Dissertations / Theses: 'Théâtre (genre littéraire) cubain – Thèmes, motifs'

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Vasserot, Christilla. "Les avatars de la tragédie dans le théâtre cubain contemporain, 1941-1968." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030059.

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Abstract:

L'expression theatre cubain porte en elle plus que la simple determination d'une categorie artistique et d'un lieu. Elle designe un art toujours en quete d'une expression qui lui soit propre : la dramatisation et la mise en scene d'une identite nationale, la recherche de formes specifiquement cubaines. Cette quete a engendre differents types d'experiences theatrales. Pourtant, au-dela de la diversite des genres, des irregularites qualitatives et, bien sur, des specificites individuelles, une serie de points communs, echos ou correspondances, permettent de postuler l'existence d'une generation. C'est un tel constat qui a motive cette etude, visant a exposer une serie de perspectives dans le but de definir une ecriture dramatique cubaine contemporaine. C'est plus precisement sur les annees 1941 a 1968 que porte cette recherche (les deux dates sont symboliques et correspondent respectivement a la composition et a la publication des pieces de virgilio pinera et anton arrufat : electra garrigo et los siete contra tebas). Elles representent une etape de renovation theatrale, dominee par la volonte de creer une dramaturgie specifiquement cubaine mais qui assimile les techniques et les modeles esthetiques des avant-gardes internationales. Le choix de la tragedie comme axe federateur des pieces abordees dans cette etude n'est pas fortuit. Force est de constater que l'appropriation du genre tragique va de pair avec les recherches les plus riches menees par les dramaturges de l'epoque : - la renovation des formes traditionnelles de la dramaturgie cubaine - la quete de modernite dans la filiation avec les modeles etrangers - l'invention d'un genre qui soit l'instrument original et adequat pour l'expression de ce qu'il est commun de nommer cubania ; l'elaboration d'une forme nationale et contemporaine : la tragedie cubaine, que nous nous efforcons de definir tout au long de ce travail
The expression cuban theatre means much more than an artistic category or a place. It represents an art always seeking for its own style : the dramatization and the production of a national identity, the search of typical cuban forms. This quest had created different kinds of theatre's experiences. Nevertheless, beyond the diversity of genres, different levels of quality, and of course individual specificities, several common points and similarities allow us to assert the existence of a generation. Such observations justify our study that aims at presenting a serie of thoughts in a way to define a contemporary cuban dramatic way of writing. This study more precisely deals with a period of time between 1941 and 1968 (these two dates are symbolic and related to the composition and the publication of virgilio pinera and anton arrufat's plays : electra garrigo and los siete contra tebas). These years represent a step of theatre's revival that was marked out by the will to create a specifically cuban dramaturgy using technics and aesthetic models of international avant-garde. The choice of tragedy as the federative element of the plays mentioned in this study is not fortuitous. The appropriation of the tragic genre is indeed linked to the most interesting researches carried out by the authors of that period : - revival of the cuban dramatic art's traditonal forms - quest of modernity related to foreign models - creation of an appropriate genre to express what is commonly called cubania ; elaboration of a national and contemporary style : the cuban tragedy, which we define in our whole study

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Nardo, Flavia. "La "cubanía théâtrale" : la spécificité du théâtre cubain de 1959 à nos jours." Phd thesis, Université de Strasbourg, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00809641.

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Abstract:

Il est très délicat de parler " d'identité " cubaine sans la problématiser, la nuancer ou la circonstancier. Cuba est pourtant une île fouettée par des courants venus de tous les horizons, un creuset où se sont mêlées les cultures qui semblent définir son caractère propre. Le cas du théâtre est un exemple incontestable. Le théâtre cubain est un art plus ou moins sinistré à l'intérieur même de ses frontières. Mais après la révolution il commence à renaître. Le théâtre cubain a accompagné l'histoire de la révolution cubaine au milieu d'un siècle de grandes guerres et de mouvement de libération nationale. L'éclosion des années 1960 paraît ainsi être l'apogée de l'écriture dramatique cubaine, et la représentation dans le pays, de ce fait, le théâtre cubain rencontre une spécificité propre à l'intérieur et en dehors de l'île. Les dramaturges cubains représentent dans leurs œuvres la thématique cubaine dans et en dehors de l'île, intimement lié à la circonstance politique révolutionnaire et à ses conséquences dans la famille cubaine et l'individu. Tout ceci participe du " cubain ", autant d'exemples qui montrent la difficulté de parler d'un théâtre cubain. Il n'y pas qu'une seule façon de faire du cubain, car chaque auteur, chaque histoire est différente et implique différentes manières de percevoir " la cubania ", que ce soit dans l'aspect comique, tragique, réaliste, " absurdiste " ou politique, la spécificité de l'île est bien là.

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Montes, Melendi Maria. "Le "nouveau théâtre", le masque, le jeu et le tragique dans l'oeuvre dramatique de Virgilio Piñera." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030106.

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Abstract:

Ce travail examine la production théâtrale de Virgilio Piñera (1912-1979) selon les axes dramatiques et thématiques les plus importants, imbriqués dans une œuvre dont la caractéristique primordiale est de pouvoir trouver sa place dans le courant du « nouveau théâtre ». Cette assertion est confirmée par l’analyse des principales catégories dramaturgiques et de l’évolution de certaines d’entre elles vers le perfectionnement de la « forme nouvelle ». On démontre également l’existence, dans de nombreuses pièces, d’allusions obliques ou masquées à la réalité cubaine qui enrichissent le texte tout en laissant au spectateur sa liberté d’interprétation selon l’expérience qu’il a ou non du contexte. Ceci constitue un trait particulier du théâtre de Piñera. L’étude du « jeu », au sens large du terme, permet d’aborder la théâtralité, la parodie, l’intertextualité dont l’intervention répétée est propre à ce dramaturge. Ces recours que l’on trouve aussi dans le « nouveau théâtre » européen (Ionesco, Becket) montrent aussi le rattachement de l’œuvre de Piñera à ce mouvement. Finalement, en posant la question du tragique, on met en évidence que la vision du monde qu’a l’auteur cubain est liée à sa conception de la condition et de la nature humaine. Cette vision tragique prend corps dans ses pièces à travers la simple présentation de la violence inhérente au monde mais aussi lorsqu’il la fait volontairement porter par certaines catégories dramaturgiques. Porter l’interrogation sur ces différents thèmes permet de mettre en évidence des aspects non encore relevés par les analyses du théâtre de Piñera et de démontrer le renouveau du tragique que cet auteur introduit dans ses pièces
This thesis examines the theatrical production of Virgilio Piñera (1912 – 1979) via the major dramatic and theatrical ideas which overlap in his plays, in which their fundamental characteristic is to find a place in the “New Theatre” of the 1950s. This assertion is confirmed by analyzing the principal dramatic categories, and the development of several of these towards a perfection of the “new form”. In addition, we show that in many plays there is an oblique or veiled allusion to a Cuban reality which, while enriching the text, leaves the spectator free to interpret according to his experience of the context, or lack thereof. This constitutes a particular feature of the theatre of Piñera. Studying the “game”, in the larger sense of the word, enables us to approach the repeated use of theatricality, parody, and intertextuality which is unique to this playwright. These resources, which we find in the “New Theatre” in Europe (Ionesco, Beckett), show a link between the work of Piñera and this movement. Finally, in questioning the tragic element, we provide evidence that this Cuban playwright’s vision of the world is inseparable from his conception of human nature and of the human condition. By showing a violence inherent in the world, and by employing various dramatic categories, this tragic vision is supported and takes form in his plays. Questioning these various themes permits us to reveal unexplored aspects of Piñera’s theatre and to show the renewal of the tragic element by this playwright

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Poirson, Martial. "Comédie et économie : argent, moral et intérêt dans les formes comiques du théâtre français (1673-1789)." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100146.

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Abstract:

L'économie, et à travers elle, les représentations de l'argent, marque profondément pratique et théorie dramatiques de l'ensemble des répertoires depuis le dernier tiers du XVIIe siècle jusqu'à la Révolution française, en particulier dans les formes comiques et même pathétiques. C'est ce que révèle l'enquête menée à partir d'une sélection de plus de 330 pièces, manuscrites ou imprimées, pour la plupart représentées, et écrites par plus de 100 auteurs dramatiques entre 1673 et 1789. Et c'est ce que je propose d'expliquer par une interprétation fondée sur l'anthropologie littéraire qui croise les approches de l'économie, la sociologie, l'histoire, l'analyse littéraire et dramaturgique. Confrontés à une nouvelle économie du spectacle vivant qui s'organise autour de l'entreprise théâtrale en pleine expansion et dissimule de moins en moins le jeu libre de la concurrence ; mais aussi, plus que jamais soucieux d'acquérir un véritable statut socio-économique leur permettant de quitter la multiactivité et de jouir de plein droit de la propriété intellectuelle de leur travail artistique, les dramaturges se comportent et surtout se conçoivent, pour la plupart, comme des agents économiques. C'est une des raisons pour lesquelles ils se saisissent, dans leurs fictions dramatiques, de l'actualité économique et sociale, mais aussi du langage et des idées situés au centre des grands débats qui animent la science économique alors émergente, non pour les transcrire, mais pour les transposer au moyen d'une médiation symbolique à travers des fictions économiques qui mettent en jeu la relation d'équivalence entre signe monétaire et signe dramaturgique. L'argent s'immisce dans toutes les dimensions de l'univers comique de ces fictions, en particulier les intrigues amoureuses, matrimoniales et familiales, mais aussi les les relations domestiques et jusqu'aux liens sociaux. Les comédies s'orientent vers la dramatisation soit de la réalité des pratiques, soit de la portée imaginaire des conceptions économiques. Ce faisant, elles mettent en place un dense réseau de métaphores économiques qui place le corps et le langage au coeur d'un double système analogique. Elles constituent autant d'expérimentations fascinées des modesde fonctionnement de l'économie, que tantôt elles glorifient, tantôt elles stigmatisent. Elles relèvent surtout d'une poétique de l'intérêt fondée sur une dramaturgie d'économie qui place l'argent, sa circulation, son échange et la croyance économique elle-même au fondement du système de l'intrigue des personnages, mais aussi du genre comique en lui-m^eme, y compris sous ses formes pathétiques, au moyen d'une structure homologique entre comédie et économie. Elles épousent en outre, non sans contradictions, des idéologies aussi dífférentes que celle de l'intérêt privé universel, fondement d'une morale de l'individu, de la réalisation matérielle et celle du don secularisé et de la bienfaisance envers une humanité réconciliée, base d'une éthique collective ; mais elles peinent à adopter une position cohérente sur la question de la mobilité sociale, pierre d'achoppement d'un ordre nouveau.

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Heitz, Raymond. "Le drame de chevalerie dans les pays de langue allemande à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle : théâtre, nation et cité." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040087.

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Abstract:

Le succès retentissant du drame de chevalerie dans les pays de langue allemande à la fin du dix-huitième et au début du dix-neuvième siècle n'a pas valu à ce "genre", de la part des chercheurs, l'intérêt qu'il mérite. S'appuyant sur une meilleure circonscription quantitative de ce type dramatique et sur un corpus de référence élargi, la présente étude invalide les thèses élaborées à partir d'un matériau fragmentaire. Point de convergence de questions d'esthétique, de réalités politiques et historiques, le phénomène est réinséré dans l'histoire du théâtre allemand à un moment qui coïncide avec la prise de conscience de la germanite, la réception de Shakespeare et le conflit des esthétiques. L'analyse du concept de patriotisme, indissociable de l'idée de "théâtre national", précise le point de vue, communiqué par ces drames, sur la vie de la cité et les pouvoirs établis et inscrit le "genre" dans le débat sur l'image de l'étranger et le jeu contrasté des stéréotypes. La mise au jour de métamorphoses de cette veine théâtrale s'inscrit en faux contre les positions admises jusqu'ici. En filigrane, sont abordées la querelle sur les niveaux de style et la question de la trivialisation
The resounding success of chivalric drama in German-speaking countries at the end of the eighteenth century and the beginning of the nineteenth has not secured for this "genre" the attention it deserves from researchers. Based on better quantitative survey of this dramatic from and a broader corpus of references, the present study invalidates the theses founded on fragmentary material. This phenomenon, as the point of convergence of questions of aesthetics and of historical and political realities, is reinserted in the German theatre at a moment which coincides with the awakening of a Germanic identity, the acceptance of Shakespeare and aesthetic conflicts. The analysis of the concept of patriotism, which is inseparable from the idea of a "national theatre", clarifies the point of view transmitted by these plays as regards the life of the city and the established powers and gives the "genre" its place in the debate concerning the image of foreigners and the contrasting effects of stereotypes. The metamorphosis of this theatrical vein, once revealed, rejects the positions considered acceptable until now. The dispute concerning levels of

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Schweitzer, Zoé. "Une "héroïne excécrable aux yeux des spectateurs" : poétique de la violence : Médée de la Renaissance aux Lumières (Angleterre, France, Italie)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040232.

