Academic literature on the topic 'Théâtre (Genre littéraire) – Chœur'
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Journal articles on the topic "Théâtre (Genre littéraire) – Chœur"
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Laillou Savona, Jeannelle. "Genre littéraire et genre sexué dans Hier de Nicole Brossard." Voix et Images 29, no. 2 (2004): 143–55. http://dx.doi.org/10.7202/008777ar.
Full textAbstract:
Résumé La présente analyse porte sur les problèmes posés par l’enchâssement d’une pièce de théâtre à l’intérieur d’un roman. Il s’agit de relier les infractions à la notion de genre littéraire à celles qui concernent le genre sexué, le tout dans une perspective féministe. Parmi les phénomènes textuels d’Hier, ont été retenues la continuité apparente des deux types de fiction (narrative et dramatique), les stratégies postmodernes d’hybridité et de rupture qui affectent la lecture et l’identité des voix et la possibilité de lire la pièce enchâssée comme un texte autonome. Enfin, la présence énigmatique de René Descartes, au coeur de la problématique des genres, suscite l’attention.
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Plourde, Julie. "Un genre en construction : féminité et théâtre à la Congrégation Notre-Dame de Montréal." Cahiers d'histoire 32, no. 1 (2013): 35–56. http://dx.doi.org/10.7202/1020230ar.
Full textAbstract:
Le théâtre et la construction du genre féminin, dans la Congrégation Notre-Dame (CND), semblent avoir été intrinsèquement liés. Genre littéraire pouvant s’exercer à l’oral et s’analyser à l’écrit, le théâtre présentait donc un double intérêt que cette institution éducative sut exploiter afin de former des jeunes filles en accord avec les conventions sociales de l’époque. En examinant l’esprit des fondateurs, en situant le théâtre au sein du programme scolaire et en analysant plusieurs productions écrites de jeunes filles, nous explorerons le pourquoi et le comment de l’utilisation de l’art dramatique par la Congrégation de Notre-Dame. Nous tenterons par là de cerner certaines caractéristiques du genre féminin qui sont transmises à travers cette pratique artistique.
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Galmiche, Julia. "L’interlangue comme théâtre d’apprentissage dans Incendies de Wajdi Mouawad." Voix Plurielles 15, no. 1 (2018): 250–65. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v15i1.1766.
Full textAbstract:
Si la notion d’inter est au cœur des littératures francophones, il en va de même du théâtre, l’espace scénique étant par essence dédié aux interactions. Il n’est donc pas surprenant que ce genre littéraire trouve un tel écho dans les réflexions contemporaines sur l’enseignement des langues étrangères. C’est la raison pour laquelle nous avons choisi de circonscrire notre étude à la pièce Incendies de Wajdi Mouawad, cette dernière s’inscrivant au sein d’une tétralogie, « Le sang des promesses », composée des pièces Littoral (1999), Incendies (2003), Forêts (2006) et Ciels (2009). Notre parti pris consiste à appliquer, par récursivité, le triptyque théâtral metteur en scène/acteurs/scène à l’étude du texte littéraire.
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Cellard, Karine. "Un genre à part. Le théâtre dans les manuels d’histoire de la littérature québécoise, ou l’histoire d’un revirement spectaculaire." Dossier — Histoire du théâtre et théâtre de l’Histoire, no. 39 (May 6, 2010): 47–59. http://dx.doi.org/10.7202/041633ar.
Full textAbstract:
Dans la vulgate critique qu’élaborent au XXe siècle les différents manuels d’histoire de la littérature canadienne-française puis québécoise, le genre théâtral tient une place à part qui s’avère symptomatique de son rapport à l’institution littéraire. D’abord exclu par une élite cléricale et traditionnelle qui le juge plus sévèrement que les autres genres littéraires, le théâtre en vient à représenter de manière emblématique, dans les histoires littéraires contemporaines, la laborieuse accession à la modernité de la collectivité québécoise tout entière. En un survol panoramique des manuels d’histoire littéraire publiés depuis le début du siècle, l’article interroge les formes de la jeune tradition dramaturgique et son économie dans le cadre global de l’histoire littéraire québécoise.
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Bastien, Sophie. "L’esthétique théâtrale chez le jeune Albert Camus." Pratiques et travaux, no. 52 (October 20, 2014): 153–65. http://dx.doi.org/10.7202/1027017ar.
