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Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre (genre littéraire) – France – 17e siècle'
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Teulade, Anne. "Le théâtre hagiographique en France et en Espagne au dix-septième siècle : essai de poétique comparée." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040179.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une étude comparative du théâtre hagiographique français et espagnol du dix-septième siècle. Dans une première partie, nous abordons les enjeux théoriques soulevés par les deux genres : l'examen des terminologies génériques, des lieux de représentation des œuvres et des discours des contemporains (théoriciens et dramaturges), nous permet de dégager les contours d'un théâtre travaillé par l'hybridité. L'association d'une vie de saint et d'une forme théâtrale apparaît contradictoire dans les deux pays. La deuxième partie présente une étude dramaturgique des œuvres ; elle montre comment les auteurs ont contourné les difficultés inhérentes à la tentative d'inscrire le saint, personnage sans passions, dans une intrigue dramatique. Les pièces peuvent être articulées autour d'un conflit entre le saint et son entourage, d'une conversion du héros lui-même, ou enfin d'une succession d'aventures qui transforment le saint en héros épique. Cette partie montre que ce théâtre emprunte de nombreux traits à la dramaturgie profane, et que les formes adoptées par les Français et les Espagnols sont moins antinomiques que les différences essentielles entre les esthétiques française et espagnole de l'époque auraient pu le suggérer. Enfin, la troisième partie s'intéresse au spectacle de la sainteté. Elle étudie comment les dramaturges se sont efforcés de faire du saint, personnage intériorisé et peu spectaculaire, un acteur qui se produit sous les yeux des autres personnages. Il ressort de cette dernière partie que ce héros spécifique, qui ne peut, de par sa perfection, susciter la crainte et la pitié préconisées par Aristote, a, en France comme en Espagne, permis d'écrire des œuvres où l'effet esthétique dominant est l'admiration. Ces œuvres singulières qui adoptent un héros peu habituel au théâtre reposent donc sur une poétique originale, que nous nous attachons à dégager<br>This dissertation presents a comparative study of the French and Spanish seventeenth century hagiographic drama. The first part is devoted to the theoretical problems raised by the two genres : a study of the generic terminologies, of the places where the plays were staged, and of the way their contemporaries (theorists and playwrights) considered them thus allows us to draw the outline of an essentially hybrid theatre. Indeed, in the two countries, it seems contradictory to associate a saint's life and a theatrical form. The second part presents a dramatic analysis of the plays. We show how the authors managed to integrate the figure of the saint in a real dramatic plot despite his passionless nature. The structures of the dramas rely on a conflict between the saint and his circle, on a conversion of the hero himself, or on a series of adventures through which the saint becomes an epic hero. This part reveals that the theatrical forms created by the French and the Spanish authors are less divergent than the traditional opposition between Spanish and French aesthetics of this period suggests. Finally, the third part deals with the spectacle of saintliness. We study how the playwrights succeeded in transforming the inward and unspectacular character of the saint into a living spectacle before the other characters' eyes. Being a perfect character, this specific hero cannot arouse the fear and pity Aristotle described and generates instead works in which admiration is the prominent aesthetic effect. These works thus rely on specific poetics which this dissertation attempts to define
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Douguet, Marc. "La composition dramatique : La liaison des scènes dans le théâtre français du XVIIe siècle." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080114/document.
Full textAbstract:
Au XVIIe siècle, la composition dramatique (c’est-à-dire l’art de faire se rencontrer les personnages sur le plateau en un certain ordre pour raconter une histoire) est révolutionnée, aux alentours de 1640, par l’instauration de la règle de la liaison des scènes, qui prescrit que, à l’intérieur d’un acte, un personnage au moins soit commun à deux scènes successives. Cette règle a totalement et durablement changé l’aspect des pièces de théâtre en imposant une esthétique de la continuité qui rompt avec la discontinuité qui prévalait jusqu’alors. Dans les pièces du début du siècle, l’action progressait par la juxtaposition de scènes qui présentaient chacune des personnages différents, permettant ainsi au dramaturge d’introduire de brusques changements dans les lieux, les temps et les situations. Au contraire, les pièces qui respectent la règle de la liaison des scènes ne peuvent plus compter que sur les entractes pour renouveler complètement les personnages présents sur le plateau : à l’intérieur des actes, l’action doit évoluer par glissements successifs, chaque scène conservant une partie des paramètres de la scène précédente. En mettant en lumière les choix auxquels le dramaturge est confronté, la différence entre ces deux esthétiques témoigne de l’importance de la composition dramatique : écrire une pièce, ce n’est pas seulement imaginer une intrigue, mais aussi lui donner une forme visuelle et spécifiquement théâtrale. Ce travail s’intéresse donc à la fois aux enjeux propres à la liaison des scènes, et, plus généralement, à la poétique de la disposition des scènes et au « montage » dramatique auquel le dramaturge se livre pour donner corps à la fiction<br>In the seventeenth century, dramatic composition, that is, the art of introducing characters on stage in a specific order to relate a story, was revolutionized in the period around 1640 by the establishment of the rule for linking scenes. This new rule decreed that within one act, at least one a character must appear in the two successive scenes. This rule completely changed the aspect of plays in the long term. It imposed an aesthetics of continuity that broke with the discontinuity that had prevailed up until then. In plays from the beginning of the century, action progressed by the juxtaposition of scenes that each presented different characters, thus permitting the playwright to introduce abrupt changes in place, time, and situation. On the contrary, the plays that respect the rule of connection between scenes can no longer count on the intermission alone to renew completely the characters present on stage. Within each act, the action must evolve by successive shifts in meaning, each scene conserving a part of the parameters of the preceding scene. By shedding light on the choices the playwright confronts, the difference between these two aesthetics bares witness to the importance of dramatic composition: writing a play is not simply imagining a plot, but rather giving it a visual form and specifically a theatrical one. This dissertation thesis, then, is interested in both the stakes of the rule for linking scenes itself, and more generally, in the poetics of the positioning of scenes, and in dramatic “editing” with which the playwright engages in order to give body to fiction
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Goursolas, Marie-Hélène. "« La société des idolâtres ». L’idolâtrie dans la polémique contre le théâtre en France et en Angleterre, XVIe-XVIIe siècles." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL108.
Full textAbstract:
Cette thèse rend compte du sens et de la portée de l’idolâtrie dans la polémique contre la scène au XVIe et au XVIIe siècles en France et en Angleterre. Parce que les condamnations des premiers Pères de l’Église visaient des spectacles étroitement liés au culte païen, l’argument de l’idolâtrie est discuté dans les débats sur le statut de ces autorités dans la controverse moderne. Il questionne l’évolution de la Comédie et la possibilité de sa « conversion » au christianisme. L’idolâtrie soutient aussi l’assimilation du théâtre à une « Église du diable », car elle a été comprise comme un dévoiement du culte divin à son profit. Elle fait écho aux controverses religieuses du temps : l’amalgame puritain ou calviniste entre théâtre et papisme, tout comme la condamnation augustinienne des passions, trouvent dans l’idée d’idolâtrie un motif rhétorique signifiant. Articulant l’analyse de discours et l’histoire des idées, cette étude suit les ramifications d’un grief qui combine la disqualification platonicienne de l’illusion et la condamnation biblique de la vanité. Elle illustre la propension de la polémique à réorienter les arguments qu’elle semble répéter. L’examen de pièces qui mettent en scène l’idolâtrie (amoureuse ou religieuse) montre aussi l’intérêt dramaturgique de ce thème, par lequel le théâtre répond parfois aux attaques qui lui sont faites<br>This thesis considers the meaning and scope of idolatry in the french and english polemics against the stage in the 16th and 17th centuries. Because the condemnations of the early Church Fathers were aimed at spectacles closely related to pagan worship, the argument of idolatry is discussed in debates on the status of these authorities in the modern controversy. It questions the evolution of the stage and the possibility of its "conversion" to Christianity. Idolatry also supports the assimilation of the theatre to a "devil's church", as it has been understood as a deviation of divine worship to its benefit. It echoes the religious controversies of the time: the Puritan or Calvinist association of theatre and papism, as well as the Augustinian condemnation of passions, find in the idea of idolatry a significant rhetorical motif. Articulating discourse analysis and the history of ideas, this study follows the ramifications of a grievance that combines the Platonic disqualification of illusion with the Biblical condemnation of vanity. It illustrates the propensity of polemics to redirect arguments that it seems to repeat. An examination of plays that stage idolatry (whether amorous or religious) also shows the dramatic interest of this theme, whereby theatre can face the attacks launched toward it
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Verdier, Anne. "Poétique de l'habit de théâtre en France (1606-1680) : contribution à l'histoire du vêtement." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100045.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d'apporter une contribution à l'histoire du vêtement et à l'histoire du théâtre, en prenant comme objet d'étude un vêtement particulier,le costume de théâtre porté sur les scènes de la ville au XVIIe siècle, afin d'en établir la spécificité. Elle rappelle d'abord le contexte de la société des apparences qui a ses vêtements spécifiques dont le port est codifié et réglementé par la loi. Cette conception générale du vêtement sert de cadre pour appréhender plus spécialement la question du costume de théâtre et celle de sa mise en concurrence avec le vêtement social. L'étude s'organise ensuite autour de trois axes et la méthode se veut résolument transversale. .<br>This dissertation purports to contribute to the history of dress and the history of drama by examining a particular type of dress, i. E. , that worn on the urban stage in the 17th century, in order to establish its specificity. The first section of the dissertation will address the context of a society based on appearances, and characterized by specific dress will serve as the conceptual framework within which to focus more specifically on the question of the theatrical costume, and on that of its competing with the social costume. .
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Chaouche, Sabine. "L'actio dramatique dans l'ancien théâtre français (1629-1680) [déclaration et gestuelle du comédien]." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040031.
Full textAbstract:
L'art dramatique est, comme la rhétorique, un art de la parole au XVIIème siècle. L' « actio », partie essentielle de la rhétorique, désigne la gestuelle et la prononciation de toute personne parlant en public. Entre 1629 (date de l'installation de deux troupes à Paris) et 1680 (date de la fusion des troupes et de la création de la Comédie française), l'actio du comédien, qui s'inspirait des règles générales de l'actio oratoire comme le prouve le traité du comédien Poisson, se structure et, progressivement, devient proprement « dramatique » grâce à l'invention d'effets « théâtraux » et de « jeux » de scène, véritable libération du geste voulue par Molière. Les années 1660 sont des années de reformes : Molière entame une rénovation et un allègement de la diction comique, et racine invente la déclamation « chantante », grâce à un usage spécifique de la ponctuation, conçue comme une signalétique des intonations de la voix. Cette affirmation et cette autonomisation de l'actio, ainsi que ces reformes engagées par les auteurs, ouvriront la voie à une théorisation du jeu du comédien au siècle suivant.
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Mongenot, Christine. ""Conversations" et "Proverbes" : le théâtre de Madame de Maintenon ou la naissance du théâtre d'éducation." Paris 12, 2006. http://www.theses.fr/2006PA120065.
Full textAbstract:
Mme de Maintenon compose entre 1686 et 1719 deux séries de saynètes éducatives respectivement intitulées "Conversations" et "Proverbes". Initialement destinés aux Demoiselles de Saint-Cyr et donc à un public aristocratique, ces dialogues dramatiques ont pour but la formation morale des pensionnaires mais constituent aussi un exercice pratique de civilité. Un nouveau genre est ainsi créé qui connaîtra au XVIIIe siècle une fortune certaine : celui du théâtre d’éducation. S’inspirant de genres littéraires préexistants, eux-mêmes issus de la sociabilité mondaine pratiquée dans la seconde moitié du XVIIe siècle, le théâtre maintenonien s’approprie ces formes mais les adapte à des fins pédagogiques : il fait de l’enfant à la fois son principal personnage et son destinataire privilégié<br>Between 1686 and 1719, Madame de Maintenon composed two series of short aducational plays entitled respectively "Conversations" and "Proverbs". Initially written for the Demoiselles of Saint-Cyr, i. E. , for an aristocratic public, these dramatic dialogues were conceived for the moral education of female boarding school students. Eventually, they were also used as practical exercises to improve politeness. A new literary style is thus created, the educational theatre, greatly followed in the next century. This type of plays issued from pre-existing literary forms, were inspired by civility used in the polite upper class society during the second part of the seventeenth century. The Maintenonian theatre play appropriates these models and adapts them to its pedagogical project : it institutes the child as its main character and as its privileged addressee
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Jaëcklé-Plunian, Claude. "L'historiographie du théâtre au XVIIIe siècle : la venue du théâtre à l'histoire." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030091.