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Abstract:

Le théâtre classique proscrit la mort sur scène. Cet interdit a été formulé par Horace dans l’Art poétique et justifié par l’infanticide de Médée : « Que Médée n’égorge pas ses enfants devant le public […]. Tout ce que vous me montrez de cette sorte ne m’inspire qu’incrédulité et révolte. » (v. 185 et v. 188). En raison de cette illustre référence, du XVIe au XVIIIe siècle, Médée devient un matériau privilégié pour réfléchir à la notion de vraisemblance et aux ressorts de l’efficacité de la représentation dramatique. Les adaptations scéniques de l’histoire de Médée posent la question des limites du représentable et des raisons pour lesquelles la violence en est contrôlée et réduite par les dramaturges afin de devenir tolérable. Paroxysmes de violence, les crimes de Médée invitent à des recherches dans des domaines spécifiques. Les mythographies, les ouvrages de médecine, les démonologies, les ouvrages sur le pouvoir et les femmes, tous domaines où Médée fait office de paradigme, ont donc été consultés afin d’éclairer les oeuvres. Rendre la violence vraisemblable ne signifie pas pour autant l’évacuer : elle est théâtralement efficace, comme en atteste la fortune de ce sujet. Aussi l’étude s’est-elle attachée à confronter le discours des théoriciens du théâtre aux oeuvres dramatiques elles-mêmes, pour comprendre quels risques et quels avantages cette violence présente pour le genre tragique. Les Médée constituent la limite du supportable sur la scène et dessinent les contours d’une histoire du crime sanglant au théâtre. Le scandale de Médée apparaît ainsi comme un objet d’une grande fécondité théorique et dramatique
Classical theatre did not permit death on stage. This ban had been laid down by Horace in his Ars poetica and justified by Medea’s infanticide: “Medea should not slaughter her children in the presence of the people […]. Whatever you show me like this, I detest and refuse to believe. ” Due to this illustrious reference, from the 16th to the 18th century, Medea became a choice example for reflections on verisimilitude and on the means of achieving dramatic effectiveness. Stage adaptations of the story of Medea raised the issues of the limits of what could be represented and the reasons why violence had to be controlled and limited by playwrights in order to become acceptable. While they stand for a climax of violence, Medea’s crimes also call for investigations in specific fields. Compendia of myths, medical treatises, books of demonology, theories on power and women: texts from all these fields of knowledge, in which Medea served as a paradigm, have been consulted to shed new light on the theatrical treatment of the subject. Making violence plausible does not imply eliminating it entirely; violence is effective dramatically, as the popularity of the subject-matter demonstrates. Therefore, this study focuses on confronting the theoretical discourse on theatre with the plays themselves, in order to understand better the advantages and risks for the tragic genre entailed by the representation of violence. These Medeas mark the limits of what is tolerable on stage and sketch out a history of the theatrical representation of bloody crimes. In this respect, the scandal represented by Medea appears as a particularly rich theoretical and dramatic object

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Gauthier, Brigitte. "Dramatisation de la psychiatrie en Angleterre et aux États-Unis de 1960 à 1990." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040321.

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Abstract:

Shakespeare présentait la folie comme l'épreuve nécessaire de la lucidité. Cette analyse était représentative d'une époque où le poids des institutions ne permettait qu'au fou du roi ou à l'artiste de s'exprimer. Au vingtième siècle, on assiste à un déplacement d'intérêt. Les dramaturges anglais et américains des années 1960 à 1990 s'intéressent plus au traitement de la folie qu'à la folie elle-même. La dynamique générale de leurs pièces est celle de la dénonciation, sur un mode comique ou par une satire virulente. Ces dramaturges ont, en fait, exploite la psychiatrie pour incriminer le pouvoir totalitaire
Shakespeare presented madness as a necessary step towards awareness. This analysis was representative of a period during which the weight of institutions allowed only the king's fools or the artists to express themselves freely. In the twentieth century, we can witness a shift of interest. From 1960 to 1990, British and American playwrights were more interested in the treatment of madness, than in madness itself. The general dynamic of their plays is one of denunciation, thanks to a comical vein or to a scathing satire. Dramatists have actually exploited psychiatric issues to incriminate totalitarian powers

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Kim, Young-eun. "L'héritage des formes traditionnelles dans le théâtre contemporain coréen." Aix-Marseille 1, 2008. http://www.theses.fr/2008AIX10020.

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Abstract:

Cette thèse vise à montrer l'héritage des formes traditionnelles du théâtre coréen aujourd'hui. Appréhendé selon le concept d'"unité-totalité", le théâtre traditionnel, en particulier le "théâtre de masques" et le "P'ansori", se construit par une harmonisation de ses différents composants et s'établit par une invention et un assemblage de ces relations. Toutes les unités ou éléments théâtraux (personnage, temps, espace, objets, action, acteur, spectateur, etc. ) sont à la fois autonomes et inter-dépendants, chaque unité existant en présence de chacune des autres et grâce à elle, et tous ls signes qui en émergent s'auto-activant. Les conceptions et pratiques dramaturgiques sont à l'orgine d'un spectacle "participatif et total". Deux pièces conmporaines, "Lune, lune, claire lune" de Choi In-hun et "Les membranes foetales" d'O. Taesôk, traduites ici, viennent revivifier les formes traditionneles dans la scène contemporaine soulignant plus les effets mélodiques et rythmiques que les effets littéraires, de façon à toucher directement les sensibilités.

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Salgues, Marie. "Nationalisme et théâtre patriotique en Espagne pendant la seconde moitié du XIXème siècle (1859-1900)." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030144.

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Abstract:

Le théâtre patriotique, né lors de la guerre d'Indépendance qui ouvre le XIXème siècle espagnol, connaît une très grande popularité au moment de la guerre d'Afrique (1859-60) et continue à se développer à la faveur de quarante ans de conflits incessants qui débouchent sur le "Désastre" de 1898 et la perte des dernières colonies espagnoles. Ses auteurs sont issus de la bourgeoisie et mettent en scène la société dont ils rêvent, où le bon peuple va se faire tuer sans provoquer d'émeutes, lui permettant de racheter du service ses propres enfants. Théâtre de propagnade parfois, il s'appuie sur les cadres théâtraux préexistants, s'insère parfaitement dans la production de l'époque ; utilisant des recours familiers aux spectateurs, il rend ainsi son message extrêmement efficace. .
The patriotic plays, with appeared with the War of Independence opening the 19th century in Spain, were very popular during the Africain War (1859-1860) and continued to develop thanks to forty years of uninterrupted conflicts leading to the "Disaster" of 1898 and the lost of the last Spanish colonies. Their writers come from the Bourgeoisie and present the ideal society of which they dream and in which the good people goes to get killed without rebelling, thus allowing the Bourgeois to pay not to send their own children. Becoming sometimes a tool of propaganda, these plays use the preexisting theatrical bases and perfectly fit in the production of this period ; by using the usual theatrical resorts, they make their message particularly efficient. .

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Silva, Alexandra Moreira da. "La question du poème dramatique dans le théâtre contemporain." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030138.

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Abstract:

On pourrait penser que la notion de poème dramatique utilisée aujourd’hui dans le contexte du théâtre contemporain se présenterait comme une sorte d’anachronisme. En vérité, de nos jours, les auteurs se disent de plus en plus « poètes dramatiques » ou tout simplement « poètes ». S’ils appellent leurs textes « poèmes dramatiques », ils ne cherchent pas vraiment une quelconque définition générique. En effet, ils visent plutôt le questionnement, la réinvention permanente et des formes et des langages qui sont aussi bien à l’origine d’un certain nombre de transformations textuelles et scéniques, que d’une évidente mutation de la relation avec le public. Ainsi, notre proposition d’analyse de la question du poème dramatique contemporain présuppose fondamentalement une réflexion sur les mutations qui ont eu lieu, en particulier dans les années 1980, 1990 dans la relation auteur / metteur en scène / spectateur, et sur la forme expérimentale et hybride du texte qui se présente plutôt comme débordement de la pièce de théâtre, c'est-à-dire, de la forme canonique du drame. Dans cette optique, le poème dramatique contemporain devient l’espace privilégié de la dramaticité du « drame-de-la-vie » que Jean-Pierre Sarrazac situe dans un nouveau régime – celui de l’ « infradramatique ». Nous soutiendrons donc que le poème dramatique s’affirme comme « réaction contraire » à la l’idée de la mort du drame, voire qu’il est l’une des manifestations de la réinvention même du dramatique
Applying the concept of “dramatic poem” to contemporary theatre may be considered irrelevant and even anachronistic. However, there is a growing number of authors who call themselves “dramatic poets” or simply “poets”. The fact that these authors regard their texts as dramatic poems does not mean that they are seeking to categorize their works within a specific genre, but rather that they are questioning and permanently reinventing forms and languages which are at the very basis of the scenic transformations and changes in the relation between author and audience. Our proposal for an analysis of the dramatic poem presupposes a reflection on the many changes introduced, especially since the 1980s, in the relation between author, theatre director and audience, as well as on the experimental character of theatrical texts, which show an increasing tendency to “overflow”, i. E. , to transcend the canon of drama. Thus, contemporary dramatic poem is the ideal form of a new genre, which Jean-Pierre Sarrazac terms “infradramatic”. We can therefore say that contemporary dramatic poem constitutes a positive reaction against the announced death of drama, showing the power of drama to reinvent and revive itself

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Katuszewski, Pierre. ""Ich war Hamlet" : recherches sur les fantômes dans les théâtres antique et contemporain." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030116.

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Abstract:

À Rome, où le théâtre est un théâtre du jeu, les fantômes de théâtre intervenant dans les tragédies de Sénèque ne sont pas des fantômes anthropologiques, ils sont des images pures qui ont un rôle d’opérateur théâtral : en prologue, ils ont une fonction performative consistant à faire démarrer le spectacle et, en récit, ils débloquent les personnages figés dans le dolor afin que le spectacle commence véritablement. En Grèce, les fantômes présents dans les pièces d’Eschyle et d’Euripide ont une fonction mixte : informative car les histoires sont issues de la mythologie mais sont modifiées par les dramaturges et performative car ils agissent sur le spectacle. Dans le théâtre contemporain (Pasolini, Gabily, Bond, Koltès, Müller) qui, au contraire des deux premiers, n’est pas un théâtre rituel et codifié mais un théâtre de la représentation, les fantômes sont construits à partir d’images signifiantes. Cependant, les dramaturges débrayent systématiquement de ces images premières afin d’installer des espaces-temps spécifiquement théâtraux, propres aux fantômes, notamment par l’usage de différentes formes de métathéâtralité. Les rencontres avec les vivants ne reproduisent en rien des modèles extra-théâtraux mais se présentent, pour chaque pièce, comme des rencontres inédites se déroulant parallèlement au récit scénique. Elles servent à définir l’espace scénique comme un espace de jeu où s’établit, grâce aux fantômes, un rapport spécifique entre la scène et la salle fondé sur la reconnaissance, se substituant au rapport classique d’identification. Les fantômes sont des indicateurs de ludisme et permettent au metteur en scène d’envisager des mises en scène ludiques des séquences dans lesquelles ils interviennent, établissant une sociabilité éphémère, mais bien réelle, entre acteurs et spectateurs
In Rome, where theatre is a theatre of pure play, ghosts appearing in Seneque’s tragedies are no anthropological ghosts but pure images with a theatrical operator purpose : within a prologue they have a performing function lying in starting the show, and within the narration they release the characters from the “dolor” so that the show can be genuinely started. In Greece, ghosts appearing in Eschyle’s and Euripide’s plays have a mixed function : informative, for the stories originate in mythology but get modified by dramatists, and performing for they act on the course of the show. In contemporary theatre (Pasolini, Gabily, Bond, Koltès, Müller) which, unlike the other two, is not a ritual and codified theatre but a theatre of representation, phantoms are built after signifying images. However, dramatists systematically release themselves from these original images in order to set up specifically theatrical space and time, proper to ghosts, especially by using different forms of meta-theatre. Meetings with the living do not ever reproduce extra-theatrical patterns but occur, within each play, as unprecedented meetings taking place concurrently to the theatrical narrative. They are used for defining the theatrical space as a space of play where, thanks to the ghosts, a specific relations created between the stage and the audience, based on recognition and taking the place of the classical relation of identification. Ghosts are pointers of playfulness and allow the director to consider playful stagings, sequences in which they intervene, establishing an ephemeral but real sociability between the actors and the audience

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Viviescas, Víctor. "Représentation de l'individu dans le théâtre colombien moderne 1950-2000." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030009.

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Abstract:

Parcourant la deuxième moitié du XXe siècle, cette thèse poursuit une recherche sur l'écriture dramatique colombienne moderne autour du concept de " représentation de l'individu ". Nous avons mené une enquête simultanée sur trois aspects de l'écriture contemporaine : la crise de la forme dramatique, la crise de la représentation et la crise de l'individu. Cette triple crise crée le contexte dans lequel surgit et se développe la dramaturgie dont nous parlons. La dramaturgie colombienne moderne prend sa source dans la crise du drame, et elle aboutit, à la fin du XXème siècle, à l'expérimentation d'une écriture postdramatique et postreprésentationnelle dans le contexte créé par la présence simultanée des trois concepts alternatifs suivants : l'hybridation de la forme dramatique et l'expérimentation du fragment comme forme ; le dépassement et la mise en crise de la représentation expérimentée comme simulacre ; et l'éclatement de l'individu et de sa représentation au moyen du personnage théâtral expérimenté comme personnage éclaté
This thesis carries out an investigation on the modern Colombian writing during the second part of the XX century, around the concept known as "the individual's representation. " Primarily we had investigated three aspects of the contemporary writing context, which are the crisis of drama, the crisis of the representation and the crisis of the individual. This triple crisis creates the context in which the dramaturgy we are about to study is borned and developed. The colombian modern theatre takes its source from the drama crisis and arrives at the end of the XX century, to the experimentation of the postdramatic and post representation writing in the context created by the simultaneous presence of three alternative concepts which are: the hybridization in the dramatic way and the experimentation of the fragment like form; the overflow and the setting in crisis of the representation that is experienced as simulation ; and the individual's explosion and its representation of broken fragments through the theatrical character

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Delbos-Janet, Marie. "L' eau, le vin et l'ivresse dans le théâtre européen des années trente." Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10047.

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Abstract:

Depuis "Les Bacchantes" d'Euripide, Dionysos incarne l'inattendu au théâtre. Surgissant brusquement, il stimule les désirs secrets, rappelle la nécessité de les vivre pour exister individuellement : le dionysisme propose une pratique du collectif, équilibrant la notion de l'individuel, fondamentale à la cohésion sociale. L'ivresse, protéiforme, permet d'accèder à cette union. Dans le théâtre du XXe siècle se manifestent l'impossibilité d'accepter un collectif tolérant et la tendance à réprimer, souvent fatale pour l'individu. Claudel, Giraudoux, Garcia Lorca et Boulgakov ont mis en scène des aspects de cette ambivalence explosive entre individuel et collectif. L'analyse des discours montre l'importance du vocabulaire et inversement du silence dans un monde aux totalitarismes émergeants. Sublimation des désirs ou transcendance amènent le personnage à dépasser ses propres limites et souvent sa frustration, l'aidant parfois à atteindre l'union avec Dieu, ou la paix de l'esprit.