Full textAbstract:
Cet article expose d’abord les nombreuses activités créatrices qu’a exercées Albert Camus en lien avec le théâtre, tant comme art scénique que comme genre littéraire. Sa partie centrale, ensuite, se penche sur la production de la première troupe camusienne, le « Théâtre du Travail », dans les années trente à Alger. En examinant ce pan de la carrière de Camus que la critique a éludé, elle met au jour une esthétique surprenante. L’article montre finalement en quoi ces audaces formelles annoncent des traits fondamentaux du répertoire camusien plus connu (celui de la décennie quarante), et se retrouvent aussi chez l’homme de métier qui prospère au Festival d’Angers dans les années cinquante.
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Gérin, Pierre. "Une tentative de réhabilitation du patrimoine théâtral acadien : l’édition critique de Subercase ou les Dernières années de la domination française en Acadie d’Alexandre Braud (1902, 1936)." Études, no. 20-21 (July 10, 2012): 111–22. http://dx.doi.org/10.7202/1010327ar.
Full textAbstract:
À l’exclusion du Théâtre de Neptune de Marc Lescarbot (1609) et des Acadiens à Philadelphie de Pascal Poirier (1875), c’est sur les scènes des collèges que débute le théâtre acadien dont le chef-d’oeuvre est assurément Subercase – Drame historique en trois actes, d’Alexandre Braud (1902). À cette époque, le théâtre collégial prend un grand essor au Canada français où il se distingue dans le genre dramatique. Cette oeuvre, louée par la critique et publiée en feuilleton dans Le Moniteur acadien, la même année, a une histoire mouvementée. Ayant perdu le manuscrit original, l’auteur réécrit partiellement, à Québec où il réside, la pièce qui est jouée sur une scène paroissiale de cette ville, en 1936, et qui appartient donc aussi au théâtre québécois. Après un long purgatoire, elle ressort de l’oubli : elle est présentée, citée et commentée dans des travaux d’histoire littéraire acadienne et dans des thèses. Pourtant, un obstacle à sa lecture et à sa diffusion réside dans son inaccessibilité. L’édition critique de ce drame est l’occasion de mettre celui-ci à la disposition du public lecteur dans la communauté acadienne et ailleurs dans la francophonie. Cependant, des choix éditoriaux s’imposent quant à l’établissement du texte, à la notation des variantes et à la constitution des appendices. Cette édition vise à faire connaître ou redécouvrir une forme d’art dramatique, certes tombée en désuétude, mais qui ressortit aux patrimoines culturels acadien, québécois et canadien-français.
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Gauthier, Vicky. "Le crime fantastique dans _Le grand saigneur_ de Rachilde." Voix Plurielles 8, no. 2 (2011): 54–64. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v8i2.446.
Full textAbstract:
Marguerite Eymery-Vallette (1860-1953) – plus connue sous son pseudonyme d’homme de lettres Rachilde et davantage encore pour la controverse qu’elle a créée avec la parution de sa troisième œuvre, Monsieur Vénus, roman matérialiste (1884) – a énormément publié tout au long de sa carrière littéraire (on dénombre plus d’une soixantaine d’œuvres : romans, nouvelles, contes, pièces de théâtre, etc.). Écrivant à une époque dite décadente, Rachilde y brille par ses œuvres subversives, abordant entre autres les pratiques sexuelles dépravées (sadomasochisme, nécrophilie, zoophilie, etc.), mais surtout le crime (qu’il soit question de meurtre, de viol, de suicide, etc.). Ainsi, son personnage de prédilection est le marginal, le criminel dénué de morale. Cet article portera donc sur la façon dont le crime (et donc le criminel) chez Rachilde verse dans le fantastique, plus spécifiquement dans un fantastique du monstrueux moral que je définirai dans un premier temps. Le roman de Rachilde, Le Grand Saigneur (1922), servira ensuite d’exemple significatif de ce monstrueux moral, notamment par l’étude du personnage éponyme de l’œuvre, soit le marquis Yves de Pontcroix, qui incarne ce criminel arborant les traces tant morales (tempérament sauvage et étrange) que physiques (force hors du commun, pâleur de la peau, etc.) de sa monstruosité. C’est donc dire que face au(x) crime(x) (ou au criminel) le fantastique semble s’imposer de lui-même en guise d’explication : le genre humain ne peut vraisemblablement avoir quelque chose en commun avec cette monstruosité (ou ce monstre moral, pour reprendre les mots de Michel Foucault dans Les Anormaux). En somme, cet article se penchera sur la spécificité de l’écriture rachildienne, qui, dans le cas du roman Le Grand Saigneur, attribue une dimension fantastique au personnage criminel, renforçant d’autant plus la preuve de sa difformité (monstruosité) et de sa culpabilité.
