenomenon that must be understood through the ethnographic description of practices and situations in order to comprehend the effectiveness of tacit local norms and the way that luchadores adapt to nonnegotiable constraints and perpetuate a specific sense of reality. The description of multiple experiences of la luchaprogressively leads to a synoptic view and brings to light a form of life. Luchadores are prisoners of la lucha: they accept the state of chronic indecision in which they live and the fact that the scope of their actions is extremely limited. La lucha is the modality through which society and individuals have adapted to an ensemble of rules and a sense of reality that they no longer question as long as they manage to live in the social realm. In order to do so, they continually endeavor to create and preserve routines. While deviating from the socialist legality and the ideological purity of the new man, those routines still integrate the normative objectives of the leaders. In that sense, la lucha is also what remains of the Cuban totalitarian project once the leaders have accepted the fact that their ideal – to transform society into an indivisible community – is out of reach in the short term

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

27

Van, Der Hoeven Roland. "Le Théâtre royal de la Monnaie (1830-1914): contraintes d'exploitation d'un théâtre lyrique au XIXe siècle." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1998. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/211990.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

28

Menet-Genty, Janine. "Théâtre et société en Italie (1860-1915) : un nouveau répertoire et de nouvelles structures théâtrales pour une société en mutation." Nancy 2, 1986. http://www.theses.fr/1986NAN21023.

Full text

Abstract:

Le théâtre italien de la fin du XIXe et du début du XXe siècle est peu connu et négligé par la critique. Pourtant, après la réalisation de l'unité politique de l'Italie, il veut contribuer au renouveau national. Par l'utilisation de la langue italienne, il s'oppose aux dialectes ; par une approche originale des problèmes sociaux contemporains, il veut se démarquer de l'influence alors prépondérante du théâtre français ou scandinave. Des centaines de pièces nouvelles sont écrites chaque année par des dramaturges professionnels ou amateurs, et créées par des dizaines de troupes itinérantes qui parcourent l'ensemble du territoire italien et font des tournées à l'étranger. Les principaux acteurs, selon la tradition, dirigent leur propre troupe. Cette période voit des tentatives de changements : des théâtres stables sont créés ; les auteurs, les acteurs et les directeurs de troupe s'organisent pour défendre leurs intérêts respectifs ; la presse spécialisée se développe et accentue l'impact du théâtre sur un public nombreux et passionné. Les sujets traités par les auteurs correspondent aux préoccupations de la classe bourgeoise en ascension rapide : la famille et l'argent sont des thèmes présents dans toutes les intrigues. Certaines pièces à thèse mettent en scène des problèmes de société tels que le duel ou le suicide ; d'autres illustrent les nouvelles lois, indiquent les difficultés que soulève leur application ou suggèrent des modifications qui apparaissent souhaitables à propos du mariage, de la séparation, du divorce, de l'héritage, etc. Toutes s'appuient sur une morale traditionnelle stricte, sans concessions. Notre travail relève de la littérature et aussi de la sociologie du théâtre : par l'étude des textes des pièces, des échanges épistolaires entre les auteurs et les acteurs et des archives des compagnies, nous montrons l'importance de ce théâtre qui donne une image souvent fidèle de l'Italie nouvelle, mais aussi révèle les phantasmes d'une société en mutation
The Italian theater of the late 19th c. And early 20th c. Is little known and neglected by critics, though it contributed to the national revival once political unity was achieved in Italy. Turning away from dialects it chooses the national Italian language ; through its original approach to contemporary social issues it takes an independent stand against the overwhelming influence of French and Scandinavian drama. Hundreds of new plays are written each year by professional or amateur playrights. The plays are produced by dozens of itinerant troups, travelling all over the Italian territory, and even going on tours abroad. Leading actors according to tradition direct their own troup. This period is also a time of experiments : "permanent" theaters are created ; playrights, actors and company directors organize themselves in the defence of their respective interests ; a specialized press develops and increases the theater's impact on a large and enthusiastic audience. Authors deal with subjects that reflect the concerns of a rapidly rising bourgeoisie. Such themes as family and money are part of all plots. Some problem plays stage familiar concerns on the contemporary social scene, like duels and suicide. Others illustrate the new laws, underline the difficulties implied by their enforcement and suggest necessary reforms in the fields of marriage, separation, divorce, heritage, etc. All plays rely on traditional moral standards. The present work pertains to both literature and the sociology of theater. As we study the texts of the plays, the letters exchanged by authors and actors as well as the archives of the theater companies we draw attention to a literary genre which often provides an accurate image of the new Italy while revealing the obsessions of a rapidly transforming society

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

29

Tayel, Noha. "La figure du serviteur dans le théâtre de regnard, étude sociocritique." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA084134.

Full text

Abstract:

Cette recherche vise essentiellement à étudier l’image du serviteur dans le théâtre français de Jean-François Regnard. Ce dramaturge peu connu aujourd’hui était souvent comparé à Molière. Son œuvre négligée pendant longtemps mérite d’être mieux appréciée. A travers le personnage du serviteur, Regnard n’a pas seulement mis sur scène la condition domestique mais aussi l’inconscient collectif d’une société en pleine mutation. Nous avons choisi une démarche sociocritique afin de savoir dans quelle mesure cette image incarne la réalité sociale de cette époque. Toutefois, nous sommes consciente que le théâtre ne représente pas uniquement la réalité sociale mais également l’imagination de l’auteur. Nous cherchons à comprendre comment le théâtre de Regnard a pu (ou n’a pas pu) présenter la condition domestique. Quelle est la part d’objectivité à travers l’imagination de Regnard ? A travers ce long voyage dans le monde des serviteurs, nous avons essayé de dégager comment le théâtre a présenté les traits de la condition domestique. Nous avons également essayé également de comprendre le rapport entre les fonctions dramaturgiques du serviteur sur scène et leurs rapports avec la réalité. Une des questions fondamentales que nous avons posées est de savoir pourquoi le serviteur est souvent présenté sur scène comme un manipulateur tandis qu’en réalité, ce n’est qu’un être manipulé par la société. Notre corpus est composé des onze pièces de Regnard rédigées pour le théâtre français. Ce choix n’est pas arbitraire. Il est en rapport avec notre problématique. Dans ces pièces le serviteur joue un rôle primordial dans le déroulement de l’action l’accent étant mis sur sa condition de vie
The main objective of this study is to analyze the image of the butler in the French theater of Jean-François Regnard. This unknown playwright was compared to Molière. Hence, his unknown theater needs to be more appreciated. The servant in Regnard’s theater presents the condition of the domestic people in reality. He/she represents the subconscious of the society. Our tool of research is social criticism. We want to know how this image represents the society in this century. But we are aware that not only does the theater represent the real society, but also it represents the imagination of the other. Furthermore, we want to depict whether Regnard’s theater was able or unable to authentically portray the condition of the domestic people. Was Regnard objective in his representation? Throughout this long journey in the world of servants, we have attempted to know how the theater represents their condition. Moreover, we have endeavored to understand the link between the dramatic function of the servant in the theater and in reality. One of the fundamental questions in our research is to know why the servant was portrayed as a manipulator. Whereas in reality, he/she is a person who is manipulated by society. My thesis examines eleven plays which were written to the French theater. This choice is not random as it is pertinent to our research question. In those plays, the servants play an important role in the action and present the condition of their life in this century