Full textAbstract:
L'historiographie du théâtre du XVIIIe siècle en France s'ouvre sur une série d'ouvrages ecclésiastiques qui font de l'histoire un instrument contre la danse et la comédie avec en réplique des apologies. À partir de 1730 paraissent plusieurs histoires du théâtre. Leurs auteurs, Brumoy, Riccoboni, Maupoint, Parfaict, Beauchamps, qui ne sont pas des savants, mais sont liés avec " la profession ", se livrent à des recherches dans des bibliothèques publiques ou privées, exploitant les collections de riches amateurs ou faisant appel, par l'intermédiaire des journaux, à l'érudition des particuliers. Fontenelle avait ouvert la voie avec l'Histoire du théâtre françois, qui sert de guide pour ses sources, son plan, son style ; et surtout sa lecture intelligente du passé rompait le fil des publications pour ou contre la comédie. Fort de ce précédent, nos historiens organisent leur matière selon des modèles connus : les bibliographies de la Renaissance leur fournissent le moule de leurs listes d'auteurs et de pièces. Ils publient des inédits, des extraits, des analyses. Ils font l'histoire de tous les spectacles. L'histoire du théâtre offre un espace neuf où peut s'attacher la réflexion sur la relativité des cultures par rapport aux valeurs morales et religieuses dominantes. Les dissertations des académiciens accompagnent ce mouvement. Leurs épigones sont journalistes, encyclopédistes ou " bohèmes littéraires " et multiplient les publications d'almanachs, dictionnaires : ils font la chronique de l'histoire de leur temps, amassant des matériaux qu'ils laissent aux générations suivantes le soin d'arrranger ; sollicités par les misomimes, ils mettent leur énergie dans la réforme du théâtre, utopie qui les absorbe et dans laquelle ils déploient une ingéniosité parfois ahurissante. Ils se nomment Mouhy, Du Coudray, Rétif ou Nougaret. Le siècle écoulé, Suard revient à l'Histoire du théâtre français de Fontenelle, introduisant Sainte-Beuve<br>The 18th century historiography of French theatre opens with a series of ecclesiastical works which make this history an instrument against dance and theatre, though there are some sharp retorts. Beginning in 1730 several theatre histories appear. Authors such as Brumoy, Riccoboni, Maupoint and Beauchamps, who are mainly not scholars but often have ties to professionnal theatre, engage in research in both public and private libraries, using collections of wealthy theatre lovers as well as the medium of press and the erudition of private individuals. Fontenelle had opened the door with his History of French Theatre which served as a beacon for its sources, framework, literary style and above all his intelligent reading of the past, whitch ruptured the thread of those publications that were either for or against the theatre. Empowered, our historians organize their material according to known models : Renaissance bibliographies give them the matrix for lists of authors of plays. Previously unseen original material as well as extracts and analyses are published. They create a virtual history of drama and theatre. This history offers them a new space where they can reflect on cultural relevance regarding the relationship of dominant moral and religious values. The essays of academicians accompany this mouvement. Their disciples are journalists, encyclopaedists or 'literay bohemians'. Publications of almanachs and dictionaries which chronicle the history of the times multiply, amassing materiel that will be left to succeeding generations to sort out. Solicited by the misomimes, they invest their energy in reforming a theatre which for them is an engrossing utopia , a place where they sometimes display astonishing ingenuity. They are called Mouhy, Du Coudray, Rétif or Nougaret. With the passing of the century, Suard returns to Fontenelle's History of French Theatre, paving the way for Sainte-Beuve
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Louvat-Molozay, Bénédicte. "Poétique de l'introduction musicale : le statut de la musique dans le théâtre français entre 1550 et 1680." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040400.
Full textAbstract:
La thèse propose d'articuler une réflexion théorique sur le statut de la musique dans le théâtre français et une étude des pratiques d'insertions musicales au théâtre depuis la renaissance jusqu'à la création de la Comédie-Française. Parce qu'elle ressortit au théâtre comme spectacle et qu'elle intéresse tous les genres dramatiques, la question musicale fait l'objet d'une marginalisation chez les théoriciens. Aussi le deuxième volet de l'étude est-il dévolu à la constitution d'une poétique de l'introduction musicale pensée en fonction d'une poétique des genres dramatiques : à la Renaissance et pendant le premier tiers du XVIIe siècle, la présence de la musique dans la tragédie humaniste, le théâtre protestant et la pastorale dramatique a partie liée avec la conception d'un théâtre lyrique, qui postule une forme d'union entre le théâtre et la poésie. A partir des années 1630, la musique est soumise aux exigences de l'action. La deuxième moitié du XVIIe siècle est alors marquée par une réflexion sur les conditions de possibilité d'un théâtre en musique, et par une résistance au modèle italien : face à lui, la tragédie à machines et la comédie-ballet font valoir un modèle de spectacle total à la française, où l'alternance est privilégiée par rapport à la simultanéité. La pastorale dramatique évolue pour sa part vers la pastorale-opéra, quand le théâtre religieux et la comédie restent fidèles à la formule du théâtre avec musique<br>This dissertation aims at articulating a theoretical reflection on the status of music in French theatre with an analysis of the practices of musical insertion in drama from the renaissance to the creation of the Comédie-Francaise. Because it depends on the definition of theatre as a spectacle and concerns all dramatic genres, the question of music is marginalized by the theoreticians. The second part of this study propounds therefore a poetics of musical introduction in relation to a poetics of the dramatic genres : in the renaissance and throughout the first third of the seventeenth century, the presence of music in humanist tragedies, protestant drama and dramatic pastorals is linked to the conception of a lyrical theatre, which postulates a kind of union between theatre and poetry. From the 1630s, music is submitted to the requirements of action. The second half of the seventeenth century is then characterized by a reflection on the conditions of possibility for a theatre in music to exist, and by a resistance to the Italian model: against it, the “tragédie à machines” and the “comédie-ballet” offer a model of total spectacle, which favors alternation over simultaneity. The dramatic pastoral evolves towards an operatic pastoral, while sacred drama and the comedy remain faithful to the pattern of theatre with music
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Guillot, Catherine. "Histoire et poétique de l'image du théâtre en France (1600-1651) : contribution à l'histoire de l'illustration." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030155.
Full textAbstract:
Cette étude effectuée au sein de l'édition illustrée de la première moitié du XVIIème siècle montre combien les images sont le produit de nombreux facteurs susceptibles d'analyses multiples. L'édition illustrée croise plusieurs champs de force : littéraire, éditorial, politique, artistique. L'injonction première donnée par Horace dans l'Ut pictura poesis rend l'image complémentaire de l'écrit à tous les niveaux : interne et iconotextuel du frontispice, externe dans sa relation avec les éléments liminaires ou dans son rapport au texte dramatique qu'elle illustre dans un sens littéral et allégorique, visant l'édification du lecteur. Il existe en fait autant de rapports entre la peinture et la poésie (Ut pictura poesis) qu'entre la peinture et le théâtre (Ut pictura theatrum). Le parallèle s'effectue de trois façons : métaphorique (mode comparatif), esthétique (réflexions croisées entre la dramaturgie et la peinture), scénique (la scénographie s'appuie sur le modèle pictural)<br>This study realized during the era of illustrated editing in the 17th century examines how images are the product of a number of factors suseptible to multitude of analysis. This illustrated editing crosses several fields of expertise : literary, editorial, political, artistical. The first idea given by Horace in the Ut pictura poesis enables the image to become complementary to the written material at every level : internally with the icon context of the frontispiece, externally in relation to the introductory elements or, in its link to the dramatical text that it represents, in a litteral and allegorical level that aims for the uplifting enlightenment of the reader. There exists as intimate a connection between painting and poetry (Ut pictura poesis) as there is between painting and drama (Ut pictura theatrum). The parallism is made is three ways : metaphoric (comparative mode), esthetical (crossed thoughts between drama and painting) and scenic (scenography based on pictoral models)
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Di, Profio Alessandro. "L'opera buffa à Paris : le cas du Théâtre de Monsieur et du Théâtre Feydeau (1789-1792)." Tours, 1999. http://www.theses.fr/1999TOUR2022.
Full textAbstract:
Le 26 janvier 1789, un nouveau théâtre ouvrit ses portes à Paris. Cet établissement était placé sous la protection de Monsieur, comte de Provence, futur Louis XVIII. Le Théâtre de Monsieur, rebaptisé Théâtre Feydeau en 1791, permit la réalisation d'un ancien projet que la cour, en particulier la reine Marie-Antoinette, encourageait depuis quelques années, à savoir l'implantation à Paris d'un théâtre avec une troupe stable de chanteurs italiens. Paris pouvait ainsi récupérer un long retard puisque le système de privilèges voulu par Louis XIV et par son ministre Mazarin avait écarté de la France, à la différence des autres pays d'Europe, une véritable production d'opéras italiens. Cette thèse a comme objectif principal l'étude du corpus d'opéras italiens produits dans ce théâtre. De janvier1789 à aout 1792, trente-quatre opéras furent représentés sur cette scène, dans des versions souvent profondément remaniées de l'original. Le but de cette thèse a été double : d'une part reconstituer l'histoire de ce théâtre, les différentes tentatives d'implantation à Paris d'un théâtre italien, les enjeux politiques et culturels, et d'autre part étudier en quoi les profondes différences entre les poétiques française et italienne conditionnèrent le choix du répertoire et l'adaptation des œuvres pour la scène parisienne. Comparé aux théâtres de grandes cours européennes, le Théâtre de Monsieur était un théâtre atypique : on n'y représenta que des opéras de répertoire et de genre buffo, alors que l'activité des autres grands théâtres italiens s'étendait aux créations et au genre serio. Ces deux restrictions du théâtre italien de Paris renvoient à des considérations d'ordre esthétique. Le corpus de partitions et de livrets examinés a permis d'évaluer l'ensemble des opéras produits. La structure exacte des opéras, habituellement remaniés à Paris, a pu être établie. Ces recherches m'ont permis de découvrir un certain nombre de morceaux de musique composés à Paris, ignorés par les principaux catalogues. Cette thèse a notamment reconstitué le corpus de morceaux composés par Cherubini.
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Blocker, Déborah. "Usages de la comédie : utilités et plaisirs de la représentation théâtrale dans la France du premier XVIIe siècle (1630-1660)." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030152.
Full textAbstract:
La définition des utilités du théâtre prélude constamment, dans les récits de poétique du premier XVIIe siècle français, à l'explicitation des conventions propres aux différents genres de la poésie dramatique. Le théâtre est ainsi défini au travers de ses fonctions dans la vie sociale et politique. Cette enquête s'interroge sur les origines et les enjeux historiques d'une telle conception de la politique du théâtre. Elle montre dans un premier temps comment les textes de poétique produits dans l'entourage du Cardinal de Richelieu, mais aussi les nouvelles formes prises par le théâtre de cour ou encore les tentatives de légiférer sur le statut juridique des comédiens participent d'une tentative de rationalisation politique de la pratique du théâtre. Elle s'attache ensuite à examiner les mises en oeuvre des différentes utilités alors attribuées au théâtre. .<br>In the critical writings on theater produced in seventeenth century France, the definition of the social and political functions of theater constantly prefaces the description of the theatrical means through which these ends could be met. Theater is thus defined first and foremost through its social and political instrumentality. This study investigates the origins and historical significance of such a conception of theater. It first underlines that Cardinal Richelieu's encouragement of the production of theoretical writings on theater, but also his efforts to produce a new court theater and his attempt to create new regulations concerning the legal status of professional comedians can all be undestood as endeavors to achieve a political rationalization of the practice of theater. This study then proceeds to examine if and how the different functions then assigned to theater where effectively achieved. .
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Marque, Nathalie-Gabrielle. "Étude et édition critique du theâtre de Fatouville (1681-1687)." Bordeaux 3, 2007. http://www.theses.fr/2007BOR30011.