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Dimitrova, Diana. "Le théâtre hindi – l’identité culturelle et l’imaginaire hindou." Studies in Religion/Sciences Religieuses, May 7, 2021, 000842982110078. http://dx.doi.org/10.1177/00084298211007825.
Full textAbstract:
Cet article s’intéresse à la notion d’identité culturelle ainsi qu’à l’imaginaire hindou et à son influence sur la création du canon du théâtre hindi moderne. Pour ce faire, nous examinerons les segments culturels qui ont influencé le développement du genre dramatique en langue hindie. Les implications idéologiques de la construction de la tradition du théâtre hindi en tant que forme néo-sanskritique, niant les influences occidentales et islamiques, seront également discutées. Bien que la « redécouverte », après les années 1960, des traditions théâtrales folkloriques/indigènes/ deśī ait été fort importante, nous avançons qu’elle n’a pas été suffisante pour relancer et arrêter la disparition du théâtre hindi moderne puisque ces traditions n’ont pu représenter l’identité culturelle indienne. Nous proposons de comprendre l’identité culturelle indienne comme une catégorie pluraliste, qui est informée par de multiples segments culturels, comme les traditions occidentale et brahmanique, les traditions littéraires islamiques et indigènes. Par conséquent, il s’ensuit que toutes les écoles du théâtre hindi – néosanskritique, naturaliste et nativiste – représentent l’identité culturelle indienne et devraient faire partie du canon littéraire hindi.
Dissertations / Theses on the topic "Théâtre (Genre littéraire) – Chœur"
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Arnason, Arni Lukas. "L’Encadrement théâtral : une étude de la pratique et de la fonction herméneutique du parathéâtre en France au XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040154.
Full textAbstract:
Les études littéraires du théâtre ont tendance à considérer la pièce comme si elle constituait à elle seule la totalité de la représentation. Or les pièces de théâtre du XVIIe siècle étaient presque toujours « encadrées » par divers ornements parathéâtraux : prologues, épilogues, chœurs et intermèdes. La représentation était constituée de la pièce, encadrée par ces ornements. Le dessein de cette thèse est double. Nous étudierons, dans un premier temps, la façon dont chaque forme d’encadrement était intégrée à la représentation et quelle fonction pratique les professionnels du spectacle de l’époque lui attribuaient. Nous analyserons, dans un deuxième temps, la façon dont les encadrements influencent l’interprétation de la pièce principale. L’objectif de cette étude est d’illustrer l’utilité herméneutique des encadrements et de démontrer qu’ils sont de véritables clés d’interprétation de l’œuvre, laissées par les auteurs et acteurs du Grand Siècle, qui nous permettent d’appréhender le sens de la pièce tel qu’il était conçu au XVIIe siècleLiterary studies of theatre have tended to focus on the play itself as though it were the only element of the representation. In reality, however, seventeenth century plays were almost always “framed” by various paratheatrical ornaments such as prologues, epilogues, choruses and intermèdes. Together the play and its complementary encadrements formed a dramatic whole. The purpose of this thesis is twofold. We will first undertake a practical study of each paratheatrical form in order to determine exactly how it was integrated into the performance and what its practical function was perceived to be. We will then analyse the way in which encadrements influence the interpretation of the play. The primary interest of this study is to illustrate the way in which paratheatre is used to direct the spectator’s interpretation. We hope to demonstrate the interest of these “frames” as guides left by the authors and actors of the Grand Siècle, helping us to better understand the meaning of dramatic works as they were perceived in their own time
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Bentz-Moffet, Noémie. "Jeux intertextuels et échanges agonistiques : analyse dramaturgique de "Jocelyne est en dépression : tragédie météorologique" d'Olivier Choinière." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28023.