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

30

Delaunay, Léonor. "Le théâtre en révolte : étude des expériences théâtrales prolétariennes et révolutionnaires (textes, représentations, discours) en France de 1919 à 1935." Caen, 2009. http://www.theses.fr/2009CAEN1555.

Full text

Abstract:

A l'émergence de la figure de l'ouvrier sur la scène sociale et politique française au 19ème siècle correspond l'émergence d'une parole ouvrière sur la scène théâtrale. Les lendemains de la première guerre mondiale vont voir se développer dans le sillage de la révolution et du parti communiste, un certain nombre d'expériences, de tentatives, de faire participer le théâtre à la constitution d'une conscience ouvrière militante, un théâtre en révolte. Nous aborderons, à travers cette recherche, la question prolétarienne au théâtre dans l'entre-deux-guerres, dans une optique volontairement plurielle : analyse du sens que recouvre l'usage des différentes terminologies – théâtre ouvrier, théâtre prolétarien, théâtre prolétarien révolutionnaire, théâtre d’agit-prop – étude des liens que les artistes ont tissés avec les organisations ouvrières syndicales et communistes et des implications esthétiques et formelles qu'investissent ces artistes et les militants dans la représentation du monde prolétaire et de la révolution. Enfin notre recherche implique une prise en compte consubstantielle des pratiques théâtrales. Où les pièces se sont-elles jouées ? Dans quel cadre ? Pour quel public ? Quelles traces éventuelles de ces expériences ? A ce titre, l'archive occupe une place essentielle dans ce travail, permettant non seulement de retrouver la trace de ces pratiques, mais également d'interroger les récits mythiques qui grèvent usuellement l'histoire des théâtres révolutionnaires

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

31

Guy, Stéphane. "George Bernard Shaw et les paradoxes du théâtre engagé." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030124.

Full text

Abstract:

Dramaturge prolifique, George Bernard Shaw fut également un intellectuel qui s'employa à dénoncer les abus de son temps et à proposer des réformes pour y remédier, jouant un rôle central dans l'élaboration de la doctrine fabienne. Si Shaw conçoit le théâtre comme résultant de l'engagement, le discours théâtral lui-même participe à la fois de la théorie que développent ses tracts, préfaces, articles et traités et de la pratique en tant que moyen d'action sur le public et sur le monde. En même temps qu'elles fustigent les poncifs des conventions bourgeoises, le théâtre en vogue et le profit capitaliste, les œuvres dramatiques désignent la figure de l'intellectuel comme une alternative à l'ordre établi qui s'apparente au gouvernant administrateur qu'appelle le réformateur. Elles organisent ainsi un système de pensée qui s'ancre dans le socialisme fabien et donnent à voir les ambivalences caractérisant la démarche de l'intellectuel issu des classes moyennes qui prend position dans la cité
The prolific playwright Bernard Shaw was also an intellectual whose concern it was to expose the injustice of his time and propose reforms to remedy them, playing a crucial part in the initial making of Fabian doctrine. While Shaw holds true drama as resulting from commitment to ideas, the dramatic discourse in the plays partakes both of the theory developed in his tracts, prefaces, articles and treatises and of practice, as a means of acting upon the public and society. The dramatic works criticize the commonplaces of bourgeois conventions, fashionable theatre and capitalist profit, and point to the intellectual as an alternative to the established order, who resembles the ruling administrator advocated by the reformist. In this respect, they unfold a system of thought which is rooted in Fabian socialism and bring to light the ambiguities of the middle-class intellectual taking a stand in the city

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

32

Morvan, Yves. "Le désir de théâtre : Le discours des metteurs en scène." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030152.

Full text

Abstract:

Le désir de théâtre, tel qu'il transparaît dans le discours des treize metteurs en scène étudiés (Antoine, Stanislavski, Meyerhold, Copeau, Jouvet, Piscator, Vilar, Strehler, Brook, Vitez, Grotowski, Mnouchkine et Chéreau) est une mosaïque complexe de désirs élémentaires dont chacun est apparu et s'est épanoui dans des circonstances familiales, affectives, historiques, sociales et culturelles spécifiques. Si des éléments de base sont communs, la composition d'ensemble, en revanche, reste unique pour chaque metteur en scène. Ces désirs relèvent du rapport à soi (enfance, ambition, thérapie, expression de soi, volonté démiurgique, leadership, élan messianique, soif d'exploration, besoin de conserver sa jeunesse…), du rapport à l'autre (rencontre humaine, formation et direction des comédiens, partage d'une culture, amélioration de l'homme, intervention sur l'évolution du monde…), et du rapport à l'art, à l'éphémère, à la mémoire et au sacré. Les notions transversales de désir-manque, désir-acte, désir inaugural et désir-processus sont mises en œuvre pour interroger la nature, la naissance et l'évolution des désirs. La transmutation récurrente du désir-manque en désir-acte, et celle du désir inaugural en désir-processus sont repérées et analysées. Cette dernière s'accompagne généralement d'un élargissement du désir conduisant à sa consolidation sur le long terme. D'un metteur en scène à l'autre, les comparaisons sont fructueuses et font apparaître notamment des similitudes dans le mûrissement du désir tout au long d'une vie. D'un point de vue global, l'évolution politique, sociale et culturelle au cours du siècle se répercute à différents niveaux sur le désir de théâtre
The yearning for theatre as it transpires through the expression of the thirteen theatre directors here studied (Antoine, Stanislavski, Meyerhold, Copeau, Jouvet, Piscator, Vilar, Strehler, Brook, Vitez, Grotowski, Mnouchkine and Chéreau) is a complex patchwork of elementary yearnings. Each appeared and blossomed in a specific domestic, sentimental, historical, social and cultural context. Even though the funding elements are shared, the resulting coumpound is specific to each director. Those yearnings root in self-image (childhood, ambition, therapy, expression of the self, urge to create, leadership, messianic surge, thirst for discovery, need to preserve youth), in the relationship to others (encounters, training and directing actors, sharing a culture, betterment of man, acting on the world's evolution. . . ), and also in the relationship to art, transience, memory and the sacred. Transverse notions such as yearning-wanting, yearning-acting, initial yearning and lasting yearning, have been implemented in order to question nature, birth and the evolution of desire. Particularly pinpointed and analyzed are the recurrent transmutation of yearning-wanting into yearning-acting, and from initial yearning to lasting yearning, this last one being most often linked to an expansion of yearning conducive to its own strengthening in time. The comparison of each director to another yields new perspectives and enlighten similarities in the blooming of desire through a lifetime. For all of them, the political, social and cultural evolution reflects in different ways on the yearning for drama

