Academic literature on the topic 'Théâtre brechtien'

L’article analyse les différentes formes prises par la subversion dans les dramaturgies contemporaines anglaises depuis la révolution théâtrale provocante des Angry Young Men dans les années 50. Il étudie comment le théâtre politique qui s’épanouit dans les années 70 soumet le dispositif brechtien à un déplacement et recourt à la technique du choc pour éveiller la conscience des spectateurs, puis examine les modalités selon lesquelles la cruauté se communique à l’analyse du réel des années 80 à nos jours. Ce faisant, il interroge les enjeux réels de la subversion, et met l’accent sur l’importance de ne pas faire de la provocation une fin en soi, mais un moyen — une épreuve — susceptible de créer des possibilités nouvelles pour le réel.

L’article discute des rapports ambigus de Roland Barthes avec le théâtre et des multiples manières par lesquelles il a tenté de mettre ces rapports au clair. L’idée de théâtralité est l’aboutissement de cette démarche. Comme « épaisseur de signes », elle permet un meilleur dialogue avec les sciences humaines et, de là, de penser à nouveaux frais la culture populaire. Dans un premier temps, l’article reprend les discussions contemporaines sur le concept — chez Josette Feral notamment — pour en arriver à la théâtralité comme régime de visibilité, médiation et métaphorisation de l’espace public dans lequel les individus s’entre-aperçoivent tantôt sur un mode performatif, tantôt sur un mode réceptif. Dans un second temps, place est faite aux écrits peut-être plus anciens de Barthes à propos du théâtre brechtien. La venue du Berliner Ensemble à Paris, en 1954, fut un « véritable incendie » aussi parce que Brecht proposait un théâtre proprement immanent, mais dans lequel s’ouvrait une brèche, une possibilité de critique. La troisième partie de l’article poursuit cet effort consistant à repenser la critique à partir d’exemples vernaculaires tels la lutte, le Palace et les vedettes. Ces mythes de la culture de masse mélangent le profane et le sacré d’une telle façon que la critique et les intellectuels qui la portent se doivent de s’adapter et de se remettre en question.

RÉSUMÉ La présente étude propose une relecture de trois théoriciens dont les investigations continuent à servir de pierre angulaire à la théâtrologie : celles d'Aristote dont La Poétique, outre le fait qu'elle consacre le théâtre occidental, sert de fondement à l'esthétique dramatique et celles, plus récentes, d'Antonin Artaud et de Bertolt Brecht qui, bien qu'ils aient réfuté radicalement les théories aristoté- liciennes, ne se sont pas moins distingués l'un de l'autre pour donner les deux grandes voies que l'on sait à la réflexion dramaturgique contemporaine. Ces spéculations seront envisagées sous l'éclairage décisif de la mimèsis et de la catharsis qui ne se posent pas chez eux comme des notions distinctes, mais comme l'avers et l'envers d'un même travail sur un réel à chaque fois redéfini, qu'il s'agisse de l'obéissance aristotélicienne à une stricte logique narrative, de l'utopique déculturation artaudienne ou de l'engagement brechtien.

Résumé En s'oppuyant sur certaines théories féministes américaines du théâtre, cette étude s'attache à montrer les dangers de la mimesis réaliste traditionnelle pour la création d'un théâtre féministe. Les stratégies esthétiques de la pièce collective K ma mère, à ma mère, à ma mère, à ma voisine - telles que Vaho- _ lition du metteur en scène, le travail sur la construction des corps féminins, les ruptures narratives par la simultanéité des scènes et les procédés brechtiens d'autoréflexwité- sont ensuite analysées et comparées à celles d'autres pièces féministes québécoises des années soixante-dix. Cette analyse, qui fait d'K ma mère une sorte de modèle théorique, débouche sur la problématique d'un théâtre de femmes qui serait libéré des contraintes du patriarcat.