Full textAbstract:
Anne Mauduit de Fatouville, Conseiller à la Cour des Aides de Rouen, écrit des scènes puis des pièces complètes pour les Comédiens Italiens à la fin du XVII° siècle à Paris. Premier fournisseur de scènes françaises pour la troupe du Grand Arlequin, il occupe à ce titre une place clé dans l’histoire de la Commedia dell’arte en France. L’introduction générale cherche à faire émerger les spécificités de ce théâtre et son évolution afin de mieux comprendre comment il charme le public de l’époque. S’attachant aux éléments de la représentation et à la langue, elle tente ainsi de faire revivre ce théâtre « fin de siècle » qui est le reflet d’un monde, un instantané du quotidien de l’époque avec ses singularités qui sont autant d’ingrédients propices au rire. Outre le travail propre à l’édition critique, chacune des comédies éditée est précédée d’une présentation qui met en valeur ses caractéristiques. Les pièces éditées constituent un ensemble étroit lié à l’interprétation d’Arlequin par Dominique Biancolleli. Elles concernent donc la période de 1680 à 1687. Les premières sont très lacunaires, nombre de scènes étant jouées en italien, mais fort emblématiques de ce que pouvait être un spectacle à l’Hôtel de Bourgogne. Arlequin Mercure galant (1681) fait appel au mythologique tandis que La Matrone d’Ephèse (1682) connut un grand succès en raison de sa satire du monde du droit. On apprécie la mise en scène d’Arlequin lingère du Palais (1682), le sel d’Arlequin Protée (1683), le monde imaginaire d’Arlequin Empereur dans la lune (1684), l’aspect parodique et les machineries d’Arlequin Jason ou la toison d’or comique (1684), le réalisme d’Arlequin Chevalier du Soleil (1685). Colombine avocat pour et contre (1685), la plus achevée, donne lieu au fameux lazzi d’épouvante de Scaramouche. Enfin, nous ne possédons que peu de scènes d’Isabelle Médecin (1685) qui témoigne de l’émergence de la figure féminine et de l’intérêt porté aux sentiments<br>Anne Mauduit de Fatouville, a Counsellor of the Cour des Aides de Rouen, first wrote scenes and then full plays for the Italian Comedy at the end of the seventeenth century in Paris. Since he was the very first to provide the Great Arlequin’s Company with scenes in French, he played a major part in the story of the Commedia dell’arte in France. The main introduction tries to make the specificities and the evolution of this theatre stand out in order to understand how it succeeded in charming the audience of that time better. While analysing the components of the performances and the language, it endeavours to bring this fin de siècle theatre back to life- a theatre which mirrors a world, a snapshot of daily life at that time with all its specificities which are so many ingredients fostering laughter. Not only has each published comedy got its critical edition, but it is also preceded by a presentation that brings its characteristics to light. The published plays make up a whole thanks to Dominique Biancolleli’s outstanding performance of Arlequin. Thus the plays deal with the period between 1680 and 1687. Despite the fact that the first plays are very much incomplete due to a great amount of scenes played in the Italian language, it nevertheless brings out how could be a performance at the Hotel de Bourgogne. Arlequin Mercure Galant (1681) resorts very much to mythology while La Matrone d’Ephese (1682) met with success thanks to its bitter satire of legal matters. We take delight in the production of Arlequin lingère du Palais (1682), in the satirical tone of Arlequin Protée (1683), in the wonderland of Arlequin Empereur dans la lune (1684), in the parodical style and the machinery of Arlequin Jason ou la toison d’or comique (1684), and in the realistic tone of Arlequin Chevalier du Soleil (1685). Colombine avocat pour et contre (1685), which is the most complete play, stages Scaramouche’s famous scaring lazzi. Finally, we have only but few scenes of Isabelle Médecin (1685) which testifies to the increasing importance of the feminine character and to the interest in feelings
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Février, Jean. "Le théâtre en breton vannetais aux XVIIIeme et XIXeme siècles d'après les manuscrits de Vannes et Keranna." Rennes 2, 1994. http://www.theses.fr/1994REN20031.
Full textAbstract:
Le but de cette thèse est d'étudier les tragédies qui furent composées en breton dans le dialecte de Vannes au XVIIIeme siècle et qui furent jouées avec succès dans une partie du Morbihan jusqu'au milieu du XIXeme siècle. Une premier partie relate la situation économique et sociale du milieu dans lequel s'est développée cette forme d'expression de la culture populaire : une société rurale assez fermée en raison de la particularité du dialecte et fortement encadrée par le clergé catholique. Puis sont explicites le caractère religieux, la finalité et les sources des oeuvres, leur importance comparée à la littérature contemporaine dans le même dialecte, leur mode de propagation, la personnalité des copistes des manuscrits, les lieux et les modalités des représentations et les raisons du déclin de ce théâtre. Dans une seconde partie sont analysées les 19 tragédies connues, leurs sources, quelques modèles français, les variantes, les particularités de la langue des manuscrits. Enfin, en annexe à cette étude : la reproduction du texte manuscrit de deux tragédies significatives ("le martyre de Ste julienne" et "l'enfant prodigue"); en regard, leur transcription en orthographe "unifiée" et des notes explicatives. Un résumé en français est joint à la thèse rédigée en breton. (30p)<br>The aim of this thesis is the study of the tragedies that were composed in Breton, in the Vannes dialect, in the eighteenth century and that were played successfully in a part of Morbihan until the middle of the nineteenth century. A first part deals with the economical and social situation of the environment during that period : this expression of popular culture developed in a rural society which was rather closed up on account of its particular dialect and which was strictly controlled by the catholic clergy. Then, the religious nature, the aims and the sources of the plays are explained as well as their importance compared with the contemporary literature written in the same dialect, the way they were spread, the personality of the people who copied the manuscripts, the places and the conditions of the performances, and finally the reasons why this theater declined. A second part analyses the nineteen well-known tragedies, their sources, some French models, the variantes, the particularities of the language in the manuscripts. Finally, annexed to this study, the reproduction of the manuscript texts of two significant tragedies will be found : "st Juliana’s martyrdom" and "the prodigal son" and, facing the texts, their transcription into "unified" spelling with some explanations. A summary in French is added to the thesis written in Breton
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Giannouli, Angeliki. "La Grèce antique sur la scène française dans la première moitié du XIXe siècle." Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA082834.
Full textAbstract:
Cette étude cherche à mettre en lumière l’image de la Grèce antique telle que la scène française l’a donnée à voir dans la première moitié du XIXe siècle entre 1797-1873. Une analyse d’ordre historique et dramaturgique sollicitant une centaine de pièces tente de montrer comment se construit peu à peu hors de la doctrine de l’imitation propre aux classiques une réinterprétation et une remise en cause des héros de l’Antiquité grecque et des thèmes puisés dans la mythologie. Le regroupement des spectacles, par genres dramatiques et par cycles mythologiques, qu’ils soient joués à l’Opéra, à l’Odéon, à la Comédie-Française ou sur les théâtres populaires, éclaire en révélant les changements de mentalité, les procédures et la portée esthétique, et parfois politique, de ce renouveau d’intérêt pour la Grèce. Des dernières imitations des tragédies aux premières mises en scène des auteurs de l’Antiquité grecque, en passant par les intrigues remodelées des drames, des comédies, des vaudevilles dans lesquelles les romantiques eurent parfois la meilleur part, la thèse suit les variations et les nouvelles exigences de la scène et des écritures théâtrales<br>This study aims at enlightening the image of ancient Greece the way the French scene represented it during the first half of the 19th century, between 1797 ant 1873. A historical and dramaturgic analysis handling with a hundred of plays attempts to demonstrate how a reinterpretation and a reappraisal of the antique Greek hero and topics drawn out of mythology are gradually structured, besides the doctrine of the French classical theater's imitation. The grouping of performances by dramatic genders and mythological cycles having been given at the Opera, the Odeon, the Comédie Française or even on popular stages throws light on this renewal of interest in Greece by revealing changes in mentality, procedures, esthetic aspect and yet in politics. Back from the last imitations of tragedies to the first theatrical productions of ancient Greek authors, going through restructured plot of dramas, comedies and vaudevilles, in which the romantics often got the best part, the thesis follows the variations and the new requests of the stage and the theatrical writing
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Déléris, Alban. "La France au miroir de l'Angleterre : poétiques de l'hybridation dans le théâtre français (1590-1640)." Thesis, Montpellier 3, 2015. http://www.theses.fr/2015MON30027.
Full textAbstract:
La France entretient avec son voisin anglais, entre le milieu du XVIe siècle et le début des années 1640, deséchanges constants, tant d’un point de vue politique que culturel. Malgré les troubles religieux et les guerres qui agitentl’Europe occidentale durant cette période, en dépit également des barrières linguistiques, un grand nombre devoyageurs, de diplomates, d’intellectuels et d’écrivains n’hésitent pas à traverser les frontières. Ces passeurs quittent laFrance pour se rendre de l’autre côté de la Manche : ils y apprennent éventuellement la langue anglaise, effectuent desmissions diverses et surtout ils se font les acteurs de la relation culturelle entre les deux pays. Imprimés et traductions detextes religieux, scientifiques ou littéraires, mais aussi troupes théâtrales circulent ainsi de l’Angleterre vers la France,empruntant parfois des détours inattendus. L’étude s’attache dans un premier temps à passer en revue ces différentstypes de contacts et de transferts culturels, en particulier en ce qui concerne l’influence de la littérature anglaise sur lethéâtre français.Cette influence se manifeste par ailleurs à travers des conceptions et des pratiques hybrides du théâtre.Poétiques du mélange, du métissage et de l’hybridation formelle et générique sont caractéristiques du théâtre anglais dela période élisabéthaine et jacobéenne. Des auteurs comme Marlowe, Greene, Shakespeare ou Webster expérimentent eneffet des formules dramatiques qui invitent à reconsidérer et relativiser les catégories poétiques traditionnelles. Si latragédie, la comédie ou la tragi-comédie ne sont pas absentes en tant que dénominations génériques, elles sont lessupports et les instruments de combinaisons et de mélanges multiples et variés. Ce faisant, les différentes modalités dumélange et de l’hybridation dans le théâtre anglais permettent de jeter un regard différent sur la production dramatiqueen France entre la fin du XVIe siècle et le début du XVIIe siècle. En effet, les pièces composées pendant cette périodelongtemps méconnue du théâtre français, attestent d’une hybridité aussi marquée que celle des pièces anglaises, et ellestémoignent de la grande diversité des formes et des genres dramatiques. Ce théâtre, qui ne se conforme pas encore auxcatégories critiques et aux principes dramatiques formulés par les théoriciens et commentateurs d’Aristote, secaractérise par son irrégularité, la porosité de ses catégories génériques et par un souci de s’adapter aux contraintes de lavie théâtrale.L’étude s’attache dans un dernier temps à poser les prémisses d’une analyse plus approfondie des liensorganiques entre le théâtre médiéval et populaire et le théâtre français à l’aube du XVIIe siècle. Ainsi, ce que nousappelons « théâtre monstre », parce qu’il a partie liée avec la figure politique, symbolique et esthétique du monstre etses différentes déclinaisons, nous permet de rapprocher, en France et en Angleterre, des pièces qui se caractérisent parleur a-normalité, leur ludisme et leur métathéâtralité, loin de la tradition aristotélicienne et de ses contraintes. Noussommes amené ainsi à considérer le théâtre français selon sa diversité géographique et linguistique, ainsi que du pointde vue de ses continuités historiques<br>France maintains with its English neighbor, between the mid-sixteenth century and the early 1640’s, constantrelationships, both political and cultural. Despite the religious troubles and the wars shaking the western Europe duringthis period, despite linguistic barriers, many travelers, diplomats, intellectuals and writers cross the frontiers. Thesecultural travelers leave France to go abroad, to the other side of the Channel : they eventually learn the Englishlanguage, carry out various missions and, above all, they become the actors of the cultural relationship between the twocountries.This influence is also evident through conceptions and hybrid practices of theater. Poetics of mixing, of formaland generic hybridizations are characteristic of the English theater during the Elizabethan and Jacobean period. Authorslike Marlowe, Greene, Shakespeare and Webster experiment new dramatic formulas that invite us to reconsider andrelativize the traditional poetic categories. Tragedy, comedy or tragicomedy are not absent as generic designations, butthey are the medias and instruments of combinations, and of multiple and various blends. Thus, the different ways ofmixing and mingling in the English theater make possible a different look at the dramatic production in France duringthe late XVIth and early 17th century. Indeed, the plays written during this long unrecognized period of the Frenchtheater, show a hybridity as marked as in the English plays and they reflect the great diversity of forms and dramaticgenres. This theater, which does not conform to the critical categories and dramatic principles formulated by theoristsand commentators of Aristotle, is characterized by its irregularity, the porosity of its generic categories and by a desireto adapt to the constraints of the theatrical life.Finally, the study focuses on the premises of a more thorough analysis of organic links between the medievaland popular theater and the French theater at the dawn of the 17th century. Thus, what we call « monster theater »,because of its bounds with the political, symbolic and aesthetic figure of the monster and its various configurations,allows us to compare, in France and England, plays that are characterized by their ab-normality, their playful dimensionand their metatheatrality, far away from the Aristotelian tradition and its constraints. In this way, we are led to considerthe French theater according to its geographical and linguistic diversity, but also from the perspective of its historicalcontinuities
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Barbillon, Chrystelle. "Mode narratif, mode dramatique : l’adaptation théâtrale de fiction narrative au XVIIe siècle en France." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040006.
