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Poirson, Martial. "Comédie et économie : argent, moral et intérêt dans les formes comiques du théâtre français (1673-1789)." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100146.
Full textAbstract:
L'économie, et à travers elle, les représentations de l'argent, marque profondément pratique et théorie dramatiques de l'ensemble des répertoires depuis le dernier tiers du XVIIe siècle jusqu'à la Révolution française, en particulier dans les formes comiques et même pathétiques. C'est ce que révèle l'enquête menée à partir d'une sélection de plus de 330 pièces, manuscrites ou imprimées, pour la plupart représentées, et écrites par plus de 100 auteurs dramatiques entre 1673 et 1789. Et c'est ce que je propose d'expliquer par une interprétation fondée sur l'anthropologie littéraire qui croise les approches de l'économie, la sociologie, l'histoire, l'analyse littéraire et dramaturgique. Confrontés à une nouvelle économie du spectacle vivant qui s'organise autour de l'entreprise théâtrale en pleine expansion et dissimule de moins en moins le jeu libre de la concurrence ; mais aussi, plus que jamais soucieux d'acquérir un véritable statut socio-économique leur permettant de quitter la multiactivité et de jouir de plein droit de la propriété intellectuelle de leur travail artistique, les dramaturges se comportent et surtout se conçoivent, pour la plupart, comme des agents économiques. C'est une des raisons pour lesquelles ils se saisissent, dans leurs fictions dramatiques, de l'actualité économique et sociale, mais aussi du langage et des idées situés au centre des grands débats qui animent la science économique alors émergente, non pour les transcrire, mais pour les transposer au moyen d'une médiation symbolique à travers des fictions économiques qui mettent en jeu la relation d'équivalence entre signe monétaire et signe dramaturgique. L'argent s'immisce dans toutes les dimensions de l'univers comique de ces fictions, en particulier les intrigues amoureuses, matrimoniales et familiales, mais aussi les les relations domestiques et jusqu'aux liens sociaux. Les comédies s'orientent vers la dramatisation soit de la réalité des pratiques, soit de la portée imaginaire des conceptions économiques. Ce faisant, elles mettent en place un dense réseau de métaphores économiques qui place le corps et le langage au coeur d'un double système analogique. Elles constituent autant d'expérimentations fascinées des modesde fonctionnement de l'économie, que tantôt elles glorifient, tantôt elles stigmatisent. Elles relèvent surtout d'une poétique de l'intérêt fondée sur une dramaturgie d'économie qui place l'argent, sa circulation, son échange et la croyance économique elle-même au fondement du système de l'intrigue des personnages, mais aussi du genre comique en lui-m^eme, y compris sous ses formes pathétiques, au moyen d'une structure homologique entre comédie et économie. Elles épousent en outre, non sans contradictions, des idéologies aussi dífférentes que celle de l'intérêt privé universel, fondement d'une morale de l'individu, de la réalisation matérielle et celle du don secularisé et de la bienfaisance envers une humanité réconciliée, base d'une éthique collective ; mais elles peinent à adopter une position cohérente sur la question de la mobilité sociale, pierre d'achoppement d'un ordre nouveau.
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Ondine, Plesanu. "La poétique du comique antimoderne de Flaubert et Proust dans les adaptations scéniques du XXIe siècle." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2025. http://www.theses.fr/2025PA030005.
Full textAbstract:
Flaubert et Proust ont tous deux assisté à des révolutions sociales, scientifiques et techniques au fondement de notre monde actuel. Or malgré les vitupérations de Flaubert au sujet de la démocratie et l’engagement citoyen de Proust, pro-Dreyfus, ni l’un ni l’autre n’ont employé la littérature à des fins politiques. Choisissant d’aborder l’Histoire comme pur matériau esthétique, ce détachement idéologique a contribué à leur modernité littéraire. Néanmoins, leur clairvoyance vis-à-vis des illusions modernes transparait dans leurs oeuvres, les plus tardives notamment, faisant d’eux des antimodernes, d’après la théorie d’Antoine Compagnon. Ainsi, dans L’Éducation sentimentale, Bouvard et Pécuchet ou encore À la Recherche du temps perdu, l’Histoire elle-même devient la source d’un comique significatif particulier s’éloignant de la satire classique, que nous nommerons le comique antimoderne. Cette étude vise à montrer dans quel but, sous quelles formes et à quel effet un tel comique, dont la visée morale est secondaire voire absente, mais qui véhicule une réflexion de l’écrivain sur le modernisme (le culte du Progrès notamment), les temps modernes, ou la modernité – comme c’est le cas dans Un coeur simple –, apparait au sein des adaptations scéniques du XXIe siècle. Une fois que nous aurons éclairé la réception du comique flaubertien et proustien par les adaptateurs-lecteurs ainsi que par le public, nous verrons comment l’empreinte antimoderne du comique peut se concilier avec les esthétiques des metteurs en scène contemporains. Pour ce faire, nous décortiquerons la fabrication et les cibles du comique antimoderne au sein de huit adaptations scéniques jouées les quinze dernières années, en tenant compte des allers-retours entre le texte et la scène, notamment lors de la reprise d’un même spectacle. Enfin, nous aborderons la fidélité du comique antimoderne présent sur scène en regard du comique antimoderne tel qu’il s’inscrit dans le régime narratifFlaubert and Proust both witnessed the social, scientific and technical revolutions that underpin today's world. However, despite Flaubert's vituperations on democracy and Proust's pro-Dreyfus civic engagement, neither used literature for political ends. Choosing to approach history as purely aesthetic material, this ideological detachment contributed to their literary modernity. Nevertheless, their suspicion of modern times can be seen in their later works, such as L'Éducation sentimentale, Bouvard et Pécuchet and À la Recherche du temps perdu, in which History itself becomes the source of a cartesian comic style departing from classic satire, that we'll consider as the antimodern comic style. The aim of this study is to show for what purpose, in what forms and for what effects this comic style, whose moral purpose is secondary, if not absent, but which conveys the author's reflections on modernism (the cult of progress in particular), modern times and modernity – as in Un coeur simple – appears in 21st-century theatrical adaptations. Once we've shed some light on the reception of Flaubertian and Proustian comic style by adaptor-readers and audiences alike, we'll see how the antimodern imprint of comic register can be reconciled with the aesthetics of contemporary stage directors. To do so, we'll examine the making and targets of antimodern comic style in eight theatrical adaptations produced over the past fifteen years, also taking into account back and forth between text and scene. Finally, we will examine the fidelity of antimodern comic style on stage in relation to antimodern comic style as part of the narrative regime
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Viviescas, Víctor. "Représentation de l'individu dans le théâtre colombien moderne 1950-2000." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030009.
Full textAbstract:
Parcourant la deuxième moitié du XXe siècle, cette thèse poursuit une recherche sur l'écriture dramatique colombienne moderne autour du concept de " représentation de l'individu ". Nous avons mené une enquête simultanée sur trois aspects de l'écriture contemporaine : la crise de la forme dramatique, la crise de la représentation et la crise de l'individu. Cette triple crise crée le contexte dans lequel surgit et se développe la dramaturgie dont nous parlons. La dramaturgie colombienne moderne prend sa source dans la crise du drame, et elle aboutit, à la fin du XXème siècle, à l'expérimentation d'une écriture postdramatique et postreprésentationnelle dans le contexte créé par la présence simultanée des trois concepts alternatifs suivants : l'hybridation de la forme dramatique et l'expérimentation du fragment comme forme ; le dépassement et la mise en crise de la représentation expérimentée comme simulacre ; et l'éclatement de l'individu et de sa représentation au moyen du personnage théâtral expérimenté comme personnage éclatéThis thesis carries out an investigation on the modern Colombian writing during the second part of the XX century, around the concept known as "the individual's representation. " Primarily we had investigated three aspects of the contemporary writing context, which are the crisis of drama, the crisis of the representation and the crisis of the individual. This triple crisis creates the context in which the dramaturgy we are about to study is borned and developed. The colombian modern theatre takes its source from the drama crisis and arrives at the end of the XX century, to the experimentation of the postdramatic and post representation writing in the context created by the simultaneous presence of three alternative concepts which are: the hybridization in the dramatic way and the experimentation of the fragment like form; the overflow and the setting in crisis of the representation that is experienced as simulation ; and the individual's explosion and its representation of broken fragments through the theatrical character
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Losada-Goya, José-Manuel. "La conception de l'honneur dans le théâtre espagnol et français du XVIIe siècle." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040089.
Full textAbstract:
Dans une première partie d'érudition, l'auteur expose les principales caractéristiques de la comédie espagnole du dix-septième siècle et les vicissitudes qu'elle connut dans son adaptation sur la scène française durant cette époque. Ces approfondissements permettront par la suite d'aborder les quatre grandes conceptions de l'honneur dans ce théâtre ; c'est-à-dire, l'honneur conçu comme réputation, comme vertu, comme lignage et comme pureté de sang. La perte et la récupération de l'honneur forment la dernière partie : M. Losada Goya étudie les conséquences subies par l'individu du fait de la perte de son honneur et les différentes manières de le récupérer, depuis les accommodements de la raison jusqu'à la vengeance du sang. Il convient de remarquer que cette étude englobe un ensemble de quarante-deux pièces espagnoles et françaises qui se correspondent, et qu'elle est réalisée dans une perspective comparatiste: aussi l'auteur dégage-t-il les principales ressemblances et différences concernant la conception de l'honneur qui existent entre les théâtres espagnol et français du dix-septième siècleIn the first scholarly part of this work, the author expounds the main characteristics of seventeenth century Spanish comedy and deals with the vicissitudes of its adaptation to the French scene at the time. This finer investigation will later on enable the author to tackle the four ways in which honor is considered in those plays, namely as reputation, as virtue, as lineage, as purity of blood. In the last part of his work, Mr Losada Goya studies the loss and recovery of one's honor: the consequences of losing it, the various ways of recovering it ranging from reasonable accommodation to bloody revenge. This thesis which includes forty-two corresponding Spanish and French plays uses a comparative literature approach, the author thus pointing out the main resemblances and differences in the way honor is seen and treated in seventeenth century Spanish and French theatre
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Schweitzer, Zoé. "Une "héroïne excécrable aux yeux des spectateurs" : poétique de la violence : Médée de la Renaissance aux Lumières (Angleterre, France, Italie)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040232.
Full textAbstract:
Le théâtre classique proscrit la mort sur scène. Cet interdit a été formulé par Horace dans l’Art poétique et justifié par l’infanticide de Médée : « Que Médée n’égorge pas ses enfants devant le public […]. Tout ce que vous me montrez de cette sorte ne m’inspire qu’incrédulité et révolte. » (v. 185 et v. 188). En raison de cette illustre référence, du XVIe au XVIIIe siècle, Médée devient un matériau privilégié pour réfléchir à la notion de vraisemblance et aux ressorts de l’efficacité de la représentation dramatique. Les adaptations scéniques de l’histoire de Médée posent la question des limites du représentable et des raisons pour lesquelles la violence en est contrôlée et réduite par les dramaturges afin de devenir tolérable. Paroxysmes de violence, les crimes de Médée invitent à des recherches dans des domaines spécifiques. Les mythographies, les ouvrages de médecine, les démonologies, les ouvrages sur le pouvoir et les femmes, tous domaines où Médée fait office de paradigme, ont donc été consultés afin d’éclairer les oeuvres. Rendre la violence vraisemblable ne signifie pas pour autant l’évacuer : elle est théâtralement efficace, comme en atteste la fortune de ce sujet. Aussi l’étude s’est-elle attachée à confronter le discours des théoriciens du théâtre aux oeuvres dramatiques elles-mêmes, pour comprendre quels risques et quels avantages cette violence présente pour le genre tragique. Les Médée constituent la limite du supportable sur la scène et dessinent les contours d’une histoire du crime sanglant au théâtre. Le scandale de Médée apparaît ainsi comme un objet d’une grande fécondité théorique et dramatiqueClassical theatre did not permit death on stage. This ban had been laid down by Horace in his Ars poetica and justified by Medea’s infanticide: “Medea should not slaughter her children in the presence of the people […]. Whatever you show me like this, I detest and refuse to believe. ” Due to this illustrious reference, from the 16th to the 18th century, Medea became a choice example for reflections on verisimilitude and on the means of achieving dramatic effectiveness. Stage adaptations of the story of Medea raised the issues of the limits of what could be represented and the reasons why violence had to be controlled and limited by playwrights in order to become acceptable. While they stand for a climax of violence, Medea’s crimes also call for investigations in specific fields. Compendia of myths, medical treatises, books of demonology, theories on power and women: texts from all these fields of knowledge, in which Medea served as a paradigm, have been consulted to shed new light on the theatrical treatment of the subject. Making violence plausible does not imply eliminating it entirely; violence is effective dramatically, as the popularity of the subject-matter demonstrates. Therefore, this study focuses on confronting the theoretical discourse on theatre with the plays themselves, in order to understand better the advantages and risks for the tragic genre entailed by the representation of violence. These Medeas mark the limits of what is tolerable on stage and sketch out a history of the theatrical representation of bloody crimes. In this respect, the scandal represented by Medea appears as a particularly rich theoretical and dramatic object
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Karsenti, Tiphaine. "Le détour troyen : formes et fonctions de la matière troyenne dans le théâtre français des guerres de religion et la fin du règne de Louis XIV." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100183.
Full textAbstract:
Le mythe de Troie fournit plus de sujets aux dramaturges français des XVIe et XVIIe siècles que toutes les autres fables antiques. L’étendue exceptionnelle de cette légende, le nombre de ses personnages et de ses séquences, la variété des points de vue qu’elle autorise et des problématiques qu’elle met en jeu contribuent à expliquer ce phénomène. Mais cette étude s’attache à montrer comment les structures et l’héritage spécifiques du mythe troyen en font une matrice apte à traduire les problématiques singulières d’une époque qui voit se transformer profondément son modèle culturel et son modèle politique : dans la deuxième moitié du XVIe siècle naissent à la fois le théâtre et l’État modernes. L’utilisation de la matière troyenne dans les différentes formes dramatiques au cours du siècle et demi qui suit cette double naissance s’éclaire ainsi à la lumière de l’évolution des débats esthétiques, politiques et éthico-théologiques qui accompagnent la transition culturelle alors à l’œuvreThe myth of Troy provided more subject matter to 16th and 17th century French playwrights than any other ancient fable. The exceptional scope of this legend, the multitude of its scenes and characters, and the variety of available themes and viewpoints can partly explain this phenomenon. Yet this study seeks to demonstrate how the Trojan myth, through its unique legacy and structure, served as a model for exploring the problematics of an era marked by massive political and cultural transformation : the second half of the 16th century saw the birth of both the modern State and the modern theatre. Throughout the 150-year period which followed this simultaneous development, the use of the Trojan theme in different dramatic contexts can be understood in the light of the progression of aesthetic, political, ethical and theological ideas that accompanied the cultural transition at hand
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Evrard, Franck. "Le théâtre : le corps, la mort (Ĺécriture du corps cadavérique dans le théâtre contemporain français, 1951-1991)." Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1994PA030046.
