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Beaudoin, Antoine. "Theâtre et architecture sous le Troisième Reich : les scènes de plein air au service de la propagande de masse." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100133/document.
Full textAbstract:
Le mouvement de construction de théâtres en plein air sous le Troisième Reich ou Thingbewegung est un aspect relativement méconnu de la politique culturelle national-socialiste. Ce théâtre de propagande devait réunir plusieurs milliers de spectateurs dans des lieux excentrés, des espaces construits spécialement par le régime afin de célébrer la communauté du peuple dégagée de toute différenciation sociale ou, pour reprendre la terminologie nazie, la Volksgemeinschaft. L’aspect central reste la volonté du régime de faire coïncider, à une échelle considérable, une nouvelle forme d’architecture et de spectacle théâtral de masse. L’objectif, exprimé clairement dès le début du mouvement en 1933, était l’élaboration de 400 scènes sur l’ensemble du territoire. Dès 1934, vingt étaient effectivement en construction et en 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, elles étaient environ au nombre de trente. Ce projet de recherche part de l’hypothèse qu’une meilleure compréhension du phénomène devient possible lorsque ce dernier est restitué dans la tradition historique double du théâtre et de l’architecture. Cette démarche, à la fois synchronique et diachronique, fondée sur une approche pluridisciplinaire, vise à mettre au jour les formes spécifiques de création de ces lieux scéniques tout en soulignant l’appartenance à la politique idéologique totalitaire du national-socialismeThe open-air theatre construction movement under the Third Reich or Thingbewegung is a relatively unknown aspect of National Socialist cultural policy. This propaganda theatre was to gather several thousand spectators in outlying places, spaces specially built by the regime to celebrate the community of the people free of any social differentiation or, to use Nazi terminology, the Volksgemeinschaft. The central aspect remains the regime’s desire to bring together, on a considerable scale, a new form of architecture and mass theatrical performance. The objective, clearly expressed from the beginning of the movement in 1933, was to develop 400 stages throughout the country. By 1934, twenty were actually under construction and, at the beginning of the Second World War in 1939, there were about thirty of them. This research project is based on the hypothesis that a better understanding of the phenomenon becomes possible when it is replaced within the dual historical tradition of theatre and architecture. This approach, both synchronic and diachronic, based on a multidisciplinary approach, aims to uncover the specific forms of creation of these scenic places while emphasizing the association with the totalitarian ideological policy of National Socialism
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Gaudemer, Marjorie. "Le théâtre de propagande socialiste en France, 1880-1914 : Mise au jour d'une fraction de l'histoire du théâtre militant." Thesis, Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100169.
Full textAbstract:
Avec la reprise, après la répression de la Commune, du mouvement ouvrier et révolutionnaire, les socialistes, lancés à la conquête du pouvoir politique, redoublent d’efforts pour rallier un nombre croissant de travailleurs, et font du théâtre, cet art social par excellence et qui occupe à l’époque une place culturelle centrale, un de leurs moyens de propagande. Bien que marqué par des expériences fugaces, le théâtre saisi par le mouvement socialiste se traduit alors, au moins jusqu’à l’avènement de la Première Guerre mondiale, par la programmation de représentations, la formation de troupes et la rédaction de pièces, se divise au fil des années en trois branches d’activité – des aînés, des jeunes gens et des enfants. Grâce au rassemblement de documents sur lesquels l’attention de la recherche théâtrale est des plus inhabituelles, ce théâtre organisé et/ou pratiqué pour la propagande socialiste est ici mis au jour, sous ses différents aspects. La première partie porte sur la pensée de ce théâtre, et, après un retour sur la propagande socialiste comme but, explore les raisons du recours au théâtre comme moyen. La deuxième partie traite de son activité effective, s’arrête, en ce sens, sur les cadres et conditions d’émergence, l’évolution et les facteurs d’évolution de ce théâtre, l’organisation et le fonctionnement des troupes, l’accueil et la réception des représentations. La troisième et dernière partie est consacrée aux pièces conseillées, programmées et/ou jouées par les socialistes ; ces pièces y sont analysées d’après la fonction propagandiste qui leur est assignée, sous l’angle de leurs thèmes et discours ainsi que de leur construction dramaturgique. Cette étude éclaire ainsi un pan de l’histoire du théâtre militant en France, et, tout en dessinant des perspectives pour la recherche sur l’histoire du théâtre en général, interroge l’existence d’une culture socialiste avant 1914After the repression of the “Communes”; with the recovery of the worker revolutionary movement, the socialists launched into taking over the political power. They strove to win over a growing number of workers and used theater- this archetypal social art which, at the time, had a central role- as one of their means of propaganda. Even though impacted by transient experiences, theater, as embraced by the socialist movement, expresses itself by the programming of performances, the formation of companies, reruns, compositions and impressions of plays; at least till the coming of World War I. It spread, over the years, into three domains of activity- those of elders, young people and that of children. Thanks to the attention that was paid to sources which are usually ignored by performing arts, theater- such as the one that was organized and/or performed for socialist propaganda- is shed to light in our study, regarding its various aspects. The first part tackles the reflection of this theater, and after a section concerning socialist propaganda as a purpose, explores the reasons for resorting to stage. The second part deals with its actual activity and hitherto reviews its frameworks and the conditions of its emergence, the organization and the functioning of its companies, the reception of its performances. The third and last part is devoted to plays that were on, that were performed, written and/or advised by socialists. Plays are tackled in accordance with the two main roles that socialists assigned to theater. But dramatic art- since militants put a stress on these texts- was focused on texts that were supposed to meet the purpose of persuasion.Thus, our study sheds light on one stage of militant theater in France, and hitherto brings about caveats for research concerning the history of theater in general. It also makes one wonder about the emergence of a socialist culture in France before 1914
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Liedts, Gaëlle. "Du pouvoir de l’image : la photographie de propagande et de contre-propagande national-socialiste en Allemagne et en France (1933-1945)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040080.
Full textAbstract:
Alors que c’est surtout le cinéma qui a retenu l’attention pour la période des années trente et quarante, la photographie reste l’une des armes les plus efficaces de la propagande de l’époque. Encore trop peu étudiée, elle a notamment été très utilisée par le gouvernement national-socialiste entre 1933 et 1945, que ce soit en Allemagne ou en France lors de la période d’occupation. Mais l’Allemagne nazie n’est pas la seule à avoir utilisé la photographie, surtout véhiculée par la presse illustrée et les brochures de propagande, à ses fins. Le gouvernement français a, lui aussi, utilisé la photographie pour sa propagande en s’inspirant fortement des techniques mises en œuvre en Allemagne. Si les thèmes abordés par la photographie de propagande relèvent de particularismes locaux spécifiques à chaque pays, le « culte du chef » est l’un des points communs les plus importants. La photographie a donc servi les propagandes totalitaires de l’Allemagne nazie et de la France vichyssoise, mais elle a aussi été l’arme de combat des anti-fascistes. Ces derniers opposent à la propagande nazie d’autres utilisations de ce médium tels que le photomontage politiqueWhereas the cinema of the Thirties and Forties has been the center of attention, photography remains one of the most effective weapons of the propaganda for this period. Studies on the subject remain scarce. Photography has been very much used by National-Socialist Germany between 1933 and 1945, and in France during the occupation. But the Nazi Germany is not the only one to have used the photography, which is especially conveyed by the illustrated press and the booklets of propaganda. The French government also used photography for its own propaganda and was strongly inspired by the techniques implemented in Germany. If local circumstances often influence the topics chosen for photography propaganda; main characteristics remain the same, whatever the country is, the cult of the chief is omnipresent. Photography served totalitarian propaganda of the Nazi Germany and Vichy’s France, but it was also the weapon of the antifascists. They oppose other uses of this medium to Nazi propaganda, such as the political photomontage
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Dewitz, Jean. "Théâtre et conscience identitaire en Bavière : le Volkstheater à Munich (1850-1914)." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040217.
Full textAbstract:
A Munich, le volkstheater (théâtre "populaire") plonge ses racines dans une tradition profondément marquée aussi bien par la contre-réforme que par l'aufklarung et les réactions contre cette dernière. Devenus, dans les années 1850, grâce à la pièce montagnarde de F. Prüller, le bastion d'un particularisme qui entendait préserver les valeurs chrétiennes de la "vieille-Bavière" et l'autonomie du royaume des Wittelsbach contre l'invasion culturelle venue du "nord", les théâtres des faubourgs durent, en 1865, céder la place à un établissement de prestige, symbole d'une bourgeoisie réclamant son propre espace culturel, une phase qui signifie, pour Munich, l'éclatement de la notion de "théâtre pour tous". Le spectacle "populaire" ne resta pas à l'abri des affrontements provoqués par le règlement de la question allemande et le Kulturkampf, mais l'affirmation identitaire, symbolisée par les figures dynastiques, puis surtout par le héros paysan et le Haberfeldtreiben, ce tribunal moral populaire, demeura présente. En véhiculant dans tout l'espace germanique l'image d'une Bavière éternellement rurale, le Gebirgsschauspiel affichait le refus d'un monde moderne destructeur des valeurs héritées, et apportait en même temps, à sa manière, une contribution à la lutte pour la suprématie culturelle que se livraient Berlin et Munich. Les années 1890 et l'apparition d'auteurs influencés par le naturalisme signifient la fin de la célébration des anciens mythes. J. Ruederer et l. Thoma marquent l'aboutissement du processus de littérarisation du spectacle "populaire" : ils prennent part aux mouvements artistiques de leur époque et adaptent les vieux thèmes à la réalité sociale et politique dans des œuvres destinées aux établissements de l’Elite. Ils dépassent l'horizon bavarois et annoncent la pièce populaire critique, mais ils affirment en même temps la spécificité d'un "sud" dont Munich et la Bavière constituent le pole principalIn Munich, the roots of the Volkstheater ("people's theatre") are anchored in a tradition profoundly marked by both the counter-reform and the aufklarung, as well as reactions to the latter. In the 1850s, thanks to the drama by F. Prüller set in the mountains, suburban theatres had become the bastion of a particularism which was attempting to preserve the Christian values of "old Bavaria", and defend the autonomy of the kingdom of Wittelsbach from cultural invasion by the "north". In 1865 they had to give way to a prestige establishment, the symbol of a bourgeoisie laying claim to its own cultural domain, and this phase heralded the dislocation of "theatre for all" in Munich. The "popular" spectacle was not to be spared from the confrontations engendered by resolution of the German issue and the Kulturkampf, but assertion of identity, as symbolised by dynastic figures, and then even more so by the peasant hero and the Haberfeldtreiben, that popular tribunal of mores, was ever-present. By disseminating throughout the Germanic domain the image of an ever-rural Bavaria, the Gebirgsschauspiel was a public refusal of a modern world which was simultaneously destroying inherited values and yet, in its own way, contributing to the struggle for cultural supremacy between berlin and Munich. The 1890s, with the emergence of authors influenced by naturalism, were to signal the end of the celebration of old myths. J. Ruederer and l. Thoma mark the culmination of the literisation process of the "popular" spectacle: they are active in the artistic trends of their time, adapting old themes to social and political reality in works aimed at elite establishments. They transcend the Bavarian horizon and herald the critical popular drama, yet at the same time assert the specificity of a "south" with Munich and Bavaria as its main pole
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Le, Moal-Piltzing Pia Renate. "Le théâtre d'apprentis et les processus de création collective : résurgence du théâtre ouvrier en R.F.A de 1968-1978." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080110.
Full textAbstract:
Le theatre d'apprentis (1968-1978), constitue la premiere reapparition en allemagne d'un theatre ouvrier depuis l'epoque weimarienne. A la difference de ce qui s'etait passé a l'epoque de Weimar, il s'agit d'un theatre qui s'est crée en dehors de toute référence à un parti de masse d'opposition. Ces manifestations culturelles de la jeunesse ouvriere accompagnaient d'autres manifestations de la contre-culture temoignant des luttes et des conflits de la jeunesse celle-ci a trouve dans le theatre une arme politique. Autres caracteristiques originales de ce theatre: la creation est collective et un role de co-producteur est attribue au public, ce qui permet de formuler les criteres d'une convention theatrale ouvriere. Au cours de notre recherche sur le terrain, qui s'est etendue sur huit annees, nous avons rencontre les membres de trentes troupes ce qui nous a permis de choisir les trois courants les plus representatifs. Toutes les troupes d'apprentis ont en commun les objectifs explicites suivants: - participation a la formation d'une culture ouvriere, - agitation et information a but didactique (legislation du travail, etc. . ) - élaboration d'un contre-espace public" tel que a. Negt et o. Kluge le definissent et par rapport aux modes de création: élaboration collective de la pièce et le rôle de participant dévolu au public et enseignement mutuel et reciproque. L'étude de l'agit-prop nous a permis de mieux cerner les questions que posent les formes spécifiques d'un théâtre ouvrier des années 20. Nous nous sommes ensuite interessee aux theses et pratiques de moreno, hoernle, lacis benjamin. Montrer tous les aspects du théâtre d'apprentis sans l'isoler, mais en le reliant sans cesse au contexte historique, economique, sociologique, ideologique, dans lequel il s'insère et qui influe sur lui, et aux autres formes de theatre et avec lesquelles il entretient des rapports complexes: tel a été le but de notre recherche
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Kpao, Sare Minsi Constant Grunewald Michel. "Carl Peters et l'Afrique un mythe dans l'opinion publique, la littérature et la propagande politique en Allemagne /." [S.l.] : [s.n.], 2006. ftp://ftp.scd.univ-metz.fr/pub/Theses/2006/Kpao.Sare.LMZ0609.pdf.
Full text
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Pelosse, Renate. "Le Théâtre de Strindberg en Allemagne entre 1890 et 1912." Paris 4, 1988. http://www.theses.fr/1987PA040246.
Full textAbstract:
Figure majeure du théâtre moderne, August Strindberg associe une créativité dramatique immense à un attachement constant au théâtre de son temps et a une étonnante diversification de l'expression esthétique. Place dans le cadre socio-historique de l’Allemagne de 1890 à 1912, influence par le climat culturel de l'époque wilhelminienne et confronte a des mouvements d'idées, tels le naturalisme et le néoromantisme, le théâtre de Strindberg devient le témoin de l'histoire et des divers aspects du théâtre allemand. Par les débats qu'il provoque (critiques et public) et les problèmes posés par la réalisation de ses pièces (metteurs en scène et acteurs), il nous révèle les contradictions du système théâtral de l'époque: censure, théâtres de cour et théâtres commerciaux opposes aux théâtres marginaux aux troupes ambulantes, aux cabarets et aux associations d'art dramatique. Son œuvre souligne la lente évolution de l'esthétique théâtrale, illustrée par Otto Brahm, Max Reinhardt, Georg Fuchs. Le rôle de Strindberg comme inventeur et praticien de la scène (projections, décors, "théâtre intime", la "scène pour damas"), de même que l'intégration de ses idées dans le renouveau théâtral allemand, ont fait l'objet de notre étudeLeading figure of the modern theatre, August Strindberg combines a tremendous dramatic creativity with a constant attachment to the theatre of his time and with a remarkable diversification in the aesthetic expression. Situated in the social and historical background of Germany between 1890 and 1912, the theatre of Strindberg was influenced by the culturel climate of the wilhelm period and faced to new ideas, such as naturalism and neo-romantism. Therefore Strindberg became the witness of the history of the German theatre. By the controversies he raises (audience and critics) and the problems arising from the realization of his plays (directors and actors), he reveals us the contradiction of the German cultural system: censorship, court and commercial theatres as opposed to marginal theatres, travelling companies, cabarets and dramatic associations. His plays underline also the slow evolution of theatrical aesthetics illustrated by Otto Brahm, Max Reinhardt and Georg Fuchs. The part played by Strindberg as an inventor and a practitioner of the stage (projection equipment, scenery, "intimate theatre", "dreamplay stage") as well as the integration of his ideas in the revival of the German theatre, are particularly studied in this thesis
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Mazellier-Grünbeck, Catherine. "Sécularisation et sacralisation dans le théâtre expressionniste allemand 1910-1924." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100044.