Full textAbstract:
Cette étude constitue la première analyse approfondie de Jocelyne est en dépression : tragédie météorologique d'Olivier Choinière. Parue en 2002, elle mélange en toute liberté des tons, des références sociales et des formes théâtrales. En employant les jalons de l'analyse dramaturgique et en nous concentrant strictement sur le texte de la pièce, nous avons pour objectif de cerner au plus près les rapports qui unissent les deux personnages centraux, le Choeur Contemporain et Évelyne, afin de mieux saisir à quoi tient le conflit. Nous analyserons d'abord la présence de marques issues de la tragédie grecque. Il sera particulièrement question des indices fournis au fil du paratexte. Nous faisons l'hypothèse que les relations entre les personnages principaux sont influencées par une forte intertextualité. Ensuite, nous nous emploierons à dégager certains rapports de force à travers les dialogues auxquels participent ces mêmes personnages. Olivier Choinière ayant composé une pièce où le conflit s'exprime sous la forme d'un débat, nous voulons examiner la construction particulière des répliques. En outre, constatant la présence d'éléments caricaturaux et stéréotypiques, nous envisagerons la possibilité que la pièce de Choinière présente des critiques et qu'elle mette de l'avant des travers québécois. En conclusion, cette analyse veut souligner l'originalité du travail de Choinière et la variété des repères formels, stylistiques et même culturels que nous trouvons au sein de son oeuvre.
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Baudou, Estelle. "Une archéologie du commun : mises en scène du chœur tragique dans les théâtres nationaux (1973-2010 – Allemagne, France, Royaume-Uni)." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100044/document.
Full textAbstract:
À partir des mises en scène de L’Orestie d’Eschyle, d’Œdipe roi de Sophocle et des Bacchantes d’Euripide diffusées dans les institutions nationales en Allemagne, en France et au Royaume-Uni entre 1973 et 2010, la thèse procède à une archéologie du commun, en explorant, d’une part, le concept de commun, et en particulier ses enjeux politiques, à travers une analyse des mises en scène contemporaines du chœur tragique et en étudiant, d’autre part, ces mises en scène à travers l’expression du commun. Ce travail propose donc de mettre au jour la construction et la circulation du discours sur le commun dans et entre ces trois pays. L’analyse des spectacles, d’abord, expose les éléments qui font ou entendent faire du chœur une incarnation du commun et met en perspective ces choix avec la réception de la tragédie grecque. Le discours sur le commun qui se construit ainsi au théâtre est ensuite confronté aux discours philosophiques et anthropologiques du moment mais aussi aux événements économiques, politiques et sociaux afin de faire apparaître les échos, les analogies, les ruptures et les discontinuités. Ainsi, entre 1973 et 1980, la mise en scène du chœur des Bacchantes a donné du commun une représentation utopiste où la communauté est fondée par le rituel. Dès 1980, à partir des Orestie de Peter Stein et Peter Hall qui tiennent lieu de modèles, le chœur devient un collectif où ce que les individus ont en commun est précisément leur singularité. Dans la continuité, jusqu’en 1999, les mises en scène d’Œdipe roi racontent la naissance de l’individu moderne à laquelle le chœur sert de cadre archaïque. Enfin, et malgré les tentatives dans des mises en scène de L’Orestie, au tournant du millénaire, pour refonder la communauté à partir d’une mémoire commune, les tragédies grecques montées dans les années 2000 présentent un désespoir de communautés – au double sens objectif et subjectif de l’expression. Cette archéologie du commun, qui reflète la globalisation à l’œuvre, est donc en creux une archéologie de l’individuAnalysing productions of Aeschylus’ The Oresteia, Sophocles’ Oedipus the King and Euripides’ The Bacchai in national theatres in France, Germany and the United-Kingdom between 1973 and 2010, this thesis proposes an archaeology of the common (in the sense of « what we have in common ») both exploring the political implications of the concept – thrown into sharp relief by the various ways ancient choruses were staged – and studying the productions themselves through the type of community that they make manifest. This work intends to highlight the construction and the circulation of contemporary discourses about the common within, and between, these three countries. Performance analyses first focus on the elements that make, or intend to make, the chorus into an incarnation of the common and put these choices into perspective through the reception of Greek tragedy. The discourse about the common thus built in theatres, is then confronted with philosophical and anthropological discourses, as well as with economic, political and sociological events in order to call attention to echoes, analogies, disruptions and discontinuities. Thus, between 1973 and 1980, performances of choruses in The Bacchai were built upon rituals, putting forward a utopian conception of the common. From 1980 onward, as Peter Stein’s and Peter Hall’s Oresteia became established models, the chorus morphed into a collective in which individuals had their singularity in common. Following this, until 1999, the performances of Oedipus the King hailed the birth of the modern individual, for whom the chorus acts as archaic backdrop. Lastly, and despite attempts in performances of The Oresteia at the turn of the millennium to rebuild a community out of common memory, Greek tragedies staged in the 2000s show the despair of, and about, communities. This archaeology of the common, reflecting the globalisation of European societies, is therefore indirectly an archaeology of the individual
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Lochert, Véronique. "L'écriture du spectacle : formes et fonctions des didascalies dans le théâtre européen des XVIe et XVIIe siècles." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040201.