Full textAbstract:
Dans le theatre francais, l etonnante proliferation de cadavres ou de presences a l inquietante etrangete, hesitant entre la vie et la mort, est liee d une part a l exhibition du corps et a son investis sement sur le plan de la signification et de l autre au retour du refoule de la mort, une mort non plus evenementielle mais vecue comme une situation ou un etat. De beckett a copi, de ionesco a vinaver, le cadavre s avere un lieu strategique ou se dessinent des enjeux ideologiques, fantasmatiques, esthetiques et dramaturgiques. Au centre d une strategie de l inscription, le corps cadaverique fait signe de la violence historique ou temoigne concretement de l alienation de l individu moderne. Dans un contexte de faillite du langage et des symboles, qui depossede le sujet de sa parole et de son aptitude a singifier, seul le cadavre semble assumer la signification de meme qu il se confond avec cet "autre" corps imaginaire, corps schizophrenique, anal, au plus proche de la vie pulsionnelle. Anime oar un fantasme subversif, la strategie mortelle de l effraction s' efforce d atteindre le centre du corps, la nudite sans fard de l etre sous les signes et les masques mensongers. Cette obsession majeure du corps et de la mort est a l origine d un theatre pluriel, contradictoire et terriblement vivantIn contemporary drama, the amazing abundance of corpse and odd apparitions between life and death is due on the hand to the exhibition of the body and its involvment to signification, and the other, to the return of death, a death which is no longer seen as a punctual event, but a situation or a state of being as itself. From beckett to copi, from ionesco to vinaver, the corpse happens to be place where ideological, phantasmatic, esthetic and dramatic challenges appear. In a strategy of inscription, the dead body is the expression of historical violence or witness to the alienation of modern man. While language and symbolization fail to make sens, while words have lost any power to mean, only the corpse seems to be able to signify; it identifies also with the "other" imaginary body, the schizophrenic, anal body, close to the instinctive life. Actuated by subversive phantasm, the housebreaking strategy of death endeavours to reach the center of the body, the very nakedness under the signs and deceitful masks. This major obsession of body and death generates a diversified, chequered and lively dramatic art. .
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Gutierrez, Laffond Aurore. "Théâtre et magie dans la littérature dramatique du XVIIè siècle." Toulouse 2, 1998. http://www.theses.fr/1998TOU20067.
Full textAbstract:
Le propos de cette étude "Théâtre et magie dans la littérature dramatique du XVIIe siècle, est de montrer en quoi, comment et pourquoi le théâtre de ce siècle reflète les différentes formes d'irrationnel et d'éclairer un aspect souvent laissé dans l'ombre, peut-être en raison de l'image prédominante d'un classicisme français épris de raison, d'ordre et de clarté. La pensée pré-scientifique du premier XVIIe siècle reste en effet fortement tributaire de la magie savante de la Renaissance. Kepler et Galilée sont autant astrologues qu'astronomes et le passage d'une comète, sérieusement interprété comme un presage funeste encore en 1680, répand la terreur parmi la population. La médecine est encore astrophile et marquée par la théorie des signatures de Paracelse. Les esprits les plus ouverts demeurent fascinés par le merveilleux que l'emblématique entretient et renouvelle. La mystique royale prend, avec Louis XIV, une dimension magique magnifiée par l'emblème solaire. La peur du diable et de la femme se concrétisent par une chasse aux sorcières jusqu'après 1650, à travers les affaires de possession de Loudun, Louviers, Aix etc. . . L'Affaire des Poisons est aussi, en 1679, une résurgence des sortilèges et des messes noires. La première partie prend en compte cette réalité de la magie. La représentation de la mentalité magique est différente selon les genres. Les genres sérieux tels que la tragédie, la tragédie en musique et, dans une moindre mesure, la tragi-comédie abordés en deuxième partie, révèlent, à la fois voilée et sublimée par le mythe, la fascination constante du XVIIe siècle pour le merveilleux magique. Les jardins d'Armide sont desormais l'image du rêve d'amour comme la destruction du palais enchanté est l'image de son impossibilité. La magie sur le mode comique, qui fait l'objet de la troisième partie, reflète plus directement les realités de la magie et de son avatar, la sorcellerie. Le thème atteint une grande variété de registres dans la production antérieure à Molière, la pastorale, la tragi-comédie et la comédie. Les motifs baroques de l'illusion, du miroir, de la métamorphose du moi et du monde, de la morte-vive, inspirent parfois une haute poésie tandis que les motifs du diable, de la sorcière et du satyre jouent sur le clavier très étendu du rire. A partir de Molière, la comedie amplifie la dénonciation de l'imposture amorcée précédemment avec un acharnement qui témoigne de la survivance tenace de la superstition et de l'antique mentalité magique, d'autant plus pernicieuses qu'elles prennent, avec les médecins de Molière, une apparence pédante. Cette reconstitution des formes de la représentation de la magie engage à une réflexion sur leur signification. La fonction mimétique du théâtre s'accompagne d'une catharsis soit par l'illusion et le rêve à travers la féérie des tragédies en musique et des pièces à machines qui mobilisent toutes les ressources du théâtre-illusion, soit par le rire appuyé lui aussi par les artifices de la scène comme dans "Les amants magnifiques" de Molière ou "La devineresse ou Les faux enchantements" de Thomas Corneille et Donneau de Visé. La magie, déjà théâtrale par ses officiants, leur allure et leur costume, par la mise en scène de ses rituels, la force de la parole magique lors des évocations, et autres aspects, entraîne certaines caractéristiques dramatiques et esthétiques qui sont définies en dernière partie. Tous les traits de la poésie et de l'art baroques s'y retrouvent, avec leurs beautés et leurs faiblesses. La permanence de ce thème et la splendeur qu'il a revêtue dans les tragédies en musique, montrent que la France a connu une tentation baroque dont la figure ostentatoire du Roi-Soleil offre un bel exempleThe purpose of this study, "theatre and magic in the dramatic literature of the 17th century" is to show how and why the theatre of that century reflected the different forms of the irrational. It is meant to shed light on a subject often left in the shade, perhaps on account of the prevailing image of French classicism yearning for order, reason and clarity. Pre-scientific thinking in the early 17th century remained indeed highly dependent on the learned magic of the renaissance. Kepler and Galilee were as many astrologers as astronomers and the passing of a comet, seriously interpreted as an ill-fated foreboding still in 1680, spread terror among the population. Medicine was still astrophile and influenced by Paracelsus's theory of marks. The most enlightened minds remained under the spell of the marvelous, kept alive and renewed by emblematic. Royal mystic under Louis XIV took on a magic dimension, magnified by the solar emblem. Awe of the devil and of woman assumed the form of witch hunting until after 1650 through the affairs of possession of Loudun, Louviers, and Aix. . . Etc. The Affair of the Poisons in 1679 was also a resurgence of the magic spells and black masses. The first part of the study analyses the reality of this magic. How this magic mentality was depicted varied with the literary genres. Such serious genres as tragedy, musical tragedy and to a lesser extent tragi-comedy - in the second part of the study - reveal the constant fascination of the 17th century for the magic marvelous, both veiled and sublimated by myths. Armida's gardens were the symbol of the dream of love just as the destruction of the enchanted palace was the symbol of its impossibility. Magic in comedy, developed in the third part, reflects more directly the reality of magic and of its avatar, witchcraft. The theme showed a great variety of registers in the pre-Moliere productions, in pastorals, tragi-comedies and comedies. Sometimes a lofty poetry is inspired by the baroque themes of the illusion, of the mirror, of the metamorphosis of the self and of the world, of the dead-alive, while the theme of the devil, the witch and the satire played upon the whole spectrum of laughter. From Moliere onwards comedy stressed the denunciation of imposture previously initiated with a determination that testified to the long-lasting survival of superstition and the ancient magic mentality
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Chalaye, Sylvie. "Du noir au nègre à travers le théâtre français (1550-1960) : l'image du Noir de Marguerite de Navarre à Jean Genet." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1996PA030053.
Full textAbstract:
Cette recherche se propose d'analyser l'image du noir, en france, au theatre, dans le regard du blanc, de la renaissance au vingtieme siecle, et plus precisement des permieres representations du roi mage noir aux tentatives theatrales de destruction du personnage de negre a la veille des independances. Il s'agit d'envisager le noir comme personnage dramatique, mais surtout de comprendre a travers le theatre comment se sont fabriques les cliches et les stereotypes qui sont a l'origine du negre. Alors qu'il n'est encore qu'une vague couleur a la renaissance, le noir s'est recouvert d'une coque de prejuges qui l'ont peu a peu enferme dans l'image du negre, ce sont les stratifications successives de ces concretions ideologiques et culturelles que nous tentons d'analyser. Le theatre est donc ici avant tout envisage comme un phenomene de societe et l'enquete fait largement intervenir la presse afin de mesurer l'evolution des mentalites et de degager une histoire de la reception du noir au theatre. L'approche se veut chronologique et met en oeuvre l'environnement politique et economique dans lequel s'inscrivent les pieces et spectacles envisages. Etroitement liees au contexte politique, les representations du negre ont ete tout aussi bien objets de censure qu'instruments de propagande. D'autre part cette histoire de l'image du noir au theatre se veut regulierement eclairee par une etude de l'iconographie et en particulier des representations de noirs que l'on peut trouver dans la peinture. Car les recherches esthetiques des peintres, comme les influences ideologiques qu'ils subissent, rencontrent assez souvent celles des dramaturgesThis research aims to analyze the image of the black man in french drama, as seen by whites, from the renaissances to the twentieth century, and in particular from the first representations of the black magus to theatrical attempts to destroy the "nigger" character on the eve of decolonization. We intend to consider the black man as dramatic character. Above all, however, by studying the theater, we strive to understand how cliches and stereotypes from which the "nigger" originated were formed. Whilst the black man was only a vague color during the renaissance, he was enveloped in a shell of prejudice which gradually locked him into the image of the "nigger"; we attempt to analyze these successive strata of ideological and cultural concretions. The theater is consequently primarily considered here as reflection of society and the survey makes ample use of the press to assess the changes in mentalities and to draw a history of how the public reacted to the black man in drama. The study is presented in chronological order and implements the political and economic environment within which the plays and shows under consideration lie. Closely linked to the political context, representations of the "nigger" were both objets of censorship and instrumental in propaganda. This history of the image of the image of the black man in theater is also regularly clarified by means of a study of the iconography and in particular of representations of blacks in art, as artist' aesthetic research, as well as the ideological influence they undergo, are often at one with those of playwrights
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Hillerin, Alexis de. "Image du roi, image du père dans le théâtre français du XVIIIe siècle (1715-1789)." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040086.
Full textAbstract:
Le lien entre la monarchie absolue et le théâtre semble particulièrement fort sous le règne de Louis XIV. Non seulement ce dernier a demandé aux dramaturges de célébrer sa gloire mais il a également fait de son propre corps un spectacle, une représentation continue sur l’immense scène de Versailles. Ce lien structurel entre le roi et le théâtre correspond à une vision du monde fondée sur l’obéissance à une autorité d’autant plus incontestable qu’elle est d’origine divine. L’art classique dans son ensemble et les genres théâtraux en particulier ont été profondément marqués par cette vision théologique et normative du monde. Il fallait s’interroger sur l’évolution de cette conception à la fois esthétique et politique au siècle des Lumières. Ce dernier pour beaucoup est un siècle de contestation et de révolte. En réalité, la norme classique perdure et avec elle une conception du roi-père qui se démarque lentement du modèle louis-quatorzien. De même, les genres théâtraux ont du mal à échapper à la hiérarchie et aux règles contraignantes imposées par l’esthétique du Grand Siècle. Cependant, les dramaturges du XVIIIe siècle tentent de redéfinir l’autorité politique en l’associant à la sensibilité et à la tendresse incarnées par le père de famille. D’abord confondu avec le roi, le père gagne petit à petit en autonomie jusqu’à devenir le véritable représentant de l’ordre qui doit régner dans les sphères politique, morale et esthétique. Parallèlement, l’image du roi ne se confond plus parfaitement avec celle de la nation : celle-ci prend également conscience de l’existence de son propre corps, mis en scène notamment dans le théâtre national par l’intermédiaire du héros populaire.
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Rentzepi, Maria. "La mise en scène du monde grec dans le théâtre français, 1920-1950." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040122.
Full textAbstract:
En se fondant méthodologiquement sur des concepts empruntés à la littérature comparée, à l'analyse littéraire et à l'analyse dramaturgique, montre d'une part l'évolution de la réception du monde classique dans la France du premier XXe siècle, et d'autre part comment le mouvement des idées et l'esthétique des arts du spectacle s'expriment sur scène dans les "adaptations" grecques, et notamment à travers le vocabulaire non verbal. Le corpus comprend les grandes adaptations du théâtre grec par Claudel, Cocteau, Gide, Giraudoux, Anouilh, Sartre, mais aussi des pièces de moindre envergure, dont la liste se trouve en annexe, à côté d'un catalogue photographique. Quatre parties à la fois chronologiques et thématiques forment le corps de la thèse : elles présentent les différentes composantes de l'image de la Grèce, telles qu'elles ont influencé le monde du théâtre, l'apport de la réflexion dramaturgique claudelienne. La manière dont le cartel met en scène des mythes grecs, et enfin la désacralisation des dieux et l'émergence de menaces nouvelles avec la seconde guerre mondiale. Dans le monde grec du théâtre français, le rapport à l'antiquité devient progressivement un rapport d'assimilation. L'adaptation ne rompt pas seulement avec le passe fondateur : tournée vers le présent, elle s'interroge même sur la théâtralité. La mise en scène, en véhiculant les modes et les idées du jour, en se référant à l'actualité, a contribué, quelquefois bien plus que le texte, à l'actualisation du mythe dans la littérature française du XXe siècle.
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Fallahnejad, Naeimeh. "L'influence du théâtre français sur le théâtre moderne persan." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0218/document.
Full textAbstract:
Le théâtre persan moderne est véritablement né au XIXe siècle, avec la découverte du théâtre occidental. Les hommes politiques éclairés ont tenté de moderniser la Perse en envoyant des étudiants en France pour apprendre les sciences modernes. Rentrés au pays, ces étudiants avaient un vif intérêt pour la culture française, y compris pour le théâtre. En outre, en Perse, nous constatons également la montée d’une classe bourgeoise où se développaient des idées réformistes et néo-religieuses. C’est sur ce fond de réformes et de mutations économiques, politiques et sociales que se crée la nouvelle forme littéraire que constitue le théâtre persan moderne. Ainsi, Le Misanthrope de Molière a été traduit sous le nom de Gozâreš-e mardom goriz par Mirzâ Habib Esfahâni, un exilé politique (Istanbul, 1869), avec toutefois une grande liberté dans la restitution des noms des personnages et des traits de caractère, de sorte que le jeu était plus persan que français. En plus des adaptations directes, le théâtre persan a également été influencé par le théâtre classique français à travers les œuvres des hommes de théâtre persans comme Mirzâ Aghâ Tabrizi. Ses comédies traitent essentiellement, sur un mode ironique, de la corruption politique et des superstitions. Ces écrivains ont essayé de composer ou d’adapter des pièces modernes, généralement dans l’esprit de Molière, mettant en scène des personnages typiques, décrivant des épisodes à la fois comiques et satiriques qui témoignent d’une volonté de s’adresser à toutes les classes sociales. Étant donné ce lien évident entre théâtre persan et théâtre français, nous envisageons une analyse socio-historique des pièces persanes, surtout depuis la fin du XIXe siècle, qui souligne notamment leurs rapports avec l’œuvre de Molière, tout en mettant en évidence leurs enjeux culturelsThe modern Persian theatre was trully born in the nineteenth century, thank to the discovery of the western theatre. Enlightened politicians have tried to modernise Persia, students were to be send sent to France in order to learn modern science. When these students were coming home they had a lively interest for French culture including its theatre. Moreover, in Persia, we can notice the rise of a middle class where reformist and neo-religious ideas developed themselves. This background is where economical, political and social reforms and changes emerged to create a new literary genre that is to be found in modern Persian theatre. Thus, Le Misanthrope by Molière was traduced by Gozâreš-e mardom goriz by Mirzâ Habib Esfahâni who was in a political exile (in Instanbul in 1869). Nevertheless he took great liberties in the characters’names and their personalities so that the acting was more Persian than French. In addition to direct adaptations, Persian theatre was also influenced by the Classic French theatre with the work of Persian playwrights such as Mirzâ Aghâ Tabrizi. His comedies are mainly ironic and about political corruption and superstitions. These writers tried to compose or adapt modern plays –often in Molière’s way- bringing typical characters to life, describing scenes that are at the same time comical and satirical. It was a mean a means to address their works to every social group. Because of this obvious link between Persian and French theatre. I am considering doing a socio-historical analysis of Persian plays especially from the end of the nineteenth century because they put to light the relation with Molière’s work but also highlight the cultural issues
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Marchand, Sophie. "Théâtre et pathétique au dix-huitième siècle : pour une esthétique de l'effet dramatique." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040111.