Full textAbstract:
Souvent décriée comme production d’une littérature de seconde main, constamment pratiquée par le théâtre contemporain, l’adaptation, mal définie, négligée par la critique, est rarement théorisée par ceux qui la pratiquent. À partir d’un corpus composé d’une trentaine d’œuvres narratives, allant de L’Astrée d’Honoré d’Urfé (1607-1625) au Dom Carlos de Saint-Réal (1672), et de près de quatre-vingts adaptations, cette étude analyse l’adaptation théâtrale de fiction narrative comme une pratique d’écriture unifiée, que reprend et amende chaque dramaturge. Définissant rigoureusement l’adaptation, ce travail construit, par l’étude des textes et une contextualisation théorique circonstanciée, des outils d’analyse qui identifient et évitent les apories des théories de l’adaptation. Cette grille de lecture rhétorique permet alors de suivre dans ses principaux procédés le geste d’écriture adaptatif, de la sélection de la matière romanesque à la composition puis l’écriture de la pièce de théâtre, jusqu’à son actualisation sur scène : se définit ainsi une poétique de l’adaptation transmodale, qui perturbe le fonctionnement des parties de la rhétorique et met en jeu les potentialités du medium dramatique. Cette pratique, qui confirme ou infirme les genres dramatiques, dans une dynamique tantôt topique, tantôt créatrice, comporte ainsi des enjeux esthétiques. Lieu de circulation et d’invention des formes littéraires, d’un jeu intertextuel complexe dont le miroitement est démultiplié par une réception à plusieurs niveaux, l’adaptation théâtrale exhibe sa littérarité, et mérite une place dans le paysage littéraire français du XVIIe siècle, dont elle restaure l’épaisseur et la richesse<br>Often dismissed as the production of second-hand literature, though constantly used by modern stage directors and playwrights, adaptation has frequently been neglected by critics; barely theorised by those who practice it, it has been approached with an approximate definition. Through the study of thirty novels and short stories − ranging from Honoré d'Urfé's L’Astrée (1607-1625) to Saint-Réal’s Dom Carlos (1672) − and the study of some eighty theatrical adaptations, this work analyses the theatrical adaptation of narrative fictions as a coherent writing practice, which each and every play embodies in a different way. Starting with a clear definition of what theatrical adaptation means, then proceeding with a careful reading of the works and a detailed review of contemporary theories, we build tools to analyse this corpus and avoid the aporias adaptation theories have usually been confronted with. This reading of adaptation, based on rhetorics, enables us to follow the process of adaptative writing step by step through its various techniques − from the selection of material within the novel to the designing and actual writing of the play to its final staging. Thus we define the poetics of a transmodal adaptation, which reinvents the working of rhetorical categories and questions the potentiality of drama as a semiotic medium. Adaptation therefore challenges literary genres − sometimes confirming their topoï, sometimes creating new forms − and thus tackles aesthetics-related issues. Theatrical adaptation appears as a field of literary experimentation and formal innovation, within which intertextual references reverberate and multiply in various levels of reading. Exhibiting its second-hand nature and therefore its literary quality, theatrical adaptation rightly deserves to be read as a major contribution to the French seventeenth-century dramatic literature, to which it gives back its density and richness
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Plagnol-Diéval, Marie-Emmanuelle. "Le théâtre de madame de Genlis." Paris 10, 1987. http://www.theses.fr/1987PA100043.
Full textAbstract:
Madame de Genlis est l'auteur d'un théâtre d'éducation à l'usage des jeunes personnes, aujourd'hui oublie. Ce travail analyse le corpus et dégage des critères pertinents pour des œuvres analogues. Citons parmi ceux-ci la genèse de l'œuvre théâtrale édifiante, la morale, la technique dramaturgique (intrigue, temps et personnage) et l'aptitude à la représentation. Ce théâtre se caractérise par une esthétique néo-classique : il repose sur la morale, l'affrontement inégal du bien et du mal et la répartition des personnages entre vertueux, imparfaits et méchants. La morale laïcise l'enseignement de l'église. Sont loues la tempérance, le courage moral, la charité et critiques l'orgueil, la paresse, les défauts de la parole, l'intrigue et l'affectation de perversité. Le but est de préserver l'harmonie sociale. Cependant, l'adaptation de la morale à la société n'implique pas un témoignage historique objectif, puisque l'idéologie et les mythes genlisiens (comme celui de la famille) se substituent à la peinture des mœurs. La technique dramaturgique résulte également d'un compromis entre le didactisme et les nécessites théâtrales comme le montrent les transformations de l'intrigue et du temps. Le style édifiant crée des formes fixes (scène de morale, exemplum, abstraction morale, sentence et hors-texte). Le personnage est au carrefour de ces tensions, influence par le mode de représentation du théâtre mondain, le schématisme du théâtre édifiant, l'inversion des schémas actanciels traditionnels et la création de nouveaux actants. Toutefois, le théâtre édifiant n'ignore pas la théâtralité : la publicité de la vertu passant par la représentation. Le théâtre de madame de Genlis, dans son unité et son originalité, répond à un vœu moral, social, pédagogique et illustre le passage des lumières à la France des notables<br>Madame de Genlis wrote a theater of education, today forgotten. This work analyses this theater and brings out valuable criterions for other similar works, such as the genesis of the play, the morals, the art of the theater (plot, tempo and characters) and fitness for performance. This theater is based upon a neo-classical aesthetics including morals, unequal struggle between good and evil and breakdown of the characters by the virtuous, the unperfected and the wicked. Morals secularize religious ethics. Temperance, moral strength and charity are praised, while pride, laziness, gossip, intrigue and perversity are criticized. The aim is social harmony. The adaptation of morals to society however does not imply an objective historical testimony, as the genlisian ideology and myths (family for instance) take the place of realism. The art of the theater is consequently a compromise between didactic and dramatic necessities, which explains the metamorphoses of tempo and plot. Edifying style is characterized too by original turns of phrases, for instance moral sketches, abstractions and mottos. Characters are influenced by performances of a theater of society, schematic of edifying theater, reversal of traditional comic characters and creation of new heroes. These works nevertheless care for performance because of the publicity of virtue. Madame de Genlis's theater is characterized by unity and originality; it corresponds to a moral, social and pedagogical expectation: this work shows the transition between the age of enlightenment and the nineteenth century of Louis-Philippe
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Forsans, Ola-Alexandre. "Le théâtre de Lélio : étude du répertoire du Nouveau Théâtre Italien de 1716 à 1729." Paris 4, 2002. https://acces.bibliotheque-diderot.fr/login?url=https://www.liverpooluniversitypress.co.uk/doi/book/10.3828/9780729408820.
Full textAbstract:
Entre 1716 et 1729, les spectacles du répertoire du Nouveau Théâtre Italien, sous la direction de Luigi Riccoboni, ont proposé au public parisien un langage dramatique original et un univers poétique singulier. Fruit d'un métissage culturel franco-italien, point de convergence entre une grande variété de formes et de figures théâtrales, ce nouveau répertoire témoigne néanmoins d'une sensibilité esthétique et spirituelle commune, qui ne se résume pas à la seule œuvre de Marivaux. Fantaisie et nai͏̈veté, romanesque et bouffonneries, jeux de masque et séquences de pure sincérité, allégories moralisatrices et atermoiements du cœur, mélancolie et idées philosophiques s'incarnèrent en Arlequin, Silvia ou Lélio, sur la scène de l'Hôtel de Bourgogne. Notre thèse vise à remettre en lumière un chapitre encore trop méconnu de l'histoire du théâtre français et européen<br>From 1716 to 1729, Luigi Riccoboni (also known as "Lelio") directed the "Nouveau Théâtre Italien" in Paris. His troupe of Italian comedians performed many new plays in French. They gave voice and life to a theatrical language of its own, which blended several theatrical genres. . . Yet the spirit of the repertoire was remarkably homogeneous, to a large extent. Harlequin's simple-minded fantasy allowed him for instance to express some mere philosophical ideas on stage. In Riccoboni's repertoire, the commedia dell'arte traditional buffoonery makes way for a kind of melancholic mood : in search of genuine sincerity, the Lovers turn a blind eye to their real feelings until the happy endings settle the twisted plots. . . Marivaux's recent glory must not overshadow the other authors who once were a part of Lelio's theatre (like Autreau or Delisle). Our work aims to focus on a chapter of French and European theatrical history which indeed deserves a wider recognition
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Hillerin, Alexis de. "Image du roi, image du père dans le théâtre français du XVIIIe siècle (1715-1789)." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040086.
Full textAbstract:
Le lien entre la monarchie absolue et le théâtre semble particulièrement fort sous le règne de Louis XIV. Non seulement ce dernier a demandé aux dramaturges de célébrer sa gloire mais il a également fait de son propre corps un spectacle, une représentation continue sur l’immense scène de Versailles. Ce lien structurel entre le roi et le théâtre correspond à une vision du monde fondée sur l’obéissance à une autorité d’autant plus incontestable qu’elle est d’origine divine. L’art classique dans son ensemble et les genres théâtraux en particulier ont été profondément marqués par cette vision théologique et normative du monde. Il fallait s’interroger sur l’évolution de cette conception à la fois esthétique et politique au siècle des Lumières. Ce dernier pour beaucoup est un siècle de contestation et de révolte. En réalité, la norme classique perdure et avec elle une conception du roi-père qui se démarque lentement du modèle louis-quatorzien. De même, les genres théâtraux ont du mal à échapper à la hiérarchie et aux règles contraignantes imposées par l’esthétique du Grand Siècle. Cependant, les dramaturges du XVIIIe siècle tentent de redéfinir l’autorité politique en l’associant à la sensibilité et à la tendresse incarnées par le père de famille. D’abord confondu avec le roi, le père gagne petit à petit en autonomie jusqu’à devenir le véritable représentant de l’ordre qui doit régner dans les sphères politique, morale et esthétique. Parallèlement, l’image du roi ne se confond plus parfaitement avec celle de la nation : celle-ci prend également conscience de l’existence de son propre corps, mis en scène notamment dans le théâtre national par l’intermédiaire du héros populaire.
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Genton, François. "La découverte du théâtre allemand (1750-1772) : contribution à une étude de la fortune et de l'image de la littérature allemande en France au XVIIIe siècle." Metz, 1988. http://www.theses.fr/1988METZ004L.
Full textAbstract:
Le théâtre de langue allemande a été traduit dès la seconde moitié du 18e siècle, bien avant l'ère romantique. Au départ certains auteurs allemands ont favorisé ce phénomène, dans l'espoir de faire reconnaître leurs efforts à l'échelle internationale et de contraindre les adeptes allemands du "gout français" à se tourner vers leur propre littérature nationale. En France, à l'époque du "cosmopolitisme littéraire", une certaine curiosité pour la "renaissance littéraire" de l'Allemagne remplace le mépris habituel pour les productions artistiques du nord. Le journal étranger (1754-1762) publie plusieurs extraits de pièces allemandes et présente une vision idyllique de l’Allemagne littéraire qu'on oppose au raffinement décadent des moeurs et des arts en France. La "mode allemande" des années 1760 ne fait que renforcer cette vision. Cependant le théâtre allemand devient une source d'inspiration pour certains auteurs français, au point que des 1772 la Comédie-Française représente une tragédie tirée d'une pièce originale allemande. Le théâtre allemand n'a plus a être découvert, c'est désormais une réalité, certes mal connue encore, mais que personne ne peut plus ignorer. Les auteurs allemands ont suivi d'assez près cette évolution, qui leur fait prendre conscience de leur force et de leur position originale a l'échelle internationale<br>German plays were translated in France as early as the second half of the 18th century, i. E. Well before the romantic era. A few German authors originally favored this trend, hoping to gain international recognition for their work, and to force German francophiles to turn toward their own native literature. On the other hand, a certain amount of curiosity on the part of the French for the German "renaissance" gradually substituted for the traditional attitude of contempt of works of art from the north. From 1754 through 1762, the journal etranger published several excerpts from German plays and also offered an idyllic view of literary Germany, as opposed to the refined decadence of French mores and arts. The "German fashion" reinforced this conception in the 1760's; German plays became a source of inspiration for French playwrights. As early as 1772, the comedie francaise staged a tragedy directly drawn from a German play. From that moment on, German theater no longer was something to be discovered, but something to reckon with, however superficial the knowledge one had of it in France. German authors were very attentive to this evolution, which helped them become aware of their own worth an identity on an international basis
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Rico-Osés, Clara. "L'image de l'Espagne en France au XVIIe siècle : les sources musicales éclairées par les témoignages historiques, diplomatiques, littéraires et picturaux (1610-1674)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040133.