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

33

El, Hilali Nabil. "Théâtre marocain et québécois : Tayeb Saddiki / Michel Tremblay." Nice, 2001. http://www.theses.fr/2001NICE2026.

Full text

Abstract:

Cette recherche se veut initiatrice d'un nouvel axe de recherche englobant le Maroc et le Québec à travers le théâtre. Le point de départ réside dans le fait que le Québec comme le Maroc s'est trouvé à un moment donné de son histoire en proie à des interrogations portant sur la question identitaire. La tradition théâtrale cristallisera cette question mais après long et difficile cheminement. Elle évoluera à partir d'une naissance conflictuelle, s'affirmera par le biais d'une "anthropophagie culturelle" et s'établira à la suite d'une prise de conscience quant à sa spécificité. Les linéaments d'une différence avec le théâtre issu du Moyen-Orient et de l'Occident pour le Maroc et celui originaire de France et du Canada anglophone pour le Québec furent ainsi délimités. Michel Tremblay et Tayeb Saddiki, auteurs démiurges définissent à eux deux les strates de la tradition théâtrale au sein de leurs deux aires géographiques respectives. Ils délimitent la ligne de crête de leur époque en traçant l'horizon d'attente qui lui était spécifique par deux créations majeures : Les Belles soeurs et Diwan Sidi Abderrahman Al-Majdoub datant de la fin des années 60 et début 70. L'écriture en parler local : la "Darrija" et le "Joual" sera le premier pas établi vers la recherche d'un théâtre authentique. La recherche dans le patrimoine historique local pour Tayeb Saddiki et le questionnement du milieu ouvrier québécois pour Michel Tremblay en sera l'élément second. L'analyse comparée du corpus prenant appui sur la sémiotique peircienne dans sa dimension tripartite et le système René Girard, aboutira à l'établissement de l'invariant dans la thématique du sacré. La recherche s'attachera à démontrer dans le corpus l'articulation autour du sacré et sa corrélatin avec d'un côté la modernisation de la tradition au Maroc et de l'autre l'anticléricalisme au Québec.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

34

Megneng, Mba-Zue Geneviève. "La société dans le théâtre d’Afrique centrale : les cas du Cameroun, du Congo et du Gabon. Pour une sémiotique de l’énonciation théâtrale." Cergy-Pontoise, 2008. http://biblioweb.u-cergy.fr/theses/08CERG0373.pdf.

Full text

Abstract:

Ce travail s’articule sur quatre parties essentielles, qui, au-delà d’un besoin légitime, de revisiter l’histoire et la thématique de la littérature africaine à travers son théâtre, se penchent aussi sur la problématique de l’écriture, de l’analyse des contenus, et surtout sur les questions liées au destin de ce théâtre. En effet, après avoir rappelé le contexte d’éclosion du théâtre moderne d’Afrique Centrale, nous avons recherché et mis en lumière les multiples réseaux de signification relatifs à l’expressivité et à la spécificité de ce théâtre
This study’s based on four main parts, and concerns with a legitimate and necessary wish to reinterpret the history and thematic of African literature, through its theatre. This study also concerns with the problematic of poetical analysis of contents, and over all, its destiny. After the summary of the birth of the modern theatre of Central Africa we have tried to shed new light on a lot of situations of signification what are determining for this theatre

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

35

Picard, Caroline. "Théâtre d'été : instrument de divertissement, d'apprentissage et de conscientisation sociale?" Master's thesis, Université Laval, 1996. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28411.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

36

Simard, Jean-Pierre. "Ethique et esthétique dans le théâtre de John Mc Grath (1958-1991) : sa contribution à la culture populaire contemporaine en Grande-Bretagne." Metz, 1994. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/UPV-M/Theses/1994/Simard.Jean_Pierre.LMZ943_1.pdf.

Full text

Abstract:

La présente thèse examine l'activité théâtrale de John Mc Grath, comme auteur, metteur en scène et théoricien, entre 1958 et 1991. Elle évalue la dimension éthique de l'intervention de l'auteur et les implications esthétiques de sa volonté de communiquer avec un public populaire. Elle interroge nécessairement la validité de concepts tels que : théâtre politique, théâtre parallèle ou "Fringe", "Ceilidh-plays", théâtre interventionniste, théâtre carnavalesque. Elle situe l'œuvre dans un héritage national et international. Un regard contemporain s'attachera inévitablement a apprécier la validité et l'évolution de deux outils privilégiés lors de l'examen de l'activité de l'auteur : la sociologie et la sémiologie. Les questions du modernisme et du post-modernisme, de l'éphémère et de la postérité, de la distanciation et de l'identification, de l'université et de la contextualité surgissent inévitablement dans une étude dont l'objet central est celui du processus de création et de communication, du texte écrit au spectacle, avec un public habituellement éloigné des théâtres officiels. Epique, l'art de l'écriture et de la représentation propre à John Mc Grath s'enracine dans les cultures régionales, à Liverpool et dans les bassins industriels du nord de l’Angleterre, avant de refléter la diversité des traditions populaires Ecossaises. Novateur dans le dessin des contours esthétiques d'une contribution théâtrale au mouvement des sociétés contemporaines, John Mc Grath nous permet d'envisager la survie de son œuvre et de celle des courants théâtraux qui fondent leur action sur la place centrale de l'histoire
The current thesis examines John Mc Grath's theatrical activities as a playwright, as a director or as a theoretician, between 1958 and 1991. It estimates the etthical dimension of the intervention of the playwright, and the aesthetical implications of his wish to communicate with popular audiences. It inevitably questions the value of such concepts as : political theatre, parallel or fringe theatre, "Ceilidh-plays", interventionist theatre, carnival theatre. It situates John Mc Grath's works within national and international heritages. A contemporary bias will inevitably try and appreciate the validity and developments of two tools, privileged in the study of the activities of the playwright: sociology and semiotics. The questions of modernism and post-modernism, of short-lived and lasting works, of distanciation and identification, of universality and contextualisation inevitably arise out of a study whose key object is the process of creating and communicating, from writing to staging, with audiences who have usually been enstranged from official theatres. Epic, John Mc Grath's specific art of writing and staging has first been rooted in the regional cultures of liverpool and the industrial areas in the north of england, before reflecting the diversity of the popular traditions in scotland. Innovating in designing the aesthetical shapes of a theatrical contribution to the moves of contemporary societies, john mc grath allows us to consider the survival of his works and of those theatrical trends which ground their activity on the key place granted to history