Full textAbstract:
Le goût des larmes et l'éthique sensible marquent profondément la pratique et la théorie théâtrales des Lumières. Autour de l'efficacité pathétique conçue comme adhésion sentimentale, s'élabore un modèle dramaturgique original. En s'appuyant sur les textes théoriques, on tente de décrire les éléments constitutifs de ce système homogène et cohérent. On s'intéresse d'abord aux bouleversements induits dans la pensée théâtrale par l'horizon d'attente pathétique (promotion de l'effet au rang de critère décisif de la valeur, passage d'une poétique du beau à une esthétique du plaisir, effets de la lacrymomanie sur le paysage générique). Puis on se consacre aux textes dramatiques, pour analyser l'émergence d'une rhétorique et d'une dramaturgie proprement pathétiques. Enfin, on examine le point de vue du spectateur et considère l'expérience pathétique dans ses composantes esthétiques, morales et idéologiques, pour comprendre comment le théâtre s'intègre au système philosophique des LumièresThe taste for tears and the ethics of sensibility deeply influence the theatrical practice and theory of the Enlightenment. An original dramatic model elaborates itself from the efficiency of pathos considered as a sentimental adhesion. The analysis of theoretical texts allows a description of this homogenous and coherent system's constitutive elements. The disruptions induced in the dramatic thought by the pathetic expectations are considered first : the promotion of the effect to the rank of a decisive criterion of value, the change from a pœtics of beauty to an aesthetics of pleasure, the effects of the lacrymomania on the genres. Then, the examination of dramatic texts sheds light on the emergence of a rhetoric and a dramaturgy spécifique to the pathos. Finally, the beholder's viewpoint is analysed and the pathetic experience considered, in order to understand how the drama gets integrated into the philosophical system of the Enlightenmnent
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Lee, Eun-Ha. "Les Jeux et les tourments de l'amour dans le théâtre de Molière." Paris 3, 1991. http://www.theses.fr/1992PA030057.
Full textAbstract:
Il s'agit de mettre en evidence le role de l'amour dans le theatre de moliere, a partir d'une analyse dramaturgique et d'une recherche thematique. Compte tenu de l'etendu du sujet, nous avons restreint nos investigations en ne retenant que les jeux et les tourments de l'amour : l'amour est a la fois comique et tragique. Ainsi nous avons essaye de montrer combien etaient complexes dans le theatre de moliere les rapports entre le bonheur et le malheur d'aimerThe but of this study is to discover the role of the love in the theatre of moliere, having regard to his dramaturgy. In view of the thematic study, this subject is too vast, so we restrict our research to the games and the torments of the love. Love is comic and tragic at once : how complex is the relationship between the happiness and the unhappiness of the love in the comedies of moliere ?
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Odagiri, Mitsutaka. "Le mythe d'Œdipe dans le théâtre français du XVIème siècle à nos jours." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040141.
Full textAbstract:
Ce travail se veut une contribution à l'étude du mythe d'Œdipe dans l'histoire du théâtre français moderne du XVIe siècle à nos jours. Dans la première partie nous avons essayé de mettre en évidence le rapport entre le mythe et la littérature. Nous nous sommes efforcés ensuite de décrire le parcours diachronique de l'évolution de notre mythe en deux parties, afin de mettre en relief la variation et la constance des composantes essentielles du mythe d'Œdipe. C'est dans une quatrième partie que nous avons tenté d'adopter une approche synchronique afin de montrer les différents aspects idéologiques qui soutiennent l'écriture palimpseste du mythe d'Œdipe pour chaque dramaturge, notamment du point de vue philosophique, psychanalytique et métaphysiqueThis work attempts to contribute to the study of the Oedipus myth in the history of modern French theatre from the sixteenth century to the present day. In the first section, we attempt to give prominence to the relationship between the myth and literature in. We then, in two further sections, endeavour to describe the diachronic path of the development of this myth, in order to highlight both the variation and constancy in the essential components of the Oedipus myth. In the fourth section, we attempt to adopt a synchronic approach in order to demonstrate the different ideological aspects which, for each dramatist, endorse the palimpsest style of the Oedipus myth. This is done particularly from the philosophical, psychoanalytical and metaphysical points of view
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Satapatpattana, Suwanna. "Traduction dramatique de l'amour dans le théâtre français du dix-septième siècle (1620-1640)." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040227.
Full textAbstract:
Le théâtre français du début du XVIIe siècle présente les aventures sentimentales qui reflètent les idéologies diverses du sentiment. Dans cet univers où l'amour est le ressort essentiel de l'intrigue, les personnages se laissent guider par les nombreux codes de la passion et se meuvent selon certaines démarches conventionnelles. Sur le chemin de la conquête amoureuse, les uns idéalisent leur sentiment, font de l'être aimé un objet d'adoration et tâchent de perfectionner leurs vertus de fidélité et de courage pour le métier. Les autres victimes d'une passion ardente - n'hésitent pas à satisfaire leur instinct par des actes meurtriers. Certains s'adonnent à l'amour volage et passent d'une volupté à l'autre. Si différents soient-ils, ces amoureux s'efforcent tous de mener à bien la réalisation de leur désir. Inspirés par cette force intérieure qu'est la passion, ils emploient un langage qui leur est propre. Leur rhétorique amoureuse est pleine de comparaison, d'images, faisant revivre ainsi l'univers poétique des pétrarquistesThe French theatre in the beginning of the 17th century presents the sentimental adventures which reflect the different ideologies of love. In this dramatic world where love is the principal factor of plot, the characters let themselves be guided by numerous codes of passion and react according to certain conventional procedures. On the way to amorous conquest, some of them idealize their emotion, make the beloved an object of devotion, and in order to deserve it - try to perfect the virtues of faithfulness and bravery. Others, being victims of the ardent passion, do not hesitate to satisfy their instinct, even by committing murderous acts. Some others indulge in flighty love and pass from one sensual pleasure to another. As different as they are, all these lovers make an effort to fulfil their desires. Inspired by the force of love, they apply a typical language full of comparisons and images, which does revive the poetic world of Petrarch
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Khadraoui, Saïd. "Cléopâtre devenue héroine nationaliste : Robert Garnier, Ahmed Chawqi." Lyon 3, 1987. http://www.theses.fr/1987LYO31001.
Full textAbstract:
Dans cette etude comparative entre la piece de garnier: marc-antoine et celle de chawqi: la mort de cleopatre, nous avons essaye de realiser une triple perspective: 1- determiner comment la tragedie de cleopatre suit dans la litterature occidentale une sorte de tradition litteraire. 2- l'etude des deux pieces et leur rapport avec la situation contemporaine de l'egypte et de la france. 3- l'analyse des convergences et des divergences entre ces deux pieces, ainsi que l'influence a rebours de la litterature occidentale sur le poete arabe. Notre analyse montre que l'influence de l'historien grec: plutarque sur tout ceux qui ont traite cette tragedie est grande, que garnier et chawqi ont pu l'adapter aux evenements contemporains de leur epoque. Leur but etait d'eveiller les esprits de leurs compatriotes et de secouer leurs ames. Enfin l'etude montre que ces deux poetes ont ete influences par leurs predecesseurs. Mais leur part d'originalite et leur genie poetique, manifeste dans le langage et la beaute des vers, demeurent evidentThe present comparative study between the play of: robert granier: marc-antoine and that of ahmed chawqi: la mort de cleopatre tries to realize three perspectives: 1- to determine how the tragedy of cleopatre follows in the occidental literatur a type of litterary tradition. 2- to study the two plays and their relation to the centemporary situation in egypt and france. 3- to analyze the convergences and the divergences between the two works, as well as the negative influence of the occidental litterature on chawqi. This thesis shows how the influence of the greek historian: plutarque on all those who have treated this tragedy is greet. That how granier and chawqi in order to arouse the spirits of their compatriots. Have adjust thectragedy of cleopatra to the avents of their own countries. Finally, the study also shows that the two poets have been influenced by their predecessors. But despite this fact their stamps of originality is evident
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Félix, Clélia. "L'héroi͏̈sme dans le théâtre de Corneille du Cid à Polyeucte." Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30022.
Full text
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Vielledent, Sylvie. "1830 aux théâtres : Hernani, les baricades, les jésuites, Napoléon." Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070012.
Full textAbstract:
Le répertoire théâtral de l'année 1830 se caractérise par la présence massive de plusieurs thèmes liés à l'actualité littéraire et politique. Dans cette thèse, les oeuvres abordant un même thème sont constituées en "séries", qui s'avèrent parfaitement homogènes sur le plan de l'idéologie. "Hernani" et sa bataille sont l'objet d'une première série mettant à profit la relative indulgence des censeurs envers le genre parodique, traditionnellement irrévérencieux. La révolution de Juillet sonne le glas de la monarchie de droit divin et fait triompher les idées libérales. L'abolition de la censure a pour conséquence une production pléthorique de pièces à caractère politique. La célébration des événements révolutionnaires est résolument enthousiaste : les à-propos patriotiques représentés tambour battant dès la réouverture des théâtres mettent en vedette les ouvriers, qui ont versé leur sang sur les barricades. Une deuxième vague de pièces stigmatise la rapacité des "hommes du lendemain". En revanche, le roi citoyen, paré des trois couleurs qu'il défendit jadis à Jemmapes, n'est pas égratigné par la critique. La haine envers les Jésuites, terme slogan appliqué indifféremment aux moines, aux Judas tricolores et aux tenants de l'absolutisme, inspire une série prolifique et mordante. Ils ont pour repoussoir le bon curé de campagne proche de ses paroissiens et point trop vétilleux en matière de dogme. Les pièces anticléricales n'attentent nullement aux valeurs religieuses et morales, jugées indispensables au peuple ; lorqu'elles se hasardent à le faire, elles chutent. .Theatre production in the year 1830 is characterized by the predominance of several themes linked to contemporary literary and political events. In this thesis, works dealing with a common theme are presented in "series", which prove to be perfectly homogeneous on an idealogical level. Hernani and its opening-night riot initiate a first series that takes full advantage of the indulgence of the censors towards a genre that traditionally lacks reverence : parody. The July revolution marks both the end of divine-right monarchy and the triumph of liberal ideas. A plethora of politically-oriented plays is the direct result of the abolition of censorship. The celebration of revolutionary events is decidely enthusiastic : in the ardour following the re-opening of theatres, patriotic "à-propos" give centre stage to workers, who shed their blood on the barricades. A second wave of plays stigmatise the rapaciousness of latter-day patriots. The Citizen King, on the other hand, decked out in the tricolour, formerly defended at the battle of Jemmapes, emerges without a scratch
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Coulaud, Sandra. "Crime, histoire et politique : la représentation du régicide dans le théâtre anglais et français au tournant du XVIe et du XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040070.
Full textAbstract:
Crime d’actualité au tournant du XVIe et du XVIIe siècle, le régicide est un objet de spéculations et un fait d’actualité en France et en Angleterre. Dans les deux royaumes, on débat de cette question sur fond de schisme religieux. Des théoriciens politiques réinventent la manière de parler de ce crime pour le légitimer et les dramaturges s’emparent de ce sujet problématique. Jacques de Fonteny met en scène le meurtre d’Henri III, Claude Billard de Courgenay celui d’Henri IV, Montchrestien représente l’exécution de Marie Stuart, Shakespeare et Marlowe mettent en scène les meurtres de Richard II et d’Edouard II. Au théâtre, le régicide est a priori un spectacle efficace, propre à provoquer de vives émotions chez le spectateur. Pourtant, ces représentations ne vont pas de soi. Comment, en effet, représenter un crime aussi énorme dans un contexte de crise politique ? Comment justifier le spectacle d’un meurtre d’une actualité aussi brûlante ? Les dramaturges négocient constamment entre des contraintes idéologiques et esthétiques, parfois contradictoires, qui pèsent sur la représentation. Ils empruntent souvent le détour par l’histoire. Plus le crime est inefficace politiquement, et plus il est efficace sur scène. La tyrannie du prince justifie sa mise à mort. Ses fautes morales transforment le régicide en châtiment acceptable et sa déchéance rend la scène pathétique. Un récit permet fréquemment de raconter la mort que l’on ne peut pas montrer sans risquer de décevoir le publicThe regicide is a topical crime between the sixteenth and the seventeenth-century. It is an object of many reflections and an actual event for french and english people. In both kingdom, there are debates on this issue while the schism has begun a reality. Because of the controversy, it is possible to speack about régicide as a punishment. Playwrighters perform this problematic subject. Jacques de Fonteny represent the murder of Henri Ird, Claude Billard de Courgenay represent Henri IVrth’s one, Antoine de Montchrestien represent the execution of Marie Stuart, Shakespeare and Marlowe perform the murders of Richard IInd et Edward IInd. A priori, such subject can move the audience. Nevertheless, such a performance isn’t an evidence. How, indeed, can a playwrighter show such an enormous crime during troubled period ? How can he justify the show in a crisis context ? Playwrighters have to consider ideological and aesthetic restrictions, which are sometimes in contradiction, to perform the murder of the sovereign. In many cases, they rewright history. Because the crime is usually ineffective as a politic action, it is effective for dramatic art. Tyranny justify that the prince is murdered. Some moral failures make this one acceptable. And because the king is falling, he appears as a pathetic victim for the spectators. When it is difficult to show the crime scene, the regicide is described by a messenger
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Eldib, Elnemer Milad. "La mort dans le théâtre de Beckett et Ionesco." Paris 10, 1993. http://www.theses.fr/1993PA100073.
Full textAbstract:
Cette thèse se présente comme une tentative de parallélisme étroit entre le thème de la mort dans le théâtre de Beckett et Ionesco d'une part, et ses interprétations intellectuelles, philosophiques, psychologiques et symboliques d'autre part. Ce parallélisme suit une méthode reposant sur une lecture profonde des textes, systématiquement étayée par des points de biographie ou par des enquêtes psychologiques et par un recours aux influences de toutes sortes: celle de Zénon d'Elée et ses arguments paradoxaux, d'Héraclite et sa théorie sur la durée, de Schopenhauer et son pessimisme, ainsi que son éthique, de Dante et son Enfer etc. Pour Beckett, et celle du Livre des morts tibétain pour Ionesco qui essaie de mettre la mort au service de la vie. La question de la mort est en effet traitée dans toute son ampleur à travers deux idées principales: celle de l'amenuisement qui domine le théâtre de Beckett et celle de la prolifération qui gouverne le théâtre de Ionesco. Ainsi, ce travail montre comment Beckett dépeint l'agonie de ses personnages impuissants et infirmes, toujours enclins au suicide, plongés dans un sommeil léthargique, s'exprimant avec un langage irrationnel et vivant dans un monde absurde où Dieu n'existe plus d'une part, et comment Ionesco décrit l'angoisse de la mort à travers la prolifération, qui annonce la mort de l'hommeThis thesis might be presented as an attempt of parallelism between the theme of the death in Beckett and Ionesco's theatre and its intellectual, philosophical, psychological interpretations. This parallelism follows a method based on a close reading of the texts, constantly supported by biographical elements or psychological research and all kinds of influences: Zenon d'Elée's paradoxal arguments, Heraclites' theory of duration, Schopenhauer's pessimism and ethic, Dante's Hell etc. In Beckett's theatre, and Tibetan Book of the Souls in Ionesco's one, who devotes death to life. The question of death is studied in its whole extensiveness through two main ideas: contraction process in Beckett's theatre and proliferation phenomenon in Ionesco's. Thus, this work shows how Beckett describes the agony of his crippled and infirm characters who are disposed to suicide and are prisoners of a lethargic sleep, using an irrational language, living in an absurd world where God is absent. Thus thesis also describes how Ionesco features the anguish of death through proliferation which announces the end of mankind
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Gbouablé, Edwige. "Des écritures de la violence dans les dramaturgies contemporaines d’Afrique noire francophone (1930-2005)." Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00199210/fr/.