Full textAbstract:
Cette étude thématique analyse le phénomène de sécularisation littéraire et les manifestations du sacre dans le théâtre expr. Allemand à travers trois auteurs principaux: Georg Kaiser, Ernst Toller et Ernst Barlach. Les différentes formes de la sécularisation littéraire sont dégagées: allusion biblique, variation sur des personnages ou des thèmes bibliques, variation structurelle dans le cas du "drame a stations", interprète comme le transfert d'une structure religieuse vers une structure dramatique. Une typologie fonctionnelle dégage trois fonctions: fonctions référentielle, parodique et blasphématoire. Par ailleurs, le théâtre expt. Manifeste la sacralisation du séculier et la réalisation ici et maintenant du message d'amour et d’espérance des évangiles. L'idéal de l'"homme nouveau", l'utopie communautaire et l'expérience théâtrale conçue comme une communion en sont l'illustration. La conception du sacre est précisée par le rôle de l'irrationnel, de l'immanence et de la subjectivité. La religiosité expr. Se situe à la frontière entre l'héritage de Schleiermacher et le bouleversement barthien d'objectivation de la foiThis thematic study analyses the phenomenon of literary secularization and the sacred manifestations in the German expressionistic theatre throughout about fifty plays, in particular three main authors: Georg Kaiser, Ernst Toller and Ernst Barlach. The different forms of literary secularization are shown: allusion, variation on biblical characters or themes and structural variation in the case of the "stationendrama", interpreted as the transfer of a religious structure (the passion) into a dramatic structure. A functional typologie is established from these forms, with three functions: referential, parodical and blasphemous function. On the oher hand, the expressionistic theatre expresses the sacralization of the secular world and the realization, here and now, of the message of love and hope in the gospel. The ideal of the "new man", the communal utopia and the theatrical experience, conceived as a communion, illustrate that. The conception of the sacred is shown by the role of the irrational, of the immanence and subjective experience of the religious sphere
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Dauphin, Sandrine. "Art et totalitarisme : l'esthétique comme instrument de propagande." Paris 2, 1997. http://www.theses.fr/1997PA020070.
Full textAbstract:
Durant la premiere moitie du xxe siecle, l'affrontement entre les regimes communistes et fascistes ne se limita pas aux plans ideologiques et militaires mais concerna aussi le milieu culturel. En effet l'urss de staline, l'allemagne d'hitler et l'italie de mussolini ont cree une esthetique commune malgre leur opposition politique. Ces etats totalitaires ont ainsi mis les arts au service de leur propagande. Si l'art est un agent actif de communication entre les hommes, c'est parce qu'il est egalement un moyen d'expression de l'ideologie. Des lors, de quelle maniere l'art participa-t-il a l'embrigadement des individus ? l'architecture offrait l'apparat et le luxe ; son gigantisme exprimait l'autorite suscitant a la fois crainte et admiration. Quant aux arts plastiques, ils deifierent le chef supreme et annoncerent la venue de l'homme nouveau. Les arts donnaient donc forme a l'utopie totalitaire qui avait pour finalite de changer la nature meme de l'homme : annihiler toute forme d'individualisme, imaginer l'homme comme le simple rouage d'une immense machine, celle de l'etat tout puissant. Au bout du compte il s'agissait de persuader le peuple de sa superiorite pour l'amener a accepter tous les sacrifices dans une union spirituelle avec l'etat et son chef. L'art n'etait non pas le reflet de la societe mais le reflet de l'idee que se faisait le pouvoir de son peupleIn the first part of the twentieth century, the antagonism between communism and facism was not limited only to ideological and military levels but was also present at cultural levels. Indeed mussolini's italy, hitler's germany and staline's ussr created a common aesthetic in spite of political opposition. Thus, these totalitarian states exploited art for the purpose of propaganda. If art is an active agent of communication between men, then art can also be the manner for ideological expression. How then did art change, orientate and modify an individual's perception of the world in general? architecture reflected pomp and luxury while its large scale works expressed authority crousing fear and admiration at the same time. As for support of the "plastic arts", they allowed, deification of the supreme chief and permitted the announcement of the new man. Art was giving rise form to the totalitarian utopia which existed to transform human nature. Art was not simply the society's reflection but the reflection of the idea the power made of its people. Its allowed the people to believe in spiritual union with the state and its chief
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Baillet, Florence. "Les discours sur l'utopie dans le theatre allemand contemporain (revues, pieces et mises en scene) de l'apres 1976 en rda et de l'apres 1968 en rfa au lendemain de la reunification." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030133.
Full textAbstract:
A l'origine de ce travail, il y a le constat d'une proclamation recurrente, au sein de la critique theatrale des deux allemagnes, dans les annees 1970 et 1980, d'une "fin des utopies". Ce phenomene correspondrait en rda a la perception croissante de l'ecart entre la realite vecue par les citoyens du pays et les promesses du regime, particulierement sensible dans le monde theatral a la suite de l'affaire biermann de 1976. En rfa, le declin du "principe esperance" accompagnerait la "depolitisation" consecutive a l'apres-1968, se manifestant au theatre par un repli dans une "nouvelle interiorite". Nous nous proposons, dans un premier temps, d'analyser les differents types de discours sur l'utopie releves dans les deux principales revues theatrales de rda et de rfa, respectivement theater derzeit et theater heute. Nous nous interesserons dans un deuxieme et troisieme temps aux attitudes adoptees face a cette question au sein de l'ecriture dramatique et de l'ecriture scenique, en etudiant quatre oeuvres de quatre auteurs dramatiques, datant de cette premiere periode clef qu'est le tournant des annees 70 et 80 {hamlet-machine de heiner muller, mercedes de thomas brasch, grand et petit de botho straub et ni chair ni poisson de franz xaver kroetz), puis en nous penchant sur quatre mises en scene de quatre theatres berlinois (le deutsches theater, la volksbuhne, la schaubuhne et le gripstheater) au lendemain de la reunification, laquelle renforce apparemment la rhetorique deployee autour de la "fin des utopies".
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Paquette, Maxime. "La représentation du guide national en France et en Allemagne les cas de Napoléon Bonaparte et d'Adolf Hitler." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2012. http://hdl.handle.net/11143/5702.
Full textAbstract:
À travers ce mémoire, nous avons tenté de répondre à la problématique suivante : comment Napoléon Bonaparte et Adolf Hitler ont-ils organisé leur image de dirigeant et de guide de la nation, et ce, dans quels buts? Nous avons formulé notre réponse selon notre opinion, c'est-à-dire que le guide national est un vecteur identitaire qui mélange le culte de la personnalité, les symboles du pouvoir et le nationalisme. Pour saisir tous les aspects que comprend cette réponse, il nous faut inévitablement faire appel à la propagande qui joue un rôle prédominant dans l'opinion publique française et allemande de ces époques. Ainsi, notre réponse s'articule en quatre parties. En premier lieu, nous constatons que c'est à travers la théorie des deux corps du roi que Napoléon et Hitler ont fusionné l'Ancien et le Moderne à leur personne. Ils ont ainsi tenté de se rallier leur peuple en invoquant le spirituel et en prétendant à une intervention divine pour justifier leur position. En second lieu, afin d'accentuer l'aspect d'intervention providentielle, Napoléon et Hitler sont représentés comme étant, en quelque sorte, des messies destinés à diriger leur nation vers un avenir plus radieux. Pour légitimer cette position, ils reprennent une série de référents à la chrétienté. En troisième lieu, nous verrons que les guides, afin de marquer leur position de pouvoir, exploitent le passé de la nation. Que ce soit dans les peintures ou dans les affiches de propagande, il est possible de constater la frappante similarité des symboles utilisés par Napoléon et Hitler. Dans les deux cas, le guide national semble être reproduit selon un schème de pensée semblable. En quatrième lieu, nous démontrons, par l'entremise des théories de Walter Benjamin et d'Antonio Gramsci, comment l'art et certains moyens de communication sont dénaturalisés sous Napoléon et Hitler afin de servir non pas de force artistique, mais de propagande. Nous exposons que le télégraphe de Chappe, la radio, le théâtre et le cinéma sont des outils de premier choix pour servir les propos politiques de Napoléon et d'Hitler. En définitive, notre mémoire constitue une contribution historiographique à un champ peu exploité et négligé. Le rapprochement entre Napoléon et Hitler nous permet de mieux cerner le pouvoir et ce qui l'entoure, de même que la puissance de la propagande et du nationalisme combinée au concept de guide national.
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Kpao, Sare Constant. "Carl Peters et l'Afrique un mythe dans l'opinion publique, la littérature et la propagande politique en Allemagne." Hamburg Kovač, 2006. http://www.verlagdrkovac.de/978-3-8300-2674-7.htm.
Full text
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Kpao, Sarè Constant. "Carl Peters et l'Afrique : un mythe dans l'opinion publique, la littérature et la propagande politique en Allemagne /." Hamburg : Kovač, 2006. http://swbplus.bsz-bw.de/bsz261725483cov.htm.
Full text
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Girard, Odile. "Le Théâtre National de la cour de Munich (1818-1848) : étude du répertoire dramatique et de sa réception." Paris 12, 1997. http://www.theses.fr/1997PA120043.
Full textAbstract:
Ce travail a pour objet le theatre national de la cour de munich entre 1818 et 1848. Nous avons etudie son repertoire dramatique pendant cette periode et sa reception. Cette these se divise en 3 grandes parties : la premiere - les wittelsbach et le theatre : histoire d'une tradition - permettra de decouvrir l'interet qu'ont porte les souverains bavarois, siecle apres siecle, aux arts de la scene a munich avec l'enumeration de leurs contributions personnelles a l'evolution du theatre et de l'opera. La seconde, la plus importante aussi, intitulee etude du repertoire dramatique de 1818 a 1848, analyse des critiques de la presse, miroir des gouts, a pour but d'apprehender le repertoire sous ses principaux aspects. Ainsi, nous avons une partie consacree au theatre allemand de l'epoque classique avec goethe, kleist, lessing et schiller, mais aussi babo, collin, iffland, etc. Nous avons aussi une grande partie qui porte sur le theatre allemand de l'epoque biedermeier, une autre sur le theatre viennois de la meme epoque, puis une derniere, sur les theatres etrangers dont les auteurs etaient pour la plupart adaptes pour la scene allemande. Les theatres representes sont francais, anglais, espagnols, italiens et danois. Dans une troisieme et derniere partie, nous avons aborde les genres musicaux et choregraphiques dans le repertoire : les operas, les ballets, les divertissements, les pantomimes, les concerts et autres genres. Mais nous tenons a preciser que cette partie n'est pas traitee comme la precedente. Nous l'avons simplement abordee sous des aspects statistiques, comme nous l'avions fait dans la premiere partie du deuxieme chapitreThis work is about national theatre at munich court between 1818 ans 1848. We studied its drama repertoire during this period and its reception. The first one - the wittelsbach and theatre : history of a tradition - allows us to discover the interest taken by the bavarian sovereigns, century after century, in scenic arts in munich. With the enumeration of their personal contributions to theatre and opera development. The second one, the most important too, is entitled study of the drama repertoire from 1818 to 1848, analysis of the newspapers reviews, mirror of tastes. It aims to grasp the repertoire main aspects. So one part deals with german theatre in classical times with goethe, kleist, lessing and schiller as well as babo, collin, iffland, etc. A great part deals with the german theater in biedermeier times, another one with the viennese theatre at the same period. Then a last part is about foreign theatre whose most authors were adapted for the german stage. The mentionned theatre are french, english, spanish, italian and danish. In a third and last part, we approached the music and choregraphy styles in the repertoire : operas, ballets, entertainments, pantomimes, concerts and other manners. But we insist on the fact that this part was not dealt at the previous one. We simply approached it on statistics levels, as we did in the first part of the second chapter
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Feuchter-Feler, Anne. "Le drame militaire en Allemagne au XVIIIe siècle : esthétique et cité." Metz, 2002. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/UPV-M/Theses/2002/Feuchter_Feler.Anne.LMZ0206_1.pdf.
Full textAbstract:
La présente étude a pour but d'analyser un type dramatique particulier, la pièce militaire, qui s'est constitué dans le sillage de la comédie de Lessing, Minna von Barnhelm, et qui a occupé une place importante dans les répertoires des scènes germanophones pendant la seconde moitié du XVIIIème siècle. Malgré son succès, ce genre n'a que peu retenu l'attention de la recherche littéraire et théâtrale et la critique n'a jamais vraiment clarifié la question cruciale des composantes génériques. Ce constat constitue le point de départ des réflexions développées ici. Ainsi, il a fallu prioritairement chercher à mieux cerner les caractéristiques de ce types de drames. Dans cette tentative, les critères relevant de la sémiologie se sont avérés précieux. A l'intérêt pour les oeuvres se combine l'analyse de l'écho que le soldatenstück a rencontré dans les revues littéraires de l'époque. Il apparaît que la réception de la pièce militaire fournit à la critique l'occasion de participer au débat sur le théâtre national et de formuler, à l'appui de réflexions sur la pratique scénique et le rôle de l'acteur, les attentes qui s'y rattachent. La prise en compte du contexte social et politique dans lequel s'inscrit la pièce militaire met en relief les aspects conservateurs de cette veine dramatique qui véhicule une apologie de l'absolutisme éclairé et prend position pour des structures communautaires patriarcales, tout en tenant compte des évolutions sociales, notamment de l'émergence des classes bourgeoises. L'analyse de la diversité formelle qui caractérise également le genre éclaire les réflexions esthéthiques développées à l'époque
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Favre, Muriel. "Les cérémonies radiophoniques du Troisième Reich." Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100013.