Full textAbstract:
Cette étude explore les modalités de l'écriture et de la lecture du spectacle dans le texte dramatique, à travers les formes et les fonctions des didascalies, et leurs variations en France, en Italie, en Espagne et en Angleterre, du XVIe au XVIIe siècle. Elle met au jour l'émergence d'une notation spécifique du spectacle dans les pratiques des dramaturges, des acteurs et des éditeurs, en s'appuyant sur la théorie du théâtre. La didascalie est envisagée dans sa double fonction, au service de la représentation et de la lecture, à laquelle correspondent des formes stylistiques et typographiques qui lui assurent une efficacité simultanée auprès des acteurs et des lecteurs. Qu'elle soit redondante ou complémentaire, la didascalie joue un rôle essentiel dans l'économie du dialogue dramatique et la diversité de ses emplois en Europe révèle le statut conféré au texte dramatique dans les différentes esthétiques nationalesThis study investigates the modes of writing and reading performance in the dramatic text through the forms and functions of stage directions and through their variations in France, Italy, Spain and England, from the sixteenth to the seventeenth century. It analyses the development of a specific notation of performance in the practices of playwrights, actors and editors, which are brought into light by the theory of theatre. Stage direction is approached in its double function, serving both performance and reading, in relation with style and typography which ensure its efficiency for actors as well as for readers. Whether redundant or complementary, stage direction plays an essential role in the economy of dramatic dialogue and the diversity of its uses in Europe reveals the status of dramatic text in the different national aesthetics
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Verdet, Bruno. "La crise symbolique du theatre : elements d'une critique sociale, politique et economique de la crise symbolique du theatre en france, a la fin des annees quatre-vingt." Reims, 1992. http://www.theses.fr/1992REIMD001.
Full textAbstract:
En depit des efforts accomplis par les pouvoirs publics en faveur du theatre et de sa democratisation, le theatre est, en france, depuis plus de vingt ans, l'objet d'une desaffection et d'une elitisation croissantes. Pour de nombreux observateurs, le declin social du theatre s'accompagne d'une crise symbolique, veritable crise d'identite de l'art theatral dont l'absence quasi-totale de textes dramatiques contemporains dans la creation theatrale de ces trente dernieres annees est le signe le plus marquant. Au-dela des raisons externes a cette crise (avenement des nouveaux medias), l'auteur s'interroge d'une part sur le lien entre le declin social du theatre et l'evolution contemporaine de l'art theatral, et d'autre part sur le role determinant que les pouvoirs publics, par le biais de l'ideologie et de l'economie politique ont, malgre leurs intentions initiales, joue dans la crise symbolique du theatreIn spite of the efforts accomplished by the authorities in favour of theatre and its democratisation, theatre is becoming, in france, for more than twenty years, always more impopular. For many observants, at this social decline of theatre, we must join a symbolic crisis, real identity crisis of the dramatic art. The most significant sign of it is the present lack of dramatic authors. The author of this thesis examines first the external reasons of this crisis (specially the new medias), then the connection between the theatre'social decline and the development of the contemporary dramatic art and finally the role played by the authorities, via ideology, economy and politics in the theatre'symbolic crisis, in spite of their initial purposes
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Kim, Young-eun. "L'héritage des formes traditionnelles dans le théâtre contemporain coréen." Aix-Marseille 1, 2008. http://www.theses.fr/2008AIX10020.