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

37

Barrière, Mireille. "La société canadienne-française et le théâtre lyrique à Montréal entre 1840 et 1913." Doctoral thesis, Université Laval, 1990. http://hdl.handle.net/20.500.11794/17631.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

38

Faramond, Julie de. "Travail théâtral, 1970-1979 : une décennie passée en revue." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100159.

Full text

Abstract:

Ce travail a pour objet l'étude de la revue Travail théâtral. La revue se présente comme un ensemble d'articles, d'entretiens, de documents et de quelques pièces inédites, ensemble qui reflète l'évolution des pratiques théâtrale. Elle rassemble des réflexions sur la ou les politiques théâtrales, des témoignages de parcours artistiques en France et à l'étranger et des analyses critiques de spectacles. Porteuse, à son origine, de " l'esprit de Mai ", elle s'intéresse à la tradition marxiste anti-stalinienne, représente un brechtisme non-orthodoxe, c'est-à-dire autre que celui que prônent les héritiers de la décentralisation. Elle se place du côté du " jeune théâtre " et défend ses revendications face à l'institution et sa volonté de donner au théâtre un contenu politique et d'y intéresser le " non-public ". Elle fait entendre des voix singulières : celle d'artistes, d'auteurs et d'intellectuels de son temps. Toujours, elle sait reconnaître et faire connaître les avant-gardes
This work deals with the journal "Travail théâtral". The journal appears as a body of articles, interviews, documents and some unpublished plays, a body that reflects the development of theater practices. It gathers thoughts on theater policy, testimonies of artistic paths in France and abroad, and critical analyses of shows. Originally bearing the "spirit of May", it is concerned with anti-Stalinian Marxist tradition, represents a non-orthodox Brechtism, that is a Brechtism differing from the one advocated by the heirs of decentralization. The journal takes sides with "Young Theater", and supports its daims in front of institutions as well as its strain to give theater a political content and to get the "nonpublic" involved. It makes us hear genuine voices: those of artists, authors and intellectuals of its time. It is always successful at recognizing and making known avant-gardes

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

39

Facuse, Marisol. "Utopies sur scènes : le monde de l'œuvre de la Compagnie Jolie môme." Grenoble 3, 2008. http://www.theses.fr/2008GRE39017.

Full text

Abstract:

L'objet de cette recherche est de comprendre la singularité des pratiques artistiques militantes aujourd'hui. Reconnues comme des formes d'art engagé, art de contestation, ou art militant, ces pratiques artistiques s'inscrivent à l'intersection des dimensions esthétique et politique, bousculant leurs frontières de ces deux espaces de la vie sociale. Ce travail est consacré spécifiquement à l'analyse du théâtre et de la chanson politique, à partir de l'ethnographie d'une compagnie de théâtre : Jolie Môme (France), qui depuis vingt cinq ans met au jour un théâtre d'intervention au cœur de luttes sociales du présent. Le dispositif méthodologique s'est constitué à partir de la notion du "monde de l'art" de H. S. Becker, privilégient l'étude détaillée dans la longue durée de l'activité artistique de la Compagnie Jolie Môme, à travers l'observation participante, des entretiens et du travail sur ses archives. Une de principales conclusions, concerne à la fonction sociale de ces œuvres artistiques/militantes, qui sera liée à l'utopie et à la mémoire collective. Le travail artistique de la chanson et du théâtre militant re-symbolise l'action politique et ses discours par des langages que lui sont propres, en agissant sur l'imaginaire des collectivités qui constituent ses publics. Ces œuvres deviennent alors, source d’un imaginaire utopique à travers des récits qui mettent en scène une espérance sociale et une mémoire populaire de luttes
The purpose of this study is to reflect on the singularity of contemporary practices of militant art. Recognized as expressions of engaged art, protest art or militant art, these artistic practices lie at the intersection of the esthetic and political spheres, confronting the boundaries of these areas of social life. Specifically, I am here interested in the domains of theatre and of political song, as exemplified by the ethnography of the artistic practices of theatre company "Compagnie Jolie Môme", which for 25 years has engaged in theatrical forms of intervention at the heart of today's social struggles. The methodological framework is rooted in the notion of an "art world", due to H. S. Becker, favouring a detailed and long-term study of the artistic practices of Compagnie Jolie Môme, through participative observation, interviews and work on their archives. One of the main conclusions concerns the social function of these artistic/militant works, which will be associated with utopia and collective memory. The artistic works of militant song and theatre re-symbolize in their own language the political action and its discourse, by appealing to the collective imaginary of the public. These works thus become a source of a utopian imaginary through the stories that feature social hope and a popular memory of struggles

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

40

Roques, Sylvie. "Le corps et ses images dans l'écriture dramatique contemporaine : une application du logiciel "Alceste"." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082522.