Full textAbstract:
Cette étude analyse la présence et l'image de l'Espagne dans la vie culturelle française au XVIIe siècle, particulièrement dans les sources musicales. Des complexes relations entre la France et l'Espagne au cours de ce siècle se dégage une image négative des Espagnols qui est étudiée ici non seulement du point de vue musicologique mais encore dans des analyses interdisciplinaires d'ordre historique, littéraire et artistique. L'étude de l'image anti-espagnole, telle que la dessinent les livrets des ballets de cour de la première moitié du siècle, est étayée par une image semblable dans un corpus de gravures, comme dans la littérature de propagande contemporaine. Les clichés qui la constituent disparaîtront des sources du règne de Louis XIV, notamment à partir de la Paix des Pyrénées (1659). Or, l'Espagne a laissé également son empreinte dans une " mode à l'espagnole " qui est représentée ici par un corpus d'airs de cour en langue espagnole, ainsi que par une présence constante de danses d'origine espagnole, quoique complètement francisées, dans les ballets de cour de Jean-Baptiste Lully. Enfin, on étudiera la présence physique des Espagnols dans les spectacles courtisans français du XVIIe siècle, présence représentée par deux troupes de théâtre espagnoles qui se sont déplacées en France à l'occasion du mariage entre Louis XIV et Marie-Thérèse d'Autriche en 1660<br>This current study analyses the presence and image of Spain in the French cultural life of the 17th century, and in particular, in the musical sources. The complex relationships between France and Spain throughout this century provide a negative perception of the Spanish people, which is studied here not only from a musicological perspective, but also from a multidisciplinary analysis, taking into account historical, literary and artistic sources. The engravings and the propagandistic literature of the first-half of this century support the anti-Spanish image perceived in the librettos of ballets de cour during the same epoch. Such clichés will not be present in the sources of Louis XIV's reign, mainly from 1659 on (Paix des Pyrénées). Nonetheless, Spain left its particular stamp as a " mode à l'espagnole " (Spanish fashion). The phenomenon is here mostly represented by a corpus of Spanish-language airs de cour, as well as by a regular presence of Spanish-origin dances in the ballets de cour of Jean-Baptiste Lully, although fully frenchified. Lastly, the physical presence of Spanish people in the French courtier performances of the 17th century, represented by the Spanish theatre companies that travelled to France on the occasion of the wedding between Louis XIV and Marie-Thérèse d'Autriche in 1660, will be analysed
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Triolaire, Cyril. "Fêtes officielles, théâtres et spectacles de curiosités dans le 11ème arrondissement théâtral impérial pendant le Consulat et l'Empire." Clermont-Ferrand 2, 2008. http://www.theses.fr/2008CLF20009.
Full textAbstract:
Cette enquête propose d'étudier les fêtes officielles, les théâtres et les spectacles de curiosités dans le onzième arrondissement théatral impérial durant le Consulat et l'Empire. Grand amateur de tragédies, assumant les héritages de la Révolution et renouant ouvertement avec les cérémoniaux monarchiques, le premier consul bientôt empereur use d'un art immodéré de la propagande. Fêtes officielles et spectacles sont abondamment sollicités pour mettre en scène le pouvoir, gouverner et surveiller les esprits. Au coeur de l'Empire, cette étude s'intéresse au développement du culte impérial dans les espaces de vie de la majorité des français et aux voies festive et théâtrale qu'il emprunte entre l'an VIII et 1815. Elle tente de saisir les effets de la loi de février 1806 sur l'affermissement de la dévotion napoléonienne et ceux des décrets de juin 1806 et avril 1807 sur la vie théâtrale dans les départements. Cette enquête interroge sur les rapports politiques entre la province et Paris, soulignant les résistances marquées dans l'application du calendrier des fêtes ou le respect de la censure théâtrale. Elle dessine donc une géographie de la diffusion de la culture officielle, mise en relation avec les contraintes économiques et budgétaires, avec les traditions et les opinions locales. Elle reconstruit une sociologie des acteurs principaux des divertissements, étudie les espaces aménagés, rend compte des répertoires et des discours, s'intéresse aux formes de diffusion de la vulgate officielle et essaie d'apprécier leur réception. Ce travail tente ainsi de renouveler l'histoire culturelle du politique et des pratiques culturelles sous le Consulat et l'Empire<br>This study aims analyzing the official festivals, the theatres and the "spectacle de curiosités" in the eleventh theatrical and imperial district uring the Consulate and the First Empire. He was a tragedy lover who took on the legacy of the Revolution and yet who openly revived the monarchic ceremonials, the First Consul resorted immoderately to propaganda. Official festivities and shows were abundantly used so as to stage power, to control and watch people's minds. Inthe heart of the Empire, this study focuses on the way the imperial worship was developed thanks to the festivals, the theatres and the companies between the year VIII and 1815. About strengthening the devotion for Napoleon and those of the decrees voted in June 1806 and April 1807 about the theatrical life in the departments. This work studies the political relations between Paris and the provinces, highlighting people's obvious reluctance to respect the calendar of the festivals or the theatrical censorship. It shows how the official culture was spread connected to the economical and financial constraints and the local traditions and opinions. Is presents e new sociology of the main actors in the festivities. It studies the planned places, the repertoires and the speeches. And it shows how the official messages were transmitted and how they were received by the people : their approval or their objection as well as the dramatic criticisms. This study thus tries to present a new cultural history of the politics and of its cultural practices at the time of the Consulate and of the First Empire
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Pasquier, Pierre. "La Mimesis dans l'esthétique théâtrale française du début de l'âge classique à la fin de la période romantique." Caen, 1987. http://www.theses.fr/1987CAEN1022.
Full text
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Labeille, Veronique. "« Un soir, ils allèrent au théâtre... » Scènes de théâtre dans les romans France-Québec, 1871-1949." Thesis, Lyon 2, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO20060/document.
Full textAbstract:
La scène de théâtre, élément encore inexploré et pourtant clef dans de nombreux romans, questionne les liens entre l’œuvre et le médium enchâssé. À l’aide d’un corpus de romans français et canadiens-français, parus entre 1871 et 1949, cette étude repère les traits récurrents de la scène de théâtre, quels que soient l’époque, l’esthétique ou le lieu d’écriture du romancier. Topos privilégié pour le texte qui opère par ce biais un « retour sur lui-même », les questions de la réflexivité et de la spécularité éclairent ce que peut le théâtre dans le texte. À partir d’une lecture sociocritique, articulant l’art et le social, notre étude de la scène de théâtre couvre à la fois la dimension propre à l’art dramatique et celle inhérente au théâtre envisagé comme outil de classification sociale. Le costume, le corps des artistes, les lumières, ainsi que les espaces théâtraux, les types de public et la mondanité à l’œuvre dans la salle sont, entre autres, autant de facettes que notre analyse met au jour. Le prisme de la scène de théâtre ainsi révélé transcende l’intériorité de l’art et l’extériorité du social par le truchement du corps. Entre ce qu’André Belleau nomme le « code » et la « parole », la scène de théâtre incarne les deux aspects, elle les lie étroitement et les dépasse grâce aux corps tout à la fois érotisés et socialisés<br>The theater scene, key element of several novels yet unexplored, questions the bounds between the medium and the œuvre within. Supported by a corpus made of French and French Canadian novels published between 1871 and 1949, this work argues the recurrent specificities of the theater scene, whatever the time, the aesthetics or the place from which the novelist writes. Becoming a privileged topos for the text that operates « a return on itself », the questions of reflexivity and specularity enlighten what theater can do to the text. From a sociocritic reading articulating social and art matters, our study on the theater scene covers not only the dramatic art’s aspect but also the theater aspect thought as a social classification tool. The costume, the body of the artist, the lights, but also the theatrical spaces, the category of public and the society life happening in the theater hall are, if anything else, some facets our work would like to point out. The prism of the theater scene once revealed goes beyond the interiority of art and the exteriority of the social behavior through and thanks to the body. Between what André Belleau calls the « code » and the « parole (speech)», the theater scene embodies both aspects, links them both tight and goes past them thanks to the bodies that are both eroticized and socialized
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Arnason, Arni Lukas. "L’Encadrement théâtral : une étude de la pratique et de la fonction herméneutique du parathéâtre en France au XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040154.
Full textAbstract:
Les études littéraires du théâtre ont tendance à considérer la pièce comme si elle constituait à elle seule la totalité de la représentation. Or les pièces de théâtre du XVIIe siècle étaient presque toujours « encadrées » par divers ornements parathéâtraux : prologues, épilogues, chœurs et intermèdes. La représentation était constituée de la pièce, encadrée par ces ornements. Le dessein de cette thèse est double. Nous étudierons, dans un premier temps, la façon dont chaque forme d’encadrement était intégrée à la représentation et quelle fonction pratique les professionnels du spectacle de l’époque lui attribuaient. Nous analyserons, dans un deuxième temps, la façon dont les encadrements influencent l’interprétation de la pièce principale. L’objectif de cette étude est d’illustrer l’utilité herméneutique des encadrements et de démontrer qu’ils sont de véritables clés d’interprétation de l’œuvre, laissées par les auteurs et acteurs du Grand Siècle, qui nous permettent d’appréhender le sens de la pièce tel qu’il était conçu au XVIIe siècle<br>Literary studies of theatre have tended to focus on the play itself as though it were the only element of the representation. In reality, however, seventeenth century plays were almost always “framed” by various paratheatrical ornaments such as prologues, epilogues, choruses and intermèdes. Together the play and its complementary encadrements formed a dramatic whole. The purpose of this thesis is twofold. We will first undertake a practical study of each paratheatrical form in order to determine exactly how it was integrated into the performance and what its practical function was perceived to be. We will then analyse the way in which encadrements influence the interpretation of the play. The primary interest of this study is to illustrate the way in which paratheatre is used to direct the spectator’s interpretation. We hope to demonstrate the interest of these “frames” as guides left by the authors and actors of the Grand Siècle, helping us to better understand the meaning of dramatic works as they were perceived in their own time
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Bile, Sembo-Backonly Anicette Irène. "De la réforme esthétique à la réflexion sociopolitique : une lecture des drames de Louis-Sébastien Mercier." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030069.
Full textAbstract:
Louis-Sébastien Mercier (1740-1814) est un artisan du drame. Sa participation à la réflexion esthétique a été couronnée par une vaste production théâtrale. Tout en reposant sur les grands textes théoriques de l’auteur, le présent travail privilégie les drames, pour lire les orientations de la réforme dramatique menée par Mercier. Il s’agit de suivre la pensée de celui qui parle de l’écrivain « flagellateur du vice », « chantre de la vertu », afin d’analyser les moyens dramatiques et dramaturgiques par lesquels la réforme esthétique aboutit, dans ses drames, à une réflexion sur la transformation de la société. Drames bourgeois, drames héroïques ou pièces nationales, et drames historiques sont analysés ensemble, pour voir comment toutes ces catégories rendent compte du pouvoir donné au théâtre, et permettent de comprendre l’idéal littéraire, politique et social de Mercier. La première partie procède à la mise en place. Elle s’attache non seulement à parcourir les grandes idées de réforme soutenues par Mercier, mais aussi à présenter le répertoire choisi. Il s’en dégage une conception particulière de la représentation des conditions, qui constitue finalement la matrice de la réflexion sociopolitique que les deuxième et troisième parties révèlent à travers des tableaux, des figures, des discours<br>Louis-Sébastien Mercier (1740-1814) is a craftsman of the drama. Its participation in the aesthetic reflexion was crowned by a vast theatrical production. While resting on the large theoretical texts of the author, this work privileges the dramas, to read the orientations of the dramatic reform which it carried out. It is a question of following the thought of Mercier who speaks about the writer “flagellator of vice”, “cantor of the virtue”, in order to analyze the dramatic and dramaturgic means by which the esthetic reform leads, in its dramas, with a thought on the transformation of the society. Middle-class dramas, heroic dramas or national plays, and historical dramas are analyzed together, to see how all these categories account for the capacity given to the theater, and make it possible to understand the Mercier’s literary, political and social ideal. The first part makes for the installation. It not only sticks to traverse the great ideas of reform supported by Mercier, but also to present the selected repertory. It releases a particular conception of the representation of the conditions, which constitutes finally the matrix of the sociopolitic reflexion that the second and the third parts reveal through paintings, figures of characters, speeches
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Lo, Shih-Lung. "La Chine dans le théâtre français du XIXe siècle." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030030/document.
Full textAbstract:
De 1789 à 1905, la Chine fait partie des sujets exotiques les plus représentés dans le théâtre français. Cette Chine imaginaire est l’héritière du répertoire théâtral du XVIIIe siècle, époque marquée par le goût pour les « chinoiseries ». Elle fait aussi écho à l’actualité franco-chinoise du XIXe siècle, empreinte d’un nouveau colonialisme voire d’ « orientalisme ». En nous appuyant sur le répertoire du théâtre de thème chinois en France au XIXe siècle, que nous nous sommes attaché à reconstituer, nous analysons dans ce travail la production et la réception des images de la Chine sur la scène théâtrale à cette époque. Le corpus des œuvres est divisé en trois catégories : les pièces de thème chinois, les œuvres traduites ou adaptées du chinois et les spectacles donnés par les Chinois. En ce qui concerne la périodisation historique, nous avons choisi de suivre celle des grands événements ayant marqué les relations entre la France et la Chine au XIXe siècle. Les trois premiers chapitres se focalisent sur l’emploi des éléments chinois et orientaux tels qu’ils ont été mis en place au siècle précédent, ainsi que sur leur révision sous l’influence de la sinologie, discipline scientifique nouvelle. Quant aux trois derniers chapitres, ils se développent autour des deux guerres de l’Opium, de la guerre franco-chinoise du Vietnam, de la révolte des Boxers ainsi que la germination de la peur du « péril jaune ». Pour les dramaturges et les artistes de théâtre du XIXe siècle, cette « Chine » est un sujet à la fois familier et étranger, proche et éloigné, cliché et varié, épuisé et exploitable. Tous ces paradoxes concourent à créer dans le théâtre français une Chine kaléidoscopique<br>From 1789 to 1905, China is one of the most exotic topics represented on the French theater stage. This China can evoke the imagination inherited from the eighteenth-century “chinoiseries” taste. And moreover, it witnesses the nineteenth-century Sino-French socio-political events, which are never detached from the rising colonialism or even the Orientalism.This work attempts to build up a repertoire of Chinese-subject plays, and to analyze the production and the reception of the Chinese image on the French theatre stage during the nineteenth century. The corpus of the entire repertoire can be divided into three categories: the French playwright’s creation, the plays translated or adapted from Chinese literary works, and the performances given by Chinese actors. Chronologically organized, each chapter in this work follows the decisive Sino-French bilateral events. The first three chapters examine the Chinese and Oriental elements which have been applied to the French theatre in the previous centuries, and which are reinvented and appropriated under the influence of Sinology, a new scientific discipline institutionalized in the first half of the nineteenth century. The last three chapters develop with the two Opium Wars, the Sino-French War in Vietnam, the Boxer’s rebellion, as well as the birth of the concept of the “yellow peril.”For the playwrights and the artists, this “China” is therefore familiar but strange, approachable but intangible, cliché but ever-changing, exhausted but exploitable. All these contradictions contribute to create a kaleidoscopic China on the French theatre stage
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Dennis, Hélène. "Le XIXe siècle français face à ses acteurs : mort et fortune des grands interprètes de la Comédie en activité sous la Restauration, à travers la presse parisienne." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2008. http://www.theses.fr/2008VERS002S.