Full textAbstract:
Cette thèse vise à montrer l'héritage des formes traditionnelles du théâtre coréen aujourd'hui. Appréhendé selon le concept d'"unité-totalité", le théâtre traditionnel, en particulier le "théâtre de masques" et le "P'ansori", se construit par une harmonisation de ses différents composants et s'établit par une invention et un assemblage de ces relations. Toutes les unités ou éléments théâtraux (personnage, temps, espace, objets, action, acteur, spectateur, etc. ) sont à la fois autonomes et inter-dépendants, chaque unité existant en présence de chacune des autres et grâce à elle, et tous ls signes qui en émergent s'auto-activant. Les conceptions et pratiques dramaturgiques sont à l'orgine d'un spectacle "participatif et total". Deux pièces conmporaines, "Lune, lune, claire lune" de Choi In-hun et "Les membranes foetales" d'O. Taesôk, traduites ici, viennent revivifier les formes traditionneles dans la scène contemporaine soulignant plus les effets mélodiques et rythmiques que les effets littéraires, de façon à toucher directement les sensibilités.
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Coray-Dapretto, Lorenza. "Le théâtre communautaire sud-africain : théâtre intertextuel par excellence." Grenoble 3, 1995. http://www.theses.fr/1995GRE39017.
Full textAbstract:
Dans l'approche du theatre communautaire sud-africain des townships noires, nous avons privilegie l'etude de l'autre et de la communaute, qui utilisent cette forme de theatre comme moyen d'expression. Nous nous sommes basee sur une theorie dynamique et dialogique inspiree essentiellement de mikhail bakhtine. Nous mettons en evidence les composantes intertextuelles de ce theatre principalement oral, et qui incorpore presque toujours des chants, de la musique et de la danse. L'intertextualite concerne le rapport texte-representation, l'interaction avec le public et le contexte social. Chaque representation est un evenement unque et non reproductible. Differents autres concepts forts, comme la hierarchie et la lutte pour le pouvoir, la culture et la tradition, sont venus enrichir les reseaux de cette intertextualite, que nous avons etudies autant du point de vue du processus en oeuvre que de celui des pieces theatrales realisees. Plusieurs groupes artistiques sont examines de maniere detaillee, sur la base d'interviews et de cassettes audio et video que nous avons personnellement enregistrees sur le terrainIn our approach to south african community-based theatre in the black townships, we have focused attention on the study of the other and of the community, who use this form of theatre as a means of expressing themselves. We refer to a dynamic and dialogic theory, ssentially inspired from mikhail bakhtin. We point out the intertextual components of this basically oral theatre, which almost always embodies some songs, along with music and dances. This same intertextuality involves the link between text and performance, as well as the interaction with the audience and the social context. Every performance is in itself unique and non reproducible. Various other major concepts, like hierarchy and the struggle for power, the interpretation of culture and tradition, enrich these networks of intertextuality, which are investigated both with regard to the process at work and to that of the theatre pieces already completed. We have examined several groups of artists in detail, on the basis of some interviews and studio or video cassettes that we have personally recorded in the field
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Antoine, Fabrice. "Contribution à l'étude de l'œuvre dramatique de Sir John Vanbrugh (1664-1726)." Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1985PA100038.
Full text
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Gourg-Combres, Claude. "Le théâtre anglais de 1946 à 1956 : les racines de la colère." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1991PA040160.