Full textAbstract:
La violence traverse la production théâtrale d’Afrique noire francophone depuis ses origines. Elle y est sujette à des mutations thématiques et esthétiques qui font évoluer sa nature d’une époque à une autre. On est ainsi passé du vase clos des théâtres de la violence assimilatrice où la forme constituait un moyen d’assujettissement à une écriture éclatée de la violence dans les œuvres contemporaines. Elle apparaît dans le théâtre de William Ponty (1930) sous forme de conflit culturel tiré des mœurs africaines. Devenue politique, la violence des années 70 embarque les catégories dramaturgiques dans l’affrontement colons/colonisés. Avec le théâtre de 1980, la violence, toujours politique, prend une autre configuration marquée par une tentative de rupture d’avec les canons classiques. L’association du burlesque au tragique, le court-circuit de la langue française, le dialogue entre tradition et modernité à travers une écriture endogène sont autant de réalités caractérisant l’expression des conflits du désenchantement. Dans la majorité des pièces d’après 1990, en revanche, les conflits revêtent une image plurielle qui convoque le monde et des modes d’expression distincts. C’est une écriture hybride dans laquelle la violence est portée par une désarticulation des catégories dramatiques et du sens pouvant en ressortir. De cette écriture dynamique de la violence, résulte un déplacement des enjeux théâtraux dans la mesure où les drames africains aujourd’hui se débarrassent des relents nationalistes pour épouser les réalités du monde. Aussi, l’ouverture des théâtres contemporains suscite-t-elle une diversité de formes dont la complexité remet en question la notion d’africanitéViolence comes across black african French-speaking theatrical production since its origins. It is prone to thematic and aesthetic changes which makes it evolve from one period to another. We have thus passed from confined theatres of assimilated violence where the form was a constraint to an outburst of writings dealing with violence in contemporary works. Violence appears in the plays of William Ponty (1930) under the form of cultural conflict drawn from African customs. Turned into political violence, it embarks the dramaturgic categories during the Seventies in the confrontation of the colonizer against the colonised. With the theatre of the 1980’s, violence, still political, takes however another form marked by an attempt to disrupt with classical theatrical canons. Associating the burlesque with tragedy, bypassing the French language, establishing a dialogue between tradition and modernity through an endogenous writing are as many realities characterizing the expression of conflicts about disillusionnement. In most of the plays following the1990’s, on the other hand, the conflicts take on a plural image which convenes the world through distinctive modes of expression. It results in a hybrid writing in which violence is voiced out through the dislocation of the dramatic categories and of the meaning that emerges out of it. From this scriptural dynamics of violence arises a displacement of the theatrical stakes in so far as African dramas today get rid of the nationalist inclinations to endorse the world’s realities. Thus the opening of contemporary theatres to the world creates a variety of forms whose complexity calls into question the concept of Africanity
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Ramat, Christine. "La comédie du verbe : le comique et le sacré dans l'œuvre de Valère Novarina." Grenoble 3, 2007. http://accesdistant.bu.univ-paris8.fr:2048/login?url=https://www.dawsonera.com/abstract/9782296228832.
Full textAbstract:
L'œuvre de Valère Novarina constitue un objet littéraire énigmatique qui surprend, inquiète et fait rire. Elle trouve son terrain de prédilection sur la scène, mais développe une dramaturgie de l'excès qui cultive le non sens, l'incongru et le loufoque. La philosophie fait circuler les questions métaphysiques sur des airs d'opérette, la théologie est transformée en bavardages dérisoires. Inversement, l'auteur réactive les cadres théologiques du Verbe biblique pour situer les enjeux de son théâtre au carrefour du réel et du spirituel de l'humain et de l'inhumain. De cette oscillation naît un comique grotesque, qui n'hésite pas à recycler les vieilles recettes carnavalesques pour proposer ce que l'auteur nomme une cure d'idiotie savamment insignifiante et drôle. Mais cette étrange gaîté ne doit pas leurrer. Iconoclaste, le comique novarinien réinvestit le terrain de ce "sacré impur" que promouvait Bataille pour reconquérir le mystère de la parole démoli par les idiomes technicistes de la communication. Loin de s'inscrire dans la veine destructrice de la dérision moderne, l'œuvre génère au contraire un comique inspiré qui réconcilie, de manière singulière, l'athée et le mystique, les Pères de l'Eglise et les pataphysiciens pour exalter, en négatif, la puissance poétique du Verbe. En s'appuyant sur les instruments théoriques avancés par M. Bakhtine et W. Kayser sur le grotesque, cette thèse étudie la relation paradoxale qui lie le rire au sacré, l'incongruité à la mystique, le sens au non-sens, l'écriture au Verbe, à travers le travestissement bouffon du texte biblique et le travail des formes théâtrales de la tradition comique : cirque, opérette, music-hall, marionnettesThe work of Valère Novarina is an astonishing, anxious and funny enigmatic literary object. It favours the stage but develops a dramatic art of the excess which cultivates the nonsense, the improper, the incongruity and the absurd. The philosophy makes the metaphysical questions on airs of operetta circulate, the theology turns into derisory gossips. Conversely, the author revives the theological frames of the biblical Word to place the stakes of his theater at the crossroads of the reality and the spiritual, of the human and the inhuman. Of this oscillation is born a grotesque comic, which does not hesitate to recycle the old carnival receipts to propose what the author names a cure of idiocy, which is skilfully insignificant and funny. But this strange gaiety must not deceive. Iconoclastic, the novarinian comedy reinvests what Bataille named the "sacré impur", so as to reconquer the mystery of speech ruined by the technical words of the media. For the novarinian comedy is neither godless, nor non-believer. Far from joining the destructive vein of the modern mockery, it develops inversely an inspired comic, which reconciles, in a singular way, the atheist and the mystic, the Fathers of the Church and the pataphysicians to excite, in negative, the poetic power of the Word. Rooted on M. Bakhtine and W. Kayser theories of grotesque, this thesis has the purpose to study the paradoxical relation which links the laughter and the sacred, the incongruity and the mystic, the meaning and the nonsense, the writing and the Word, through the farcical disguise of the biblical text and the work of the theatrical forms of the comic tradition : circus, operetta, music hall, puppets
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Ruberry-Blanc, Pauline. "La vision tragi-comique de William Shakespeare et ses précédents dans le théâtre Tudor." Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/ruberry_p.
Full textAbstract:
La première partie de la thèse fait incursion dans le théâtre médiéval et post-médiéval anglais afin d'explorer la matrice esthétique et culturelle dans laquelle Shakespeare puise sa vision tragi-comique. La focalisation sur le personnage phare de l'aire de jeu Tudor, dénommé le Vice, incarnation de l'esprit tragi-comique anglais, permet de faire ressortir les conventions théâtrales réutilisées et transposées dans la création shakespearienne. La deuxième partie de l'étude se concentre sur les deux personnages Richard III et Falstaff, nécessitant des aller-retour dans le théâtre des prédécesseurs de Shakespeare afin de faire ressortir les continuités diachroniques ainsi que les nouveaux éléments en gestation chez lui. Enfin le troisième volet développe les critères éthico-littéraires et les grandes théories philosophiques et poétiques qui jalonnent l'époque élisabéthaine, les grands mythes de l'antiquité classique et leur ré-utilisation dans le théâtre de cour et dans les théâtres publics de la période 1594-1616. L'exploration s'articule autour des éléments constitutifs d'un nouveau genre, la tragi-comédie de Guarini, qui émerge sur la scène jacobéenne. Cette exploration s'efforce de démontrer l'éclectisme de la vision tragi-comique de Shakespeare tout en faisant ressortir la manière dont les traditions et conventions sont dépassées et transcendéesThis doctoral thesis takes the medieval and late-medieval theatre as a starting-point for its exploration of the aesthetic and cultural matrix which shaped Shakespeare's tragic-comic vision. The character known as the Vice", who appears in many Tudor plays, and who is often considered to be an incarnation of the English tragi-comic spirit, provides a useful pointer to the theatrical conventions which Shakespeare transmutes in the process of creating his own plays. The second part of this study centres on Richard III and Falstaff necessitating frequent comparisons between Shakespeare's dramaturgy and that of his predecessors in order to underline the diachronic continuities as well as the embryonic developments. In the third section, the ethical-literary-philosophical background of the Elizabethan age is explored, along with an examination of the manner in which some of the most prominent myths of classical antiquity are adapted to the aristocratic and public stages from 1594 to 1616. These elements are seen to contribute to the formation of a separate theatrical genre, bearing much resemblance to Guarini's "tragi-comedy," which occupied the Jacobean stage. Throughout this analysis of the eclectic nature of Shakespeare's tragi-comic vision emphasis is laid upon his transcendence of inherited traditions and conventions
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Turrettes, Cécile. "Survivance et métamorphose des descendants d'Agamemnon dans le théatre français du XXe siècle." Toulouse 2, 1998. http://www.theses.fr/1998TOU20004.
Full textAbstract:
Électre, Oreste et Iphigénie ont traversé les âges et inspiré bon nombre d'auteurs du XXe siècle. Aussi, cette thèse s'efforce-t-elle d'abord de comprendre pourquoi les dramaturges contemporains continuent à se pencher sur les mythes d'Électre et d'Iphigenie et comment la pérennité de ces légendes est rendue possible. Ensuite, est abordée la façon dont les créateurs dépeignent ces protagonistes issus de l'Antiquité et enfin, les caractéristiques du tragique auquel donnent naissance ces personnages - à la fois fidèles aux modèles grecs et différents de leurs predécesseurs - un tragique que les auteurs modernes ont "naturalisé", en accordant un rôle important au pathétique et à l'absurde, deux tonalités qui dotent les pièces d'une résonance originale et font contrepoids au tragiqueElectra, Orestes and Iphigenia have gone through the ages and inspired a good many writers of the twentieth century. Therefore the first object of this thesis will be to try and understand why contemporary playwrights keep studying the myths of Electra and Iphigenia and how those legends are made perennial. Secondly it will deal with the way creators depict those protagonists descended from ancient times. And ultimately it will consider the distinctive features of the tragedy born of those characters - which are at the same time faithful to their Greek models and different from their predecessors. It is a tragedy that modern authors have "acclimatized" by enhancing the part of pathos and nonsense, two tonalities that give their plays an original resonance and counterbalance the tragic elements
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Lo, Shih-Lung. "La Chine dans le théâtre français du XIXe siècle." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030030/document.
Full textAbstract:
De 1789 à 1905, la Chine fait partie des sujets exotiques les plus représentés dans le théâtre français. Cette Chine imaginaire est l’héritière du répertoire théâtral du XVIIIe siècle, époque marquée par le goût pour les « chinoiseries ». Elle fait aussi écho à l’actualité franco-chinoise du XIXe siècle, empreinte d’un nouveau colonialisme voire d’ « orientalisme ». En nous appuyant sur le répertoire du théâtre de thème chinois en France au XIXe siècle, que nous nous sommes attaché à reconstituer, nous analysons dans ce travail la production et la réception des images de la Chine sur la scène théâtrale à cette époque. Le corpus des œuvres est divisé en trois catégories : les pièces de thème chinois, les œuvres traduites ou adaptées du chinois et les spectacles donnés par les Chinois. En ce qui concerne la périodisation historique, nous avons choisi de suivre celle des grands événements ayant marqué les relations entre la France et la Chine au XIXe siècle. Les trois premiers chapitres se focalisent sur l’emploi des éléments chinois et orientaux tels qu’ils ont été mis en place au siècle précédent, ainsi que sur leur révision sous l’influence de la sinologie, discipline scientifique nouvelle. Quant aux trois derniers chapitres, ils se développent autour des deux guerres de l’Opium, de la guerre franco-chinoise du Vietnam, de la révolte des Boxers ainsi que la germination de la peur du « péril jaune ». Pour les dramaturges et les artistes de théâtre du XIXe siècle, cette « Chine » est un sujet à la fois familier et étranger, proche et éloigné, cliché et varié, épuisé et exploitable. Tous ces paradoxes concourent à créer dans le théâtre français une Chine kaléidoscopiqueFrom 1789 to 1905, China is one of the most exotic topics represented on the French theater stage. This China can evoke the imagination inherited from the eighteenth-century “chinoiseries” taste. And moreover, it witnesses the nineteenth-century Sino-French socio-political events, which are never detached from the rising colonialism or even the Orientalism.This work attempts to build up a repertoire of Chinese-subject plays, and to analyze the production and the reception of the Chinese image on the French theatre stage during the nineteenth century. The corpus of the entire repertoire can be divided into three categories: the French playwright’s creation, the plays translated or adapted from Chinese literary works, and the performances given by Chinese actors. Chronologically organized, each chapter in this work follows the decisive Sino-French bilateral events. The first three chapters examine the Chinese and Oriental elements which have been applied to the French theatre in the previous centuries, and which are reinvented and appropriated under the influence of Sinology, a new scientific discipline institutionalized in the first half of the nineteenth century. The last three chapters develop with the two Opium Wars, the Sino-French War in Vietnam, the Boxer’s rebellion, as well as the birth of the concept of the “yellow peril.”For the playwrights and the artists, this “China” is therefore familiar but strange, approachable but intangible, cliché but ever-changing, exhausted but exploitable. All these contradictions contribute to create a kaleidoscopic China on the French theatre stage
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Kamyabi, Mask Ahmad. "Contribution à l'étude de la mise en scène de l'attente dans le théâtre de Beckett et de Ionesco." Montpellier 3, 1999. http://www.theses.fr/1999MON30030.
Full textAbstract:
La thèse soutenue sur travaux se compose de quatre volets principaux qui portent sur la représentation du théâtre français contemporain. Un premier volet porte sur l'étude de "Rhinocéros" d'Eugène Ionesco. Est notamment considérée l'analyse dramaturgique de la pièce (structures, style, langage, jeu gestuel, espace scénique). Le personnage de Bérenger s'inscrit dans la tradition des justes, des saints et des témoins réunissant aussi bien Antigone que le Christ. Suivent des analyses scénographiques internationales. L'accent est mis sur les mises en scène de Jean-Louis Barrault, mais aussi sur celles qui furent données en Iran, en Allemagne ou au Japon. Le carctère universel de la pièce, apte à faire sens en tous lieux, apparaît dans toute sa lumière. Le totalitarisme risque, il est vrai, de frapper à tout moment. Un second volet concerne l'approche de la mise en scène du thème de l'attente chez Beckett et Ionesco : une monographie sur l'attente illustre le caractère anthropologique universel de ce phénomène ; la longue série d'entretiens avec des metteurs en scène internationaux illustre parallèlement l'adaptation du thème aux contraintes ou aux spécificités culturelles. Un troisième volet comprend des travaux sur l'œuvre de Beckett : à côté d'une analyse dramaturgique de l'œuvre qui rappelle ses principales carctéristiques, un tableau comparé des traductions européennes qui laisse transparaître le caractère interculturel de l'auteur dans les difficultés spécifique à le rendre, une analyse de la réception des mises en scène surtout en Belgique sur la base de la presse locale, une bibliographie des œuvres jusqu'en 1990. Un quatrième volet se compose de traductions du théâtre français contemporain (Beckett, Ionesco, Genet), avec de plus une adaptation théâtrale du "Petit prince" de Saint-Exupéry pour l'Iran.
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Sfeir, Maya. "A Comparative Analysis of Language and Gender in Selected French and American Modern Drama." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA021.
Full textAbstract:
Notre étude a pour objet d’examiner comment le genre et les relations de pouvoir et d’affinité sont construits à travers le discours dans deux pièces de théâtre françaises et deux pièces de théâtre américaines écrites durant l’époque moderne (1890-1914), Margaret Fleming (1890) de James A. Herne, He and She (1911) de Rachel Crothers, Les avariés (1902) de Eugène Brieux et La triomphatrice (1914) de Marie Lenéru. Le but de l’étude est de combler l’écart entre le champ d’étude du langage et du genre ainsi que dans le champ de l’analyse linguistique des textes de théâtre dans les mondes francophones et anglophones. Pour combler cette lacune, nous avons choisi de développer un modèle d’analyse ancré dans l’évolution récente du champ de langage et de genre tout en prenant en considération l’analyse linguistique des textes de théâtres. Le modèle joint les théories anglophones de l’analyse critique du discours ainsi que les théories de l’analyse du discours françaises et les théories d’énonciation. Notre analyse nous a démontré que dans les pièces françaises et américaines, les systèmes linguistiques français et anglais utilisent les mêmes stratégies et procès linguistiques pour représenter le genre et les relations. Nous avons également constaté que dans les textes dramatiques, le genre est situationnel, dépendant du contexte, et intersectionnel, se croisant avec d’autres catégories tels la classe, l’âge et l’ethnicité, et dans le cas des textes dramatiques, les genres dramatiques et les rôles des personnages. Nos résultats présentent de nouvelles façons d’étudier et de lire le genre dans les discours dramatiques et montrent aussi l’importance de joindre des approches multiculturellesThe purpose of this study was to investigate how gender, and power and affinity relationships areconstructed via discourse in two French and two American plays composed during the modern period (1890-1914): James A. Herne’s Margaret Fleming (1890), Rachel Crothers’s He and She (1911), Eugène Brieux’sLes Avariés (1902), and Marie Lenéru’s La Triomphatrice (1914). The study sought to fill the gap between,on the one hand, research in the field of language and gender that unsystematically analyzed literary anddramatic texts, and, on the other hand, studies in the field of the linguistic analysis of drama that analyzedlanguage and gender in plays without recourse to the theoretical underpinnings in language and genderstudies. To address this gap, a three-partite model analyzing the dramatic text, the situation of enunciation,and gendered discourses was developed, building on Critical Discourse Analysis and French DiscourseAnalysis, as well as research from the fields of language and gender, and the linguistic analysis of drama. Aclose examination of gendered representations and gendered usage using the model revealed that in Frenchand American drama, similar linguistic features are mostly deployed to construct gender and relationships.Results also showed that in dramatic texts, gender is situational, depending on context, and intersectional,often intersecting with other categories like class, age, and ethnicity, and in the case of dramatic texts,dramatic genres and roles. These findings present new ways of researching and reading gender in dramaticdiscourse. They also highlight the importance of combining multi-cultural approaches to analyze gender indramatic texts
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Oku, Kaori. "La découverte dans le théâtre de Marivaux : dramaturgie, idées et fonctionnement de la représentation." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040231.
Full textAbstract:
La présente étude vise à éclaircir l’efficacité et la théâtralité du théâtre marivaudien, notamment celles de ses comédies. Elle s’appuie sur une recherche dramaturgique et une étude idéologique de son théâtre, du point de vue du fonctionnement de la représentation : que découvre le public à travers la représentation ? Partant de l’analyse de La Dispute qui nous paraît une pièce emblématique, fondée sur la découverte, nos recherches se sont nourries de l’étude des textes aussi bien que de celles de quelques mises en scène contemporaines de ses comédies. Du point de vue de la découverte, son théâtre fonctionne, en rapport avec le public, comme un dispositif lui faisant découvrir tour à tour l’incertitude liée aux sens, le problème de l’identité, celui des désirs des hommes ainsi que le mécanisme de la société et celui de la comédie. En outre, son théâtre met en question la notion même de la vérité et du naturel en même temps que la notion de personnage au théâtre. Les comédies de Marivaux apportent au public, dans l’esprit des Lumières, un éclairage sur les hommes, sur la société, et même sur le mécanisme propre à la comédie. Les recherches autour de la découverte chez Marivaux mettent enfin en lumière l’importance de ses comédies en tant qu’art vivantThis study aims to clarify the effectiveness and the theatricality of Marivaux’s theatre, especially of his comedies, using a dramaturgical and ideological approach, and posing the essential question: what does the public discover through performance? Starting with the analysis of La Dispute, an emblematic play undergirded by the theme of discovery, my study includes close readings of Marivaux’s plays at the time as well as an examination of contemporary productions of the famous dramatist’s comedies. By using the idea of ‘‘discovery’’ as a critical framework, we can see how his theatre functions in relation to the audience and as a device which reveals the uncertainty of meaning, the problems inherent to identity, issues of desire and the mechanisms that govern society and the comic genre. Marivaux’s theatre, I argue, calls into question the notion of truth and the natural as well as the notion of dramatic character. Marivaux’s comic repertoire brings to the public, in the spirit of the Enlightenment, a dynamic series of events that call into question important themes about humankind, society and the mechanisms of comedy. This research thus illustrates the importance of Marivaux’s comedies as unique examples of living art
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Regnaut, Noémie. "Les chiffonniers de l’image. Usages et présences de la photographie documentaire dans les écritures théâtrales contemporaines." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2025. http://www.theses.fr/2025PA030007.
Full textAbstract:
Cette recherche en études théâtrales se propose de faire un état des lieux des usages et présences de la photographie documentaire dans les écritures théâtrales contemporaines. A travers un corpus de six pièces, écrites entre 2010 et 2022, elle analyse les différentes traductions possibles de cet intêret inédit pour la photographie documentaire dans le champ des écritures théâtrales françaises, intérêt qui s’inscrit plus largement dans une « passion pour le réel » (S. Zizek) déjà identifiée dans le champ artistique et littéraire. Qu’il s’agisse de discours portés sur l’activité photographique, placés dans la bouche de certains personnages, de l’utilisation de la photographie comme matériau pour l’écriture, ou de l’expression d’un imaginaire photographique dans les pièces, la photographie documentaire irrigue les gestes d’écriture de nos auteurs et se dissémine, de manière matérielle ou immatérielle, dans les textes. Ce travail s’inscrit dans une perspective intermédiale et tente, en mobilisant des concepts appartenant également aux études visuelles, de cartographier ce soudain intérêt pour la photographie au théâtre : que vient-il dire, par la voix des auteurs, de notre monde submergé d’images ? Comment l’écriture dramatique permet-elle de mettre en scène les pratiques photographiques, à l’heure des nouvelles technologies de communication et de l’avènement des réseaux sociaux ? La scène peut-elle être le lieu d’un certain renouvellement de nos représentations et nous (ré)apprendre à « voir le voir », pour citer le critique d’art John Berger ?Cette étude explore ainsi les pratiques visuelles contemporaines et la manière dont celles-ci, réinterrogées par les auteurs, peuvent à la fois (se) jouer (de) la trace, être pamphlet et poème, et éventuellement donner, par les déploiements de l’image sur la scène théâtrale, voix et corps aux subalternesThis research in theater studies aims to survey the uses and presence of documentary photography in contemporary theatrical writings. Through a corpus of six plays, written between 2010 and 2022, it analyzes the various interpretations of this unprecedented interest in documentary photography within the field of French theatrical writing, an interest that is part of a broader “passion for the real” (S. Zizek) already identified in the artistic and literary fields. Whether it is characters’ dialogues about photographic activity, the use of photography as material for writing, or the expression of a photographic imagination within the plays, documentary photography permeates the writing gestures of these authors and disperses, materially or immaterially, throughout the texts. This work adopts an intermedial perspective, drawing on concepts from visual studies to map this sudden interest in photography within theater : what does it reveal, through the voices of playwrights, about our image-saturated world? How does dramatic writing stage photographic practices, in an age of new communication technologies and the rise of social networks ? Can the stage become a site for renewing our representations, teaching us to “see seeing,” as art critic John Berger put it ? This study thus explores contemporary visual practices and the ways in which these practices, re-examined by the authors, can simultaneously play with traces, serve as both pamphlet and poetry, and, through the unfolding of images on the theatrical stage, potentially give voice and presence to the « subaltern » (G.C. Spivak)
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Corno, Philippe. "Le théâtre et la loi du divorce pendant la Révolution française : moralisation et politisation d'un mariage désacralisé." Rennes 2, 2007. http://www.theses.fr/2007REN20060.
Full textAbstract:
Le 20 septembre 1792, l’Assemblée Législative vote une loi introduisant le divorce en France. Cet événement représente un bouleversement majeur du droit du mariage, d’autant que cette loi, qui sera fortement remise en cause par le Code civil (1804), se révèle d’une libéralité jamais égalée depuis. Le mariage se situant à la croisée de l’individu, de la famille et de la société, la dissolubilité de l’union conjugale transforme en profondeur les cadres juridiques et moraux de l’inscription de l’individu dans les espaces sociaux auxquels il appartient. Le théâtre révolutionnaire, en raison de son ancrage dans l’actualité immédiate et de ses ambitions pédagogiques, s’est dès 1789 saisi de cet enjeu juridique, moral et politique. Fictions spéculaires dans lesquelles une société se donne en spectacle à elle-même, les œuvres dramatiques de la période révolutionnaire permettent de questionner, en les confrontant dans leurs intrigues, l’ensemble des discours produits sur le divorce (essais, pétitions, textes de lois, romans, poèmes, etc. ). Interrogeant non seulement la légitimité des fondements d’un droit au divorce (droit religieux, droit naturel) mais également les usages du droit du divorce, ce théâtre défend les valeurs d’une indissolubilité matrimoniale fondée sur la soumission morale des enfants à leurs parents, des épouses à leurs maris et de la passion amoureuse à la bienveillance conjugale et à l’amour parental. Bien que presque unanime dans la défense de la liberté du divorce, ce théâtre déploie donc toutes ses ressources dramaturgiques pour inciter à la concorde matrimoniale. Lancé par des fictions destinées à être représentées en public, cet appel à la stabilité et à l’union révèle ainsi les tensions propres à l’imaginaire de la famille et au projet juridique de cette époque. Adressée à des spectateurs devenus citoyens, cette morale de la réconciliation dans le couple contribue également à la défense de l’union dans la NationOn September 20, 1792, the Legislative Assembly legalized divorce in France. This groundbreaking law, which would be forcibly challenged by the Civil Code of 1804, redefined the status of marriage according to an unprecedented liberalism. Just as marriage traditionally anchored the individual in a nexus of familial and social ties, the potential to dissolve marital vows effected a profound transformation of the individual’s relation to society, particularly as regards moral and judicial authority. Theatre provided an ideal medium to exploit the multiple tensions brought to crisis by this legislation; indeed plays written as early as 1789 already foresaw the potential to stage dramas of divorce for political and educational purposes. In a mirror-like effect, these plays worked through the perplexing questions raised by revolutionary legislation and thereby complemented the dialogue running through other media (essays, petitions, legal briefs, novels and poetry) in spectacular ways. This corpus questions the legitimacy of legislating divorce by confronting the discourse of natural rights against religious rhetoric. It also notes the troubling social implications of divorce and ultimately defends the value of matrimony in moral terms, by reinforcing the traditional hierarchy of compliance in which wives submit to husbands, children obey their parents, and romantic passion is sublimated into conjugal stability and parental union to ensure the well-being of the polis. Written in a medium designed explicitly for public edification and display, these fictions of stability and union reveal the anxieties provoked by the conflict between traditions of family life and new hopes for legal reform during the revolutionary age. By appealing to spectators’ new sense of political identity, these morality tales thus used the metaphor of matrimonial fidelity to reinforce the citizen’s allegiance to the Nation
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Rykner, Arnaud. "Dramaturgie du silence de l'âge classique à Maeterlinck." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040319.
Full textAbstract:
Des années 1620-1630 au début du XXe siècle,on assiste en France à un élargissement progressif du théâtre. Avant Diderot,la scène française,concentrée sur le seul dialogue,rejette le silence. Rare,celui-ci est toujours problématique,comme chez Racine et Marivaux. Avec Diderot,la parole perd son statut d'absolu et le dialogue se voit contraint d'admettre en son sein le silence comme une part authentique de l'expression théâtrale. Mais l'équilibre qui s'établit entre silence et discours,dont le "tableau" diderotien pourrait être l'emblème,reste fragile,car le silence est toujours susceptible d'être récupéré par le dialogue. Le mélodrame en est une preuve. Il faut attendre le dernier quart du XIXe siècle pour que le silence trouve sa vraie place et subventionne définitivement le drame ancien pour faire naître le drame nouveau,dont Beckett et Duras seront les héritiers. Ainsi Zola tend d'abord à protéger le silence en l'arrachant au dialogue. Maeterlinck de son côté n'hésite pas à le faire triompher en détruisant le dialogue et ses fondements. L'équation quasi théogonique qui unissait le drame à la parole se trouve alors définitivement remise en question. Le silence devient un projet dramatique,la pierre angulaire d'un nouveau théâtreFrom 1620-1630 to the beginning of the XXth century,in France,the concept of 'theatre' was enlarged. Before Diderot,french drama was based upon dialogue alone and rejected silence,which seldom happened. .
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Johansson, Franz. "Le corps dans le théâtre de Paul Valéry." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040059.
Full textAbstract:
Parmi toutes les écritures, celle du théâtre engage le corps d’une manière particulière : elle l’accueille non seulement comme une représentation mais aussi comme un instrument, un matériau, une présence. Le dramaturge se trouve confronté au corps de la manière la plus étroite ; aux prises avec sa constitution, ses ressources, ses limites et, en définitive, avec son essence. C’est pourquoi nous abordons le rapport qui lie Paul Valéry au corps précisément à travers son expérience théâtrale : le drame est sans doute le domaine privilégié où cet auteur explore et approfondit sa relation au corps -une relation qui, pour être problématique et conflictuelle, n’en est pas moins riche. Valéry est un grand écrivain du corps. La première partie de notre étude se penche sur le rapport que l’auteur entretient vis-à-vis de l’incarnation scénique : son théâtre suppose-t-il, appelle-t-il ou, du moins, tolère-t-il le corps ? Nous sommes amenés, dans une deuxième partie, à analyser la manière dont le dramaturge se saisit de la présence vivante de l’interprète et l’incorpore dans son écriture scénique ; à définir donc la place que le corps occupe à l’intérieur de l’esthétique théâtrale de l’auteur. Dans la troisième partie, nous cherchons à préciser les représentations, les visions ou les conceptions du corps qui se dessinent au fil des drames et des ébauches tracés par l’écrivain ; en d’autres termes à déterminer quels sont les discours sur le corps que tient ce discours du corps qu’est l’oeuvre théâtrale de ValéryAmong all the literary genres, theatre deals with the human body in a unique way: not only is the body figured in a play but it also becomes a substance, an instrument, a presence on the stage. A playwright will always, in some way or another, be confronted with the body in the meaning of its biological constitution, its shape and movement, its resources and limitations and, ultimately, its essence. Theatre is therefore one of the most interesting fields for studying Valéry’s approach to the human body : in no other part of his work does the writer embrace the body in such an immediate, complex, profound - and nonetheless problematic and ambiguous -way. Valéry is an immense artist of the body. The first part of this work explores how Valéry contemplates the experience of theatrical embodiment: do his dramatic works and projects need and call on the actor’s active matter ? Or do they, at least, tolerate it ? The second part analyses the different ways in which Valéry’s aesthetic principles incorporate the presence and movement of the body in dramatic writing: how are the expressive means of the actor seized and transformed by artistic conventions, processes or techniques ? The last part aims to specify the conceptions of the body that emerge from Valéry’s plays and drafts: what does this theatre, as a language of the body, tell us about the human body ?
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Beer, Cécile. "La rivalité amoureuse entre père et fils sur la scène française du XVIIe siècle : un schème transgénérique (1631-1685)." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040086.
Full textAbstract:
Cette thèse interroge la transgénéricité inédite du schème de la rivalité amoureuse père-fils sur la scène française du XVIIe siècle. La réflexion se fonde sur un corpus représentatif des trois grands genres dramatiques de l’époque – comédie, tragi-comédie et tragédie – et riche d’une quarantaine de pièces. L’objectif de ce travail est de montrer que cette structure dramatique est doublement subversive dans le contexte du Grand Siècle. Sur le plan esthétique, ce conflit envahit tout l’espace scénique alors même que les discours des doctes de l’époque visent à hiérarchiser et à séparer les genres entre eux. La thèse interroge ainsi les stratégies développées par les dramaturges pour adapter ce schème aux contraintes esthétiques propres à chacun des genres. Sur le plan idéologique, ce type de crise met en rivalité les deux représentants mâles de la lignée. Or, dans le cadre particulier de ce Grand Siècle que les historiens qualifient d’ « âge d’or des pères », cela conduit à questionner le fonctionnement sociopolitique et religieux de l’Ancien Régime. S’agit-il en faisant triompher le fils-rival de remettre en cause l’autorité du patriarche au sein de la famille et, partant, du roi au sein de l’État ? Ou bien, à l’inverse, est-il question en favorisant la victoire du père-rival, de réaffirmer le bien-fondé du système établi ? La rivalité père-fils, sous ses apparences galantes serait-elle porteuse d’un discours plus grave, et révélatrice d’une évolution de la société ? Comment la galanterie en transcendant la question générique, questionne-t-elle le politique ? C'est autour de ces deux grands axes de questionnement – esthétique et idéologique – que s'organise la réflexionThis thesis questions the scheme of the amorous rivalry between father and son which was used for the first time in all genres in seventeenth century French theatre. The research is based on a representative corpus of three dramatic genres of the period – comedy, tragi-comedy and tragedy – and includes about forty plays. The objective of this study is to demonstrate that this dramatic structure is doubly subversive in the period of the seventeenth century. On the aesthetic level, this conflict overcomes the stage even though the theoretic discourses of the period aimed to separate and classify dramatic genres according to a hierarchical system. The thesis studies the strategies developed by dramatists to adapt this dramatic scheme to aesthetic rules specific to each dramatic genre. On the ideological level, this type of conflict brings out the rivalry between the two representative males of the lineage. In the particular context of the seventeenth century, defined by historians as “l’âge d’or des pères”, this leads to reconsideration of the sociopolitical and religious functioning of the so-called “Ancien Regime”. Through the triumph of the rival son, is the authority of the patriarch challenged, and consequently, the one of the king in the state? Or, on the contrary, does the highlighting of the victory of the rival father reassert the legitimacy of the well-founded system? Would the rivalry between father and son, under its gallant appearances, bring a more serious speech and reveal an evolution in society? How does the gallantry, by transcending the limits of the dramatic genres, question politics? This study is based on these two aesthetic and ideological questions
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Laure, Charlotte. "Tragédies de la décolonisation. Un théâtre écrit en français depuis l'Afrique, la Caraïbe et Madagascar (1942-1992)." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030060.
Full textAbstract:
Choisir le genre dramatique de la tragédie, emblématique de la culture occidentale, pour représenter et accompagner les luttes de décolonisations de l’empire français peut sembler paradoxal. Bien au contraire, nous montrons que cette association d’un genre canonique et d’un sujet politique contestataire est féconde. À partir d’un corpus varié d’une trentaine de pièces écrites en français par des auteurs d’Afrique, de la Caraïbe et de Madagascar dans la deuxième moitié du xxe siècle (1942-1992), notre thèse identifie un phénomène théâtral que nous nommons tragédies de la décolonisation. Le genre de la tragédie permet d’une part de créer des mythes, de célébrer la grandeur des sociétés précoloniales et de mettre en avant les luttes anticoloniales. D’autre part, en tant que genre qui montre des défaites, la tragédie permet de dénoncer l’hypocrisie de la prétendue mission civilisatrice de l’Europe et de révéler les violences et les oppressions du système colonial et esclavagiste, à travers le point de vue de celles et ceux qui les subissent. La spécificité du genre dramatique invite également à interroger ses effets sur le genre social. Enfin, discutant certains biais dans la réception des pièces, nous montrons que le genre dramatique lui-même est renouvelé, notamment dans l’affirmation d’une fatalité qui n’est plus transcendante mais historique, et de laquelle il est possible de s’émanciperIt may seem paradoxical to choose the dramatic genre of tragedy to represent and support the struggles around the decolonization process of the French empire, as it is a symbol of western culture. However, we demonstrate in this thesis the relevance of this combination of a canonical genre with a protest topic. From the study of a diverse corpus of about thirty plays written in French by African, Caribbean, and Malagasy authors in the second half of the 20th century (1942-1992), we identify a theatrical phenomenon that we call "decolonization tragedies". On the one hand, the genre of tragedy allows to create myths, to celebrate precolonial societies and to highlight anti-colonial struggles. On the other hand, this genre allows to display defeats, which enables the indictment of Europe's self-proclaimed civilizing mission, and reveals the violence of the colonial and slavery system from the standpoint of those who suffer it. Moreover, the specific nature of tragedy encourages to examine its impact on gender. Finally, discussing some distortions in the reception of the plays allows us to show that the dramatic genre is being renewed through the affirmation of a destiny that is no longer transcendental, but historical, and from which one can emancipate oneself
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Ding, Ruoting. "La Légitimité visible. L’usurpation du pouvoir dans le théâtre français du XVIIe siècle (1636-1696)." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040075.
Full textAbstract:
Ce présent travail étudie la mobilisation des concepts relatifs à la légitimité et à l’usurpation dans le théâtre français classique, et a pour corpus toutes les pièces (tragédies, tragi-comédies et comédies héroïques) représentant des perturbations étatiques liées à l’usurpation entre 1630 et la fin du XVIIe siècle. Si la mise en scène de bouleversements politiques extraordinaires confère une certaine grandeur à l’œuvre dramatique, elle implique un aspect référentiel qui, surtout dans une France où l’absolutisme s’établit et s’affirme, pourrait conduire à une difficulté. Or, c’est précisément cette problématique qui assure l’efficacité propre du thème de l’usurpation. La référence idéologique et morale est elle-même mobilisable sur un plan dramaturgique et peut constituer un élément structurant de l’effet dramatique, assurer l’engrenage de l’action, et répondre à une vision poétique. En même temps, à travers ces procédés dramaturgiques, les pièces construisent leur sens qui, tout en faisant écho à l’absolutisme monarchique, peut parfois présenter un écart par rapport aux réflexions politiques contemporaines. Cette étude s’articule autour de trois concepts – le droit de régner, le devoir de régner et la volonté de régner. L’analyse de la manière concrète de leur mise en place mène à une réflexion sur l’évolution du traitement du thème durant le siècle et sur le rapport complexe entre idéologie et dramaturgieThis piece of work studies the mobilization of concepts relating to legitimacy and usurpation in classical French theater. The corpus includes all plays (tragedies, tragi-comedies and heroic comedies) representing state-level disruptions linked to usurpation from 1630 to the end of the seventeenth century. If the representation of extraordinary political disorders makes the subject of a play more elevated, it also implies a referential dimension that could give rise to a complication, especially in a France where absolutism was taking shape. Yet it is precisely this problem that warrants the value of the theme of usurpation. Once dramaturgically mobilized, the ideological and moral reference constitutes a structural element that creates the dramatic effect, which ensures the circle of the action and echoes a poetic vision. At the same time, through these dramaturgical features, the plays construct their meaning, which besides reflecting absolutist ideology can sometimes deviate from contemporary political thought. This study hinges on three concepts – the right to rule, the duty to rule and the will to rule. The analysis of the concrete means of their implementation is followed by a reflection on the evolution of the treatment of the theme throughout the century as well as on the complex relationship between ideology and dramaturgy
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Jaziri, Anissa. "Drôlerie et noblesse : l'esthétique et l'éthique du corps des aristocrates à l'épreuve des dramaturgies comiques et tragi-comiques du XVIIe siècle français." Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100004/document.
Full textAbstract:
Alors que le corps des gens du peuple a inspiré beaucoup d'approches sociologiques et anthropologiques, notre recherche s’est focalisée sur les images du corps des personnages issus de l’aristocratie données par les dramaturgies comiques et tragi-comiques du XVIIe siècle français. Si la présence souvent héroïsée de cette catégorie sociale est de mise dans le genre dit « noble » de la tragédie, elle est, et selon une longue tradition aristotélicienne, bannie du genre comique considéré comme plus susceptible à accueillir le médiocre, voire le laid, physique et moral et de considérer les choses du corps.Basée sur un corpus d’une soixantaine de comédies et tragi-comédies datant de 1629 à 1690, notre étude des représentations des nobles a permis de dégager une esthétique toute particulière de leurs aspects physiques et de nous interroger sur la compatibilité entre ces personnages d'"honnêtes hommes" à ce point idéalisés et le rire. Cependant, pour mieux dire la présence plaisante du corps noble sur scène, nous avons recouru à une notion moins franche que celle de comique, celle de la drôlerie, qui réside entre l’agrément de la célébration des beautés des aristocrates concernés par l’action et la conscience plaisante des excès de cette perfection, entre la déconcertante inventivité, voire la grandeur, des nobles qui se déguisent et les éclats de rire qu'inspirent certains de leurs défauts/défaillances corporels, naturels ou acquis, entre le spectacle amusé de leur sensualité peu contrariée ou désinvolte, l’exultation suscitée par leur libertinage militant, qui fait réfléchir, et une sorte de malaise devant le cynisme de quelques-uns, entre l'admiration des talents de comédiens permettant les bons tours, grâce à une belle dextérité gestuelle, et la jubilation qu’inspire la réussite des protagonistes bien nés. Affleure souvent une certaine gravité des enjeux, quand il s'agit des désirs de liberté qu’expriment les corps sur scène, surtout lorsqu'on a affaire à des femmes, quand sont représentés des excès violents ou encore des comportements hypocrites. Autant d'impressions fort riches qu'amplifie la mise en espace et en voix par des comédiens qui laissent aussi entendre une sorte de mystère des mots. Toutes les nuances de la drôlerie, d'un comique qu'on perçoit comme un peu étrange, semblent avoir été expérimentées par nos poètes dramatiques pour faire accéder les nobles à la scène comique et, un temps, au genre mêlé de la tragi-comédie."While the body of the common people has inspired many sociological and anthropological approaches, our research has focused on the study of the body image of aristocratic characters in french seventeenth century comic and tragic dramaturgies.Although the often heroic presence of this social category is part of the so-called "noble" genre of tragedy, it is, and according to a long Aristotelian tradition, banned from the comic genre considered more susceptible to the mediocre, even the ugly, physical and moral, and to consider things of the body. Based on a corpus of sixty comedies and tragicomedies dating from 1629 to 1690, our study of the physical images of the nobles then leads to a particular aesthetic that makes us question the compatibility between the often idealizing representation of the "honest men" and laughter. However, to highlight the pleasant presence of the noble body on stage, we referred to a more subtle notion than the comic, that of the drollery which lies between the approval of the celebration of the beauties of the aristocrats concerned by the action and the pleasant awareness of the excesses of this perfection, between the disconcerting inventiveness, even the grandeur, of the nobles who disguise themselves and the bursts of laughter inspired by some of their bodily or natural defects or failures, between the amused spectacle of their sensuality little annoyed or casual, the exultation aroused by their militant libertinism, which makes you think, and a kind of unease in front of the cynicism of the few, between the admiration of the talents of actors allowing good tricks, thanks to a beautiful gestural dexterity, and the jubilation inspired by the success of well-born protagonists. The stakes become even higher when it comes to the desire for freedom that the bodies express on stage, especially those of women when violent excesses or hypocritical behavior are represented. So many rich impressions that amplifies the setting in space and in voice by actors who also let hear a kind of mystery of the words. All the shades of drollery, of a comic that we perceive as a little strange, seem to have been experienced by our dramatic poets to bring the nobles to the comic scene and, at one time, to the mixed genre of tragi-comedy
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Pradelle, Laure-Emmanuelle. "Le théâtre de Georges Lavaudant : les territoires de l’imaginaire." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100079.
Full textAbstract:
Georges Lavaudant est un metteur en scène qui occupe une place importante dans l’histoire du théâtre français. Il a créé plus d’une centaine de spectacles pour le théâtre et l’opéra, en France et à l’étranger. Il a dirigé des théâtres, dès l’âge de 28 ans. Il est également auteur. Autodidacte, il s’est entouré d’une famille de travail – acteurs, décorateur, compositeur, chorégraphes – qui l’a accompagnée pendant quarante ans, des débuts en amateur aux scènes les plus prestigieuses. Il a mis en scène des classiques, des auteurs contemporains vivants, sa propre écriture. Son œuvre est dense et diverse. Il s’est, dès les débuts, positionné comme non-brechtien, préférant l’exploration du plateau à l’analyse dramaturgique a priori, préférant les formes non dramatiques à la fable didactique. Il considère la mise en scène comme un acte d’écriture. Lavaudant, passionné par la littérature et les écrivains, invente, avec les outils du théâtre, un imaginaire qu’il mêle à l’œuvre représentée. Cette thèse propose de découvrir le processus de création de ce metteur en scène, qui le mène à produire ce théâtre hybride avec lequel il transfigure le réelGeorges Lavaudant is a director who occupies an important place in the history of French theater. He has created more than a hundred shows for theater and opera in France and abroad. He started directing theaters at the age of 28. He is also an author. Self-taught, he surrounded himself with a family of professionals - actors, a set designer, a composer, a choreographer - who accompanied him for forty years, from his debut as an amateur to the most prestigious stages. He has staged classic plays, living contemporary playwrights, and his own plays. His work is dense and diverse. From the beginning he was positioned as non-Brechtian, preferring the exploration of the stage to dramaturgical analysis a priori, and non-dramatic forms to the didactic fable. He considers staging as an act of writing. Lavaudant, who is passionate about literature and writers, uses the tools of the theater to invent an imaginary world that he combines with the work represented. This thesis investigates how this director’s creative process leads to this hybrid theater which transfigures reality
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Einman, Maria. "Lector in drama. Les enjeux fictionnels et imaginaires du suicide dans le théâtre français du XIXe siècle." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA048/document.
Full textAbstract:
Cette étude examine la lecture des textes de théâtre comme des textes de fiction, visant à faire sortir ce genre de lecture du cadre de l’analyse textuelle au sein duquel on a tendance à l’enfermer. L’examen s’effectue à la lumière de l’interrogation sur le suicide dans le drame français du XIXe siècle : son objectif est de cerner l’effet que le suicide d’un personnage exerce sur le lecteur. Pour ce faire, nous nous servons du concept de lecteur virtuel, destinataire implicite et atemporel des effets du texte selon Vincent Jouve ; ce lecteur immerge au sein du monde possible de fiction soutenu par le dispositif qui se fonde sur la tripartition Réel - Symbolique - Imaginaire de Lacan.La réflexion est structurée en cinq parties : l’introduction théorique est suivie des analyses qui portent, respectivement, sur le mélodrame, le drame romantique, le drame naturaliste et le drame symboliste. En nous penchant sur l’effet du suicide fictionnel sur le lecteur, qui est systématiquement relié au questionnement de la catharsis, nous traitons également de l’évolution des formes et genres théâtraux évoqués dans l’optique de la lecture « virtuelle ». Ainsi, lire le drame français du XIXe siècle, c’est voyager de la certitude optimiste du mélodrame à l’indétermination tragique du drame symboliste, du suicide effectif aux morts probablement volontaires, de la catharsis « larmoyante » à l’anticatharsisThis study examines the reading of drama texts as the reading of fictional texts, aiming to broaden the current approach according to which the reading of drama texts is mainly limited to text analysis. This question is examined in the light of the issue of suicide in 19th-century French drama. The principal aim of this study is therefore to understand the impact of the character’s suicide on the reader via the detailed analysis of the ins and outs of the suicidal act. The study applies Vincent Jouve’s concept of the virtual reader, who is defined as an implicit and atemporal recipient of the text effects. This reader emerges in a fictional world that is supported by an operative device (dispositif) based on the Lacanian triptych of the Real, the Symbolic and the Imaginary.The dissertation consists of five chapters. The theoretical discussion is followed by four chapters that deal, respectively, with melodrama, romantic drama, naturalist drama, and symbolist drama. In addition to the effect of the fictional suicide on the reader (which is systematically connected to the catharsis), the evolution of theatrical genres and forms is explored from the perspective of “virtual” reading. Thereby, the reading of 19th-century French drama could be viewed as a journey from the optimistic certainty of melodrama to the tragic indeterminacy of symbolist drama, from actual to probable suicides, from “sorrowful” catharsis to anticatharsis
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Licha-Zinck, Alexandra. "La vertu de l'héroïne tragique (1553-1653)." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040079.
Full textAbstract:
La vertu féminine théâtrale apparaît dans le discours et dans l'action de l'héroïne : ils définissent son ethos tragique, plus qu'ils n'illustrent les catégories morales traditionnelles. Dès lors, cette vertu constitue un objet dramatique, esthétique, modelé par et pour la mimèsis tragique. Le personnage féminin, de la tragédie humaniste de Jodelle au théâtre de Corneille, pendant la Fronde, révèle sans doute l'idéologie propre à chaque période littéraire. Mais la vertu redéfinie par les théoriciens permet l'élaboration dramatique du caractère, surtout lorsque le plaisir théâtral et les contraintes d'ordre dramaturgique priment sur la volonté d'instruction morale et sur l'illustration, dans un personnage, d'un discours moral cohérent établi par la tradition. La vertu étant un objet dramatique, elle doit être donnée à voir ; ce défi – montrer la perfection morale, par définition moins scénique que les passions – implique une codification esthétique pour la représentation. Cette vertu féminine aurait alors pour fonction la représentation idéalisée, mimétique selon la définition aristotélicienne (déformante, mais efficace), de l'éthique d'une société. La notion de vertu est médiatisée par le personnage féminin, dans ses divers aspects traditionnels, souvent dichotomiques : vertu chrétienne et vertu stoïcienne, héroïque et morale, virile et féminine, active et passive, le plus souvent, mêlées. Comme les passions mêmes, elle aurait été convertie par les auteurs tragiques en matériau pour construire une œuvre dramatique, au prix, parfois, de ses valeurs philosophiques et morales. La vertu serait devenue elle-même sur scène, peut-être, une passion comme les autres, pour susciter le plaisir tragiqueIn plays, feminine virtue appears in the words and actions of the heroine : they give a definition of her tragic "ethos" more than they illustrate the traditional moral categories. Therefore, this virtue represents a dramatic and aesthetic object shaped by, and for, the tragic "mimesis". This female character, from the humanist tragedy by Jodelle to the palys bu Corneille during the insurrection of the Fronde, probably reveals an ideology belonging to each literary period. But virtue, redefined by the thoereticians, allows the dramatic creation of the character, especially when the theatrical pleasure and dramatic constraints are more important than the wish for moral instruction and the illustration of a coherent moral speech established by tradition. Being a dramatic object, virtue must be shown ; this challenge, consisting in showing moral perfection which is by definition less scenic than passions, implies an aesthetic coding for the representation. This feminine virtue would then become the idealized, mimetic -according to the definition given by Aristotles- representation of of the ethics of a society. The notion of virtue appears trough the female character in its diferent traditional aspects which are often opposed and mixed : Christian and stoïcal, heroic and moral, male and female, active and passive. As with the passions, this notion of virtue would have been turned into play material by tragic playwrights, sometimes to the detriment of the philosophical and moral virtues. Virtue itself would then become a passion like any other in stage in order to create tragic pleasure
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Laurin, Cécilia. "Admirables criminels : éthique et poétique du spectaculaire dans le théâtre de Pierre Corneille." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030066.
Full textAbstract:
La présente étude interroge les opérations de la tension criminelle dans le théâtre de Pierre Corneille dans un double mouvement : celui de la construction de l’ethos des grands personnages criminels et celui de l’effet de leur spectacularisation sur la scène – le second dépendant du premier – à partir de l’analyse de l’esthétique de l’admiration telle que la pratique le dramaturge. Elle montre comment s’opère et opère le travail d’ « admirabilisation » de ces personnages, qui permet un jeu particulièrement réfléchi sur la dialectique de l’être et du paraître et sur les pouvoirs de la spectacularité, notamment à travers les personnages féminins, qu’elle propose de considérer comme un reflet de la puissance du genre théâtral lui-même. Elle pose également plus généralement la question de l’agence, qui repose sur la tension entre activité et passivité, entre action et passion. Ultimement, l’admirable criminel, à l’image de tout sujet cornélien, apparaît librement déterminé par la plus grande de ses passions : la passion de soi, autre nom de sa gloire. La spectacularisation de l’admirable criminel repose alors sur une dramatisation du soi, qui se révèle et s’offre en spectacle au reste du monde pour faire coïncider son ethos projectif et son ethos effectif, dans un mouvement souvent marqué par une tension vers la mort, qui permet d’imprimer définitivement sa gloire sur la scèneThe present study questions the use and operation of criminality in Pierre Corneille’s plays, in a double aspect : through the elaboration of the ethos of great criminal characters and through the effects of their spectacularization upon the stage – the latter depending on the former – based on an analysis of the aesthetics of admiration [wonder] that the playwright produces. It tends to show how operates and is operated the « wonderization » of such characters, which allows an exceptionally reflexive dialectical tension between essences and appearances and a reflection of the power of spectacularity, especially through feminine characters, which are here considered as mirroring images of the power of theatrical art itself. It interrogates more generally the question of agency, and its functioning interactions between activity and passivity, between action and passion. Eventually, the amazing criminals, not unlike any cornelian subject, appears to be freely defined by their greatest passion of all : self-passion, which can serve as an alternative name for their « gloire ». Their spectacularization thus revolves around a dramatization of the self, unveiling and offering it to the eyes of the rest of the world, in an attempt to make the projective ethos coincide with the effective ethos. Such dynamics are often characterized by fatal leanings, death being the ultimate expression of their gloire upon the stage
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Boulaire, Vanessa. "La rencontre de l'Autre dans le théâtre français de la Saint-Barthelémy à la Révolution française : enjeux politiques et philosophique (XVIIème-XVIIIème siècles)." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00955571.
Full textAbstract:
Les Grandes Découvertes de la Renaissance amènent les Européens à rencontrer de nouveaux peuples dont l'apparaître, les croyances et les modes de vie sont si éloignés, qu'ils vont incarner ensemble l'Autre absolu : le négatif, l'antagoniste de l'Européen blanc et chrétien d'alors. Le théâtre va offrir la possibilité à tous ceux qui ne voyagent pas de rencontrer cet Autre et c'est cette rencontre que nous étudions ici, dans le répertoire du théâtre français, car elle est non seulement une situation dramatique par nature, mais elle va également se faire anthropologique puisqu'elle joue à convoquer d'autres continents sur scène. Toutefois le théâtre n'est qu'artifice et sur scène, l'Autre n'est pas réel puisque créé par des dramaturges français, joué en français par des acteurs français et pour un public français. Nous nous proposons d'étudier cette rencontre depuis la Saint-Barthélemy jusqu'à la Révolution Française, deux événements névralgiques de l'Histoire de France, qui ont à voir avec la violence de l'altérité religieuse et de l'altérité sociale et qui correspondent à deux périodes de renouvellement de l'art dramatique. Nous nous interrogerons donc sur l'identité de cet étrange étranger, si éloigné socialement, politiquement et géographiquement et sur la manière dont le théâtre s'empare de cet Autre si spectaculaire. Les personnages exogènes devenant sur scène de véritables figures à facette, nous poserons la question de savoir si la démarche n'est pas en réalité d'aller au devant de l'Autre dans le seul but de l'interroger sur ce qu'il est pour se définir soi-même. Si l'Amérindien est sauvage, n'est-ce pas pour se conforter sur le fait d'être civilisé ? Si le More est cruel, n'est-ce pas pour se rassurer sur le fait qu'on ne l'est pas ? L'Autre ne sert-il pas en réalité qu'à parler de soi ?
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Gregorio, Amélie. "L’«Arabe» dans le théâtre français, du début de la colonisation de l’Algérie aux grandes expositions coloniales (1830-1931) : de représentations en discours." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSE2105.
Full textAbstract:
Dès 1830, le théâtre s’empare du thème de la conquête de l’Algérie puis il accompagne l’expansion coloniale en Afrique du Nord, événements majeurs qui ont marqué la vie politique française du XIXe et du début du XXe siècle. Véritable phénomène social et culturel de masse, il a fortement contribué à imposer l’esprit colonial et l’idée d’empire dans les mentalités. Mais dans quelle mesure exacte a-t-il été un acteur culturel de cette politique d’expansion et de domination ? Avec quelle fréquence, quelles inflexions ? Quelles représentations de l’« Arabe » a-t-il véhiculé, et comment les a-t-il transformées en discours idéologiques, reçus en direct par un public donné ? A-t-il été aussi le lieu d’une prise de distance, voire d’une contestation de la colonisation ? Au théâtre, l’altérité est mise en mots, mais aussi et surtout portée sur scène, par le corps et la voix du comédien, presque toujours français et blanc. L’autre, « indigène », celui qui interpelle, inquiète ou fascine, acquiert une visibilité accrue, le temps de la représentation. L’altérité est réduite par certains auteurs à des stéréotypes que d’autres mettent au contraire en question. L’image de l’Arabe, mais aussi du Kabyle, du Touareg et du métissé, a suivi les courants idéologiques qui ont sous-tendu les grandes étapes de l’expansion coloniale, jusqu’aux prémices des mouvements de décolonisation. Sur le plan esthétique, la représentation de l’« Arabe » est-elle l’occasion d’un renouvellement en matière de jeu, de langage, de décor et de costume ? La recherche de l’« exotisme » dans les formes spectaculaires laisse-t-elle parfois place au souci de rencontre et (re)connaissance de l’autre ? La portée à la fois littéraire, culturelle, sociale et historique du sujet nécessite de mobiliser et croiser des approches esthétique, dramaturgique, sociocritique et postcolonialeSince 1830, drama has taken over the Algerian conquest theme then backed the colonial expansion in North Africa, two major events which marked French political life from the 19th century to the early 20th century. As a real social and cultural overall phenomenon, it has strongly contributed to impose the colonial spirit and the empire idea into people's minds. But to what extent exactly has it played a cultural role in this expansion and domination policy? At what frequency and with which inflexions? Which representations of the "Arab" has drama conveyed, and how has it transformed them into an ideological discourse, through a live performance received by a given audience? Has it also been a place of distancing, even contesting colonization? Otherness is put into words with drama, but it is also and mostly brought onto the scene through the body and the voice of the actor, almost always French and white. The other "native", the one who puts question, worries or fascinates, gains an enhanced visibility, for the time of the performance. Otherness is reduced to stereotypes by some authors while others call them into question. The image of the Arab – but also of the Kabylian, the Tuareg, and the mixed-race – has followed the ideological currents that have underlain the great steps of the colonial expansion, until the beginnings of the decolonization movement. On the aesthetic level, is the representation of the "Arab" the opportunity of a renewal in terms of performance, language, setting, and costumes? Does seeking "exoticism" in spectacular forms give sometimes way to concern about meeting and knowing, or acknowledging, the other? The literary, cultural, social and historical significance of the subject requires to mobilize and cross aesthetic, dramaturgic, sociocritical and post colonial approaches
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Rosenfeld, Pierre-Louis. "Les tragi-comédies de Georges de Scudéry, un théâtre donné à voir : l’œil entre le monde, le spectacle et la peinture." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030067.
Full textAbstract:
Une des composantes du théâtre est ce que, dans la Poétique, Aristote nomme opsis : le spectacle, le donné à voir. Dans le premier XVIIe siècle, un genre et un auteur permettent d’illustrer cette composante. Sous le règne de Louis XIII et le gouvernement de Richelieu, la tragi-comédie est à la mode et se caractérise par sa dimension spectaculaire. Parmi les auteurs qui pratiquent ce genre et défendent sa spécificité, Georges de Scudéry en est un des plus prolifiques et de plus s’intéresse de près à la peinture, art de la vision par excellence. Notre étude porte sur la construction du regard spectatorial dans les tragi-comédies de Georges de Scudéry. Quatre aspects sont examinés : le rapport qui existe entre les tragi-comédies et l’actualité à travers un imaginaire commun, les ressorts du spectaculaire tels qu’énoncés par les théoriciens et les auteurs dramatiques des années 1630, la manière dont Scudéry donne à voir ses pièces, enfin trois traits de sa dramaturgie (le suspense visuel, la circulation des regards, la référence à la peinture). Le prologue examine une scène fondatrice du règne de Louis XIII, le « coup de majesté » d’avril 1617 qui amena le roi effectivement au pouvoir. Cette scène fut d’abord répétée, puis dansée devant la cour, enfin exécutée pour de bon avec la mort des époux Concini. Mais ce n’était pas fini, le théâtre s’en empara et continua de la jouer. La première partie s’intéresse aux événements emblématiques du règne de Louis XIII et du gouvernement de Richelieu, et analyse les reflets qu’il ont pu laisser dans la production dramatique de l’époque, notamment dans les tragi-comédies. La deuxième partie établit un inventaire des différentes formes de spectacle qui avaient cours à cette période et les commentaires qu’elles ont suscités. La troisième partie analyse la dimension spectaculaire des tragi-comédies de Scudéry, d’abord à partir des didascalies, puis selon quatre critères (le sujet de la pièce et sa référence au monde, le dispositif visuel mis en place, les initiatives visuelles qui émanent du spectacle, l’expérience du risque à laquelle rend sensible le spectacle), enfin à travers les frontispices des éditions. La quatrième partie examine dans le donné à voir ce qui est non plus lié à la surprise, mais à l’approfondissement de la vision sous trois aspects : la mécanique visuelle du suspense, la circulation du regard et ses fonctions (admirer, exercer le pouvoir, connaître), les références à l’univers de la peinture et l’usage de techniques picturales (portrait, paysage)One of the components of the theater is what Aristotle calls opsis in Poetics : the spectacle, the donné à voir. In the first seventeenth century, a genre and an author illustrate this component. Under the reign of Louis XIII and the government of Richelieu, tragi-comedy is fashionable and characterized by its spectacular size. Among the authors who practice this genre and defend its specificity, Georges de Scudéry is one of the most prolific and more closely interested in painting, the art of vision par excellence. Our study focuses on the construction of the spectatorial gaze in the tragi-comédies of Georges de Scudéry. Four aspects are examined : the relationship between tragi-comedies and current affairs through a common imaginary, the driving forces of the spectacular as stated by the theoreticians and dramatic authors of the 1630s, the way Scudéry gives his plays to see and finally three traits of his dramaturgy (visual suspense, circulation of looks, reference to painting). The prologue examines a founding scene of the reign of Louis XIII, the "coup de majesté" of April 1617 that brought effectively the king to power. This scene was first rehearsed, then danced before the court, finally performed for real with the death of the Concini couple. But it was not over, the theater took it and continued to play it. The first part deals with the emblematic events of the reign of Louis XIII and the government of Richelieu, and analyzes the reflections that he could have left in the dramatic production of the time, especially in tragi-comedies. The second part establishes an inventory of the various forms of entertainment that were current during this period and the comments they generated. The third part analyzes the spectacular dimension of Scudery's tragi-comedies, first from the didascalies, then according to four criteria (the subject of the play and its reference to the world, the visual apparatus put in place, the visual initiatives that emanate from the show, the experience of the risk to which the show is sensitive), finally through the frontispieces of the editions. The fourth part examines in the donné à voir what is no longer related to surprise, but to the deepening of the vision in three aspects : the visual mechanics of suspense, the circulation of the gaze and its functions (admiration, power exercising, knowing), references to the world of painting and to the use of pictorial techniques (portrait, landscape). Keywords
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Kazan, Darine. "La transgression du réel dans l'oeuvre dramatique de Michel Deutsch." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA014/document.
Full textAbstract:
L‟intérêt porte sur l‟intervention ou la non-intervention du réel dans la représentation. Le réalisme dans l‟oeuvre dramatique se mesure à l‟aune de la mise au jour des actualités historiques, politico-sociales et des réalités existentielles. A la quête de l‟interprétation de la conception du “réel” s‟ajoute un questionnement esthétique : la manière de le montrer. Notre recherche a comme objet l‟oeuvre dramatique de Michel Deutsch. C‟est en donnant à voir les défaillances des individus et leur non-intégration sociale dans le monde actuel désorganisé que le dramaturge témoigne son approche réaliste. La configuration dramaturgique de l‟espace extrascénique et l‟usage vraisemblable des objets qui y sont installés en sont des arguments à l‟appui. “L‟annonciation/incarnation de la réalité” rajoute de l‟exactitude aux faits représentés et la mise en oeuvre de la fonctionnalité du symbolique en dépit des descriptions standards prévaut. Or, la non-accessibilité dudit réel est un défi lancé à la reproduction d‟une image globale et parfaite de tous les événements. L‟incongruité tributaire du “nowhere” et de l‟anti-naturalisme structurel et factuel de l‟espace dramatique culmine avec l‟exposition inappropriée des principes consubstantiels à l‟espace théâtral. Le brouillage des repères temporels et l‟atemporalité accentuent le dysfonctionnement. Le langage lacunaire déjoue l‟expression, l‟extériorisation, la compréhension et la communicabilité. Le rapport au vécu se creuse : la pensée et la parole individuelle s‟évincent en faveur de l‟irruption recommencée de “l‟auteur-rhapsode”. Si la non-identification, le démembrement ou l‟indétermination de la situation d‟énonciation de l‟individu est condamnable, son existence atomique ou sa non-existence l‟est davantage.Michel Deutsch opte pour la transgression du réel et préconise le rejet catégorique de la duplication imitative et le principe de la “déconstruction-reconstruction” dans la représentationThe interest in the representation gets to the intervention or the nonintervention of the real in it. The realism in the dramatic work is measured by ell updating the historical and political-social actualities and the existing realities. In the quest for the interpretation of the conception of “real”, it is add the ethic questioning of how to show it.Our research aims the dramatic work of Michel Deutsch. Seeing the individuals failures and their social nonintegration in the actual disorganized world that the playwright testifies his realistic approach. The extrastage space dramatic configuration and the likely use of the objects installed are supporting arguments for it. “The annunciation-incarnation of reality” adds exactitude to the representing facts and prevails the implentation of symbolic feature despite the standard descriptions. Though, the non-availability of real is a challenge launch to the reproduction of a global and perfect image of all the events. The tributary incongruity of “nowhere” and the structural, factual antinaturalism of dramatic space culminates in the inappropriate exposition of consubstantials principles of the theatrical space. The jamming time markers and the timeless stress the dysfunction. The lacunar language foiled the expression, the externalization, the comprehension and the communicability. The relationship with life fails : the thinking and the individual speech ousting on account of the restarted irruption of the “rhapsode-author”. If the non-identification, the dismembrement or the indetermination of speech situation of every person is condemnable, its atomic existence or his non existence are worse.Michel Deutsch opt for the transgression of the real and preconize to reject categoricaly the imitative duplication and the principal of the deconstruction-reconstruction in the representation
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Leroy, Séverine. "L'oeuvre théâtrale de Didier-Georges Gabily : poétique d'une mémoire en pièces." Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20007/document.
Full textAbstract:
Cette thèse aborde l’ensemble de l’oeuvre théâtrale de l’auteur et metteur en scène français Didier-Georges Gabily (1955-1996) ; elle s’appuie sur les textes publiés et quelques inédits ainsi que sur des archives de la scène et desentretiens réalisés avec certains de ses acteurs et collaborateurs. L’étude est menée dans la perspective d’une poétique de la mémoire, une vision désenchantée de la société contemporaine surgissant de la confrontation permanente du passé avec le présent. Sont étudiées les modalités de déconstruction des mythes dans l’espace théâtral contemporain, qu’il s’agisse de mythes hérités du théâtre ou de mythes à dimension politique, tel le communisme ; ces deux angles permettant alors d’interroger la notion de communauté en son devenir. Cette recherche repose sur une observation des effets de la mémoire sur la structure du drame comme sur les régimes de la parole. On y observe en effet la récurrence d’une structure dramaturgique reposant sur une antériorité de la catastrophe que les personnages tentent vainement de recomposer. L’action y est alors remplacée par le récit, ce qui tend à produire de nombreux monologues comme une romanisation du drame. L’analyse s’appuie sur une approche esthétique mise en lien avec l’évolution des régimes d’historicité, ce qui aboutit à une lecture de l’oeuvre révélant la complexité avec laquelle l’auteur interroge le rapport au temps et à la représentation. Le dernier temps de cette recherche explore les relations de l’écriture au plateau et révèle ainsi un principe constant d’hybridation discursive manifestant l’importance du corps des acteurs et de la matérialité de la scène au sein de l’écriture. Cette étude tend à dénouer les écheveaux des héritages dans l’oeuvre théâtrale de Didier-Georges Gabily, thématique conduisant à la formulation d’une esthétique de la résistance allant contre la violence généralisée de la société libéraleThis thesis covers the work of French writer and stage director Didier-Georges Gabily (1955-1996), his published and unpublished texts as well as production archives and interviews with his actors and collaborators. The perspective is that of a poetics of memory, a disenchanted vision of contemporary society that transpires out of the confrontation of the past with the present, resulting in the deconstruction of myths in contemporary dramatic space, be they myths bequeathed by former directors/actors or political myths such as communism; in either case, these two angles open a perspective onto a community in the making. The analysis is based on an observation of the impact of memory upon both dramatic structure and speech/dialogue patterns, as a recurrent dramaturgical structure resting on a former catastrophe is what the characters are constantly – and helplessly – trying to piece back together. As a result, action is replaced by narrative, which results in aseries of monologues, a “romanization” of drama (Sarrazac). The approach is based on aesthetic criteria together with the analysis of the dynamics of history in the work (both as a series of topoï and as a structuring pattern) to offer a reading of the work that reveals the complex interplay of time and performance in the author’s quest. The influence of the concreteness of the stage on Gabily’s writing is analysed in the last section of this research and reveals a process of perpetual hybridization, manifesting the importance of the actors’ bodies and the materiality of the stage in his writing. The analysis of the different threads in the fabric of literary and artistic heritage in Gabily’s work for the stage reveals the emergence of an aesthetics ofresistance going against the overall violence prevailing in liberal society
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Musso, Daniela. "Réminiscences mythiques dans les Miracles de Nostre Dame par personnages : Ia mise en scène dun imaginaire chrétien du XIVe siècle." Phd thesis, Université de Grenoble, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01063181.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d'étudier les Miracles de Nostre Dame par personnages en tant que corpus de réécritures dramatiques d'un répertoire assez important de contes hagiographiques et romanesques. La recherche, fondée sur une démarche essentiellement intertextuelle qui fait référence ponctuellement à un vaste corpus de textes de comparaison, est centrée sur deux axes. Il s'agit d'abord de vérifier si les réminiscences mythiques que les textes recèlent sont les simples résidus inertes d'une longue stratification ou s'ils s'organisent, au-delà de l'agencement rationnel de chaque récit, en faisant appel à une mémoire littéraire et mythico-folklorique et en se disposant dans des configurations assez cohérentes. Ensuite, il s'agit d'étudier le contexte de la mise en scène des Miracles, les éléments intrinsèque de l'écriture dramatique, et, par le biais de l'étude de quelques exemples significatifs, les formes de la représentation, qui semblent calquer et réadapter des formes de la théâtralité diffuse liées à des rites préchrétiens. Produits d'un imaginaire chrétien qu'ils contribuent à leur tour à façonner, les Miracles sont des pièces qui exemplifient le rôle de médiatrice universelle de la Vierge tout en évoquant une vision du monde lié au calendrier ancestral d'une culture " autre ", qui fait surface dans l'écriture dramatique et dans la mise en scène, en renforçant et en amplifiant, en général, la portée du message édifiant.
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Karoui, Abdeljelil. "La dramaturgie de Voltaire." Clermont-Ferrand 2, 1989. http://www.theses.fr/1989CLF20024.
Full textAbstract:
La premiere partie de ce travail a eu pour objet l'etude de la technique dramaturgique de voltaire par rapport au 17e siecle. La deuxieme a permis d'illustrer ses usages par le choix de trois pieces representatives. Enfin dans la troisieme l'on s'est interesse a sa dramaturgie telle qu'elle est determinee par l'homme dans ce qu'il a de plus intime et de plus ou moins conscient, et par le philosophe dans sa volonte de precher ses verites et dans ses menees contre "l'infame". Il ressort de cette etude que la volonte de reforme du theatre classique reste timide chez voltaire. Mais il s'est impose a son epoque comme le premier poete tragique du 18e siecle. L'image du dramaturge souffre aujourd'hui d'opinions reductrices indefiniment reprises et propagees sans nuances. Il serait juste qu'elle soit reviseeThe first part of this work aimed at studying the dramatic technique of voltaire in relation to the 17th century. The second part illustrates his techniques through three representative plays. In the third part we have concentrated on his dramatic technique as it is related to the most intimate and more or less conscious part in him, and on the philosopher's will to preach his "thruths" and his determined struggle against "infamy". Thes study shows that voltaire's will to reform the classical theatre was not very strong. However, in his time, he was considered as the first dramatist of the 18th century. Nowadays unsatisfactory opinions on voltaire as a dramatist, endlessly repeated and curtly spread, still remain. This unfair judgement should be revised
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Nuh, Ilsiona. "Le texte dans le codex : émergence poétique et images sociales (Marie dans le théâtre du Moyen Âge)." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2020. http://www.theses.fr/2020CLFAL012.
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Dans notre corpus d’étude : La Présentation de Marie au Temple, Les Miracles de Nostre Dame par personnages et Le Mystère de la Passion d’Arnoul Gréban, le personnage de Marie se présente à l’intersection des langues, des genres et des lieux où se réinvente le théâtre. Ces aspects hétérogènes se dissolvent dans la mesure où le personnage de Marie s’ancre dans la logique de la foi chrétienne : au sein de la Vierge fut incarnée la Parole de Dieu qui, sous sa forme humaine, en la personne du Fils, parla aux hommes ; telle est l’affirmation fondamentale du christianisme qui souligne l’importance du Verbe. Néanmoins, les écrits néotestamentaires qui rapportent la parole divine sont discrets sur Marie, tandis que les jeux à sujet religieux donnent à voir et à entendre un personnage caractérisé par un langage théâtral. En écho avec les écrits scripturaires, le personnage de Notre Dame est composé à partir des écrits pieux en latin et en langue vernaculaire, des textes littéraires et rhétoriques, et sous l’influence des réalités sociales. Son personnage est en effet à la confluence de ces courants qu’il transcende et, à leur interstice, il modèle une nouvelle façon d’exprimer la foi à laquelle la forme dramatique donne une dimension collective. Appuyée sur l’analyse matérielle et poétique des manuscrits, cette thèse s’attache à montrer les dynamiques qui donnent vie au personnage de Marie et ses répercussions sur la composition du texte dramatique, ainsi que sur les communautés qu’il engendreThe dramatis personae of Mary in La Présentation de Marie au Temple, Les Miracles de Nostre Dame par personnages and Le Mystère de la Passion d’Arnoul Gréban is at the intersection of languages, poetical genres, and places where drama is performed. Her character is inspired by the Christian faith in the Incarnation: within the Virgin was incarnated the Word of God who, in his human form, in the person of the Son, spoke to men. The fundamental affirmation of Christianity underlines the importance of the Word. Nevertheless, the New Testament is discreet about Mary, while the religious plays show the mother of Lord characterized by a self-expression, a mainly lyrical one. Inspired by texts in Latin and in vernacular, from literary and rhetorical texts, and under the influence of social realities, the character of Mary is at the confluence of these currents that she transcends and, at their interstice, models a new way of expressing faith, to which the dramatic form gives a collective dimension. Based on the material and poetical analysis of the manuscripts, this thesis aims to show the dynamics that give life to Mary in theatre and the repercussions of her character on the poetry of the dramatic text, as well as on the communities it engenders
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Pocquet, du Haut-Jussé Tiphaine. "La Mémoire de l’oubli. La tragédie française entre 1629 à 1653." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA135.
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Henri IV met fin aux guerres civiles de religion en 1598 en décrétant la mémoire des troubles « éteinte et assoupie, comme de chose non advenue ». Comment se positionne le théâtre français par rapport à cette politique d’oubli, quel espace mémoriel offre-t-il ? Nous considérons la tragédie qui s’écrit entre 1629, fin officielle des guerres civiles et date de la dernière tragédie d’actualité, et 1653, fin de la Fronde et d’une nouvelle menace de division intérieure. La tragédie semble se détourner d’une actualité trop déchirante, en ce sens elle oublie, mais elle se trouve pourtant travaillée par cet oublié. En partant du plus visible : la mise en scène des princes cléments, nous montrons que cette forme d’oubli officiel et volontaire est très représentée sur la scène tragique. Mais l’oublié est aussi ce qui travaille les tragédies dans la représentation qu’elles offrent du conflit familial qui fournit bon nombre des sujets tragiques du temps. La tragédie fait donc affleurer le présent du passé, la mémoire de la division, par le détour allégorique. À un théâtre mélancolique où le passé pèse sur le présent de tout son poids s’oppose un théâtre de relance historique dans lequel peut s’ouvrir un avenir nouveau. Enfin, l’oubli apparaît dans ces années de théorisation dramatique comme un idéal pour le spectateur absorbé dans le spectacle, et comme une menace quand il conduit à l’oubli de soi chez certains comédiens ou spectateurs naïfs. L’oubli, dans son équivocité fondamentale, permet donc d’articuler théorie politique, dramatique et images scéniques, dans un premier dix-septième siècle où l’on ne cesse de penser la violence qui menace le lien et la communauté au risque de la divisionHenry the 4th ends the religious civil wars in 1598 by ordaining that the remembrance of troubles is « extinguished and abated, like something that did not occur ». How does French drama stand in relation with this politics of oblivion ? What kind of memorial space does it open ? We consider tragedies written between 1629, official end of the troubles and date of publication of the last usual times tragedy, and 1653, end of a new internal division threat embodied by the Fronde. In appearance, tragedy seems to forget a harrowing recent past by turning away from it, but it is simultaneously deeply influenced by what has been forgotten. By starting with what is most visible, the staging of merciful princes, we demonstrate that this official and voluntary oblivion is very much represented on the tragic stage. But forgetfulness is also influencing tragedies in their displaying of family feuds, a frequent tragic topic of these times. Tragedy thus makes surface the present of the past, the memory of division, through allegoric detours. A double-face drama emerges : one of melancholy in which past weighs on present, one of historical reset with an ouverture for renascent prospects. Last, in these years of dramatic theorization, forgetfulness appears to be, for a spectator absorbed by the play, an ideal, as well as it can drag the most naive of them and some comedians into forgetting about their selves in denial of reality and confusion with fiction. The fundamental ambiguity of forgetfulness enables to articulate political theory, drama and staging, in a 17th century where violence is thought to threaten the community with division