Full textAbstract:
L’historiographie du nazisme a bien mis en évidence l’importance accordée aux fêtes collectives entre 1933 et 1945. Rares sont toutefois les études à avoir signalé que ces fêtes étaient retransmises en direct sur les ondes. Le présent travail reprend donc l’analyse en la centrant sur le rôle de la radio. Les retransmissions étaient relayées par l’ensemble des stations et suivies dans le cadre d’écoutes collectives. De ces deux aspects, on peut déduire que les fêtes publiques étaient non seulement destinées aux spectateurs sur place, mais aussi et surtout au plus grand nombre possible d’auditeurs. D. Dayan et E. Katz désignent du terme de « cérémonies télévisées » les grands événements diffusés en direct à la télévision. Sur ce modèle, on peut qualifier les fêtes du IIIe Reich de cérémonies radiophoniques. I. Kershaw a montré en quoi Hitler avait exercé un pouvoir de nature charismatique. Ce type de pouvoir suppose que le chef et ses partisans entretiennent des rapports personnels. Cela n’était pas le cas dans la réalité. Les cérémonies radiophoniques contribuèrent cependant à créer l’illusion qu’il pouvait en être ainsi. Le pouvoir charismatique oblige le chef à apporter régulièrement la preuve de sa légitimité. En ce qu’elles rendaient visible le soutien populaire dont jouissait Hitler, les cérémonies radiophoniques furent un moyen de parvenir à ce but. Pour ces deux raisons, le dispositif peut être considéré comme une composante essentielle de la structure du pouvoir sous le IIIe Reich. Les cérémonies radiophoniques conduisirent enfin les Allemands à faire l’expérience de la « communauté du peuple » et à s’engager ainsi en faveur d’un projet fondamental du nazismeSeveral studies since 1945 have elaborated the constitutive character of ceremonial acts for Hitler’s state. However the fact that the most important of these were live radio broadcasts has so far received little consideration. The aim of the present work is to remedy this omission and to analyze National Socialist celebrations regarding their relation to radio. The broadcasts were accepted by all stations and heard during community listening sessions. Thus one may conclude that the celebrations were not only to be experienced by the spectators present but by the population as a whole. From the beginning they were conceived as media celebrations. D. Dayan and E. Katz have coined the term “media events” for important, national or even worldwide events broadcasted live. Following this usage the National Socialist celebrations are called radio events in this work. I. Kershaw has shown to which extent Hitler’s role has been charismatic. This kind of domination presumes a personal relationship between the leader and the led. Although this was not actually practical during the Third Reich, the radio arrangement made it possible for the Germans to feel the “Führer” was speaking to them directly. Further radio events allowed those in power to display the unity of the people and the “Führer” and thereby to prove Hitler’s legitimacy. For both reasons one can claim that radio events were an important instrument to secure power. Radio events offered more than just an occasion to make the Volksgemeinschaft tangible. They contributed to the fact that the Volksgemeinschaft was experienced and understood not as an empty propaganda term, but rather as a political project worth supporting
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Lübbe, Dorothea. "Europera : innovation artistique et politique culturelle de théâtre musical contemporain en Allemagne et en France." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0315.
Full textAbstract:
Ce projet de recherche se concentre sur les conditions generales de politique culturelle sous lesquelles se créent les nouvelles formes artistiques du theatre musical contemporain en Allemagne et en France.Le travail de recherche sur le présent thème est dédié aux tentatives d'innover et n'a pas pour objet de mettre la crise en évidence. L'intérêt de ce domaine de recherche réside dans la recherche de solutions en discutants des reformes et innovations tout en s'appuyant sur des études de cas tirées de la pratique actuelle du theatre musical en Allemagne et en France. Les pressants travaux reposent sur une étude des sept cas exemplaires. Les exemples choisis couvrent aussi bien le domaine des théâtres traditionnels en tant qu'institution que celui de la structure des collectifs. Il conviendra de montrer s'il existe un lien entre les libertés laissées par la politique culturelle et les innovations esthétiques, si l'on peut discerner des recoupements franco-allemands et si un intérêt pan-européen en matière de politique culturelle peut résider dans une reformeThis research project is concentrated to focus the general conditions of cultural policy which are responsible for the creation of new artistic forms of contemporary music theatre in Germany and France. For this the research is focussed on innovations and not on the analysis of the crisis. The aim is to find solution and discus different reforms in the artistic practices. The field work include the analysis of 7 case studies, traditional institutions and structures of the free landscape of contemporary music theatre in Germany and France. It will be shown in the analysis that there is a link between cultural policy and innovation of arts
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Rodríguez-Saintier, Teresa. "Les farsas religieuses de Diego Sánchez de Badajoz. Théâtre et propagande dans la première moitié du XVIe siècle." Toulouse 2, 2001. http://www.theses.fr/2001TOU20001.
Full textAbstract:
Notre etude porte sur les farsas religieuses de diego sanchez de badajoz, auteur espagnol de la premiere moitie du xvie siecle. A travers l'analyse detaillee du support visuel (caracterisation externe et mouvements sceniques des personnages, articulation de l'espace de la scene, type d'espace scenographique. . . ) et du support verbal (dialogues des personnages, monologues et introits) de ces pieces, nous avons essaye de degager les regles d'ecritures qui ont permis a diego sanchez de transmettre, par la voie du theatre, un message religieux, non depourvu d'implications sociales, dans l'espagne qui commence a sentir la menace protestante.
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Audhuy, Claire. "Le théâtre dans les camps nazis : réalités, enjeux et postérité." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC029.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat est le fruit de trois années de recherches sur le théâtre dans les camps nazis. Ce travail traite principalement des camps en Allemagne, tout en y adjoignant trois exceptions : le ghetto de Theresienstadt, le camp de transit de Westerbork, ainsi que le camp d’Auschwitz-Birkenau. Selon la spécificité de chaque camp, les créations furent officielles ou clandestines, servirent à la propagande nazie ou au contraire œuvrèrent à mener une lutte contre le national-socialisme ou pour la survie des prisonniers. Ces différences de conditions permettent de comprendre pourquoi la création artistique a pu être plus prolifique dans certains lieux. C’est dans ces camps que les prisonniers et déportés, hommes et femmes, appartenant ou non au monde du spectacle, choisirent le théâtre pour s’exprimer, depuis le spectacle Cirkus Conzentrazani donné en août 1933 jusqu’au Kazet Théâtre ou à Zebra, deux troupes concentrationnaires donnant des pièces dans les camps dans les jours suivant la Libération, en 1945. Le travail s’appuie sur de très nombreux témoignages (une trentaine d’interviews réalisées expressément pour cette thèse), des archives (une vingtaine de pièces inédites et traduites pour ce doctorat) et des fonds privés (correspondances, manuscrits). Nous souhaitons tenter de dresser le portrait de ces créations théâtrales, qu’elles aient été imaginées, écrites, jouées, qu’elles soient parties en tournées ou non. L’initiative fut parfois si éloignée de nos attentes classiques du théâtre qu’il est délicat de parler de création théâtrale ou même de théâtre tout simplement. Nous nous intéresserons aux réalités, aux enjeux et à la postérité de ces initiatives créées dans un environnement extrême qui remet en question la possibilité d’existence d’un quelconque théâtre mais aussi la survie même de l’homme. Une initiative de l’extrême qui n’aurait pas dû êtreThis PhD is the result of 3 years of research on theater in the nazi camps. It deals mainly with the plays performed and written in the German camps, and three other camps: the Therensienstadt ghetto, the Westerbork transit camp, and the Auschwitz-Birkenau camp. Depending on the specificity of each camp, the creations were official or clandestine, and either served the nazi propaganda or contributed to the prisoners’ survival and resistance to national-socialism. Those differences in the living conditions enable us to understand why artistic creation was more prolific in some places. In those camps, male and female prisoners and deportees who did or did not belong to the world of show business, chose theater as a means to express themselves as early as August 1933 with the Cirkus Conzentrazani, and also after the war, with the Kazet theater or Zebra, two concentrationary theater troupes which performed plays in the camps during the days that followed the Liberation in 1945.This work explores the information contained in many interviews ( about 30 interviews which were conducted especially for this thesis), archives ( about twenty previously unpublished plays translated for this study), and private funds ( letters, manuscripts). We wish to attempt to draw a portrait of these theatrical creations, whether they were imagined, written, performed in the camps or on tour. The initiative the prisoners took was often so remote from our traditional conception of theater that it is delicate to talk about theatrical creation or even theater. We will focus on what happened, what was at stake and the posterity of these initiatives created in an extreme environment which questions the very possibility of doing theater but also man’s survival. It was an extreme experience which should never have been
Die Vorliegende Doktorarbeit ist das Ergebnis dreijähriger Forschung über das Theater in den Konzentrationslagern des Zweiten Weltkriegs.Dabei geht es hier vor allem um Lager in Deutschland, mit drei Ausnahmen: dem Getto Theresienstadt, dem Durchgangslager Westerbork und dem Lager Auschwitz-Birkenau. Je nach Besonderheit des jeweiligen Lagers fand das künstlerische Schaffen offiziell oder im Verborgenen statt, diente der Nazipropaganda oder trug ganz im Gegenteil zum Kampf gegen den Nationalsozialismus oder zum Überleben der Gefangenen bei. Aufgrund dieser unterschiedlichen Bedingungen versteht man, warum das künstlerische Schaffen an manchen Orten ergiebiger war, an anderen sehr viel sporadischer stattfand. Die Gefangenen und Deportierten, Männer und Frauen, unabhängig davon, ob sie aus der Welt der darstellenden Künste kamen oder nicht, machten in den Lagern Theater, um sich zu äußern, von der Vorstellung 'Cirkus Conzentrazani' im August 1933 an bis zum 'Kazet Theater oder Zebra', zwei KZ-Theatertruppen, die 1945 nach der Befreiung im Lager Stücke aufführten. Die Arbeit stützt sich auf zahlreiche Zeugenaussagen (aus etwa dreißig speziell für diese Doktorarbeit geführten Interviews), auf Archivdokumente (ungefähr 20 unveröffentlichte und für diese Doktorarbeit übersetzte Stücke) und private Bestände (Korrespondenz und Manuskripte). Die vorliegende Arbeit möchte ein Bild von diesen Theaterproduktionen zeichnen, ob sie nur ausgedacht, schriftlich fixiert oder gespielt worden waren oder als solche auf Tournee gingen. Vom satirischen Kabarett bis hin zur ätzend-scharfen Revue über Neuinterpretationen von Klassikern oder autobiographische Stücke haben die in den Lagern schaffenden Künstler in vielen Stilrichtungen gearbeitet. Manchmal war das Unterfangen so weit von unseren klassischen Vorstellungen von Theater entfernt, dass es schwierig ist, von Theaterschaffen oder überhaupt von Theater zu reden. In Verbindung mit Lager hat sich das Theater neu erfunden. Das Hauptaugenmerk dieser Arbeit richtet sich auf die Fakten, Probleme und Nachwirkungen dieser Unternehmungen, die in einem extremen Umfeld entstanden sind, das die Möglichkeit von Theater überhaupt, aber auch das Überleben von Menschen generell in Frage stellt. Unternehmungen in einer unglaublichen Extremsituation. Warum sind Menschen in einem Lager schöpferisch tätig – wie und für wen?
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Maisonneuve, Sarah. "L'"interruption" du politique dans le théâtre politique contemporain. : les stratégies de contournement d'une situation d'aporie politique et critique dans le théâtre français et allemand de 1995 à 2015." Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100158.
Full textAbstract:
Cette étude se propose de réfléchir la ou les formes prises par un théâtre politique sur les territoires français et allemand des années 1995 à 2015. L'enjeu est d'évaluer les stratégies esthétiques développées par les artistes afin de renouveler les modalités du politique au théâtre, alors que l'édifice idéologique et théorique qui soutenait jusqu'alors une telle dimension semble révolu. La reprise dans notre titre de l'assertion paradoxale du théoricien allemand Hans-Thies Lehmann – une « "interruption" du politique dans le champ du théâtre politique contemporain » – permet d'introduire et de circonscrire les grands axes de cette problématique. Est-ce que l'interruption apparente et rhétorique du politique dans le discours des artistes est à lire comme une fin du politique ou au contraire comme une suspension momentanée de ses catégories, constituant une stratégie destinée à contourner la situation postmoderne d'aporie critique ? Cette question se propose d'être appréhendée par le biais de l'analyse transversale des différents discours artistiques. Le terme de discours comprend aussi bien les représentations que les propos méta-artistiques et les entretiens. La méthode permet de dépasser les oppositions apparentes au profit d'une approche prenant en compte toute la complexité et les contradictions du problème. Ces oppositions prennent bien souvent la forme, dans les propos des artistes, d'un refus de se voir affilier à un théâtre politique historique alors que les spectacles en prolongent et en renouvellent paradoxalement les modalités esthétiquesThe present study aims at observing the form or forms taken by a political theatre in France and Germany in the period between 1995 and 2015. At stake is an evaluation of the aesthetic strategies developed by artists so as to renew the ways of representing politics in the theatre when the ideological and theoretical structures which, until then, underpinned this dimension seem to have collapsed. The title’s quote of the German academic Hans-Thies Lehmann’s paradoxical assertion: an “interruption of politics in the contemporary political theatre” introduces and defines the limits of the domain under scrutiny. Is the illusory and rhetorical interruption of politics in the artists’ discourse to be understood as the end for the theme or, on the contrary, as a momentary suspension of its categories aiming at working around the post-modern situation of political aporia ? We propose to address the question by means of a transversal analysis of different artistic discourses. In the notion of discourse we intend to include the plays as well as meta-artistic declarations and interviews. This method aims at overcoming the apparent oppositions in order to find a way to take into account the complexities and contradictions of the problem. These oppositions often take the form, in the artists’ words, of a refusal to be affiliated to a historical political theatre whereas, paradoxically, the plays prolong and rejuvenate the aesthetic conventions of this theatre
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Gauthier, Laure. "Opéra baroque et identité culturelle nord-allemande : le "Gänsemarktoper" de Hambourg, genèse et apogée (1648-1728)." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040193.
Full textAbstract:
Cette étude porte sur la genèse d'un opéra de langue allemande à la charnière des XVIIe et XVIIIe siècles. C'est à Hambourg, en 1678, que la première scène permanente allemande ouvrit ses portes : le Gänsemarktoper, l'opéra du Marché aux oies. Il parvint à se maintenir 60 années (1678-1738), tandis que tous les projets opératiques entrepris auparavant en Allemagne par des princes territoriaux ou des bourgeois mélomanes s'étaient soldés par un échec. Ce théâtre où furent représentées quelque 250 œuvres lyriques en langue vernaculaire et dont l'immense majorité des librettistes et des compositeurs étaient autochtones peut être considéré comme le premier " opéra national " et le dernier haut lieu du baroque musical et littéraire. Les artistes y posèrent les fondements d'une dramaturgie originale du livret d'opéra et tentèrent de définir une esthétique opératique spécifiquement allemande, émancipée à la fois des canons dramaturgiques français et du répertoire mélodramatique transalpinThis study concerns itself with the origins of the opera as an art form in the german language in the turn of the 17th and 18th centuries. It was in Hamburg where the first german permanent theater opened its doors in 1678. This opera was called "Gänsemarktoper ". The theater was performing successfully for 60 years (1678-1738), while all the other operatic projects undertaken before in Germany by territorial princes or music-loving bourgeois ended up in failure. This theater where 250 works were represented in the vernacular language and where the vast majority of the librettists and composers were local can be considered to be the first " national opera " and the final achievement of the musical and literary style of baroque. The artists here laid down the foundations of an original dramaturgic opera repertoire and also tried to define a specific german aesthetic opera, which was emancipated from french dramaturgic rules and at the same time also from italian melodramatic repertoire
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Bessire, Adrien. "Les mises en scène du théâtre de Thomas Bernhard en Allemagne, en Autriche et en France. Comparaison et interprétation." Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMR077/document.