Full textAbstract:
L'insatisfaction chronique des milieux du théâtre, tout au long de la période 1946-1956, incite à rechercher les raisons du divorce théâtre société, à travers une double étude des domaines social et théâtral. Les mutations nées de la guerre plongent la nation dans une sévère crise, économique d'abord, d'identité ensuite, cristallisée en même temps qu'exorcisée par le festival de Grande-Bretagne de 1951. Le théâtre, quant à lui, souffre d'un double marasme : économique d'abord du fait de contraintes désuètes ; ce qui entraine - pour partie une crise de la création. Un examen synoptique de la production effective fait ressortir la part relative de la création anglaise. Une typologie des auteurs permet d'en situer vingt-deux. Par une démarche analytique ensuite, on dégage la tonalité dominante de ce théâtre et on repère des traces de modernité, c'est-à-dire d'harmonie avec l'époque. Ici, la notion de rôle. Se révèle opératoire, elle-même revue à la lumière des méthodes de l'analyse transactionnelle selon Éric Berne. L'intervention de l'État, la mise en place de structures d'avenir donnent lieu à des historiques. Enfin, une étude textuelle de Look back in anger, une comparaison de Now Barabbas. . . (W. Douglas-Home) et de The quare fellow (B. Behan) permettent d'identifier la spécificité d'un nouveau langage théâtralThe chronic discontent that pervaded the theatre world between 1946 and 1956 has led us to investigate the origins of the ever-widening gap between the theatre and society. Post-war socio-political transformations accounted for a severe economic crisis, reflected in an identity crisis that was crystallized and exorcised by the 1951 festival of Britain. The theatre itself, suffered from a two-pronged crisis: an obsolete system of financing, and what was felt to be a dearth of new playwrights. A survey of the plays actually staged has enabled us to pinpoint the comparative share of English creation. Twenty-two authors have been introduced. Using an analytical approach, we have attempted to capture the "tone" of post-war drama, as well as to spot criteria of modernism, that is, of relevance to the mood of the time. We have used the concept of role, together with Eric Berne's transactional analysis. A history of state intervention and of the creation of promising structures has been outlined. Finally, a textual analysis of look back in anger, as well as a comparative study of Now Barabbas. . . (W. Douglas-Home) and of The quare fellow (B. Behan), bring out emerging distinctive features
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Fandi, Siham. "Le théâtre syro-libanais et les influences françaises (1847-1914)." Aix-Marseille 1, 1992. http://www.theses.fr/1992AIX10017.
Full textAbstract:
La premiere partie est consacree a l'etude de la genese du theatre syro-libanais. La premiere oeuvre theatrale, ecrite et jouee, en arabe, est l'oeuvre de marun al-naqqach, ou l'influence de moliere et de la farce italienne est frappante. Le theatre suro-libanais arrive a son apogee, en egypte, grace a des auteurs tels que salim al-naqqach, qabbani et qirdahi. En effet, notre etude s'etend des premieres representations religieuses jusqu'a l'apparition de la premiere piece ecrite et jouee en arabe; elle porte, d'une part, sur le rapport entre le theatre syro-libanais et le patrimoine arabo-musulman, et, d'autre part, sur l'influence du contact occidental avec la syrie-liban dans l'apparition de l'art dramatique et dans la renaissance arabe moderne dans cette region, uniquement. La seconde partie est consacree a l'etude des influences etrangeres, notamment francaises, sur ce theatre. L'art dramatique classique francais, notamment celui de racine, corneille, moliere et hugo, est une source d'inspiration principale pour les dramaturges syro-libanais. Concernant les oeuvres traduites, les sujets sont tires de l'histoire greco-romaine et espagnole, quant aux oeuvres composees, elles puisent leurs sujets dans l'histoire arabo-musulmane. L'oeuvre de qabbani, et son influence, fera l'objet d'un chapitre a part. Le probleme de la traduction et de la creation des mots et des termes techniques a ete etudie en detail. Enfin, a partir de 1914, c'est l'influence anglo-americaine qui pendra la place de celle de la france. .The first part of this study deals with the genesis of the syrian-libanese theatre. The first theatrical work written and played in arabic, largely influenced by moliere and italian farce, is that of marun al-naqqach. The syrian libanese theatre reached its climax in egypt through the works of salim al-naq qach, qabbani and qirdahi. Our study extends from the first religious presentations until the appearance of the first written arabic play which is a product of arabic islamic heritage, modern arabic renaissance and western drama. The second part of our study deals with foreign influences mostly french, like racine, corneille, moliere and hugo who were the major source of inspiration for syrian-libanese dramatists. These dramatists relied on the greek-roman and spannish histories for their subjects. The work of qabbin and its influences are presented in a separate chapter. And the problem of translation and production of technical terms and words are also studied in detail
Books on the topic "Théâtre (Genre littéraire) – Chœur"
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The Sophoclean chorus: A study of character and function. University of Iowa Press, 1987.
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1950-, Cousineau Anne-Marie, ed. Le malade imaginaire: Comédie mêlée de musique et de danses : texte intégral. Éditions du Renouveau pédagogique, 2007.
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9
Berthier, Patrick. Le théâtre au XIXe siècle. Presses universitaires de France, 1986.
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Caminiti Pennarola, Léa. "Le genre de la féerie dans le théâtre de Flaubert." In Flaubert et la théorie littéraire. Presses de l’Université Saint-Louis, 2005. http://dx.doi.org/10.4000/books.pusl.21865.
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