Dissertations / Theses: 'Théâtre de l'absurde – Histoire et critique'

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Wu, Yafei. "La réception en Chine du sentiment de l'absurde dans le théâtre d'Eugène Ionesco." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3027.

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Abstract:

La réception du théâtre d'Eugène Ionesco en Chine a connu plusieurs périodes différentes depuis les années 1960. Cette thèse consiste à l'explorer sous trois formes principales : la critique, la mise en scène et la création dramatique chinoise sous son influence. Les recherches sont entreprises à partir d'une réflexion récurrente de la réception d' « autrui » et la constitution de « soi ». La conception d' « autrui » traditionnelle et moderne chinoise influencent toujours la perception des cultures hétérogènes, alors que l'évolution de cette conscience depuis la fondation de la République Populaire de Chine agit profondément sur la réception de la littérature et l'art occidental. De la critique à la consécration, l'interprétation du théâtre d'Ionesco passe par le processus de rejet, refus, distinction et identification de l' « autrui ». Due à la lecture incomplète, elle se focalise sur quelques mots clés et des idées préconçues, pendant que sa conscience politique demeure un point aveugle. La pratique scénique du théâtre d'Ionesco est expérimentée pendant deux périodes intensives. Peu nombreuses, ces créations révèlent déjà des particularités de « sinisation » et la volonté de construire sa propre identité culturelle. Quant à l'écriture dramatique chinoise, l'apparition du théâtre de l'absurde chinois semble atteindre l'équilibre dans le vacillement entre deux pôles de l'emprunt de l' « autrui » et le retour du « soi ». Se référant au théâtre d'Ionesco, ce théâtre démontre des similarités. Un cas spécifique de réception d'une culture d' « autrui », celle du théâtre d'Ionesco, retrace aussi le chemin de rétablissement de l'identité culturelle de la Chine contemporaine
The reception of Eugène Ionesco's theatre in China has witnessed several different periods since the 1960s. This thesis involves researching the reception from three principal forms: the critique, the staging, the Chinese dramatic creation under his influence. The study is begun from a recurring reflection in reception of 'the other' and constitution of 'the self'. The Chinese traditional and modern conception of 'the other' influence always the perception of heterogeneous cultures, while her evolution since the foundation of People's Republic of China has a profound effect on reception of occidental art and literature. From critique to consecration, the interpretation of Ionesco's theatre passed by the process of rejection, refusal, distinction and identification of 'the other'. Due to an incomplete lecture, it is focused on several key words and preconceived ideas, although his political conscience remains a 'blind point'. The practice scenic of Ionesco' theatre experienced two condensed periods. These creations which are not numerous convey already the particularities of 'sinicization' and the will to construct the Chinese own cultural identity. As for the Chinese dramatic creation, the appearance of the Chinese theatre of the absurd seems to attain the equilibrium in the wobble between two poles which are borrowing from 'the other' and return to 'the self'. Instead of referring to the whole occidental theatre of the absurd, but to Ionesco's theatre, this theatre demonstrates the similitude.The reception of Ionesco's theatre, a specific case of reception of the other's culture, retraces also the way of the cultural identity's re-establishment in contemporary China

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Maruéjouls-Koch, Sophie. "Le "Théâtre plastique" de Tennessee Williams : du "langage de la vision" à "l'écriture organique." Thesis, Université de Lorraine, 2014. http://www.theses.fr/2014LORR0331/document.

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Abstract:

Tennessee Williams utilise pour la première fois l’expression « théâtre plastique » en 1944, dans un essai où il évoque les limites du langage verbal. Ce qu’il recherche, c’est un langage « des sons, des couleurs et des mouvements », un au-delà des mots censé redonner vie à un théâtre réaliste jugé moribond. Il se fixe ainsi pour objectif de retranscrire sur la page la totalité de l’expérience théâtrale. Créateur d’images, le dramaturge se compare fréquemment à un peintre et puise dans l’art pictural les éléments de son nouveau langage. Gauguin, Van Gogh, De Chirico, Hofmann ou encore Pollock font partie de la longue liste d’artistes qui lui ont permis d’échapper à la pétrification dans un mimétisme réaliste associé à l’image photographique. Cités dans ses essais ou dans ses pièces, ils orientent son théâtre vers l’abstraction à laquelle le dramaturge aspire. Or, l’influence des images sur le « théâtre plastique » ne se limite pas seulement à la peinture, la fascination de Williams pour le cinéma a également contribué à façonner son écriture, élargissant encore davantage l’alphabet de son langage théâtral. L’image apparaît en ce sens comme un agent libérateur du langage, un au-delà des mots dans lequel se profile un « je » en marge de la représentation comme système culturellement prédéterminé et prédéterminant. L’écriture de Williams désire l’image. De là vient sa puissance subversive. Le processus créateur tout entier se fonde sur l’entrelacement des logiques sémiotiques propres au langage et à l’image, faisant de l’un l’envers de l’autre, sa moitié indispensable. Le rapport de complémentarité qui unit l’image au langage dans toute l’œuvre de Williams met à jour l’originalité d’une écriture animée par un désir d’image, écriture vivante du théâtre
When Tennessee Williams coined the phrase “plastic theater” in 1944, he described it as a language of “sounds, colors and movements,” a language freed from the limitations of words. His aim was to breathe new life into what he called “the exhausted theater of realistic conventions.” His ability to put the totality of theatrical experience into words manifests itself in the scripts of his plays. Williams is a creator of pictures, a playwright in the true sense of the word who found in painting and cinema the images he needed to elaborate his new language for the stage and move away from a “photographic likeness” he rejected because it was associated with realism. Gauguin, Van Gogh, De Chirico, Hofmann or Pollock are but a few of the many painters mentioned in his plays or essays who provided him with the means to enrich his vocabulary for the stage and lead his “plastic theater” toward “something more abstract.” But cinema also influenced him, giving him the opportunity to explore new possibilities and create a space between words and images where the elusive truth could be revealed. Images thus helped liberate Williams from the literary traditions as well as from the cultural codes that had defined and confined his writing from the very beginning. The writer who felt “wrapped up in literary style like the bandages of a mummy” found in images the subversive power he needed to express his true self and breathe life into words that he had always wanted to be “more than words.” From “the language of vision” to “organic writing,” Williams’s “plastic theater” evinces a desire for images

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Lempereur, Nathalie. "Arthur Adamov, entre modernité et engagement : lieux, acteurs et réception d'un théâtre en politique." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010595.

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Abstract:

Arthur Adamov (1908-1970) est une figure peu étudiée du théâtre contemporain. Le regard culturel et social que nous avons adopté doit permettre de renouveler l'intérêt pour cet homme de théâtre inclassable, mais dont l'apport a été majeur. D'abord lié à l'«absurde», il s'est tourné vers un théâtre social voire politique, sans jamais s'y cantonner, alors même qu'il se rapprochait du parti communiste. Cette thèse analyse les évolutions de son théâtre, qui n'a jamais été figé, et dont les formes se sont transformées en fonction des évolutions politiques et sociales ainsi que celles du milieu théâtral. Elle met en lumière l'intellectuel engagé et les divers répertoires d'action qu'il a utilisés, surtout entre la crise de mai 1958 et la fin de la guerre d'Algérie. L'œuvre d'Adamov a reflété la société de son temps, elle a parfois été encouragée, a suscité des enthousiasmes, mais aussi de vives critiques. Sont mises en exergue autour de son œuvre les sociabilités et instances de légitimation : directeurs de salles, revues, metteurs en scène. Les lieux où il est joué, en France - des salles avant-gardistes aux théâtres de la banlieue «rouge» - ou à l'étranger, déterminent une géographie propre aux théâtres ouverts à une dimension politique et à un nouveau public. Les écarts entre le public souhaité et réel, comme entre le théâtre théorisé, pensé et la pratique forment un autre axe d'analyse. Enfin, cette recherche dresse un tableau de la réception de son œuvre, particulièrement empreinte des sensibilités de son temps. C'est une utopie artistique et politique quelque peu enfouie, qui surgit dans sa dimension singulière et collective
Arthur Adamov (1908-1970) is a Jess studied figure of contemporary theatre. The social and cultural point of view that we adopt allows renewing interest for this unclassifiable and playwright. Initially linked to the "absurd", he shifted towards social and political theatre; meanwhile he was getting closer to the communist party. This thesis analyzes the evolution of his theatre that never freezes but reconfigures with the transformation of theatre, political and social backgrounds. We try to bring out the engaged intellectual and the list of his various actions that reached its peak between May 1958 cri sis and the end of the Algerian war. Adamov' s work reflects the society of his time; it has been encouraged, provoked enthusiasms as well as received hard critics. Sociability and legitimation instances reconfigure around his work: theatre hall directors, magazines, producers. The places when he has been played, in France - from avant-garde halls to the "red" suburb - or abroad, determines the particular geography of theaters opened to certain political dimension as well as to a new audience. The gap between the wished and real audience, as between theorized, imagined and practical theater, form other axes. Finally, this research provides information about the reception of Adamov's works, especially the impressions and sensibilities of his time. It's all about artistic and political utopia somehow buried which will arise in its collective dimension

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Protin, Matthieu. "Pratique et poétique du drame : Beckett auteur-metteur en scène de son premier théâtre." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030171.

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Abstract:

En mettant en scène Warten auf Godot en 1975 au Schiller Theater, Beckett déclare : « Je ne connaissais rien au théâtre quand j’ai écrit cette pièce. » Constat précieux : l’auteur parle au passé. Entre l’écriture et la mise en scène, un savoir a été acquis. Le défaut de savoir constaté concerne la dimension pratique du théâtre. C’est le théâtre tel qu’il se fait auquel Beckett s’est peu à peu confronté, jusqu’à assumer la mise en scène de ses propres pièces. Devenu praticien, l’auteur s’empare de se première œuvres, les reprend : dans cette reprise lui apparaissent les failles et les manques initiaux. Loin de relever d’une continuité ou d’une évidence, la mise en scène par l’auteur de son premier théâtre et les réécritures auxquelles elle donne lieu offrent un aperçu sur la façon dont l’intériorisation par Beckett de deux fonctions qui ont joué un rôle fondamental dans l’histoire du théâtre au XXe siècle soumet ses pièces à une dynamique de création seconde qui fait évoluer sa poétique initiale. Beckett ne considère pas l’œuvre écrite comme une partition dont il faudrait assumer l’exécution. Au contraire, au fil de sa pratique scénique, il les dramatise et les théâtralise, témoignant de l’évolution même de sa conception du théâtre. Il passe d’un « théâtre rêvé » à un « théâtre pratiqué ». Dans ce passage se dévoilent les méandres et les détours d’une écriture dramatique façonnée initialement dans un creuset romanesque, qui va progressivement acquérir une théâtralité plus marquée. La pratique soumet alors la poétique à une dynamique de reprise et d’ajustements dévoilant en définitive un « Beckett en mouvement », qui allie pratique scénique et poétique du drame pour fonder une poétique théâtrale complexe
While staging Warten auf Godot in 1975 at the Schiller Theater, Beckett says : « I knew nothing about theater when I wrote this. » The use of the past tense points out the fact that between the writing process and the staging process, something has been learnt. What he did ignore is theater as an artistic practice, as a performance. He will discover it progressively during the 1950’s and the 1960’s and eventually will become the director of his own plays. Our work aims at showing how this shift from desk to stage will lead him to rewrite them, carrying on the creative process directly from the theatre, and, in return, how his very conception of directing is shaped by the singularity of these plays. Far from considering stage directing as a mere execution of the stage directions, Beckett dramatizes and theatricalises his works. Thus, his very conception of theater evolves from an abstract vision, drama as it appears in a literary form, to very a practical one, transforming the very theatricality at stake in his plays. Stage directing and theatre writing are then offering a constant interface, which leads to the emergence of what may be called a theatrical creation in which practical standpoint and literary creation are linked together

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Mpakonikóla-Geōrgopoúlou, Chará. "L'absurde dans le théâtre d’Euripide." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040144.

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Gay, Marie-Christine. "Le théâtre français « de l’absurde » en RFA (1949-1989) : créations et réceptions des œuvres d’Adamov, Beckett, Genet et Ionesco outre-Rhin." Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100155/document.