Full textAbstract:
Notre travail compare les mises en scène françaises des pièces de Thomas Bernhard aux mises en scène allemandes et autrichiennes, depuis 1970, premier succès théâtral de l’écrivain autrichien, jusqu’à aujourd’hui. La méthode choisie se situe au carrefour de la germanistique et des études théâtrales.Le metteur en scène Claus Peymann a créé la plupart des pièces de Thomas Bernhard. Ses mises en scène apparaissent très fidèles au texte. En France, les metteurs en scène sont plus libres. Thomas Bernhard écrit ses pièces pour des acteurs précis. Minetti est un hommage à l’acteur allemand Bernhard Minetti. La pièce, jouée par des acteurs français, apparait davantage comme un défi pour l’acteur et une réflexion sur l’art dramatique. L’auteur dramatique autrichien écrit également en fonction du contexte politique : ainsi, avec la pièce Place des Héros, créée à Vienne au Burgtheater en 1988, année du cinquantenaire de l’Anschluss. Cette pièce et sa réception en Autriche sert en quelque sorte de schéma de réception en France, pouvant conduire à un malentendu. Les attaques contre l’Autriche n’ont en effet plus le même sens si elles sont jouées en France.Thomas Bernhard est souvent considéré comme un auteur sombre. Son théâtre, où le comique est plus prononcé que dans les romans, permet de nuancer cette image. Mais cette dimension comique et grotesque n’est pas toujours vue par le public français. Il faut dire qu’une partie du comique bernhardien, verbal, est difficilement traduisible. C’est donc tardivement que ce comique est découvert par le public français, dans les années 1990 et 2000, quand le schéma de réception lié à Place des Héros a tendance à s’estomperOur work compares the French productions of Thomas Bernhard’s plays with the German and Austrian ones, from 1970, marking the first success of the Austrian playwright, to this day. The chosen method is at the crossroads of German Studies and Theater Studies.Stage director Claus Peymann has staged most of the first productions of Thomas Bernhard’s plays. His productions are very faithful to the text. In France, the stage directors have a more original interpretation of the text. Thomas Bernhard writes his plays for specific actors. Minetti is for a tribute to the German actor Bernhard Minetti. The play, performed by French actors, is to be understood as a challenge for actors and as a reflection about dramatic art. The Austrian playwright also writes in accordance with the political context. Heldenplatz was first played 1988 at the Burgtheater in Vienna, for the 50th anniversary of the annexation of Austria. The play and its reception in Austria serves as a model for the reception in France, which can lead to a misunderstanding. The attacks against Austria do not have the same meaning any more, when they are played in France. Thomas Bernhard is often considered as a gloomy author. Theatre, in which comedy plays a bigger part than in novels, puts this reputation into perspective. However, this comic and grotesque dimension is not always perceived by the French audience. The comic dimension of Thomas Bernhard’s work is difficult to translate. The French audience therefore discovers this comic dimension of Thomas Bernhard’s plays only much later, in the 1990’s and 2000’s, when the reception scheme of Heldenplatz tends to fade away
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Leleu, Jean-Luc. "Soldats politiques en guerre : sociologie, organisations, rôles et comportements de la Waffen-SS en considération particulière de leur présence en Europe de l'Ouest : 1940-1945." Caen, 2005. http://www.theses.fr/2005CAEN1419.
Full textAbstract:
La recherche a pour objet de déterminer l'action et le rôle précis tenus par l'ensemble des formations militaires de la Waffen-SS pendant la Deuxième Guerre mondiale. A cette fin, l'étude s'est concentrée sur un théâtre d'opérations particulier, en l'occurrence l'Europe de l'Ouest (France, Belgique et Pays-Bas) de 1940 à 1945. Différents paramètres ont été pris en compte, en particulier la sociologie du recrutement, la composition, l'emploi fait de ces unités et leurs comportements. La problématique permet de dégager plusieurs éléments importants, à commencer par le rôle politique et idéologique que la direction SS du Reich, puis l'Etat lui-même, ont fait jouer à la Waffen-SS avec, pour finalité, la volonté de transposer en une " communauté de combat " sur le front la " communauté du peuple " de l'arrière, avec à la clé une transformation profonde de l'outil militaire institutionnel. Dans ce but, la propagande visant à faire de la Waffen-SS un modèle idéologique de l'Ordre noir a largement surfait la réputation d'élitisme militaire de la Waffen-SS. La collusion entre le corps des officiers supérieurs SS et la Reichsführung-SS a elle-même été déterminante dans ce processus. Parmi les plus anciennes formations, chacun d'eux a largement profité de l'autonomie née de leur statut d'exception au sein des forces armées allemandes pour satisfaire nombre d'ambitions personnelles et professionnelles. L'emploi fait des formations SS à l'Ouest ne révèle pour sa part aucune distinction significative sur le plan militaire, y compris dans les tâches répressives. En fait, les différences de comportements, et notamment la plus grande brutalité des troupes SS, étaient d'abord liée à la volonté (puis à la conscience) d'appartenir à une élite, et à une culture de violence certes issue de l'idéologie SS, mais savamment expurgée par les pères fondateurs de la SS en armes de tout ce qui pouvait nuire à l'efficience professionnelle de leurs troupes.
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Verdalle, Laure de. "La transition théâtrale en Allemagne de l'Est : transformation des modes de régulation théâtrale et parcours professionnels des gens de théâtre." Cachan, Ecole normale supérieure, 2003. http://www.theses.fr/2003DENS0028.
Full text
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Schenck, Cécile. "De la crise de l'homme moderne à la construction de l'homme nouveau dans les arts du spectacle (théâtre et danse) français et allemands des années 1880-1920." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030152.
Full textAbstract:
Ma thèse porte sur l’utopie d’un Homme nouveau, censée remédier à la crise européenne de l’homme moderne apparue dès la fin du XIXe siècle, et sur les différentes conceptions du lien social rattachant l’individu à la collectivité dans deux domaines d’expression : le théâtre et la danse, dont les diverses manifestations dans le champ des arts du spectacle français et allemands reflètent un large spectre de significations esthétiques, morales, idéologiques et politiques, révélateur des profondes mutations culturelles des années 1880-1920. À un moment de grande effervescence politique et intellectuelle liée à l’Histoire européenne, artistes et intellectuels ne cessent d’invoquer la nécessité d’un changement radical de l’homme et du monde. C’est dans les arts du spectacle que cet espoir paraît certes le plus vif, mais aussi le plus ambivalent : dramaturges et chorégraphes tendent en effet à substituer à l’idée proprement révolutionnaire la thématique d’une conversion et d’une rédemption spirituelles, devant réconcilier l’individu avec lui-même et avec sa communauté, comme le montrent, des deux côtés du Rhin, les œuvres d’inspiration wagnérienne dans les années 1880-1920. Des dernières pièces de Villiers de l’Isle-Adam au théâtre mystique de Péladan et aux drames préchrétiens du jeune Claudel, des premières mises en scène chorales de Rudolf Laban aux représentations parisiennes des Ballets russes et suédois, du Théâtre du peuple à la scène futuriste et au Bauhaus, le rêve d’une œuvre d’art totale est indissociable d’une réflexion multiforme sur les possibilités d’un renouveau esthético-religieux de l’humanité décadenteMy thesis bears on the utopia of the New Man, which is supposed to be a remedy to the crisis of the modern man at the end of the 19th century. It also bears on the different conceptions of the social ties by means of which the individual is attached to the community ; it explores these conceptions in two domains of expression : theater and dance, whose diverse manifestations in the field of the French and German arts of expression reflect a large spectrum of esthetic, moral, ideological and political significances. Those manifestations reveal the profound cultural mutations of the years 1880-1920. In a time of great political and intellectual effervescence related to the particular moment of European history, artists and intellectuals incessantly evoke the neccessity of a radical change of the man and the world. It is in the arts of spectacle that this hope appears in its most vivid, but also in its most ambivalent : dramatists and choreographs have the tendency to replace to a properly revolutionary idea by the thematics of a spiritual conversion and redemption, that should reconcile the individual with herself and her community, as we can see, on both sides of the Rhin river, the works inspired by Wagner in the years 1880-1920. From the last pieces of Villiers de l’Isle-Adam to the mystical theater of Péladan and the pre-christian pieces of young Claudel, from the first choral stagings of Rudolf Laban to the parisian representations of the Russian and Swedish ballets, from the People’s Theater to the futurist scene and to the Bauhaus, the dream of a total work of art is indissociable from a manifold reflexion on the possibilities of an esthetic and religious renewal of decadent humanity
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Reuter, Francesca. "Le débat sur les pratiques scéniques en Allemagne au début du XIXe siècle." Lyon 2, 2005. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2005/reuter_f.
Full textAbstract:
Suite à une discussion plus générale sur l'écriture dramatique et sur le jeu scénique en Allemagne au XVIIIe siècle, un débat nouveau sur les décors, les costumes, les effets spectaculaires apparaît au début du XIXe siècle et se localise principalement à Berlin, où deux directeurs de théâtre successifs, A. W. Iffland (1796-1814) et K. V. Brühl (1815-28) tentent de réformer les pratiques scéniques. Ce débat esthétique prend même vers 1816 la forme plus concrète d'une querelle théâtrale dans les journaux berlinois, indiquant une diffusion plus large du débat dans le public. Les participants sont les directeurs, plusieurs écrivains romantiques et d'autres intellectuels et artistes. L'enjeu pour les Allemands est d'acquérir un théâtre national de qualité. Les directeurs font alors le choix du réalisme, du respect de la vérité historique et soignent la dimension spectaculaire. Ils suscitent l'opposition des Romantiques qui réclament (inspirés par la scène élisabéthaine) une scénographie sobre, non historisante, laissant travailler l'imagination créatrice. Un consensus apparaît sur le rejet de l'esthétique baroque et contrastée proposée par les décorateurs d'origine italienne. Parmi les propositions théoriques et pratiques, certaines (unité du spectacle, respect de l'esprit de l'œuvre) évoquent déjà en partie le travail de "mise en scène" qui apparaîtra à la fin du XIXe siècle. Le débat lui-même a été important : il a institué la problématique d'une scénographie "pauvre" ou "riche", "intemporelle" ou "historique", une problématique qui a ensuite traversé l'histoire du théâtre jusqu'à aujourd'huiFollowing a more general discussion of dramatic writing and the scenic acting in Germany during the 18th century, a new debate of decor, costumes, and theatrical effects appeared at the beginning of the 19th century and was mainly localized in Berlin, where two successive theatre directors A. W. Iffland (1796-1814) and K. V. Brühl (1815-28) attempted to reform scenic practises. This esthetic debate, even in 1816, appeared as a more concrete form of theatrical dispute in Berlin newspapers, allowing a larger diffusion of debate in the public arena. They were several participants including romantic writers, directors, intellectuals, and artists. The main goal of the Germans, construct a national theater of quality. Therefore, the directors made the choice of realism, historical truth and visual effects. They provoqued the opposing Romantics who acclaimed (inspired by the elizabethan stage) a sober non-historical decor, allowing the imagination to take flight. A consensus appeared rejecting the contrasting baroque esthetic proposed by the Italian decorators. Amongst pratical and theoretical propositions, certain ones (unity of show, respect for the spirit of the work) had already evoked in part the "mise-en-scène" that appeared toward the end of the 19th century. The debate itself was an important one. It introduced the problem of poor or rich, non-temporal or historical scenery, a problem that has traversed the history of theater up to present day
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Portzamparc, Arianne de. "Rihm et Artaud : Tutuguri, Die Eroberung von Mexico et Séraphin - un théâtre musical de la cruauté." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080131/document.
Full textAbstract:
Le théâtre de la cruauté d’Antonin Artaud (1896-1948) participe à une libération des langages artistiques au profit du sens déterminante dans l’histoire de l’art du XXème siècle. Dans ce théâtre, l’acteur représente le point de départ d’un langage originaire fondé sur le souffle et le geste qui favorise une communication affective avec le spectateur. Le théâtre musical de la cruauté de Wolfgang Rihm (1952) s’inspire de ce langage à travers les thématiques du rite, du mythe et du rêve, porteuses d’un théâtre inhérent à la vie. Ces thématiques sont propices au développement d’une vocalité qui rend perceptible la corporalité du chanteur grâce à une déconstruction de la matière langagière. Rihm exploite la matière phonique de la langue sous forme de glossolalies, cherche différents aspects du cri en tant qu’élément premier du langage, utilise le souffle comme une matière sonore. Cette vocalité rejoint son approche instrumentale qui travaille le son à partir du timbre, du rythme et de l’intensité sans chercher à l’enfermer dans une logique systémique. Intégrée au processus compositionnel, la disposition des musiciens et des chanteurs dans l’espace rejoint également la conception d’un espace scénique vivant dans le théâtre d’Artaud. Au fur et à mesure de son théâtre musical de la cruauté, Rihm laisse ses matériaux sonores inspirés par Artaud se réécrire dans une forme de palimpsesteThe theater of cruelty of Antonin Artaud (1896-1948) participates in a liberation of artistic language over decisive meaning in the history of 20th century art. In this theater the actor is the starting point for a language of origins founded on breath and gesture, which promotes affective communication with the audience. The musical theater of Wolfgang Rihm (1952) takes it’s inspiration from this language via the themes of ritual, myth, and dream, all which bear a theater inherent to life. These themes are developed through a vocalization, which renders visible the corporeality of the singer through a deconstruction of language matter. Rihm exploits the phonic matter of language in the form of glossolalia, seeking different aspects of the scream as the primal element of language, employing breath as sonorous matter. This vocalization rejoins his instrumental approach, which uses sound drawn from timbre, rhythm and intensity without seeking to enclose it within a logical system. Integrated into the compositional process, the spacial arrangement of the musicians and the singers rejoins the concept of a living scenic space in Artaud’s theater. As Rihm’ s musical theater of cruelty progresses, it allows the sonoral matter inspired by Artaud to rewrite itself in a form of palimpsest
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Brose, Alain. "Charlemagne et Barberousse dans la tourmente national-socialiste: Où l'instrumentalisation des souverains germaniques dans la propagande national-socialiste et dans la littérature allemande des années 1930 à la fin de la Seconde Guerre mondiale." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2017. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/257028.
Full textAbstract:
Depuis toujours, les régimes politiques ont tenté de se légitimer et de justifier leurs ambitions en s’identifiant à des grandes figures historiques. Cette identification passe obligatoirement par une certaine déformation des faits historiques. Celle-ci peut être plus ou moins grande en fonction de l’absence d’analogie fondée entre le régime en place et les faits historiques. Le régime national-socialiste ne déroge pas à la règle. Cependant, l’analyse des portraits des « Führers de l’histoire allemande », dont faisaient partie Charlemagne et Barberousse, révèle les profondes rivalités au sein du mouvement national-socialiste. Elle illustre aussi à quel point cette conception du monde reposait sur une poignée de postulats à peine. Pour finir, elle montre que les académiciens ont apporté des arguments scientifiques pour alimenter, voire attiser l’ambition d’Hitler.Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Gomet, Doriane. "Sports et pratiques corporelles chez les déportes, prisonniers de guerre et requis français en Allemagne durant la seconde guerre mondiale (1940-1945)." Phd thesis, Université Claude Bernard - Lyon I, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00872295.