Full text

Abstract:

La méthodologie " Alceste " utilisée dans le cadre de ma recherche met en place une analyse lexicale par contexte. Le texte dramatique est conçu alors comme porteur de traces ou de " mondes lexicaux ". Les résultats obtenus au terme de l'analyse ont mis à jour une typologie des images du corps dans l'écriture dramatique contemporaine. Deux grandes catégories d'images sont cernées : d'une part celles qui suggèrent la représentation d'un corps humide avec les références aux liquides physiologiques aux odeurs et d'autre part, celles qui indiquent la représentation d'un corps sec, privé d'humeurs, d'un corps-machine, d'un corps mort ou tout simplement d'un corps abstrait. Aussi une préoccupation pour le corps semble perceptible dans l'écriture dramatique contemporaine. Pourtant, il ne s'agit pas d'un corps harmonieux et heureux mais bien plutôt d'un corps montré dans sa réalité la plus crue, avec ses humeurs, ses déjections et ses ambiguïtés. Il s'oppose aux " beaux corps " exposés dans la publicité et démontre plutôt une obsession du corps à l'envers
In my research I employed a lexical analysis by context invented by Max Reinert and called “Alceste” methodology. This method investigates the authors' establishment of lexical universes (mondes lexicaux) in the writing of dramatic scripts. In analyzing these lexical universes, we can trace and evaluate diverse representations of the body and note that two major categories appear: one, is a universe concerned with a corps humide (that which is fluid, organic and sensual); the second describes a corps sec (the mechanical body, the dead body, the body as an abstract idea). In this regard, the preoccupation with the body evident in our contemporary culture is also present in contemporary theater. Contrary to an aesthetic of an ideal body (le beau corps), contemporary theater seeks to represent the body in its reality: in the flesh, raw, with its expressions of blood, sweat, tears, hesitation and the daily ambiguities of embodiment

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

41

Lachaud, Céline. "Wajdi Mouawad : un théâtre politique ?" Thesis, Besançon, 2015. http://www.theses.fr/2015BESA1007/document.

Full text

Abstract:

Wajdi Mouawad artiste québécois d'origine Libanaise n'accepte pas l'étiquette de « théâtre politique ». Cependant son travail est le reflet d'un théâtre engagé tant par les thèmes qu'il aborde que par son refus de compromis dans le domaine de la création artistique. Mouawad est un artiste qui aime prendre la parole quitte à se faire des ennemis dans la presse, dans l'opinion publique, dans le monde du spectacle, mais aussi parmi les politiciens. Malgré son refus d'appartenir au courant de théâtre politique nous verrons au sein de cette thèse en quoi son art se rapproche de ce cette mouvance artistique dont il est important de (re)définir les contours. De plus, nous verrons de quels messages son théâtre est porteur. Nous tenterons aussi de comprendre les raisons de sa méfiance face à ce courant qui « rebute » plus d'un auteur contemporain
Wajdi Mouawad is a Lebanese - born Canadian playwright turned actor who refuses the label of political playwright. And yet, his work reflects political theatre by the themes he chooses and by his refusal to make compromises in his art. Mouawad is someone who likes to speak up even if it means making enemies in the press, in the public opinion, in the world of theatre, and also in the world of politics. Despite the fact that he refuses to be labelled à political playwright, in this thesis, my aim is to study to what degree his art resembles political theatre, a genre that needs to be redefined. In addition, I will examine the message his plays relay and the reasons of his distrust towards this genre that doesn't seem to appeal to many a contemporary writer

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

42

Lefèvre, Lemorin Karen Christine. "Approche ethnoscénologique des pratiques spectaculaires ritualisées dans le bassin du Maroni (Guyane française)." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081386.

Full text

Abstract:

Peu de contrees presentent une telle diversite ethnique que la guyane francaise. C'est en considerant la pluralite des pratiques choregraphiques observees dans la region polyethnique de l'ouest guyanais que l'auteur, professeur de danse classique, integre d'autres comportements spectaculaires humains, soulignant ce qui separe diverses scenifications ceremonielles de veritables theatra- lisations "spectaculaires". Dans cette optique, au dela des differences manifestes d'une societe a une autre, la mise en evidence de l'unite de pratiques spectaculaires ritualisees permet d'en degager les implications ontologiques puisqu'il apparait que jamais l'homme n'ordonne sa vie innocemment et naivement, que toujours il y met en jeu de grandes options metaphysiques. Formalisees en comportements specifiques impliquant une participa- tion collective a un meme statut distinct de celui du quotidien, ces pratiques semblent permettre a l'humanite de maitriser le tragique de son existence par une adhesion totale productrice d'emotions intenses presidant a la conscience vecue du sacre par l'association etroite de l'esprit et du corps, tant dans ses dimensions cognitives ou emotionnelles que spirituelles
There are not many countries in the world that offer as much ethnological diversity as the french guyana. It is from the plurality of choregraphic practices observed in the polyethnic region of west guyana that the author, classical dance teacher, integrates other human spectacular behaviours pointing out what separates various ceremonial theatricalizations from real "spectacular" ones. In this prospect, beyond the apparent differences from a society to another, the pointing up of the unity of ritualized spectacular practices enables to release the ontological implications as it appears that man never directs innocently and naively his life, that he always stakes great metaphysical options. Formalized in specific behaviours involving a collective participation to a same statuts distincts from the one of everyday life, these practices seem to enable mankind to control the tragedy of its existence through a total support producing intense emotions and governing the lived consciousness of the sacred through a narrow association of spirit and body, not only in its cognitive or emotional dimensions but as well in spiritual ones

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

43

Zaccaria, Diego. "L'affiche de théâtre et l' "espace public" : la scène polonaise, française et italienne, des années 1960 à nos jours." Grenoble 2, 2006. http://www.theses.fr/2006GRE29029.

Full text

Abstract:

Le graphisme, ou design graphique, désigne toute forme d'expression visuelle. L'affiche en fait partie. Qu'elle soit destinée à la publicité marchande, à l'expression politique, ou à la publicité d'un événement culturel, elle s'inscrit dans la société dans laquelle elle est réalisée et agit. Partant de l'affiche de théâtre comme lieu d'expression possible du débat public, ce que Jürgen Habermas nomme "l'espace public", la thèse propose une analyse en trois parties. La première partie dresse le portrait historique de l'affiche et explore la relation dialectique qui la relie à la société industrielle en particulier dans ses rapports à l'État-nation. La seconde partie est consacrée à l'affiche de théâtre proprement dite dans trois situations européennes: Pologne, France et Italie, des années 1960 à nos jours. Parce que le théâtre est la mise en scène de la vie de la Cité, l'affiche de théâtre recèle les éléments utiles à la compréhension d'une époque, d'une société. Elle est lieu de mémoire et d'histoire disponible à "l'espace public" dont elle utilise la faille culturelle. La troisième partie propose une mise en perspective de l'affiche de théâtre comme traduction graphique du mythe théâtral, dont l'impact historique, social et politique, est mis en question par les nouvelles conditions économiques et sociales de sa production. La thèse redonne des repères visuels au regard contemporain, souvent désemparé face à la profusion des images, réhabilite l'esprit critique nécessaire à leur compréhension. Elle montre que l'affiche de théâtre, loin d'être un phénomène négligeable limité à l'information immédiate s'avère utile à l'historien, de l'art en particulier. Sa multiplicité et sa volatilité informationnelle en font un objet riche de tensions qui ont ordonné sa création. Les référents culturels qu'elle emploie, ces "symptômes sociaux" dont parle Erwin Panofsky, lui donnent son véritable sens social et historique qu'il appartient à l'historien d'interpréter et d'analyser. L'affiche, plus que le reflet d'une société est la trace des diverses strates sociales qui se sont succédées. Elle n'en est pas la brillance, mais l'empreinte durable.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

