Dissertations / Theses: 'Théâtre francophone'

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Lamko, Koulsy. "Emergence difficile d'un théâtre de la participation en Afrique Noire francophone." Limoges, 2003. http://aurore.unilim.fr/theses/nxfile/default/1c171692-0aa1-423b-b881-d0f3a5068eec/blobholder:0/2003LIMO2002.pdf.

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Abstract:

L'objet de cette étude est de mettre en lumière, par le biais d'une analyse comparative, les idées-force récurrentes dans différentes expériences théâtrales menées en Afrique Noire francophone, notamment le concept-party, le théâtre-rituel, le théâtre pour le développement, le kotéba thérapeutique. Ces idées-force permettent de souligner l'émergence du théâtre de la participation ; mais également de montrer les difficultés de contextualisation que rencontre l'émergence d'une esthétique en situation d'interculturalité.

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Fiangor, Rogo Koffi M. "L'écriture dramaturgique en Afrique francophone : renouvellement et apports interculturels." Paris 10, 1999. http://www.theses.fr/1999PA100138.

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Dan-Inna, Chaïbou. "Théâtre, histoire et politique en Afrique francophone de 1960 à nos jours." Bordeaux 3, 1985. http://www.theses.fr/1985BOR30025.

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Ambassa, Marie-Thérèse. "Langage-société-imaginaire : le théâtre populaire francophone au Cameroun (1970-2003) : thèse." Nice, 2005. http://www.theses.fr/2005NICE2010.

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Abstract:

Le théâtre populaire francophone au Cameroun, nouvelle forme de littérature orale naît de la rencontre du français et des langues camerounaises. Il est le produit de l'imagination des auteurs dont les pionniers sont : D. Ndo (Otsama), D. Afana Ebogo (J. M. Kankan), D. Kemseu (Dave K. Moktoï) et Essindi Mindja. L'imagination de ces auteurs et l'imagination collective constituent le langage de ce théâtre à travers lequel se révèle la société camerounaise. Notre recherche se propose d'étudier les rapports qui peuvent exister entre le français et le Cameroun d'aujourd'hui. Elle met en valeur la spécificité d'un français du Cameroun actuellement. Notre travail comprend trois axes : la transcription des pièces, des analyses ou des interprétations et les résultats de la rencontre énoncée (la langue française ré - actualisée et la réception). L'apport de l'anthropologie, de la sociologie, de la mythocritique de G. Durand, des théories sur le théâtre de A. Ubersfeld, de J. J. Roubine et les études de A. Martinet entre autres contribuent à la clarté de l'analyse littéraire The French-speaking popular theatre in Cameroon is a new form of oral literature born from the encounter of French and Cameroonian languages. It is the product of the imagination of pioneer authors such as D. Ndo (Otsama), D. Afana Ebogo (J. M. Kankan), D. Kemseu (Dave K. Moktoï) and Essindi Mindja. The imagination of authors associated with the collective imagination constitute the language of this theatre that reflects the Cameroonian society. This research reveals the specificity of the French language currently used in Cameroon. Our work is divided into three parts : the transcription of plays, their analysis or interpretation, and the results of the encounter (the re-actualized French language and reception). The contributions of anthropology, sociology, mythocriticism of G. Durand, theories of the theatre of A. Ubersfeld, J. J. Roubine and works of A. Martinet, among others contribute to the clarity of the analyses

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Gélinas, Catherine. "Le visage du sujet croyant dans le théâtre francophone des années '50." Thèse, Université du Québec à Trois-Rivières, 2005. http://depot-e.uqtr.ca/1670/1/000125851.pdf.

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Veillas, Karine. "Théâtre francophone contemporain pour la jeunesse : jeux et enjeux (personnages, écriture et réception)." Paris 12, 2007. https://athena.u-pec.fr/primo-explore/search?query=any,exact,990003939040204611&vid=upec.

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Abstract:

L’engouement suscité par le théâtre jeune public francophone nous a conduit à interroger quarante de ses pièces sous l’angle du jeu, notion complexe et polysémique qui nous semble à la fois le principe créateur et destructeur de ce théâtre. Les jeux des personnages, s’ils mettent en lumière les tensions de ce théâtre, se présentent sous des formes brouillées aux frontières du rêve et du non-jeu et engagent donc le jeune spectateur dans un jeu de réception active loin de l’identification passive ou d’une simple catharsis. En pratiquant subversion généralisée du sens et démultiplication des couches de signification, les jeux de réécriture hypertextuels contribuent encore davantage à remettre en question le jeu de réception des plus jeunes spectateurs, même si la mise en scène ou l’initiation par le jeu dramatique sont autant de moyens d’assurer le plaisir du spectacle. Les jeux de brouillage générique permettent de renouer avec le jeune spectateur par les apports du narratif, des arts visuels et de la poésie. Cependant, si ces influences permettent de retrouver les racines narratives et lyriques du théâtre, elles mettent aussi parfois en péril le jeu dramatique des pièces. Mais ce renouvellement du genre est sans doute ce qui permet à ce théâtre de séduire de nouveaux jeunes publics The current craze for French-speaking theatre for young people leads to considering forty plays through the notion of « jeu* », complex and polysemic term which has interestingly both a creative and destructive influence on this genre. The playing and acting of the characters sometimes clarify the tensions within the plays and facilitate the reception. But the understanding of the plays is challenged by very subtle forms of playing, ranging from dreaming to non-game. So the young audience needs to be involved to really understand the plays. Identification and catharsis are not enough. The games of re-writing also contribute to challenge the reception for a youngest audience because they are based on subversion and multiple layers of significations. But scenography and acting are ways to still release the pleasure of the show. Games about genres enable the young audience to keep contact with the plays because of the contributions of narrative literature, visual arts and poetry. Even if these influences endanger the acting of the plays, the renewal of the dramatic genre is also the way to find a new young audience. (*The word is in French game, playing or acting)

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Laflamme, Jean. "Le théâtre francophone à Montréal de 1855 à 1880, une institution qui tarde." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2000. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/Nq56476.pdf.

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Ogavu, Titus. "La mise en scène du choc culturel dans le théâtre d'Afrique francophone subsaharienne." Limoges, 2008. http://www.theses.fr/2008LIMO2005.

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Abstract:

Le choc culturel est un phénomène global, mais sa nature varie selon les communautés. Cette étude examine le rapport entre la mise en scène du choc culturel et sa réalité dans le théâtre d'Afrique francophone subsaharienne en ses structures textuelles et visuelles. Notre hypothèse de recherche stipulait que le choc culturel était ambivalent et que certaines sociétés africaines qui étaient figées dans leurs valeurs traditionnelles copartageaient ses causes. Le corpus se compose de plusieurs pièces, y compris celles mises en scène sous forme médiatique. Un bref survol de l'histoire du théâtre en Grèce, en France, aux Antilles et en Afrique anglophone nous a permis de conceptualiser l'histoire du théâtre et la notion du choc culturel dans les manifestations culturelles en particulier. Les approches sociocritiques et linguistico-sémiotiques ont été empruntées afin d'analyser les causes du choc culturel et les variables de l'étude. Les résultats majeurs de notre étude ont montré que la raison primordiale de la mise en scène du choc culturel dans le théâtre d'Afrique francophone subsaharienne était de créer un divertissement pour le public. Toutefois, avec une appréciation critique de la mise en scène, le public arrive à percevoir des messages qui se rapportent aux questions socio-politico-économiques générées par les différences culturelles. Par conséquent, les fictions démontrent que les problèmes du choc culturel qui se manifestent dans certaines sociétés africaines émanent du rattachement persistant à la tradition par certaines communautés, de l'interférence des valeurs occidentales, des problèmes liés à la gouvernance en Afrique et de la situation de l'Afrique dans la mondialisation. Les solutions aux problèmes relèvent de la réflexion du public.

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Flock, Sarah Sylvie. "Rayonnement de la poétique d'Otomar Krejca en Belgique francophone." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2011. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209963.

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Abstract:

La thèse démontre l’impact du théâtre de Krejča sur l’évolution de l’art dramatique belge francophone. Elle scinde l’activité théâtrale de Krejča en Belgique en deux parties, chacune placée sous le sceau d’une réalité politique différente. La première correspond à un moment de détente dans le paysage politique tchécoslovaque et débute avant la création du Divadlo za branou. Assimilée à la seconde avant-garde théâtrale tchèque, elle inaugure aussi la série de succès internationaux de Krejča dans des pays non socialistes. La seconde période survient après la liquidation du Divadlo za branou par les autorités communistes tchécoslovaques et après le départ de Krejča en semi exil. Théâtralement, la Belgique francophone est alors en pleine émulation, qui s’observe notamment dans les propositions artistiques du « Jeune théâtre » (1976-1986). L’arrivée de Krejča, dans les années 1960, sur la scène du Théâtre National de Belgique s’inscrit dans la dynamique des échanges théâtraux européens et dans une volonté diplomatique de rapprochement entre la Tchécoslovaquie et la Belgique. La thèse insiste sur ces rencontres entre les artistes belges francophones et les artistes internationaux car elles jouent un rôle fondamental, auquel prend part Krejča, dans l’histoire du théâtre belge de langue française. Fort de sa réappropriation de la tradition théâtrale tchèque et des concepts de Stanislavskij, Krejča est l’un des premiers à apporter en Belgique francophone un regard dépassant la dimension représentationnelle de la première lecture du texte et à proposer une alternative au manque laissé par le retard de l’avant-garde théâtrale belge francophone. Sa poétique, principalement influencée par le théâtre atelier d’E.F. Burian, le théâtre poétique de Frejka, le civilisme d’Hilar, les théories préfigurant la sémiologie théâtrale initiée par l’école de Prague et par les développements du « Mchat », rencontre un accueil mitigé parmi les journalistes polygraphes mais ne manque pas d’impressionner certains animateurs de la scène théâtrale belge à l’instar de Janine Patrick ou de Marc Liebens. Aussi trouve-t-elle notamment un prolongement dans le Théâtre du Parvis.La thèse situe l’apport le plus évident de la poétique krejčaïenne en Belgique francophone dans le traitement dramaturgique, polyphonique et préfigurant le théâtre postdramatique, que le metteur en scène propose. A Louvain-la-Neuve, c’est à nouveau la puissance de la tradition tchèque et la conviction philosophique de Krejča qui impressionnent ses collaborateurs et se déclinent à travers les excroissances théâtrales francophones belges dont la plus manifeste est une expérience théâtrale, toujours en cours aujourd’hui :le théâtre de l’Éveil.La dissertation délimite d’abord les spécificités de la poétique théâtrale de Krejča, puis, après une analyse des mises en scène de Krejča, elle retrace et détaille les diverses formes sous lesquelles son esthétique se manifeste :transmission d’un héritage théâtral (avant-garde historique tchèque, sémiologie théâtrale développée par l’Ecole de Prague) et littéraire (mise à l’honneur de Schnitzler et de Nestroy), prolongement de la recherche théâtrale jusqu’à l’approche postdramatique (révélation de la dramaticité des pièces de Tchékhov, importation du théâtre musical), regards dramaturgique et philosophique, écriture dramatique (influence sur l’écriture d'auteurs dramatiques, Krejča-personnage dans des pièces d’acteur)… / The thesis focuses on Czech theatre from first avant-garde to second avant-garde; mainly it is focusing on Otomar Krejča’s theatre and its relationship with Belgian theatre within the second Czech avant-garde theatre to the end of the Normalization. Krejča worked an intensive part of his artistic life in Belgium. His Belgian theatrical activity can be divided into two distinct periods. The first one was coinciding with the foundation of his “Theatre Beyond the Gate” (Divadlo za branou) in Prague in 1965 and took place in the Belgian National Theatre in Brussels. Those years were squaring with Czechoslovakian destalinization and were particularly productive in the artistic field. In Brussels Krejča directed four plays: in 1965, Hamlet, in 1966, The Seagull, in 1970, Three Sisters, in 1978, Romeo and Juliet. The first three plays occurred before the Normalization and his departure in specific exile. The last one marked the beginning of his second period in Belgium, closely bound to Louvain-la-Neuve city. The two following Krejča’s productions were first created for the Festival d’Avignon: in 1978, Waiting for Godot and Lorenzaccio in 1979, before being performed at Atelier théâtral Jean Vilar in Louvain-La-Neuve. The three following plays were the last of Krejča’s Belgian works: Three Sisters in 1980, A. Schnitzler’s The Green Cockatoo in 1981 and Dostoevsky’s The Possessed adapted by Krejča himself in 1982. In Belgium, the reception of his plays was mitigated. Duality between critics can be explained by Krejča’s new regard on plays, by Krejča’s use of dramaturgy. Krejča’s productions in Belgium were innovating because through dramaturgy they paved the way for something new :it was the end of a romantic Hamlet in the Shakespearian tradition and the end of Pitoëff’s aesthetic in Chechov’s productions. Krejča’s work of art, impregnated by Czech tradition theatre of avant-garde, influenced his Belgian collaborators. Krejča was influenced by leaders in Czech first avant-garde theatre such as Burian, Frejka, theatrical theory of Honzl and Hilar’s theatre conception. When Krejča started to work in Belgium, the country was undergoing a theatrical revolution. At the end of the 1960s, French-speaking Belgium lived at the rhythm of its first avant-garde in staging. According to me, this fact is the main explanation to Krejča’s significance in French-speaking Belgium. Thanks to Krejča’s Belgian productions, a part of the first Czech theatrical avant-garde and the second Czech theatrical avant-garde penetrated in Belgium. All of Krejča’s concepts (human beings, ethic of responsibility, importance of dramaturgy, personal appropriation of Stanislavski’s approach) slowly instilled French-speaking Belgian theatrical life. Sure an evident mark of continuity of his aesthetic cannot be seen in the long time, nevertheless Krejča’s influence was considerable and briefly materialized in many fields. It is obviously still vivid in the way some actors play, feel and teach theatre. Doctorat en Langues et lettres info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Faure, Nicolas. "De "jeune public" à "tout public" : analyse du répertoire théâtral francophone pour la jeunesse." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030065.