Full textAbstract:
Ce travail permet de découvrir, à travers le prisme des pratiques corporelles, les conditions de vie des Français, prisonniers de guerre, déportés, requis pour le travail, déplacés de force dans le IIIe Reich entre 1940 et 1945. Croisant des archives institutionnelles, françaises et allemandes avec des témoignages, l'étude révèle que la forme et la fonction des activités physiques vécues sur le sol allemand dépendent à la fois des mécanismes sociaux et d'enjeux politiques puissants. Ainsi, les traitements réservés aux Français jugés capables d'intégrer la Grande Europe répondent à une sorte d'embrigadement savamment orchestré répondant au nom de Betreuung. Dans ce cadre, les prisonniers de guerre comme les travailleurs requis disposent d'une certaine latitude pour organiser leur vie quotidienne. Les compétitions, les spectacles ou les séances d'éducation physique qu'ils mettent sur pied s'inspirent de leurs pratiques antérieures tout en s'adaptant au contexte dans lequel ils vivent. Ils sont aidés dans leurs projets par les services délocalisés de Vichy, Mission Scapini pour les prisonniers, Délégation Bruneton pour les requis, qui entendent, par ce biais préserver un certain contrôle sur eux en vue de les faire adhérer à la Révolution nationale. Il en est tout autre pour ceux que les nazis jugent comme des " ennemis ". Ces derniers sont confrontés à des pratiques physiques participant à leur élimination à plus ou moins longue échéance. Si ces dernières préservent l'apparence de jeux ou d'entraînement sportif, elles constituent au mieux des punitions, au pire des tortures, qui couplées aux coups et aux privations multiples aboutissent à la destruction méthodique des corps.
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Coudray, Sophie. "Histoire politique et esthétique du Théâtre de l'opprimé en france de ses origines aux années 1990." Thesis, Lyon, 2017. http://www.theses.fr/2017LYSE2124.
Full textAbstract:
Bien loin de l’image mythifiée et parcellaire du Théâtre de l’opprimé, cette étude historique entend mettre au jour les processus à l’œuvre dans le développement de cette praxis élaborée par le metteur en scène brésilien Augusto Boal. Toujours envisagé tout à la fois comme théorie (la poétique de l’opprimé) et pratique, le Théâtre de l’opprimé est ici saisi dans toute son historicité. En s’appuyant autant sur un corpus théorique que sur des archives — dont un fonds inédit appartenant au Centre du Théâtre de l’opprimé de Paris — et des entretiens avec les praticiens qui ont été membres du centre parisien, les recherches menées nous ont permis de retracer une histoire qui se veut à la fois politique et esthétique du Théâtre de l’opprimé.Structurée chronologiquement, l’étude commence dans les années 1950 au Brésil, afin d’évoquer les préoccupations artistiques d’Augusto Boal — alors metteur en scène au Teatro Arena de São Paulo —, centrées sur la recherche d’un renouvellement des formes dramatiques répondant à un impératif politique : faire du théâtre populaire, c’est-à-dire pour le peuple brésilien. Il s’agit dedéceler, dès cette époque, les prémices d’une réflexion théoriques mais aussi les racines de certaines techniques théâtrales, qui constituent le terreau sur lequel se développera le Théâtre de l’opprimé, au milieu des années 1970, alors que Boal est en exil.La suite de cette étude se déroule en France, un pays où Augusto Boal commence à se faire connaître en 1971 grâce au Festival mondial du théâtre de Nancy et à la revue Travail théâtral. C’est à Paris, à la fin des années 1970, qu’il fonde le tout premier groupe permanent de Théâtre de l’opprimé, dont la mission est de diffuser et de transmettre cette méthode. Le groupe va progressivement se professionnaliser et s’institutionnaliser, pour finir par trouver sa place dans le champ du théâtre d’intervention socioculturelle, un espace dans lequel la structure va poursuivre son activité jusqu’en 1998, date à laquelle celle-ci va éclater pour donner naissance à de multiples compagnies éparpillées sur le territoire français, laissant un centre dont l’identité s’en est trouvée profondément renouvelée.L’histoire française du Théâtre de l’opprimé est l’histoire d’un dialogue permanent entre le théâtre, le champ politique, militant et l’éducation populaire. C’est également l’histoire d’un collectif, que rassemble l’usage d’une même méthode théâtrale et qui traverse deux décennies au cours desquelles l’époque a profondément refaçonné le visage de la société. C’est donc une histoiretraversée de contradictions, d’évolutions, mais aussi de positions maintenues et réaffirmées, qu’il s’agit ici de mettre au jour. Des mouvements militants à la politique de la ville, le parcours du centre parisien de Théâtre de l’opprimé est celui d’un groupe en prise avec son époque. Parisienne, la structure fondée par Boal est cependant centrale dans la diffusion à l’échelle mondiale des techniques du Théâtre de l’opprimé. En cela, écrire l’histoire du Théâtre de l’opprimé en France est une façon de contribuer modestement à en écrire une histoire mondiale, dont le centre parisien constitue une étape crucialeFar from the mythic and fragmented image of Theatre of the oppressed, this study intends to bring to light the ongoing processes in the development of this praxis developed by the Brazilian director Augusto Boal. Systematically considered as both a theory (the poetics of the oppressed) and a practice, Theatre of the oppressed is comprehended in all its historicity. Drawing on a theoretical corpus as well as archives – including unpublished funds from the Parisian Theatre of the oppressedCentre – and interviews with practitioners who used to be members of the Parisian centre, these researches lead us to trace Theatre of the oppressed political and aesthetical history.Organised in chronological order, this study begins in Brazil during the 1930s, in order to discuss Augusto Boal’s artistic concerns – while he works as Teatro Arena’s director in São Paulo – focused on the search for a renewal of dramatic forms tied up with a political imperative: performing popular theatre, that is a theatre performed for Brazilian people. From this time, we attempt to uncover the early stages of a theoretical reflection but also the roots of some theatre techniques, thatconstituted the fertile ground for the further development of Theatre of the oppressed during the mid 1970s, while Boal is in exile.The rest of this study takes place in France, a country where Boal starts to become known in 1971 through the Nancy World Theatre Festival and the revue Travail théâtral. By the end of the 1970s, in Paris he starts the first permanent group of Theatre of the oppressed, whose mission is to spread this method. Progressively, this group will become more professional and institutionalised, and will finally find its place in the field of sociocultural intervention theatre, a place where this structure continues its activities until 1988, when it breaks out and leaves the door open for many companies spread throughout France, leaving the old centre whose theatre identity has been radically altered.The French history of Theatre of the oppressed is the story of a permanent dialogue between theatre, the activist and political fields and popular education. This is also the story of a collective gathered around the use of the same theatrical method over two decades, while the face of society is being deeply reshaped. Thus, this history is fraught with many contradictions, evolutions but also strong positions being held and reaffirmed. Our task is to bring them to light. From activist movements to urban policy, Theatre of the oppressed Centre’s path is nothing else but the path of a group in touch with its time. However, the Parisian structure grounded by Boal is at the core of the spread of Theatre of the oppressed techniques in the whole world. That’s why writing Theatre of the oppressed history in France is a way to modestly contribute to writing its world’s history, in which the Parisian centre represents a major step
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Nitsche, Véra. "Der neue Geist des Kollektivs. Politische und ästhetische Implikationen kollektiver Produktionsverfahren im Theater in den 1960/70er-Jahren und zu Beginn des 21. Jahrhunderts (am Beispiel der Schaubühne am Halleschen Ufer sowie She She Pop und Gob Squad)." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030002.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour sujet les pratiques théâtrales collectives en Allemagne au tournant des années 1960/70 et au début du XXIe siècle. Ce qui nous intéresse particulièrement, c’est l’esprit du collectif, c’est-à-dire les idées politiques et concepts esthétiques qui incitent les artistes de théâtre à pratiquer la création collective et à s’organiser en collectifs. Nous partons du principe que l’esprit du collectif s’est développé parallèlement aux mutations du monde du travail depuis la fin des années 1960, telles qu’elles sont décrites par exemple dans la publication de Luc Boltanski et Eve Chiapello : Le nouvel esprit du capitalisme. Si dans les années 1960/70, les collectifs étaient perçus unanimement comme la manière d’anticiper le socialisme théâtralement, le discours actuel au sujet des collectifs de théâtre est marqué par une hétérogénéisation des positions. Pendant que certains les considèrent comme l’avant-garde de la déréglementation néolibérale du paysage théâtral germanophone, d’autres voient se réaliser des nouvelles formes d’expression politique dans le fonctionnement collectif. Aussi bien dans les années 1960/70 qu’aujourd’hui, le travail théâtral collectif est lié à des stratégies esthétiques spécifiques, ce qui soulève la question de l’interdépendance entre les modes de production et les moyens d’expression artistiques. Cette thèse cherche à lier la réflexion sur les pratiques d’organisation et de production aux concepts esthétiques des collectifs. En s’appuyant sur une méthodologie d’analyse de discours, la thèse fait ressortir l’esprit du collectif propre aux années 1960/70 ainsi que celui qui caractérise bon nombre de formations collectives marquant le début du XXIe siècle. Se divisant en deux grandes parties, elle met en évidence les lignes de continuité ainsi que les ruptures entre les deux générations de collectifs de théâtreThis thesis focuses on collective theatrical practices in Germany in the 1960s/70s and at the beginning of the 21st century. Our particular interest is the spirit of the collective: the political ideas and aesthetic concepts that encourage theatre people to work collectively and to organize themselves as collectives. We assume that the spirit of the collective has developed in parallel with the changes in the world of work since the late 1960s as described, for example, in Luc Boltanski and Eve Chiapello's publication The New Spirit of Capitalism. While in the 1960s/70s, collectives were unanimously perceived as the theatrical way of anticipating socialism, the current discourse about theatre collectives is marked by a heterogenization of positions. While some see them as the vanguard of the neoliberal deregulation of the German-speaking theatre landscape, others see in the collective functioning a new form of the Political. In the 1960s/70s as well as today, collective theatre work is linked to specific aesthetic strategies, which raise the question of the interdependence between the mode of production and aesthetics. This thesis seeks to link reflection on the organizational and production practices with the aesthetic concepts of the theatre collectives. Based on a discourse analysis methodology, the thesis brings out the spirit of the collective specific to the 1960s/70s on the one hand and to the beginning of the 21st century on the other hand. Divided into two main parts, it exposes the lines of continuity as well as the ruptures between the two generations of theatre collectives
Diese Dissertationsschrift beschäftigt sich mit den Theaterkollektiven der 1960er/70er-Jahre und des 21. Jahrhunderts. Das besondere Interesse gilt dem Geist des Kollektivs, d.h. den politischen Vorstellungen und ästhetischen Konzepten, die der kollektiven Theaterarbeit zugrunde liegen. Wir gehen davon aus, dass sich der Geist des Kollektivs parallel zu den Veränderungen in der Arbeitswelt seit dem Ende der 1960er-Jahre entwickelt hat, wie sie beispielsweise Luc Boltanski und Eve Chiapello in Der Neue Geist des Kapitalismus beschreiben. Während die Theaterkollektive in den 1960er/70er-Jahren relativ einhellig als der theatrale Vorgriff sozialistischer Produktions- und Gesellschaftsstrukturen wahrgenommen wurden, ist der aktuelle Diskurs von einer Heterogenisierung der Positionen geprägt. Die heutigen Kollektive werden einerseits als die Avantgarde der neoliberalen Deregulierung der deutschsprachigen Theaterlandschaft angesehen, andererseits werden die kollektiven Arbeits- und Organisationsweisen als neue Ausdrucksformen des Politischen wahrgenommen. Sowohl in den 1960er/70er-Jahren als auch heute ist die kollektive Theaterarbeit mit spezifischen ästhetischen Strategien verknüpft, was die Frage nach der Interdependenz zwischen der Produktionsweise und den theatralen Ausdrucksmitteln aufwirft. Diese Dissertation bringt die Überlegungen zu den kollektiven Organisations- und Produktionspraktiken mit den ästhetischen Konzepten der Kollektive in Verbindung. Die Arbeit basiert auf einer diskursanalytischen Methodologie mittels derer der jeweilige Geist des Kollektivs herausgearbeitet wird, der für die Theaterkollektive der 1960er/70er-Jahre bzw. für die heutigen Kollektivformationen typisch ist. Sie gliedert sich in zwei Hauptteile und hebt, die beiden Kollektivgenerationen diachronisch untersuchend, die Kontinuitätslinien und Brüche hervor, die den neuen Geist des Kollektivs mit demjenigen der Vorgängergeneration verbinden
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Maier-Schaeffer, Francine. "Heiner Müller et le "Lehrstück"." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040050.
Full textAbstract:
L'œuvre dramatique de Heiner Müller, confrontation directe avec la théorie et la pratique de la "pièce didactique" de Brecht, est la contribution d'un praticien au débat ouvert par Reiner Steinweg. Le "fragment-fatze", témoin du passage au "lehrstück" opéra par Brecht, est un pivot de l'œuvre de Müller. Il contient les interrogations historiques et politiques qui rapprochent le marxiste des philosophes français contemporains, et l'expérimentation formelle qui place son œuvre dans les courants linguistiques et structurels actuels. Le "cycle d'essais", réflexion sur le rôle de l'écrivain aussi bien qu'entrainement formel, témoigne du passage que Müller opère à son tour d'une dramaturgie classique au "lehrstück". Son œuvre ultérieure dément le constat de la critique selon lequel il aurait abandonné ensuite le "lehrstück" au bénéfice du fragment. Par des transformations formelles radicales, rejet de la fable, utilisation des techniques du collage et du montage, exploration de l'inconscient à la suite des surréalistes, il expérimente une application originale de la théorie brechtienne. Abandonnant la "règle fondamentale" dont Steinweg fit la caractéristique du "lehrstück", ne donnant plus la priorité à la notion d'accord", il développe un aspect qui ne fut pas pris en compte par la réception: le "foyer de peur". Proche du théâtre de la cruauté d'Artaud, mais fidèle aux principes brechtiens, l'œuvre de Müller donne une nouvelle définition et au "lehrstück" et au "fragment" en passant par le "commentaire"Heiner Müller’s dramatic work, a direct confrontation with the theory and practice of the "didactic play" of Brecht, is the contribution of a practician to the debate opened by the scholar Reiner Steinweg. The "fatzer-fragment" which shows the transition instituted by Brecht to the "lehrstück" is a pivot of Müller’s work. It contains the historical and political interrogations which show him to be close to the contemporary French philosophers, and the formal experimenting which places his work within the modern linguistic currents. The "cycle of essays", reflexion of the role of the Marxist writer and training, bears witness to the transition which he has also completed from a classical dramaturgy to the "lehrstück". His later work contradicts the protestations of the critics according to which he has abandoned the "lehrstück" for the fragment. By radical formal transformations, rejection of plot, use of collage and montage techniques, exploration of the unconscious, he tries out an original application of Brecht’s theory. Abandoning the "fundamental rule" which Steinweg made into the chief characteristic of the "lehrstück", but which has proved utopic in the current state of society, no longer giving priority to the notion of "agreement", he develops an aspect which has not been taken into account by the reception: the "focus of fear". Near to the theater of the cruelty of Artaud, his work gives a new definition of the "lehrstück " and of the "fragment"
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Bouteille-Meister, Charlotte. "Représenter le présent : formes et fonctions de "l’actualité" dans le théâtre d’expression française à l’époque des conflits religieux (1554-1629)." Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100133.