44

Tiendrebeogo, Pingdewinde Issiaka. "L'Impact du théâtre d'intervention sociale sur le développement du Burkina Faso." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA039/document.

Full text

Abstract:

Le théâtre est un outil de communication qui participe au développement social et économique du Burkina Faso. C’est autour des années quatre-vingt qu’une poignée d’artistes et d’intellectuels africains ont conceptualisé cette pratique artistique afin qu’elle devienne un moteur de développement pour nos masses laborieuses. En effet, cette thèse est partie de l’hypothèse selon laquelle, le théâtre d’intervention sociale contribue aux efforts de sensibilisation. Il s’est agit d’une part d’étudier l’histoire de ce théâtre, ses thèmes, ses formes, son évolution, ses enjeux esthétiques et d’autre part, à travers un corpus, une collecte de matériaux audiovisuels et une enquête sociologique auprès des spectateurs et des compagnies théâtrales de montrer l’incidence de son action sur les populations burkinabé. L’ensemble des matériaux de cette enquête scientifique nous a permis de réaliser un film documentaire qui accompagne cette recherche.Les résultats auxquels nous sommes parvenu attestent enfin qu’à travers la sensibilisation par le théâtre d’intervention sociale, les populations adoptent des comportements favorables aux changements de comportements et de mentalités
Theatre is a communication tool that participates in the social and economic development of Burkina Faso. It is in the eighties that a handful of African artists and intellectuals conceptualized this artistic practice to make it a driving force of development for our working masses. Indeed, this doctoral thesis has started from the hypothesis according to which the theatre of social intervention contributes to the efforts of awareness. It consists, on the one hand, in the study of the history of this theatre, its themes, forms, evolution, aesthetic stakes and, on the other hand, through a corpus and a sociological survey with spectators and theatre companies, in showing the impact of its action on the Burkinabe populations.The bulk of materials gathered in this scientific enquiry helped me to produce a documentary film that illustrates this research.The results to which I have reached are that through sensitization by the theatre of social intervention, people adopt behaviours that are favorable to the changes of behaviours and mentalities

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

45

Peslin, Daniela. "Le Théâtre des Nations : (1957-1968) : Premier Festival International de Théâtre après la deuxième guerre mondiale." Paris 3, 2008. https://faraway.parisnanterre.fr/login?url=https://www.vlebooks.com/vleweb/product/openreader?id=UPN&accId=9224405&isbn=9782296214781&uid=^u.

Full text

Abstract:

Le Théâtre des Nations fut le lieu unique de confrontation des créations théâtrales, lyriques et chorégraphiques internationales de 1957 à 1968. Ce plus grand festival de théâtre du monde concentra les forces capables de perpétuer les valeurs du théâtre et de bouleverser les structures traditionnelles du répertoire. Après le traumatisme de la seconde guerre mondiale, il contribua à l’émergence en France et en Europe d’une volonté d’ouverture sur le monde. Il accueillit de grands auteurs qui, par la confrontation de leurs projets sur la scène parisienne, confirmèrent l’existence d’une communauté internationale du Théâtre. Alors inconnus, la plupart sont aujourd’hui les grands maîtres du XXe et du XXIe siècle. En accueillant de même certains créateurs révolutionnaires, il fera souffler un vent de jeunesse et de liberté préfigurant les événements de Mai 68. L’analyse des événements précurseurs permet de comprendre les conditions de son institutionnalisation et la définition de ses trois missions qui ont permis d’explorer en onze ans un champ illimité de culture au bénéfice des professionnels, des artistes et des spectateurs: la découverte des traditions théâtrales majeures venues de quatre continents, la recherche de nouvelles formes scéniques, et la consécration des troupes les plus prestigieuses. L’étude du Théâtre des Nations exige aussi d’adopter une approche sociologique et historique car il fut impliqué dans les grandes questions de l’époque, entre autres la reprise des relations politiques et diplomatiques d’après guerre, et la reconnaissance des droits d’artistes originaires de régimes totalitaires ou d’anciennes colonies. Le plus international de tous les festivals internationaux, le Théâtre des Nations reste ce qu'il a toujours été, un défi au monde
The Theatre of Nations - Théâtre des Nations - was the unique place of confrontation of international theatrical, lyric and choreographic creations from 1957 till 1968. The biggest festival of theatre in the world concentrated forces able to perpetuate the values of theatre and to change the structures of theatre directory in depth. After the traumatism of World War II, this Festival contributed to launch in Europe a will of opening to the world. By welcoming authors challenging their visions on the Parisian stages, it confirmed the actuality of an international community of theatre. Barely known at the time, most of these authors are today the grand masters of the XXth and XXIst century. By receiving also revolutionary creators, the festival blew a wind of youth and freedom forecasting May 68 events. The analysis of previous similar attempts helps to understand the context of its emergence and the definition of its three missions which allowed exploring in eleven years an endless field of culture for the benefit of the professionals, the artists and the audience: the discovery of the major traditions coming from four continents, the research of new forms of scenic arts, and the consecration of the most prestigious theatre companies. A sociological and historical approach helps also to analyze this phenomenon which was involved in the biggest questions of its time, among them the after war resumption of political and diplomatic relationships, and the recognition of the rights of artists born in totalitarian countries or ancient colonies. The most international of all international festivals remains what it always was, a challenge to the world

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

46

TOURE, JEAN MARIE. "Theatre et liberte en afrique noire francophone de 1930 a 1985." Cergy-Pontoise, 1997. http://www.theses.fr/1997CERG0025.