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Abstract:

"Le développement des textes dramatiques pour le jeune public tend à construire un nouveau répertoire, qui, paradoxalement, trouve son identité en s'adressant au " tout public ". Les conceptions modernes du spectateur et de l'enfant dans la société lui demandent de participer à la construction du sens. Le texte s'émancipe alors de la relation pédagogique, pour fonder un rapport égalitaire entre l'auteur adulte et le spectateur enfant. Ce répertoire conserve néanmoins une certaine spécificité, car à l'enfant comme spectateur à part entière, on s'adresse avec simplicité. L'auteur sincère décrit en fait un monde complexe et personnel, d'une façon accessible sans être simpliste, pour les enfants comme pour les adultes. Bien plus, les créateurs reconnaissent au jeune public une certaine incandescence, par sa spontanéité, son regard neuf. Il devient alors le terrain privilégié d'une recherche concrète et ludique sur les moyens propres du théâtre : le langage, le regard, le jeu. " The increase in the number of plays for young people means that a new repertoire is growing. But this repertoire builds its identity when intended for people of any age, paradoxically. Today, the child is considered as able to think by himself. So the author has to give up being a teacher, and he speaks to the child as an equal. The artist is still an adult, who tries to describe for the child a confused world with easy but not simplistic words in all sincerity. Then everyone, old and young, becomes concerned. Besides, young people makes a fresh and incandescent audience that encourages the playwright to use all the means of the theatre in a firework display : words, imagination, fun

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TOURE, JEAN MARIE. "Theatre et liberte en afrique noire francophone de 1930 a 1985." Cergy-Pontoise, 1997. http://www.theses.fr/1997CERG0025.

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Abstract:

Ma these :theatre et liberte en afrique noire francophone de 1930-1985 a 6 chapitres. Le 1er porte 1) sur la liberte au service du theatre qui s'est exprimee en europe par la revolution romantique et le nouveau theatre, en afrique par le theatre-ballet ,de participation, de recherche et le koteba 2) sur le theatre comme moyen pour denoncer une dictature 3) sur le theatre ideologique donc censurable par un regime meme liberal. Le 2eme porte sur les conquetes sociales (suppression du travail force ; du code de l'indigenat) - economiques (f. I. D. E. S pour le developpement de s t. O. M) -politiques (libertes d'association citoyennete francaise, assemblees des t. O. M , r. D. A) des deputes africains au parlement francais. Ainsi en 1960 ,les independances et en 1985 , la democratie avec des rates ici ou la. Le 3eme : le theatre et le combat pour l'emancipation sociale , culturelle et politique des africains au titre de la periode coloniale traite de la satire des moeurs-sociales. Le 4eme : le theatre des independances et le combat pour la liberte de 1958-1985 prend en compte 1) la creation theatrale de la guinee sous la 1ere et la 2eme republique 2) la creation theatrale d'autres pays d'afrique noire francophone qui traite de la satire des moeurs sociales et politiques des independances et de la rehabilitation des heros de la resistance a la colonisation. Le 5eme porte sur la production de cesaire en rapport avec les preoccupations de l'afrique et des auteurs de l'exil sud-sud (s koly et w. Liking) et sud-nord (a. T. Cisse, b. Sangare, t. E. A. Bisikisi). Le 6eme rend compte du theatreet de la liberte des dramaturges au plan economique, politique et esthetique. Les festivals en et hors de l'afrique et le concours theatral de r. F. I. Contribuent a l'elargissement de l'espace culturel francophone.

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Suriam, Suzie. "Place et fonction du conte et de l'épopée dans le théâtre contemporain d'Afrique noire francophone." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape9/PQDD_0021/NQ47646.pdf.

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Evstratov, Alexei. "Le théâtre francophone à Saint-Pétersbourg sous le règne de Catherine II (1762-1796) : organisation, circulation et symboliques des spectacles dramatiques." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040149.

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Abstract:

En Russie, le XVIIIe siècle est l’époque d’une modernisation accélérée, dont la phase la plus intense correspond au règne de Catherine II, coïncidant avec l'intégration du nouvel Empire dans le système politique international. Malgré l'hostilité réciproque qui dominait les relations diplomatiques franco-russes à cette époque, le théâtre français était considéré comme l'expression la plus parfaite de l'art dramatique. Il fut importé dans le pays au même titre que d'autres instruments de modernisation sociale et moyens de représentation politique. Depuis les monographies de Robert-Aloys Mooser, spécialement consacrées à l’opéra-comique, la première période du théâtre francophone en Russie n'a pas été étudiée de façon systématique. Le premier objectif de ce travail est donc de recueillir les données dispersées et inédites concernant les représentations des pièces en français jouées à la cour. La liste de ces spectacles et l'inventaire des pièces représentées accompagnent cette étude dans un volume séparé. Il s’agit en outre d'explorer la diffusion des textes et des pratiques théâtrales à Saint-Pétersbourg, dans un essai sur la sociologie et l'idéologie des circulations théâtrales. La scène principale de la capitale se trouvait, en effet, à la cour, mais elle n'était pas unique : le théâtre de la ville, les théâtres dans les établissements d'éducation, les théâtres de société – plusieurs entreprises théâtrales accueillaient les spectacles francophones. Après avoir constaté leur interdépendance avec le modèle curial, je m'interroge sur les raisons de cette multiplication des espaces de spectacle et sur son rapport avec les expériences théâtrales des publics Eighteenth-Century Russia was a period of accelerating modernisation, where specifically, under the reign of Catherine II, the new Empire launched into the international political scene. Despite real diplomatic hostility between France and Russia during the period, French theatre was always considered the most perfect expression of the dramatic arts. French theatre was imported into Russia as an important means to provide and influence social and political representation.From the earliest studies, including Robert-Aloys Mooser’s work on the opéra-comique, this important period of Francophone theatre in Russia has never been systematically analysed. Thus the first goal of this present study is to gather the diverse and geographically dispersed elements regarding the Francophone theatre of Russian courts at the time. A chronological list of these performances, as well as an inventory of plays preformed, accompanies this study as a separate volume. My second goal is to explore the diffusion of these dramatic texts and theatrical practices in Saint Petersburg in an analytical essay on the sociology and ideology of theatrical circulation. Although the main stage of the capital was at the Russian court, this was not the only theatrical venue: the city’s theatre, school stages, théâtres de société (private theatres owned by local nobility)—several theatrical enterprises welcomed Francophone performances at the time. After having examined how these theatres were influenced by the court, I analyse the reasons behind this dramatic diversity and its affect on the theatrical experiences of Russia’s multiple theatre publics

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Matsanga, Mackossot Ginette Flore. "De l'inscription de la palabre traditionnelle dans le théâtre francophone d'Afrique Centrale : (les Punu du Gabon)." Paris 13, 2004. http://www.theses.fr/2004PA131029.

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Abstract:

La palabre traditionnelle chez les punu du Gabon est un phénomène social, une rencontre, un rassemblement en vue de résoudre les problèmes qui introduisent l'expression du désordre dans la société. Elle repose sur un échange de paroles. Discours codifié, la palabre ne peut se comprendre qu'à l'intérieur d'un environnement bien précis. La manifestation de ce phénomène fait apparaître les éléments du théâtre, notamment le dialogue, le geste, le silence, la danseA partir de deux textes transcrits et traduits en français, nous avons entrepris d'étudier la palabre en tant que drame social. Dans cette perspective, l'analyse de la palabre nous a permis de voir comment le verbe, grâce à ses multiples facettes, devient acte et fait sens. Nous aboutissons à la conclusion selon laquelle, la tradition orale inspire beaucoup le théâtre africain francophone, notamment gabonais. La Mort de Guykafi de Vincent de Paul Nyonda nous a en effet servi d'exemple pour justifier ce propos Traditional palaver for the Punu people is a social phenomenon, a meeting, a gathering intended to settle down problems which may bring about disorder in society. It is based on an exchange of words. As a codified speech, palaver can only be apprehended within a particular environment. The manifestation of this phenomenon discloses some elements of drama such as dialog, gesture, silence and dancing. We have studied traditional palaver as a social drama basing our work on two transcribed and translated texts. In that framework, the palaver's analysis has led us to realize how speech changes into action and meaning thanks to its countless aspects. We have then come to the conclusion that oral tradition inspires francophone African drama a lot, notably Gabonese one. To that end, "La Mort de Guykafi", a play by Vincent de Paul Nyonda has helped us justify that assertion

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Gbouablé, Edwige. "Des écritures de la violence dans les dramaturgies contemporaines d'Afrique noire francophone (1930-2005)." Phd thesis, Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00199210.

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Abstract:

La violence traverse la production théâtrale d'Afrique noire francophone depuis ses origines. Elle y est sujette à des mutations thématiques et esthétiques qui font évoluer sa nature d'une époque à une autre. On est ainsi passé du vase clos des théâtres de la violence assimilatrice où la forme constituait un moyen d'assujettissement à une écriture éclatée de la violence dans les oeuvres contemporaines. Elle apparaît dans le théâtre de William Ponty (1930) sous forme de conflit culturel tiré des moeurs africaines. Devenue politique, la violence des années 70 embarque les catégories dramaturgiques dans l'affrontement colons/colonisés. Avec le théâtre de 1980, la violence, toujours politique, prend une autre configuration marquée par une tentative de rupture d'avec les canons classiques. L'association du burlesque au tragique, le court-circuit de la langue française, le dialogue entre tradition et modernité à travers une écriture endogène sont autant de réalités caractérisant l'expression des conflits du désenchantement. Dans la majorité des pièces d'après 1990, en revanche, les conflits revêtent une image plurielle qui convoque le monde et des modes d'expression distincts. C'est une écriture hybride dans laquelle la violence est portée par une désarticulation des catégories dramatiques et du sens pouvant en ressortir. De cette écriture dynamique de la violence, résulte un déplacement des enjeux théâtraux dans la mesure où les drames africains aujourd'hui se débarrassent des relents nationalistes pour épouser les réalités du monde. Aussi, l'ouverture des théâtres contemporains suscite-t-elle une diversité de formes dont la complexité remet en question la notion d'africanité.

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Kalangi, Caroline. "Le Kenya National Drama Festival : identité culturelle dans un corpus dramatique anglophone et francophone." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20004/document.