Full textAbstract:
Le XIXe siècle français a érigé le théâtre, et notamment le genre comique, en vecteur de sociabilité et de satisfaction individuelle majeure. Aussi la mort d’un acteur ayant connu la notoriété éclaire-t-elle le défunt tout autant que les vivants. Les mots, la présence aux obsèques, introduisent dans les arcanes de la mémoire et de l’oubli, dans le regard porté sur un art et ses interprètes pris entre une défiance et une attraction séculaires. Les rites funéraires montrent un sujet élément d’une nébuleuse culturelle dense et homme de son siècle, parfois promoteur des qualités et des vertus dominantes : individualité, méritocratie, honnêteté, respectabilité, savoir. Une position neuve due à l’évolution du corps social et à la volonté des intéressés, lesquels mènent souvent une vie bourgeoise, promeuvent une histoire d’un art éphémère, se groupent en association. Leurs efforts coïncident avec l’essor de la presse. Les intérêts vont d’autant mieux converger que les journalistes sont souvent auteurs de pièces et spectateurs, tant l’attraction envers l’art dramatique est forte<br>The French XIXth Century assigned the theatre a foremost place, specially the comic genre. It became the vector for social and individual forceful trends. Hence, the death of a once famous actor enlightens him as well as those who survive him. Words and attendance to the burial display recollection and oblivion, the look put on an art and his artists placed until then under secular bias. The death ritual replace the dead among a cultural nebula very dense and show a man often exemplary of his century with his respectable way of life – a new look and position. The result of the actors’ thoughts and fight through professional associating, promotion of their art history, helped with the soar of the press. The journalists were often playwrights and part of the audience such the attraction for the drama was strong
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Nishida, Shikiko. "Les "comédiens-poètes" en France du XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040113.
Full textAbstract:
Nous comptons au total vingt-deux « comédiens-poètes », dont deux sont des femmes, entre le dernier tiers du XVIe siècle jusqu’à la fondation de la Comédie-Française en 1680, soit une période de cent ans environ. Afin de comprendre la naissance puis la montée en puissance de cette pratique d’écriture propre aux comédiens, nous commençons à étudier les conditions de création des pièces de Châteauvieux et Hardy au début du siècle. Dans la première partie, nous étudions l’apparition de cette pratique chez les comédiens parisiens dans les années 1640 à travers Desfontaines et Montfleury. Dans la deuxième partie, nous mettons en lumière l’importance du rôle des commandes et des institutions lors de l’émergence des comédiens-poètes itinérants dans les années 1650 et 1662, à travers des recherches archiviques qui nous révèlent les rapports entre Des Carreaux, Dorimond et Rochefort, comédiens-poètes contemporains de Molière, et les commanditaires de fêtes en province. Dans la troisième partie, toujours selon la même méthode, nous suivons principalement l’activité de Dorimond, Rosidor et Rochefort, dans les années 1660. Nous examinons la concurrence qui se joue entre eux à La Haye et à Bruxelles concernant la création de leurs propres pièces et la reprise de pièces d'auteurs, en particulier celles à machines. Dans l’épilogue, nous mettons en lumière la singularité des habitudes de composition chez les comédiens-poètes, qui sont tout à fait différentes de celle des auteurs, à travers l’analyse des ouvrages de Villiers, Madeleine Béjart, La Thorillière, tous comédiens-poètes occasionnels, et nous perçons à jour le secret de la rapidité de composition des comédiens-poètes en général<br>We count in total twenty-two actors-authors, including two women, from the last third part of the XVIth century until the creation of la Comédie-Française in 1680, so upon a hundred years period of time. To understand the birth and then the rising of this actors’ very writting way, we start to study in the prologue Chateauvieux and Hardy’s plays’ first productions’ conditions at the beginning of the century. In the first part, we study the emergence of this practice among parisian actors around 1640 through Desfontaines and Montfleury. In the second part, we light up the important role of plays made to order as well as the institutions while strolling actors-authors emerging in 1650 and 1662. To that purpose we use archivic methods revealing us relationships between Des Carreaux, Dorimond and Rochefort, three contemporaneous actors-authors of Molière, and also provincial parties’ sponsors. In the third part, still with archives’help, we mainly follow Dorimond, Rosidor and Rochefort’s activities around 1660. We study the competition between them in La Haye and Bruxelles regarding their own plays’s first productions as well as authors’plays revival, especially plays with stage effects. In the epilogue, we light up the specificity of the actors-authors writting way, quite different from the authors’way, through the analysis of Villiers, Madeleine Béjart, La Thorillière’s works, all chance actors-authors, and we find out the writting swiftness of actors-authors generally speaking
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Motošková, Miroslava. "Vývoj činoherního žánru melodramatu a pronikání francouzského repertoáru na českou scénu v letech 1800-1883." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082613.
Full text
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Chen, Jie. "Le théâtre et le pouvoir au XVIIe siècle : le patronage en question." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040076/document.
Full textAbstract:
Nous avons étudié dans ce travail les manières concrètes dont s’expriment les rapports entre le pouvoir et le théâtre au XVIIe siècle, époque où cet art était déjà associé au principe de diffusion de masse lui permettant de s’épanouir indépendamment du mécénat. Étant donné que le théâtre est à la fois une pratique et une littérature, notre enquête a été menée en deux temps. Nous nous sommes d’abord intéressés aux comédiens professionnels dont la plupart ont formé des troupes portant le nom d’un grand personnage. Cette réalité qui semble a priori évidente est pourtant révélatrice. L’histoire de la troupe royale de l’Hôtel de Bourgogne en constitue un excellent exemple. D’autres troupes de moindre importance peuvent, elles aussi, entretenir des rapports étroits avec leurs protecteurs. C’est par exemple le cas des comédiens du Grand Condé auxquels nous avons consacré la suite de nos réflexions. Mais la plupart du temps, ces troupes ambulantes ne sont pas à proximité de leurs bienfaiteurs. Elles sont plutôt en contact avec d’autres instances de pouvoir, le pouvoir municipal notamment. C’est ainsi que le premier volet de notre travail s’achève sur deux études de cas consacrées à Dijon et à Bruxelles, deux destinations favorites des troupes. Après avoir étudié les comédiens, notre investigation se poursuit en se focalisant sur les auteurs de théâtre. La question des rapports entre les dramaturges et les protecteurs s’inscrit dans un vaste sujet qu’est le patronage littéraire en général. Nous avons essayé de l’illustrer à travers l’exemple du patronage de Richelieu, précédé d’une enquête préliminaire sur la question des dédicaces qui a servi tout notre second volet<br>We studied in this work the concrete ways in which are expressed the relations between the power and the theater in the seventeenth century, when this art was already associated with the principle of mass distribution which allows it to flourish regardless of patronage. As the theater is both a practice and a literature, our investigation was conducted in two stages. We are primarily interested in professional actors, most of whom have formed theatre troops bearing the name of a powerful man. This reality seems a priori obvious is nevertheless revealing. The history of the Royal troupe of Hôtel de Bourgogne is a prime example. Other smaller companies maintain also close relations with their protectors. This is for example the case of the theater troop of Great Condé that we studied. But most of the time, these touring companies are not close to their patrons. Rather, they are in contact with other bodies of power, especially the municipal power. Thus the first part of our work ends with two case studies on Dijon and Brussels, two favorite destinations of theater troops. After studying the actors, our investigation continues by focusing on playwrights. The question of relations between playwrights and patrons is part of a vast subject that is the literary patronage in general. We tried to illustrate it through the example of the patronage of Richelieu, preceded by a preliminary inquiry into the question of dedication who served our whole second part
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Jaubert-Michel, Elsa. "De la scène au salon : la réception du modèle français dans la comédie allemande des Lumières (1741-1766)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040199.
Full textAbstract:
La comédie allemande des Lumières est souvent qualifiée de " théâtre à la française " ; cet ouvrage se propose de l'étudier du point de vue des transferts culturels, pour déterminer dans quelle mesure la réception du modèle français a réellement influencé la production allemande. Nous évaluons tout d'abord la présence de la comédie française en Allemagne, dans la théorie et dans la pratique des auteurs. La deuxième partie est consacrée à la notion d'originalité et à l'analyse comparée de la dramaturgie. Nous étudions ensuite les thèmes de la satire, en soulignant leurs rapports à la tradition comique française, mais aussi leur spécificité. Enfin, puisqu'à l'époque la France est aussi un modèle de civilité, et que la comédie doit être une " école des bonnes mœurs ", nous examinons cette question, essentielle pour l'identité nationale allemande. Il ressort de ces analyses une image nuancée de la réception du modèle français, qui révèle le rapport complexe de l'Allemagne à la France<br>The German Enlightenment comedy has often been labeled as theatre " a la francaise ", or Frenchlike; the present work aims at studying these comedies under the perspective of cultural transfers, in order to measure the extent of the French influence over the German production. First it evaluates the actual presence of French comedy in Germany, from a theoretical and practical point of view. The second part is devoted to originality and comparative analysis of drama. We then turn to satirical themes, so as to underline their links to the French tradition of comedy as well as their specificity. Last, since France at that time was also a role-model in civility, and comedy a " school of good manners ", we concentrate on this aspect, which is so central to German national identity. These analyses qualify the reception of the French model, which is revealing of the complexity of Franco-German relationships
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Jaziri, Anissa. "Drôlerie et noblesse : l'esthétique et l'éthique du corps des aristocrates à l'épreuve des dramaturgies comiques et tragi-comiques du XVIIe siècle français." Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100004/document.