Full text

Abstract:

Ma these :theatre et liberte en afrique noire francophone de 1930-1985 a 6 chapitres. Le 1er porte 1) sur la liberte au service du theatre qui s'est exprimee en europe par la revolution romantique et le nouveau theatre, en afrique par le theatre-ballet ,de participation, de recherche et le koteba 2) sur le theatre comme moyen pour denoncer une dictature 3) sur le theatre ideologique donc censurable par un regime meme liberal. Le 2eme porte sur les conquetes sociales (suppression du travail force ; du code de l'indigenat) - economiques (f. I. D. E. S pour le developpement de s t. O. M) -politiques (libertes d'association citoyennete francaise, assemblees des t. O. M , r. D. A) des deputes africains au parlement francais. Ainsi en 1960 ,les independances et en 1985 , la democratie avec des rates ici ou la. Le 3eme : le theatre et le combat pour l'emancipation sociale , culturelle et politique des africains au titre de la periode coloniale traite de la satire des moeurs-sociales. Le 4eme : le theatre des independances et le combat pour la liberte de 1958-1985 prend en compte 1) la creation theatrale de la guinee sous la 1ere et la 2eme republique 2) la creation theatrale d'autres pays d'afrique noire francophone qui traite de la satire des moeurs sociales et politiques des independances et de la rehabilitation des heros de la resistance a la colonisation. Le 5eme porte sur la production de cesaire en rapport avec les preoccupations de l'afrique et des auteurs de l'exil sud-sud (s koly et w. Liking) et sud-nord (a. T. Cisse, b. Sangare, t. E. A. Bisikisi). Le 6eme rend compte du theatreet de la liberte des dramaturges au plan economique, politique et esthetique. Les festivals en et hors de l'afrique et le concours theatral de r. F. I. Contribuent a l'elargissement de l'espace culturel francophone.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

47

Warnet, Jean-Manuel. "Le laboratoire théâtral au XXe siècle : un espace de recherche pour le théâtre d'art." Rennes 2, 2005. http://www.theses.fr/2005REN20044.

Full text

Abstract:

L'histoire de la pratique théâtrale au 20e siècle est jalonnée de lieux d'expérimentation, que l'on peut regrouper sous l'appellation de laboratoires (qu'ils portent ce nom ou celui d'ateliers, studios, centres de recherches, etc. ). Le laboratoire de théâtre est un espace et un temps spécifiques où un collectif de professionnels de la scène, sous la direction d'un maître, mène un travail de recherche dans différents domaines de la pratique théâtrale, indépendamment de la nécessité immédiate de produire un spectacle devant un public. Il s'est inventé dans le mouvement qui a vu l'essor du théâtre d'art et de la figure du metteur en scène, en Russie d'abord avec le Studio du Théâtre d'Art de Moscou en 1905. Cette expérience fondatrice a donné naissance aux nombreux studios de recherche sur le jeu de l'acteur, ceux du " système " de Stanilavski, Soulerjitski, Mikhaïl Tchekhov, Boleslavski, Vakhtangov, et celui de Meyerhold en 1913-1917. Celui-ci, de même qu'Edward Gordon Craig et Jacques Copeau, mêle l'enseignement et la recherche dans une forme réalisée ou utopique d'école expérimentale. Dans cette première moitié du vingtième siècle, le laboratoire théâtral trouve essentiellement ses modèles dans la communauté religieuse ou , comme chez Meyerhold en URSS, dans l'avant-garde politique. Il faudra attendre les années soixante pour que resurgisse une forme nouvelle du laboratoire, sous la houlette de Jerzy Grotowski, qui à la fois se place dans le sillage de Stanislavski et donne l'élan aux aventures ultérieures de Peter Brook et Eugenio Barba. Suivre cette notion de laboratoire à travers le siècle et le continent, c'est écrire une autre histoire du théâtre d'art, qui tente de percer les profondeurs du travail théâtral et d'en examiner le processus secret plutôt que les résultats spectaculaires
The 20th century history of theatre practice in Europe is marked by notable places for experimentation which, as workshops, studios or research centres, can be collectively described as theatre laboratories. The theatre laboratory is a specific place and time where a collective of stage professionals, led by a mentor, conducts research in various domains of theatre practice without the urgent need to produce something for an immediate audience. Theatre laboratories emerged in parallel with the trend to give a key part to art theatre and to the personality of the stage director. Russia was the first country for experimentation with the Art Theatre studio in Moscow in 1905. That founding experience was the stimulation for creating many other studios for research on acting, those of the “system” of Stanilavski, Soulerjitski, Mikhaïl Tchekhov, Boleslavski, Vakhtangov, and that of Meyerhold in the URSS in 1913-1917. Following attemps by Edward Gordon Craig and Jacques Copeau, the latter combined teaching and research in the achieved or utopian form of an experimental school. In the first half of the twentieth century, the theatre laboratory found its models essentially in the religious community or, for the case for Meyerhold in URSS, in the political avant-garde. It was not until the sixties that a new form of laboratory emerged, under the leadership of Jerzy Grotowski. This new format followed the path set by Stanilavski, and it provided the impetus for Peter Brook's and Eugenio Barba's ultimate successes. Reflection on this notion of laboratory over the 20th century and throughout the continent provides a new view of the history of theatre art. The reflection is an attempt to unveil the depths of theatre-related work and to examine the underlying process rather than is spectacular results

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

48

Bigio-Nédélec, Sophie. "Le théâtre "fringe" : un théâtre engagé : expression des problèmes socio-politiques de la Grande-Bretagne : des années soixante au début des années quatre vingt dix." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20043.