Full textAbstract:
Le théâtre ne choisit pas nécessairement le détour pour représenter le temps présent des spectateurs. Souvent négligée voire méprisée par la critique, la mise en scène directe de l’actualité propose pourtant un terrain d’étude fécond du regard que les individus d’une époque portent sur leur existence dans le temps. Vecteur privilégié de la polémique orchestrée par les catholiques et les protestants à l’époque des conflits religieux, le théâtre d’actualité mêle toutes les formes et tous les héritages pour proposer à son public une vision à la fois divertissante et tranchée du présent, propre à conforter la communauté spectatrice dans ses positions. Les formes et les fonctions de ce théâtre évoluent cependant à mesure que l’opposition religieuse se déplace du terrain théologique au terrain politique, et à mesure que l’espoir d’une conciliation laisse place au conflit armé. À la vision eschatologique du théâtre d’actualité protestant qui voit dans le présent une annonce de l’imminente fin du monde et à la tentative désespérée du théâtre d’actualité valois de maintenir la fiction d’un présent doré de concorde succède le constat d’un présent de fer, qui fait de la scène le reflet sanglant d’une actualité particulièrement violente, convoquant son public à l’action. La paix de compromis établie par l’édit de Nantes et le devoir d’oubli qu’elle impose substitue à cet horizon pragmatique un horizon mémoriel : la représentation du présent sur la scène devient un enjeu de « souvenance », alors que se met en marche la légendarisation de l’action pacificatrice de la monarchie bourbonienneDisplaying contemporaneous events on the theatre stage does not necessarily need to involve mythological or historical transposition. Often neglected or even despised by theatre critics, the representation of contemporaneousness, however, offers a particularly fertile field of study when it comes to analysing how individuals reflect on their own existence in Time.During times of religious conflict in Europe, both Catholics and Protestants alike used the stage as a powerful vehicle to stir controversy; situated at the crossroads between multiple forms and influences, theatre can provide its public with a re-presentation of present time both entertaining and critical, designed to strengthen a community’s actual and intellectual unity. What is more, forms and functions of “topicality” on stage evolve and develop further as religious conflict shifts from the theological to the political battleground and hope for reconciliation is overshadowed by escalating armed conflicts.Whilst Protestant topical theatre finds numerous concurrent signs of the imminent end of the world, the topical theatre created and represented at the Catholic Valois court tries desperately to maintain the illusion of a Golden Age of concord; soon thereafter, however, an Age of Iron is acknowledged, in which theatre reflects the violence and bloodthirstiness of its time and calls on the audiences to take action. When the compromise of the edict of Nantes imposes peace and amnesty, this pragmatism is substituted by a drive towards memorialisation: performing the present on stage becomes a matter of remembrance, at a time when the Bourbon monarchy tries to turn the recent past into a legend
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Osenda, Natacha Veronica. "Formas de colaboración artística y reinterpretaciones de la última dictadura militar en Argentina : Teatro Abierto (1981-1985) y Teatroxlaidentidad (2001-2005) en las disputas por reconfigurar el imaginario de nación." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0009.
Full textAbstract:
J'étudie comment les souvenirs et les oublis sont produits dans la société argentine en me penchant sur l'efficacité relative des mises en scène théâtrales produites par deux groupes, Teatro Abierto au début de années 1980, et Teatroxlaidentidad au début du vingt-et-unième siècle, qui avaient en commun la constitution d'une action collective qui représente le gouvernement militaire (1976-1983) comme responsable du démantèlement de ce que l'état réinventa dans un autre temps, a savoir la nation. La recherche est basée sur l'étude de l'intentionnalité des objets culturels que les artistes produisent selon leurs intérêts et objectifs, leur position en tant qu'intellectuels, leurs évaluations, catégorisations et jugements, qui contraignent et influencent les objets culturels (d'un côté, les liens nationaux d'appartenance, qui ont toujours été un point de dispute constant en Argentine, et d'un autre côté, certains objets culturels au sein de la littérature et du théâtre qui ont été colonises par les élites républicaines depuis les temps recules de la formation des états-nations en Amérique latine avec le but de servir la construction initiale des imaginaires de la nation), ceux-ci conçus pour persuader le plus grand nombre de spectateurs qu'une rupture est advenue dans la normalité de la sociétéI study how memories are produced and forgotten in argentine society by examining the relative success of the theatrical productions of two groups, Teatro Abierto, at the end of the 1 970s, and Teatroxlaidentidad, at the start of the twenty -first century, both of which participated in collective actions portraying the military government (1976-1983) as responsible for the dismemberment of that which the state had previously re-invented, the nation. My research is based on the study of the intentions behind the artists' production of cultural objects in accordance with their interests and objectives, their social position as intellectuals, and their valuations, categorizations, and judgments, all of which limit and influence those cultural objects (on one hand, the bonds of national belonging that have always been a constant source of dispute in Argentina, and on the other rand, certain cultural objects central in literature and theatre and which were colonized by the republican elites in the earl y days of the formation of nation-states in latin america in service of the initial construction of nationhood), in hopes of persuading the greatest possible number of spectators that a rupture of social normalcy had occurred
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Roger, Christine. "La réception de Shakespeare en Allemagne de 1815 à 1850 : propagation et assimilation de la référence étrangère." Metz, 2003. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/UPV-M/Theses/2003/Roger.Christine.LMZ0319_1.pdf.
Full textAbstract:
La réception de Shakespeare en Allemagne entre 1815 et 1850 n'a, jusqu'à présent, fait que très partiellement l'objet d'une considération spécifique. La majorité des travaux sur le poéte-dramaturge britannique qui aborde son accueil au XIXe siècle se concentrent en effet sur sa réception esthétique et littéraire antérieure à 1830. La présente étude se propose de mettre en lumière la coexistence de plusieurs Shakespeare durant la période dite du Vormärz, c'est à dire avant que le discours institutionnalisé sur l'auteur étranger, allant de pair avec la fondation de la Deutsche Shakespeare-Gesellschaft (1864), ne fixe durablement les modalités de sa représentation. Entre 1815 et 1850, les débats sur l'auteur dramatique étranger continuent à porter sur les conditions nécessaires pour la constitution d'un théâtre national allemand et l'apparition sur scène d'un "deuxième" Shakespeare. Toutefois, en raison du "morcellement" politique, social et culturel qui caractérise la période du Vormärz, ces thèmes invariants, hérités des discussions esthétiques du XVIIIe siècle sur l'auteur dramatique, sont enrichis d'une nouvelle dimension, désormais plus politique : Shakespeare devient progressivement une autorité morale et éthique que des médiateurs instrumentalisent dans le cadre de l'élaboration d'une identité nationale allemande. L'essor des éditions des œuvres complètes de notre auteur, sa présence dans les périodiques à vocation culturelle, les almanachs, les "galeries", les anthologies, ainsi que la publication des premières monographies, témoignent de l'ampleur étonnante de ce transfert culturel, tout en offrant une vue instructive du champ littéraire de l'époque. La nouvelle familiarité ainsi acquise d'un large public allemand avec Shakespeare à travers l'écrit et l'image, prépare la voie à son assimilation et son élévation au rang de " troisième auteur classique allemand au cours de la deuxième moitié du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècleThe reception of Shakespeare in Germany between 1815 and 1850 has, until recently, attracted little sustained critical attention. Modern research on the poet-playwright's 19th century reception has thus far focused principally on its aesthetic and literary aspects before 1830. The present study aims to shed new ligth on the coexistence of several Shakespeares during the Vormärz period, i. E. Before the institutionalized German discourse on the Shakespeare - supported mainly by the newly founded Deutsche Shakespeare-Gesellschaft (1864) - determined the ways he entered German national consciousness. Between 1815 and 1850 debates on the dramatist continued to have a bearing on the fashioning of German national theatre and appearance of a "second" Shakespeare on the scene. But because of the political, and cultural divisions which characterize te Vormärz period, the traditional aesthetical discussions inherited from the 18th century were enriched with a new, more political dimension : the Vormärz saw Shakespeare's promotion from a literary authority to a more moral and ethical one that his supporters could use in the working out of a German national identity. The rising numbers of editions of his complete works, his presence in literary journals, almanacs, "galleries", anthologies of the time alongside the publication of the first critical monographs devoted entirely to his life and works attest the astonishing breadth of this cultural transfer. Moreover
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Grimberg, Michel. "La réception de la comédie française du XVIIIe siècle dans l'aire germanophone de 1694 à 1799, vue à travers les traductions et leurs préfaces." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040210.
Full textAbstract:
Notre étude n'est pas un travail de traductologie; c'est une histoire de la discussion poétologique allemande sur la comédie française du XVIIIe siècle. Elle s'appuie sur les pièces françaises choisies par les traducteurs allemands et sur un corpus de 137 préfaces rédigées par ces derniers à l'occasion de la publication de leurs traductions. Le nombre important de comédies traduites (près de 500, plus de 120 auteurs, 1300 éditions différentes) nous a obligé à opérer une sélection. Ainsi, nous insistons plus particulièrement sur les comédies préfacées, sans négliger cependant les œuvres qui, traduites à de très nombreuses reprises, ont également marque les esprits. Nous fondons nos analyses sur la théorie des transferts culturels. Les traductions de comédies françaises ont principalement servi sans un premier temps (1694-1724) à légitimer le genre comique; puis, dans une seconde phase (1725-1759), les récepteurs allemands ont peu à peu élaboré une référence culturelle française qu'ils ont utilisée comme modèle et base de réflexion pour créer une comédie régulière allemande; enfin, dans une dernière période (1760-1799), les pièces françaises furent avant tout traduites pour enrichir les répertoires des théâtres du Saint-Empire. Cependant, si chacune de ces trois fonctions exercées par les comédies françaises (légitimation du genre comique, construction d'une référence culturelle, enrichissement des répertoires) caractérise plus particulièrement une grande phase de l'histoire de la réception, il ne faut pas oublier que les deux autres fonctions sont également présentes, mais dans une mesure moindre, à toutes les étapesRather than a study in translation theory, this work is a history of the German poetical debate on French comedy in the XVIIIth century. It is based upon the French plays chosen by German translators and on a corpus of 137 prefaces that they wrote for the publication of their translations. The sheer number of translations (over 500 involving more than 120 playwrights in 1300 different editions) made it necessary to exercise selection. Particular attention is given to prefaced comedies; however, other works which were translated several times and also left their mark are considered too. Analysis is grounded on the theory of cultural transfer. In the first period (1694-1724), the translations of French comedies were mainly instrumental in legitimizing the comic genre. Over the second phase (1725-1759), German receivers gradually established a French cultural reference that was used as a model and basis in the creation of regular German comedy. French plays of the late period (17601799) were mostly translated in order to broaden the repertoires of theatres in the German-speaking area. However, if each of the [. . . ]
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Fondu, Quentin. "La Scène et l'Amphithéâtre : sociologie et histoire de la discipline des études théâtrales en France et dans les deux Allemagnes (1945-2000)." Thesis, Paris, EHESS, 2021. http://www.theses.fr/2021EHES0004.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur l’histoire de la discipline des études théâtrales (Theaterwissenschaft en allemand) en France et dans les deux Allemagnes, de 1945 jusqu’au début des années 2000. Elle interroge les conditions historiques et sociales qui permettent de comprendre son apparition et son développement. Mon hypothèse principale est que la constitution de cette discipline s’organise à la jonction du champ universitaire et du champ théâtral, et au croisement de logiques locales, nationales et internationales. À l’inverse des disciplines plus anciennes, les études théâtrales revendiquent en effet une plus grande ouverture vis-à-vis de logiques extérieures au monde académique, à la fois en termes de formations et de débouchés. Participant peut-être à la mise en crise contemporaine de l’« ordre disciplinaire », l’histoire de cette discipline doit ainsi être replacée dans les métamorphoses plus larges du théâtre et de l’université au cours de cette période – en particulier leurs internationalisations et leurs politisations respectives. Notre démarche repose sur la sociologie historique, qui a pour ambition de cumuler les méthodes de l’histoire et celles de la sociologie, afin de prendre en compte simultanément événements, histoire institutionnelle et analyse structurale. Sans pour autant abandonner les principes de la comparaison entre la France et les deux Allemagnes, la méthodologie doit également beaucoup à l’histoire croisée, qui nous permet de multiplier les échelles d’analyse sans présupposer a priori le cadre national de la disciplineThis thesis is about the history of the discipline of theatre studies in France and in the two Germanies, from 1945 to the early 2000s. It examines the historical and social conditions in order to understand its emergence and development. My main hypothesis is that the creation of this discipline happened at the intersection of the academic and theatrical fields, and at the crossroads of local, national and international logics. Unlike older disciplines, theatre studies avows a larger openness vis-a-vis logics external to the academic world, both in terms of training and job prospects. Participating perhaps in the contemporary challenges to “disciplinary order”, the history of this discipline must also be resituated within the broader metamorphosis of theatre and the university over the course of this period. Our approach relies on historical sociology, whose aim is to bring together methods from history and sociology in order to simultaneously think about events, institutional history, and structural analysis. Without abandoning the basis for comparison between France and the two Germanies, our methodology also draws heavily from histoire croisée, which allows us to broaden the scope of our analysis without accepting at face value the national framework of the discipline
Diese Dissertation behandelt die Geschichte der Disziplin der Theaterwissenschaft in Frankreich und im geteilten Deutschland, von 1945 bis zum Beginn der 2000er Jahre. Sie untersucht die historischen und sozialen Bedingungen, die es ermöglichen, ihre Entstehung und Entwicklung zu verstehen. Die zentrale Hypothese ist, dass die Konstituierung dieser Disziplin durch die Verbindung des akademischen und theatralischen Bereichs und dem Zusammenwirken lokaler, nationaler und internationaler Logiken ermöglicht wurde. Im Gegensatz zu älteren Disziplinen beansprucht die Theaterwissenschaft in der Tat eine größere Offenheit gegenüber Logiken außerhalb der akademischen Welt, sowohl in Bezug auf Ausbildung als auch auf Karrierewege. Die Geschichte dieser Disziplin, die wohl an der gegenwärtigen Krise der "Disziplinarordnung" teil hat, muss daher in die breiteren Metamorphosen des Theaters und der Universität in dieser Periode - insbesondere in ihre jeweiligen Internationalisierungen und Politisierungen - eingeordnet werden. Der Ansatz dieser Dissertation basiert auf der historischen Soziologie, die darauf abzielt, die Methoden der Geschichte und der Soziologie zu kombinieren, um Ereignisse, die Institutionengeschichte und die Strukturanalyse gleichermaßen zu berücksichtigen. Ohne die Prinzipien des Vergleichs zwischen Frankreich und den beiden deutschen Staaten aufzugeben, verdankt die Methodologie auch viel der histoire croisée, die es erlaubt, die Skalen der Analyse zu multiplizieren, ohne a priori den nationalen Rahmen der Theaterwissenschaft vorwegzunehmen
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François, Jean-Claude. "Le theatre allemand de l'apres-guerre (1945-1950) : traditions et novations." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080154.