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Di, Miceli Caroline. "Paragon of animals, quintessence of dust : images of the body in Elizabethan and Jacobean drama." Montpellier 3, 1993. http://www.theses.fr/1993MON30037.

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Abstract:

Suivre le corps de l'apogee de sa force a la decheance finale : tel est le but de cette etude, qui s'inspire d'une des images cles de l'epoque, celle de la roue de la fortune. Les hommes avaient a l'egard du corps une attitude extremement complexe, nee du conflit entre idees nouvelles et doctrines anciennes. L'image d'un corps beau, jeune, vigoureux, bati a l'echelle de l'univers - le corps 'cosmique' - s'oppose a celle du corps malade, corrompu, voire monstrueux, voue au tombeau. Leur juxtaposition ou leur antagonisme cree la tension dramatique qui est caracteristique des pieces, et surtout des tragedies. L'esprit de l'homme estcontraint de passer sa vie dans un corps qui traversera ineluctablement les quatre "ages" qui le meneront au tombeau. L'ame est retenue prisonniere dans l'enveloppe charnelle, mais elle donne au corps et a l'esprit ce mouvement incessant, cette ambition demesuree qui font de l'homme le rival de dieu. Chaque dramaturge etudie utilise les theories philosophiques, religieuses, medicales du corps a sa maniere pour creer un univers dramatique qui lui est propre. Finalement, corps et ame seront reconcilies. Les forces conjuguees du temps et de l'imagination arriveront a harmoniser les contraires, et, transcendant les elements ephemeres et corruptibles, a construire un corps eternel, refuge de l'esprit immortel
THE WHEEL OF FORTUNE BRINGS MAN'S BODY FROM THE HEIGHT OF ITS strength AND INTELLECTUAL POWER TO ITS FINAL DECAY. THIS STUDY, WHOSE STRUCTURE WAS INSPIRED BY THIS IMAGE AND THAT OF THE SEVEN AGES OF MAN, WILL ATTEMPT TO FOLLOW THE BODY ON ITS DWNWARD PATH TO THE TOMB. THE ELIZABETHANS AND JACOBEANS HAD AN EXTREMELY COMPLEX ATTITUDE TOWARDS THE BODY THAT AROSE PARTLY FROM THE CONFLICT BETWEEN THE PHILOSOPHIES AND IDEAS OF THE MIDDLE AGES AND THE NEW DOCTRINES OF THE RENAISSANCE AND PARTLY FROM THE JUXTAPOSITION OF TWO CONTRADICTORY IMAGES AND THEIR ANTAGONISM : THE HEROIC BODY, BUILT IN THEIMAGE OF THE UNIVERSE, AND THE CORRUPTED, EVEN MONSTROUS BODY OF WHOSE WEIGHT THE SOUL DESIRED TO BE FREE. THIS ANTAGONISM CREATES THE DRAMATIC TENSION THAT IS CHARACTERISTIC OF THE PLAYS OF THE PERIOD AND PARTICULARLY THE TRAGEDIES. EACH PLAYWRIGHT USES THE PHILOSOPHICAL, RELIGIOUS AND MEDICAL THEORIES OF THE TIME TO CONSTRUCT HIS OWN IMAGE PF THE BODY. THE SOUL IS IMPRISONED IN ITS ENVELOPE OF FLESH, BUT THE ECHO OF THE MUSIC OF THE SPHERES GIVES THE BODY AND SPIRIT THEIR HEROIC strength AND LIMITLESS AMBITION. FINALLY, BODY AND SOUL WILL BE RECONCILED AS THE ALLIED FORCES OF TIME AND IMAGINATION, FROM THE EPHEMERAL, CORRUPTIBLE ELEMENTS. CREATE THE BODY ETERNAL THAT HOUSES THE IMMORTAL SPIRIT

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Karsenti, Tiphaine. "Le détour troyen : formes et fonctions de la matière troyenne dans le théâtre français des guerres de religion et la fin du règne de Louis XIV." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100183.

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Abstract:

Le mythe de Troie fournit plus de sujets aux dramaturges français des XVIe et XVIIe siècles que toutes les autres fables antiques. L’étendue exceptionnelle de cette légende, le nombre de ses personnages et de ses séquences, la variété des points de vue qu’elle autorise et des problématiques qu’elle met en jeu contribuent à expliquer ce phénomène. Mais cette étude s’attache à montrer comment les structures et l’héritage spécifiques du mythe troyen en font une matrice apte à traduire les problématiques singulières d’une époque qui voit se transformer profondément son modèle culturel et son modèle politique : dans la deuxième moitié du XVIe siècle naissent à la fois le théâtre et l’État modernes. L’utilisation de la matière troyenne dans les différentes formes dramatiques au cours du siècle et demi qui suit cette double naissance s’éclaire ainsi à la lumière de l’évolution des débats esthétiques, politiques et éthico-théologiques qui accompagnent la transition culturelle alors à l’œuvre
The myth of Troy provided more subject matter to 16th and 17th century French playwrights than any other ancient fable. The exceptional scope of this legend, the multitude of its scenes and characters, and the variety of available themes and viewpoints can partly explain this phenomenon. Yet this study seeks to demonstrate how the Trojan myth, through its unique legacy and structure, served as a model for exploring the problematics of an era marked by massive political and cultural transformation : the second half of the 16th century saw the birth of both the modern State and the modern theatre. Throughout the 150-year period which followed this simultaneous development, the use of the Trojan theme in different dramatic contexts can be understood in the light of the progression of aesthetic, political, ethical and theological ideas that accompanied the cultural transition at hand

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Valmer, Michel. "Le "théâtre de sciences" vu de la scène : de la vérité abstraite à la vraissemblance concrète / didascalies scientifiques." Dijon, 2002. http://www.theses.fr/2002DIJOL009.

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Moon, Siyeun. "La séduction dans le théâtre de boulevard entre 1900 et 1940." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1995PA030109.

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Abstract:

La seduction consiste a employer des strategies artificielles pour realiser le desir en ecartant les obstacles. Les qualites du seducteur, la disposition de son objet et le caractere des obstacles a franchir donnent le ton de la piece; si la seduction est basee sur une fantaisie ou l'hodonisme triomphe avec facilite, la piere est gaie. Par contre, si la seduction est basee sur la realite ou le moralisme domine, la piece est serieuse. Mais quel que soit le ton employe, la seduction est le theme le plus cher a tous les auteurs du boulevard quis'interessent a la vie intime. Nous nous proposons d'etudier tous les aspects de la seduction des annees 1900-1940 a travers le theatre de boulevard; dans la premiere partie, le cadre global de la dramaturgie : la fable, le temps et l'espace de la seduction; et dans la deuxieme partie, la dramaturgie en acte : les personnels et le langage en premiere section, la situation et le fonctionn ement de la seduction en deuxieme section et pour finir les retombees de la seduction
Seduction consiste of using artificial strategies in order to create desire while by passing obstacles. The qualities of the seducer. The state of his prey and the character of the obstacles to be overcome set the tone of the pay; if seduct ion is based on fantasy where hedonisme easily triumphs, the play is amusing. On the other hand, if seduction is based on the the reality qhere morals predominate, the play is serious. But regardless of the tone used, seduction is the most cherished theme for all authors from the boulevard who take on interest in private life. We propose to study all of the aspects of seduction from 1900 to 1940 through the "theatre de boulevard" ; in the first part, the global framework of the dramatic arts : the story, the time and the space of seduction; and in the second part, the dramatic arts in practice : the staff and the language in the first section, the situation and the functioning of seduction in the second section and in conclusion the repersussions of seduction

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Ruiz, José-Manuel. "Des désirs illusoires aux désirs dérisoires dans le théâtre espagnol contemporain." Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20005.

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Abstract:

Le motif du désir est traité dans une sélection de dramaturges contemporains espagnols des trois dernières décennies. Le travail tente de mettre en valeur les changements d’une société en pleine mutation qui passe de l'excitation et l'enthousiasme de la fin d'un régime oppresseur à un questionnement proche du désenchantement à la fin du millénaire pour finalement proposer un retour à des valeurs humanistes et résolument engagées. L'étude montre que les œuvres les plus enthousiastes sous-entendaient dès les années 70 la notion d'illusoire alors que les générations à priori les plus désabusées offrent un regard plus optimiste et plus attaché à des faits moins spectaculaires, plus dérisoires mais plus pragmatiques. Le désir est mis en rapport la perversion, la mélancolie, les vampires, les sexualités, la circularité, le mystère, le fantastique, l'utopie, le songe et la tragédie. L'approche sémiotique, linguistique, anthropologique, philosophique, sociale est avant tout littéraire. Elle se veut diffusion d' une actualité théâtrale espagnole dynamique et singulière
The subject of desire is dealt with in a selection of contemporary Spanish playwrights from the last three decades. This work highlights the changes in a society which transitions from a period of excitement and enthusiasm at the end of an oppressive regime, to one which is self-questioning and almost disenchanted at the end of the millennium, and eventually to a return to values which are more humanistic and definitely more expressive of a social consciousness. This study shows that the most enthusiastic plays from the 1970s understate the illusion of desire whereas following generations, who at first appear more disillusioned, are actually more optimistic and more involved in commonplace events; through this, things which are trivial tend to become more pragmatic. Desire is here described in relation to perversion, melancholy, vampires, sexualities, circularity, mystery, magic, utopia, dreams and tragedy. The semiotic, linguistic, anthropological, philosophical and social approach is first and foremost one of a literary basis. The intention of this thesis is to draw attention to the evolution of Spanish theatre and to spark interest in the exciting and dynamic productions that are uniquely Spanish drama

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Gutierrez, Laffond Aurore. "Théâtre et magie dans la littérature dramatique du XVIIè siècle." Toulouse 2, 1998. http://www.theses.fr/1998TOU20067.

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Abstract:

Le propos de cette étude "Théâtre et magie dans la littérature dramatique du XVIIe siècle, est de montrer en quoi, comment et pourquoi le théâtre de ce siècle reflète les différentes formes d'irrationnel et d'éclairer un aspect souvent laissé dans l'ombre, peut-être en raison de l'image prédominante d'un classicisme français épris de raison, d'ordre et de clarté. La pensée pré-scientifique du premier XVIIe siècle reste en effet fortement tributaire de la magie savante de la Renaissance. Kepler et Galilée sont autant astrologues qu'astronomes et le passage d'une comète, sérieusement interprété comme un presage funeste encore en 1680, répand la terreur parmi la population. La médecine est encore astrophile et marquée par la théorie des signatures de Paracelse. Les esprits les plus ouverts demeurent fascinés par le merveilleux que l'emblématique entretient et renouvelle. La mystique royale prend, avec Louis XIV, une dimension magique magnifiée par l'emblème solaire. La peur du diable et de la femme se concrétisent par une chasse aux sorcières jusqu'après 1650, à travers les affaires de possession de Loudun, Louviers, Aix etc. . . L'Affaire des Poisons est aussi, en 1679, une résurgence des sortilèges et des messes noires. La première partie prend en compte cette réalité de la magie. La représentation de la mentalité magique est différente selon les genres. Les genres sérieux tels que la tragédie, la tragédie en musique et, dans une moindre mesure, la tragi-comédie abordés en deuxième partie, révèlent, à la fois voilée et sublimée par le mythe, la fascination constante du XVIIe siècle pour le merveilleux magique. Les jardins d'Armide sont desormais l'image du rêve d'amour comme la destruction du palais enchanté est l'image de son impossibilité. La magie sur le mode comique, qui fait l'objet de la troisième partie, reflète plus directement les realités de la magie et de son avatar, la sorcellerie. Le thème atteint une grande variété de registres dans la production antérieure à Molière, la pastorale, la tragi-comédie et la comédie. Les motifs baroques de l'illusion, du miroir, de la métamorphose du moi et du monde, de la morte-vive, inspirent parfois une haute poésie tandis que les motifs du diable, de la sorcière et du satyre jouent sur le clavier très étendu du rire. A partir de Molière, la comedie amplifie la dénonciation de l'imposture amorcée précédemment avec un acharnement qui témoigne de la survivance tenace de la superstition et de l'antique mentalité magique, d'autant plus pernicieuses qu'elles prennent, avec les médecins de Molière, une apparence pédante. Cette reconstitution des formes de la représentation de la magie engage à une réflexion sur leur signification. La fonction mimétique du théâtre s'accompagne d'une catharsis soit par l'illusion et le rêve à travers la féérie des tragédies en musique et des pièces à machines qui mobilisent toutes les ressources du théâtre-illusion, soit par le rire appuyé lui aussi par les artifices de la scène comme dans "Les amants magnifiques" de Molière ou "La devineresse ou Les faux enchantements" de Thomas Corneille et Donneau de Visé. La magie, déjà théâtrale par ses officiants, leur allure et leur costume, par la mise en scène de ses rituels, la force de la parole magique lors des évocations, et autres aspects, entraîne certaines caractéristiques dramatiques et esthétiques qui sont définies en dernière partie. Tous les traits de la poésie et de l'art baroques s'y retrouvent, avec leurs beautés et leurs faiblesses. La permanence de ce thème et la splendeur qu'il a revêtue dans les tragédies en musique, montrent que la France a connu une tentation baroque dont la figure ostentatoire du Roi-Soleil offre un bel exemple
The purpose of this study, "theatre and magic in the dramatic literature of the 17th century" is to show how and why the theatre of that century reflected the different forms of the irrational. It is meant to shed light on a subject often left in the shade, perhaps on account of the prevailing image of French classicism yearning for order, reason and clarity. Pre-scientific thinking in the early 17th century remained indeed highly dependent on the learned magic of the renaissance. Kepler and Galilee were as many astrologers as astronomers and the passing of a comet, seriously interpreted as an ill-fated foreboding still in 1680, spread terror among the population. Medicine was still astrophile and influenced by Paracelsus's theory of marks. The most enlightened minds remained under the spell of the marvelous, kept alive and renewed by emblematic. Royal mystic under Louis XIV took on a magic dimension, magnified by the solar emblem. Awe of the devil and of woman assumed the form of witch hunting until after 1650 through the affairs of possession of Loudun, Louviers, and Aix. . . Etc. The Affair of the Poisons in 1679 was also a resurgence of the magic spells and black masses. The first part of the study analyses the reality of this magic. How this magic mentality was depicted varied with the literary genres. Such serious genres as tragedy, musical tragedy and to a lesser extent tragi-comedy - in the second part of the study - reveal the constant fascination of the 17th century for the magic marvelous, both veiled and sublimated by myths. Armida's gardens were the symbol of the dream of love just as the destruction of the enchanted palace was the symbol of its impossibility. Magic in comedy, developed in the third part, reflects more directly the reality of magic and of its avatar, witchcraft. The theme showed a great variety of registers in the pre-Moliere productions, in pastorals, tragi-comedies and comedies. Sometimes a lofty poetry is inspired by the baroque themes of the illusion, of the mirror, of the metamorphosis of the self and of the world, of the dead-alive, while the theme of the devil, the witch and the satire played upon the whole spectrum of laughter. From Moliere onwards comedy stressed the denunciation of imposture previously initiated with a determination that testified to the long-lasting survival of superstition and the ancient magic mentality

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Evrard, Franck. "Le théâtre : le corps, la mort (Ĺécriture du corps cadavérique dans le théâtre contemporain français, 1951-1991)." Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1994PA030046.