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Abstract:

À la fin des années 1940, une nouvelle avant-garde théâtrale fait son apparition dans les petites salles de la Rive gauche à Paris : le théâtre « de l’absurde », désigné ainsi par le critique britannique Martin Esslin. Cette écriture dramatique novatrice, qui parvient à s’imposer rapidement auprès du public français et international, connaît sur les scènes ouest-allemandes un succès durable. La présente thèse s’emploie à mettre au jour le processus de transfert et les modalités de réception en République Fédérale d’Allemagne des œuvres des principaux représentants de ce mouvement : Arthur Adamov, Samuel Beckett, Jean Genet et Eugène Ionesco.À partir de sources inédites issues des archives, il s’agit de reparcourir les trajectoires des médiateurs de cette importation culturelle, de retracer la chronologie de la réception et de souligner la diversité des supports utilisés, théâtraux, radiophoniques et télévisuels. La circulation des œuvres dans le paysage théâtral ouest-allemand entre 1949 et 1989 est étudiée dans ses différentes étapes, de leur découverte par les maisons d’éditions à leurs traductions, créations scéniques majeures et enfin leur accueil par la presse spécialisée et le public dans son ensemble. Par nature cosmopolite, le répertoire théâtral « de l’absurde » a été doté dans la culture d’accueil ouest-allemande d’une dimension internationale qui a favorisé la réussite de son intégration. Ce travail ouvre ainsi un chapitre inédit dans l’histoire de l’Allemagne, de sa culture et de son théâtre comme, plus largement, des relations culturelles franco-allemandes
At the end of the 1940s, a new theatrical avant-garde appears on the small stages of the Left Bank in Paris: the theatre of the “absurd”, as conceptualised by the British drama critic Martin Esslin. This innovative dramatic writing style succeeds in establishing itself with the French and international public, and enjoys a long-lasting success in West German theatres. This thesis aims at uncovering the process of cultural transfer and the modes of reception in the Federal Republic of Germany through the main representatives of this movement: Arthur Adamov, Samuel Beckett, Jean Genet and Eugène Ionesco. Based on previously unpublished archival sources, this work retraces the path of the mediators of this cultural import, follows the chronology of the reception and highlights the diversity of the types of media used: theatre, radio and television. The individual steps through which the theatrical works were circulated in the West German theatre landscape between 1949 and 1989 will be analysed from the discovery by publishing houses via different translations, to major stage productions and finally the acceptance by the theatrical press and the general public. Thanks to its cosmopolitan nature, the theatre of the “absurd” was endowed by the West German host culture with an international dimension that contributed to its successful integration. Hence this study opens a new chapter in the history of Germany, its culture and theatre as well as, more widely, the French-German cultural relations

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Street, Anna. "Comedy of the Impossible : The Power of Play in Post-war European Theatre." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040179.

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Abstract:

En retraçant le développement des théories de la comédie dans la philosophie occidentale, cette thèse avance que des préjugés l’ont empêchée d’être reconnue comme un genre littéraire sérieux. Il est montré que la place donnée à la comédie comme genre mineur pendant plus de deux mille ans correspond à un modèle éthique qui affirme, en distinguant le réel de l'Idéal, une vision néo-platonicienne de l'existence. Partant de l’analyse d’un phénomène théâtral précis dans l’Europe de l’après-guerre et à travers de nombreux exemples choisis parmi des pièces de cinq dramaturges différents, cette thèse propose trois principaux critères de la comédie : le statut ontologique des personnages comiques, la relation paradoxale de la comédie au monde des apparences, et son aptitude à permettre l'impossible. Opérant ainsi un renversement total des systèmes de valeurs et remettant en question une vision binaire, la comédie brouille les clivages entre l’abstrait et le concret, le mécanique et l’organique, et au bout du compte entre la vie et la mort. Il est démontré comment ce renversement s’accomplit de manière linguistique, métaphorique ou encore dramaturgique. L’étude conclut que la comédie bouleverse l'ordre socio-symbolique qui repose sur la logique du possible
By tracing the development of theories of comedy within Western philosophy, this thesis claims that anti-comic prejudices prevented comedy from being recognized as a serious genre. Comedy’s inferior status for over two thousand years is shown to correspond to an ethical model that distinguishes the real from the Ideal and affirms a Neo-Platonic vision of existence. Through numerous examples taken from a particular phenomenon of post-war European theatre comprising five different playwrights, this thesis proposes three primary characteristics of comedy: the ontological instability of comic characters, comedy’s paradoxical relation to the world of appearances, and comedy’s willingness to accommodate the impossible. By throwing binaries into question and promoting a complete reversal of dominant value systems, comedy blurs the lines of distinction between the abstract and the concrete, the mechanical and the organic and, ultimately, between life and death. Demonstrating how this reversal is accomplished linguistically, metaphorically, or dramaturgically, this study concludes that comedy subverts the socio-symbolic order that relies upon the logic of possibility

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Amir, Amal. "La poétique de l'Absurde dans le théâtre de Jean Tardieu." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040025.

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Abstract:

La poétique de l'absurde dans le théâtre de Jean Tardieu. Notre étude comporte trois parties, chaque partie contient deux chapitres. La première partie intitulée : l'absurde à travers, ce qui est emprunté aux autres dramaturges absurdes ainsi que les nouveaux procédés d'écriture et de discours théâtral. La deuxième partie est l'étude du rapport entre le langage de Tardieu et son personnage : l'absurde émane-t-il du personnage ou bien du langage ? On montre que le langage est le pivot dans l'absurdité de son théâtre; cette absurdité du langage jour un rôle dans la communication ou la non communication du message tardien soit entre personnahe et personnage soit entre personnage et public. La troisième parite étudie la subjectivité langagière de Tardieu, la manière dont elle le rapproche ou l'éloigne du linguiste, l'influence qu'elle exerce sur la possibilité de traduire et la variété des traductions possibles de son texte théâtral
The poetic of absurd in the theatre of Jean Tardieu. Our study comprises three parts, each part contains two chapters. The first part entitled : l'absurde through the language of Jean Tardieu, tries to determine the objectif essence of its writing, they used tools and the processes of the absurd language, which is borrowed from the other absurd playwrights as well as the new processes of written, and of theatrical speech. The second part is the study of relationship between the language of Tardieu and its character. The absurd does it emanate of the character or of the language ? It is shown that the language is the pivot in absurdity of its theatre : this nonsense the language plays a part in the communication of subjectivity of Tardieu, the way it puts together or keeps it away from the linguist. What's influence exerts on the possibility of translating and the variety of the possible translations of its theatrical text

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Lee, Yong-Seog. "Recherches sur le langage des gestes dans le théâtre de l'absurde : Samuel Beckett et Boris Vian." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040181.

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Abstract:

L'objectif de cette thèse est de dévoiler et d'analyser le langage des gestes dans le théâtre de l'absurde de Beckett et de Vian. L'insurrection du langage gestuel et corporel est l'un des éléments essentiels de leurs univers théâtraux. Les gestes abondants et précis des personnages beckettiens et vianesques, leur fonctionnement, leur esthétique et leur signification sont un sujet tout à fait primordial pour notre étude. Répétitif, fragmentaire, sériel, absurde, burlesque, dérisoire, tragique, comique, humoristique, tous ces qualificatifs que l'on peut attacher à la nature des gestes beckettiens et vianesques, président à la stratégie de l'élaboration dramatique. Le langage des gestes vianesques et beckettiens, en tant qu'instance de création scénique et en tant qu'unité paradoxale et structure du tragique comique, se métamorphose en une source esthétique et philosophique
The objective of this thesis is to reveal and analyze body language in Samuel Beckett and Boris Vian's absurd theater. The insurrection of body and motion language is one of the essential elements in their theater work. The abundance and precision of the body language in the Beckett and Vian characters, their functioning, esthetic and meaning constitute an object of study of considerable importance. Repetitive, fragmentary, serial, absurd, burlesque, derisive, tragic, comic, all their adjectives that describe the nature of Beckett and Vian's body language are the source from which the dramatic elaboration derives. The body language of Beckett and Vian, as an instrument of scenic creation, as a paradoxical unity and as a tragic and comic structure, is a source of esthetic and philosophical meaning

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Magalhaes, Catherine. "Fantasie et Théâtre : l'univers de Terry Pratchett en scène." Caen, 2013. http://www.theses.fr/2013CAEN1709.

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Abstract:

Dans cette thèse, nous abordons les liens entre la fantasie, genre aux contours encore fluctuants et le théâtre en nous intéressant aux adaptations des romans de Terry Pratchett au théâtre. Terry Pratchett est un auteur britannique contemporain, réputé pour sa longue série de romans de fantasie, The Discworld Novels, qui comporte à ce jour plus d'une quarantaine d'ouvrages. Ses œuvres ont été adaptées de nombreuses fois, sous diverses formes : pièces de théâtre pour la scène mais aussi pour la radio, films, comédies musicales, dessins animés et même jeux vidéo. Cette recherche se concentre sur les dramatisations, dont le grand nombre de mises en scène ainsi que leur fréquence incitent à s'intéresser à ce phénomène. Notre analyse s'ouvre sur un examen des caractéristiques de ce genre, ainsi que des traits distinctifs de ce corpus, son ton humoristique, sa forte intertextualité et sa dimension satirique. Dans le passage de ce genre au théâtre, il lui faudra se plier aux codes scéniques sans perdre sa spécificité. Le processus d'adaptation apparaît comme une lecture sélective, une interprétation des œuvres originelles mais aussi comme une recherche théâtrale, l'élaboration d'une esthétique atypique
In this these, we tackle the links between fantasy, a genre with still fluctuating limits, and theatre, taking an interest in the adaptations of Terry Pratchett's novels to the stage. Terry Pratchett is a contemporary British author, famous for his longue series of fantasy novels, The Discworld Novels, consisting nowadays of more than forty books. His works were adapted several times to different supports: plays - for theatre and for radio - films, musicals, animated series and even video games. This study relies on the dramatizations, whose numerous and frequent stagings encourage the researcher to look into this phenomenon. Our analysis begins with the examination of the characteristics of this genre and of this particular a body of works, known for their humour, their high intertextuality and their satirical aspect. During the transformation from novels to plays, these works will need to take into account theatre conventions without losing their particularity. The process of adaptation appears to be a selective reading, an interpretation of the original works, but also a theatrical research and the construction of a atypical aesthetics

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Loyer, Emmanuelle. "L'Aventure du Théâtre National Populaire (1951-1972) : matériaux pour une histoire culturelle du théâtre." Lille 3, 1996. http://www.theses.fr/1996LIL30012.

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Abstract:

Cette these vise a redonner toute la visibilite voulue a une action souvent occultee. En effet, les termes de "theatre civique" ou de "theatre citoyen" etaient, a quelques exceptions pres, bannis de la scene francaise depuis 1968. Comment, de 1947 a 1972, jean vilar, avec le festival d'avignon fonde en 1947 et le theatre national populaire dirige a partir de 1951, puis georges wilson, son successeur a la tete du tnp ont-t-ils vecu la courbe ascendante puis brutalement descendante du theatre populaire francais? dans l'apres-guerre, avignon puis le tnp drainent tous les espoirs d'une democratisation culturelle officiellement inscrite dans le preambule de la constitution de 1946. Par leur ambition sociale affirmee et leur esthetique dramatique, les deux creations de vilar deviennent l'embleme d'une reconciliation possible, le lieu d'une communion laique jadis desiree par les combattants de la resistance. Vingt ans plus tard, en 1968, alors que la politique culturelle de la veme republique semble solidement installee dans ses maisons de la culture, les jeunes contestataires descendus en avignon conspuent l'idee de theatre populaire, villipendent celle de "theatre service public", denoncent le mythe de la democratisation culturelle et crient "vilar, bejart, salazar". Etudier cette evolution, c'est parcourir quelques decennies d'une formulation specifiquement francaise de la problematique du theatre du peuple, lancee par la revolution de 1789, latente durant tout le xixeme siecle et vigoureusement exprimee au moment de l'affaire dreyfus pour irriguer toutes les interrogations theatrales du xxeme siecle. C'est egalement se donner les moyens de comprendre le ressurgissment actuel, dans le theatre francais, de l'exigence d'un theatre inscrit pleinement dans la cite
This thesis wants to restore jean vilar and his action to his proper place a highly important one, which he had long been denied. Indeed, such expressions as "theatre civique" and" theatre citoyen" had been banned, for the most part, from the french scene. Jean vilar's then georges wilson's experience-wilson was the tnp's boss after vilar's departure in 1963-of the steady rise and abrupt fall of the french popular theater from 1947 to 1972 - with the creation of his festival d'avignon in 1947 and his nomination as head of the theatre national populaire in 1951-is a very telling one. After ww2, all hopes of a cultural democratization - an official goal, stated in the preamble to the 1946 constitution-focused on avignon and later on the theatre national populaire. Because of their declared social ambition and their theatrical aesthetics, both of vilar's creations became symbols of a possible reconciliation, of a laic communion the resistance fighters had dreamed of. Twenty years later, in 1968, as the cultural policy of the 5th republic seemed to go at a good pace in the maisons de la culture, the young rebels who came to avignon rejected the idea of a popular theater, sneered at that of a "civil service theater", jeered at the myth of a cultural democratization and shouted out : "vilar, bejart, salazar". Studying this development is running through a few decades of a specifically french answer to the idea of a theater for the people. A concept which first appeared in france during the 1789 revolution, continued to raise difficulties throughout the 19th century, and more acutely during the dreyfus affair, to later feed all the theatrical quests of the 20th century. Studying this development also enables us to understand the current rise, in the french theater, of a demand for a type of theater fully integrated to the polis

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Polloli, François. "Dimension de l'absurde dans les musiques de György Ligeti et de György Kurtág." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082427.

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Abstract:

Une certaine conception de l’absurde conduit à s’interroger, au moyen de l’analyse musicale, sur le sens des oeuvres de Ligeti et de Kurtág qui, en mettant en scène les univers de Carroll ou de Kafka, se situent dans l’ambiguïté paradoxale de l’absurde. La question de l’héritage est centrale chez ces compositeurs hongrois marqués par le nazisme et le stalinisme ; et les nombreuses allégations qu’ils font à la tradition ou à Bartók confèrent un solide substrat à leurs écritures respectives. L’usage qu’ils font des séries et leurs machines musicales témoignent de leur liberté à l’égard de la pensée sérielle ; et la déchirure comme la révolte s’expriment par les altérations qu’ils infligent à des matériaux citationnels ou à des procédés fossilisés. Mais, par leur travail aux frontières de la musique (bruits ou langage), ils élaborent des formes viables qui ouvriraient une éventuelle voie vers un nouvel humanisme dans une société qui, en prétendant au bonheur, sécrète de la douleur
A certain conception of the absurd leads to interrogations, by means of musical analysis, on the meaning of those works by Ligeti and Kurtág which, through settings of Carroll’s or Kafka’s universe, are situated in the paradoxal ambiguity of the absurd. The question of heritage is central to these Hungarian composers marked by nazism and stalinism, and the numerous references which they make to musical tradition or to Bartók form a solid substratum in their respective writings. Their particular use of series and musical machines are witness to their freedom with regard to serial thinking, and their sense of rupture and revolt are expressed through the alterations which they inflict on citations or fossilized procedures. Yet, by their work at the frontiers of music (noise or language), they elaborate viable forms which open a potential path towards a new humanism in a society which, based on the pursuit of happiness, conceals pain

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Egger, Carole. "Le Théâtre de Luis Riaza." Aix-Marseille 1, 1999. http://www.theses.fr/2000AIX10010.

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Abstract:

A partir de quatre pieces ecrites a la fin du franquisme et plus particulierement de l'une d'entre elles portrait de dame au petit chien, ce travail explore toutes les formes de metatheatralite qui fondent l'originalite dramaturgique de l'oeuvre de luis riaza. Partant de la methode proposee par michel vinaver, l'analyse montre qu'aucun des elements integrant la structure dramatique (personnages, action, theme, espace, temps etc. . . ) n'echappe a un processus generalise de mise en abyme. Dans la dramaturgie rituelle de riaza, qui se definit ainsi par sa propension a la speculante et par une reflexivite obsessionnelle, c'est la theatralite meme qui se trouve thematisee. La representation theatrale, a l'instar de la representation mentale, devient exemplaire des illusoires mecanismes de la conscience prise dans les rets d'un desir - qui n'est que desir mimetique - et d'un langage -qui la contraint autant que le rite contraint la dramaturgie -. Dans ce << cycle du pouvoir >> qui dramatise davantage une << volonte de toute puissance >> que le pouvoir lui-meme, les dramaturgies de la modernite, qui avaient legue a l'oeuvre son instabilite structurelle et l'eclatement de ses formes, se trouvent depassees dans une distanciation parodique induisant un point de rupture dans l'histoire du theatre espagnol contemporain. Ainsi pourra-t-on glaner dans cette oeuvre composite, eclectique et ironique les traces de ce que la sociocritique appelle << le sujet culturel postmoderne >>.

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Claude, Jean. "André Gide et le théâtre." Nancy 2, 1990. http://www.theses.fr/1990NAN21024.

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Abstract:

Un bilan exhaustif des activités théâtrales de Gide permet de souligner comment se dessine à l'intérieur de sa carrière littéraire une véritable carrière dramatique et combien le théâtre est reste pour lui une tentation. L’examen de ses idées sur le théâtre fait apparaitre une conception exigeante de l'œuvre dramatique centrée sur la notion de "caractères", seul moyen de proposer de nouvelles formes d'héroïsme. Si Gide accorde toute son attention aux vertus littéraires du texte dramatique, il a exprimé en revanche beaucoup de réticences à l'égard des exigences de la représentation théâtrale et il lui a été difficile de s'y soumettre sans qu'il y ait étroite corrélation, ses idées aident à comprendre ses propres œuvres dramatiques qui, par delà la diversité de leurs formes, se caractérisent par une formule dramatique originale : une figure centrale forte de ce qu'elle incarne de sa pensée, des personnages secondaires qui ne se comprennent que par rapport à cette figure, une action intériorisée, une désinvolture à l'égard des péripéties au profit de la nécessite intérieure qui guide les héros. Les œuvres dramatiques de Gide représentent, comme ses récits, une expérimentation des possibles, une expérience vécue par procuration ; on y retrouve les mêmes préoccupations morales, religieuses et politiques. Mais l'objectivation propre à la forme dramatique, leur incarnation dans des figures antiques ou bibliques, les détachent de l'auteur qui pourtant ne peut s'empêcher de manifester indirectement sa présence par le biais des procédés ironiques
An exhaustive survey of Gide’s activities related to the theatre shows how, within his literary career, a genuine dramatic career emerged and what attraction drama always exerted on him. Gide had an exacting conception of dramatic production, centered on the notion of 'characters', which to his mind were the only means of propounding new forms of heroism. While he attached great importance to the literary qualities of the dramatic text, he expressed much reluctance to submit to the constraints of the theatrical performance and found it difficult to comply with them in practice. His ideas throw light on his dramatic production, though there is no direct correlation between the two. These works, however diverse in form, are characterized by one original dramatic formula: a central figure embodying some of Gide’s own ideas in a forceful way, secondary characters to by understand only in relation to the central figure, an interiorized action, a disregard for adventures to the benefit of the inner necessity which guides heroes. In his dramatic works, as in his narratives, Gide experiments with potentials, lives experiences by proxy. The same moral, religious and political concerns are to be found in them. But the objectivities inherent in the dramatic form, and the embodiment of these values in heroes from the antiquity or biblicaltimes, tend to sever these concerns from the author, even though Gide cannot refrain from manifesting his presence through irony

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Plana, Muriel. "La relation roman-théâtre des lumières à nos jours, théorie, études de textes." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030050.

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Abstract:

Parcourant les deux derniers siecles de l'histoire litteraire europeenne, cette these apprehende theatre et roman a travers leur relation, d'un point de vue historique et anti-essentialiste. Synthese theorique et etude de textes-limites ; (de sade, ami radcliffe, alexandre duval, hugo, balzac, concourt, zola, dostoievski, camus, duras, aragon et vitez) ainsi que d'oeuvres theoriques problematiques (rousseau, mallarme, brecht), elle raconte et interprete la relation entre ces deux genres, qui se nourrissent l'un l'autre par des emprunts plus ou moins explicites de formes ou de normes (adaptation theatrale, dramatisation du roman, romanisation du theatre, epicisation brechtienne, theatre-recit). En effet, theatre et roman se pensent et se definissent sans cesse mutuellement, comme le prouvent maints exemples de theatralite romanesque ou encore la fascination croissante qu'exerce le roman sur le theatre ecriture et scene. Grace a la mise en rapport de concepts anciens (elabores par bakhtine, lukacs, szondi, barthes. . . ), plus recents (sarrazac) ou personnels et des oeuvres etudiees, ce travail defend l'idee que theatre et roman ne sortent des differentes crises formelles qu'ils traversent qu'en assumant la part de l'autre en soi - ce qui leur permet d'evoluer et de s'inscrire, malgre certaines resistances, dans la construction esthetique et ideologique de la modernite
Covering the two last centuries of european literary history, this thesis deals with theatre and novel through their relationship from a historical and anti-essentialist point of view. Theoretical synthesis and study of problematical texts (by sade, ann radcliffe, alexandre duval, hugo, balzac, goncourt, zola, dostoievski, camus, duras, aragon and vitez) and theoretical works (by rousseau, mallarme and brecht), it tells and interprets the relationship between two genres which provides each other with more or less explicit borrowings concerning norms and forms (theatrical adaptation, dramatization of the novel, novelistic influences on theatre, brechtian epic theatre) theatre and novel continually define each other; it appears in many examples of + theatrality ; inside the novel or in the increasing fascination that novel inspires to theatre, in writing and on stage. Confronting former (by bakhtine, lukacs, szondi, barthes), recent (sarrazac) or personal concepts to the works under study, this thesis tends to show that theatre and novel overcome the different formal crisis they pass through only by accepting the part of the other within what allows them to evolve and, despite some resistances, to take part in the aesthetic and ideological building of modernity

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Bérard, Stéphanie. "Au carrefour du théâtre antillais : littérature, tradition orale et rituels dans les dramaturgies contemporaines de Guadeloupe et de Martinique." Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10107.

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Abstract:

La très grande richesse et l'extrême hétérogénéité du théâtre antillais contemporain se manifeste dans la variété des matériaux utilisés par les dramaturges et metteurs en scène de Guadeloupe et de Martinique qui puisent leur inspiration dans des traditions multiples représentatives du métissage culturel de la société créole. Littérature, tradition orale et rituels profanes et religieux nourrissent la création théâtrale antillaise qui absorbe, assimile et transforme ces matériaux suivant différents processus de transposition formelle et sémantique. Le remodèlement de la tradition dramatique classique occidentale, de la poésie et du roman caribéens et africains, de la tradition orale et des composantes des rituels du carnaval, du vaudou et du "lewoz" contribue à la force et au dynamisme de dramaturgies qui se situent au confluent de différentes influences et font preuve d'audace et d'originalité créatrice en s'orientant vers des voies esthétiques nouvelles.

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El, Hallak Oussama. "Le Théâtre d'ombres arabe et sa musique." Paris 3, 1988. http://www.theses.fr/1989PA030062.

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Abstract:

Le theatre d'ombres arabe, art tres populaire avant le 19e siecle, mais meconnu de nos jours, est tres riche en aspects artistiques, historiques et sociaux. Il occupe une place importante dans le patrimoine culturel arabe. Differentes theses expliquent sa genese. La diversite de ses formes et designations est source d'enseignements sur le plan litteraire et artistique. A travers les differentes etudes menees jusqu'a nos jours sur le theatre d'ombres arabe, l'element musical a ete occulte. Or, une analyse exhaustive saurait dissocier l'element musical (modes, rythmes, instruments) de l'ensemble sonore (poesie, linguistique, musique). D'autre part, la quasi-totalite des textes d'ombres sont ecrits sous forme poetique, prosodique ou rimee, d'ou l'interet d'une analyse des differentes formes poetiques intervenant dans les pieces d'ombres, de leur role et de leurs structures, exprimant ainsi le lien etroit entre le verbe et le rythme. Enfin, une piece d'ombres egyptienne "le phare d'alexandrie" est presentee afin d'illustrer la richesse du theatre d'ombres arabe en elements musicaux et poetiques. Une traduction inedite en langue francaise et une analyse complete de ses personnages, formes poetiques, structures et rimes, ainsi que des modes et rythmes de sa musique, permettent de mieux apprehender son originalite mais egalement son caractere representatif du theatre d'ombres arabe dans sa globalite
The arab shadow theatre, a very popular art before the xixth century but unknown nowadays, is very rich in all artistic, historical and social aspects. It plays an important role in the arab cultural patrimony. Different thesis explained its origin. The diversity of its forms and designations has been a source of information on the litteral and artistic level. Throughout the different studies undertaken on the arab shadow theatre, the musical element has been left out. However, a comprehensive analysis would not be able to separate musical elements (mode, rythms) from the whole acoustic system (poetry, linguistic and music). On the other hand, the majority of the shadow texts are writen in either prosidic or rimy poetry. Consequently, it becomes crucial to analyse the different poetric forms of which the shadow texts consist, as well as their role and their structure which reveal the narrow relation between words and rythm. Finally, an egyptian shadow play "the light-house of alexandria" is presented in order to illustrate the richness of the shadow theatre in musical and poetric elements. The unpublished french translation and the comprehensive analysis of the poetric forms and different characters permit a better apprehension of the originality of the shadow theatre

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Chamié, Rim. "Le rire paradoxal dans le théâtre d'Eugène Ionesco." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20024.

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Abstract:

Le rire semble être la clé de voûte de l'oeuvre de Ionesco. Il trouve ses racines dans les oeuvres de Jarry, Kafka et les Surréalistes, mais il a ses propres caractéristiques. C'est un rire qui tente une révélation de la vérité sur notre condition humaine tout en faisant appel au travestissement burlesque, à la satire mais surtout à un humour moderne fondé sur le non-sens, d'où la création d'un nouveau langage caractérisé par un décalage sur le plan de la communication, par une rupture entre signifiants et signifiés. Le jeu de mots, la suppression des liaisons grammaticales créent un langage sans signification, ce qui fait jaillir le rire. Cet humour est aussi caractérisé par la mise en abîme des personnages. Fantoches sans caractères ni identité, marionnettes à ficelles, encombrées par la prolifération de la matière, les créatures de Ionesco portent en elles la tragédie de l'existence humaine. Le rire dans le théâtre de Ionesco a donc pour fonction d'exprimer l'angoisse et l'absurdité de l'existence humaine. Cette oeuvre permet ainsi au spectateur de prendre conscience du tragique de son existence et de s'en libérer par le rire
Laughter is cornerstone of Ionesco's theatre. Its roots can be traced back to the works of Jarry, Kafka and the Surrealists. However, Ionesco's laughter has its own characteristics. It is a laughter that attempts to denude truth through comic travesty, through satire, but above all through modern humour that verges on the absurd, using for medium a new language characterized by a separation from the normal way of communication, by rupture between the significant and the signified. The play on words and the suppression of grammatical links allow the appearance of a senseless language, which evokes laughter. This humour is characterized by exposing character vices. Ionesco's creation are without character or identity; puppets moved by strings, shackled by the proliferation of matter, carrying in them the tragedy of human existence. Doubtless, Ionesco's laughter shows the pain and absurdity of human existence and to be liberated from it by laughter

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Mkpatt, Bidoung. "Théâtre et développement culturel au Cameroun." Bordeaux 3, 1991. http://www.theses.fr/1991BOR30014.

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Abstract:

Au cameroun, apres l'independance (1960), le developpement a d'abord ete considere par les pouvoirs publics et les elites comme un simple retard dans la croissance, qu'il fallait rattraper en imitant les modes de production et de consommation des pays developpes. Le constat d'echec de ce developpement par mimetisme a fait prendre conscience a certains hommes politiques et penseurs, des liens etroits existant entre les problemes culturels et les problemes de developpement. C'est ainsi que quelques uns d'entre eux ont elabore de nouvelles strategies de developpement prenant en compte la culture. Pourtant, le theatre, par son action de sensibilisation et de reveil des consciences, pourrait permettre aux camerounais d'adopter de nouvelles normes et des usages sociaux, d'integrer et de depasser les valeurs culturelles, surtout, il pourrait favoriser la creation en chacun d'eux d'une conscience nationale profonde, permettant l'acceleration du processus d'integration national de toutes les populations du pays, mais aussi il contribuerait a une meilleure maitrise du phenomene de developpement qui, en realite, est global, endogene et integre
After cameroon became independant (1960) development was first considered by public authorities and elites as delayed growth that had to be caught up with through the imitation of the modes of production and consumption in the developed countries. The failure of such a mimetic approach has made a number of political leaders and thinkers aware of strong links existing between cultural and developmental problems. Some of them have devised new developmental strategies taking culture into account. Theatre can sensitise and awaken social consciousness and enable the people of cameroon to adopt new social standards and practices, integrating and furthering cultural values; more specifically it could help develop in every one a clear sense of a national consciousness and accelerate the process of national integration for all cameroonian ethnic groups. It would also contribute to a better mastery of of the development process which a global, endogenous and integrated one

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Symaniec, Virginie. "Des dramaturgies bielorussiennes a la dramaturgie bielorusienne sovietique : une tragedie de pouvoir." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030108.

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Abstract:

A travers 74 textes de 45 auteurs dramatiques bielorussiens, ma these, tragedie de pouvoir en cinq actes avec prologue et epilogue, etudie l'emergence de dramaturgies en langue bielorussienne entre la fin du xixeme siecle et la fin des annees 1920. Dans le cadre du processus de construction de l'etat sovietique, elle tente de cerner leur evolution et de comprendre en quoi les auteurs dramatiques nationalistes bielorussiens du debut du siecle ont participe a la construction culturelle sovietique. Il s'agit aussi de comprendre quelles sont les questions que les textes dramatiques posent a une histoire calibree a posteriori et communement ecrite comme un melodrame. Les personnages principaux de ma piece sont une certaine image qu'on se fait de la nation, de la revolution, de l'histoire, du peuple ou encore, de la parole bielorussienne vivante, la langue.

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Ronzani, Hélène. "Le théâtre de John O'Keeffe." Bordeaux 3, 2000. http://www.theses.fr/2000BOR30023.

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Abstract:

Ce travail a pour but de presenter le theatre de john o'keeffe (1747-1833). Facetieux dramaturge d'origine irlandaise, injustement oublie aujourd'hui, il fut pourtant apprecie pendant plusieurs decennies par des spectateurs de tous milieux ; william hazlitt l'appela le moliere anglais. Auteur prolifique malgre sa cecite, il s'exerca a tous les genres comiques - farces musicales et non musicales, operas-comiques, comedies en trois et cinq actes, pantomimes cherchant simplement a divertir son auditoire aux heures joyeuses et a lui apporter du reconfort aux heures sombres. Les pieces de john o'keeffe refletent les gouts de ses contemporains pour la nature, l'histoire, la musique irlandaise, le spectaculaire avec ses decors somptueux et ses machines ; elles refletent aussi leurs penchants pour l'emotion, leur patriotisme exacerbe et leur francophobie poussee a l'extreme. C'est dans son passe, dans sa vie de comedien, de chanteur et de peintre qu'il puisa nombre de ses intrigues, de ses personnages ainsi que les accompagnements musicaux. En outre, il crea des roles sur mesure pour les plus grands acteurs comiques de la fin du xviiie siecle qui, grace a leurs talents multiples et varies, contribuerent au succes d'une oeuvre dans laquelle la gestuelle est essentielle.

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Henriot, Eric. "Prosper Mérimée et le théâtre." Nancy 2, 2007. http://www.theses.fr/2007NAN21007.

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Abstract:

La carrière littéraire de Mérimée ne commence pas avec ses premières nouvelles. Dès 1825, le Théâtre de Clara Gazul constitue un élément important de la bataille que livrent de nouveaux dramaturges pour libérer la scène de la présence encore très forte de la tragédie classique. L'écriture de pièces de théâtre se poursuit, à un rythme irrégulier, tout au long de sa vie. L'étude proposée est un plaidoyer pour la reconnaissance de ce théâtre et de ses qualités dramatiques. De nombreuses relations, des découvertes théâtrales multiples, une participation effective dans les combats littéraires des années 1830, prédisposent Mérimée à s'intéresser à l'écriture dramatique. Le recensement des pièces et de leurs éventuelles représentations, la comparaison avec d'autres créations contemporaines, l'observation des écrits théoriques, des différentes préfaces et de l'accueil public qui a accompagné cette production, donnent une idée du succès de ce théâtre et de son importance dans la création artistique du 19e siècle. L'analyse littéraire de ces pièces, abordant les domaines de la composition, des personnages, du choix des lieux et des époques, de la couleur locale et de la langue, confirme l'extraordinaire efficacité dramatique de ce théâtre trop injustement méconnu
The literary career of Mérimée does not begin with his first short stories. Since 1825, the Clara Gazul's theatre has been an important factor in the battle new playrights have fought to liberate the stage from the still strong presence of classical tragedy. His writing of theatre plays continued, albeit irregularly, throughout his life. This study is a plea for the recognition of this theatre and of his dramatical qualities. A lot of relationships, many theatral innovations, a real participation in the literary battles of the 1830ies predispose Mérimée to be interested in dramatical writing. The inventory of the works and their possible performances, the comparison beetween other contemporary creations, the observation of his theoretical texts, of the different forewords and of the public reception of this production, give an idea of this successful theatre in the 19th century and of his importance in the artistic creation of this time. The literary analysis of these plays, concerning the structure, the protagonists, the choice of the places and of the times, of the local colour and of the style confirms the extraordinary effectiveness of this underservedly neglected theatre

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Jaëcklé-Plunian, Claude. "L'historiographie du théâtre au XVIIIe siècle : la venue du théâtre à l'histoire." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030091.

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Abstract:

L'historiographie du théâtre du XVIIIe siècle en France s'ouvre sur une série d'ouvrages ecclésiastiques qui font de l'histoire un instrument contre la danse et la comédie avec en réplique des apologies. À partir de 1730 paraissent plusieurs histoires du théâtre. Leurs auteurs, Brumoy, Riccoboni, Maupoint, Parfaict, Beauchamps, qui ne sont pas des savants, mais sont liés avec " la profession ", se livrent à des recherches dans des bibliothèques publiques ou privées, exploitant les collections de riches amateurs ou faisant appel, par l'intermédiaire des journaux, à l'érudition des particuliers. Fontenelle avait ouvert la voie avec l'Histoire du théâtre françois, qui sert de guide pour ses sources, son plan, son style ; et surtout sa lecture intelligente du passé rompait le fil des publications pour ou contre la comédie. Fort de ce précédent, nos historiens organisent leur matière selon des modèles connus : les bibliographies de la Renaissance leur fournissent le moule de leurs listes d'auteurs et de pièces. Ils publient des inédits, des extraits, des analyses. Ils font l'histoire de tous les spectacles. L'histoire du théâtre offre un espace neuf où peut s'attacher la réflexion sur la relativité des cultures par rapport aux valeurs morales et religieuses dominantes. Les dissertations des académiciens accompagnent ce mouvement. Leurs épigones sont journalistes, encyclopédistes ou " bohèmes littéraires " et multiplient les publications d'almanachs, dictionnaires : ils font la chronique de l'histoire de leur temps, amassant des matériaux qu'ils laissent aux générations suivantes le soin d'arrranger ; sollicités par les misomimes, ils mettent leur énergie dans la réforme du théâtre, utopie qui les absorbe et dans laquelle ils déploient une ingéniosité parfois ahurissante. Ils se nomment Mouhy, Du Coudray, Rétif ou Nougaret. Le siècle écoulé, Suard revient à l'Histoire du théâtre français de Fontenelle, introduisant Sainte-Beuve
The 18th century historiography of French theatre opens with a series of ecclesiastical works which make this history an instrument against dance and theatre, though there are some sharp retorts. Beginning in 1730 several theatre histories appear. Authors such as Brumoy, Riccoboni, Maupoint and Beauchamps, who are mainly not scholars but often have ties to professionnal theatre, engage in research in both public and private libraries, using collections of wealthy theatre lovers as well as the medium of press and the erudition of private individuals. Fontenelle had opened the door with his History of French Theatre which served as a beacon for its sources, framework, literary style and above all his intelligent reading of the past, whitch ruptured the thread of those publications that were either for or against the theatre. Empowered, our historians organize their material according to known models : Renaissance bibliographies give them the matrix for lists of authors of plays. Previously unseen original material as well as extracts and analyses are published. They create a virtual history of drama and theatre. This history offers them a new space where they can reflect on cultural relevance regarding the relationship of dominant moral and religious values. The essays of academicians accompany this mouvement. Their disciples are journalists, encyclopaedists or 'literay bohemians'. Publications of almanachs and dictionaries which chronicle the history of the times multiply, amassing materiel that will be left to succeeding generations to sort out. Solicited by the misomimes, they invest their energy in reforming a theatre which for them is an engrossing utopia , a place where they sometimes display astonishing ingenuity. They are called Mouhy, Du Coudray, Rétif or Nougaret. With the passing of the century, Suard returns to Fontenelle's History of French Theatre, paving the way for Sainte-Beuve

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Shim, Hyun. "La théâtralisation de l'absurde chez Adamov, Beckett et Ionesco." Clermont-Ferrand 2, 2002. http://www.theses.fr/2002CLF20006.

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Abstract:

Cette recherche prend pour point de départ deux éléments fondamentaux : certaines pièces d'Adamov (Le Ping-Pong), de Beckett (Fin de partie) et d'Ionesco (Rhinocéros), et le thème de l'Abdurde. Par la mise en oeuvre d'une approche multiple, entrecroisant les aperçus d'une critique thématique, philosophique et stylistique, notre étude nous a conduite à cerner la notion de l'absurde, qui se dévoile grâce aux rénovations structurelles apportées par ces trois auteurs dramatiques. Nos travaux proposent l'analyse de l'absurde en deux parties, à deux niveaux complémentaires. La première "structure théâtrale de l'absurde" -focalise l'attention sur l'analyse du texte : elle se réfère d'abord au modèle aristotélicien et au modèle actanciel pour dégager la structure des oeuvres dont il s'agit. L'étude se poursuit par l'examen des personnages : onomastique et écriture de l'incommunicabilité participent de ce renouvellement de l'esthétique théâtrale. Cette double perspective débouche sur l'étude du rapport inattendu entre la tragédie et la comédie, rapport qui appartient peut-être à la définition du théâtre de l'absurde. La seconde partie du travail est consacrée à la spécificité du texte théâtral dans son lien avec la scène. Nos auteurs sont soucieux de construire l'ambiance scénique en délimitant le lieu scénique et la durée dramatique. Il convient donc d'analyser les didascalies, éléments propres à l'écriture théâtrale. Dans cette perspective, nous prenons pour référence centrale les paratextes didascaliques concernant le décor et le mouvement

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Autant-Mathieu, Marie-Christine. "Le Théâtre soviétique au "Dégel" (1952-1964)." Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1990PA030069.

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Abstract:

Le "degel" commence au theatre sovietique des 1952 par la relance des genres comique et satirique. Avec l'ouvertue sur l'occident et la redecouverte, meme partielle, des realisations des annees 20, une rehabilitation de certains auteurs et metteurs en scene a lieu. La reconstitution du patrimoine culturel s'accompagne d'une revision des valeurs (attaques contre le systeme de stanislavski). Face aux defenseurs de la theatralite, les fondateurs du theatre "sovremennik" prouvent la vitali te du realisme psychologique. Le besoin de purification morale eprouve par toute la societe amene une exaltation de l'humanisme. Les dramaturges abandonnent leur role de guides omniscients. Rozov, arbuzov, volatin expriment la revolte des jeunes contre les mensonges du systeme educatif et social. Les metteurs en scene choisissent des oeuvres sans heros positif ou l'homme ordinaire est montre au quotidien. De 1952 a 1964, on assiste a une releve de generation. Le realisme socialiste, par le biais de la theatralite, admet un decalage entre la realite et son image. Des rapports nouveaux s'instaurent entre le pouvoir et les artistes: a l'embrigadement force succede une politique de ralliement par la persuasion. Le "degel" constitue une periode de reference, riche d'enseignements pour les artisans de la perestroika a la fin des annees 80
The "thaw" starts in soviet theatre in 1952 with a renaissance of comedies and satires. With the openings on west and a restoration, though limited, of realisations accomplished in the twenties, comes a rehabilitation of some playwriters and directors. The reconstitution of cultural heritage is accompanied with a revision of values (criticism against the stanislavski's system). As opposed to the defenders of theatricality the founders of the theatre "sovremennik" prove the vitality of psychological realism. The need of a moral purification the whole society longs for, after the stalin period, shows itself through an axaltation of humanism. Playwriters won't play their role of omniscient leaders anymore. Some of them protest against lies in educational and social system. Directors choose plays without positive heroes but where ordinary people live their everyday life. From 1952 to 1964 a new generation of playwriters, directors, actors appears, socialist realism, through theatricality, admits a disjonction between reality and its image. A policy of persuasive rallying takes place of forceful enrolling between political authorities and artists. The "thaw" is a very useful period of rederence for those willing to implement the perestroika at the end of the eighties

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Fidahoussen, Kokar Arva. "Structure et signes dans le théâtre de Kalidasa." Montpellier 3, 1988. http://www.theses.fr/1988MON30051.

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Abstract:

Cakuntala, vikramorvashi et malavikagnimitra sont trois pieces du dramaturge indien kalidasa (6eme siecle av. J. C. ). Elles sont analysees ici dans leurs aspects structurels et semiologiques. De l'etude de l'espace imaginaire, puis de celle du jeu des personnages, enfin de celle des modes d'expression utilises sur scene, il apparait que l'aspect poetique et suggestif de ces oeuvres l'emporte de beaucoup sur les aspects dramatiques et narratifs. Cette poesie, qui emane aussi bien du texte que des multiples formes d'art utilises et de modes d'expression typiquement indiens tel que "abhinaya" et "mudras", nous semble donc etre l'element caracteristique de ce f theatre. Destinee a faire vibrer puissamment l'emotivite des spectateurs et a les emporter vers un etat emotif quasi contemplatif du monde suggere par la scene, cette poesie est une invitation au voyage dans un imaginaire ou la religion et son ordre socio-culturel structurent toutes choses, conferant l'ordre et la beaute qui en resulte
Cakuntala, vikramorvashi and malavikagnimitra are the three dramas of an indian dramatist named "kalidasa". He lived during 600's ad. They are analysed here in their structural and semiotic aspects. Through the study of the imaginary space, created by the author, through the acting of characters, and through the expressions used on stage, it seems that the poetical and suggestive aspects dominates the dramatic and narrative aspects. This poetry which emanates from the text, as well as from the various formes of art, appears in such caracteristic elements of indian drama as "abhinaya" and "mudra". Destinated to provoke the spectators' emotions as well as to instill a contemplative condition of a suggested world, this poetry is an invitation to venture into an imaginary world, where religion and its socio-cultural order and structure are attributed to order and beauty

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Jones, Moya. "Le théâtre alternatif en Grande-Bretagne et son économie : 1968-1986." Bordeaux 3, 1988. http://www.theses.fr/1988BOR30043.

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Abstract:

En grande-bretagne, le theatre alternatif se distingue des grandes compagnies nationales, des theatres prives commerciaux et des theatres de repertoire, de plusieurs points de vue. Ses structures de travail et ses formes juridiques lui sont propres, mais il y a egalement ses sources de financement et ses postes de depense qui sont differents. Le contenu de ses productions, les lieux de diffusion, les gens qui y travaillent et le public que ces troupes de theatre attirent, illustrent cet etat de fait. Situe dans un contexte de changement radical, a la fois social, economique et politique, ce theatre est, en effet, la renaissance d'une forme de theatre parallele, qui a toujours coexiste avec le theatre "legitime". Cependant, les problemes economiques et financiers se faisaient sentir assez rapidement. Alors, la subvention gouvernementale et le sponsoring commercial sont etudies, afin d'envisager l'avenir que cette enclave archaique de la societe post-industrielle pourrait escompter. Une etude comparative des subventions dans cinq autres pays permet de mettre en relief cette forme d'aide financiere. Genere par les contre-cultures des annees 60 et 70, et situe donc aux marges de la societe, cette forme de theatre a ete recupere, en partie, par les pouvoirs centraux. Sa survie depend d'une part, de l'evolution de son economie, et, d'autre part, de ses propres ressources internes
Fringe theatre in great-britain can be distinguished from other kinds of current theatre - the national companies, commercial theatre and repertory theatre - from several points of view. Not only because its legal and work structures are specific, but also because its income, its expenses, its content and venues are characteristic, as are the people (practitioners and public) concerned with it. Set in the social, political and economic context of post-war britain, this form of theatre in fact belongs to a long tradition of a more popular parallel theatre which has always existed alongside the "legitimate theatre". Its economic problems however are particularly acute. Government subsidy systems and commercial sponsoring are examined in order to assess, eventually, the potential future of this archaic sector of post-industrial society. Reborn of the counter-culture movements of the 60s and 70s, it has been partly assimilated by mainstream society. Its survival seems to depend in part on how it is to be financed as well as on its own particular strengths

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Blessios, Athanassios. "Le théâtre d'idées en Grèce de 1895 à 1922." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040179.

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Abstract:

Notre travail examine l'apparition et l'évolution du "théâtre d'idées" en Grèce de 1895 à 1922. Ce "mouvement" théâtral entreprend le renouvellement de la production dramatique au niveau idéologique et celui de la forme dramatique. Il est influencé par des mouvements sociaux et artistiques de l’Europe et par la tradition populaire grecque, la mentalité et le mode de vie grecs. Le féminisme et le socialisme font leur apparition dans le théâtre et le nationalisme acquiert une autre dimension par rapport aux drames patriotiques. La période transitoire de la société grecque produit un mélange intéressant des idées, des valeurs et la littérature théâtrale l'intensifie. La morale bourgeoise (au sens positif du terme) acquiert des bases solides et enfin prédomine. L'esprit et la morale modernes font leur apparition plutôt dans la littérature (théâtre) que dans la société. D'une part, le caractère naturaliste d'une partie des pièces ne permet pas le triomphe de ces idées et idéaux et d'autre part, le caractère plus ou moins militant d'un certain nombre de pièces porte les faiblesses de la structure sociale grecque: l'absence ou l'immaturité des combats collectifs, le vague et les contradictions, l'autoritarisme et parfois la dépendance spirituelle par les occidentaux. Malgré cela, le résultat final, plutôt au niveau idéologique que artistique, est positif
Our thesis presents the evolution of the Greek "theater of ideas" during the period between 1895 and 1922. The meaning of this theater is the creation of a new social ethics, which is, in fact, a combination of traditional, civil and modern values, although the authors want, clearly or indirectly, to leave behind the civil values. Our first part concerns the examination of the militant theater plays concerning the political, social and national question and the women's emancipation. The theater women surpass the expectations of the feminist movement. However, they cannot surpass the civil ethics. The national preoccupations are in a modern direction, because they want to surpass the simple, manicheist (good-bad) direction of the Greek society. The social preoccupation represents the social structure and thought and its weakness, such as the lack of massive social movements, the authoritarism and the lack of real democracy, the utopian element. The second part follows the naturalistic preoccupations of the occidental thought and literature. The civil ethics prevails and in his positive meaning mainly characterizes the "theater of ideas"

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Reina, Li Crapi Vincenzo. "Temps et conscience religieuse dans le théâtre tragique (1590-1640)." Amiens, 2014. http://www.theses.fr/2014AMIE0012.

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Abstract:

Depuis sa naissance, la tragédie a été l'un des genres littéraires qui ont influencé de la façon la plus nette les conceptions qu'une civilisation pouvait avoir du temps. D'un point de vue formel tout d'abord, en raison de la nécessité de résoudre le problème de l'adaptation du temps de l'histoire représentée avec la durée de la représentation - motif principal des débats théoriques des 16e et 17e siècles sur la dramatisation du temps, en lien avec la question du vraisemblable. A la suite notamment de la découverte de la Poétique d'Aristote'et des commentaires des Italiens sur ce texte, la réflexion théorique a pris de l'envergure, et les solutions proposées ont joué un rôle de premier plan dans les créations des chefs-d'œuvre du théâtre élisabéthain, du théâtre baroque espagnol, et du théâtre classique français. Le respect ou non de la règle de l'unité de jour a des conséquences sur la conception du temps que la pièce saura véhiculer. L'étude des motivations et des procédés suivis dans la dramatisation du temps (première partie de la thèse) s'avère ainsi indispensable dans l'interprétation de toute oeuvre théâtrale. L'analyse des oeuvres elles-mêmes, à partir de la perspective temporelle (deuxième et troisième partie de la thèse), permet ensuite d'approcher l'image de l'homme qui se dégage, au sein des mentalités étudiées, de cette dramatisation du temps, et de préciser ainsi les raisons éthiques de son action, telle qu'elle se voit représentée par la tragédie. On proposera ainsi une redéfinition du rôle joué par les pièces au sein de la civilisation chrétienne qui les a produites, en s'appuyant sur les visions du inonde et sur les conceptions religieuses de l'Histoire que ces pièces véhiculent
Since its origin, Tragedy has been one of the literary genres which have most clearly influenced the ideas of time that a civilization could have. Firstly, from a formai point of view, due to the Tact that the length of the story, which is being represented, must fit the time requirements of the duration of the play – i. E. The main issue of theoretical debates of XVI and XVII centuries regarding the dramatization of time in order to make the play vraisemblable. After the discovery of Aristotle's Poetics and the Italian commentaries on this text, the theoretical discussion has become extremely relevant, and the suggested solutions have played a major role in the creation of the masterpieces of the Elizabethan theatre, the Baroque Spanish theatre and the Classical French theatre. Certainly, the respect or not of the "Unit of time" nuances the conception of time that the play will spread. Consequently, studying the reasons and the methodology of the dramatization of time is essential for the interpretation of any play (part I of the Thesis). Moreover, the analysis of plays from a temporal perspective (part II and III of the Thesis) allows to reveal the ideas of man and the ethical foundations of his actions inside the studied mentalities. Therefore, this study proposes a redefinition of the role of these plays in the context of the Christian civilization in which they were originated, by means of analysing the world views and conceptions of the History which these plays convey

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Boughaba, Ilham. "Le délire et la folie dans le théâtre d'Eugène Ionesco." Grenoble 3, 1994. http://www.theses.fr/1994GRE39015.

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Abstract:

La folie est une ecriture du discontinu. Elle se caracterise par l'emploi de certains procedes rhetoriques qui expriment des pulsions. Eugene ionesco adapte cette ecriture a son theatre parce que, par essence, le theatre et la folie appartiennent au monde de l'illusion et du desequilibre. La folie dans le theatre d'eugene ionesco n'est pas une maladie mentale, elle est une esthetique qui se manifeste par le jeu des mots, des objets et de l'image. L'auteur prend plaisir a destituer le mot de son trone pour le remplacer par le langage scenique (objet, lumiere, son, geste). Pour consolider notre these, nous nous sommes interesses a quelques mises en scene de la cantatrice chauve et de la lecon pour visualiser les differentes formes de cette folie. L'angoisse, l'euphorie et le desir sont fixes par l'image. Le theatre d'eugene ionesco est un theatre de la folie, mais il s'agit d'une folie qui n'est nullement affectee par la debacle de l'autre
Madness reflects a kind of discontinuous writting. It is characterized by the use of certain rethorical devices which express specific states of mind. Eugene ionesco adapts this procedure to his theater because by definition both theater and madness belong to the realm of illusion and unbalance. Eugene ionesco doest not treat madness on his theater as a mental illness, but rather as an esthetic game in which one plays with words, objects and images. The author enjoys destituting words from their throne to replace them by scenic language (objects, lighting, sounds, movements). In order to corroborate our hypothesis, we have analysed some representative settings of "la cantatrice chauve" and "la lecon" to reach a visualization of the different aspects of this madness, anguish, euphoria and crave are frozen into images. Eugene ionesco's theater of madness, but this madness is not affected at all by the defeat of the other self

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Dan-Inna, Chaïbou. "Théâtre, histoire et politique en Afrique francophone de 1960 à nos jours." Bordeaux 3, 1985. http://www.theses.fr/1985BOR30025.

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Jang, Guene-Sang. "L'utilisation de l'histoire dans le théâtre de Jean-Paul Sartre." Paris 10, 1990. http://www.theses.fr/1990PA100024.

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Abstract:

Cette étude peut être intitulée aussi comme une réflexion sur la dimension de l'histoire dans l'évolution du théâtre sartrien. Six pièces de Sartre sont caractéristiques à cet égard et illustrent en gros trois étapes différentes : Bariona ou le fils du tonnerre, Les mouches, pièces écrites pendant l'occupation sous les formes symboliques, Morts sans sépulture, Les mains sales, celles présentées sous les formes de l'actualité et dépouillées, et Le diable et Le bon dieu, les séquestres d’Altona, comme celles d'un dramaturge éprouvé, rejoignant le genre historique. Ce point de vue "impose" une étude diachronique sur l'évolution de l'esthétique théâtrale de l'auteur. Le refus du genre "rétrospectif" dans le manifeste de 1947 sera suivi de la reconnaissance tardive du théâtre historique, telle que l'on voit dans la dernière interview sur son théâtre, accordée en 1979. Ce refus qui est aussi celui du théâtre mythologique se manifeste dans une série de pièces d'actualité sans exclure néanmoins une dimension historique, mais Sartre sera "de plus en plus acquis au théâtre historique", d'une part, par le besoin du climat historique - apte à la réflexion sur la morale - et, d'autre part, par le besoin de la distanciation qui rend possible la réflexion politique a deux niveaux : historique et actuel, ou formel et allusif. Chemin faisant, la lecture des pièces sartriennes se formule dans nos propositions, telles "lecture historique" et "lecture intertextuelle"
This work can be entitled also as a reflexion on the dimension of history in the theatre of sartre. In this regard, his six pieces are characteristic, showing three different periodes. Firstly, Bariona or The son of thunder, the flies, secondly, Deaths without sepulture, Red glove and finally, The demon and the good god, The prisoners of Altona. This point of view "impose" a diachronical study on the evolution of his esthetic. The reject of "retrospectif" genre, shown in the declaration of 1947 will be followed by the slow moving toward the historical theatre. Historical climate is suitable to the reflexion on the moral, and "distance" makes the political reflexion possible in two degrees : historical and actuel, or formal and allusive. So, this lecture of sartrien theatre can be formulated such as "historical lecture" and "intertextuel lecture". Historical and mythic frames outline ficticios stories. In spite of the author's anachronical attitude, in general, it's also possible to see his respectful description regarding historical facts, and historicity is revealed slowly. In this regard, his discovery of epical theatre and historical theatre is significant, and his care for the popular theatre based on the subjectivity can be explained

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Veillas, Karine. "Théâtre francophone contemporain pour la jeunesse : jeux et enjeux (personnages, écriture et réception)." Paris 12, 2007. https://athena.u-pec.fr/primo-explore/search?query=any,exact,990003939040204611&vid=upec.

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Abstract:

L’engouement suscité par le théâtre jeune public francophone nous a conduit à interroger quarante de ses pièces sous l’angle du jeu, notion complexe et polysémique qui nous semble à la fois le principe créateur et destructeur de ce théâtre. Les jeux des personnages, s’ils mettent en lumière les tensions de ce théâtre, se présentent sous des formes brouillées aux frontières du rêve et du non-jeu et engagent donc le jeune spectateur dans un jeu de réception active loin de l’identification passive ou d’une simple catharsis. En pratiquant subversion généralisée du sens et démultiplication des couches de signification, les jeux de réécriture hypertextuels contribuent encore davantage à remettre en question le jeu de réception des plus jeunes spectateurs, même si la mise en scène ou l’initiation par le jeu dramatique sont autant de moyens d’assurer le plaisir du spectacle. Les jeux de brouillage générique permettent de renouer avec le jeune spectateur par les apports du narratif, des arts visuels et de la poésie. Cependant, si ces influences permettent de retrouver les racines narratives et lyriques du théâtre, elles mettent aussi parfois en péril le jeu dramatique des pièces. Mais ce renouvellement du genre est sans doute ce qui permet à ce théâtre de séduire de nouveaux jeunes publics
The current craze for French-speaking theatre for young people leads to considering forty plays through the notion of « jeu* », complex and polysemic term which has interestingly both a creative and destructive influence on this genre. The playing and acting of the characters sometimes clarify the tensions within the plays and facilitate the reception. But the understanding of the plays is challenged by very subtle forms of playing, ranging from dreaming to non-game. So the young audience needs to be involved to really understand the plays. Identification and catharsis are not enough. The games of re-writing also contribute to challenge the reception for a youngest audience because they are based on subversion and multiple layers of significations. But scenography and acting are ways to still release the pleasure of the show. Games about genres enable the young audience to keep contact with the plays because of the contributions of narrative literature, visual arts and poetry. Even if these influences endanger the acting of the plays, the renewal of the dramatic genre is also the way to find a new young audience. (*The word is in French game, playing or acting)

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Mejri, Mahmoud. "La nouvelle thématique dans le théâtre tunisien contemporain : Mutations socio-culturelles et activité théâtrale." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040070.

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Glémée, Marache Marie-Christine. "Les personnages anonymes dans le théâtre de Sophocle." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30079.

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Abstract:

Les études modernes sur la tragédie grecque se fondent généralement sur l’opposition structurelle entre « personnages individuels » et « personnage collectif » (chœur) ou sur une opposition de type social entre « héros » (issus de familles mythiques illustres) et « petites gens ». Or ces deux grilles de lecture ne rendent pas suffisamment compte de personnages qui sont à la fois des « individus » et des gens « ordinaires », les personnages anonymes (une quinzaine chez Sophocle) : considérés comme de simples « utilités », ils n’ont jamais fait l’objet d’une étude spécifique. Ils sont désignés dans les didascalies (antiques et modernes) du texte par un nom commun, qui renvoie le plus souvent à leur fonction (messager), leur emploi (berger) ou leur âge (vieillard), mais qui peut varier pour un même personnage d’une édition à l’autre. L’enquête a porté d’abord sur l’origine de ces désignations et tenté d’en retracer l’histoire, depuis plus ancien manuscrit du texte de Sophocle jusqu’aux éditions les plus récentes. La deuxième partie de la thèse concerne la place et le rôle de ces personnages dans l’action tragique : si, comme attendu, leur influence sur l’action est limitée, ils constituent en revanche des instruments indispensables à la construction de l’espace et du temps propres à chaque tragédie, des intermédiaires nécessaires à la communication interne entre les autres personnages et des vecteurs privilégiés de la communication de l’auteur avec son public. La troisième partie, enfin, est une réflexion sur la notion antique de « personnage » et cherche à savoir dans quelle mesure on peut attribuer à ces anonymes un caractère, au sens aristotélicien du terme
Modern studies on Greek tragedy are usually based either on the structural contrast between « individual characters » and « collective character » (chorus) or on a social-type contrast between heroes (born into an illustrious mythical family) and people of modest origins. In fact, both reading grids don’t take into account the characters which are at the same time « individuals » and « ordinary people », the anonymous characters (some fifteen in Sophocles’). Regarded as simple « small parts », they have never been the subject of a specific study. In the ancient and modern stage directions (didascalies) of the text, they are refered to by a common noun, most of the time reflecting their function (messenger), their work (shepherd) or their age (an old man), but this common noun can vary for the same character from an edition to another. The survey first deals with the origins and the history of these designations, from the oldest manuscript of Sophocles’text to the most recent editions. The second part of the thesis studies the position and the part of these characters in the tragical plot : if , as expected, their influence on the action is limited, in return they are essential instruments for the construction of space and time, characteristics of every tragedy, they are the « go-between » required for an internal communication between the other characters, as well as the necessary vehicle for communication from the author to the audience. Last, the third part presents the ancient concept of « character » and tries to decide in which extent these anonymous can be given a « nature » in the aristotelician meaning

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Safty, Essam. "Mourir dans la tragédie française, ou du théâtre de la réalité baroque à la réalité du théâtre tragique (1610-1645)." Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1990PA030053.

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Abstract:

Encore qu'elles vivent, a l'epoque baroque surtout, en bonne intelligence, mort et tragedie peuvent se dire libres de toute contrainte: une tragedie peut devoir son nom, non pas a la puissance du regne de la mort, mais a la nature des situations qu'elles abrite; et une mort peut, non pas dramatiser, mais dedramatiser l'action
Even though they live on good terms (and especially during the baroque age), death and tragedy are not to be depending one from another: a play could be called "tragedy", not because of the powerful reign of death, but in consideration of the very nature of the situations; and death itself could, instead of dramatizing the action, "dedramatizing" the latter

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Hérisson, Armelle. "Le théâtre mirlitonesque d’Alfred Jarry." Paris 8, 2013. http://octaviana.fr/document/185505813#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

En 1906, Jarry projette avec l’éditeur Sansot la publication en collection de six ouvrages. Seuls deux voient le jour ; l’entreprise éditoriale est inaboutie. Mais ce qui nous est livré, alors, c’est un corpus disparate, constitué de trois opérettes bouffes, de deux pièces de la geste ubique et d’un recueil de « Spéculations » ; et c’est un titre, Théâtre mirlitonesque, qui consacre un genre inconnu aux qualités polémiques. Le Théâtre mirlitonesque est la réunion de textes de Jarry que lui-même tend à décrire comme mineurs. Les pièces empruntent aux modèles de petites formes théâtrales, opérette, théâtre de marionnettes ; les chroniques sont aux limites du littéraire ; l’écriture se nourrit des manières de la chanson populaire. Mais, à l’heure où l’idée du vers, de la poésie et du théâtre sont en travail, le dispositif Sansot n’est pas seulement la mise au jour de la petite littérature de Jarry. Le « mirliton » est un indice polysémique, flûte assimilée à la pratique de Polichinelle, refrain populaire, mauvais petit vers, qui parle de la manière dont on représente au théâtre, dont on dit en poésie. En le plaçant au fronton du théâtre Sansot, c’est à un renversement des échelles de valeurs et des fondements du poétique et du théâtral que Jarry invite. Cette thèse tend à montrer comment, constituant les figures du « mauvais » et du « petit » en outils critiques du poétique, affirmant les qualités poétiques et dramatiques de l’indétermination, de l’approximation, de la discordance et de l’arbitraire, qui règnent en maîtres dans le système de représentation mirlitonesque, Jarry pose la question du poème et ouvre la voie à une approche nouvelle du vers et du langage
In 1906, Jarry collaborated with Sansot in publishing a collection of six books of his works. Only two of the volumes came out and the project was abandoned. But what we now have is one, a medley of three operettas, two plays from the Ubu Roi saga and a collection of « Spéculations »; and the other, a title, Théâtre mirlitonesque, which introduced an unknown genre with polemic intentions. The Théâtre mirlitonesque (“Kazoo Plays”) is a collection of Jarry’s texts that he himself tended to describe as minor. The plays borrow from minor theatrical forms such as operetta and puppetry; the newspaper articles are on the fringe of literature; the writing owes a lot to popular songs. But at a time when ideas of verse, poetry and the theatre were being reworked, the Sansot edition was not merely a publication of Jarry’s minor works. The mirliton is a polysemy index, a kazoo that sounds like a performance by Punch, a popular chorus, doggerel, which talks about the way plays are performed, or about poetry. By putting it at the forefront of Sansot’s theatrical publications, Jarry suggests that the values and basic principles of poetry and theatre should be overturned. This thesis shows how, by converting the concepts of « bad » and « minor » into tools of poetry criticism and by declaring the poetic and dramatic qualities of uncertainty, approximation, conflict and the arbitrary, which reign supreme in Jarry’s « mirlitonesque » system of representation, he raises questions about poetry and opens up a new approach to verse and language

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Maître, Fabienne. "La figure sacrificielle dans le théâtre contemporain anglais." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040033.

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Abstract:

Le théâtre contemporain anglais est marqué par le renouvellement du genre tragique, qui s'articule essentiellement autour de la figure sacrificielle. Celle-ci est au cœur de la tragédie et de la réflexion contemporaine. Les hypotextes antiques et judéo-chrétiens s'imposent comme des référents majeurs, générant des oeuvres palimpsestes. L'élargissement des champs de la réflexion débouche sur une multiplicité d'interprétations de la figure sacrificielle, le massacre étant son expression la plus courante à la fin du XXè siècle. A la sacralisation du sacrifice se substitue désormais la transcendance poétique, dans une tragédie caractérisée par un principe de dislocation, tant physique que métaphysique. Au cœur de cette tragédie labyrinthique, demeure le principe intangible du sacrifice
The renewal of the tragic style, revolving mainly around the sacrificial figure, remarkably influences contemporary British drama. Sacrifice is both at the very heart of tragedy and of contemporary thought. Ancient and classical Judeo-Christian hypotexts appear as major cultural references giving way to palimpsest plays. The widening of the field of reflection leads to a variety of interpretations of the sacrificial figure, mainly represented by mass slaughter at the end of the XXth century. Poetical transcendence now replaces the sacred dimension of ritualistic sacrifice in a postmodern tragedy characterized by physical and metaphysical dislocation. Human sacrifice remains the core of this labyrinthine tragedy

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Ko, Jong-Hwan. "Étude comparative entre le théâtre français de la résistance sous l'occupation allemande et le théâtre coréen sous l'occupation japonaise." Paris 12, 2005. https://athena.u-pec.fr/primo-explore/search?query=any,exact,990003940700204611&vid=upec.

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Abstract:

Nous avons tenté d'établir une analyse sur le sujet : étude comparative entre la littérature française de la résistance sous l'occupation allemande et la littérature coréenne de la résistance sous l'occupation japonaise. La première partie, tente d'analyser les contextes historiques car l'histoire et les douleurs qui en résultent sont indispensables pour appréhender correctemet la littérature. Dans un second temps, la position de la France est étudiée. Ensuite, le cadre de l'invasion observe le contexte historique qui a donné lieu à l'annexion de la Corée par le Japon. Ainsi, nous avons choisi trois pièces françaises et trois pièces coréennes. La comparaison entre les deux univers littéraires s'opère de la manière suivante : analyse d'une pièce française et une pièce coréenne qui sont ensuite comparées selon un thème ou point de vue particulier
We have tried to establish an analysis of subject : comparison between French literature of the resistance under German occupation and Korean literature of the resistance under Japanese occupation. The first part attemps to analyse historical context because history and the pain that resulted are indispensable in order to fully grasp the literature. The second part studies the position of French also in the second chapter, the area of invasion can be compeered to the annexation Of Korea to Japan. We've chosen three French and three Korean pieces of theatre. The comparison between the two literary spheres operates in the following manner : comparing French and Korean theatre on particulas points and themes

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Mavromoustakos, Platon Zach. "Espace dramatique - espace scénique dans le théâtre néo-hellenique contemporain." Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030141.

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Abstract:

Cette recherche n'a d'autre intention que de deceler les elements qui persistent dans l'evolution du theatre grec apres la deuxieme guerre mondiale et de les examiner a partir de l'image de l'espace scenique et de l'espace dramatique. Une phase preliminaire basee sur des statistiques des elements textuels a permis le reperage de diverses tendances dans l'image de l'espace dont la plus importante fut nomee "theatre de la vie quotidienne". Par la suite une etude plus approfondie a ete faite sur les pieces et les representations considerees comme etant les plus caracteristiques pour chacune des tendances reperees. Ont ete analysees : la cour des miracles de i. Kambanellis, l'alliance- le jacquet de d. Kechaidis, mana mitera mama de y. Dialegmenos, la famille de y. Armenis, le fantome de m. Ramon novarode p. Matessis, l'arrangement du mariage d'antigone de v. Ziogas, l'histoire d'ali redzo de p. Markaris. Les conclusions degagees a travers cette analyse portent sur les rapports de la dramaturgie neo-hellenique avec la pratique scenique et notamment celle de karolos koun et son theatre d'art, les rapports avec la tradition dramaturgique naturaliste grecque de l'entre-deux-guerres et les influences recues par des dramaturgies etrangeres ainsi que les rapports de l'evolution de la dramaturgie grecque avec la realite sociale des annees qui suivirent la deuxieme guerre mondiale. Sont joints en annexe a ce travail une nomenclature de toute la production dramaturgique et de ses representations de 1942 a 1982 et un compte rendu des statistiques qui constituent la phase preliminaire de ce travail
This research is intended to reveal the elements persisting in the evolution of the modern greek theater through the image of the dramatic and scenic space, since world war ii. A preliminary research based upon statistics of textual elements permitted to spot several tendencies in the image of the space in the modern grek plays in which the most important isnnamed as the "theatre of every day life". A more profound study was to be accomplished on plays and performances considered as being the most caracteristic for each tendency. Were analysed : the courtyard of miracles by i. Kambanellis, the ring - the backgammon by d. Kechaidis, mana mitera mama by y. Dialegmenos, the family by y. Armenis, the ghost of m. Ramon novaro by p. Matessis, the negotiations for antigone's marriage by v. Ziogas, the ali redzo story by p. Markaris. Conclusions from this aproach state the intercourses between modern greek playwriting and scenic practice, especially with karolos koun and his art theatre, intercourses dealing with the traditional greek naturalistic playwriting of the between the two wars period and the influences received by foreign dramatists and finally intercourses refering to the social reality which followed world warii. Annexed to this work are a detailed list of the greek playwriting production and its performances from 1942 to 1982 and a detailed account of the statistics used for the preliminary phase of the whole work

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Zhang, Xiangyun. "Traduire le théâtre : application de la théorie interprétative à la traduction d'oeuvres dramatiques françaises en chinois." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030050.

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Abstract:

Cette thèse a pour but d’apporter quelques éclaircissements sur la traduction des œuvres dramatiques. A travers l’étude de la spécificité des textes dramatiques, et l’analyse des théories de la traduction, en nous basant sur un corpus de traductions chinoises de deux pièces de théâtre françaises, nous essayons de montrer les problématiques de la traduction théâtrale. Nous avons conclu que l’objectif de la traduction théâtrale est de rendre le jeu de scène de l’original. Pour cela, des connaissances théâtrales et une bonne méthode de traduction sont indispensables au traducteur. Cette étude rappelle les principes de La Théorie interprétative de la traduction, et propose son application dans le processus de la traduction théâtrale
This thesis intends to clarify some aspects of the translation of dramatic works. Through studies of dramatic texts and analysis of translation theories, based on Chinese translations of two French plays, we try to present the problematics of theatrical translation. We conclude that the object of theatrical translation is to re-establish the original work's scene conception. Thus theatrical knowledge and a good translation method are indispensable for the translator. This study recapitulates the principles of the Interpretative Theory of translation, and proposes its application in the process of theatrical translation

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Saneh, Lina. "La crise du théâtre au Liban entre le politique et le religieux." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030074.

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Abstract:

Que le théâtre soit en crise est une chose et que la représentation soit impossible à actualiser en est une autre. Dans la première partie, nous étudions les conditions historiques et polémiques de l'émergence du théâtre au Liban et dans le monde arabe, les problèmes d'identité, d'authenticité et de modernité qui affrontèrent les artistes arabes dès les débuts de leur pratique, et les raisons, essentiellement religieuses, données comme causes de l'absence historique du théâtre dans cette région. Mais la crise du théâtre n'est-elle pas due aussi au positionnement de nos artistes par rapport au théâtre, au monde et à la vie en commun ? L'étude des thématiques des pièces autoréflexives auxquelles ont eu recours nombre d'artistes libanais (telle la critique du théâtre et du pouvoir) ne pourrait-elle par ressortir des contradictions internes qui empêcheraient l'actualisation de la représentation ? Une vision religieuse et archaïque du monde alentour n'est-elle pas en contradiction avec cette pratique politique et “laïque” qu'est le théâtre ? C'est ce que la deuxième partie analyse longuement
There is a big difference between the fact that theatre is in crisis and that representation is impossible to actualize. The first part of this study presents the historical and polemic conditions behind the emergence of theatre in Lebanon and the Arab world, the concrete problems of identity, authenticity and modernity with wich Arab artists have been confronted since the very beginning of their practice and the causes for the historical lack of theatre in this region. But beyond such discourse, wouldn't the crisis of theatre be due to the positioning of our artists towards theatre, the world and communal life as well? The second part of the study is about specific questions such as: Couldn't the study of the auto-reflective plays' themes to which several Lebanese artists resort (such as the critique of theatre and power) isolate internal contradictions that impede the actualization of representation? Isn't a religious and archaic vision of the surrounding world in contradiction with this political and " laic " practice that theatre is?

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El, Fakhri-Frem Sonia. "Le théâtre au Liban d'expression arabe et française de 1848 à 1975." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040249.

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Abstract:

Existe-t-il un théâtre libanais ? Ce travail se propose de traiter cette question. La pièce adaptée par Maroun Naccache (L' " Avare " de Molière), en 1848 constitue un point de départ et de repère dans l'histoire du théâtre arabe. Nous avons étudié le théâtre de 1848 à 1975, ainsi que les différentes formes de spectacle avant 1848, en tenant compte des périodes de progression, de régression et de leurs causes. C'est un aperçu général sur le théâtre des libanais au Liban, en Egypte et en France ainsi qu'une réflexion sur les courants et les caractéristiques de chaque période d'évolution. Nous avons insisté sur les problèmes et les difficultés de la scène dans leurs rapports avec la situation socio-politique et économique. Ce travail se divise en cinq parties qui étudient : 1- les aspects des différentes formes de spectacle avant Naccache, 2- la naissance du genre au Liban avec Naccache et les difficultés qui l'ont menacé ainsi que la part de ses successeurs dans la floraison du théâtre au Liban et en Egypte ; 3- la période d'instabilité à cause des guerres mondiales et locales et des crises économiques ; 4- le nouvel élan du théâtre et son épanouissement de 1960 à 1975 ; 5- le théâtre francophone libanais. Nous avons essayé d'analyser et de classer les travaux dramatiques des différents auteurs et metteurs en scène. Dans le but de préserver de l'oubli les travaux dramatiques de cette période, nous avons documenté les principaux noms des auteurs, metteurs en scène et acteurs ainsi que ceux des troupes, des salles de théâtre et les titres des pièces. Bien que notre travail cherche avant tout à analyser les facteurs influant sur l 'évolution du genre dramatique, il a été nécessaire de considérer un aperçu historique général pour mieux cerner l'interaction entre ces facteurs dans un contexte socio-politique et économique
Is there a Lebanese theater ? Our work aims at addressing this question. The play entitled Al Bakhil (L' "Avare" de Molière), that was adapted by Maroun Naccache in 1848, represents a starting point and a reference in the history of the Arabic theatre. We study the theatre in the period between 1848 and 1975, as well as the other forms of performing arts present before 1848, and consider the periods of development, regression and the underlying causes. The work includes a general overview of the Lebanese theatre in Lebanon, Egypt and France as well as an analysis of the different movements and the characteristics of each evolution period. We have stressed the problems and difficulties of the theatre in relation with the socio-political and economic context. This work consists in five sections that address 1- the aspects of the different forms of performing arts before Naccache; 2- the birth of theatre in Lebanon with Naccache and the difficulties encountered as well as the contributions of his successors in the development of theatre in Lebanon and Egypt; 3- the period of instability due to World War I and II, local wars and economic crises; 4- the renewed rise and growth of Lebanese theatre between 1960 and 1975; 5- the French-speaking (francophone) Lebanese theatre. The theatrical works of different play-writers and directors have been analyzed and categorized. In a effort to preserve a record of the theatrical works of this period, a unified record listing the main play-writers, directors and actors, as well as theatre companies, theatres and play titles was created. Although the main aim of our work was to analyze the different factors affecting the evolution of the theatrical genre, it was necessary to undertake a general historical overview to better understand the interaction between these factors in their socio-political and economic context

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Barth, Isabelle. "L'image du Canada à travers son théâtre." Bordeaux 3, 1998. http://www.theses.fr/1998BOR30013.

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Abstract:

Cette these est une etude, en 4 chapitres, du theatre canadien contemporain d'expression anglaise apres 1967 qui presente l'histoire et la societe canadiennes d'aujourd'hui vues par des auteurs dramatiques anglophones. L'introduction nous presente la politique culturelle du canada. Le regionalisme du pays, la mosaique canadienne se retrouvent le theatre. La question de l'identite est pose. Qu'est-ce qu'etre canadien ? 1967 fut une annee declic pour les canadiens anglophones qui se rendirent compte de leur identite propre. On assiste a une explosion theatrale, dont le leitmotiv etait d'etre et de produire canadien. Tres vite, des theatres, des pieces, des revues sont crees. "theatre et auteurs" nous invite a decouvrir les auteurs dramatiques canadiens anglophones, meme au quebec. Qui sont-ils ? le dramaturge canadien est influence par son environnement geographique, ainsi que l'histoire de sa province. On parle d'identites regionales et non d'une unite nationale. Le chapitre presente aussi des campagnies et une technique de mise en scene: la creation collective. "theatre et histoire" nous emmene a la decouverte de quelques evenements et quelques heros de l'histoire du canada par la representation qu'en font les auteurs dramatiques. "theatre et societe" se penche sur la societe canadienne contemporaine. On y fait un portrait de la famille canadienne type, puis on etudie les relations sociales et raciales. La vie quotidienne (le travail, la religion, la politique), les problemes de la societe canadienne d'aujourd'hui (la prison, la violence, l'alcoolisme, l'integration) sont aussi etudies par des auteurs dramatiques. "theatre et minorites" s'interesse aux groupes minoritaires "visibles- invisibles": les noirs, les asiatiques, les inuits et les indiens. Ont-ils la parole ? on se penche aussi sur la question de l'appropriation. La conclusion nous presente d'autres auteurs : les themes de leurs pieces n'entraient pas dans les differents chapitres
The dissertation is a study - in 4 chapters- of the contemporary canadian theatre in english after 1967 presenting the canadian history and society of today as depicted by english-speaking playwrights. The introduction invites us to discover the cultural policy of canada. Regionalism, the canadian mosaic can be found in theatre. What is it to be a canadian ? 1967 was a key-year for the english-speaking canadians who realized they had their own identity which they could develop. There was a huge theatrical explosion, whose leitmotiv was to be and produce canadian. Many theatres, plays, reviews were founded. Everything went very quickly. "theatre et auteurs" invites us to discover the anglophone canadian playwrights even in quebec. Who are they ? the canadian playwright is influenced by his / her geographical environment, as well as by the history of his/her province. The chapter also deals with some theatrical companies and one technique, i. E. The collective creation. "theatre et histoire" gives us a chance to discover some events and some heroes of the canadian history through the representation that the playwrights are offering. "teatre et societe" is dealing with the contemporary canadian society. The typical canadian family, the social and racial relationships are studied. The problems of the today canadian society (prison, violence, alcoholism, integration) are also analysed in some plays. "theatre et minorites" deals with the "visible-invisible" minorities, i. E. The blacks, the asians, the inuits and the indians. Can they express themselves ? the chapter also deals with the question of appropriation. The conclusion introduces us to some important playwrights who are writing plays whose subjects did not fit into the dissertation

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Fegly, Jean-Marie. "Théâtre chinois : survivance, développement et activité du Kunju au XXe siècle." Paris 7, 1986. http://www.theses.fr/1986PA070142.

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Abstract:

Etude des avatars et de l'évolution du style théâtral kunju au 20eme siècle, avec un panorama des activités des diverses troupes de théâtre (le kunju est un des styles les plus anciens du théâtre chinois). Apres une longue introduction, où est retracée l'histoire du kunju à l'époque Ming et à l'époque Qing, avec une explication des caractéristiques musicales et de l'art de la scène, l'auteur aborde l'étude des "avatars et activités du kunju au 20eme siècle". 1 Evolution du kunju avant 1950 (les activités avant 1921, la fondation de l'institut pour l'étude du kunju et la vie des troupes jusqu'en 1950). 2 Développement et activités de ce style de 1950 à nos jours (le succès de la pièce : "les quinze ligatures de sapèques", les réunions et les discussions de 1956 et de 1957, puis la description des activités des cinq troupes existant encore aujourd'hui en Chine). 3 Aperçu de la vie d'une actrice, d'une troupe théâtrale et le déroulement des activités des amateurs
Study on the evolution and problems of kunju style in the twentieth century, with a large view on the activities of several theatre troops (kunju is the oldest style of chinese theater). After a long introduction in which kunju history is related from Ming to the late Qing periods, with an explanation of musical characteristics and acting, the author studies "the problems and activities of kunju in the twentieth century". 1. Evolution of kunju before 1950 (activities before 1921, the foundation of the institute for the research on kunju and the life of theatrical troops until 1950)

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Hourdakis, Antoine. "Paideia par la tragédie : les réflexions éducatives de la tragédie grecque ancienne." Paris 5, 1990. http://www.theses.fr/1990PA05H006.

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Abstract:

La tragédie grecque ancienne a été étudiée sous de nombreux aspects. Cependant notre approche constitue un examen de la tragédie grecque du point de vue social et pédagogique. Le rôle éducatif du théâtre antique a sa place dans le cadre de l'éducation dite "informelle" ou "diffuse". L’étude des relations du théâtre antique par rapport à la dynamique de la société grecque autant que l'examen des réflexions éducatives qui sont présentées constitue une contribution essentielle pour l'examen de la réalité grecque antique. Le théâtre est considéré comme une manifestation importante de l'expression sociale, politique, religieuse, morale et philosophique de l'époque. Les spectateurs prenaient des leçons d'éducation religieuse, philosophique, morale, sociale et politique
The ancient Greek tragedy has been studied by differents aspects; our study is a social and pedagogical approach to the Greek tragedy. The Greek theater is considered as a form of "informal" education. The relations between the greek tragedy and the dynamics of the Greek society is very characteristic. The educational reflexions help us to study the ancient Greek society. The ancient Greek tragedy with its reflexions, named educational, expreses the social, political, moral and philosophical background of this period (fifth and fourth century). The audience of the Greek tragedy used to participate to the educational (religious, philosophical, moral and political) processus via theater

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Dion, Nicholas. "Entre les larmes et l'effroi : inflexions élégiaques et horrifiques dans le théâtre tragique, de l'âge classique aux Lumières (1677-1726)." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27328/27328.pdf.

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Requemora, Sylvie. "Littérature et voyage au XVIIe siècle : (récit, roman, théâtre)." Aix-Marseille 1, 2000. http://www.theses.fr/2000AIX10012.

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Abstract:

L'etude des liens entre la litterature et le voyage permet d'analyser la topique de l'homo viator a la fois dans sa realite, a travers des recits de voyage authentiques, et dans ses traitements litteraires, a travers la production romanesque, theatrale et poetique de la meme epoque. Le corpus couvre une periode qui s'etend de la fin du xvieme siecle jusqu'aux premieres annees du xviiieme siecle, depuis montaigne et lery jusqu'a la traduction des mille et une nuits de galland, en passant par de grandes oeuvres comme polexandre, ibrahim, le bourgeois gentilhomme, bajazet ou les aventures de telemaque, et par des oeuvres moins connues (relations de voyageurs, recits de flibustiers, tragi-comedies, ballets, romans baroques, alchimiques, libertins, voyages imaginaires, utopies, etc. ). L'espacegeographique considere couvre les quatre points cardinaux (indes orientales et occidentales, laponie, barbarie, cafrerie) et privilegie l'outremer par rapport au voyage en europe. La premiere partie de la these s'attache a la lettre meme des textes recenses, afin de mettre en valeur la verite litteraire de cette interinfluence entre voyage et litterature en degageant des arts poetiques viatiques mixtes. La seconde confronte l'ecriture a l'imaginaire de l'ailleurs, le texte a la culture de son contexte a travers l'etude des images, de la cartographie allegorique et de notions telles que la curiosite, le merveilleux, le vraisemblable, les stereotypes, pour arriver a preciser les fonctions du voyage. La derniere partie essaie de penser les sens ideologiques que le voyage prend au xviieme siecle (reflexions sur l'autre, soi, l'etat, le droit, la religion, la nature humaine). L'interference des ecritures et des imaginaires s'avere etre le lieu privilegie de la comprehension d'une certaine "modernite" du xviieme siecle, creant et metamorphosant des genres en fonction d'experiences et d'idees nouvelles.

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Roumilhac, Henri. "L'influence de la morale dominante sur le théâtre comique en France entre 1875 et 1881." Paris 10, 1987. http://www.theses.fr/1987PA100057.

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Abstract:

La thèse étudie les relations entre les diverses formes du théâtre comique et l'ordre moral en France entre 1875 et 1881. L’esthétique, l'histoire de la comédie et les thèmes, examines dans la première partie, portent l'empreinte d'une morale sérieuse et bourgeoise ; la seconde partie montre comment la carrière des auteurs comiques et le poids des mentalités vérifient l'influence des valeurs sociales comprises à travers les normes qu'elles dictent et les transgressions qu'elles permettent. Le corpus, constitue par la totalité des genres comiques, englobe aussi bien la comédie de boulevard, le vaudeville, les genres bouffes que l'importante production des livrets d'opéras comiques. Les rapports de l'esthétique et de la morale, la souplesse des genres comiques, le contact d'œuvres souvent jugées mineures avec le public constituent les principales problématiques de l'ouvrage. Les apports a la recherche apparaissent sensibles dans les domaines de la censure théâtrale, de la hiérarchie des différents théâtres et types de spectacles, de l'évolution du discours dramatique à l'intérieur de la période considérée. On trouvera, dans les appendices, le contenu des saisons théâtrales, la biographie des principaux auteurs et une comparaison, à partir d'œuvres précises, entre l'esprit du second empire et celui des débuts de la troisième république. La bibliographie est suivie d'un répertoire des différents documents sonores existants
The thesis is a study of the relations between the various aspects of comic theatre and moral order in France between 1875 and 1881. Aesthetics, the history of comedy and the themes, studied in the first part, are stamped with a serious and bourgeois ethic; the second part shows how the carrier of comic authors and the power of mentalities confirm the influence of social values (those included in their norms and in the transgressions that they allow). The corpus is made up by the whole of comic types: light comedy, vaudeville, "bouffes" as well as the important production of comic-opera libretti. The main problematic of the work is made up by the relations between aesthetics and morals, the wide range of comic types, the presentation to the public of works often judged as minor ones. The contributions of the research can be found in the fields of theatrical censorship, in the hierarchy between the different theatres and types of play, in the evolution of dramatic writing during the period studied. The contents of theatrical seasons, the biography of the main authors and a comparison (made up from specific works) between the thought of the second empire and the early third republic can be found in the annexes. After the bibliography comes an index of the different sound documents which exist

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Bos, Josette-Alice. "Contribution à une sociologie du théâtre espagnol contemporain : (d'après la saison madrilène 1967-1968)." Besançon, 1986. http://www.theses.fr/1986BESA1017.

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Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre de l'absurde – Histoire et critique'

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