Le théâtre pour la jeunesse en France s’est depuis la fin du vingtième siècle constitué en un répertoire fécond qui explore le rapport au monde de ses jeunes lecteurs-spectateurs dans une perspective éthique et esthétique. Sous forme d’une constellation de textes, ce répertoire témoigne d’une richesse thématique et d’une inventivité stylistique qui participent du renouvellement des écritures dramatiques dans leur ensemble et qui interpellent quant au geste de transmission d’un auteur adulte qui écrit pour un jeune destinataire. Nous pensons dans ce cas que l’adresse à l’enfant conditionne le rapport de l’auteur à son œuvre et influence sa démarche artistique. La littérature dramatique pour la jeunesse affiche ainsi une double contrainte. En effet, les auteurs semblent soucieux de ne pas heurter le jeune destinataire dans sa sensibilité tandis qu’ils lui transmettent une réalité sombre dans la perspective de conscientiser et d’éveiller la jeunesse face à la société contemporaine, et de lui suggérer d’agir sur le réel. L’auteur engage alors sa responsabilité d’écrivain et ses textes deviennent des lectures possibles du monde. Sa démarche consiste à confronter le jeune destinataire à de grandes questions aux enjeux sociaux affichés d’une part, tout en faisant l’éloge de l’enfance comme un temps consacré, d’autre part. De multiples détours sont alors utilisés pour permettre d’énoncer une réalité certes quelquefois cruelle mais néanmoins avérée. Les auteurs de notre corpus, œuvrant en direction de la jeunesse, ont fait de l’enfance un sujet moral, social et politique en dénonçant, depuis la focale de l’enfance et par le truchement de personnages dramatiques d’enfants, les travers du monde contemporain. Ainsi, lorsque l’enfant paraît, c’est souvent pour livrer le constat d’une société défaillante où la nature de l’humain est revisitée et questionnée, sans pour autant réduire toute possibilité d’envisager l’avenir. Les auteurs font de l’enfance un réceptacle qui peut rendre compte d’une vision du monde, et ce sont précisément l’enfant et l’enfance qui constituent le premier détour d’un théâtre qui souhaite aborder le réel dans ses perspectives les plus tragiques, mais de manière optimiste. En effet, même lorsque le matériau que les écrivains travaillent est redoutable, le théâtre pour la jeunesse est à la fois beau et lisible, il raconte des choses importantes du présent, et l’une de ses fonctions premières est bien celle d’apporter du plaisir. En présentant notamment des « esthétiques de la résilience » avec des personnages d’enfants qui témoignent d’une grande ferveur pour la vie malgré les tragédies qui se jouent, le théâtre pour la jeunesse exhibe sa capacité à la fois à métaphoriser la violence – à convertir le réel par besoin et par choix – et à enchanter la vie des jeunes protagonistes ; et peut-être par extension celle des lecteurs potentiels de ce théâtre qui se situe à la frontière des âges, lu à la fois par les adultes et les enfants qui semblent chacun trouver les réponses aux questions qu’ils se posent. C’est aussi parce que l’enfance habite ces écritures que l’enfant n’est finalement pas le seul destinataire de ces œuvres. Il s’agit pour les auteurs d’écrire l’enfance et d’écrire à partir de l’enfance, en tant que valeur aussi intime qu’universelle, donnant au théâtre pour la jeunesse une portée transgénérationnelle. Cette thèse propose en somme d’analyser les dispositifs d’écriture à l’œuvre dans le théâtre pour la jeunesse, d’appréhender en quoi ces écritures sont de puissants révélateurs de l’état du monde et comment elles permettent de donner une voix à ce qui ne peut s’exprimer – l’infans –, révélant ainsi certaines situations d’oppression et d’injustice, tout en dessinant une poétique de l’enfance lorsque l’infantia se fait figure de création
French theatre for young people has an increasing repertoire which explore children’s relationship with the world in an ethic and aesthetic context. This repertoire is a grouping of text which use a lot of different themes and which renew theatre in general. It also questions the message transmission from the author to the young addressee. Then, we think that addressing children may determine the writer artistic work. The double bind is very large with dramatic literature for young people. Indeed, it seems so important for authors not to hurt in a manner the addressee who is child-sensitive while plays they write deal with hard reality. And this in order to raise children awareness towards society and to suggest them to act in the world. The author engages his responsibility and his texts offer rich readings of the world. On one hand he faces the youth audience with broad society issues while on the other hand he wants to assert the sanctity of childhood. Several detour are used to enable them to read the world in its tragic aspects. Playwrights use childhood as a moral, social and political subject to condemn the problems of the modern world with children characters. When the child is present as a character it is often to criticize the society and to question human nature. However, plays are optimistic. It is precisely the specificity of childhood that uses the first detour to expose an unfortunate reality. Childhood is also use as a possibility to offer a worldview. Even if the authors present some dreadful situations, their creations are nice and understandable. It talks about important things of our present and one of its main purpose is to bring enjoyment. In introducing « aesthetics of resiliency » with children characters who are clinging to life and survive in spite of hard situations, young people theatre show its capacity to transform violence and enchant people’s lives : characters’ lives and even maybe readers’ lives. It is a crossover theatre because readers are simultaneously old or young and everyone seems to find some answer inside this literature. Indeed, childhood is a writing process therefore these texts might concern everyone. Childhood would be a personal and an universal value. Young people theater is therefore intergenerational. In short, the aim of this thesis was to examine the theatrical writing for young people and to examine the relation of the artists with the reality. This writing reveal the reality of the world and give a voice to what cannot be expressed itself – infans – revealing those oppression or injustice situations. A poetic of childhood spread though this theatre