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Abstract:

Dans le theatre francais, l etonnante proliferation de cadavres ou de presences a l inquietante etrangete, hesitant entre la vie et la mort, est liee d une part a l exhibition du corps et a son investis sement sur le plan de la signification et de l autre au retour du refoule de la mort, une mort non plus evenementielle mais vecue comme une situation ou un etat. De beckett a copi, de ionesco a vinaver, le cadavre s avere un lieu strategique ou se dessinent des enjeux ideologiques, fantasmatiques, esthetiques et dramaturgiques. Au centre d une strategie de l inscription, le corps cadaverique fait signe de la violence historique ou temoigne concretement de l alienation de l individu moderne. Dans un contexte de faillite du langage et des symboles, qui depossede le sujet de sa parole et de son aptitude a singifier, seul le cadavre semble assumer la signification de meme qu il se confond avec cet "autre" corps imaginaire, corps schizophrenique, anal, au plus proche de la vie pulsionnelle. Anime oar un fantasme subversif, la strategie mortelle de l effraction s' efforce d atteindre le centre du corps, la nudite sans fard de l etre sous les signes et les masques mensongers. Cette obsession majeure du corps et de la mort est a l origine d un theatre pluriel, contradictoire et terriblement vivant
In contemporary drama, the amazing abundance of corpse and odd apparitions between life and death is due on the hand to the exhibition of the body and its involvment to signification, and the other, to the return of death, a death which is no longer seen as a punctual event, but a situation or a state of being as itself. From beckett to copi, from ionesco to vinaver, the corpse happens to be place where ideological, phantasmatic, esthetic and dramatic challenges appear. In a strategy of inscription, the dead body is the expression of historical violence or witness to the alienation of modern man. While language and symbolization fail to make sens, while words have lost any power to mean, only the corpse seems to be able to signify; it identifies also with the "other" imaginary body, the schizophrenic, anal body, close to the instinctive life. Actuated by subversive phantasm, the housebreaking strategy of death endeavours to reach the center of the body, the very nakedness under the signs and deceitful masks. This major obsession of body and death generates a diversified, chequered and lively dramatic art. .

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Falchetto, Alice Louise. "La quête du bonheur dans le théâtre québécois des années 1960-1980." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040006.

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Chalaye, Sylvie. "Du noir au nègre à travers le théâtre français (1550-1960) : l'image du Noir de Marguerite de Navarre à Jean Genet." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1996PA030053.

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Abstract:

Cette recherche se propose d'analyser l'image du noir, en france, au theatre, dans le regard du blanc, de la renaissance au vingtieme siecle, et plus precisement des permieres representations du roi mage noir aux tentatives theatrales de destruction du personnage de negre a la veille des independances. Il s'agit d'envisager le noir comme personnage dramatique, mais surtout de comprendre a travers le theatre comment se sont fabriques les cliches et les stereotypes qui sont a l'origine du negre. Alors qu'il n'est encore qu'une vague couleur a la renaissance, le noir s'est recouvert d'une coque de prejuges qui l'ont peu a peu enferme dans l'image du negre, ce sont les stratifications successives de ces concretions ideologiques et culturelles que nous tentons d'analyser. Le theatre est donc ici avant tout envisage comme un phenomene de societe et l'enquete fait largement intervenir la presse afin de mesurer l'evolution des mentalites et de degager une histoire de la reception du noir au theatre. L'approche se veut chronologique et met en oeuvre l'environnement politique et economique dans lequel s'inscrivent les pieces et spectacles envisages. Etroitement liees au contexte politique, les representations du negre ont ete tout aussi bien objets de censure qu'instruments de propagande. D'autre part cette histoire de l'image du noir au theatre se veut regulierement eclairee par une etude de l'iconographie et en particulier des representations de noirs que l'on peut trouver dans la peinture. Car les recherches esthetiques des peintres, comme les influences ideologiques qu'ils subissent, rencontrent assez souvent celles des dramaturges
This research aims to analyze the image of the black man in french drama, as seen by whites, from the renaissances to the twentieth century, and in particular from the first representations of the black magus to theatrical attempts to destroy the "nigger" character on the eve of decolonization. We intend to consider the black man as dramatic character. Above all, however, by studying the theater, we strive to understand how cliches and stereotypes from which the "nigger" originated were formed. Whilst the black man was only a vague color during the renaissance, he was enveloped in a shell of prejudice which gradually locked him into the image of the "nigger"; we attempt to analyze these successive strata of ideological and cultural concretions. The theater is consequently primarily considered here as reflection of society and the survey makes ample use of the press to assess the changes in mentalities and to draw a history of how the public reacted to the black man in drama. The study is presented in chronological order and implements the political and economic environment within which the plays and shows under consideration lie. Closely linked to the political context, representations of the "nigger" were both objets of censorship and instrumental in propaganda. This history of the image of the image of the black man in theater is also regularly clarified by means of a study of the iconography and in particular of representations of blacks in art, as artist' aesthetic research, as well as the ideological influence they undergo, are often at one with those of playwrights

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Losada-Goya, José-Manuel. "La conception de l'honneur dans le théâtre espagnol et français du XVIIe siècle." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040089.

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Abstract:

Dans une première partie d'érudition, l'auteur expose les principales caractéristiques de la comédie espagnole du dix-septième siècle et les vicissitudes qu'elle connut dans son adaptation sur la scène française durant cette époque. Ces approfondissements permettront par la suite d'aborder les quatre grandes conceptions de l'honneur dans ce théâtre ; c'est-à-dire, l'honneur conçu comme réputation, comme vertu, comme lignage et comme pureté de sang. La perte et la récupération de l'honneur forment la dernière partie : M. Losada Goya étudie les conséquences subies par l'individu du fait de la perte de son honneur et les différentes manières de le récupérer, depuis les accommodements de la raison jusqu'à la vengeance du sang. Il convient de remarquer que cette étude englobe un ensemble de quarante-deux pièces espagnoles et françaises qui se correspondent, et qu'elle est réalisée dans une perspective comparatiste: aussi l'auteur dégage-t-il les principales ressemblances et différences concernant la conception de l'honneur qui existent entre les théâtres espagnol et français du dix-septième siècle
In the first scholarly part of this work, the author expounds the main characteristics of seventeenth century Spanish comedy and deals with the vicissitudes of its adaptation to the French scene at the time. This finer investigation will later on enable the author to tackle the four ways in which honor is considered in those plays, namely as reputation, as virtue, as lineage, as purity of blood. In the last part of his work, Mr Losada Goya studies the loss and recovery of one's honor: the consequences of losing it, the various ways of recovering it ranging from reasonable accommodation to bloody revenge. This thesis which includes forty-two corresponding Spanish and French plays uses a comparative literature approach, the author thus pointing out the main resemblances and differences in the way honor is seen and treated in seventeenth century Spanish and French theatre

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Ogavu, Titus. "La mise en scène du choc culturel dans le théâtre d'Afrique francophone subsaharienne." Limoges, 2008. http://www.theses.fr/2008LIMO2005.

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Abstract:

Le choc culturel est un phénomène global, mais sa nature varie selon les communautés. Cette étude examine le rapport entre la mise en scène du choc culturel et sa réalité dans le théâtre d'Afrique francophone subsaharienne en ses structures textuelles et visuelles. Notre hypothèse de recherche stipulait que le choc culturel était ambivalent et que certaines sociétés africaines qui étaient figées dans leurs valeurs traditionnelles copartageaient ses causes. Le corpus se compose de plusieurs pièces, y compris celles mises en scène sous forme médiatique. Un bref survol de l'histoire du théâtre en Grèce, en France, aux Antilles et en Afrique anglophone nous a permis de conceptualiser l'histoire du théâtre et la notion du choc culturel dans les manifestations culturelles en particulier. Les approches sociocritiques et linguistico-sémiotiques ont été empruntées afin d'analyser les causes du choc culturel et les variables de l'étude. Les résultats majeurs de notre étude ont montré que la raison primordiale de la mise en scène du choc culturel dans le théâtre d'Afrique francophone subsaharienne était de créer un divertissement pour le public. Toutefois, avec une appréciation critique de la mise en scène, le public arrive à percevoir des messages qui se rapportent aux questions socio-politico-économiques générées par les différences culturelles. Par conséquent, les fictions démontrent que les problèmes du choc culturel qui se manifestent dans certaines sociétés africaines émanent du rattachement persistant à la tradition par certaines communautés, de l'interférence des valeurs occidentales, des problèmes liés à la gouvernance en Afrique et de la situation de l'Afrique dans la mondialisation. Les solutions aux problèmes relèvent de la réflexion du public.

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Drugeon, Marianne. "David Edgar : un théâtre politique." Bordeaux 3, 2004. http://www.theses.fr/2004BOR30036.

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Abstract:

David Edgar, dramaturge anglais né en 1948, est un auteur engagé ; son théâtre est politique. Cette étude tente de faire la lumière sur les notions complexes et parfois contradictoires de création artistique et d'engagement politique, au regard du parcours spécifique d'un auteur représentatif de sa génération. David Edgar a commencé à écrire pour le théâtre dans la mouvance de 1968, inscrivant son œuvre au sein du courant alternatif de l'agit-prop. Très prolifique, il est l'auteur d'une trentaine de pièces qui n'ont jamais été publiées, mais dont nous étudions les manuscrits. Bientôt reconnu, il abandonne le Fringe Theatre pour se lancer dans une collaboration fructueuse avec les grands théâtres londoniens, en particulier la Royal Shakespeare Company, tout en continuant à travailler avec des troupes itinérantes. Son œuvre offre donc de multiples facettes et conduit à un questionnement fécond : quelle est la mission d'un écivain engagé dans le monde contemporain ? Quel public vise-t-il ? Ses créations sont-elles littéraires, artistiques ou pamphlétaires ? Peut-on parler de compromission dès lors que ses créations sont intégrées au courant dominant ?Au croisement de l'étude littéraire, de la recherche dramatique, et de l'histoire contemporaine de la Grande-Bretagne et du monde, ce travail reflète les difficultés rencontrées, les victoires remportées et les échecs consommés d'un théâtre politique
David Edgar was born in 1948 in Birmingham England, and decided to write for the theatre in the wake of the events of 1968. He is a committed playwright, and his theatre is political. He started writing agitprop plays for the Fringe theatre, and is the author of more than thirty plays which have never been published. He then became famous and began working with mainstream theatre companies such as the Royal Shakespeare Company in London. This study examines the difficulties encountered by a committed writer who tries to be both successful and disturbing, and who wants to spread a political message through an audience as wide as possible. At the crossroads of such disciplines as theatre studies and contemporary history, this research gives an insight into the particular and representative career of a political playwright

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Sabatier, Armelle. "Mort et résurrection dans le théâtre élisabéthain et jacobéen." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100153.

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Abstract:

La résurrection constitue le fondement du Christianisme et annonce la victoire sur la mort et la promesse de la vie éternelle. A la Renaissance anglaise, la représentation de la mort et de la résurrection est encore empreinte des modèles médiévaux même si des changements profonds sont à l'œuvre. Le théâtre élisabéthain et jacobéen se réapproprie les codes et l'esthétique funéraires. Dans le même temps, le théâtre a conscience de son pouvoir de résurrection puisque la représentation théâtrale permet de faire renaître le passé. Avant d'être une renaissance du corps et de l'âme dans l'au-delà, la résurrection est d'abord liée à la mort. Le théâtre de la Renaissance anglaise explore toutes les facettes de cette première résurrection et s'interroge sur le sens des rituels funèbres qui célèbrent le passage de la vie à la mort et qui doivent préserver la mémoire du défunt. La mort apparente et les fausses résurrections deviennent un motif comique dans certaines comédies jacobéennes. Enfin, l'animation de l'inanimé dans The Winter's Tale de Shakespeare célèbre le don quasi divin du dramaturge, maître dans l'art de la résurrection
Resurrection lies at the heart of Christianity – it epitomizes the triumph over death and symbolizes the hope for eternal life. Despite underlying changes, the varied representations of death and resurrection are imbued with medieval patterns in early modern England. Elizabethan and Jacobean drama integrates the different funerary codes. Drama is also aware of its power of resurrection in so far as it brings the past back to life. Before the final reunion of the body and soul, resurrection is linked to death. English Renaissance drama explores all the aspects of the first resurrection and questions the meaning of all the rituals celebrating the passage from life to death and preserving memory. Apparent death and false resurrections become a comical pattern in Jacobean comedies. The return to life in Shakespeare's The Winter's Tale praises the dramatist's divine gift

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Chiari-Lasserre, Sophie. "L'image du labyrinthe dans la culture et la littérature de la Renaissance anglaise : origines, diffusion, appropriations et interprétations." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30086.