Full text

Abstract:

"Nous avons étudié l'interaction entre la société, la vie politique et économique britannique et le théâtre "Fringe". Ce théâtre a essayé de se démasquer du théâtre conventionnel. Il se voulait moteur de changement social. Le théâtre "Fringe" a été promu par de jeunes artistes et étudiants britanniques qui croyaient en l'esprit révolutionnaire qu'avait fait naître mai 1968 en France et qui voulaient remettre en question le fonctionnement même de la société et de ses institutions. Ils étaient en général très engagés et leur préférence politique se situait nettement à gauche. Ils furent aidés par une presse "underground" qui annonçait à l'avance leurs spectacles et par un public jeune et dynamique. Quelques pionniers comme Joan Littlewood mirent en place les bases du théâtre "Fringe" : son but était de faire connaître des auteurs inconnus ou débutants, de faire venir au théâtre un public des classes laborieuses, d'écrire des pièces à pluseurs mains et à chaque fois que cela était possible, de faire participer le public. Le thème de ces pièces, comme celui de plusieurs dramaturges de ce théâtre était souvent en rapport avec l'actualité et concernait de près les spectateurs. La génération d'étudiants qui a vécu les évènements de mai 68 (D. Hare, H. Brenton, T. Griffiths, C. Churchill. . . ) avait à coeur de lutter contre la société de consommation, de s'engager dans de grands combats comme dans les manifestations contre la guerre du Vietnam ou contre le nucléaire. Des groupes considérés jusque là comme des minorités (les femmes, les noirs ou les homosexuels) réussirent à se faire une place dans le théâtre "Fringe" en abordant des sujets en rapports avec leur groupe. Tous se sentaient concernés par la vie politique de la Grande-Bretagne et faisaient part de leurs problèmes quotidiens ou de leur déception vis à vis du pouvoir en place ou du système dans lequel ils rêvaient d'évoluer. Leur théâtre conquit tellement le public qu'une partie d'entre eux fut réclamée par le théâtre de "l'Establishment". Leurs buts et leurs motivations changèrent alors de direction. Des évènements comme la chute du mur de Berlin ou l'effondrement du communisme dans de nombreux pays remit en question leur engagement. Le théâtre "Fringe" perdit alors de sa force et de son ampleur. "
We studied the interaction between society, political and economic life in Britain and Fringe theatre. This theatre tried to distinguish itself from mainstream theatre. It wanted to change society. Fringe theatre was created by young British artists and students who believed in the revolutionary spirit born from 1968 in France and who wanted to question the functioning of society and of its institutions. They were usually very commited and their political preference was clearly situated on the left. They were helped by an undergroung press which announced in advance their spectacles and by a young and dynamic public. Some pioneers like Joan Littlewood set the basis for fringe theatre : her aim was to present unknown authors or beginners, to make people from working classes come to the theatre, to write collectively and when possible to make the public participate. The themes of her plays, like many other playwrights of this theatre had to do with current events and the life of the public. The generation of students who had lived the May 68 events (D. Hare, H. Brenton, T. Griffiths, C. Churchill. . . . ) wanted to fight against the society of abundance, to commit in demonstrations like the Vietnam war or the nuclear. Groups considered as minorities (women, black people or homosexuals) made themselves heard with subjects in relation with their groups. They are felt concerned with the political life of Great Britain and would share their daily problems or their description towards government or towards the system they would dream of. The public liked their theatre so much that many of playwrights were recuperated by the established theatre. Then their aims and motivations completely changed. Events like the fall of Berlin wall or the collapse of communism in many countries challenged their commitment. Fringe theatre then lost its strengh

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

49

Nouiti, Hassan. "La vie théâtrale à Bordeaux sous le Second Empire." Bordeaux 3, 1997. http://www.theses.fr/1997BOR30078.

Full text

Abstract:

Cette etude de la vie theatrale a bordeaux sous le second empire, qui s'inscrit dans l'histoire culturelle de la france et de la province en particulier, est concue en deux grandes parties chronologiques : la premiere, 1851-1864, examine le monopole et le "privilege theatral"; la seconde, plus ample, consacree a la periode entre 1864 et 1870, correspond a l'ere de "la liberte theatrale" a bordeaux favorisee par le decret du 6 janvier 1864. Le second empire, cadre politique choisi pour notre etude, est riche dans le sens ou il illustre ces deux visages differents de la vie theatrale dans une periode circonscrite ce travail, privilegiant le depouillement systematique de la presse locale et des fonds d'archives departementales et municipales, a permis de restituer, sous differents aspects, la vie des theatres a bordeaux et de dresser avec precision et sans discrimination esthetique, le repertoire exact de tous les theatres de la ville. Au-dela d'un apport documentaire important, ce travail, ce travail de pionnier a permis de mettre a jour les debats et les modalites de la vie culturelle en province sous le second empire.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

50

Dieuzayde, Louis. "Le corps du comédien : ses traitements et ses fonctions dans l'expérience théâtrale." Aix-Marseille 1, 1997. http://www.theses.fr/1997AIX1A056.

Full text

Abstract:

Ce travail vise un premier discernement d'une articulation fondatrice de la pratique theatrale : celle du corps et de la parole dans le travail du comedien. Au moment ou ce travail est actualise sous le regard et dans l'entendement du spectateur. Il s'agit de discerner ce que rencontre le comedien dans l'exercice de sa demarche et ce qu'il a a mettre en oeuvre afin de s'engager dans une direction veritablement theatrale (traitement de certains noeuds inscrits entre les hommes, fonction d'enonciation qui le pose comme sujet d'une parole questionnante). Trois points de problematisation actuels sont determinants : la tension entre "spectacle" et "theatre", la meconnaissance de la fonction du langage, le noeud entre la dimension du poetique et celle du politique. 1e partie : nous nous efforcons de cerner les principaux elements de structure de l'articulation corps/parole sur le plan du travail du comedien, et sur celui de l'experience du spectateur, dans la mesure ou il est amene a assister a la presentification de ce travail. Chap. I: il s'agit d'operer une fragmentation de ce point de nouage que constitue le corps du comedien, en trois registres fondamentaux l'image du corps, la symbolisation et le reel du corps. Chap. Ii: a travers une problematisation de l'experience theatrale et de son potentiel d'enseignement, notre interrogation met l'accent sur les dimensions de l'entendement et du regard. L'objectif est de dechiffrer ce qui est en jeu dans ce qui est couramment appele "la presence" du comedien, d'apprehender le deplacement qu'elle necessite vers un au-dela de l'instance fascinatoire de l'image du corps. 2e partie : elle consiste en une mise en lecture de deux experiences theatrales, a travers le decryptage de deux mises en scene et de leur rencontre par un spectateur chap. I: "mademoiselle julie" d'august strindberg, mis en scene par matthias langhoff, 1989. A travers l'examen de la materialite scenique, du gestus, et du travail de la langue de strindberg, l'enjeu est de cerner comment certains moments de ce spectacle elaborent une mise en lecture concernant la problematique de l'alienation et celle de la pulsion de destruction en interrogeant la parole et ses effets. Chap. Ii: "je suis" ecrit et mis en scene par valere novarina 1990. Nous essayons de lire en ce spectacle l'assujettissement de l'homme a la parole. Assujettissement que novarina parait traite

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre – Aspect social – Cuba'

Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles