Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre de l'absurde'

L’objectif de cet essai est d’interroger l’absurde en tant que catégorie esthétique dans le théâtre Dada et pré-surréaliste français, entre 1916 et 1923, et ce dans trois textes : La Première aventure céleste de Monsieur Antipyrine, de Tristan Tzara (1916), S’il vous plaît, d’André Breton et Philippe Soupault (écrit en 1919) et Les Mystères de l’amour, de Roger Vitrac (écrit en 1923).L’absurde en tant que catégorie de théâtre a été notamment interrogé à la moitié du siècle dernier par le critique de théâtre britannique Martin Esslin, auteur de la conception d’un « théâtre de l’absurde », mise en place afin de caractériser et d’expliquer l’oeuvre des avant-gardes contemporaines. Cette contribution jouit à la fois d’une grande popularité et a été l’objet de vives critiques, qui la qualifient d’imprécise sinon vague. À ce titre, la présente thèse, afin de définir l’absurde, ne reprend pas les propositions de M. Esslin, mais s’efforce de procéder de manière indépendante. Dans la conclusion, elle effectue une comparaison avec la conception de cet auteur.La première section de cette thèse définit l’absurde en tant qu’une catégorie esthétique et de théâtre ; puis, elle s’intéresse à l’évolution de l’absurde esthétique (formulé comme tel ou intuitif) dans l’histoire du théâtre, notamment en France dans la période postclassique. La deuxième section étudie l’absurde dans le corpus concerné en examinant les structures narratives ainsi que discursives
The aim of this doctoral dissertation is to analyze the absurd as an aesthetic category in French Dada and pre-surrealist theatre between 1916 and 1923, dealing with three texts : La Première aventure céleste de Monsieur Antipyrine by Tristan Tzara (1916), S’il vous plaît, by André Breton et Philippe Soupault (written in 1919) and Les Mystères de l’amour by Roger Vitrac (written in 1923).The absurd as a theatre and drama category was examined especially at the half of the last century by the British drama critic Martin Esslin, author of the conception of the ‘theatre of the absurd’, created in order to caracterize and explain the avant-garde theatre of the 1950´s. This contribution has reached both popularity and deep critics, being considered as poignant as well as imprecise and vague. Thus, this dissertation does not use M. Esslin´s propositions as its starting point, bur attempts to define the category of the absurd in drama and theatre independently. In the conclusion, it proceeds to a comparison with M. Esslin´s contribution.The first chapter of the thesis defines the absurd as an aesthetic and theatre category. Then, it observes the evolution of the aesthetic absurd (named as such or intuitive) in theatre history, before all in France of the post-classical period. The second part analyzes the absurd elements in my corpus, as regards narrative and also discursive structures

This thesis in creative writing comprises two sections. The first is an essay on the theatre of the absurd. The introduction sets the genre in its historical context and briefly describes its aesthetic qualities. Four plays by reputed "absurd" playwrights are studied in the body of the essay: La cantatrice chauve (The Bald Soprano) by Eugene Ionesco, Fin de partie (Endgame) by Samuel Beckett, Le balcon (The Balcony) by Jean Genet, and Les voisins (not translated) by Claude Meunier and Louis Saia. The conclusion examines the difference between dramatic and comic plays found within the theatre of the absurd. It also touches on the legacy of the theatre of the absurd.
The second section of the thesis is a play in one act entitled Resolutions. It respects the principal characteristics of the theatre of the absurd which are described and analysed in the first section.

La poétique de l'absurde dans le théâtre de Jean Tardieu. Notre étude comporte trois parties, chaque partie contient deux chapitres. La première partie intitulée : l'absurde à travers, ce qui est emprunté aux autres dramaturges absurdes ainsi que les nouveaux procédés d'écriture et de discours théâtral. La deuxième partie est l'étude du rapport entre le langage de Tardieu et son personnage : l'absurde émane-t-il du personnage ou bien du langage ? On montre que le langage est le pivot dans l'absurdité de son théâtre; cette absurdité du langage jour un rôle dans la communication ou la non communication du message tardien soit entre personnahe et personnage soit entre personnage et public. La troisième parite étudie la subjectivité langagière de Tardieu, la manière dont elle le rapproche ou l'éloigne du linguiste, l'influence qu'elle exerce sur la possibilité de traduire et la variété des traductions possibles de son texte théâtral
The poetic of absurd in the theatre of Jean Tardieu. Our study comprises three parts, each part contains two chapters. The first part entitled : l'absurde through the language of Jean Tardieu, tries to determine the objectif essence of its writing, they used tools and the processes of the absurd language, which is borrowed from the other absurd playwrights as well as the new processes of written, and of theatrical speech. The second part is the study of relationship between the language of Tardieu and its character. The absurd does it emanate of the character or of the language ? It is shown that the language is the pivot in absurdity of its theatre : this nonsense the language plays a part in the communication of subjectivity of Tardieu, the way it puts together or keeps it away from the linguist. What's influence exerts on the possibility of translating and the variety of the possible translations of its theatrical text

Les bouleversements intervenus dans le monde ont entraine la perte de la foi religieuse et les interrogations quant a l'existence de dieu. Cet etat d'esprit s'est manifeste egalement a travers les ecrits. En france, beckett, ionesco et adamov sont les innovateurs de ce que l'on appelle theatre d'avant-garde ou theatre de l'absurde. Le monde arabe, ayant d'autres preoccupations d'ordre colonial surtout, n'a ressenti que plus tard, le besoin de cette quete. Ou est-ce l'influence d'un occident athe qui a incite al hakim, contemporain egyptien, a ecrire une piece de l'absurde ? en effet, ya tali as sagara presente toutes les structures du theatre de l'absurde. La dimension onirique vient desormais compenser ce sentiment tragique de l'existence : on y denonce le langage stereotype, les barrieres imposees par le temps et l'espace et l'inconsistance des personnages. La perception religieuse est egalement presente, par le silence-relatif-de dieu. Beckett l'attend et conclut qu'il n'existe pas ; ionesco l'ignore mais reste neanmoins obsede par la mort ; adamov declare que les forces superieures sont celles du mal. Quant a al hakim, de religion musulmane, sa position vis a vis de dieu, est differente. D'une part il denonce la croyance religieuse telle qu'elle est transmise depuis des generations et d'autre part il definit sa position, a travers le personnage du derviche, quant a l'existence de dieu
The distruptions which have taken place in the world have resulted in the loss of the religious faith. This feeling has been traduced in the theatral literature in france by beckett, adamov and ionesco. The arab world, concerned with other problems of colonisation particularly has felt later this god quest. Or is the influence of an atheistic occident which has incited al hakim to write an absurd play ? his play ya tali as sagara presents some structures of the absurd theatre. The dreamy dimension becomes the back drop of this theatre : the stereotyped language, the barriers imposed by the time and space and the inconsistency of the personages. The religious perception is also present in the relative silence of god. Beckett has waited him and concluded that he doesn't exist ; ionesco ignores him but is nevertheless obsessed by death ; adamov declares that the superior forces are those of evil. As for al hakim, his position towards his creator is different. On the one hand, he indicates the religious belief as such as it is sent since generations and on the other hand he defines his position, throughout the dervish's personage, as for god existence

La réception du théâtre d'Eugène Ionesco en Chine a connu plusieurs périodes différentes depuis les années 1960. Cette thèse consiste à l'explorer sous trois formes principales : la critique, la mise en scène et la création dramatique chinoise sous son influence. Les recherches sont entreprises à partir d'une réflexion récurrente de la réception d' « autrui » et la constitution de « soi ». La conception d' « autrui » traditionnelle et moderne chinoise influencent toujours la perception des cultures hétérogènes, alors que l'évolution de cette conscience depuis la fondation de la République Populaire de Chine agit profondément sur la réception de la littérature et l'art occidental. De la critique à la consécration, l'interprétation du théâtre d'Ionesco passe par le processus de rejet, refus, distinction et identification de l' « autrui ». Due à la lecture incomplète, elle se focalise sur quelques mots clés et des idées préconçues, pendant que sa conscience politique demeure un point aveugle. La pratique scénique du théâtre d'Ionesco est expérimentée pendant deux périodes intensives. Peu nombreuses, ces créations révèlent déjà des particularités de « sinisation » et la volonté de construire sa propre identité culturelle. Quant à l'écriture dramatique chinoise, l'apparition du théâtre de l'absurde chinois semble atteindre l'équilibre dans le vacillement entre deux pôles de l'emprunt de l' « autrui » et le retour du « soi ». Se référant au théâtre d'Ionesco, ce théâtre démontre des similarités. Un cas spécifique de réception d'une culture d' « autrui », celle du théâtre d'Ionesco, retrace aussi le chemin de rétablissement de l'identité culturelle de la Chine contemporaine
The reception of Eugène Ionesco's theatre in China has witnessed several different periods since the 1960s. This thesis involves researching the reception from three principal forms: the critique, the staging, the Chinese dramatic creation under his influence. The study is begun from a recurring reflection in reception of 'the other' and constitution of 'the self'. The Chinese traditional and modern conception of 'the other' influence always the perception of heterogeneous cultures, while her evolution since the foundation of People's Republic of China has a profound effect on reception of occidental art and literature. From critique to consecration, the interpretation of Ionesco's theatre passed by the process of rejection, refusal, distinction and identification of 'the other'. Due to an incomplete lecture, it is focused on several key words and preconceived ideas, although his political conscience remains a 'blind point'. The practice scenic of Ionesco' theatre experienced two condensed periods. These creations which are not numerous convey already the particularities of 'sinicization' and the will to construct the Chinese own cultural identity. As for the Chinese dramatic creation, the appearance of the Chinese theatre of the absurd seems to attain the equilibrium in the wobble between two poles which are borrowing from 'the other' and return to 'the self'. Instead of referring to the whole occidental theatre of the absurd, but to Ionesco's theatre, this theatre demonstrates the similitude.The reception of Ionesco's theatre, a specific case of reception of the other's culture, retraces also the way of the cultural identity's re-establishment in contemporary China

Le theatre de beckett et de ionesco peut faire illusion. La verdeur, les outrances, les defis au bon sens, dont ces oeuvres regorgent, peuvent laisser croire que leur lecture ne necessite aucun effort d'ajustement, qu'il est inutile de s'appliquer a la recherche de grilles de lecture adequates, les auteurs n'ayant fait apparemment que se laisser aller au gre de la facilite. Il n'en est rien cependant, l'un et l'autre ont consacre tout le genie dont ils disposaient, a etayer, baliser le terrain qu'ils s'etaient choisi comme champ d'action. Beckett a jete dans son oeuvre le poids de l'experience accumulee au cours d'annees d'apprentissage du << dur metier de vivre >>, du combat contre l'illusion que << demain sera beau >>, qui demeure vivace au coeur des << naufrages de la vie >>. En ce qui concerne ionesco, la magie d'annees d'enfance privilegiees l'avait prepare a surmonter les difficultes de la tache qu'il s'etait fixee. Tous deux se sont atteles au deboulonnage des faux-semblants, a la chasse aux automatismes, et a la mise en cause des fausses securites liees aux stereotypes et a la predetermination des comportements sociaux.

L'objectif de cette thèse est de dévoiler et d'analyser le langage des gestes dans le théâtre de l'absurde de Beckett et de Vian. L'insurrection du langage gestuel et corporel est l'un des éléments essentiels de leurs univers théâtraux. Les gestes abondants et précis des personnages beckettiens et vianesques, leur fonctionnement, leur esthétique et leur signification sont un sujet tout à fait primordial pour notre étude. Répétitif, fragmentaire, sériel, absurde, burlesque, dérisoire, tragique, comique, humoristique, tous ces qualificatifs que l'on peut attacher à la nature des gestes beckettiens et vianesques, président à la stratégie de l'élaboration dramatique. Le langage des gestes vianesques et beckettiens, en tant qu'instance de création scénique et en tant qu'unité paradoxale et structure du tragique comique, se métamorphose en une source esthétique et philosophique
The objective of this thesis is to reveal and analyze body language in Samuel Beckett and Boris Vian's absurd theater. The insurrection of body and motion language is one of the essential elements in their theater work. The abundance and precision of the body language in the Beckett and Vian characters, their functioning, esthetic and meaning constitute an object of study of considerable importance. Repetitive, fragmentary, serial, absurd, burlesque, derisive, tragic, comic, all their adjectives that describe the nature of Beckett and Vian's body language are the source from which the dramatic elaboration derives. The body language of Beckett and Vian, as an instrument of scenic creation, as a paradoxical unity and as a tragic and comic structure, is a source of esthetic and philosophical meaning

Le rire semble être la clé de voûte de l'oeuvre de Ionesco. Il trouve ses racines dans les oeuvres de Jarry, Kafka et les Surréalistes, mais il a ses propres caractéristiques. C'est un rire qui tente une révélation de la vérité sur notre condition humaine tout en faisant appel au travestissement burlesque, à la satire mais surtout à un humour moderne fondé sur le non-sens, d'où la création d'un nouveau langage caractérisé par un décalage sur le plan de la communication, par une rupture entre signifiants et signifiés. Le jeu de mots, la suppression des liaisons grammaticales créent un langage sans signification, ce qui fait jaillir le rire. Cet humour est aussi caractérisé par la mise en abîme des personnages. Fantoches sans caractères ni identité, marionnettes à ficelles, encombrées par la prolifération de la matière, les créatures de Ionesco portent en elles la tragédie de l'existence humaine. Le rire dans le théâtre de Ionesco a donc pour fonction d'exprimer l'angoisse et l'absurdité de l'existence humaine. Cette oeuvre permet ainsi au spectateur de prendre conscience du tragique de son existence et de s'en libérer par le rire
Laughter is cornerstone of Ionesco's theatre. Its roots can be traced back to the works of Jarry, Kafka and the Surrealists. However, Ionesco's laughter has its own characteristics. It is a laughter that attempts to denude truth through comic travesty, through satire, but above all through modern humour that verges on the absurd, using for medium a new language characterized by a separation from the normal way of communication, by rupture between the significant and the signified. The play on words and the suppression of grammatical links allow the appearance of a senseless language, which evokes laughter. This humour is characterized by exposing character vices. Ionesco's creation are without character or identity; puppets moved by strings, shackled by the proliferation of matter, carrying in them the tragedy of human existence. Doubtless, Ionesco's laughter shows the pain and absurdity of human existence and to be liberated from it by laughter

Le théâtre des années 50, appelé tardivement "théâtre de l'absurde" par Martin Esslin, naît comme le reflet naturel d'un état d'esprit propre à l'époque et non pas à partir d'un programme préétabli par les artistes/écrivains. Dans ce contexte particulier, Samuel Beckett occupe une place essentielle, aux côtés d'Eugène Ionesco (auteur de Notes et contre-notes, un des seuls ouvrages consacrés à une conceptualisation des techniques dramaturgiques des années 50). Notre travail tente de suivre les diverses façons dont la dramaturgie française contemporaine (Louis Calaferte, Patrick Kermann, Jean-Luc Lagarce, Marie Redonnet et Matéi Visniec) a su capter, incorporer et faire renaître la spécificité de l'œuvre théâtrale de Beckett. Passer en revue les univers dramaturgiques des auteurs étudiés était une approche nécessaire, notamment parce que le corpus comprend des noms peu connus donc des auteurs peu analysés actuellement. Dans le cadre de ce mémoire, nous montrons qu'à travers les éléments paraverbaux les auteurs contemporains suivent le modèle de Beckett et font parfois entendre leur voix sous la couverture d'un narrateur ou d'un des personnages. Les thématiques telles que la guerre, la politique, l'isolement, l'enfermement, la solitude sont autant de liens qui se tissent entre les générations d'écrivains et témoignent de façon convaincante de l'existence des legs de Beckett dans le théâtre français contemporain. A travers le langage, ce rapport intergénérationnel est à nouveau mis en avant. La parole est épuisée, le mot balbutie, la phrase cassée est souvent reprise pour ensuite être abandonnée à une mémoire difficilement perceptible. Le personnage est ensuite décliné dans ses rapports avec soi-même, avec, et contre l'altérité. La question des procédés de filiation est posée à l'aboutissement de nos recherches. En l'absence de quelques instruments indispensables pour l'analyse des rapports textuels entre certaines pièces, nous proposons des solutions terminologiques et conceptuelles, en accord avec l'évolution du théâtre contemporain.

Cette recherche consiste à révéler dans le théâtre de Samuel Beckett, un théâtre réputé pour son ascétisme, des éléments baroques, confus, simulateurs, versatiles. Comme les héros baroques, les personnages beckettiens oscillent constamment entre l'illusion et la réalité et cherchent à masquer leur précarité d'être par toutes sortes de divertissements verbaux et gestuels. On constate aussi leur constitution en couples qui entretiennent des rapports de complémentarité ou d'opposition, tels les couples célèbres du XVIe e du XVIIe siècles, ainsi que des dédoublements ou des scissions hallucinatoires. A cela s'ajoutent la transgression de la bienséance, l'émergence du paradoxe au niveau des situations, la cruauté, la coïncidence de la vie et de la mort, la carnavalisatoin du corps et de l'idéologie en cours, la parodie de l'écriture théâtrale, la bizarrerie des costumes et du maquillage, l'artificialité du geste et la fantaisie verbale. On repère aussi à travers l'écriture théâtrale, un mélange de genres et de registres, des ruptures de tons, l'emploi contrapuntique de la lumière et de la musique avec la parole, des jeux de miroirs, des emboitements, des répétitions, des antisymétries, des mises en abyme ainsi que le procédé du théâtre dans le théâtre
This critical study attempts to uncover the baroque elements in the theatre of Samuel Beckett, which is reknown for its ascetism. As the baroque heroes, the beckettian characters are versatile and fluctate continuously between illusion and reality and attempt to conceal the precariousness of the existence by finding ways to divert themselves and others through verbal games and actions. Furthermore, one can find complementary or antithetical pairing of people, like the famous couples of the sixtheenth and seventeenth century, and the characters's miror image or hallucinations. One can add the following elements : the transgression of the bienseance code, the emergence of paradoxical situations, a rampant cruelty, the coincidentia between life and death, the distorsion of all hierarchies, the parodying of ideologies, especially of the theatre, the eccentricity of costumes stage and make-up, and the artificiality of movement and verbal expression. Finally, the plays reveals a mixture of genres, languages and expressions, the contrapuntal use of light or music with speech, the use of mirroring games, repetitions, mise en abyme and lastly the play within a play

La fiction, bien plutôt que de relever d'une illusion, stérile et dangereuse, engendrée par une imagination trop souvent réduite à n'être que la « folle du logis» par la tradition rationaliste de la philosophie, ne montre-t-elle pas toute sa pertinence et sa fécondité dans le double domaine de l'esthétique et de l'épistémologie, que ce soit, par exemple, dans le jeu paradoxal du comédien ou dans la métaphorisation du réel par le chercheur scientifique, qui s'alimentent, tous deux, à la source d'une mimésis où s'originent toute connaissance comme toute action humaines ? Mais la fiction ne trouve et ne prouve toute son ampleur théorique et pratique que d'être inscrite dans une « philosophie du comme si », dont la véritable filiation est à rechercher dans un kantisme élargi plutôt que dans l'orthodoxie pragmatiste. Ce fictionalisme, qui permet à l'esprit humain de se déprendre de ses habitudes conceptuelles en faisant primer l'intuition poïétique sur l'intelligence technique, ne peut lui-même faire son œuvre que d'être ancré en une philosophie de l'absurde qui, bien loin de réduire « l'homme absurde» au désespoir, en appelle à une décision existentielle de (c l'âme active» qui ré-éveille le génie qui sommeille en chaque homme à l'exigence d'une existence soucieuse de lucidité et de responsabilité, pour soi-même et les autres comme pour le monde
Does not fiction, rather than arising from a sterile and dangerous illusion, engendered by a creative faculty that is too often reduced by the rationalist tradition in philosophy to nothing more than "an overactive imagination", reveal ail of its relevance and fecundity in the dual domain of esthetics and epistemology - for example in the paradoxical performance of an actor or the metaphorisation of the real by a scientific researcher, both of which draw from the source of a mimesis in which ail knowledge and ail human actions originate ? But the full theoretical and practical scope of fiction can only be found and proven when it is situated within a "philosophy of the as if, whose true filiation is to be found in a broadened Kantianism rather than in the pragmatist orthodoxy. Such a fictionalism, which allows the human mind to free itself from its conceptual habits by stressing intuition over technical intelligence, can itself do its work only by being rooted in a philosophy of the absurd which, far from reducing "the absurd man" to despair, calls for an existential decision of the "active soul" which re-awakens the spirit that lies dormant in each human individual to the demands of an existence mindful of lucidity an responsibility, for oneself and for others as for the world

Cette recherche prend pour point de départ deux éléments fondamentaux : certaines pièces d'Adamov (Le Ping-Pong), de Beckett (Fin de partie) et d'Ionesco (Rhinocéros), et le thème de l'Abdurde. Par la mise en oeuvre d'une approche multiple, entrecroisant les aperçus d'une critique thématique, philosophique et stylistique, notre étude nous a conduite à cerner la notion de l'absurde, qui se dévoile grâce aux rénovations structurelles apportées par ces trois auteurs dramatiques. Nos travaux proposent l'analyse de l'absurde en deux parties, à deux niveaux complémentaires. La première "structure théâtrale de l'absurde" -focalise l'attention sur l'analyse du texte : elle se réfère d'abord au modèle aristotélicien et au modèle actanciel pour dégager la structure des oeuvres dont il s'agit. L'étude se poursuit par l'examen des personnages : onomastique et écriture de l'incommunicabilité participent de ce renouvellement de l'esthétique théâtrale. Cette double perspective débouche sur l'étude du rapport inattendu entre la tragédie et la comédie, rapport qui appartient peut-être à la définition du théâtre de l'absurde. La seconde partie du travail est consacrée à la spécificité du texte théâtral dans son lien avec la scène. Nos auteurs sont soucieux de construire l'ambiance scénique en délimitant le lieu scénique et la durée dramatique. Il convient donc d'analyser les didascalies, éléments propres à l'écriture théâtrale. Dans cette perspective, nous prenons pour référence centrale les paratextes didascaliques concernant le décor et le mouvement

Les dramaturgies de l’absurde en France et au Portugal se caractérisent par des mouvements artistiques d’avant-garde, pendant les décennies de 1950 et 1960, dans le sens où les auteurs s’opposent aux systèmes sociaux et politiques de leur époque, en proposant de nouvelles perspectives pour envisager le monde. Le fait que ces dramaturgies se maintiennent en scène nous amène à une interrogation essentielle : quelle est l’importance de la transposition du contenu du texte pour l’espace scénique dans ce genre de dramaturgie ? Dans la première partie de notre étude nous analysons les origines de la dramaturgie de l’absurde en France, tout en réfléchissant sur la polémique qui s’est engendrée autour de la terminologie. Nous nous penchons ensuite sur l’œuvre dramatique de Ionesco et de Beckett. Le choix de ces deux dramaturges se justifie par le fait qu’ils sont devenus les noms les plus emblématiques et avec le plus de visibilité dans la recréation de l’absurde dans l’espace français. En ce qui concerne l’œuvre de Ionesco, nous nous proposons de réfléchir sur les binômes mémoire et amnésie dans l’espace scénique. Chez Ionesco, le jeu de la mémoire et le cours du temps ne cesse pas de préoccuper les personnages qui, loin de se résigner, réagissent contre les blancs de mémoire. La mémoire est représentée ou évoquée en scène par une multitude d’espaces scéniques. La mort est concrétisée sur scène et le poids du temps se fait ressentir. Avec Beckett, le temps semble cristallisé et l’espace est minimisé. Dans ce sens, nous nous proposons d’analyser la façon dont nous pouvons observer dans sa dramaturgie un parcours qui part de la représentation d’un parler incessant accompagné d’un état d’immobilité, pour arriver finalement à la représentation de l’épuisement du langage accompagné par le mouvement incessant. Ce parcours beckettien sera illustré par le fait que nous observons chez les personnages, le passage d’un état de dualité à un état de spectres. De notre point de vue, les thématiques choisies pour analyser l’œuvre des deux auteurs rendent compte des parcours différents de l’absurde ontologique qui nous permet de les rapprocher. Il nous semble aussi qu’il s’agit des thématiques fondamentales pour les transpositions scéniques. Le théâtre de l’absurde au Portugal suit clairement l’influence de l’absurde français, sachant que la France constituait alors une source culturelle d’inspiration artistique. Nous dégageons une ligne commune d’identification liée à l’après-guerre, à l’éclosion des avant-gardes européennes et à la récupération des mouvements artistiques qui ont surgi dans le contexte de la Première Guerre, tels que le Surréalisme et nous rendons compte aussi d’une déviation : le théâtre de l’absurde au Portugal a aussi été une stratégie pour échapper à la censure. Si le théâtre de l’absurde en France s’est caractérisé par une avant-garde aux feux de la rampe, le théâtre de l’absurde au Portugal a été caractérisé par une écriture muette, traumatisé par la censure de l’Etat nouveau, qui a bloqué le passage du texte à la scène. Il est très curieux de s’interroger sur les raisons qui ont motivé la censure pendant la dictature portugaise à être plus rigide vis-à-vis la dramaturgie nationale, qu’elle ne l’a été envers les auteurs étrangers. Pour éclaircir ces questions, la deuxième partie de la thèse portera sur l’analyse de la dramaturgie portugaise. Nous dresserons le panorama théâtral pendant la dictature de l’Etat nouveau au Portugal et présenterons les différents parcours des auteurs faisant l’objet de la censure politique. Nous cherchons à observer la façon dont le langage codifié de ces dramaturges surgit comme une évocation des auteurs français et comme subversion politique. Ce fait souligne le pouvoir critique du théâtre de l’absurde, un nonsense qui produit du sens. Il faut aussi s’interroger sur les causes de la censure des représentations des textes, alors que leur publication était autorisée. Nous pouvons alors observer d’une façon plus claire en quel sens l’effet immédiat du spectacle peut dénoncer l’espace social plus efficacement que le texte qui le précède. Si le théâtre de l’absurde en France s’est défini par une présence constante en scène, le théâtre de l’absurde au Portugal est banni de la scène. Nous nous proposons d’observer le lieu du théâtre de l’absurde, dans son passage à la scène. Nous étudions les recréations françaises les plus récentes et les voies des dramaturges portugais après la fin de la dictature en 1974. Ainsi, la troisième partie de ce travail propose une réflexion sur l’importance de la recréation scénique dans le contexte du théâtre de l’absurde. Cette étude nous permettra de mieux comprendre les voies possibles pour contrarier le mutisme du théâtre portugais et les parcours d’un théâtre canonique, bloqué par la tradition, dans le cas français
The main question that underlies this research is the brige between the written word and the theater stage in absurd dramaturgies from France and Portugal. In the French case we propose to study the dramaturgical itineraries of Ionesco and Beckett, through sets of thematic approaches which seem fundamental in the stage re-creation of their texts. In the Portuguese case we aim to look at the theater's political and legislative structure under the Estado Novo dictactorship, in order to better grasp the context in which the main representatives of the absurd movement saw their work asphyxiated by state censorship. We will try to understand the continuity of absurd theater today, by analyzing a set of recent stagings of some of these written works in France, as well as observing the reality of Portuguese absurd theater after the establishment of democracy in 1974. By confronting these two different contexts we will try to demonstrate the importance of both recreating the absurd dramaturgies of the French stage, and counteracting the invisibility of the Portuguese reality

L'amorce repose sur une contradiction quasi-résorbée : Les ludique et absurde négligés par la littérature, s'imposent au XXe siècle, comme composants utiles à une manifestation intellectuelle plus en phase avec la pensée humaine contemporaine. L'analyse littéraire repose sur l'observation d'aptitudes que manifestent les notions de ludique et d'absurde pour s'adapter aux contraintes inhérentes aux écritures romanesques, théâtrales et poétiques, aujourd'hui. Pour définir les compétences accrues d'un message littéraire en contexte ludique et/ou absurde, la première partie est une relecture ciblée d'auteurs que la critique ne classe pas dans un registre ludico-absurde. La seconde précise et illustre la nature de ces nouvelles compétences, par l'étude d'expérimentations de R. Devos et R. Queneau, dont les rhétoriques ludico-absurdes renvoient à une surréalité toujours populaire car déjà intellectuellement intégré par le récepteur. La dernière aborde la dimension socioculturelle de la littérature, témoin-artisan d'une pensée collective férue de valeurs ludico-absurdes, et qui après s'être souvent fait le chantre de la philosophie de l'absurde, esquisse de l'individu, sa nouvelle manière d'être au monde
The absurd along with that of the “ludic” can no longer be confirmed to the domain of literary prose, but are in fact essential elements to twentieth-century intellectual thought at large. The literary fundamentals are based on the observation of the capacity of the absurd and the “ludic” to adapt to inherent constraints of the novelistic, theatrical and poetic. Our first section argue for a re-evaluation of that message focusing on specific writers that critics thus far have failed to appreciate as part of a distinctive “ludico-absurd” form. The second section focus on this emerging capacity based on studies of the work of R. Devos and R. Queneau, whose “ludico-absurd” rhetoric holds in common a surrealism. It remains popular as audiences are ever sensitive to the message of the “ludico-absurd”, while the latters having integrated it intellectually. The third section focus on the socio-cultural dimensions of the literature, concentrating on the position of the artist as well as that of the beholder. Ultimately, this paper look at the way in which the philosophy of the Absurd continue to elaborate and indeed herald a new relationship between the individual and the contemporary world

Tennessee Williams utilise pour la première fois l’expression « théâtre plastique » en 1944, dans un essai où il évoque les limites du langage verbal. Ce qu’il recherche, c’est un langage « des sons, des couleurs et des mouvements », un au-delà des mots censé redonner vie à un théâtre réaliste jugé moribond. Il se fixe ainsi pour objectif de retranscrire sur la page la totalité de l’expérience théâtrale. Créateur d’images, le dramaturge se compare fréquemment à un peintre et puise dans l’art pictural les éléments de son nouveau langage. Gauguin, Van Gogh, De Chirico, Hofmann ou encore Pollock font partie de la longue liste d’artistes qui lui ont permis d’échapper à la pétrification dans un mimétisme réaliste associé à l’image photographique. Cités dans ses essais ou dans ses pièces, ils orientent son théâtre vers l’abstraction à laquelle le dramaturge aspire. Or, l’influence des images sur le « théâtre plastique » ne se limite pas seulement à la peinture, la fascination de Williams pour le cinéma a également contribué à façonner son écriture, élargissant encore davantage l’alphabet de son langage théâtral. L’image apparaît en ce sens comme un agent libérateur du langage, un au-delà des mots dans lequel se profile un « je » en marge de la représentation comme système culturellement prédéterminé et prédéterminant. L’écriture de Williams désire l’image. De là vient sa puissance subversive. Le processus créateur tout entier se fonde sur l’entrelacement des logiques sémiotiques propres au langage et à l’image, faisant de l’un l’envers de l’autre, sa moitié indispensable. Le rapport de complémentarité qui unit l’image au langage dans toute l’œuvre de Williams met à jour l’originalité d’une écriture animée par un désir d’image, écriture vivante du théâtre
When Tennessee Williams coined the phrase “plastic theater” in 1944, he described it as a language of “sounds, colors and movements,” a language freed from the limitations of words. His aim was to breathe new life into what he called “the exhausted theater of realistic conventions.” His ability to put the totality of theatrical experience into words manifests itself in the scripts of his plays. Williams is a creator of pictures, a playwright in the true sense of the word who found in painting and cinema the images he needed to elaborate his new language for the stage and move away from a “photographic likeness” he rejected because it was associated with realism. Gauguin, Van Gogh, De Chirico, Hofmann or Pollock are but a few of the many painters mentioned in his plays or essays who provided him with the means to enrich his vocabulary for the stage and lead his “plastic theater” toward “something more abstract.” But cinema also influenced him, giving him the opportunity to explore new possibilities and create a space between words and images where the elusive truth could be revealed. Images thus helped liberate Williams from the literary traditions as well as from the cultural codes that had defined and confined his writing from the very beginning. The writer who felt “wrapped up in literary style like the bandages of a mummy” found in images the subversive power he needed to express his true self and breathe life into words that he had always wanted to be “more than words.” From “the language of vision” to “organic writing,” Williams’s “plastic theater” evinces a desire for images

Ayant vécu les grands désastres des deux guerres mondiales, trois dramaturges de cultures et d’horizons très divers, Eugène Ionesco, le Roumain, Samuel Beckett, l’Irlandais et Arthur Adamov, l’Arménien, se fraient un chemin à part dans lepaysage théâtral des années 1950, exprimant leur sentiment d’aliénation face à un monde incompréhensible et irrationnel où l’homme vit l’expérience irrémédiable de l’absurde. Peignant, chacun à sa manière, la condition de l’être jeté dans le tourbillon existentiel, condamné à mener une existence absurde qui le dépossède de lui-même, ils construisent,en même temps, un théâtre « nouveau », métaphysique, symbolique et allégorique, basé sur une réutilisation de procédés esthétiques et dramatiques très anciens, au service d’une réflexion philosophique neuve, moderne, très proche de la philosophie existentialiste. L’hypothèse d’interprétation du caractère allégorique de ce « nouveau théâtre» interroge l’existence comme acte d’une possible liberté éprouvée dans la confrontation avec l’aliénation et l’absurde, capable de l’éclairer et de lui donner un sens, à travers l’analyse de ses strates successives : les fondements philosophiques et dramatiques, la perception de l’espace théâtral qui fait découvrir des êtres dépersonnalisés aux propos désarticulés, présentés dans une durée déstructurée, par le jeu de pulsions premières
Having lived through the tremendous disasters of the two world wars, three playwrights from different cultural backgrounds with different views, Eugene Ionesco the Romanian, Samuel Beckett the Irish and Arthur Adamov the Armenian opened up a new way in the 1950’s theatrical scenery, by expressing their feeling of alienation in an incomprehensible and irrational orld where human beings live the incurable experience of the Absurd. Exposing, each one in his particular manner, the condition of the human being thrown into the abyss of life, condemned to a meaningless existence which leads inevitably to strangement, the three playwrights are also building a “new”, metaphysical, symbolic and allegorical theatre, based on old raditional aesthetic and artistic procedures, yet serving a modern philosophical approach, profoundly related to existentialism. The interpretative hypothesis of this new allegorical theatre questions human life as a possible act of liberty tested in its confrontation with the feelings of alienation and absurd, capable of enlightening it by giving it meaning, throughout the analysis of each and every one of its successive strata: the philosophical and dramatic basis, the perception of the theatrical space, unveiling estranged human beings using distorted speech, presented in a devastated duration by the means of primary urges

Notre travail cible l’œuvre théâtrale complète de Beniamino Joppolo (1906-1963). La première partie suit le cheminement biographique, esthétique, poétique, artistique, politique de l’auteur et spécifie la situation historique dans laquelle chacune des quarante-sept pièces a pu être élaborée. Elle est subdivisée en quatre parties, respectivement dédiées à la période de jeunesse, aux années milanaises, à la période dʼaprès-guerre et à la décennie parisienne. La seconde partie détaille lʼexpérience complexe de I carabinieri, faire-valoir indiscuté de l’œuvre théâtrale joppolienne. Elle présente une étude génétique comparative des différentes versions de la pièce, et analyse la collaboration avec le dramaturge J. Audiberti, et les épreuves de la scène de (R. Rossellini, 1962) et de lʼécran (J.-L. Godard, 1963). La troisième partie reprend la multitude d’indices donnés par lʼauteur en vue dʼune concrétisation scénique des productions, et propose une approche personnelle de trois pièces proches des mouvances absurde, expressionniste et magico-réaliste. Une bibliographie détaillée précède des annexes indispensables : une frise chronologique structurée ; une fiche-synopsis de présentation pour chaque pièces répertoriée ; les traductions de Lʼimbottigliaggio mostro [Monstrueux embouteillage], Lʼattesa [Lʼattente], Il fiore giallo e lʼalbero parlante [Paroles de fleur dʼor et dʼarbre transparent], et I microzoi [Les animalcules] ; l’entretien de Giovanni Joppolo, fils de l’auteur, réalisé en 2013 ; trois index (noms et notions, documents iconographiques, index général)
My research studies Beniamino Joppolo’s (1906-1963) complete theatrical works. The first part retraces the author’s biographical, aesthetic, poetic, artistic and political life and presents, in so doing, the historical context of the elaboration of each of his forty-seven plays. This part is subdivided in four sections dealing with respectively his youth, the Milan years, the post-war period and the Parisian decade. The second part focuses on I carabinieri and the complex experience that the play, indisputably a hallmark in Joppolo’s work, generates. It presents a genetic and comparative study of the different versions of the play, and analyses Joppolo’s collaboration with playwright J. Audiberti, and the workings of its adaptation for the stage (R. Rossellini, 1962) and for the screen (J.-L. Godard, 1963). The third part tracks the many clues left by the author to explore the stage adaptations of his productions and offers personal insights into three plays, related to the absurd, expressionist and magic-realist movements. A detailed bibliography precedes the required appendices : a structured chronological table; a synopsis for each identified play; the translations of Lʼimbottigliaggio mostro [Massive traffic jam], Lʼattesa [The wait], Il fiore giallo e lʼalbero parlante [The golden flower and the talking tree], et I microzoi [The microzoons] ; Giovanni Joppolo’s, the author’s son, interview, conducted in 2013 ; three indices (names and notions, illustrations, general index)
Il nostro lavoro è incentrato sull’opera teatrale di Beniamino Joppolo (1906-1963).La prima parte segue il percorso biografico, estetico, poetico, artistico e politico di J., especifica la situazione storica in cui ogni singola opera (47 in totale) è stata elaborata. Essa èsuddivisa in quattro capitoli dedicati al periodo giovanile, agli anni milanesi, al periodo deldopoguerra e al decennio parigino.La seconda parte dettaglia l’esperienza complessa de I carabinieri, pièce simbolicadell’intera produzione teatrale joppoliana. Si costituisce di uno studio genetico comparativodelle varie versioni del testo, e di un’analisi della collaborazione di J. con il drammaturgo J.Audiberti, e delle due concretizzazioni maggiori, quella registica di R. Rossellini (1962) equella cinematografica di J.-L. Godard (1963).La terza parte riprende gli indizi dati da J. con l’obbiettivo di realizzare scenicamente leproduzioni. Essa propone inoltre un approccio più personale di tre pièce rispettivamenteassociabili alle correnti assurda, espressionista e magico-realista.Una bibliografia dettagliata precede una serie di documenti annessi indispensabili: unatabella cronologica strutturata; una presentazione sintetica di ogni pièce repertoriata; letraduzioni de Lʼimbottigliaggio mostro [Monstrueux embouteillage], Lʼattesa [Lʼattente], Ilfiore giallo e lʼalbero parlante [Paroles de fleur dʼor et dʼarbre transparent], e I microzoi [Lesanimalcules]; l’intervista di Giovanni Joppolo, figlio dell’autore (2013); e tre indici (nomi enozioni, documenti iconografici, indice generale)

Arthur Adamov (1908-1970) est une figure peu étudiée du théâtre contemporain. Le regard culturel et social que nous avons adopté doit permettre de renouveler l'intérêt pour cet homme de théâtre inclassable, mais dont l'apport a été majeur. D'abord lié à l'«absurde», il s'est tourné vers un théâtre social voire politique, sans jamais s'y cantonner, alors même qu'il se rapprochait du parti communiste. Cette thèse analyse les évolutions de son théâtre, qui n'a jamais été figé, et dont les formes se sont transformées en fonction des évolutions politiques et sociales ainsi que celles du milieu théâtral. Elle met en lumière l'intellectuel engagé et les divers répertoires d'action qu'il a utilisés, surtout entre la crise de mai 1958 et la fin de la guerre d'Algérie. L'œuvre d'Adamov a reflété la société de son temps, elle a parfois été encouragée, a suscité des enthousiasmes, mais aussi de vives critiques. Sont mises en exergue autour de son œuvre les sociabilités et instances de légitimation : directeurs de salles, revues, metteurs en scène. Les lieux où il est joué, en France - des salles avant-gardistes aux théâtres de la banlieue «rouge» - ou à l'étranger, déterminent une géographie propre aux théâtres ouverts à une dimension politique et à un nouveau public. Les écarts entre le public souhaité et réel, comme entre le théâtre théorisé, pensé et la pratique forment un autre axe d'analyse. Enfin, cette recherche dresse un tableau de la réception de son œuvre, particulièrement empreinte des sensibilités de son temps. C'est une utopie artistique et politique quelque peu enfouie, qui surgit dans sa dimension singulière et collective
Arthur Adamov (1908-1970) is a Jess studied figure of contemporary theatre. The social and cultural point of view that we adopt allows renewing interest for this unclassifiable and playwright. Initially linked to the "absurd", he shifted towards social and political theatre; meanwhile he was getting closer to the communist party. This thesis analyzes the evolution of his theatre that never freezes but reconfigures with the transformation of theatre, political and social backgrounds. We try to bring out the engaged intellectual and the list of his various actions that reached its peak between May 1958 cri sis and the end of the Algerian war. Adamov' s work reflects the society of his time; it has been encouraged, provoked enthusiasms as well as received hard critics. Sociability and legitimation instances reconfigure around his work: theatre hall directors, magazines, producers. The places when he has been played, in France - from avant-garde halls to the "red" suburb - or abroad, determines the particular geography of theaters opened to certain political dimension as well as to a new audience. The gap between the wished and real audience, as between theorized, imagined and practical theater, form other axes. Finally, this research provides information about the reception of Adamov's works, especially the impressions and sensibilities of his time. It's all about artistic and political utopia somehow buried which will arise in its collective dimension

Malgré l’ancienneté du personnage populaire, la notion de bouffon a tardé à entrer dans le vocabulaire critique des études littéraires. Pourtant le bouffon, qui s’appréhende à travers la fonction sociale de critique dont il s’acquitte, peut se définir par le prisme de l’histoire de la folie, qui implique une réflexion anthropologique et sociologique, et de l’histoire du spectacle, à la croisée de la littérature et des arts. Le présent travail élucide donc, à travers leurs représentations au théâtre, les attributs et les fonctions des bouffons du XXe siècle. Le XXe siècle a été choisi comme cadre temporel car ce siècle est marqué par deux transformations majeures. D’une part, il est frappé par ce que Jean-François Mattéi appelle une « crise du sens », phénomène global de mise en péril de la signification et de l’orientation de l’existence dans une ère post-métaphysique. Le bouffon pouvant être considéré comme un vecteur de critique socio-politique et de médiation métaphysique, interroger son insertion dans une telle crise permet de mettre en lumière les aspects saillants de sa définition. D’autre part et concomitamment, le siècle connaît aussi une révolution théâtrale opérée grâce à la libération des codes langagiers, à l’avènement de l’espace dans la théorie et la pratique théâtrales, et à l’exploitation des moyens électriques nouveaux qui promeuvent l’art de la scénographie. En tant qu’outil d’exploration esthétique, la figure du bouffon permet de mettre en lumière les caractéristiques de cette révolution, et vice-versa. Il s’agit donc ici de questionner le réinvestissement moderne de la figure traditionnelle du bouffon comme reflet de la révolution théâtrale et, par conséquent, comme réponse à la crise du sens. Le corpus réunit une sélection parmi les œuvres théâtrales d’Alfred Jarry, Michel de Ghelderode, Samuel Beckett, Roland Dubillard et Alain Badiou. La période s’étend de 1896, année marquée par la création d’Ubu roi, à 2018, date à laquelle le dernier chapitre de la saga d’Ahmed est proposé à la scène. L’étude repose majoritairement sur l’étude de texte en s’appuyant au maximum sur la réalisation scénique, par l’entremise de témoignages ou d’articles de presse. La première partie est consacrée à un parcours historique du bouffon depuis l’Antiquité afin de mieux mettre en perspective sa modernité dans la deuxième partie, où il fait l’objet d’une typologie. On y voit alors que les bouffons modernes se réapproprient toutes les traditions dans un grand syncrétisme. La troisième partie met l’accent sur les spécificités modernes dans l’inventivité langagière, dans l’exploitation du comique burlesque et dans la promotion d’un humour empreint de tragique. La dernière partie peut alors clarifier les réponses socio-politiques, métaphysiques et théâtrales apportées par ces bouffons qui accèdent au titre de « morosophes », c’est-à-dire de « fous sages »
Even if jesters are very popular characters, the very concept barely exists in critical vocabulary. Jesters, which play an important role in every society, can be defined throughout the history of madness, implicating a sociological and anthropological approach, as well as throughout the history of theater, located at the cross-section of arts and literature. This research sheds light on the characteristics and functions of jesters in the 20th century. The 20th century was a post-metaphysical age marked by two significant transformations. First, a “crisis of purpose” defined by Jean-François Mattéi as a loss of meaning in life. Since jesters invite us into a socio-political and a metaphysical critique, it only makes sense to question their role in that matter. Secondly, the 20th century was home to a revolution in drama, seen through linguistic experimentations, the introduction of space in theatrical theory and practice, and the exploitation of new electrical technologies that advanced the art of scenography. As natural explorers of new aesthetic forms, jesters had a great role to play in this revolution. This research questions the use of jesters in the modern times, showing how they echo the dramatic revolution, and therefore help society to overcome the crisis of purpose. The corpus is a selection of theatrical works from Alfred Jarry, Michel de Ghelderode, Samuel Beckett, Roland Dubillard and Alain Badiou. The period of investigation stretches from 1896, the year in which Alfred Jarry’s Ubu Roi premiered, to 2018, marked by the debut of the final segment of Alain Badiou’s saga Ahmed. This study is primarily based on textual analysis, relying heavily on stage performances documented through interviews and press articles. The first section deals with the history of jesters, from Antiquity to the beginning of the 20th century, in order to understand their role in modernity, in contrast. It allows us, in the second part, to show how jesters reappropriated symbolic attributes in modern times, under the form of a typology. The third part returns to the fundamentals of madness, insisting on linguistic creativity and on a complex form of humour, a mix of burlesque and tragic effects. Only with this understanding of jesters can we begin to uncover how they came to be named “morosophs”, meaning “wise fools”, and how they can provide solutions to the crises of modern times

Le theatre d'avant-garde nous presente "un nouveau rire" : le rire d'apresguerre. Ce rire s'eloigne des methodes qui ne stimulent pas la pensee, se penche vers ta representation de l'incoherence de l'homme dans son univers et parvient a son apogee avec le theatre de ionesco. Le rire que suscitent les pieces de ionesco est souvent declenche par la mise en scene comique d'une situation tragique. Ilne cache pas l'horreur de la condition humaine, bien au contraire, il met l'accent sur le desespoir de l'homme en devoilant l'absurdite fondamentale de sa condition. On rit mais ce n'est pas un rire gai, franc, il s'agit plutot d'un rire "decu", "dur", "excessif. Chez ionesco, le comique cotoie le tragique de pres et nous incite a reflechir sur notre condition. Donc, le comique sert avant tout a exprimer le tragique, ce qui permet au tragique de ne pas tomber dans le pathetique. Le comique offre une veritable experience existentielle de la tragedie que decrit le theatre de l'absurde. Il fait rire le spectateur qui se pose la question : "pourquoi je ris ?". Grace a ce comique, nous ne pleurons jamais au theatre de l'absurde, mais ce theatre n'est pas pour autant un theatre leger, le fait de le privilegier l'humour ne l'empeche d'etre serieux et d'offrir une nouvelle vision du monde plutot pessimiste. Le moyen le plus apte a exprimer cette vision du monde semble etre le comique.

En mettant en scène Warten auf Godot en 1975 au Schiller Theater, Beckett déclare : « Je ne connaissais rien au théâtre quand j’ai écrit cette pièce. » Constat précieux : l’auteur parle au passé. Entre l’écriture et la mise en scène, un savoir a été acquis. Le défaut de savoir constaté concerne la dimension pratique du théâtre. C’est le théâtre tel qu’il se fait auquel Beckett s’est peu à peu confronté, jusqu’à assumer la mise en scène de ses propres pièces. Devenu praticien, l’auteur s’empare de se première œuvres, les reprend : dans cette reprise lui apparaissent les failles et les manques initiaux. Loin de relever d’une continuité ou d’une évidence, la mise en scène par l’auteur de son premier théâtre et les réécritures auxquelles elle donne lieu offrent un aperçu sur la façon dont l’intériorisation par Beckett de deux fonctions qui ont joué un rôle fondamental dans l’histoire du théâtre au XXe siècle soumet ses pièces à une dynamique de création seconde qui fait évoluer sa poétique initiale. Beckett ne considère pas l’œuvre écrite comme une partition dont il faudrait assumer l’exécution. Au contraire, au fil de sa pratique scénique, il les dramatise et les théâtralise, témoignant de l’évolution même de sa conception du théâtre. Il passe d’un « théâtre rêvé » à un « théâtre pratiqué ». Dans ce passage se dévoilent les méandres et les détours d’une écriture dramatique façonnée initialement dans un creuset romanesque, qui va progressivement acquérir une théâtralité plus marquée. La pratique soumet alors la poétique à une dynamique de reprise et d’ajustements dévoilant en définitive un « Beckett en mouvement », qui allie pratique scénique et poétique du drame pour fonder une poétique théâtrale complexe
While staging Warten auf Godot in 1975 at the Schiller Theater, Beckett says : « I knew nothing about theater when I wrote this. » The use of the past tense points out the fact that between the writing process and the staging process, something has been learnt. What he did ignore is theater as an artistic practice, as a performance. He will discover it progressively during the 1950’s and the 1960’s and eventually will become the director of his own plays. Our work aims at showing how this shift from desk to stage will lead him to rewrite them, carrying on the creative process directly from the theatre, and, in return, how his very conception of directing is shaped by the singularity of these plays. Far from considering stage directing as a mere execution of the stage directions, Beckett dramatizes and theatricalises his works. Thus, his very conception of theater evolves from an abstract vision, drama as it appears in a literary form, to very a practical one, transforming the very theatricality at stake in his plays. Stage directing and theatre writing are then offering a constant interface, which leads to the emergence of what may be called a theatrical creation in which practical standpoint and literary creation are linked together

À la fin des années 1940, une nouvelle avant-garde théâtrale fait son apparition dans les petites salles de la Rive gauche à Paris : le théâtre « de l’absurde », désigné ainsi par le critique britannique Martin Esslin. Cette écriture dramatique novatrice, qui parvient à s’imposer rapidement auprès du public français et international, connaît sur les scènes ouest-allemandes un succès durable. La présente thèse s’emploie à mettre au jour le processus de transfert et les modalités de réception en République Fédérale d’Allemagne des œuvres des principaux représentants de ce mouvement : Arthur Adamov, Samuel Beckett, Jean Genet et Eugène Ionesco.À partir de sources inédites issues des archives, il s’agit de reparcourir les trajectoires des médiateurs de cette importation culturelle, de retracer la chronologie de la réception et de souligner la diversité des supports utilisés, théâtraux, radiophoniques et télévisuels. La circulation des œuvres dans le paysage théâtral ouest-allemand entre 1949 et 1989 est étudiée dans ses différentes étapes, de leur découverte par les maisons d’éditions à leurs traductions, créations scéniques majeures et enfin leur accueil par la presse spécialisée et le public dans son ensemble. Par nature cosmopolite, le répertoire théâtral « de l’absurde » a été doté dans la culture d’accueil ouest-allemande d’une dimension internationale qui a favorisé la réussite de son intégration. Ce travail ouvre ainsi un chapitre inédit dans l’histoire de l’Allemagne, de sa culture et de son théâtre comme, plus largement, des relations culturelles franco-allemandes
At the end of the 1940s, a new theatrical avant-garde appears on the small stages of the Left Bank in Paris: the theatre of the “absurd”, as conceptualised by the British drama critic Martin Esslin. This innovative dramatic writing style succeeds in establishing itself with the French and international public, and enjoys a long-lasting success in West German theatres. This thesis aims at uncovering the process of cultural transfer and the modes of reception in the Federal Republic of Germany through the main representatives of this movement: Arthur Adamov, Samuel Beckett, Jean Genet and Eugène Ionesco. Based on previously unpublished archival sources, this work retraces the path of the mediators of this cultural import, follows the chronology of the reception and highlights the diversity of the types of media used: theatre, radio and television. The individual steps through which the theatrical works were circulated in the West German theatre landscape between 1949 and 1989 will be analysed from the discovery by publishing houses via different translations, to major stage productions and finally the acceptance by the theatrical press and the general public. Thanks to its cosmopolitan nature, the theatre of the “absurd” was endowed by the West German host culture with an international dimension that contributed to its successful integration. Hence this study opens a new chapter in the history of Germany, its culture and theatre as well as, more widely, the French-German cultural relations

En retraçant le développement des théories de la comédie dans la philosophie occidentale, cette thèse avance que des préjugés l’ont empêchée d’être reconnue comme un genre littéraire sérieux. Il est montré que la place donnée à la comédie comme genre mineur pendant plus de deux mille ans correspond à un modèle éthique qui affirme, en distinguant le réel de l'Idéal, une vision néo-platonicienne de l'existence. Partant de l’analyse d’un phénomène théâtral précis dans l’Europe de l’après-guerre et à travers de nombreux exemples choisis parmi des pièces de cinq dramaturges différents, cette thèse propose trois principaux critères de la comédie : le statut ontologique des personnages comiques, la relation paradoxale de la comédie au monde des apparences, et son aptitude à permettre l'impossible. Opérant ainsi un renversement total des systèmes de valeurs et remettant en question une vision binaire, la comédie brouille les clivages entre l’abstrait et le concret, le mécanique et l’organique, et au bout du compte entre la vie et la mort. Il est démontré comment ce renversement s’accomplit de manière linguistique, métaphorique ou encore dramaturgique. L’étude conclut que la comédie bouleverse l'ordre socio-symbolique qui repose sur la logique du possible
By tracing the development of theories of comedy within Western philosophy, this thesis claims that anti-comic prejudices prevented comedy from being recognized as a serious genre. Comedy’s inferior status for over two thousand years is shown to correspond to an ethical model that distinguishes the real from the Ideal and affirms a Neo-Platonic vision of existence. Through numerous examples taken from a particular phenomenon of post-war European theatre comprising five different playwrights, this thesis proposes three primary characteristics of comedy: the ontological instability of comic characters, comedy’s paradoxical relation to the world of appearances, and comedy’s willingness to accommodate the impossible. By throwing binaries into question and promoting a complete reversal of dominant value systems, comedy blurs the lines of distinction between the abstract and the concrete, the mechanical and the organic and, ultimately, between life and death. Demonstrating how this reversal is accomplished linguistically, metaphorically, or dramaturgically, this study concludes that comedy subverts the socio-symbolic order that relies upon the logic of possibility

Le recueil de brèves théâtrales "Les Journées nationales" rassemble trois courtes pièces ("La Journée nationale du pardon", "La Journée nationale de la lutte contre l’embonpoint" et "La Journée nationale de la frivolité") qui reposent sur une prémisse commune, en apparence farfelue : l'obligation de célébrer un quelconque impératif social dicté par la majorité. À travers un humour parfois noir, "Les Journées nationales" se présentent comme de courtes satires sociales qui, en judiciarisant une conduite morale implicitement imposée, entreprennent de disséquer et de décomposer les normes sociales et les valeurs généralement admises afin d’en souligner les incohérences. "Quand les huissiers se saisissent de la scène : l’absurde bureaucratique dans le théâtre contemporain" est un essai qui vise à analyser les procédés et à identifier les enjeux à l’œuvre dans les pièces de théâtre de l’absurde bureaucratique. Cette expression désigne des œuvres dramatiques qui, à travers un comique de décalage, une utilisation ludique et créative du jargon bureaucratique et une importance accordée au référent social du lieu et des personnages, expriment la terreur ressentie par leurs auteurs à l’endroit de l’institutionnalisation des relations humaines. À l’aide de quatre pièces principales ("Le Professeur Taranne" d’Arthur Adamov, "Les Travaux et les Jours" de Michel Vinaver, "Quelques conseils utiles aux élèves huissiers" de Lydie Salvayre et "États financiers" de Normand Chaurette), d’études sur le théâtre de l’absurde (Esslin, Hubert) de même que d’ouvrages de sociocritique (Duchet) et de sociologie (Crozier et Friedberg, Le Breton), il sera démontré qu’en exprimant une tension constante entre l’intime et le professionnel, l’absurde bureaucratique laisse aussi entrevoir la persistance du pouvoir et de la responsabilité individuels au sein des organisations sociales.
"La Journée nationale du pardon", "La Journée nationale de la lutte contre l’embonpoint" and "La Journée nationale de la frivolité", the three short plays collected in "Les Journées nationales", all spring from the same, seemingly eccentric idea : the obligation to celebrate any social aspect as long as it is dictated by a majority. By "legalizing" an implicitly imposed moral conduct, "Les Journées nationales", short social satires laden with black humour, dissect and analyze social norms and generally acknowledged values in order to highlight their incoherencies. "Quand les huissiers se saisissent de la scène : l’absurde bureaucratique dans le théâtre contemporain" is an essay that analyzes the processes and also points out the stakes at work in the theatre of the "bureaucratic absurd". The "bureaucratic absurd" is a phrase used to designate plays that, through nonsense, a playful and creative use of bureaucratic jargon and through the importance given to the characters’ and locations’ social connotations, express the terror felt by the playwrights towards the institutionalization of human relationships. Using four plays (Arthur Adamov’s "Le Professeur Taranne", Michel Vinaver’s "Les Travaux et les Jours", Lydie Salvayre’s "Quelques conseils utiles aux élèves huissiers" and Normand Chaurette’s "États financiers"), theoretical works on the theatre of the absurd (Esslin, Hubert), sociocriticism (Duchet) and sociology (Crozier and Friedberg, Le Breton), we will show that, through the expression of a constant tension between the intimate and the professional, the bureaucratic absurd offers a glimpse of the individual’s power and of the persistence of personal responsibility within social organizations.

La notion de l'absurde a pris dans la pensée et le langage courant un très grand nombre de significations, parfois très éloignées les unes par rapport aux autres. Il est arrivé à au moins deux reprises que le terme « absurde » soit entendu dans le sens d'un courant : dans la philosophie absurde théorisée par Albert Camus en 1942, et dans le Théâtre de l'absurde (Beckett, Ionesco, etc.), qui lui a connu son apogée dans les années cinquante. Ces deux mouvements pourraient être envisagés comme l'expression d'un seul et même courant, l'absurde, qui prend ses racines dans une Europe ébranlée par les horreurs de la guerre et l'affaissement de la religion chrétienne. Pour les contemporains, l'hostilité et le désordre de l'univers, de même que la solitude irrémédiable de l'individu apparaissent comme des vérités à la fois douloureuses et difficile à ignorer. Roman Polanski (1933-), cinéaste à la fois prolifique et éclectique, ouvre à l'absurde de nouveaux horizons, ceux du septième art. L'analyse de son oeuvre (et des éléments autobiographiques qui la sous-tendent parfois) met à jour d'indéniables parentés avec les figures-clés de l'absurde que sont Camus, Kafka, Nietzsche et les dramaturges européens de l'après-guerre. Ces parentés se repèrent tout autant dans les thématiques récurrentes de ses films que dans leurs obsessions formelles.
The idea of absurd has taken a huge amount of different meanings in thought and current speech. Some of these meanings may present important differences with others. There is at least two occurrences where the word “absurd” has been understood as a current: first, in the philosophie absurde, theorized by Albert Camus in 1942, and second, in the Theater of the Absurd (Beckett, Ionesco and others), who had his hours of glory during the 1950s. These two movements can be seen as two branches of a single current, the Absurd, who has its roots in Europe after World War II. The horrors of the conflict and the loss of faith in Christianity pushed the intellectuals and artists of this period to become very sensitive to ideas such as hostility (of men, of world...) and loneliness. Roman Polanski (1933-), film director well-known for the eclecticism of his work, showed very notable acquaintances with Absurd in many of his movies. The analysis of his art (and of the autobiographical elements that sometimes appear in it) proves a clear relation with important figures of the Absurd current, such as Camus, Kafka, Nietzsche, and European playwrights of the post-war era. This relation can be observed in themes as well as in the mise en scène of Polanski's films.

À partir d’un dispositif théorique et méthodologique emprunté au structuralisme figuratif de Gilbert Durand, ce mémoire propose une exploration du Mythe de la Fin du Monde dans quelques unes de ses manifestations romanesques et théâtrales. Les postulats de base qui fondent notre démarche sont au nombre de trois : a) l’œuvre littéraire possède toujours un substrat mythique ; b) un mythe représente un noyau de mythèmes, dont le trait définitoire est la redondance ; c) il n’y a pas de version privilégiée ou primitive du mythe, qui doit être vu comme une constante de l’esprit humain. Au niveau des applications pratiques, notre travail s’articule en deux démarches complémentaires, reprises d’une section à l’autre. Dans un premier temps, en nous appuyant sur le corpus romanesque – où le mythe nous semble abondant et complet – nous identifions les redondances internes et génériques que nous qualifions de «mythèmes». Dans un second temps, nous vérifions la présence et le fonctionnement de ces mythèmes dans le corpus dramatique.
Within the theoretical and methodological framework of the figurative structuralism devised by Gilbert Durand, this work sets out to explore the Myth of the End of the World based on two corpora: five novels and two plays. Three main postulates underlie our research: a) the literary work is always based on a mythical substratum; b) myth is an aggregation of mythemes, whose defining characteristic consists in their redundancy; c) myth is a constant of the human spirit and therefore none of its versions takes precedence over another. As far as the applications of the theory are concerned, our work is articulated in two distinct phases, repeated form one section to another. Based on the body of novels, where the myth manifests itself in its most complete and abundant form, phase 1 is devoted to the identification of redundancies, both internal to each work and generic, that are categorized as mythemes. Phase 2 verifies their presence in the body of plays.