Full textAbstract:
Alors que le corps des gens du peuple a inspiré beaucoup d'approches sociologiques et anthropologiques, notre recherche s’est focalisée sur les images du corps des personnages issus de l’aristocratie données par les dramaturgies comiques et tragi-comiques du XVIIe siècle français. Si la présence souvent héroïsée de cette catégorie sociale est de mise dans le genre dit « noble » de la tragédie, elle est, et selon une longue tradition aristotélicienne, bannie du genre comique considéré comme plus susceptible à accueillir le médiocre, voire le laid, physique et moral et de considérer les choses du corps.Basée sur un corpus d’une soixantaine de comédies et tragi-comédies datant de 1629 à 1690, notre étude des représentations des nobles a permis de dégager une esthétique toute particulière de leurs aspects physiques et de nous interroger sur la compatibilité entre ces personnages d'"honnêtes hommes" à ce point idéalisés et le rire. Cependant, pour mieux dire la présence plaisante du corps noble sur scène, nous avons recouru à une notion moins franche que celle de comique, celle de la drôlerie, qui réside entre l’agrément de la célébration des beautés des aristocrates concernés par l’action et la conscience plaisante des excès de cette perfection, entre la déconcertante inventivité, voire la grandeur, des nobles qui se déguisent et les éclats de rire qu'inspirent certains de leurs défauts/défaillances corporels, naturels ou acquis, entre le spectacle amusé de leur sensualité peu contrariée ou désinvolte, l’exultation suscitée par leur libertinage militant, qui fait réfléchir, et une sorte de malaise devant le cynisme de quelques-uns, entre l'admiration des talents de comédiens permettant les bons tours, grâce à une belle dextérité gestuelle, et la jubilation qu’inspire la réussite des protagonistes bien nés. Affleure souvent une certaine gravité des enjeux, quand il s'agit des désirs de liberté qu’expriment les corps sur scène, surtout lorsqu'on a affaire à des femmes, quand sont représentés des excès violents ou encore des comportements hypocrites. Autant d'impressions fort riches qu'amplifie la mise en espace et en voix par des comédiens qui laissent aussi entendre une sorte de mystère des mots. Toutes les nuances de la drôlerie, d'un comique qu'on perçoit comme un peu étrange, semblent avoir été expérimentées par nos poètes dramatiques pour faire accéder les nobles à la scène comique et, un temps, au genre mêlé de la tragi-comédie."<br>While the body of the common people has inspired many sociological and anthropological approaches, our research has focused on the study of the body image of aristocratic characters in french seventeenth century comic and tragic dramaturgies.Although the often heroic presence of this social category is part of the so-called "noble" genre of tragedy, it is, and according to a long Aristotelian tradition, banned from the comic genre considered more susceptible to the mediocre, even the ugly, physical and moral, and to consider things of the body. Based on a corpus of sixty comedies and tragicomedies dating from 1629 to 1690, our study of the physical images of the nobles then leads to a particular aesthetic that makes us question the compatibility between the often idealizing representation of the "honest men" and laughter. However, to highlight the pleasant presence of the noble body on stage, we referred to a more subtle notion than the comic, that of the drollery which lies between the approval of the celebration of the beauties of the aristocrats concerned by the action and the pleasant awareness of the excesses of this perfection, between the disconcerting inventiveness, even the grandeur, of the nobles who disguise themselves and the bursts of laughter inspired by some of their bodily or natural defects or failures, between the amused spectacle of their sensuality little annoyed or casual, the exultation aroused by their militant libertinism, which makes you think, and a kind of unease in front of the cynicism of the few, between the admiration of the talents of actors allowing good tricks, thanks to a beautiful gestural dexterity, and the jubilation inspired by the success of well-born protagonists. The stakes become even higher when it comes to the desire for freedom that the bodies express on stage, especially those of women when violent excesses or hypocritical behavior are represented. So many rich impressions that amplifies the setting in space and in voice by actors who also let hear a kind of mystery of the words. All the shades of drollery, of a comic that we perceive as a little strange, seem to have been experienced by our dramatic poets to bring the nobles to the comic scene and, at one time, to the mixed genre of tragi-comedy
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Caballero, Alma. "La France dans le théâtre de l'Amérique Latine : trois courants d'influence dans des points clefs de la géographie et de la culture de Notre Amérique." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA080930.
Full textAbstract:
Il y a une presence indeniable de la france dans le theatre de l7amerique latine : elle se retrouve dans le travail des francais, qui ont ecrit sur le theatre indigene, et realise des tournees conduites par les maitres francais les plus celebres. Cette presence se manifeste egalement dans quelques motifs historiques du theatre de l'evangelisation, ainsi que dans les pieces des ecrivains francais montees par des latino-americains. A travers l'etude des textes, des rapports et des temoignages historiques, notre travail essaie de saisir les traces laissees par cet echange dans la formation du gout du public, dans la conception de la mise en scene et dans les perspectives d'une novuelle creativite<br>There is an undeniable french prescence in the theater of latin america : it can be appreciated through the writings about indigenous theater, and the tours around the continent made by the most celebrated french masters. This influence is also manifest in some historical motives of the evangelization theater, as well as in the french-writt en plays staged by latin-americans. Through the study of texts, reports and historical testimony, our work intends to seize the traces this exchange left in the formation of the public's taste, the conception of the mise en scene, and in the perspectives of a new creativity
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Glinska, Klementyna Aura. "La "comédie latine" du XIIe siècle : rhétorique et comique." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040163.
Full textAbstract:
Le corpus des ‘comédies élégiaques’ ou ‘comédies latines’ du XIIe et du XIIIe siècle a été perçu comme un ensemble de textes étranges, dont la place dans la tradition littéraire était, pourtant, clairement définie. La notion de ‘comédie élégiaque’ désigne en effet la tradition théâtrale comme point de référence essentiel dans la formation du ‘genre’. L’objectif de la présente thèse est de déconstruire le concept de ‘comédie élégiaque’ et de décrire les textes du corpus, composés au XIIe siècle, tout en respectant leur historicité. Le mot ‘comique’ se rapporte ici à comoedia en tant que phénomène historique et non pas aux catégories anthropologique, philosophique ou psychologique ; ‘faire rire’ n’est ici qu’une des réponses possibles. La révision des sources fondamentales pour la formation des savoirs médiévaux de la comédie antique, ainsi que la lecture des poetriae du XIIe et XIIIe siècle, permet de préciser le sens du terme comoedia, employé par les auteurs des comoediae du Val de Loire et par leurs lecteurs. L’étude des rapports des comédies élégiaques avec la tradition de la comédie antique implique, en outre, l’examen de leurs paratextes et de leurs cotextes, dont l’ensemble est déterminé par les manuscrits conservés. Ainsi, l’analyse du contexte historique, idéologique et théorique, ajoutée à l’étude des manuscrits des comédies élégiaques, permet de définir ces compositions en tant que textes qui forment et incarnent les règles rhétoriques et éthiques exposées dans les poetriae<br>The corpus of ‘elegiac comedies’, or 12th and 13th-century ‘Latin comedies’, was perceived as an anthology of some curious texts, the literary tradition of which was, nevertheless, clearly defined. Indeed, the notion of 'elegiac comedy’ designates the theatrical tradition as a point of reference, which is essential for the formation of' the ‘genre’. The objective of this thesis is to deconstruct the concept of ‘elegiac comedy’ and to describe the 12th-century texts of the corpus in exact accordance with their historicity. The word ‘comic’ refers here to comoedia as a historical phenomenon and not to some categories of anthropological, philosophical or psychological nature; the ‘laughter’ is not but one of the possible answers. The revision of the sources fundamental for the formation of medieval knowledge of ancient comedy as well as the interpretation of 12th- and 13th-century poetriae help to shed light on the meaning of the term comoedia employed both by the authors of comoediae from the Loire Valley and by their readers. The study of the relations of the elegiac comedies with the tradition of ancient comedy involves, moreover, the examination of their paratexts and co-texts, the body of which is determined by the preserved manuscripts. Thus, the analysis of the historical, ideological and theoretical context, as well as the study of manuscripts of the elegiac comedies, define these compositions as the texts that form and embody the rhetorical and ethical rules exhibited in the poetriae
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L'hopital, Servane. "Toucher le coeur : confrontations du théâtre et des pratiques de piété en France au XVIIe siècle." Thesis, Lyon 2, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO20121.
Full textAbstract:
La confrontation du théâtre et de la liturgie est un lieu commun de la pensée. Il est un motif rhétorique récurrent chez les pères de l’Église pour définir a contrario et par surenchère le bon ethos du chrétien à l’Église. Ce tour de pensée ecclésiastique, typique de la synthèse augustinienne de la rhétorique antique et du christianisme, n’est pas seulement un héritage livresque au XVIIe siècle. Il est particulièrement pertinent à la vue des enjeux auxquels est confrontée l’Église catholique : elle doit répondre aux accusations protestantes, qui traitaient la messe de farce ; le théâtre renouvelé de l’antique se rétablit grâce au soutien du pouvoir, se sédentarise et devient un divertissement régulier. Cette banalité nouvelle fait de la Comédie, aux yeux des augustiniens, le lieu d’une « représentation vive » et continuelle des passions du monde, particulièrement de l’amour et de l’honneur : le théâtre apparaît comme une liturgie inversée. Là où les pratiques de piété sont censées amoindrir les passions et nourrir la foi, le théâtre excite les passions et étouffe l’esprit de prière. La querelle de la moralité au théâtre montre non seulement une concurrence morale, mais aussi psychique et affective. Les deux représentations prétendent susciter la présence d’esprit et « toucher » le cœur, voire lui « imprimer des mouvements ». La messe est qualifiée de « représentation vive du sacrifice de la croix », pendant laquelle le fidèle doit se remémorer vivement le sacrifice christique et sa signification grâce à une lecture allégorique, et se l’appliquer à lui-même. Par la considération et l’accomplissement de cérémonies, par la vocalisation des psaumes, le fidèle est invité à produire des « actes » du cœur pour s’unir à Jésus-Christ. Ce rapport au texte comme trace à suivre, et ce rapport au corps et à la voix comme media pour s’auto-exciter, expliquent pourquoi les comédiens professionnels sont condamnés par les dévots : ils excitent en eux les passions contraires à l’Esprit saint, ils rappellent des sentiments qu’un pénitent ne pourrait pas se remémorer sans « horreur ». La « représentation » est alors conçue comme un effort de remémoration.Le rétablissement du théâtre à l’antique nécessitait un discours pour en éclairer les visées et en légitimer l’existence dans une société chrétienne et monarchique. Traduire la mimesis aristotélicienne par « représentation » plutôt que par « imitation » rendait le théâtre beaucoup plus proche de la liturgie et lui ajoutait les connotations de vue, de présence et de mémoire. Le débat entre plaire et instruire est un débat entre théâtre-divertissement et théâtre-cérémonie. Incomber au théâtre la fonction d’instruire, c’était le rapprocher d’une prédication et de la messe, car instruire, signifiait instruire chrétiennement. L’échec de sanctification du théâtre des années 1640 fit conclure à une incompatibilité du théâtre avec la folie et la modestie chrétienne, mais la possibilité d’une instruction civique par le théâtre émerge à la fin du siècle. Le théâtre participe de la construction d’une morale laïque<br>The confrontation between liturgy and theater is a topos of the discourses which reveal deeply-rooted issues of representation in the seventeenth century. This commonplace had been a recurrent rhetorical device in the patristic sermons, where it emphasized the differences between Christianity and paganism. It is vigorously reactivated in seventeenth-century France as the Catholic Church faces its Calvinist critics, who accuse mass of being a comedy. Profane theater becomes a regular and professional kind of entertainment in the city and at the court, thanks to the protection of the royal power. This is why it is seen by Augustinians as a recurrent “lively representation” of the values of the world, such as love and honor, which are contradictory to the celestial Christian spirit. Treatises against Comedy written by Christian zealots reveal not only a moral, but also an emotional and psychological competition between liturgical practices and theater. Both “representations” try to force the presence of the mind and to touch, or even to print, the heart. The mass is then qualified as the “lively representation” of the Passion of the Christ, during which Catholic prayers must commemorate the mystery of divine sacrifice. By considering and acting out ceremonies, by vocalizing prayers, the believer is invited to produce certain acts of the heart and to unite with Christ, applying the Christ’s sacrifice to himself. Thus, the believer can be assimilated to an existential comedian on the divine stage : he actively involves his sensibility in the imitation of the great Christian model, by entering into the spirit of the psalms. This relationship to the text as a vestige to follow, this use of the voice and the body as mediums to excite devotion, explain the condemnation of the professional comedian by the Christian zealots (dévots). Indeed, the comedian is seen as someone who excites his own passions, playing a dangerous game with his heart and reminding himself of former worldly passions which can only lessen his faith.The reestablishment of theater questions the legitimacy, the definition and the goals of this art in a Christian society. Translating mimesis by “representation” and not “imitation” brought the theater closer to the liturgy. The discourses on theater in the 1620s and 1630s show that the authors tended to see a memorial, reiterative and visual dimension in theater that was not present in Aristotle. The debates finally conclude on the definition of theater as an honest form of entertainment rather than as a living form of instruction, namely because the latter was the responsibility of predication and mass. Saint Thomas could justify theater as a way of merely releasing the mind without interesting the heart or touching the soul ; at that time, indeed, instruction meant Christian instruction. In the 1640s, to please the devout Spanish queen Anne of Austria, several playwrights did attempt to call back the theater to its former institutional position by assimilating it with religious ceremony and creating sanctified tragedies. But this attempt failed for both poetic and political reasons. The disposition of the spectators in the city was not to be instructed. The theater was finally recognized as incompatible with Christian folly and modesty, but slowly participated in the formation of a secular morality in a new civic sphere
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Rodriguez, Alain. "Theatralite et romanesque dans l'oeuvre d'a. R. Lesage." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040098.