Full textAbstract:
Cette these etudie la renaissance de la vie theatrale en allemagne, apres la seconde guerre mondiale et l'effondrement du regime nazi, sous un double aspect : la nature du repertoire (das drama) et le fonctionnement de l'appareil theatral (das theater). La premiere partie decrit les conditions materielles, politiques et morales de cette renaissance dans le contexte de l'occupation et de la guerre froide. Les principaux debats de cette periode (la denazification, le retour des exiles, la reeducation du peuple allemand) sont evoques dans leur rapport avec la vie theatrale. La seconde partie est consacree au repertoire issu de l'exil des auteurs dramatiques antinaziz. Cinq grands noms (wolf, bruckner, brecht, zuckmayer, weisenborn) emergent d'un ensemble tres divers dans le fond comme dans la forme. A propos de cinq grandes pieces, l'etude suit de tres pres le chemin qui conduit des intentions premieres de l'auteur a l'ecriture de la piece et a sa reception (qui varie selon les mises en scene, les lieux, les publics). Elle s'appuie sur une documentation jusqu'ici non utilisee (memoires, lettres, critiques theatrales des differents journaux de berlin et d'autres villes). Un bilan des pieces representees au cours de cette periode (une vingtaine d'auteurs)fait apparaitre les reussites et les echecs dans la "rehabilitation" des dramaturges antinazis exiles. Une troisieme partie concerne le repertoire dramatique etranger et les auteurs que les puissances d'occupation font connaitre a un public avide de nouveautes apres douze annees d'autarcie. La nature de la politique culturelle suivie dans chacune des zones influe sur le choix des auteurs, surtout des qu'il s'agit de sujets "politiques". Mais a berlin, la ville aux quatre secteurs, on peut voir sans entraves tout ce que les quatre puissances ont a offrir : wilder, sartre et simonov declenchent dans l'opinion et la presse des debats passionnes. La quatrieme partie etudie la production dramatique de langue allemande. Il existe certes une generation de jeunes auteurs, mais, mis a part borchert, ils ont une ecriture plutot traditionnelle. Les novations viennent "de l'exterieur". Avec brecht, qui oppose un langage dramatique et scenique nouveau aux tenants du naturalisme. Avec les jeunes suisses frisch et durrenmatt, qui font entendre un ton nouveau, plus sceptique et qui renouvellent les genres en les melant (parabole onirique et farce historique)This thesis makes a study of the revival of theatrical life in germany after world war ii and the collapse of the nazi regime from two points of view : the nature of the repertory (das drama) and the apparatus of the theater (das theater). The first part describes the material, political as well as moral conditions of this revival in the context of the foreign occupation and the cold war. Major debates during that period of history (denazification, the return of exiled, the reeducation of the german people) are evoked in relation to the atrical scene. The second part is dedicated to the repertory which took roots in the exile of antinazi playwrights. There are five outstanding wawes in a group of authors in which variety can be found in the form as well as in the substance : wolf, bruckner, brecht, weisenborn, zuckmayer. In reference to five famous plays, this study focuses closely on the path which leads from the origininal intentions of the authors to the writing of the play as well as well as to the degrees of acceptance of this work - which vary according to the production, the places of performance and the audience. It is founded upon documents which, to this day, have not been quoted (dissertations, letters, critical material about theater published in newspapers in berlin and other cities. A third part lay stress on the foreign drama repertory and the authors that thanks to the armies of occupation - have been brought to the knowledge of an audience who could fancy novelties after a period of 12 years of autarky. Cultural policies in each of the occupied zones influence the choice of the authors, especially in the case of "political"subjects. In berlin, the four-zones-city, wilder, sartre and simonow sparked off passionate debates in the press as well as in the public opinion. The fourth part emphasizes the production of drama in the german language. It is indeniable that exists a new generation of young authors but, except for borchert, their literary art is rather traditional. Innovations come from "outside". This is the case for brecht who opposes a new langage of the drama and of the stage to the champions of naturalism. This is also the case for the young swiss authors frisch and durrenmatt who gave birth to a form of writing which is innovative and tainted with skepticism. They also renew styles by blending them - imaginary parable and historic farce among others
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Cau, Nathalie. "« La terre seule reste en place » : performances et représentation dans les communautés de personnes déplacées entre 1945 et 1952." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100028.
Full textAbstract:
De 1945 à 1956, les « personnes déplacées » (réfugiés volontaires ou exilés par les déportations, les persécutions et le projet d’extermination) ont vécu sous la garde des autorités internationales dans les centres initialement ouverts par l’UNRRA (United Nations Relief and Rehabilitation Administration). En attente d’un retour toujours plus hypothétique ou d’un visa d’émigration, la majorité de ces milliers de DPs, ainsi que les a baptisés la pudeur de l’administration internationale, se trouvait sur le sol allemand. Parmi eux se trouve une petite proportion de rescapés de la destruction des Juifs d’Europe bientôt rejointe par les « infiltrés », fuyant l’antisémitisme persistant à l’Est ou revenus d’exil. Privés de l’espoir d’un retour à la vie antérieure à la destruction et espérant une émigration prochaine qui se fait attendre, les DPs juifs vivent en Allemagne un temps suspendu tandis que se modifient les équilibres internationaux jusqu’à la guerre froide. Dans cet intervalle, voué à l’attente et à l’inactivité forcée, dans la promiscuité et la misère de la vie du camp DP, des hommes, des femmes et des enfants ont fondé une société singulière. La présente recherche s’intéresse à la représentation de cette communauté par elle-même. Autobaptisée She’erit Hapletah, ceux qui restent survivant, elle naît et se dévoile au travers de performances variées. Dernière expression d’une culture yiddish foisonnante en Europe, elle se concentre sur les zones britannique et américaine d’occupation de l’Allemagne. Cette étude s’attache aux performances DP entre 1945 et 1952, date du transfert de la responsabilité des réfugiés de l’autorité internationale vers la RFATwo weeks after the VE-Day, a group of survivors performed a show in the displaced persons camp of Belsen singing and playing the life they endured in the sadly famous concentration camp nearby and the life before it all happened just as the future they wanted up to now. This theatre was the first of dozens of Jewish theatre groups to perform shows all over Germany in DP camps where refugees from the non-enemy nations and victims of the Holocaust were waiting in the hope of a next emigration to Palestine or the United States. They lived in camps opened by the United Nations Relief and Rehabilitation Administration (UNRRA), behind gates or even barbed-wires of the “assembly centers”, controlled by military forces. Opened in 1945, the last assembly center closed down no less than eleven years later. While waiting on the “cursed soil” of Germany, the Jewish DPs, unable orunwilling to work for or even in Germany, dedicated their time to perform and represent themselves, not only on the theatre, but also in sport events, bals, ritual plays and every imaginable kind of performance. This research focuses on the Jewish DPs temporary settled in West Germany and the way they built up a new life by performing the past and the next future in Eretz Israel. This work interrogates the possible significances of the performances in Yiddish just after the Holocaust and the way survivors dealt with their past in the present of the new camp. After 1948, the rate of the DPs in Germany progressively decreased, the cultural, artistic and politic experiences disappeared at the same time, therefore, this work ends up in 1952 and focuses mainly on the years 1945-1949
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Katz, Serge. "Les écoles du comédien face au "métier" : recrutements professionnels, classements scolaires, techniques du corps : une comparaison franco-allemande." Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0090.
Full textAbstract:
La comparaison des écoles du comédien en France (cours Florent et CNSAD à Paris) et en en Allemagne (HfS "Ernst Busch" à Berlin) permet de comprendre la réactivation de l'idéologie du don ou de la rationalisation des savoir-faire, comme le résultat du rapport entre les écoles et le marché du travail. L'anticipation par les écoles françaises d'un marché du travail théâtral peu régulé tend à favoriser la prégnance du recrutement pendant la scolarité et à entraver la formalisation des apprentissages par les professeurs. La conception de l'innéité du "talent" des élèves tend alors à s'imposer. Au contraire, pour les élèves allemands, les perspectives d'une insertion professionnelle stabilisée dans les théâtres publics permet le report des engagements après le cursus et l'autonomie du corps professoral. Cette reconnaissance professionnelle est ainsi au fondement de l'utilisation des textes de théâtre comme des instruments décisifs dans l'évaluation et la transmission des savoir-faireThe comparison of drama schools in France (cours Florent and CNSAD, Paris) and in Germany (HfS "Ernst Busch", Berlin) makes it possible to understand the reactivation of the ideology of the gift or the rationalization of the know-how as dependent upon the relationship between schools and the labor market. The French schools 'expectancy of an unsteady theatrical labor market favours the predominance of recruitment during schooling and prevents the formalization of training by teachers. The idea of the innate nature of "talent" of students tends to be foregrounded. Contrastingly, for German studnets, the prospect of a more stabilized insertion into public theatres both fosters professional engagements after training and preserves the teaching staff's autonomy of evaluation. This professional recognition thus reaffirms the teachers' capacity to utilize theatrical texts both as detective evaluative instruments, as well as the meants to transmit theatrical skills
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Urban, Marie. "Expériences documentaires et création théâtrale : processus de création, réalités, dramaturgies et dimensions politiques des arts de la scène germanophone d'aujourd'hui." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0594.
Full textAbstract:
Le nombre de formes théâtrales se basant sur des recherches documentaires a considérablement augmenté ces dernières années dans l’espace germanophone. Les œuvres explorées sont complexes, fragmentées, souvent caractérisées par une porosité entre réalité et fiction. Cette étude explore la manière dont les pratiques documentaires actuelles s’ancrent dans le réel en développant notamment de nouvelles formes de participation durant les processus créatifs. Bien qu’il existe une filiation avec le « théâtre documentaire » provenant d’une tradition théâtrale historique en Allemagne, ce terme n’est plus adapté à la diversité des pratiques et des esthétiques documentaires actuelles. En effet, l’expérience est aujourd’hui au cœur de ces pratiques qui se fondent sur l’échange, l’investigation et s’inscrivent dans la durée. Nous mettons en valeur l’émergence d’esthétiques journalistiques, la production d’un savoir inédit et le déplacement du politique au théâtre à travers les pratiques documentaires d’aujourd’hui. Un aspect central du travail consiste à observer les liens entre les pratiques, les méthodes de production et les dramaturgies dans un corpus d’œuvres constitué de récits biographiques. Les transformations à la fois sociales et esthétiques générées par ces pratiques réinventent les théâtralités, réinterrogent l’Histoire et présentent des identités en mouvementThe number of theatrical forms based on documentary research has increased considerably in recent years in the German-speaking world. The works explored are complex, fragmented, often characterized by a porosity between reality and fiction. This study explores how current documentary performances are rooted in reality, especially when developing new forms of participation during creative processes. Although "documentary theatre" is part of a tradition in Germany, this expression is no longer appropriate to the diversity of current documentary practices and aesthetics. Indeed, the experience is now at the heart of these practices, which are based on social exchanges, investigation and long-term process. We highlight the emergence of journalistic aesthetics, the production of a new knowledge and the displacement of politics in theatre through today's documentary practices. A central aspect of the work is to observe the relationship between practices, production methods and dramaturgies in a corpus consisting of biographical accounts. The social and aesthetic transformations generated by these practices reinvent theatricality, interrogate history and presents shifting identities
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Kremser-Dubois, Sabine. "Satire ou éloge – et de quoi ? Le théâtre de Carl Sternheim : 1910-1922, Écriture dramatique, pratique scénique, réception." Montpellier 3, 2005. http://www.theses.fr/2005MON30065.
Full textAbstract:
Le théâtre de Carl Sternheim (1878-1942) a été longtemps considéré comme une satire de la bourgeoisie wilhelminienne. En 1963, se référant à l'auteur lui-même, W. Emrich affirma que ce théâtre serait " l'exact contraire de la satire " et un encouragement adressé à chacun à développer sa propre " nuance ". Depuis lors, ce point capital reste controversé. La thèse confronte ces positions à propos des sept pièces écrites entre 1910 et 1922 et regroupées en fonction de leur thématique – en étudiant leur genèse, leur schéma actantiel et les textes eux-mêmes. Elle y associe une analyse des pratiques scéniques à partir des comptes rendus parus dans la presse et des versions filmées. La thèse aboutit à la conclusion que ce théâtre est certes un éloge de l'individualisme – ce qui a suscité des interprétations divergentes et l'incompréhension fréquente du public ; il n'en a pas moins une dimension satirique visant non pas une classe sociale en particulier mais tout comportement stéréotypéCarl Sternheim's drama (1878-1942) has long been considered as a satire of German bourgeoisie under Wilhelm II. In 1963, referring to the playwright himself, W. Emrich stated that this drama is “the very opposite of satire” and an incentive for everyone to bring out his/her own “nuance”. Since then, this major point has been much debated. This dissertation confronts those contradictory appreciations, through the analysis of seven plays written between 1910 and 1922 and studied together according to their themes, examining their genesis, their “schema actantiel” and the texts themselves. It also resorts to the analysis of staging practices presented in press reviews or to film adaptations. This dissertation concludes that these plays extol individualism – which has led to differing interpretations and to a frequent lack of understanding from the public; it nevertheless has a satirical dimension which is not directed at a social class in particular but at any stereotyped behaviour
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Béhague, Emmanuel. "L'Ecriture dramatique contemporaine allemande et la question de l'ancrage dans la réalité : Possibilité et modalités d'un théâtre politique après la réunification." Strasbourg 2, 2002. http://www.theses.fr/2002STR20040.
Full textAbstract:
L'étude entreprise ici se propose d'interroger l'écriture dramatique allemande des années 90 dans son rapport avec la réalité contemporaine. Avec l'irruption, après la réunification, d'un contexte politique, économique et social nouveau naît en effet l'attente d'un théâtre qui serait le lieu d'un discours critique sur les bouleversements qui traversent la société. La question qui se pose est donc celle de savoir si les auteurs dramatiques répondent à cette attente, et par quels biais esthétiques : un "théâtre politique" est-il encore possible aujourd'hui, dans un contexte de défiance vis-àvis des grands modèles d'explication du monde ? Les textes sont donc envisagés ici tant en ce qu'ils sont déterminés par le contexte de leur apparition, et en particulier celui du système théâtral allemand, que dans leur autonomie, dans le sens de la double dimension que confère T. W. Adorno à l'oeuvre d'art. A partir de l'examen de la production dramatique sur la période, et une fois avérée la caducité des définitions traditionnelles du "théâtre politique" dans le contexte contemporain, il est possible de dégager trois approches d'un positionnement critique de l'écriture pour le théâtre par rapport à la réalité contemporaine, trois modalités d'une dimension politique de cette écriture. La première, empruntant les voies d'une certaine forme de réalisme, est ici désignée sous le terme de "théâtre de la monstration". S'en distingue nettement, tant par l'ampleur de ses enjeux critiques que par l'intégration d'une dimension historique, une seconde démarche, qui met en scène l'expérience individuelle d'un sujet balloté ́par l'histoire. Enfin, la troisième approche se caractérise par une problématisation plus radicale de la notion même de "réalité"́ et de la perception de celle-ci, ce qui se traduit par une remise en question des formes mêmes du texte dramatiqueThe study undertaken here aims at analyzing the impact of contemporary reality on German drama in the 1990s (or last decade of the 20th century). The emergence of a new political, social and economic context caused by reunification called for a theatre that allows critical discourse on the radical changes throughout society. The fundamental question is thus whether writers of drama respond to these expectations and which aesthetic means are used. Can political theatre still be effectively used at times of general defiance towards the great theories of explaining the world ? The dramatic texts are examined both by investigating the influence of the socio-economic and political conditions- in particular within the German theatrical setting- at times of their publication as well as by looking at the textual autonomy in the sense of the double dimension that T. W. Adorno attributes to a piece of art. Through the examination of a representative number of dramatic productions of this period while discussing whether traditional definitions of the political theatre are still valid, it is possible to extort three critical positions within drama with regard to reality ; three modalities of the political dimension within dramatic literature. Drawing upon the tradition of the forms of realism, the first modality is denoted here as THEATRE DE MONSTRATION. The next one distinguishes itself learly through the integration of a historical dimension which dramatizes the personal experience of an individual deeply rooted in his historical context. Finally, a third form can be distinguished and is characterized by a far more radical notion of "reality" as well as the perception thereof which leads to questioning the traditional forms of dramatic texts
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Guervilly, Herveline. "L'Acteur face au spectateur : des usages de la frontalité et de l'adresse au public dans la mise en scène européenne au tournant des XXe et XXIe siècles." Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30002/document.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour but d’identifier, dans la mise en scène européenne des années 1990-2000, les pratiques de la frontalité et d’en déterminer les enjeux en termes de mise en scène, de jeu et de présence de l’acteur et de réception du spectateur. L’analyse distingue trois modalités d’intervention de la frontalité, chaque fois remises dans leur perspective historique. La première est celle de l’interpellation, dans l’héritage du théâtre de foire ou d’intervention. La frontalité y est le support d’un acte de communication. Deuxièmement, la frontalité prend une dimension cérémonielle et devient le fondement de l’acte théâtral pour élaborer, cette fois, une relation indirecte avec les spectateurs. Dans sa troisième modalité, la frontalité dépasse le face-à-face entre acteurs et spectateurs, soit par le recours à l’image vidéo, créant un face-à-face médiatisé, soit par l’extension de la frontalité à l’ensemble de la scène. Finalement, l’usage de la frontalité témoigne d’une nouvelle économie de la représentation fondée sur un principe de réciprocité entre le geste du metteur en scène, l’engagement de l’acteur, la production scénique et l’individu spectateur. Au-delà du souci de conduire le spectateur à une activité critique ou à une participation fusionnelle, la frontalité invite à interroger sa position de retrait et sa passivité extérieureThis thesis aims at identifying the practices of frontal acting in the European performances between the 1990’s and the 2000’s in order to define its challenges with regards to the staging, the acting, the actor’s presence on stage as well as in terms of spectator’s perception. Our analysis distinguishes three modes of frontal acting, by replacing each of them in its historical context. The first one is “interpellation” inherited from the Theatre performances at fairs and the Agit-Prop Theatre. In this case, frontal acting is considered as a medium for communication. The second mode, frontal acting takes a ceremonial dimension and becomes the basis of the theatrical moment in order to create, this time, an indirect relationship between actors and spectators. In its third mode, frontal acting exceeds the face-to-face between actors and spectators either thanks to the use of the video – creating media attention around the face-to-face – or thanks to the extension of frontal acting to the full stage. Finally, the use of frontal acting indicates the emergence of a new performance mode based on a reciprocity principle between the gesture of the director, the commitment of the actor, the performance and the spectator as an individual. Beyond the willingness to lead the spectator to a critical thought processor to a fusional participation, frontal acting invites to question his distant position and his external passivity
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Deutsch, Michel. "Heiner Müller, une écriture de l'état d'exception." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100001.