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Abstract:

Les seizième et dix-septième siècles anglais révélèrent une culture de l'oblique, en marge de l'Europe. Les Elisabéthains façonnèrent une esthétique labyrinthique, puisant dans le réservoir mythologique des Anciens à l'instar d'Ovide, et faisant fructifier leur héritage médiéval. Le motif du dédale, polymorphe, fut privilégié par les emblèmes, remodelé par les jardiniers, les poètes, les danseurs ou les dramaturges. La légende du " maze ", ou " labyrinth ", généra des mises en scène surprenantes, subversives, révélatrices de représentations mentales bien particulières. Se développa alors un dense réseau métaphorique, à partir d'un symbole ambigu : tantôt harmonieux et attractif, tantôt chaotique et répulsif. Les grands thèmes existentiels, relus de manière euphorique ou dysphorique, furent abordés grâce au labyrinthe: détours amoureux, filets rhétoriques, méandres religieux, impasses du pouvoir devinrent des sources d'inspiration renforçant la multiplicité des voies dramatiques
In the Elizabethan period, the image of the labyrinth was being re-appropriated in several ways, all based on an ideal first championed by Horace : discordia concors. Throughout Antiquity, the story related to Theseus and the Minotaur had been retold many times, by authors such as Pliny, Ovid, Plutarch, whose texts were to be digested by translators. Renaissance England could boast, too, of an impressive medieval heritage, which favoured the didactic transmission of the myth : the influence of clerical writings linked to the idea of the unicursal maze, one way leading to God, contributed to the popularization of the legend. Gradually, the symbol was secularized during the sixteenth century. Although mythic multicursal paths proliferated in gardens, representations, danse and poetry, they reached their climax on stage. As an obsessional motif, the labyrinth is a hermeneutic key revealing new interpretative tracks exploring a multisemic theatre, whose possibilities remain to be exploited

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Lee, Eun-Ha. "Les Jeux et les tourments de l'amour dans le théâtre de Molière." Paris 3, 1991. http://www.theses.fr/1992PA030057.

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Abstract:

Il s'agit de mettre en evidence le role de l'amour dans le theatre de moliere, a partir d'une analyse dramaturgique et d'une recherche thematique. Compte tenu de l'etendu du sujet, nous avons restreint nos investigations en ne retenant que les jeux et les tourments de l'amour : l'amour est a la fois comique et tragique. Ainsi nous avons essaye de montrer combien etaient complexes dans le theatre de moliere les rapports entre le bonheur et le malheur d'aimer
The but of this study is to discover the role of the love in the theatre of moliere, having regard to his dramaturgy. In view of the thematic study, this subject is too vast, so we restrict our research to the games and the torments of the love. Love is comic and tragic at once : how complex is the relationship between the happiness and the unhappiness of the love in the comedies of moliere ?

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Ntantinakis, Konstantinos. "Femmes et pouvoir dans le théâtre tragique crétois (1590-1647)." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030020.

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Abstract:

Le Théâtre Crétois est le seul théâtre existant en Grèce à la suite du théâtre classique antique et le seul "signe" théâtral grec de la Renaissance; Dans les œuvres tragiques Erophile et Jérusalem Délivrée de G. Chortatzis, Le Sacrifice d'Abraham d'auteur anonyme et Rodolinos de I. A. Troi͏̈los, la question "femme et pouvoir" présente un grand intérêt pour la situation des femmes en Crète pendant cette période face aux multiples aspects du pouvoir. Malgré l'universalité de ce théâtre, et ses influences issues du théâtre italien, les personnages féminins ont une identité complètement grecque, et ils portent l'écho d'un vieux monde oublié, le monde matriarcal. La rhétorique des personnages féminins ne mène pas le lecteur à une problématique uniquement amoureuse, mais elle mène aussi à une problématique socio-politique : les héroi͏̈nes permettent aux auteurs crétois de personnifier des idées qui leur sont chères, dans une réalité historique grave, sous l'occupation vénitienne et la menace turque. Les exhortations des héroi͏̈nes contre les divers mécanismes du pouvoir sous lequel elles se trouvent reflètent l'expression de l'âme d'un peuple désespéré sous une puissance tyrannique
The Cretan Theatre (1590-1647) is the only theatre existing in Crete following the ancient classic theatre and is also the only theatrical sign in the Greek Renaissance. The question "Women and authority" in the tragic plays (Erophile and Delivered Jerusalem of G. Chortatzis, The Abraham's sacrifice of anonymous author, Rodolinos of I. A. TroÔlos) presents a great interest on women's situation in Crete, during that period, facing the multiple sides of authority. Despite the universality of that theatre and its influences from the Italian theatre, women's characters are absolutely Greek and they also bring the echo of a forgotten world, the matriarchal period. The rhetoric of women's characters doesn't only lead the reader into the mere problem of love but also into a sociopolitical problem: the heroines allow the authors to personify ideas that they cherish, in a serious historical reality, under the Venetian occupation and the Turkish threat. The heroines' exhortations against the varied machinery of the power they suffer from reflect the soul of a people without hope under the burden of a tyrannical power

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Maurizi, Françoise. "Théâtre et traditions populaires chez Juan del Encina, et Lucas Fernandez." Aix-Marseille 1, 1991. http://www.theses.fr/1991AIX10009.

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Abstract:

Le discours theatral temoigne de l'apport important des pratiques rituelles, des actes et des categories carnavalesques, tels que les definit m. Bakhtine. La confrontation des textes cultures avec leur substrat s'avere necessaire et operante. Dans les eglogues 5 et 6 d'encina, le carnaval est objet de discours. Le texte est empreint jusque dans ses moindres signes de la vision carnavalesque du monde. L'"auto del repelon" renvoie au cycle des fetes hivernales. La rebellion des bergers brimes contre l'etudiant est placee sous l'egide du rire carnavalesque. Le caractere inoui de cet acte s'en trouve desamorce. Les anthroponymes deviennent un code dramatique. La dation d'un npm est un rite d'agregation. Sa problematisation tend a traduire une revendication ideologique. La "pulla" offre une multiplicite de niveaux de lectures. C'est, entres autres, un rite traditionnel de passage. Sa theatralisation sert a accentuer la rusticite du berger. Par le biais du jeu de l'amour courtois et des traditions populaires est recree la rencontre de l'homme et de la femme de categories sociales differentes. L'elaboration des textes et leur codification repondent chez ces deux dramaturges a des vecteurs ideologiques antithetiques.

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Hillerin, Alexis de. "Image du roi, image du père dans le théâtre français du XVIIIe siècle (1715-1789)." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040086.

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Abstract:

Le lien entre la monarchie absolue et le théâtre semble particulièrement fort sous le règne de Louis XIV. Non seulement ce dernier a demandé aux dramaturges de célébrer sa gloire mais il a également fait de son propre corps un spectacle, une représentation continue sur l’immense scène de Versailles. Ce lien structurel entre le roi et le théâtre correspond à une vision du monde fondée sur l’obéissance à une autorité d’autant plus incontestable qu’elle est d’origine divine. L’art classique dans son ensemble et les genres théâtraux en particulier ont été profondément marqués par cette vision théologique et normative du monde. Il fallait s’interroger sur l’évolution de cette conception à la fois esthétique et politique au siècle des Lumières. Ce dernier pour beaucoup est un siècle de contestation et de révolte. En réalité, la norme classique perdure et avec elle une conception du roi-père qui se démarque lentement du modèle louis-quatorzien. De même, les genres théâtraux ont du mal à échapper à la hiérarchie et aux règles contraignantes imposées par l’esthétique du Grand Siècle. Cependant, les dramaturges du XVIIIe siècle tentent de redéfinir l’autorité politique en l’associant à la sensibilité et à la tendresse incarnées par le père de famille. D’abord confondu avec le roi, le père gagne petit à petit en autonomie jusqu’à devenir le véritable représentant de l’ordre qui doit régner dans les sphères politique, morale et esthétique. Parallèlement, l’image du roi ne se confond plus parfaitement avec celle de la nation : celle-ci prend également conscience de l’existence de son propre corps, mis en scène notamment dans le théâtre national par l’intermédiaire du héros populaire.

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Mézergues, Juliette. "Pour une esthétique du chaosl : le théâtre de la catastrophe de Howard Barker." Bordeaux 3, 2008. http://www.theses.fr/2008BOR30029.

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Abstract:

Howard Barker est un dramaturge, poète, metteur en scène et peintre anglais né en 1946. Il commence à écrire au début des années 1970 et développe dès les années 1980 le concept du théâtre de la Catastrophe. Son théâtre reconnaît comme modèle la tragédie antique, qu’il ampute de sa catharsis et dont il ne garde que le point d’orgue, le chaos. Il place l’acteur au centre car il est le porteur du langage. Ce mémoire analyse les concepts de ce théâtre à travers cinq pièces choisies : les Européens, Gertrude le cri, la douzième bataille d’Isonzo, Und et N’exagérez pas (Désirs et insultes) une déclaration politique sous forme d’hystérie. Dans la première partie, nous développons les grands principes de ce théâtre : la base tragique et son adaptation, l’omniprésence de la mort ; la spéculation que pratique l’auteur sur une base historique ou littéraire ; la mise à mal de la morale à travers le savage ego qui caractérise le personnage catastrophiste. La deuxième partie s’attarde sur la construction de la pièce Catastrophiste : quelle en est sa dramaturgie, comment sert-elle l’expression du désir et place-t-elle le langage au centre de ce théâtre, comment le chaos en est indissociable. La troisième partie analyse l’aspect poétique des trois dernières pièces citées où le secret est prépondérant, où le langage du théâtre de la Catastrophe se radicalise. La quatrième partie relate des expériences avec ce théâtre : spectatrice, auditeur libre, stagiaire et assistante à la mise en scène. Divers points de vue y sont confrontés. La conclusion reprend les concepts du théâtre de la Catastrophe et appréhende sa place dans le paysage théâtral contemporain
Howard Barker is a playwright, poet, director and English painter born in 1946. He began to write early 1970 and has developed since the 1980's the concept of The Theatre of Catastrophe. His theatre recognizes Greek tragedy as a model, cutting off its catharsis effect and keeping its climax, the chaos. It puts the actor at the centre because it is the bearer of language. This text analyzes the concepts of this theatre through five selectedplays : The Europeans, Gertrude the Cry, The Twelfth Battle of Isonzo, Und and Don’t Exaggerate (Desires and insults) A Political Statement in the Form of Hysteria. In the first part, we develop the broad principles of this drama : the tragic and its adaptation, the omnipresence of death ; speculation that the author practices from a historical or literary standpoint and questioning morality through the savage ego which characterises the catastrophist character. The second part focuses on the construction of the catastrophist play : what is its dramaturgy, how is it an expression of desire and places the language at the centre of the theatre and how the chaos concept cannot be separated. The third part analyzes the poetic aspect of the last three plays cited in which secrecy is predominant and the language of the theatre of Catastrophe is radicalized. The fourth part relate experiences with this theatre : spectator, free observer , intern and workshop assistant. Such various viewpoints are confronted. The conclusion summarises the concepts of The Theatre of Catastrophe and assesses its place in the contemporary theatrical landscape

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Mellouli, Abdel-Illah. "L'Egypte dans le théâtre grec du cinquième siècle av. J. -C." Besançon, 2003. http://www.theses.fr/2003BESA1002.

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Abstract:

L'étude de l'Egypte à travers le théâtre grec du cinquième siècle av. J. -C. Permet de dégager de nombreuses données, susceptibles d'être organisées selon les thèmes suivants : géographie, société et économie, religion et culte, portrait physique et moral, histoire et mythe. Cette vision dramatique, partagée entre tragédie et comédie, favorise largement Eschyle et Euripide, les seuls auteurs dont on dispose, pour chacun, d'une pièce complète ayant pour thème principal l'Egypte, les Suppliantes pour le premier et l'Hélène pour le second. Ce sont ces deux pièces qui permettent une vision d'ensemble sur l'Egypte, une vision située dans un contexte légendaire. Outre cette vision mythique prépondérante par rapport à quelques images contemporaines, la part de l'invention littéraire est présente, elle met en valeur la spécificité à la fois du genre dramatique, pendant son âge d'or, le cinquième siècle, et de l'Egypte, considérée généralement comme pays "barbare". Ainsi, l'Egypte dans ce contexte reste en décalage de l'histoire contemporaine ; pourtant, elle permet aux dramaturges d'exprimer de temps en temps leurs propres idées sur l'Autre, le Barbare.

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Habedank, Kraemer Ingeborg. "Les figures du dictateur dans le théâtre contemporain (Jules Romains, Armand Gatti, Peter Weiss, René Kalisky, Dieter Forte, Gaston Salvatore)." Toulouse 2, 2000. http://www.theses.fr/2000TOU20023.