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Abstract:

Cette étude vise à analyser la question de l’identité culturelle dans un corpus dramatique de seize textes écrits en français et en anglais par des Kenyans à l’occasion du Kenya National Drama Festival (KNDF). Tenant compte de l’histoire coloniale et du contexte post-colonial du Kenya, il s’est agi de relever dans ce corpus les marqueurs de la post-colonialité, à y identifier les thèmes majeurs et les traits constructifs de l’identité culturelle kenyane et à y déterminer les particularités culturelles. Dans une optique comparatiste, l’étude s’appuie sur les théories aussi bien post-coloniales que du théâtre. Les concepts post-coloniaux touchant la question de l’identité à travers la langue, la culture et la représentation sont identifiés et analysés dans le contexte kenyan. Pour cette raison, l’on s’est appuyé sur les travaux d’Edward Saïd, d’Homi K. Bhabha, de Chinua Achebe et de Ngugi wa Thiong’o. L’étude révèle que la population kenyane se trouve face à une multiplicité de choix culturels résultant de l’expérience coloniale, de nouvelles pratiques liées à la globalisation ainsi que des complexités et des défis de la vie quotidienne du monde moderne. Le KNDF s’avère un dispositif de sensibilisation du public aux nouveautés, de dénonciation des maux sociétaux et de promotion de normes culturelles africaines. Il apparaît ici que le recours aux langues européennes n’empêche pas de représenter des réalités culturelles locales. Le Kenya fait ainsi preuve d’une mobilité culturelle qui se manifeste dans la progression du système traditionnel vers une disposition mondialisée This study analyszes the representation of cultural identity in sixteen drama texts written by Kenyans in English and in French for the Kenya National Drama Festival (KNDF). Considering the colonial history and the postcolonial context of Kenya, the task involved identifying the postcolonial markers within the texts, identifying major themes and traits constituting a Kenyan cultural identity and determining specific cultural identity. Using a comparative approach, the study draws from both postcolonial and theatre theories. The postcolonial concepts touching on identity through language, culture and representation are identified and analyzed in respect to the Kenyan context. For this reason, the study narrows down to the theoretical works of Edward Saïd, Homi K. Bhabha, Chinua Achebe and Ngũgĩ wa Thiong’o. The study reveals that the Kenyan population is faced with a multiplicity of cultural choices brought about by the colonization experience, the new practices associated with globalization, as well as the complexities and challenges of daily life. The KNDF proves to be an avenue for sensitizing the public on new phenomena, for denouncing societal ills and for promoting African traditional norms. It is apparent that the use of European languages does not hinder the representation of cultural reality of the local society. Kenya therefore attests to cultural mobility seen in the progression from the traditional system towards a more globalized disposition

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Gbouablé, Edwige. "Des écritures de la violence dans les dramaturgies contemporaines d’Afrique noire francophone (1930-2005)." Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00199210/fr/.

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Abstract:

La violence traverse la production théâtrale d’Afrique noire francophone depuis ses origines. Elle y est sujette à des mutations thématiques et esthétiques qui font évoluer sa nature d’une époque à une autre. On est ainsi passé du vase clos des théâtres de la violence assimilatrice où la forme constituait un moyen d’assujettissement à une écriture éclatée de la violence dans les œuvres contemporaines. Elle apparaît dans le théâtre de William Ponty (1930) sous forme de conflit culturel tiré des mœurs africaines. Devenue politique, la violence des années 70 embarque les catégories dramaturgiques dans l’affrontement colons/colonisés. Avec le théâtre de 1980, la violence, toujours politique, prend une autre configuration marquée par une tentative de rupture d’avec les canons classiques. L’association du burlesque au tragique, le court-circuit de la langue française, le dialogue entre tradition et modernité à travers une écriture endogène sont autant de réalités caractérisant l’expression des conflits du désenchantement. Dans la majorité des pièces d’après 1990, en revanche, les conflits revêtent une image plurielle qui convoque le monde et des modes d’expression distincts. C’est une écriture hybride dans laquelle la violence est portée par une désarticulation des catégories dramatiques et du sens pouvant en ressortir. De cette écriture dynamique de la violence, résulte un déplacement des enjeux théâtraux dans la mesure où les drames africains aujourd’hui se débarrassent des relents nationalistes pour épouser les réalités du monde. Aussi, l’ouverture des théâtres contemporains suscite-t-elle une diversité de formes dont la complexité remet en question la notion d’africanité Violence comes across black african French-speaking theatrical production since its origins. It is prone to thematic and aesthetic changes which makes it evolve from one period to another. We have thus passed from confined theatres of assimilated violence where the form was a constraint to an outburst of writings dealing with violence in contemporary works. Violence appears in the plays of William Ponty (1930) under the form of cultural conflict drawn from African customs. Turned into political violence, it embarks the dramaturgic categories during the Seventies in the confrontation of the colonizer against the colonised. With the theatre of the 1980’s, violence, still political, takes however another form marked by an attempt to disrupt with classical theatrical canons. Associating the burlesque with tragedy, bypassing the French language, establishing a dialogue between tradition and modernity through an endogenous writing are as many realities characterizing the expression of conflicts about disillusionnement. In most of the plays following the1990’s, on the other hand, the conflicts take on a plural image which convenes the world through distinctive modes of expression. It results in a hybrid writing in which violence is voiced out through the dislocation of the dramatic categories and of the meaning that emerges out of it. From this scriptural dynamics of violence arises a displacement of the theatrical stakes in so far as African dramas today get rid of the nationalist inclinations to endorse the world’s realities. Thus the opening of contemporary theatres to the world creates a variety of forms whose complexity calls into question the concept of Africanity

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Montminy, Claude. "LE ROI DE LA GLACE (théâtre) suivi de Le théâtre jeune public et l'adaptation dramatique de personnages historiques (Essai)." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27884/27884.pdf.

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Ngo, Mbai Gweth Ndjicki Mireille. "Discours sur les femmes et discours de femmes : une analyse ethno-sociopragmatique de l'Implicite dans quelques pièces du théâtre camerounais francophone." Phd thesis, Université Rennes 2, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00458238.

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Abstract:

Le texte théâtral est un texte ouvert et incomplet qui affiche en lui un creux, une place vide dont la prise en charge définitive revient en principe au metteur en scène qui le transforme en spectacle, le propose au public, chargé à son tour d'en combler les vides. C'est autour de ces vides, de ces creux, de ces non-dits de texte qui font par ailleurs l'essentiel du message que repose cette thèse sur la quête de l'implicite dans les discours théâtraux sur et de femmes dans des contextes culturels et traditionnels camerounais. De telles situations interlocutives textuelles offrent des tensions discursives révélant les enjeux sociaux, discursifs et culturels des personnages en présence. Échanges de paroles, ces textes construisent des mécanismes énonciatifs complexes dont une démarche successivement énonciative et argumentative permet de relever les différents interlocuteurs, leurs préoccupations discursives et les stratégies argumentatives mis en oeuvre pour (s') influencer les uns les autres. L'implicite s'y révèle au travers des actes de langage directs et indirects soutenus par les présupposés et les sous-entendus linguistiques et culturels. Ceux-ci dégagent des sociétés traditionnelles bien organisées où la suprématie de l'homme est manifeste au détriment de la femme réduite au silence. Mais au-delà des clichés répandus sur le manque de liberté d'expression ou la soumission de la femme traditionnelle africaine (camerounaise), l'implicite renvoie une autre image de celle-ci, qui, loin de s'enfermer dans le cadre social préétabli qui la maintient en position de subordination, se révolte et s'affirme en tant qu'être à part entière, soulevant ainsi des questions culturelles et identitaires. Par ailleurs, la prise en compte de l'implicite permet de procéder à une autre écoute du spectacle théâtral, à une autre lecture des textes en général et devient un outil indispensable dans l'enseignement même de la lecture

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Ngo, Mbai Gweth Ndjicki Paule Mireille. "Discours sur les femmes et discours de femmes : une analyse ethno-sociopragmatique de l’Implicite dans quelques pièces du théâtre camerounais francophone." Rennes 2, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00458238/fr/.

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Abstract:

Le texte théâtral est un texte ouvert et incomplet qui affiche en lui un creux, une place vide dont la prise en charge définitive revient en principe au metteur en scène qui le transforme en spectacle, le propose au public, chargé à son tour d’en combler les vides. C’est autour de ces vides, de ces creux, de ces non-dits de texte qui font par ailleurs l’essentiel du message que repose cette thèse sur la quête de l’implicite dans les discours théâtraux sur et de femmes dans des contextes culturels et traditionnels camerounais. De telles situations interlocutives textuelles offrent des tensions discursives révélant les enjeux sociaux, discursifs et culturels des personnages en présence. Échanges de paroles, ces textes construisent des mécanismes énonciatifs complexes dont une démarche successivement énonciative et argumentative permet de relever les différents interlocuteurs, leurs préoccupations discursives et les stratégies argumentatives mis en oeuvre pour (s’) influencer les uns les autres. L’implicite s’y révèle au travers des actes de langage directs et indirects soutenus par les présupposés et les sous-entendus linguistiques et culturels. Ceux-ci dégagent des sociétés traditionnelles bien organisées où la suprématie de l’homme est manifeste au détriment de la femme réduite au silence. Mais au-delà des clichés répandus sur le manque de liberté d’expression ou la soumission de la femme traditionnelle africaine (camerounaise), l’implicite renvoie une autre image de celle-ci, qui, loin de s’enfermer dans le cadre social préétabli qui la maintient en position de subordination, se révolte et s’affirme en tant qu’être à part entière, soulevant ainsi des questions culturelles et identitaires. Par ailleurs, la prise en compte de l’implicite permet de procéder à une autre écoute du spectacle théâtral, à une autre lecture des textes en général et devient un outil indispensable dans l’enseignement même de la lecture The theatrical text is an open and incomplete one that displays in it a hollow, an empty space the care of it is in principle ultimately the producer, who turns it into show to the public, responsible of its own right to fill in the gaps. It is around these voids, these cavities, these unspokens of texts that are also the main message that this thesis is based on the quest for implicit, its meanings and its stakes, social and cultural in the theatrical discourses on women and of women in traditional and cultural contexts. Such interlocutive situations from texts offer discursive tensions, revealing the social, the discursive and cultural figures involved. Exchange of words, these texts construe enunciative mechanisms which are complex, and of which a successively discursive and argumentative process enables one to identify the various stakeholders; their concerns which are discursive, and the argumentative strategies they implement to influence each other. The implicit is revealed through speech acts directly and indirectly supported by the assumptions and the underlying linguistic and cultural rights. They emit traditional and well-organized societies where the rule of man is evident to the detriment of women silenced. But beyond the common cliches about the lack of freedom of expression or the submission of traditional african (cameroonian) women, the implicit returns a different image of her, who, far from locking in the predetermined social position of subordination, she revolts and asserts herself as a full separate being, thereby raising questions of cultural identity. Moreover, taking into account the implicit option, one is allowed to conduct another hearing of theatre and, another reading of texts in general. It becomes an indispensable tool in the teaching of reading

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Sze-Lorrain, Fiona. "Sur le toit du monde : l’esthétique théâtrale de Gao Xingjian." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040176.

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Abstract:

Dramaturge, metteur en scène, romancier, essayiste et peintre, Gao Xingjian, « artiste total », s’est affranchi dès 1983 des conventions théâtrales qui prévalaient en Chine. Il s’est imposé comme l’un des pionniers du théâtre et de la littérature d’avant-garde. Condamné pendant la campagne de répression « contre la pollution spirituelle », il a été interdit de publication. Exilé en France en 1987, il a dès lors créé des pièces en français, impliquant peu de personnages, entre farce et tragédie, exprimant souvent une vision de la vie désenchantée, dans un langage aléatoire mais équilibré, avec des décors minimalistes. Il excelle dans une forme de théâtre destiné uniquement à la représentation, où joue l’expérimentation scénique et corporelle. Notre thèse porte sur la forme et l’expérience de la représentation théâtrale, en examinant la façon dont Gao repousse les limites linguistiques ou visuelles pour parvenir à une conception dépouillée du drame. Procédant à l’analyse de ses dramaturgies, tout en nous appuyant sur ses écrits et ses peintures, nous verrons comment la représentation théâtrale s’agence entre visible et invisible, qui se situe au seuil de la conscience ou qui relève de l’esthétique — ceci, selon trois possibilités : le rapport acteur/spectateur, le texte lui-même, et la scène proprement dite. Tenant compte de l’épreuve existentielle de l’exil et du phénomène de bilinguisme perceptible dans l’écriture, nous traitons des idées de l’espace théâtral et de l’art dramatique, en suivant quatre orientations principales : la dramatisation, les modes de narration, la langue en tant que rupture dans le texte, et l’« incarnation » du personnage par l’acteur qui le joue Playwright, theater director, novelist, essayist and painter — the multi/inter-disciplinary artist, Gao Xingjian first defied the theatrical conventions dominating China for more than fifty years with his absurdist play Bus Stop in 1983. Since then, he has established himself as one of China’s pioneering avant-garde playwrights and writers. Persecuted during the “Oppose Spiritual Pollution” campaign, he was banned from publication. After moving to France in 1987, he began writing plays in French, his adopted language. Relying on few characters, they probe drama between farce and tragedy, expressing a frequently disenchanted vision of life in seemingly random, yet measured, language with minimal decor. Experimenting with the scenic and the corporal, Gao excels in an organic theatre created solely for performance. Using the form and experience of a performance, this thesis explores how Gao revisits linguistic and visual boundaries in an effort to define “drama.” Analyzing his plays, as well as his other writings and paintings, we identify in his work a theatrical performance — visible and invisible, liminal or aesthetical — via three possibilities: actor/spectator, text, and stage. Considering exile and bilingualism in literature, we examine notions of theatrical space and drama that emerge from this study in four main approaches: dramatization, modes of narration, language as rupture in text, and character “enfleshed” by its actor

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Bocianowski, Cécile. "Les dramaturgies du grotesque en Europe au XXe siècle." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040066.