Full textAbstract:
Les textes de Müller, comme ceux d’Artaud ou du Brecht des Lehrstücke, participent d'une littérature de «l'état d'exception» et peuvent être lus, par conséquent, comme une statiologie et une hantologie littéraire. On sait que si stasis veut dire repos, position, arrêt (status), stasis signifie d'abord, pour nous désormais, mouvement (kinesis), trouble, révolte, et guerre civile. La guerre civile fait rage dans les textes et le théâtre de Müller (destruction, dilapidation, réévaluation de l'héritage littéraire, par exemple). J'emprunte le concept, en le limitant, de hantologie à Jacques Derrida pour remarquer l'insistance de la trace, du retour et de la présence des spectres et des fantômes du passé qui habitent le théâtre de Müller, dans son « dialogue avec les morts ». La révolution est une explication avec le passé, et avec les ennemis de la révolution. L'apaisement et la conciliation sont le propre d'une littérature des situations moyennes, sans ennemis; littérature du consensus que Müller met en crise en fragmentant le récit, en le surphrasant, en ayant recours à la « logique » du rêve, en l'orientant vers l'effroi, vers un théâtre dionysiaque du corps démembré (disjecta membra). Tragique contre dialectique, et comme l'écrit Nietzsche : on voulait voir un Grec et on se trouve devant un AllemandMüller's texts, like those of Arthaud or of Bretch in Lehrstücke, are part of a literature an "exceptional state" and can consequently be read as a literary statiology and hantology. We know that if stasis means 'at rest, position, stop (status), stasis means first of ail, for us from now on, movement (kinesis), stirring, revolt and civil war. Civil war rages in Müller's texts and theater (killings, destruction, dilapidation, reevaluation of literary heritage. . . ). I am borrowing the concept of hantology from Jacques Derrida, but give it a limited definition in order to point out the insistence on the trace, the return and the presence of specters and ghosts from the past that inhabit Müller's theater, in his "dialogue with the dead". The revolution is an explanation of the past and with the enemies of the revolution. Appeasement and reconciliation belong to a literature of every day situations, without enemies; a literature of consensus that Müller shakes to its foundation by fragmenting the narrative, by amplifying it, by resorting to the "work" of the dream, by pointing it towards terror, towards a theater of dismembered bodies (disjecta membra). Tragic pitted against dialectic and, as Nietzsche wrote about Wagner: we were hoping for a Greek and found ourselves before a German
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Boulé, Richard. "La montée du fascisme et de la Grande Dépression en Allemagne, vue par la presse de France, de Grande-Bretagne et des États-Unis (1930-32)." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27167.
Full textAbstract:
Dans les années 1931-32, les disputes à propos du traité de Versailles accompagnent la montée du fascisme et de la Grande Dépression en Allemagne. Les dirigeants anglosaxons ont justifié leur appui du Reich par leurs opinions publiques et des historiens ont expliqué que ces dernières s’étaient bercées d’illusions sur les enjeux allemands. Mais quelles étaient et d’où provenaient-elles ? Notre étude de quotidiens français, américains et britanniques montre qu’elles n’étaient pas uniquement constituées d’erreurs d’appréciation des réalités objectives, mais aussi de faits occultés, d’inventions, d’une guerre médiatique justifiant les choix de certains dirigeants financiers et politiques anglo-saxons. La diffusion rapide des mêmes inventions des deux côtés de l’Atlantique suggère l’existence de canaux de « fabrique d’opinions » entre l’Allemagne, la Grande-Bretagne, et les États-Unis.During the years 1931-32, international disputes about the Treaty of Versailles accompanied the rise of fascism and Great Depression in Germany. Leaders of the Anglo-Saxon powers justified their support of the Reich by public opinions. Historians have said that the latters were deluded about German issues, but what were those illusions and where do they came from ? This comparison of British, American and French newspapers shows that they were not only made from wrong assessments of objective realities, but also from hidden facts or inventions, even a media war serving to justify some financial and political choices. The fast dissemination of the same inventions on both sides of the Atlantic also suggest the existence of priviledged channels of « opinion fabrics » from Germany, to and between Britain and the United States.
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Najmi, Fahimeh. "L'identite nationale et le théâtre en Iran (sous le règne des Pahlavi)." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030053.
Full textAbstract:
A l’opposé des spectacles traditionnels iraniens qui sont un sujet exploré depuis des années par la recherche théâtrale notamment à l’extérieur des frontières iraniennes, l’étude du« théâtre en Iran » est encore à ses balbutiements. La présente étude se concentre sur une période cruciale de l’histoire contemporaine iranienne où dans un contexte très agité les efforts sincères de trois initiés : Mir Seyfeddin Kermanshahi, Abdolhossein Noushin et Shahin Sarkissian parviennent au lancement d’un théâtre qui se réclamant de l’art, dépasse le cadre du simple divertissement ou de la pure propagande et est capable de méditer sur les interrogations fondamentales du peuple iranien notamment la question de l’identité.Le facteur déterminant à prendre en considération dans leur parcours est sans doute leur formation on Occident, en Russie et en France, et leur rencontre avec le mouvement européen du Théâtre d’ArtWhile the traditional Iranian performances have been, in the late years, an object for theatre studies, notably outside of Iran, research on « Theatre in Iran » is still to be developed.This study zooms on a crucial period in contemporary Iranian history, when in a verycomplex context the earnest endeavours of three specialists, Mir Seyfeddin Kermanshahi, Abdolhossein Noushin and Shahin Sarkissian, succeeded in launching a theatre that, claiming the status of art, out passed the boundaries of plain entertainment or pure propaganda and wasable to consider the fundamental questionings of the Iranian people and notably the question of identity.The determining factor to be considered in their enterprise is doubtlessly their Occidental formation, in Russia and in France, and their confrontation with the European movement of Art Theatre
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Jaubert-Michel, Elsa. "De la scène au salon : la réception du modèle français dans la comédie allemande des Lumières (1741-1766)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040199.
Full textAbstract:
La comédie allemande des Lumières est souvent qualifiée de " théâtre à la française " ; cet ouvrage se propose de l'étudier du point de vue des transferts culturels, pour déterminer dans quelle mesure la réception du modèle français a réellement influencé la production allemande. Nous évaluons tout d'abord la présence de la comédie française en Allemagne, dans la théorie et dans la pratique des auteurs. La deuxième partie est consacrée à la notion d'originalité et à l'analyse comparée de la dramaturgie. Nous étudions ensuite les thèmes de la satire, en soulignant leurs rapports à la tradition comique française, mais aussi leur spécificité. Enfin, puisqu'à l'époque la France est aussi un modèle de civilité, et que la comédie doit être une " école des bonnes mœurs ", nous examinons cette question, essentielle pour l'identité nationale allemande. Il ressort de ces analyses une image nuancée de la réception du modèle français, qui révèle le rapport complexe de l'Allemagne à la FranceThe German Enlightenment comedy has often been labeled as theatre " a la francaise ", or Frenchlike; the present work aims at studying these comedies under the perspective of cultural transfers, in order to measure the extent of the French influence over the German production. First it evaluates the actual presence of French comedy in Germany, from a theoretical and practical point of view. The second part is devoted to originality and comparative analysis of drama. We then turn to satirical themes, so as to underline their links to the French tradition of comedy as well as their specificity. Last, since France at that time was also a role-model in civility, and comedy a " school of good manners ", we concentrate on this aspect, which is so central to German national identity. These analyses qualify the reception of the French model, which is revealing of the complexity of Franco-German relationships
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Chehilita, Émilie. "La critique de la « société du Spectacle » à l’essai sur les scènes théâtrales de Berlin, Londres et Paris dans les années 2000 : spectacle dans le spectacle, la société spectaculaire et marchande au prisme du spectacle vivant." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100076.
Full textAbstract:
Cette thèse envisage la critique de la « société du Spectacle » (concept forgé dans l’essai éponyme de Guy Debord) telle qu’elle procède dans des œuvres du théâtre expérimental et sur les scènes de la performance au cours des années 2000 à Berlin, Londres et Paris. Les pièces étudiées recyclent des références empruntées aux médias de masse, souvent assimilés à des machines à aliéner le public. Le corpus regroupe aussi bien des auteurs et des metteurs en scène que des collectifs : Martin Crimp, David Ayala, Joël Jouanneau, Falk Richter, René Pollesch, Tom Kühnel, Katie Mitchell, le Collectif MxM (Cyril Teste), Forced Entertainment (Tim Etchells), Gob Squad et Superamas. L’approche pluridisciplinaire traite à la fois des composants dramaturgiques et des considérants sociologiques de la représentation. D’une part, ce travail étudie la structuration des réseaux dans lesquels les artistes se rencontrent ou coopèrent. D’autre part, nous examinons tant l’organisation des différents éléments scéniques, parmi lesquels les caméras et les écrans tiennent une place importante, que la corporéité des interprètes ainsi que les modes de réception des spectateurs, entre autres par la mise en place d’une enquête. En trans-contextualisant leurs sources, les artistes instaurent des écarts et creusent de la distance à travers divers procédés : l’incorporation littérale, la citation, la parodie et le pastiche, mais aussi l’ironie et le ton cool fun. La dimension critique de ces œuvres ne s’exerce pas de manière frontale et n’est souvent pas même revendiquée. Loin de la rejeter en bloc, les auteurs et interprètes affectionnent certains objets de la culture des médias de masse. Pour mettre en branle leur fonction critique, ils se situent au cœur même de la « société du Spectacle » et de l’esprit du temps. Ainsi cette critique s’est déplacée de l’extérieur à l’intérieur du champ. Leur démarche mêlant le sérieux au ludique dénote une volonté de ne pas se désolidariser des spectateurs face auxquels ils veulent s’inscrire sur un pied d’égalité pour rendre le dialogue et parfois l’interaction possiblesThis thesis tackles the critic of the “Society of the Spectacle” (concept brought by the Guy Debord’s eponymous essay) performed in experimental theater works and the performance scenes during the 2000s in Berlin, London and Paris. The studied theater pieces borrow cultural references to the mass media, often considered as machines to alienate the public. The corpus includes authors as well as stage directors and collectives: Martin Crimp, David Alaya, Joël Jouanneau, Falk Richter, René Pollesch, Tom Khünel, Katie Mitchell, the Collective MxM (Cyril Teste), Forced Entertainment (Tim Etchells), Gob Squad and Superamas.The multidisciplinary approach deals with both the dramaturgy aspects and the sociological patterns of representation. One the one hand, this work studies the network structure in which the artists meet each others and collaborate. On the other hand, we investigate the various stage elements, among which cameras and screens take an major part, as well as the actors’ corporeality as well as the spectators’ ways of perception, among others, by the mean of a survey. By trans-contextualizing their sources, the artists create a gap and increase the distance with them using several techniques: literal incorporation, quotation, parody and pastiche, but also irony and cool fun tone.The critical dimension of these works is not straight forward, and often not even claimed. Far from rejecting it as a whole, the authors and actors are fond of the mass media culture’s objects. In order to set in motion their critical function, they place themselves at the heart of the “Society of the Spectacle” and the Zeitgeist. Thus, such a critic has moved from an external point of view to an internal one. Their approach, mixing seriousness and fun, indicates a will not to separate themselves from the spectators to whom they want to set on equal footing in order to make the dialogue and sometimes the interaction possible
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Bomy, Charlotte. "Théâtralité et intermédialité dans les spectacles de Frank Castorf, Einar Schleef et Heiner Goebbels." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2008. http://www.theses.fr/2008STR20067.
Full textAbstract:
À partir de l’étude de trois metteurs en scène allemands, nous proposons d’éclairer le fonctionnement de pratiques théâtrales dans lesquelles le texte dramatique ne représente plus une instance déterminante, mais où sont conviées différentes formes artistiques. Pour situer la logique esthétique de ces productions « postdramatiques », nous avons choisi de travailler à partir de la notion de théâtralité, afin d’interroger la spécificité de ces langages scéniques où la place du spectateur devient primordiale, et de celle d’intermédialité, permettant de mesurer l’importance des interactions entre les « médias » au sens le plus large, qu’il s’agisse de la reprise d’un procédé ancestral (comme le chœur chez Einar Schleef), du recours aux médias audiovisuels (comme la vidéo et le cinéma chez Frank Castorf) ou encore de l’imbrication de plusieurs pratiques artistiques (par exemple entre le théâtre et la musique chez Heiner Goebbels)This study of the stage work of three German directors wishes to throw light on the functioning of stage languages that seek emancipation from the dramatic text and incursion of other art forms. The concept of “theatrality” will be used to bring out the specific aesthetic logic of these post-dramatic productions in which the role of the spectator has become absolutely central. The concept of “intermediality” will allow us to assess how these works feed on interactions between all types of “media”, whether this includes reworking ancestral processes (like Einar Schleef’s use of the chorus), incorporating audiovisual media at various degrees (like film and video in Frank Castorf’s work) or the interweaving of several artistic practices (for example Heiner Goebbels’ merging of theatre and music)