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Abstract:

La premiere moitie du xxe siecle peut etre consideree comme l'ere des dictateurs en europe. Par contre, la fin du siecle ne confirme pas seulement l'ecroulement de ces systemes totalitaires, mais aussi la faillite morale et politique de ces ideologies utopiques. Ces dictateurs historiques sont discredites pour leur volonte de puissance absolue et pour leurs promesses chimeriques, ils sont denonces car ils ont cause un grand nombre de pertes humaines. Les dramaturges qui prennent ces personnages historiques et contemporains comme modeles pour leurs figures theatrales representent essentiellement deux aspects caracteristiques : les mecanismes de la seduction demagogique et les consequences terribles d'une << persuasion coercitive >>. Les pieces choisies montrent et les moyens de la mythification du dictateur et les souffrances humaines subies par la terreur totalitaire. Le theme central devoile l'imposture de ces personnages, divinises pendant leur regne. Certes, les procedes de demythification varient d'un dramaturge a l'autre, mais leur souci commun consiste a condamner le portrait d'une figure sacree. Le persiflage et la derision participent d'une maniere efficace a ridiculiser la figure toute puissante. Les dramaturges revelent derriere l'image mythique un homme banal et mortel, un menteur criminel et un faux prophete avec ses faiblesses et ses incapacites. Les pieces n'insistent pas seulement sur la falsification de la realite par la propagande mensongere, mais aussi sur l'elaboration systematique d'un personnage divinise. Si les dramaturges negligent certains elements reels et simplifient la complexite politique, ils soulignent pourtant une complicite irrationnelle entre la volonte du dictateur et l'attente d'un peuple abuse. Cette magie charismatique est denoncee par l'analyse de divers aspects typiques : la vacuite du dogme politique, la persuasion indirecte par le symbolisme omnipresent, par le culte du dictateur, par l'exploitation de l'art au service du systeme. Cependant, la representation de la monstruosite de ces figures totalitaire et leur surveillance policiere du caractere terroriste a travers le calvaire des adversaires, des exclus, des ennemis reste le theme central du theatre politique. La destruction de la figure ne peut pas effacer les pertes humaines, la degradation des valeurs et le deperissement de la liberte.

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Revol, Thierry. "Représentations du sacré dans les textes dramatiques des XIe-XIIIe siècles en France." Reims, 1997. http://www.theses.fr/1997REIML008.

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Abstract:

Du XIe au XIIIe siècle, le théâtre reste lie a la liturgie et a la religion chrétienne. Écrit par des clercs, il contribue à l'enseignement doctrinal et moral de l'église. Fonde sur l'idée de la création de l'homme à l'image de Dieu, et sur celle de l'incarnation de dieu dans la figure humaine de Jésus, le christianisme favorisait l'émergence des formes dramatiques. De fait, le culte se conçoit comme l'évocation symbolique des événements vécus par le Christ. Pourtant des signes profanes sont intégrés non seulement dans le théâtre des places publiques, mais aussi dans les drames joues dans les églises. Les préoccupations et les leçons de la société urbaine se mêlent à celles de l'église. Ces thèmes profanes concourent alors efficacement à la dramaturgie de ces jeux : le recours au français ou a des épisodes comiques contribue à étoffer la présence des personnages. Les lieux échappent à l'univers symbolique du culte. Le théâtre intègre aussi un merveilleux préchrétien encore populaire. Des motifs folkloriques s'incarnent dans des personnages très actifs sur la scène. La présence de tous ces aspects contradictoires de la religion et du sacre ne doit s'expliquer que par le recours à l'anthropologie. L'imaginaire humain conduit a des formes d'expression dramaturgique parce qu'il donne des clefs par lesquelles l'humanité se crée une représentation du monde et de l'homme. Le langage dramatique s'interprète selon une série de conventions. Il devient à lui-même sa propre transcendance, comme un art consacre. Le personnage existe par le contrat tacite qui unit le spectateur au spectacle. Se découvrant une conscience dramatique, les auteurs affinent leur écriture. Le théâtre devient capable de traduire tous les genres littéraires dans son propre langage; il influence aussi les autres arts de la représentation. Spectaculaires et efficaces, les signes dramaturgiques recréent un monde clos, fonde sur une reconnaissance sociale, c'est-a-dire une consécration
From the eleventh to the thirteen century, the drama is closely linked to Christian religion and liturgy. Written by clerics, it contributes to the doctrinal and moral teaching of the church. Christianity, which was founded on the idea of man being created in god's image and on divine incarnation in the human figure of Jesus, provided fertile ground for emerging dramatic forms, the more so in that the mass is conceived as a symbolic reenactement of event that Christ leaved though. However, manifestly secular themes are to be found in that performed in the churches. The concerns of urban society mingle with those of the church. Secular themes contribute to the dramatic art of this jeu : the french language is used to flesh out the characters presented, as are comic episods. The stage escapes the influence of ecclesiastic symbolism. The latin and french dramas also have a pre-christian magic element which the population had never really abandoned. Motifs from folklore are figured in characters who are highly active on stage : fools, wild men, certain female characters or messengers. The presence of much contradictory features in the sphere of the sacred can only be elucidated in the light of anthropology. The basis constituant of though necessarely find form in the drama because they provide the key to the way that man represents himself and the world around him. Hence, dramatic art acquires its own language : it transcends its own materiality by virtue of being consacrated. The dramatic character exists though the contract tacitly linking the spectator and the spectacle. As the authors discover a specifically dramatic consciousness, they elaborate a corresponding form of writing that intern influences other mod of expression. The theatre becomes capable of translating all literary genres into its own terms, it equally influences the other arts. The spectator and communicative sign-system of the drama recreates an autonomous world nevertheless based on society's acknowledgement : it is thus a consecrated world

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Ducrocq, Carole. "La représentation diabolique dans le théâtre espagnol du Siècle d'or : entre ludisme et moralisme." Amiens, 2005. http://www.theses.fr/2005AMIE0003.

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Abstract:

Le Diable ne cesse de susciter une certaine curiosité et cela, à toute époque. De nos jours, même si on en parle moins, on continue à publier sur cet étrange personnage avec toujours autant d'engouement. Curieusement, malgré les nombreux travaux portés à son égard, une étude de taille, portant sur lui et les siens, dans le théâtre espagnol du Siècle d'Or, en d'autres termes, des 16e et 17e siècles, n'a jamais été réalisée. C'est pourquoi nous avons voulu nous y soustraire, dans le but de combler cet oubli important. Il s'agit là d'une étude complète qui vise à l'étudier, lui et sa horde, sous toutes les coutures. Notre travail consiste dans un premier temps à s'attarder sur ces personnages depuis le Moyen Âge, tant sur leur physique que leur psychique, leur mode de fonctionnement, leur environnement et leur comportement. Le Moyen âge est en fait une période de grande importance qui permet de comprendre leur évolution future, c'est pourquoi il est nécessaire de s'y attarder. A partir de là, nous allons voir qu'au théâtre, ces personnages sont capables de s'assumer pleinement et d'apporter un dynamisme certain à des pièces, qui, sans leur présence, seraient bien fades. Aux 16e et 17e siècles, il est donc impossible de parler du Diable sans parler également de démons, de sorciers, de sorcières, de magiciens, de nécromancie, de pactes sataniques, de possession. . . Le Diable n'est pas seul, il est multiple. On lui rend hommage d'une façon bien étrange, comme lors des fameux sabbats, ces sectes sataniques où l'interdit est vénéré. On meurt pour lui, notamment en périssant dans les flammes, et à la vue de tous (les fameux bûchers). Au théâtre, même s'ils copient de temps à autre leurs prédécesseurs de l'histoire, nos personnages diaboliques ont plus d'une ruse dans leur sac et savent divertir à merveille leurs lecteurs et spectateurs. Tantôt ils suscitent le rire, tantôt l'effroi. Le propre de leur personnalité est de jouer avec leurs victimes, de les égarer, d'envahir leurs pensées, et de les entraîner dans des situations insensées et burlesques. Cette thèse est en somme une étude chronologique sur l'histoire des personnages diaboliques depuis le Moyen Age jusqu'au 17e siècle, principalement axée sur le théâtre espagnol du Siècle d'Or mais aussi une longue critique à leur égard. Quelle image avait-on d'eux en ces temps ? Que symbolisaient-ils ? Le but de tout cela est, bien évidemment, d'étudier comment, au théâtre, les dramaturges espagnols ont su présenter nos personnages diaboliques et voir s'ils ont su leur donner une certaine indépendance et originalité par rapport à leurs " confrères " européens. Une chose est sûre, le démon espagnol n'aura rien à leur envier, pas même à ses futures progénitures. Pour ce qui est des démons succubes et incubes, ils seront loin d'être aussi pointus et fins psychologiquement que leur maître. Par ailleurs, grâce à une classification réalisée par divers auteurs, nous saurons quelles sont les grandes spécificités de chacun d'entre eux et leurs faiblesses. Les milieux religieux, comme nous le verrons, ont beaucoup contribué à l'évolution de leur représentation physique, par le biais notamment d'absurdités en tout genre et de croyances non fondées. Mais ils ne seront pas les seuls à avoir agit de la sorte. Le peuple lui aussi va s'en faire sa propre image et leur inventer plusieurs représentations, plus farfelues parfois les unes que les autres ou bien d'une laideur déconcertante. Peu à peu, Diable et démons seront un peu comme la sorcière de deuxième génération (la diabolique) qui, selon certains, sera stéréotypée, façonnée, inventée, pensée. Il en sera donc de même pour nos diables. Le théâtre, de son côté, reprendra de nombreuses représentations diaboliques issues de l'Histoire mais tout en gardant une certaine indépendance. En somme, nous verrons que les dramaturges ressentent un besoin de créativité et qu'ils désirent se distinguer de toutes ces représentations imagées ou imaginées qui envahissent leur quotidien. Calderón, par exemple, offrira au démon espagnol une vraie psychologie, une brillante manière de raisonner, des connaissances hors du commun. Lope, pour sa part, fera du Diable un poète, alors que Valdivielso en fera un fou. En définitive, même si la représentation des démons dans l'Histoire aura considérablement influencé celle du théâtre, les dramaturges espagnols savent, avec finesse, lui apporter d'autres dimensions et bon nombre de caractéristiques qui lui faisait encore défaut auparavant. Ainsi, grâce à divers autosacramentales et comedias, nous constaterons que les dramaturges ont parfois traité différemment la représentation de leurs personnages, cela s'expliquant par tout un contexte religieux, moral ou d'époque. Parfois, il conviendra mieux, dans un auto sacramental, de donner du démon une représentation classique et standard que de lui attribuer par exemple une psychologie grossière ou un physique de bout en train rayonnant. Parler de représentation diabolique ne signifie pas seulement étudier un physique ou une psychologie, la plupart du temps, le démon peut se manifester différemment et pas forcément sous une forme corporelle. S'infiltrer par exemple dans le corps d'un autre personnage ou exercer une influence considérable sur ses pensées ou sous forme de voix sont largement à sa portée. Qui dit démon ne dit donc pas forcément représentation palpable. .
Today, the Devil is back. Curiously, in spite of many works about him, nobody write about what he was in the Golden Age, in the drama principally. The Devil is not alone, he's multifarious. This thesis is in fact an essay about the history of the diabolic's characters from the Middle Ages down to the seventeenth century, principally centred about the Spanish drama of the golden age. She's also criticism about diabolic's characters. We're going to study their physique, psychism, environment, behaviour and evolution. In the course of Sabbath, people venerate the Devil. Others die for him. In drama, the diabolic's characters divert wonderfully readers and spectators. Sometimes they create laughing, sometimes they spread terror. Moreover, they play with theirs victims, and check theirs lifes. Diabolic's representation means also demon, withcraft, bewitchment, possession, necromancy, fright, wood-pile, hell. .

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Kamar, Abdulkarim. "Le sentiment de dérision dans le théâtre de Jean Anouilh." Besançon, 2001. http://www.theses.fr/2001BESA1001.

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Abstract:

Nous nous chargeons, dans notre étude sur le théâtre de Jean Anouilh, d'analyser le sentiment de dérision dans le théâtre de Jean Anouilh. Le premier volet de ce travail est consacré à l'expression de la dérision dans l'oeuvre de jeunesse d'Anouilh. Nous mettons en lumière la manière dont l'angoisse se traduit dans cette première période : d'abord, par une révolte et un refus foncier de l'ordre du monde. D'autant plus que le pessimisme, qui jalonne les pièces de l'auteur ne s'arrête pas aux limites d'un simple refus des personnages du monde tel qu'il est, mais il devient la cristallisation d'une noirceur humaine. Le théâtre constitue en effet, une bouée pour échapper à la solitude. Toutefois, l'auteur transmet ses idées de la société et de la vie par le jeu du théâtre : théâtre comme la vie comme une éternelle scène de théâtre et le théâtre comme le meilleur endroit pour jouer la vie. . .

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Khadraoui, Saïd. "Cléopâtre devenue héroine nationaliste : Robert Garnier, Ahmed Chawqi." Lyon 3, 1987. http://www.theses.fr/1987LYO31001.

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Abstract:

Dans cette etude comparative entre la piece de garnier: marc-antoine et celle de chawqi: la mort de cleopatre, nous avons essaye de realiser une triple perspective: 1- determiner comment la tragedie de cleopatre suit dans la litterature occidentale une sorte de tradition litteraire. 2- l'etude des deux pieces et leur rapport avec la situation contemporaine de l'egypte et de la france. 3- l'analyse des convergences et des divergences entre ces deux pieces, ainsi que l'influence a rebours de la litterature occidentale sur le poete arabe. Notre analyse montre que l'influence de l'historien grec: plutarque sur tout ceux qui ont traite cette tragedie est grande, que garnier et chawqi ont pu l'adapter aux evenements contemporains de leur epoque. Leur but etait d'eveiller les esprits de leurs compatriotes et de secouer leurs ames. Enfin l'etude montre que ces deux poetes ont ete influences par leurs predecesseurs. Mais leur part d'originalite et leur genie poetique, manifeste dans le langage et la beaute des vers, demeurent evident
The present comparative study between the play of: robert granier: marc-antoine and that of ahmed chawqi: la mort de cleopatre tries to realize three perspectives: 1- to determine how the tragedy of cleopatre follows in the occidental literatur a type of litterary tradition. 2- to study the two plays and their relation to the centemporary situation in egypt and france. 3- to analyze the convergences and the divergences between the two works, as well as the negative influence of the occidental litterature on chawqi. This thesis shows how the influence of the greek historian: plutarque on all those who have treated this tragedy is greet. That how granier and chawqi in order to arouse the spirits of their compatriots. Have adjust thectragedy of cleopatra to the avents of their own countries. Finally, the study also shows that the two poets have been influenced by their predecessors. But despite this fact their stamps of originality is evident

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Marchand, Sophie. "Théâtre et pathétique au dix-huitième siècle : pour une esthétique de l'effet dramatique." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040111.