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Abstract:

La thèse propose une lecture comparée de l’emploi du grotesque dans les théâtres français, polonais, belge francophone, germanophone, italien et espagnol. L’analyse comparée des écritures dramatiques comme du discours littéraire permet de dégager les spécificités du grotesque et de sa réception dans les diverses aires culturelles. La première partie est consacrée à la mise en place théorique de la notion dans les arts, des arts décoratifs à l’art dramatique, de la Renaissance au vingtième siècle. Une attention particulière est portée à la danse grotesque, jusque-là peu étudiée, ainsi qu’aux divergences entre les discours critiques occidental et oriental. La seconde partie constitue le cœur du travail par l’étude comparée des procédés grotesques selon trois axes : la déformation, la démesure et l’hybridité. Celle-ci permet de mettre en valeur les fonctions dramatiques de l’emploi de la marionnette et de la pantomime ainsi que l’inspiration des arts du cirque, de la foire et du cabaret. La troisième partie analyse l’hypothèse du genre dramatique grotesque en Europe au vingtième siècle. Une fois établi le cadre théorique de la réflexion sur le genre et au regard de la production dramatique la plus contemporaine, l’étude s’achève sur la détermination de la place du grotesque dans la création artistique comme dans la critique littéraire actuelle. En remettant en cause la périodisation traditionnelle du théâtre européen du siècle dernier, la thèse entend rendre sa place au grotesque dans la critique dramatique contemporaine comme mise en forme du difforme This thesis proposes a comparative reading of the use of grotesque in French, Polish, French-speaking Belgian, German-speaking Italian and Spanish theatre so as to determinate the specificities of the grotesque and its reception in different cultural areas. It focuses in the first part on the theory of the notion in arts, from decorative to dramatic art, from Renaissance to the twentieth century. Special attention is given to the grotesque dance, which has been thus far insufficiently studied, and to the discrepancies between western and eastern critical discourses. The comparative analysis of the grotesque is conducted along three axes: deformation, excessiveness and hybridity. It emphasises the function of marionette, pantomime and the inspiration of circus, carnival and cabaret. The last part of the thesis concentrates on the hypothesis of a grotesque dramatic genre in Europe in twentieth century. Once established the theoretical basis of the reflexion upon genre, and in view of contemporary dramatic production, the thesis closes with the determination of the place of the grotesque in the creation and in the criticism. By calling into question traditional periodisation of European twentieth theatre, this thesis aims at giving its place to the grotesque in contemporary dramatic criticism as the shaping of the misshapen

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Arthéron, Axel. "Les théâtres afro-caribéens d'expression française au XXème siècle face à la Révolution de Saint-Domingue : dramaturgies révolutionnaires et enjeux populaires." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030161.

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Abstract:

L’apparition à partir des années 1950 de pièces afro-caribéennes qui mettent en scène la Révolution de Saint-Domingue se révèle pour le moins symbolique. Annoncées par la création de La Tragédie du roi Christophe d’Aimé Césaire par Jean-Marie Serreau et la troupe du Toucan, ces expressions théâtrales contribueront à définir un genre théâtral à part entière - celui du théâtre révolutionnaire afro-caribéen d’expression française - possédant ses propres traits définitoires et catégoriels, ses codes d’écriture, son rapport à l’histoire ou aux personnages historiques, et surtout sa finalité, sa fonction politique et populaire. L’articulation entre le choix du théâtre, le thème politique de la Révolution de Saint-Domingue et les enjeux de la deuxième moitié du XXe siècle constituera l’emblème du théâtre historique révolutionnaire tout à la fois politique et populaire The appearance in the 50’ of afro-Caribbean’s pieces setting up the Dominican Revolution proves to be symbolic. Announced by the creation of La Tragedie du Roi Christophe from Aimé Césaire by Jean-Marie Serreau and the Toucan Troupe, these theatricals expressions will go towards defining a proper theatrical type- possessing his own characteristics, his writing codes, his connection with history and historical characters, and above all, his purpose, his finality : his political and popular function. The articulation between the choice of theater, the political theme of the Dominican Revolution and the stakes of the second half of the 20th Century will constitute the insignia of the historical revolutionary theater, both political and popular

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Tarnagda, Boukary. "Processus de création théâtrale contemporaine en Afrique subsaharienne francophone : vers une poétique de la relation." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20009.

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Abstract:

Mus par la volonté de découvrir et d’exploiter les ressources de l’Afrique, les Occidentaux y ont apporté leurs cultures, et notamment la langue française. En s’intégrant au quotidien des habitants, cette langue a exporté les différents éléments de sa culture, dont le théâtre qui se place désormais au coeur des rencontres entre les artistes de France et d’Afrique subsaharienne francophone.Par le prisme d’événements artistiques majeurs comme les festivals, les artistes ont trouvé des espaces centraux d’expression sur les deux continents. Ainsi, ils ont pu nouer des relations de travail avec leurs pairs du reste du monde. A certains niveaux, les échanges qui s’en sont suivi ont permis des rencontres fructueuses lors de manifestations comme le Festival des Francophonies en Limousin, mais aussi le FITMO/FAB au Burkina Faso et le FITHEB au Bénin, tous événements émanant de l’Afrique subsaharienne francophone.Avec la mondialisation, les rencontres entre dramaturges se soldent parfois par des échanges au sein même des textes produits. Elles conduisent à des relations de travail qui conduisent à des hybridations et à des métissages qui transforment sans doute la teneur des productions dramaturgiques. En nous appuyant sur un corpus de textes d’auteurs contemporains, nous formulons ici l’hypothèse que les échanges entre artistes transforment les conditions de production comme les esthétiques en vigueur, cette dynamique générant l’émergence d’une poétique de la relation Driven by the desire to discover and exploit the resources in Africa, the westerners brought their cultures there and in particular the French language. By integrating with the daily life of the inhabitants, this language has exported the different elements of its culture, including the theatre which is now at the heart of encounters between French and French-speaking sub-Saharan artists.By the prism of major events such as festivals, artists have found central spaces of expression on both continents. So, they were able to build working relationships with their peers in the world. At certain levels, the exchanges that followed made it possible to have fruitful meetings during events such as Festival of Francophone in Limousin, but also FITMO/FAB in Burkina Faso, and FITHEB in Benin, all events emanating from French-speaking sub-Saharan Africa.With globalisation, encounters between playwrights sometimes result in exchanges within the texts produced. They lead to working relationships that lead to hybridization and mixing which undoubtedly transform the contents of the dramaturgical productions. Based on a corpus of texts by contemporary authors, we formulate here the hypothesis that exchanges between artists transform the conditions of production as the aesthetics in force, this dynamics generating the emergency of a poetic of the relationship

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Toubiana, Dany. "Dramaturgies d'expression française : des théâtres de la subversion." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030058.

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Abstract:

La francophonie concerne plus de 200 millions de personnes qui parlent le français à travers le monde. Depuis les années 60, de nombreux théâtres en français sont apparus. Ils sont porteurs d'une certaine subversion issue de la colonisation en Afrique subsaharienne, au Maghreb, mais aussi au Québec et dans certaines Départements Français d'Outre-Mer comme les Antilles ou La Réunion. Cette subversion est le dénominateur commun de l'ensemble des théâtres en français. Comment d'un pays à l'autre, les pièces se répondent-elles ? Tout théâtre est un lieu subversif par essence mais en s'appropriant le politique et l'Histoire, les théâtres d'expression française revisitent ces notions. Les femmes, les fous et les fantômes communs à la plupart des théâtres deviennent des outils de cette même subversion donnant d'autres références à ces personnages. Dans la dernière partie, nous constaterons comment les théâtres en français font éclater à la fois les cadres comme l'espace et le temps mais aussi les modèles théâtraux tels que le tragique et la langue, jouant à nouveau de cette même posture subversive French is spoken by more 200 millions people throughout the world. Since the sixties, many french speaking theatres arose with their own specificities. They squeeze out subversion in ancient colonized countries like Subsaharian Africa, Maghreb but also Quebec and some overseas french departments like french West Indies and La Réunion. Subversion is the link between all these french speaking theatres. How do the plays respond to one another in these different countries? Every theatre is a place for subversion but through politics and History, french speaking theatres are proposing an other view of it. Women, lunatics and ghosts who are common characters in many plays crush this subversion in a new way. Last part of this survey will study how french speaking theatres transform space and time but also theatrical patterns like tragedy and language, playing with this subversive posture

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El, Fakhri-Frem Sonia. "Le théâtre au Liban d'expression arabe et française de 1848 à 1975." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040249.

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Abstract:

Existe-t-il un théâtre libanais ? Ce travail se propose de traiter cette question. La pièce adaptée par Maroun Naccache (L' " Avare " de Molière), en 1848 constitue un point de départ et de repère dans l'histoire du théâtre arabe. Nous avons étudié le théâtre de 1848 à 1975, ainsi que les différentes formes de spectacle avant 1848, en tenant compte des périodes de progression, de régression et de leurs causes. C'est un aperçu général sur le théâtre des libanais au Liban, en Egypte et en France ainsi qu'une réflexion sur les courants et les caractéristiques de chaque période d'évolution. Nous avons insisté sur les problèmes et les difficultés de la scène dans leurs rapports avec la situation socio-politique et économique. Ce travail se divise en cinq parties qui étudient : 1- les aspects des différentes formes de spectacle avant Naccache, 2- la naissance du genre au Liban avec Naccache et les difficultés qui l'ont menacé ainsi que la part de ses successeurs dans la floraison du théâtre au Liban et en Egypte ; 3- la période d'instabilité à cause des guerres mondiales et locales et des crises économiques ; 4- le nouvel élan du théâtre et son épanouissement de 1960 à 1975 ; 5- le théâtre francophone libanais. Nous avons essayé d'analyser et de classer les travaux dramatiques des différents auteurs et metteurs en scène. Dans le but de préserver de l'oubli les travaux dramatiques de cette période, nous avons documenté les principaux noms des auteurs, metteurs en scène et acteurs ainsi que ceux des troupes, des salles de théâtre et les titres des pièces. Bien que notre travail cherche avant tout à analyser les facteurs influant sur l 'évolution du genre dramatique, il a été nécessaire de considérer un aperçu historique général pour mieux cerner l'interaction entre ces facteurs dans un contexte socio-politique et économique Is there a Lebanese theater ? Our work aims at addressing this question. The play entitled Al Bakhil (L' "Avare" de Molière), that was adapted by Maroun Naccache in 1848, represents a starting point and a reference in the history of the Arabic theatre. We study the theatre in the period between 1848 and 1975, as well as the other forms of performing arts present before 1848, and consider the periods of development, regression and the underlying causes. The work includes a general overview of the Lebanese theatre in Lebanon, Egypt and France as well as an analysis of the different movements and the characteristics of each evolution period. We have stressed the problems and difficulties of the theatre in relation with the socio-political and economic context. This work consists in five sections that address 1- the aspects of the different forms of performing arts before Naccache; 2- the birth of theatre in Lebanon with Naccache and the difficulties encountered as well as the contributions of his successors in the development of theatre in Lebanon and Egypt; 3- the period of instability due to World War I and II, local wars and economic crises; 4- the renewed rise and growth of Lebanese theatre between 1960 and 1975; 5- the French-speaking (francophone) Lebanese theatre. The theatrical works of different play-writers and directors have been analyzed and categorized. In a effort to preserve a record of the theatrical works of this period, a unified record listing the main play-writers, directors and actors, as well as theatre companies, theatres and play titles was created. Although the main aim of our work was to analyze the different factors affecting the evolution of the theatrical genre, it was necessary to undertake a general historical overview to better understand the interaction between these factors in their socio-political and economic context

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Laure, Charlotte. "Tragédies de la décolonisation. Un théâtre écrit en français depuis l'Afrique, la Caraïbe et Madagascar (1942-1992)." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030060.

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Abstract:

Choisir le genre dramatique de la tragédie, emblématique de la culture occidentale, pour représenter et accompagner les luttes de décolonisations de l’empire français peut sembler paradoxal. Bien au contraire, nous montrons que cette association d’un genre canonique et d’un sujet politique contestataire est féconde. À partir d’un corpus varié d’une trentaine de pièces écrites en français par des auteurs d’Afrique, de la Caraïbe et de Madagascar dans la deuxième moitié du xxe siècle (1942-1992), notre thèse identifie un phénomène théâtral que nous nommons tragédies de la décolonisation. Le genre de la tragédie permet d’une part de créer des mythes, de célébrer la grandeur des sociétés précoloniales et de mettre en avant les luttes anticoloniales. D’autre part, en tant que genre qui montre des défaites, la tragédie permet de dénoncer l’hypocrisie de la prétendue mission civilisatrice de l’Europe et de révéler les violences et les oppressions du système colonial et esclavagiste, à travers le point de vue de celles et ceux qui les subissent. La spécificité du genre dramatique invite également à interroger ses effets sur le genre social. Enfin, discutant certains biais dans la réception des pièces, nous montrons que le genre dramatique lui-même est renouvelé, notamment dans l’affirmation d’une fatalité qui n’est plus transcendante mais historique, et de laquelle il est possible de s’émanciper It may seem paradoxical to choose the dramatic genre of tragedy to represent and support the struggles around the decolonization process of the French empire, as it is a symbol of western culture. However, we demonstrate in this thesis the relevance of this combination of a canonical genre with a protest topic. From the study of a diverse corpus of about thirty plays written in French by African, Caribbean, and Malagasy authors in the second half of the 20th century (1942-1992), we identify a theatrical phenomenon that we call "decolonization tragedies". On the one hand, the genre of tragedy allows to create myths, to celebrate precolonial societies and to highlight anti-colonial struggles. On the other hand, this genre allows to display defeats, which enables the indictment of Europe's self-proclaimed civilizing mission, and reveals the violence of the colonial and slavery system from the standpoint of those who suffer it. Moreover, the specific nature of tragedy encourages to examine its impact on gender. Finally, discussing some distortions in the reception of the plays allows us to show that the dramatic genre is being renewed through the affirmation of a destiny that is no longer transcendental, but historical, and from which one can emancipate oneself

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Jacques, Hélène. "UN THÉÂTRE DE L'ÉCOUTE Statut du texte et modalités de jeu dans les mises en scène de Denis Marleau." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27340/27340.pdf.

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Fondu, Quentin. "La Scène et l'Amphithéâtre : sociologie et histoire de la discipline des études théâtrales en France et dans les deux Allemagnes (1945-2000)." Thesis, Paris, EHESS, 2021. http://www.theses.fr/2021EHES0004.

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Abstract:

Cette thèse porte sur l’histoire de la discipline des études théâtrales (Theaterwissenschaft en allemand) en France et dans les deux Allemagnes, de 1945 jusqu’au début des années 2000. Elle interroge les conditions historiques et sociales qui permettent de comprendre son apparition et son développement. Mon hypothèse principale est que la constitution de cette discipline s’organise à la jonction du champ universitaire et du champ théâtral, et au croisement de logiques locales, nationales et internationales. À l’inverse des disciplines plus anciennes, les études théâtrales revendiquent en effet une plus grande ouverture vis-à-vis de logiques extérieures au monde académique, à la fois en termes de formations et de débouchés. Participant peut-être à la mise en crise contemporaine de l’« ordre disciplinaire », l’histoire de cette discipline doit ainsi être replacée dans les métamorphoses plus larges du théâtre et de l’université au cours de cette période – en particulier leurs internationalisations et leurs politisations respectives. Notre démarche repose sur la sociologie historique, qui a pour ambition de cumuler les méthodes de l’histoire et celles de la sociologie, afin de prendre en compte simultanément événements, histoire institutionnelle et analyse structurale. Sans pour autant abandonner les principes de la comparaison entre la France et les deux Allemagnes, la méthodologie doit également beaucoup à l’histoire croisée, qui nous permet de multiplier les échelles d’analyse sans présupposer a priori le cadre national de la discipline This thesis is about the history of the discipline of theatre studies in France and in the two Germanies, from 1945 to the early 2000s. It examines the historical and social conditions in order to understand its emergence and development. My main hypothesis is that the creation of this discipline happened at the intersection of the academic and theatrical fields, and at the crossroads of local, national and international logics. Unlike older disciplines, theatre studies avows a larger openness vis-a-vis logics external to the academic world, both in terms of training and job prospects. Participating perhaps in the contemporary challenges to “disciplinary order”, the history of this discipline must also be resituated within the broader metamorphosis of theatre and the university over the course of this period. Our approach relies on historical sociology, whose aim is to bring together methods from history and sociology in order to simultaneously think about events, institutional history, and structural analysis. Without abandoning the basis for comparison between France and the two Germanies, our methodology also draws heavily from histoire croisée, which allows us to broaden the scope of our analysis without accepting at face value the national framework of the discipline Diese Dissertation behandelt die Geschichte der Disziplin der Theaterwissenschaft in Frankreich und im geteilten Deutschland, von 1945 bis zum Beginn der 2000er Jahre. Sie untersucht die historischen und sozialen Bedingungen, die es ermöglichen, ihre Entstehung und Entwicklung zu verstehen. Die zentrale Hypothese ist, dass die Konstituierung dieser Disziplin durch die Verbindung des akademischen und theatralischen Bereichs und dem Zusammenwirken lokaler, nationaler und internationaler Logiken ermöglicht wurde. Im Gegensatz zu älteren Disziplinen beansprucht die Theaterwissenschaft in der Tat eine größere Offenheit gegenüber Logiken außerhalb der akademischen Welt, sowohl in Bezug auf Ausbildung als auch auf Karrierewege. Die Geschichte dieser Disziplin, die wohl an der gegenwärtigen Krise der "Disziplinarordnung" teil hat, muss daher in die breiteren Metamorphosen des Theaters und der Universität in dieser Periode - insbesondere in ihre jeweiligen Internationalisierungen und Politisierungen - eingeordnet werden. Der Ansatz dieser Dissertation basiert auf der historischen Soziologie, die darauf abzielt, die Methoden der Geschichte und der Soziologie zu kombinieren, um Ereignisse, die Institutionengeschichte und die Strukturanalyse gleichermaßen zu berücksichtigen. Ohne die Prinzipien des Vergleichs zwischen Frankreich und den beiden deutschen Staaten aufzugeben, verdankt die Methodologie auch viel der histoire croisée, die es erlaubt, die Skalen der Analyse zu multiplizieren, ohne a priori den nationalen Rahmen der Theaterwissenschaft vorwegzunehmen

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Dechaufour, Pénélope. "Une esthétique du drame figuratif. Le geste théâtral de Kossi Efoui : d’une dramaturgie du détour marionnettique aux territoires politiques de la figuration sur « les lieux de la scène »." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA116/document.

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Abstract:

A la croisée d’enjeux aussi bien philosophiques, politiques, qu’anthropologiques, cette thèse en études théâtrales vise à théoriser la notion de « drame figuratif » en analysant l’esthétique singulière que développe Kossi Efoui dans son œuvre dramatique. Dramaturge, philosophe et romancier, né en 1962 au Togo, Kossi Efoui annonce par ses positions politiques et ses partis pris poétiques, dès la pièce Le Carrefour, le tournant esthétique majeur que prendront les dramaturgies d’Afrique noire francophones et des diasporas au début des années 1990. Traversé par l’histoire coloniale et l’histoire des migrations, son théâtre interroge le corps diasporique et remet en question les déterminismes identitaires construits par le discours historique et l’essor du capitalisme depuis les traites négrières. Cette esthétique procède d’un geste théâtral qui relève d’une écriture de la figuration, et dont nous interrogeons le paradoxe afin d’en définir les modalités dramaturgiques. Car dans ce théâtre, le contenu discursif est marqué par une omniprésence du corps, alors que sa représentation fait l’objet d’une quête pour les personnages qui en sont le plus souvent dépourvus. Travaillée par divers modes de production du texte (intertextualité, transtextualité, fragmentation, décomposition, assemblage, geste du plateau) l’écriture dramaturgique opère toutes sortes de détours qui relèvent des univers du masque et des arts de la marionnette et explorent le corps scénique et les dispositifs théâtraux en vue d’un processus de résilience. En analysant cette dramaturgie du détour marionnettique nous questionnons la présence des corps et des voix dans le matériau textuel lui-même, leurs liens avec le plateau, et l’existence possible d’un geste plastique produisant une figure qui émanerait de l’écriture, pour prendre place sur « les lieux de la scène », selon la formule fétiche de Kossi Efoui. Le corps convoque ici des territoires d’ordre politique et se fait l’écho des traumas qui nous hantent et nous mettent collectivement à l’épreuve. En faisant de l’espace théâtral une interface mnémonique, l’écriture emprunte des voies de création transdisciplinaires qui renouvellent notre conception de la dramaturgie et déploient ce que nous identifions comme « une esthétique du drame figuratif » At the crossroads of philosophical, political and anthropological issues, this dissertation in theatre studies aims to theorize the notion of "figurative drama" through analyzing Kossi Efoui's aesthetics in his dramatic work. A playwright, philosopher and novelist, born in 1962 in Togo, Kossi Efoui’s political and poetical choices foreshadowed, from his first play Le Carrefour, the major aesthetical turn taken by the dramaturgies of French-speaking sub-Saharan Africa and diasporas at the beginning of 1990s. Shaped by colonial history and the history of migrations, Kossi Efoui’s theater put the diasporic body in question, as well as the identities that were assigned by historical discourses and by the rise of capitalism since the time of the slave trade. This aesthetics is the result of a theatrical attitude based on a figurative writing. By questioning this paradoxical attitude, this dissertation shows how it is translated into dramaturgical choices. Indeed, in Kossi Efoui’s theater, on one side the body is everywhere in discourses, while on the other side it’s missing on stage: the characters are most often deprived of a body and looking for one. Shaped by various ways of producing text (intertextuality, transtextuality, fragmentation, decomposition, assembly, gesture of the stage) the dramaturgical writing makes a detour via the universe of the mask and the puppetry arts, thereby exploring the actor’s body and the theatrical devices in order to create a process of resilience. By analyzing this dramaturgical detour via puppetry, this dissertation questions the presence of bodies and voices in the textual material itself and their relationships to the stage. It formulates the hypothesis of an attitude, producing a figure that comes from the writing and takes its place on stage (on les lieux de la scène, as Kossi Efoui calls it). The body becomes a political territory and summons up haunting traumas that put the collectivity to the test. By using the theatrical space as a mnemonic interface, the writing takes trans-disciplinary creative paths, renews our conception of dramaturgy and produces what we identify as "an aesthetics of figurative drama"

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Padovani, Delphine. "Le théâtre du monde chez les auteurs dramatiques contemporains francophones. Valère Novarina, Pierre Guyotat, Didier-Georges Gabily, Olivier Py, Joël Pommerat, Daniel Danis." Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30029/document.

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Abstract:

Cette thèse porte sur les caractéristiques du théâtre du monde telles qu’elles se manifestent dans différentes œuvres dramatiques contemporaines francophones. Il s’agit d’envisager sept pièces de ce répertoire comme autant d’images du monde, dans la mesure où elles convoquent les emblèmes de la vie terrestre : humaine, animale, végétale, et problématisent leurs interactions dans un espace-temps universel. Dans une partie introductive, on rassemble et commente les principales contributions universitaires à la réflexion sur la notion historique de théâtre du monde. Dans la partie principale, on observe les prolongements contemporains de la métaphore à travers l’étude des pièces du corpus. Une présentation générale des moteurs et motifs d’écriture des dramaturges introduit chaque analyse de texte, basée sur une grille de lecture calquée sur les catégories constitutives du drame : personnages, espace et temps, actions, didascalies. Le corps de la thèse est ainsi conçu comme l’exploration de sept déclinaisons du théâtre du monde, partant de la représentation la plus abstraite pour aboutir à la plus organique. Une synthèse boucle ce parcours en soulignant que les pièces dépendent de trois modèles de composition, déterminant autant de combinaisons des catégories dramatiques. Cette classification dévoile enfin l’ambition qui génère chaque projet d’écriture. En conclusion, il apparaît que le théâtre du monde dont on s’accorde généralement à penser qu’il est un topos daté évoquant la théâtralité de la vie humaine, est un cadre générique assez fort pour résister à la poétique du drame contemporain, assez vaste pour accueillir les inventions dramaturgiques les plus singulières This thesis deals with the characteristics of the theatre of the world metaphor, as they appear in several contemporary french-speaking plays. Seven plays have been selected as images of the world, since they summon various emblematic elements of life on earth: humans, animals and flora, and emphasize their interaction in a universal surroundings. Firstly, the principal academic contributions concerning the historical notion of theatre of the world are gathered and commented. The main part of the research consists of the demonstration of the metaphor's contemporary extensions, through the study of the corpus. The analysis of each play is preceded by a presentation of its author's writing motivations and motives. Then, the play itself is examined carefully with the help of a reading grid which focuses successively on the dramatic categories : characters, space and time, actions, stage directions. Thus, the thesis's body is built as an exploration of seven variations of the theatre of the world, beginning with the most abstract one and leading to the most organic one. A synthesis ends this journey, pointing out that the plays match three composition patterns, which induces many combinations of the dramatic categories. This classification unveils the ambition at the origin of each writing project. In conclusion, it appears that the theatre of the world, generally considered as an old topos which refers to the theatrality of human life, is a framework strong enough to stand up to the poetics of comtemporary drama, and vast enough to house the most singular dramaturgic inventions

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Perzo, Laurianne. "Critiquer et enchanter le monde par le théâtre pour la jeunesse : exigences éthiques et esthétiques du répertoire dramatique contemporain." Thesis, Artois, 2018. http://www.theses.fr/2018ARTO0002.

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Abstract:

Le théâtre pour la jeunesse en France s’est depuis la fin du vingtième siècle constitué en un répertoire fécond qui explore le rapport au monde de ses jeunes lecteurs-spectateurs dans une perspective éthique et esthétique. Sous forme d’une constellation de textes, ce répertoire témoigne d’une richesse thématique et d’une inventivité stylistique qui participent du renouvellement des écritures dramatiques dans leur ensemble et qui interpellent quant au geste de transmission d’un auteur adulte qui écrit pour un jeune destinataire. Nous pensons dans ce cas que l’adresse à l’enfant conditionne le rapport de l’auteur à son œuvre et influence sa démarche artistique. La littérature dramatique pour la jeunesse affiche ainsi une double contrainte. En effet, les auteurs semblent soucieux de ne pas heurter le jeune destinataire dans sa sensibilité tandis qu’ils lui transmettent une réalité sombre dans la perspective de conscientiser et d’éveiller la jeunesse face à la société contemporaine, et de lui suggérer d’agir sur le réel. L’auteur engage alors sa responsabilité d’écrivain et ses textes deviennent des lectures possibles du monde. Sa démarche consiste à confronter le jeune destinataire à de grandes questions aux enjeux sociaux affichés d’une part, tout en faisant l’éloge de l’enfance comme un temps consacré, d’autre part. De multiples détours sont alors utilisés pour permettre d’énoncer une réalité certes quelquefois cruelle mais néanmoins avérée. Les auteurs de notre corpus, œuvrant en direction de la jeunesse, ont fait de l’enfance un sujet moral, social et politique en dénonçant, depuis la focale de l’enfance et par le truchement de personnages dramatiques d’enfants, les travers du monde contemporain. Ainsi, lorsque l’enfant paraît, c’est souvent pour livrer le constat d’une société défaillante où la nature de l’humain est revisitée et questionnée, sans pour autant réduire toute possibilité d’envisager l’avenir. Les auteurs font de l’enfance un réceptacle qui peut rendre compte d’une vision du monde, et ce sont précisément l’enfant et l’enfance qui constituent le premier détour d’un théâtre qui souhaite aborder le réel dans ses perspectives les plus tragiques, mais de manière optimiste. En effet, même lorsque le matériau que les écrivains travaillent est redoutable, le théâtre pour la jeunesse est à la fois beau et lisible, il raconte des choses importantes du présent, et l’une de ses fonctions premières est bien celle d’apporter du plaisir. En présentant notamment des « esthétiques de la résilience » avec des personnages d’enfants qui témoignent d’une grande ferveur pour la vie malgré les tragédies qui se jouent, le théâtre pour la jeunesse exhibe sa capacité à la fois à métaphoriser la violence – à convertir le réel par besoin et par choix – et à enchanter la vie des jeunes protagonistes ; et peut-être par extension celle des lecteurs potentiels de ce théâtre qui se situe à la frontière des âges, lu à la fois par les adultes et les enfants qui semblent chacun trouver les réponses aux questions qu’ils se posent. C’est aussi parce que l’enfance habite ces écritures que l’enfant n’est finalement pas le seul destinataire de ces œuvres. Il s’agit pour les auteurs d’écrire l’enfance et d’écrire à partir de l’enfance, en tant que valeur aussi intime qu’universelle, donnant au théâtre pour la jeunesse une portée transgénérationnelle. Cette thèse propose en somme d’analyser les dispositifs d’écriture à l’œuvre dans le théâtre pour la jeunesse, d’appréhender en quoi ces écritures sont de puissants révélateurs de l’état du monde et comment elles permettent de donner une voix à ce qui ne peut s’exprimer – l’infans –, révélant ainsi certaines situations d’oppression et d’injustice, tout en dessinant une poétique de l’enfance lorsque l’infantia se fait figure de création French theatre for young people has an increasing repertoire which explore children’s relationship with the world in an ethic and aesthetic context. This repertoire is a grouping of text which use a lot of different themes and which renew theatre in general. It also questions the message transmission from the author to the young addressee. Then, we think that addressing children may determine the writer artistic work. The double bind is very large with dramatic literature for young people. Indeed, it seems so important for authors not to hurt in a manner the addressee who is child-sensitive while plays they write deal with hard reality. And this in order to raise children awareness towards society and to suggest them to act in the world. The author engages his responsibility and his texts offer rich readings of the world. On one hand he faces the youth audience with broad society issues while on the other hand he wants to assert the sanctity of childhood. Several detour are used to enable them to read the world in its tragic aspects. Playwrights use childhood as a moral, social and political subject to condemn the problems of the modern world with children characters. When the child is present as a character it is often to criticize the society and to question human nature. However, plays are optimistic. It is precisely the specificity of childhood that uses the first detour to expose an unfortunate reality. Childhood is also use as a possibility to offer a worldview. Even if the authors present some dreadful situations, their creations are nice and understandable. It talks about important things of our present and one of its main purpose is to bring enjoyment. In introducing « aesthetics of resiliency » with children characters who are clinging to life and survive in spite of hard situations, young people theatre show its capacity to transform violence and enchant people’s lives : characters’ lives and even maybe readers’ lives. It is a crossover theatre because readers are simultaneously old or young and everyone seems to find some answer inside this literature. Indeed, childhood is a writing process therefore these texts might concern everyone. Childhood would be a personal and an universal value. Young people theater is therefore intergenerational. In short, the aim of this thesis was to examine the theatrical writing for young people and to examine the relation of the artists with the reality. This writing reveal the reality of the world and give a voice to what cannot be expressed itself – infans – revealing those oppression or injustice situations. A poetic of childhood spread though this theatre

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Bousiopoulou, Efthalia. "Personne tragique-personnage tragique dans les écritures dramatiques contemporaines en France et en Grèce." Thesis, Lille, 2018. http://www.theses.fr/2018LIL3H018.

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Abstract:

L’écriture dramatique contemporaine est souvent tournée vers le mythe grec tragique comme source d’inspiration. Or, le concept de tragique est loin d’être évident, tantôt compris dans un sens existentiel, étroitement lié à la pensée philosophique allemande du XIXe siècle qui lui adonné naissance, tantôt dans un sens esthétique, produit de son rapport étroit au genre dramatique de la tragédie. La présente étude interroge la question du tragique dans des écritures dramatiques contemporaines d’origine différente : plus précisément, nous abordons douze oeuvres dramatiques, françaises et grecques, qui couvrent la seconde moitié du XXe siècle au sens large, et que caractérise l’usage du mythe tragique ou des motifs tragiques. Notre approche est structurée sur deux axes : d’une part est examinée la notion de personnage, élément principal de l’oeuvre dramatique, dans son devenir tragique. Ainsi, dans les deux phases de ce que nous appelons le« mouvement tragique », le personnage passe de l’identité à l’altérité de soi, pour se choisir ensuite en tant qu’être fini, ou autrement, en tant qu’être « inscrit dans la mort », pour arriver finalement à la transcendance de sa propre finitude. D’autre part est examinée la notion de personne tragique, à savoir la conception de l’homme « réel », telle qu’elle est configurée par le lecteur/spectateur à partir du personnage tragique. Le sens de la personne tragique consiste en le passage de celle-ci du monde quotidien à un « nouveau réel », où dominent le devenir et l’ouverture à l’Autre. Dans ce cadre, la catharsis qu’éprouve le spectateur est identifiée à la « joie tragique » Contemporary playwriting turns often towards the tragic Greek myth as source of inspiration.However, the concept of “the tragic” is far from being evident, sometimes understood in anexistential meaning, tightly attached to the German philosophical thought who has given it birth,sometimes in an esthetic meaning, as a result of its close relation to the genre of tragedy. Thepresent study examines the concept of tragic in contemporary plays of different origin: moreprecisely, we study twelve plays, French and Greek, that cover the second half of the twentiethcentury in the broadest sense, characterized by the use of the tragic myth or of tragic motifs. Ourapproach is based on two axes: on one hand we examine the notion of character, a fundamentalelement of a dramatic work, in his becoming tragic. In this way and according to the two phasesof what we call “the tragic movement”, the character, after passing from the identity to the alterityof self, he then “chooses” himself as a finite being, or, in other words, as a being “inscribed indeath”; finally, he arrives at the point of transcendence of his own finitude. On the other hand, weexamine the notion of the tragic person, namely the conception of the “real” human, as it isformulated on the basis of the tragic hero, by the reader/spectator. The meaning of the tragicperson lies in a passage from the ordinary world to a “new reality”, where the becoming of thehuman being and the openness to the Other dominates. In this context, the spectator experiencesthe catharsis that can be identified with the “tragic joy”

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Bilodeau, Diane. "Étude du profil motivationnel des spectateurs des théâtres d'été francophones en Montérégie." Thèse, Université du Québec à Trois-Rivières, 2008. http://depot-e.uqtr.ca/1410/1/030033863.pdf.

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Deslauriers, Rosaline. "Vers une poétique de l'entre-deux." Doctoral thesis, Université Laval, 2011. http://hdl.handle.net/20.500.11794/22401.

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Monah, Dana. "La réécriture théâtrale à la fin du XXe siècle. Le texte et la scène." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030138.

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Abstract:

Cette thèse se propose d’interroger les enjeux esthétiques et culturels de la réécriture théâtrale contemporaine à partir de trois questions fondamentales : Qu’est-ce que l’on réécrit ? Comment est-ce que l’on réécrit ? A quelles fins/ pourquoi est-ce que l’on réécrit ? Les différentes étapes de notre recherche seront traversées par un souci permanent de re-définir la réécriture en tant que pratique hybride, située à la croisée d’une pratique scripturale et d’une pratique scénique. Après avoir défini la réécriture à la lumière des relations qu’elle entretient avec des pratiques liminaires, nous proposons une typologie des techniques à travers lesquelles l’adaptateur modifie l’univers fictionnel de l’œuvre-source. L’analyse de certains cas de figure marginaux nous permet par la suite de nuancer notre définition de la réécriture. Les deux derniers chapitres tenteront de définir les réécritures comme des œuvres nouvelles qui s’affichent comme des versions des œuvres antérieures, puisqu’elles puisent leurs formes et leurs sens dans les formes et les sens des œuvres de départ This thesis aims at analyzing the aesthetic and cultural aspects of contemporary theatrical rewriting, starting from three fundamental questions: What do adaptors rewrite? How do they rewrite? Why do they rewrite? The different stages of our research are characterized by a constant aim at redefining theatrical rewriting as a hybrid practice, situated at the crossroads of a scriptural and of a scenic phenomenon. After having defined rewriting in the light of its relationships with related practices, we propose a typology of the techniques which enable adaptors to modify the fictional universe of the initial work. The analysis of certain marginal case studies enables us to further develop our definition of rewriting. The last two chapters aim at defining rewriting as new works which function as versions of previous works, as they look for their forms and for their meanings in the forms and meanings of previous works

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Djoumbé, Thoueïbat. "Un autre aspect de la francophonie, la littérature comorienne : société, histoire, culture et création." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030039.

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Abstract:

Cette thèse interroge les origines, les interférences et la production de la littérature comorienne d’expression française. Au confluent entre critique littéraire, historiographie anthropologique des sources et analyse des thématiques dans la création, elle questionne aussi la notion de réception dans un contexte éditorial minimaliste et où langue d’écriture et langue vernaculaire s’interfèrent. En près de 30 ans, les quelques 160 ouvrages publiés de 1985 à nos jours, laissent percer des débuts lents et difficiles. Une réalité qui sera contredite à la fin des années 90 où des maisons d’éditions, même éphémères, naissent avec pour mot d’ordre, promouvoir la littérature comorienne. Va alors s’amorcer une dynamique nouvelle inscrite par le nombre et la variété des genres édités, la multiplicité des thématiques abordées et par l’orientation des revendications littéraires d’ordre esthétique en écho à des revendications identitaires. Parallèlement, transparaît une forme de tâtonnement textuel qui laisse apparaître une dualité narrative sous-tendue dans l’organisation fictionnelle et narratologique des œuvres et mettant en place un type de personnage-pensée à l’origine d’une hybridité textuelle. Par conséquent, cette thèse procède à une forme de bilan de ces trente années d’écriture suivant deux axes d’analyse. Un axe chronologique qui fait coïncider des éléments liés à l’histoire du peuplement avec l’établissement d’une écriture pour les îles afin d’appréhender le contexte originel de production ; un axe analytique et herméneutique recoupant faits historiques et sociaux en rapport avec les objets ou motifs de production et révélant la source des interrogations des écrivains comoriens francophones This thesis questions the origins, interferences and the production of French-speaking Comorian literature. At the junction of literary criticism, anthropologic historiography of the source documents and thematic analysis within the creation, it also investigates the notion of reception in a minimalist editorial context where the written and the vernacular languages interfere with each other. For the past 30 years, the 160 publications that have been published, since 1985 to date, have shown slow and difficult beginnings. A trend that would be reversed from the late 1990s, where many publishing houses have emerged, even if it was quite briefly for some of them, with a shared goal: to promote Comorian literature. A new trend will then begin as proven by the number and variety of genres being published, the diversity of the themes discussed, and the direction of the literary assertions of an aesthetic angle in response to identity assertions. At the same time, a form of textual hesitation transpired, shedding a light on a narrative duality, from a narratologic and fictional organisation of the publications, highlighting a type of character-thought creating a form of literal hybridity. Therefore, As a consequence, this thesis proceeds a kind of statement from thirty years of writing according to two axis of analysis. A chronological axis matches elements which are linked to the peopling History with the establishment of a writing for the islands in order to grasp the original context of production; an analytic and hermeneutic axis matching historical and social facts related to subjects or sources of production and revealing the sources of French-speaking Comorian writers’ questionings

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Leal, Cesar A. "RE-THINKING PARIS AT THE FIN-DE-SIÈCLE: A NEW VISION OF PARISIAN MUSICAL CULTURE FROM THE PERSPECTIVE OF GABRIEL ASTRUC (1854-1938)." UKnowledge, 2014. http://uknowledge.uky.edu/music_etds/30.

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Abstract:

Gabriel Astruc (1864-1938), a French impresario of Jewish background, is mostly known for his collaborative work as an impresario with Sergei Diaghilev and his Ballets Russes. His role within Parisian musical culture at the fin de siècle, however, was much broader. He was a critic, creator of a leading periodical, producer of musical and circus events, music publisher, and associate of many important cultural figures of his day. Although Astruc has been mentioned in scholarly literature, his multifaceted activities have never been carefully studied. Following the revisionist initiatives of previous scholars (e.g., Pasler, Huebner, Garafola, Fauser), this project offers a new understanding of Parisian cultural life between 1880 and 1913. Rather than focusing on valued composers such as Debussy or selected avant-garde repertoire, this dissertation considers the panoramic perspective of the Parisian cultural milieu as understood by a well-positioned impresario who participated in diverse, but often intersecting, music circles. It reveals rich interconnections between Astruc’s entrepreneurial, managerial, and publishing endeavors that linked private fêtes and soirées that he produced in elite homes with his ambitious concert series, La Grande Saison de Paris, 1905-1913 – organized through his firm La Sociéte Musicale – and with compositions and contents published in Musica, the magazine he co-founded in 1902. It questions Astruc’s aesthetic preferences and argues that he helped to shape Parisian culture through the promotion, publication, and programming of balanced, eclectic repertoire of new and old, national and international, and light as well as weighty works. This study also chronicles the development of the Théâtre des Champs-Élysées, Astruc’s culminating project that was intended to embrace symphonic, operatic, and chamber performance and to experiment with new juxtapositions and integrations of the arts. Research for this dissertation centered on a compilation and a comparative analysis of wide-ranging materials found in Astruc’s collections at the Archives Nationales and New York Public Library. Unlike earlier studies of fin-de-siècle Paris, this project utilizes previously unexamined publications, musical criticism, published literature, and manuscript material, all originating from or related to Astruc’s diverse activities and observations.

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Rauer, Selim. "Les frontières de l'exil, ou les figures et territoires de l'étranger." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030057.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat, intitulée « Les frontières de l’exil : figures et territoires de l’étranger», vient questionner les notions de frontière et d’exil dans les périodes postcoloniale et post-Shoah. Ces notions sont ici caractérisées comme des territoires à la fois spirituels, politiques, symboliques, et économiques, dans lesquels une expérience de la domination est vécue, souvent subie, par des individus ou des groupes stigmatisés par leur origine ethnique, leur sexe, leur culture, ou leur condition socio-économique notamment. En me rattachant à superstructuration politique, culturelle, et historique de cette expérience de la domination, Selim Rauer tente de montrer comment, dans les ères postcoloniale et post-Holocauste, une économie mondialisée recrée ou intensifie en fait le concept de « zone (s) » - telle qu’il a été défini par Frantz Fanon dans Les damnés de la terre, 1961 – générant ainsi des centres et des marges permettant d’établir des espaces culturels et géographiques procédant d’une généalogie raciale, sexuelle venant soutenir des dynamiques économiques qui dérivent de la théologie politique, comme c’est le cas du néolibéralisme et de l’ultralibéralisme aujourd’hui. La figure de l'ennemi (ou celle de l'adversaire) est au cœur de ce système de pensée. L’ennemi est une représentation biopolitique et théologique essentielle dans une réflexion productive liée à l’altérité, à la figure multiforme de l'étranger, à travers laquelle une conception spécifique de la frontière peut être établie comme limite ou division, plutôt que comme trait d'union. Cette réflexion procède de la lecture et de l’analyse d’un corpus littéraire français et francophone alliant à la fois le roman, le drame, le récit et l’essai de 1945 à aujourd’hui. Les œuvres de ce corpus littéraire sont issues d’écrivains tels que Jean Genet (1910-1986), Patrick Modiano (1945), Bernard-Marie Koltès (1948-1989), Koffi Kwahulé (1956), Marie NDiaye (1967), Wajdi Mouawad (1968), et Léonora Miano (1973). Chacune de leurs œuvres regroupées ici donne à voir une certaine expérience du pouvoir, de l’aliénation, de la souveraineté et de la biopolitique dans un cadre éthique et morale qui inévitablement met en lumière et sonde le « mal ». Un mal qui, comme l'a exprimé Rüdiger Safranski, dérive d’une certaine pratique de la liberté (Le Mal, ou le théâtre de la liberté, 1997/1999) This doctoral dissertation, entitled The Borders of Exile: Figures and Territories of Foreignness, reinterprets the notion of the border as an expanding territory of estrangement and seclusion in the aftermath of colonialism and the Shoah, in an era characterized by global market economies. While allegedly situated beyond racial and sexual hegemonic claims, Selim Rauer shows how this globalized economy, in fact, recreates or intensifies a concept of “zone(s)” --as defined by Frantz Fanon in Les damnés de la terre, 1961--that draws centers and margins, and establishes sites of domination structured by a historical and political unconscious. At the core of this unconscious lies the figure of the enemy or the adversary. The latter is an essential biopolitical and theological representation of otherness and foreignness through which a specific border definition can be established as limit rather than hyphen. Thus, in this project, Rauer scrutinizes a multidimensional literary corpus comprised of works by figures such as Jean Genet (1910-1986), Patrick Modiano (1945), Bernard-Marie Koltès (1948-1989), Koffi Kwahulé (1956), Marie NDiaye (1967), Wajdi Mouawad (1968), and Léonora Miano (1973), each of whose works investigate a certain definition and practice of power and sovereignty as part of an ethical and moral reflection on “evil,” or as Rüdiger Safranski defined it, as the moral and ethical burden that accompanies the practice of freedom (Evil, or the Drama of Freedom, 1997)

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Diallo, Ibrahim Hamza. "Les rémanences mélodramatiques du personnage noir dans les littératures francophones d’Afrique subsaharienne du XXe siècle." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030028.

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Abstract:

Avec Sélico, ou les nègres généreux (1793), Pixérécourt, qui est considéré comme le premier mélodramaturge français, place une représentation inédite du personnage noir au cœur d’un genre théâtral nouveau. Dès le début du XXe siècle, avec la création des premières écoles coloniales, la formation des premiers écrivains noirs et l’émergence de l’africanisme, le genre mélodramatique apparaît comme l’ingrédient indispensable du développement d’une littérature africaine. Le mélodrame trouve un nouveau souffle sur un autre continent, à travers cette rémanence du personnage mélodramatique noir dans les littératures subsahariennes. La première étape de notre recherche interroge cette association d’une forme théâtrale et de la représentation de l’Afrique d’un point de vue géocritique. Considéré tantôt comme édénique tantôt comme périlleux, le continent africain favorise l’apparition de situations conflictuelles qui alimentent le mélodramatique. Dans la deuxième phase, le statut du personnage noir mélodramatique est examiné. Sa perception suit la dichotomie constatée à propos du milieu africain : elle est partagée entre compassion et rejet. Le riche foisonnement des protagonistes de couleur dans les littératures mélodramatiques française et africaine fait du mélodrame un genre théâtral engagé. Le troisième temps de notre réflexion a porté sur les fonctions politiques, sociales et éthiques d’un mélodrame qui cherche à prendre toute sa place dans un monde en désarroi With Sélico, ou les nègres généreux (1793), Pixerécourt, who is considered the first French melodrama playwright, places an original representation of the black character at the heart of a new theatrical genre. From the beginning of the 20th century, with the creation of the first colonial schools, the training of the first black writers and the emergence of Africanism, the melodramatic genre appears as the essential ingredient for the development of an African literature. Melodrama finds new life on another continent, through this persistence of the black melodramatic character in sub-Saharan literatures.The first stage of my research questions this association of a theatrical form and the representation of Africa from a geo-critical point of view. Considered sometimes as Eden-like, sometimes as perilous, the African continent favours the appearance of conflicting situations which fuel melodrama.In the second phase, the status of the melodramatic black character is examined. His perception follows the dichotomy noted about the African environment: it is divided between compassion and rejection.The rich abundance of coloured protagonists in French and African melodramatic literatures makes melodrama a committed theatrical genre. The third step of my reflection focused on the political, social and ethical functions of a melodrama that seeks to take its place in a world in disarray مع Sélico ، ou les nègres généreux (1793) ، يضع Pixerécourt " سيليكو , أو الزنوج الكرماء " بيكسركورت الذي يعتبر أول كاتب مسرحي ميلودرامي فرنسي يمثل تمثيلًا حقيقياً الشخصية السوداء في قلب النوع المسرحي الجديد - منذ بداية القرن العشرين مع بداية إنشاء المدارس الاستعمارية الأولى وتدريب الكتاب السود الأوائل وظهور النزعة الأفريقية ظهر النوع الميلودرامي كمكون أساسي لتطوير الأدب الأفريقي لتجد الميلودراما حياة جديدة في قارة أخرى من خلال استمرار الطابع الميلودرامي الأسود في آداب أفريقيا جنوب الصحراء -تتساءل المرحلة الأولى من بحثي عن هذا الارتباط بالشكل المسرحي وتمثيل إفريقيا في هذا الشكل المسرحي من وجهة نظر جيو-نقدية. تعتبر القارة الأفريقية أحيانًا شبيهة بجنةعدن ، وأحيانًا محفوفة بالمخاطر ، وتفضل هذه الدراسة إظهارالمواقف المتضاربة التي تغذي الميلودراما -في المرحلة الثانية من الدراسة يتم فحص حالةالشخصيةالسوداءالميلودرامية تتبع الدراسة في هذه المرحلة تصور الشخصية السوداء للإنقسام الملحوظ بالبيئة الأفريقية فهي منقسمة في مواقفها بين التعاطف والرفض. توفُّر الأبطال الملونين في الأدب الميلودرامي الفرنسي والأفريقي يجعل الميلودراما نوعًا مسرحيًا ملتزمًا بمواصفات هذا النوع الأدبي - ركزت الخطوة الثالثة من الدراسة على الوظائف السياسية والاجتماعية والأخلاقية لميلودراما تسعى إلى أخذ مكانها في عالم تسوده الفوضى -