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Abstract:

Le goût des larmes et l'éthique sensible marquent profondément la pratique et la théorie théâtrales des Lumières. Autour de l'efficacité pathétique conçue comme adhésion sentimentale, s'élabore un modèle dramaturgique original. En s'appuyant sur les textes théoriques, on tente de décrire les éléments constitutifs de ce système homogène et cohérent. On s'intéresse d'abord aux bouleversements induits dans la pensée théâtrale par l'horizon d'attente pathétique (promotion de l'effet au rang de critère décisif de la valeur, passage d'une poétique du beau à une esthétique du plaisir, effets de la lacrymomanie sur le paysage générique). Puis on se consacre aux textes dramatiques, pour analyser l'émergence d'une rhétorique et d'une dramaturgie proprement pathétiques. Enfin, on examine le point de vue du spectateur et considère l'expérience pathétique dans ses composantes esthétiques, morales et idéologiques, pour comprendre comment le théâtre s'intègre au système philosophique des Lumières
The taste for tears and the ethics of sensibility deeply influence the theatrical practice and theory of the Enlightenment. An original dramatic model elaborates itself from the efficiency of pathos considered as a sentimental adhesion. The analysis of theoretical texts allows a description of this homogenous and coherent system's constitutive elements. The disruptions induced in the dramatic thought by the pathetic expectations are considered first : the promotion of the effect to the rank of a decisive criterion of value, the change from a pœtics of beauty to an aesthetics of pleasure, the effects of the lacrymomania on the genres. Then, the examination of dramatic texts sheds light on the emergence of a rhetoric and a dramaturgy spécifique to the pathos. Finally, the beholder's viewpoint is analysed and the pathetic experience considered, in order to understand how the drama gets integrated into the philosophical system of the Enlightenmnent

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Rentzepi, Maria. "La mise en scène du monde grec dans le théâtre français, 1920-1950." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040122.

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Abstract:

En se fondant méthodologiquement sur des concepts empruntés à la littérature comparée, à l'analyse littéraire et à l'analyse dramaturgique, montre d'une part l'évolution de la réception du monde classique dans la France du premier XXe siècle, et d'autre part comment le mouvement des idées et l'esthétique des arts du spectacle s'expriment sur scène dans les "adaptations" grecques, et notamment à travers le vocabulaire non verbal. Le corpus comprend les grandes adaptations du théâtre grec par Claudel, Cocteau, Gide, Giraudoux, Anouilh, Sartre, mais aussi des pièces de moindre envergure, dont la liste se trouve en annexe, à côté d'un catalogue photographique. Quatre parties à la fois chronologiques et thématiques forment le corps de la thèse : elles présentent les différentes composantes de l'image de la Grèce, telles qu'elles ont influencé le monde du théâtre, l'apport de la réflexion dramaturgique claudelienne. La manière dont le cartel met en scène des mythes grecs, et enfin la désacralisation des dieux et l'émergence de menaces nouvelles avec la seconde guerre mondiale. Dans le monde grec du théâtre français, le rapport à l'antiquité devient progressivement un rapport d'assimilation. L'adaptation ne rompt pas seulement avec le passe fondateur : tournée vers le présent, elle s'interroge même sur la théâtralité. La mise en scène, en véhiculant les modes et les idées du jour, en se référant à l'actualité, a contribué, quelquefois bien plus que le texte, à l'actualisation du mythe dans la littérature française du XXe siècle.

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Aubin, Maxime. "Créer et se créer : La figure de l'homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980." Thesis, Université Laval, 2009. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26193/26193.pdf.

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Abstract:

Ce mémoire tente de brosser un portrait de la figure de l’homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980. À travers l’examen de neuf pièces représentatives de ce corpus, il s’agit ainsi de démontrer en quoi l’expression de l’identité sexuelle des personnages est liée à la création (théâtre, écriture). En analysant comment les personnages homosexuels de ces pièces sont soumis au regard de la société, notamment en ce qui a trait à l’importance accordée aux rôles généralement dévolus aux genres (masculin/féminin), notre travail cherche à dégager l’influence de la condamnation de l’homosexualité dans le processus d’affirmation de l’identité sexuelle de ces personnages. Il s’agit ainsi d’étudier le mouvement qui mène de l’assignation d’un rôle déterminé à la réinvention de soi. Par ailleurs, le regard diachronique que propose ce mémoire permet d’observer la transformation de la représentation de la figure de l’homosexuel qui s’est opérée dans la dramaturgie québécoise depuis 1980.

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Ricciuti, Marie-Gabrielle. "Le théâtre de Tennessee Williams de 1962 à 1983 : l'androgyne et l'artiste." Dijon, 2003. http://www.theses.fr/2003DIJOL008.

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Abstract:

Le théâtre de Tennessee Williams a connu une évolution à partir des années soixante. Celui que l'on connait surtout comme l'auteur de Un Tramway nommé Désir ou encore La Chatte sur un toit brûlant choisit de prendre une nouvelle direction qui, si elle n'est pas à proprement parler spectaculaire, n'en demeure pas moins étonnante. Le désir d'innover et de se mettre artistiquement en danger donneront un nouvel élan à la carrière de Williams dans le monde du théâtre américain. Les conséquences ne seront pas toutes positives : sa popularité décline, la critique dramatique essaie de le décourager. Wiiliams, personnage haut en couleurs, obstiné et romantique, persévère (parfois dans l'indifférence totale) et propose entre 1962 et 1983 des oeuvres où se mêlent quelques paramètres fondamentaux de son univers littéraire : la poursuite d'un certain idéal artistique et la quête de l'androgyne. Ces deux figures se rejoignent dans leur désir commun de (re)gagner une certaine harmonie, de promouvoir le renouveau (qu'il soit d'ordre artistique, sexuel, racial et même religieux) et enfin de remédier à la solitude inhérente à la nature humaine. L'androgyne et l'artiste williamsiens, chacun à leur manière, travaillent pour l'abolition des obstacles qui favorisent cette solitude et qui empêchent la réalisation de l'ambition première de Williams : la rencontre et l'union avec l'autre. Les oeuvres considérées dans cette étude sont : The Milk train doesn't stop here anymore, Slapstick tragedy, In the bar of a Tokyo hotel, Kingdom of Earth, Small crafts warnings, The Two-character play, The Red devil battery sign, Vieux Carré, A lovely sunday for Creve coeur, Clothes for a summer hotel et Something cloudy, something clear
The early Sixties mark the beginning of a significant evolution in the theatre of Tennessee Williams. The playwright mostly known for works such as A Steetcar named Desire or Cat on a hot tin roof takes a new direction, if not exactly spectacular then nonetheless surprising and challenging. This impulse stems from a wish to innovate and to take risks, artistically speaking, resulting in a somewhat negative impact on his career : Williams saw his popularity decline considerably and he lost the support of most drama critics. In these difficult circumstances where most of his plays were dismissed as incoherent, Williams' almost legendary determination only increased. In the plays written between 1962 and 1983, the playwright opens the stage to the founding figures of his literay landscape, the androgyne and the artist, and pursues the (con)quest of his ideals. These two figures share a common desire to regain harmony ; their aim is also to bring about a revival on several levels (artistic, sexual, social, racial and even religious) and, finally, to put an end to an inherent, yet intolerable, feeling of loneliness. In so doing, the androgyne and the artist work for the realization of Williams' premier ambition : the meeting and union with the other. The plays under consideration are : The Milk train doesn't stop here anymore, Slapstick tragedy, In the bar of a Tokyo hotel, Kingdom of Earth, Small crafts warnings, The Two-character play, The Red devil battery sign, Vieux Carré, A lovely sunday for Creve coeur, Clothes for a summer hotel and Something cloudy, something clear

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Bayouli, Tahar. "L'image de l'orient dans le théâtre élisabéthain." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100033.

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Abstract:

Dans cette thèse, l'image de l'orient dans le théâtre élisabéthain est étudiée premièrement en relation avec son arrière-plan historique. Le commerce avec les pays orientaux et la guerre contre le turc sont relevés comme les facteurs qui ont contribué le plus à la construction de l'image de l'orient et son expression sur la scène. La vision de l'orient comme domaine de la passion, la violence et la sensualité et comme terre de merveilles et de richesses prodigieuses se voit à travers les différentes évocations de l'orient. L'étrangeté et l'exotisme sont les caractéristiques qui marquent les mœurs orientales dépeintes par les dramaturges. Les images d'un oriental violent, sensuel et foncièrement méchant ont leur expression en particulier dans les drames concentres sur le thème de la confrontation avec le turc ou à travers les figures des scélérats orientaux comme Eléazar (Lust's Dominion : Th. Dekker) et Mulleasses (the Turke : J. Mason). Dans Mustapha (G. Greville), cette image de l'oriental est moins stéréotypée car elle prend une certaine profondeur psychologique et thématique dans la tragédie. L'évaluation des images dans la troisième partie révèle la valeur et l'importance de tamburlaine (Ch. Marlowe) au sein de cette tradition d'orientalisme du drame élisabéthain, et d'autre part la distinction d’Antony and Cléopâtre de Shakespeare
In this thesis, the image of the eastern world in the Elizabethan theatre is first studied in relation with its historical background. Trade with the eastern countries and the war against the Turk are pointed out as the factors which most contributed in shaping the Elizabethan image of the eastern world and its expression on the stage. The vision of the east as the realm of passion, violence and sensuality and as a land of marvels and stupendous wealth can be seen through the different evocations of the eastern world. Strangeness and exoticism are the characteristics which mark the oriental life and customs portrayed by the dramatists. The images of a violent, sensual and thoroughly wicked oriental have their expression particularly in the plays centered on the theme of the confrontation with the Turk or through the figures of the oriental villains such as alcazar (lust's dominion: Th. Dekker) and mulleasses (the Turke: J. Mason ). In Mustapha (Greville, the image of the oriental is less stereotyped because it takes its psychological and thematic depth in the tragedy. The evaluation of the images in the third part shows the value and the importance of Marlowe’s Tamburlaine in the tradition of orientalism in the Elizabethan drama and the distinction of Shakespeare’s Antony and Cleopatra

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Chevallier, Jean-Frédéric. "Essai d'approche et de définition d'un tragique du XXème siècle (vers une tragédie des impossibles)." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030028.

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Abstract:

La tragédie grecque est l'expression pleine et entière du phénomène tragique. A partir de la première on peut déduire trois éléments propres à définir le second : le tragique concerne l'être de l'homme, il nécessite pour être perçu que soit établie une continuité ontologique, il prend la forme d'une aporie. Les philosophes anti-hegelliens que sont kierkegaard, Schopenhauer et Nietzsche donnent de compléter cette hypothèse : le tragique produit un sentiment ; il y va de l'angoisse pour l'un, du dégoût de vivre pour l'autre, de la joie pour le dernier. La détermination plus strictement esthétique du phénomène, telle que la proposent en particulier Maeterlinck et Wagner, conduit à envisager le tragique comme étant, avant tout, de l'ordre de l'effet. Ces premiers développements ont pour but, d'une part, de faire apparaître les outils conceptuels adéquats à l'appréhension du tragique dans les textes dramatiques du XXème siècle, et, d'autre part, de saisir ce que le passage du modernisme au postmodernisme comporte d'enjeu tragique. .
Greek tragedy is the full and entire expression of the tragic phenomenon. From the former we can deduce three elements capable of defining latter. The tragic concerns the being of man. To be perceived, an ontological continuity needs to be established. It takes the shape of a aporie. Anti-Hegelian philosophers such as Kierkegaard, Schopenhauer and Nietzsche demonstrate this hypothesis. The tragic produces a feeling : anguish for the first one, disgust with life for the second one and joy for the third one. A more strickly aesthetic definition of the phenomenon, offered specifically by Maeterlinck and Wagner, shows the tragic mainly as an effect. This first study highlights the conceptual tools needed to comprehend the tragic in the tramatic texts of the twentieth century, and shows how the tragic is invested in the transition between modernism and postmodernism. .

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Odagiri, Mitsutaka. "Le mythe d'Œdipe dans le théâtre français du XVIème siècle à nos jours." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040141.

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Abstract:

Ce travail se veut une contribution à l'étude du mythe d'Œdipe dans l'histoire du théâtre français moderne du XVIe siècle à nos jours. Dans la première partie nous avons essayé de mettre en évidence le rapport entre le mythe et la littérature. Nous nous sommes efforcés ensuite de décrire le parcours diachronique de l'évolution de notre mythe en deux parties, afin de mettre en relief la variation et la constance des composantes essentielles du mythe d'Œdipe. C'est dans une quatrième partie que nous avons tenté d'adopter une approche synchronique afin de montrer les différents aspects idéologiques qui soutiennent l'écriture palimpseste du mythe d'Œdipe pour chaque dramaturge, notamment du point de vue philosophique, psychanalytique et métaphysique
This work attempts to contribute to the study of the Oedipus myth in the history of modern French theatre from the sixteenth century to the present day. In the first section, we attempt to give prominence to the relationship between the myth and literature in. We then, in two further sections, endeavour to describe the diachronic path of the development of this myth, in order to highlight both the variation and constancy in the essential components of the Oedipus myth. In the fourth section, we attempt to adopt a synchronic approach in order to demonstrate the different ideological aspects which, for each dramatist, endorse the palimpsest style of the Oedipus myth. This is done particularly from the philosophical, psychoanalytical and metaphysical points of view

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Sessa, Jacqueline. "Le rite et la licence dans la comédie européenne de la renaissance et de l'époque baroque : (thèmes, motifs, situations relatifs à la sexualité, au mariage et à la vie de famille)." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100003.