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Pagé, Maxime. "Né pour un petit pain : le petit peuple mis en scène dans quatre pièces de la francophonie canadienne." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2020. http://hdl.handle.net/10393/41508.

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Abstract:

Ma thèse étudie la représentation du petit peuple dans quatre pièces de théâtre franco- canadiennes et québécoise des années 1960 et 1970. À l’aide de concepts sociocritiques, je me suis intéressée à la façon dont la classe populaire est représentée dans les œuvres ayant joué un rôle fondateur pour les littératures québécoise, acadienne, franco-ontarienne et franco-manitobaine telles que nous les connaissons aujourd’hui. Dans les années 1960, la montée du nationalisme québécois a entraîné une redéfinition identitaire des communautés francophones du Canada. Les Canadiens français ont cessé de s’identifier comme Canadiens français pour adopter des identités distinctes dotées de nouveaux gentilés (Franco-Ontariens, Franco-Manitobains, etc.). Les œuvres littéraires de cette époque appartenant au courant particulariste mettent en scène des éléments distinctifs, souvent stéréotypés, associés au petit peuple. L’objectif de la thèse est d’étudier ces représentations du peuple, qui ont intégré l’imaginaire social des communautés francophones en question, en lien avec le contexte sociohistorique qui les a rendues possibles. Trois caractéristiques saillantes ont été retenues : la misère, ou la pauvreté, tant économique que culturelle, le rapport à l’altérité, qui permet de tracer les frontières identitaires du groupe, et l’utilisation du vernaculaire comme élément identitaire. Mon étude porte sur quatre pièces de théâtre qui ont joué un rôle fondamental dans le devenir des quatre communautés francophones : Les Belles-Sœurs de Michel Tremblay (Québec), Moé j’viens du Nord, ‘stie d’André Paiement (Ontario), La Sagouine d’Antonine Maillet (Acadie) et Je m’en vais à Régina de Roger Auger (Manitoba). L’étude de ces trois caractéristiques dans les œuvres du corpus a permis d’analyser la mise en scène du petit peuple conformément au stéréotype du Canadien français né pour un petit pain largement répandu dans l’imaginaire social de ces quatre communautés franco-canadiennes.

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Ndome, Ngilla Sylvie. "Nouvelles dramaturgies francophones africaines du chaos." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030076.

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Abstract:

L’émergence de nouvelles dramaturgies africaines francophones depuis les années 1990 annonce un bouleversement dans le paysage littéraire africain. Cette génération d’écrivains contemporains de la diaspora africaine convoquent les notions de fragmentation, déplacement et instabilité qui suggèrent une reconfiguration du chaos dans la production littéraire africaine francophone depuis les indépendances. L’histoire des littératures africaines depuis l’indépendance en 1960 d’une majorité de pays africains colonisés, est marquée par le thème du chaos avec cependant des différences notables. En effet, entre les années 1960 et 1970, les écrivains du « désenchantement » dénoncent le chaos politique et social de l’Afrique à la suite des nouveaux gouvernements autoritaires de la post-indépendance. Les esthétiques théâtrales négro-africaines de la fin des années 1970 et 1980, élaborent en revanche une sortie du chaos africain à partir d’une revalorisation et contextualisation moderne des traditions et mythes africains. Les années 1990 marquent une rupture puisque les nouvelles écritures théâtrales africaines mettent en forme l’espace performatif d’un « chaos-monde » qui témoigne des réalités hybrides de la diaspora africaine à l’échelle locale et globale. Une lecture croisée des oeuvres théâtrales de cette génération dont font partie Caya Makhélé (Congo), Koffi Kwahulé(Côte d’Ivoire), Marcel Zang (Cameroun), José Pliya (Bénin), Kossi Efoui (Togo), et Dieudonné Niangouna (Congo) permet de mettre en lumière les nouvelles approches techniques et esthétiques d’un chaos énergétique. L’étude détaillée de ces nouvelles mises en forme du chaos engage la compréhension de l’enjeu diasporique et la perspective transnationale dans les dramaturgies contemporaines africaines A new type of African Francophone theater has emerged since the 1990s, which announced a breaking point within the African literary landscape. This generation of contemporary writers from the African diaspora engages with notions of fragmentation, displacement, and instability that suggest a reconfiguration of chaos in Francophone African literary productionsince the Independences. The history of African literatures since 1960, when a large majorityof former African colonies became independent, is marked by the theme of chaos with significant differences. Indeed, between 1960 and 1970, writers of the « disenchantment »denounce social and political chaos in Africa following the emergence of new dictatorships inthe post-independence period, African theatrical aesthetics by the end of the 1970s andthrough the 1980s, on the contrary, work on an exit out of the African chaos from the perspective of revalorization, providing modern contextualizations for African myths andtraditions. Since the early 1990s a rupture is established within new African theater that creates a performative space of « chaos-monde », which manifests the hybrid reality of the African diaspora at local and global levels. By reading accross theatrical works by this generation that include Caya Makélé (Congo), Koffi Kwahulé (Ivory Coast), Marcel Zang(Cameroon), José Pliya (Benin), Kossi Efoui (Togo), and Dieudonné Niangouna (Congo), Ished light on the new techniques and aesthetics of an energetic chaos. A close examination ofthese new settings of chaos allows for a better understanding of the diasporic nature and transnational perspective from contemporary African theater

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Ribera, Ruiz de Vergara Ana Isabel. "Proposition d'une méthodologie d'enseignement de la langue orale espagnole pour des étudiants francophones : prononciation/diction, lectures méthodiques et initiation théâtrale." Rouen, 2004. http://www.theses.fr/2004ROUEL480.

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Abstract:

Pour lutter contre l'échec en langue espagnole orale en première année d'Université, autant en Lettres qu'en Sciences, l'auteur entame un travail de recherche sur les raisons de cet échec et sur les moyens qu'il faudrait imaginer pour y remédier. Elle envisage alors la réalisation d'une méthodologie d'apprentissage de la langue orale, dont le premier chapitre serait consacré à l'étude de la prononciation, cause d'erreur majeure pour les étudiants. Après avoir fait une analyse théorique de la phonétique qui met en évidence les sons espagnols inexistants en français, elle présente une méthode renouvelée de l'oral qui se concrétise par un cahier Ejercicios de fonética, accompagné d'un CD, contenant des activités d'application parmi lesquelles des lectures méthodiques issues des courants littéraires d'avant-garde et du théâtre. Pour finir, elle donne les résultats de diverses expérimentations de cette méthode To fight against failure in oral language in the first year of Spanish learning at University, in Letters as much as in Sciences, the author starts a research task based on the reasons for this failure and on the means necessary to remedy it. She then considers the utility of a learning methodology of oral language, whose first chapter would be consecrated to the study of pronunciation, which is a major cause of error for the students. After having made a theoretical analysis of the phonetics which highlights the non-existent Spanish sounds in French, she presents a renewed oral method which is consolidated by an exercice book Ejercicios de fonética, accompanied by a CD. These aids contain application activities among which can be found methodical readings resulting from avant-garde literature and theatre. She finalizes by giving the results of various experiments using this method

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Buchert, Fátima Elizabeth Costa. "L’Impératif Passé: La Mémoire comme protagoniste du théâtre de Michel Tremblay." 2008. http://trace.tennessee.edu/utk_graddiss/478.

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Abstract:

Michel Tremblay, the most important contemporary playwright (and novelist) in Quebec, has written for the theatre for over forty years. The study of his plays, beginning with the very first ones, reveals the capital importance that he attributes to the problem of the past and of memory. This dissertation examines how memory plays the role of protagonist in Tremblay’s drama: the study of Les Belles-Soeurs, (the writer’s first famous play, where memory is a tool for building gender identity), of Le Vrai Monde? (one of his most complex plays, where memory is concretely represented on the stage) and of Encore une fois, si vous permettez and Bonbons assortis au theatre (two autobiographical plays) demonstrates the accuracy of this proposition. Tremblay’s work is evidently integrated into the historical and social context of Quebec, where a preoccupation with memory, registered in their slogan Je me souviens (I remember), is a fundamental component of the imaginary of this people in constant quest for and affirmation of their identity, as well as a testimony to their resistance to the threat of assimilation by the Anglophone world that surrounds them.

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Roy, Fabienne. "Les caractéristiques et l'évolution du théâtre pour le développement en Afrique noire francophone : le cas du Burkina Faso." Mémoire, 2009. http://www.archipel.uqam.ca/2294/1/M10948.pdf.

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Abstract:

Nous présentons ici l'évolution et les caractéristiques du théâtre pour le développement en Afrique noire francophone avec comme principal point de référence l'Atelier Théâtre Burkinabé, compagnie pionnière du genre au Burkina Faso. Cette recherche théorique est complétée par une enquête auprès d'une douzaine de compagnies et une observation sur le terrain lors du Festival International de théâtre pour le développement au Burkina Faso. En premier lieu, nous dressons le portrait sociopolitique et économique du Burkina Faso ainsi que l'historique théâtral du pays. Nous situons les origines du théâtre pour le développement dans les années soixante-dix. Cette période post-indépendance, caractérisée par l'apparition de nombreux problèmes sociaux, entraîna certains organismes de coopération étrangers à chercher des solutions parmi lesquelles figuraient les premières initiatives de théâtre de sensibilisation. Les décennies suivantes se caractérisèrent par une prolifération constante et rapide du genre. En second lieu, nous precisons les principales caractéristiques du théâtre pour le développement. Nous avons constaté de nombreuses similitudes dans le fonctionnement et les pratiques théâtrales de ces compagnies. Elles présentent pour la plupart des spectacles en plein air, en langue nationale, avec un public très diversifié, une scénographie minimaliste et des thèmes variés. Nous décrivons les principales formes de théâtre pour le développement dont le théâtre-forum pratiqué par la majorité des troupes. Puis nous soulignons l'omniprésence de l'humour, du chant, de la danse et de la musique dans les représentations. Finalement, nous abordons une réflexion sur les avantages d'utiliser le théâtre comme outil d'éducation en le comparant avec d'autres modes de communication. Nous démontrons qu'il est efficace par sa communication organique, son accessibilité à tous les publics et sa facilité à traiter des sujets tabous. Ensuite, nous justifions la popularité du théâtre d'intervention en Afrique par le fait qu'il est un « miroir de la société » et qu'il entretient des liens très étroits avec le théâtre traditionnel. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Théâtre, Développement, Afrique, Burkina Faso, Théâtre d'intervention.

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Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre francophone'

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