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Abstract:

Cette thèse propose, après délimitation chronologique et géographique du corpus, une définition de la comédie, expression du défoulement carnavalesque au sens le plus large du terme, mais également d'une morale collective. L'existence d'un pharmakos comique, expulse ou châtie avant que ne se déroulent les rites de fertilité, assure une structure initiale de laquelle ne s'écarteront expressément que quelques sous-catégories. La première partie, dans une perspective historique, démontre à la fois la permanence et l'évolution du travesti des deux sexes, d'abord transgression des lois religieuses puis simple élément d'intrigue. Le passage de certains schémas de l’Italie a la France, l’Espagne ou l’Angleterre permet d'étudier la différence de traitement esthétique (burlesque ou romanesque des situations), mais aussi les degrés de licence tolèrent dans les différents pays ou la sublimation des dramaturges eux-mêmes. La deuxième concerne plus précisément les affrontements à l'intérieur du cercle familial ; rivalité père fils puis luttes conjugales, au nom d'une morale assez floue ou la notion de "nature" semble l'emporter sur les règles imposées par les églises ou les états. La troisième partie démontre la volonté de réconciliation dans et par la comédie : le mariage, qui en constitue le dénouement naturel, peut-être inverse en fausses noces ou en divorce bouffon. Les fêtes traditionnelles, premier mai, Saint-Jean, marquent encore la survivance des rites de fertilité
This thesis intends, after setting chronological and geographical bounds to its corpus, to give a definition of comedy, as an expression of carnivalesque release, in the broadest meaning of the phrase, as well as of public morals. The existence of a comic pharmakos. Expelled or punished before the fertility rites are accomplished, initiates a pattern from which few subcategories actually differ. The first part, in a historical approach, demonstrates both the permanence and evolution of the male and female disguise, first a transgression of religious rules then a mere plotting device. The transferring of some schemes from Italy to France, Spain or England, allows one to examine the differences in aesthetic treatments (burlesque or romantic situations) and also the degrees of freedom permitted in the various countries or the sublimation by the dramatists themselves. The second part deals more precisely with the struggles inside the family circle: competition between father and son, conjugal strife’s - and their assessment on the grounds of rather dim morals where the idea of nature seems predominant over the rules of either churches or states. It studies rough music as a burlesque means of punishment. The third part demonstrates the desire for reconciliation in and by the means of comedy: the wedding, its specific catastrophe, may be inverted into false nuptials or ludicrous divorce. Traditional festivals, May Day, midsummer, also point to the survival of fertility rites

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Fallahnejad, Naeimeh. "L'influence du théâtre français sur le théâtre moderne persan." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0218/document.

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Abstract:

Le théâtre persan moderne est véritablement né au XIXe siècle, avec la découverte du théâtre occidental. Les hommes politiques éclairés ont tenté de moderniser la Perse en envoyant des étudiants en France pour apprendre les sciences modernes. Rentrés au pays, ces étudiants avaient un vif intérêt pour la culture française, y compris pour le théâtre. En outre, en Perse, nous constatons également la montée d’une classe bourgeoise où se développaient des idées réformistes et néo-religieuses. C’est sur ce fond de réformes et de mutations économiques, politiques et sociales que se crée la nouvelle forme littéraire que constitue le théâtre persan moderne. Ainsi, Le Misanthrope de Molière a été traduit sous le nom de Gozâreš-e mardom goriz par Mirzâ Habib Esfahâni, un exilé politique (Istanbul, 1869), avec toutefois une grande liberté dans la restitution des noms des personnages et des traits de caractère, de sorte que le jeu était plus persan que français. En plus des adaptations directes, le théâtre persan a également été influencé par le théâtre classique français à travers les œuvres des hommes de théâtre persans comme Mirzâ Aghâ Tabrizi. Ses comédies traitent essentiellement, sur un mode ironique, de la corruption politique et des superstitions. Ces écrivains ont essayé de composer ou d’adapter des pièces modernes, généralement dans l’esprit de Molière, mettant en scène des personnages typiques, décrivant des épisodes à la fois comiques et satiriques qui témoignent d’une volonté de s’adresser à toutes les classes sociales. Étant donné ce lien évident entre théâtre persan et théâtre français, nous envisageons une analyse socio-historique des pièces persanes, surtout depuis la fin du XIXe siècle, qui souligne notamment leurs rapports avec l’œuvre de Molière, tout en mettant en évidence leurs enjeux culturels
The modern Persian theatre was trully born in the nineteenth century, thank to the discovery of the western theatre. Enlightened politicians have tried to modernise Persia, students were to be send sent to France in order to learn modern science. When these students were coming home they had a lively interest for French culture including its theatre. Moreover, in Persia, we can notice the rise of a middle class where reformist and neo-religious ideas developed themselves. This background is where economical, political and social reforms and changes emerged to create a new literary genre that is to be found in modern Persian theatre. Thus, Le Misanthrope by Molière was traduced by Gozâreš-e mardom goriz by Mirzâ Habib Esfahâni who was in a political exile (in Instanbul in 1869). Nevertheless he took great liberties in the characters’names and their personalities so that the acting was more Persian than French. In addition to direct adaptations, Persian theatre was also influenced by the Classic French theatre with the work of Persian playwrights such as Mirzâ Aghâ Tabrizi. His comedies are mainly ironic and about political corruption and superstitions. These writers tried to compose or adapt modern plays –often in Molière’s way- bringing typical characters to life, describing scenes that are at the same time comical and satirical. It was a mean a means to address their works to every social group. Because of this obvious link between Persian and French theatre. I am considering doing a socio-historical analysis of Persian plays especially from the end of the nineteenth century because they put to light the relation with Molière’s work but also highlight the cultural issues

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Dia, Makhmouth. "Comique et tragique : la dramaturgie de Wole Soyinkia à l'épreuve d'une problématique théâtrale africaine." Caen, 2009. http://www.theses.fr/2009CAEN1560.

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Abstract:

Cette thèse étudie le comique et le tragique dans le théâtre de Wole Soyinka. D'une part, elle analyse les représentations ainsi que les rapports dramaturgiques de ces catégories génériques dans son œuvre et, d'autre part, les place dans le contexte idéologique et sociologique africain moderne. Selon la critique, l'alliance du comique et du tragique constitue un des plus grands piliers du théâtre africain contemporain. Ce travail évalue la nature, les formes et les enjeux de cette alliance chez Soyinka. Dans la même optique, l'objectif est de déterminer le rôle du comique dans la tragédie africaine. Le dramaturge nigérian a proposé une tragédie africaine, à travers la cosmogonie, le rituel et la métaphysique yorouba. Mais comme souvent dans les propositions de tragédie africaine, il a sous–estimé le comique dans ce processus. Pourtant la complexité du comique dans son œuvre incite à une autre approche. D'une manière générale, la critique a semblé mal apprécié l'aspect comique dans la tragédie africaine. Pourtant, même si c'est un sujet insuffisamment étudié, les tragédies font rire le spectateur africain. On dit également que le rire et la célébration accompagnent la vie quotidienne en Afrique, même pendant les moments tragiques. L'œuvre de Soyinka illustre que ce comique, ce rire et cette célébration sont l'expression d'une tragédie de l'homme moderne. Le but de ce travail est aussi, à cet égard, d'identifier une tragédie africaine à travers la dramaturgie du comique. Le texte dramatique, le processus historique et esthétique et la poétique de la réception sont les axes sur lesquels repose cette expression
This research is a study of the comic and the tragic in the theatrical work of Wole Soyinka. It analyses, on one hand, the depiction and the dramaturgical relations between the comic and the tragic in his drama and, on the other hand, relates them to the sociological and ideological context of modern Africa. The association of the tragic and the comic is one of the most important pillars of contemporary African drama, according to critics. The aim of this research is to examine the nature, the forms and the meaning of this association in Soyinka’s drama. From the same viewpoint, the aim is to determine the place of comedy in African tragedy. The Nigerian dramatist has proposed an African tragedy based on Yoruba cosmogony, rituals and metaphysics. However, as it is usually the case with propositions of African tragedy, Soyinka has underestimated the comic in the process. Yet, the complexity of this comic invites to a different approach. Broadly speaking, critics seem to have misjudged the comic aspect in African tragedy. Although it is less researched area, it is known that African audiences laugh during representations of tragedies. It is also said that laughter and festivity are part of daily life, including during its tragic moments. On this respect, the aim of this research is to identify an African tragedy through the drama of comic. Soyinka’s drama shows that this comic aspect, this laughter, and this festivity are at the expression of man’s modern tragedy. The dramatic text, the historical and aesthetic process, and the poetics of its reception are the pillars of this expression

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Béziat, Florence. "Le thème du silence dans le théâtre de Tirso de Molina." Toulouse 2, 1996. http://www.theses.fr/1996TOU20080.

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Abstract:

Cette etude envisage le theatre de tirso de molina a travers le point de vue particulier que constitue le theme du silence. Nous nous interessons d'abord a ces moments de rupture de la parole (silences absolus et silences relatifs) qui surviennent dans le texte theatral tirsien. Sont ainsi analysees environ vingt pieces qui presentent divers aspects du silence, et ce dans quatre domaines differents : saintete, pouvoir, honneur, et amour. Nous tentons ensuite de determiner la valeur ethique du silence dans ces oeuvres : il s'agit de savoir si le dramaturge nous donne une vision positive, ou au contraire negative, du silence. D'apres nos analyses des pieces, nous avons pu constater que, dans les quatre domaines envisages, le silence a une valeur globalement positive dans le theatre tirsien et qu'il apparait comme un trait specifique du personnage noble. Conclusions qui prendront tout leur sens a travers un rapide detour par l'histoire des mentalites, detour qui nous permettra de mieux cerner les enjeux de notre theme de recherche. En dernier lieu, nous abordons le silence d'un point de vue dramaturgique, en tant que technique d'ecriture. Ce dernier chapitre n'est qu'une premiere approche, ou sont etudies des procedes tels que le retardement, l'ajournement, l'interruption, le dosage ou la retention d'information, afin de decouvrir les divers roles du silence dans la construction dramatique des pieces tirsiennes. Une etude comparative entre deux drames d'honneur, l'un de tirso, l'autre de calderon, montre notamment que le silence a pour fonction, chez tirso et au sein de ce genre dramatique, d'isoler la part tragique de la piece et de preserver la possibilite d'un denouement heureux
This study is concerned with tirso de molina's theatre and the particular use of theme of theatrical silence : the truncation of speech and dialogue - where no words are spoken (explicit silences) and where something is silenced through the use of words (implicit silences). About twenty plays presenting several aspects of silence are analysed, after being classified into four different categories : saintliness, power, honour, and love. Afterwards, i try to determine the ethical values of silence in the chosen plays, in order to establish if the playwright offers us a positive or a negative vision of silence. According to my studies ot these plays, i have been able to ascertain that, in the four categories concerned, the silence, generally speaking, has a positive value in tirso's theater and that it appears to be an attribute specific to characters of rank. A brief chapter on the history of ideas will lead to a better understanding of these findings. Last of all, i consider the theme of silence from the point of view of the playwright, focussing on his use of it as a dramatic technique. This last chapter is only a first incursion, where i study some types of stagecraft like delayed action, interruption, withholding of information, in order to discover the different functions of silence in this theatre. A comparative study between two honour plays, one written by tirso, the other by calderon, reveals that, in tirso's theatre and in this type of plays, the silence is useful for isolating the tragic dimension from the rest of the action and for preserving the possibility of a happy ending

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Brailowsky, Yan. "Divination et prophétie dans le théâtre de Shakespeare : herméneutique et poétique." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100106.

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Abstract:

A partir de huit pièces — deux pièces romaines (Jules César et Coriolan), deux « romances » (Le Conte d’hiver et Cymbeline), trois « histories » (2 Henry VI, Richard II et Richard III), et Macbeth —, il s’agit d’analyser le rôle des prophètes, des prophéties et de la divination dans le théâtre de Shakespeare. En partant de l’analyse de sources antiques (Cicéron et Plutarque) et de sources contemporaines (Bacon et Montaigne, notamment), ce travail montre d’abord que la « survivance » des dieux justifie la « survivance » de pratiques divinatoires. Ainsi, la présence-absence du dieu Mars dans les pièces romaines met en évidence l’influence des dieux sur la destinée des hommes, une influence qui procède par détournement. L’analyse des rituels divinatoires païens, notamment l’oniromancie et la consultation des augures ou des oracles, distingue les prêtres des sorciers interprètes-herméneutes. L’analyse de pratiques païennes déviantes dans un cadre chrétien, le spiritisme et la nécromancie, met en évidence la spécificité des prophéties chrétiennes, tout en posant le problème de l’interprétation de prophéties prononcées par des « esprits » équivoques. L’étude des tétralogies shakespeariennes permet d’explorer le rôle des prophètes autoproclamés dans un cadre historique apocalyptique, et l’importance des noms dans les prophéties dynastiques de la Guerre des Deux-Roses. Enfin, un examen du problème spatial, et non plus simplement temporel, posé par les prophéties, montre à quel point la situation marginale des théâtres élisabéthains fait partie intégrante du caractère prophétique et « outrancier » du drame shakespearien
This thesis aims at studying the role of prophets, prophecies and divination in Shakespeare's plays, through the analysis of eight plays : two Roman plays (Julius Caesar and Coriolanus), two Romances (The Winter's Tale and Cymbeline), three Histories (2 Henry VI, Richard II, Richard III), and Macbeth. By analyzing ancient and contemporary sources (Cicero, Plutarch, Holinshed, Montaigne and Bacon, among others), I first show that the ``survival” of the gods of yore explains the “survival” of antique divinatory practices. The presence-absence of Mars in the Roman plays evidences the influence of the gods on man's destiny, an influence that works by indirection. The analysis of pagan rituals, notably oneiromancy, augurs and oracles, enables one to compare priests and soothsayers whose role as interpreters is defined by those in power. The study of deviant pagan practices in a Christian context (spiritism and necromancy) makes it possible to see what makes Christian prophecies unique, all the while showing the interpretive problems posed by prophecies uttered by equivocating spirits or apparitions. As for the tetralogies, they serve to understand the role of self-proclaimed prophets in an apocalyptic historical setting. The War of the Roses is as much emblematized by onomastic puns in a series of dynastic prophecies as it is by the claims of rival factions. Lastly, prophecies are not only a temporal, but also a spatial conundrum: the marginal location of Elizabethan playhouses is part and parcel of their prophetic nature, and accounts for Shakespeare's constant double-play on “utterance” and the French “outrance”

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Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre (genre littéraire) cubain – Thèmes, motifs'

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