Full textAbstract:
Romancier et dramaturge prolixe, lesage est un observateur avise et amuse des belleslettres. L'observation des milieux litteraires s'inspire de cette double experience, l'intention satirique est toutefois plus nettement marquee dans le temoignage sur le theatre. Mais l'experience du dramaturge aupres de la comedie-francaise et plus encore du theatre de la foire est au service du romancier. En situant l'action principale du diable boiteux dans un madrid nocturne livre aux yeux du diable et de l'ecolier, lesage remplace le traditionnel narrateur par un voyeur. De frontal, dans le theatre a l'italienne, le regard devient alors surplombant. Il renouvelle, ainsi, de maniere significative la narration concue sur le modele d'une saynete. Le dramaturge s'efface devant le moraliste. Le theatre se charge alors de sens metaphoriques, il permet la denonciation d'une societe sensible seulement aux apparences. Le travestissement du corps, l'appropriation de la nourriture et les falsifications patronymiques participent a ce mensonge generalise. Le theme varie selon les appartenances sociales. Le vetement, sous son double aspect de transgression, deguisement ou vol, aide a la transformation des apparences et facilite ainsi l'usurpation des roles. Etape probatoire dans la formation de l'individu, il prepare a la maitrise des comportements sociaux. Lesage romancier a exploite un ensemble de procedes romanesques empruntes pour l'essentiel a la tradition picaresque. Deux possibilites s'ouvrent a lui pour varier le materiau romanesque que limite necessairement le recit autobiographique : d'une part, diversifier la nature des episodes vecus par le heros roturier autour d'une ascension sociale, d'autre part, changer de heros, grace a l'enchassement d'histoires secondaires. En raison meme de son succes, l'oeuvre romanesque de lesage a donne naissance a de nombreuses editions illustrees de son vivant. A defaut d'etre de grands artistes, les illustrateurs sont de bons et humbles executants, parfois anonymes, soucieux de rendre constamment compte, avec precision et clarte, du texte dont ils sont les simples servants<br>As a prolific novelist and playwright, lesage is a well-informed and amused observer of the belles lettres. His observation of the literary society draws on this double experience, with a satirical purpose far more distinct in his writings on the theatre. His experience as a dramatic writer at the comedie francaise and above all at the theatre de la foire is however of great use to the novelist. By setting the main plot of le diable boiteux in a nocturnal madrid seen through the eyes of the devil and the scholar, lesage substitutes a voyeur for the traditional narrator, which means that the angle of vision is no longer that of the normal confrontation to be found in the italian theatre, but a view from above. Thus lesage gives new life, significantly, to the narrative process, now conceived on the pattern of a playlet. The playwright hides behind the moralist. His theatre conveys metaphorical meanings and makes it possible to expose a society for which only appearances matter. Disguise, misappropriation of food and false names partake of this widespread delusion. The theme varies according to social background. Clothes , whether they are disguise or theft, help transform appearances and thus make it easy to usurp roles. Being a probationary stage in the development of an individual, they help him master social behaviour. As a novelist lesage used a range of techniques which he borrowed, to a large extent, from the picaresque tradition. In order to introduce some variety in the limited fictional material provided by autobiographical narratives, he used two devices : on the one hand, he diversified the nature of the episodes the lower-class hero goes through as he climbs the social ladder; on the other hand, he introduced new heroes thanks to embedded stories. Because of its very success, lesage's work of fiction has given rise to numerous illustrated editions published in his lifetime. Though they are definitely not great artists, the illustrators are skilful and humble craftsmen, sometimes anonymous, who are constantly eager to give a clear and accurate account of the text of which they are only the servants
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Mhidi, Najla. "lire le théâtre d'alexandre dumas." Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30077.
Full textAbstract:
Je traite le théâtre d'Alexandre Dumas, et relation avec son public, ainsi que la connexion qu'il établi avec son lecteur à travers ses romans<br>I study the alexandre Dumas's theater, the relationship beetween author and his public
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Caigny, Florence de. "Imitation, traduction et adaptation des tragédies de Sénèque aux XVIe et XVIIe siècles en France." Paris 4, 2004. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=http://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=FcaMS01.
Full textAbstract:
Étonnante et paradoxale présence que celle de l'œuvre dramaturgique de Sénèque aux XVIe et XVIIe siècle en France. Si l'on considère en effet les moments importants de l'histoire de la tragédie (sa naissance en 1553 et sa rénovation à la fin des années 1620), un constat s'impose : les auteurs ont puisé dans le corpus sénéquien. Cette présence ne se dément guère dans la période qui sépare ces deux moments ou dans celle qui suit le débat sur les règles. Or, force est de constater que les critiques théoriques à l'égard de son œuvre - critiques qui naissent dans la seconde moitié du XVIe siècle - se font de plus en plus acerbes au cours du temps : modèle de référence, Sénèque se voit progressivement contester ce statut sur plusieurs points qui touchent des aspects essentiels de son esthétique théâtrale : disposition trop statique, violence de ses sujets, élocution manquant de naturel. Tenter de résoudre l'énigme que constitue cette étrange présence suppose que l'on confronte les théories de l'imitation, les réflexions sur le genre de la tragédie et les caractéristiques propres au théâtre de Sénèque. L'exemplarité de ses sujets, liée à une structure propice au déploiement du verbe offrait aux dramaturges du XVIe siècle un modèle compatible avec leur objectif premier, à savoir, illustrer la langue française. Se tournant progressivement au XVIIe siècle vers la création d'une tragédie à la française, les auteurs, tout en s'émancipant de leur modèle, conservaient des éléments induisant une présence de Sénèque, même masquée. Parallèlement, la traduction de ses tragédies tendait à le réhabiliter<br>The influence of Seneca's drama in XVIth and XVIIth century France is both surprising and paradoxical. Between the revival of French tragedy in 1553 and its renovation in the late 1620s, authors drew on his works for their own productions, and continued to do so after the debate over the French classical rules had taken place. However, from the middle of the XVIth century onward, theorists became increasingly critical of his works. Seneca gradually lost his position as a model to be imitated and was challenged on the grounds that the constructions of his plays were too static, his subjects too violent, and his elocution too artificial. In order to answer the question of his persisting influence it is necessary to study and confront the mimetic theories of the period, the reflections on the tragic genre and the particular features of Seneca's drama. The exemplary nature of his subjects, most fitted to a copious use of language, was considered by XVIth dramatists as a model that was fully compatible with their ambition to illustrate the French language. During the XVIIth century, as they undertook to create a distinctly French tragedy, the dramatists continued to make use of some elements that testified to Seneca's enduring (if sometimes concealed) presence. He was also being restored to favour by the translation of his tragedies
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Picat-Guinoiseau, Ginette. "Nodier et le theatre." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040044.
Full textAbstract:
Le monde ou nodier vecut son enfance et sa jeunesse mettait le theatre au premier plan de ses preoccupations, faisant de lui un spectateur enthousiaste, un critique pertinent et un auteur fecond, quoique peu joue. Ses admirations pour les grands classiques et shakespeare, qu'il prone dans son cours de litterature de dole et dans les journaux, sa frequentation des milieux dramatiques n'aboutissent de facon efficace (malgre quelques creations dont il ne reste quasi rien) qu'a une serie de feuilletons dramatiques (le feuilleton des debats qu'il tient de facon active en 1814) ; il y apparait resolument classique, encore qu'il reconnaisse tous droits au genie. - sa carriere proprement dramatique couvre les annees 1820- 1828 ; il est l'auteur (en collaboration) de cinq pieces, qui posse- dent quelques caracteres originaux : l'inspiration frenetique, la forme mi-populaire mi-litteraire, a mi-chemin du melodrame et du drame romantique, le fait d'etre tirees du theatre etranger, dont il se montre par ailleurs, dans les journaux, le defenseur convaincu et actif. - mais la cinquantaine marque un tournant deci- sif : nodier ne va plus au theatre ; sa creation se modifie : au drame, se substitue le conte ; la comedienne y reparait, promue au rang de mythe ; la critique fait place au temoignage de l'experience vecue. A- pres un bref essai de la pantomine, nodier redecouvre les vertus des marionnettes, qu'il considere desormais comme le theatre essen- tiel, incarnant les valeurs eminentes de liberte et d'esprit d'en- fance, satisfaisant imagination et sensibilite<br>The world where nodier lived in during his child hood and his youth put the theatre on the top of his preoccupations, making him an enthusiastic spectator, a pertinent critic and a fertile author, though rarely performed. His admiration for the great classics and shakespeare, who he praises in his dole's litterature conferences and in the newspapers, his frequentation of the theatre world, lead with a certain efficiency only to a whole series of dramatic feuilletons in the journal des debats (1814) (except some creations of which there is very few left); his ideas are classic although he accepts the rights of the genius. - his theatrical carreer covers the 1820-1828 period ; he is the author (jointly) of five plays which show some original characteristics : the frenetic inspiration, the genre -half popular, half litterary- between the melodrama and the romantic drama, the subjects coming from the foreign theatre which he defends actively and with conviction in the newspapers. - however, in his fifties, nodier shows a significant turning point : he doesn't go to the theatre anymore, his creation changes, the tale replaces the drama ; the actress reappears, as a myth ; the criticism hands o- ver to the account of real-life experience ; after having tried the pantomime for a while, nodier rediscovers the qualities of the pup- pets, which he considers now as the essential theatre, incarnating the eminent worths liberty and childhood spirit, satisfying the ima- gination and the sensitiveness
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Biard, Michel. "Jean-Marie Collot d'Herbois, homme de théâtre et homme politique (1749-1796)." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010672.
Full textAbstract:
Une légende noire tenace suit Jean-Marie Collot d'Herbois depuis deux siècles. Ce travail analyse la formation et l'évolution de cette image mythique, et permet de redonner au personnage ses véritables dimensions. Acteur dès 1767, auteur de vingt œuvres destinées à la scène, directeur des spectacles de Genève puis de Lyon, l'homme de théâtre connait apparemment des succès réitérés tant avant qu'après la césure révolutionnaire. De 1789 à 1792, il œuvre encore pour le monde du théâtre (comme auteur et comme critique), tandis que ses engagements politiques s'affirment et font progressivement apparaitre celui qui devient un homme de pouvoir. Elu à la convention par les citoyens de Paris, membre très influent des jacobins, envoyé à plusieurs reprises en mission vers les départements (Nice, Nièvre et Loiret, Oise, Lyon), il devient membre du comité de salut public en septembre 1793. À tous ces titres, il est l'un des éléments clefs pour comprendre l'an II, ses enjeux et ses drames, mais aussi la période qui suit thermidor lorsqu'il devient un bouc émissaire que ses collègues déportent vers la lointaine Guyane (il y meurt le 20 prairial an IV)<br>A gloomy, persistent legend has been following Jean-Marie Collot d'Herbois for two centuries. This work aims at analysing the building and the evolution of this mythical image and allows to give the character his true-dimension back. He became an actor as soon as 1767, is the author of 20 works meant for the stage andwas in charge of the entertainment in geneva and then in Lyon. As man of the stage he apparently enjoyed repeated success both before and after the revolutionary caesura. From 1789 to 1792, he worked once more for the world of theatre (both as author and critic) meanwhile his political commitments asserted themselves and progressively brought to light the one who later became a man of power. He was elected at the convention by the citizens of paris, became a prominent member of the jacobins and went several times on assignments to the departements (Nice, Nièvre, Loiret, Oise, Lyon). He became a member for the committee of public safety in september 1793. On these accounts he is one of the key elements in the understanding of the tragedies and challenges of the year ii, as well as the period that follows
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Lochert, Véronique. "L'écriture du spectacle : formes et fonctions des didascalies dans le théâtre européen des XVIe et XVIIe siècles." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040201.
Full textAbstract:
Cette étude explore les modalités de l'écriture et de la lecture du spectacle dans le texte dramatique, à travers les formes et les fonctions des didascalies, et leurs variations en France, en Italie, en Espagne et en Angleterre, du XVIe au XVIIe siècle. Elle met au jour l'émergence d'une notation spécifique du spectacle dans les pratiques des dramaturges, des acteurs et des éditeurs, en s'appuyant sur la théorie du théâtre. La didascalie est envisagée dans sa double fonction, au service de la représentation et de la lecture, à laquelle correspondent des formes stylistiques et typographiques qui lui assurent une efficacité simultanée auprès des acteurs et des lecteurs. Qu'elle soit redondante ou complémentaire, la didascalie joue un rôle essentiel dans l'économie du dialogue dramatique et la diversité de ses emplois en Europe révèle le statut conféré au texte dramatique dans les différentes esthétiques nationales<br>This study investigates the modes of writing and reading performance in the dramatic text through the forms and functions of stage directions and through their variations in France, Italy, Spain and England, from the sixteenth to the seventeenth century. It analyses the development of a specific notation of performance in the practices of playwrights, actors and editors, which are brought into light by the theory of theatre. Stage direction is approached in its double function, serving both performance and reading, in relation with style and typography which ensure its efficiency for actors as well as for readers. Whether redundant or complementary, stage direction plays an essential role in the economy of dramatic dialogue and the diversity of its uses in Europe reveals the status of dramatic text in the different national aesthetics
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Kurt, Williams Cigdem. "Réécrire Molière en Turquie à l'âge des réformes : seconde moitié du XIXe siècle." Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAC008.
Full textAbstract:
Dans la seconde moitié du XIXe siècle, les comédies de Molière devinrent une source féconde pour les Ottomans qui cherchaient à renouveler les arts dramatiques populaires et à créer ainsi un nouveau théâtre national. Ce travail se concentre sur les deux grands vecteurs de la transmission à l’étranger du répertoire français au XIXe siècle (les pièces qui voyagent dans leur langue originale et les traductions et autres adaptations des pièces françaises en vogue) et poursuit le but d’analyser dans sa complexité la transmission du théâtre moliéresque dans l’Empire ottoman à l’Âge des réformes. Ce travail se propose de réécrire sous un nouvel angle l’histoire de la modernité théâtrale turque en mettant l’accent sur les changements que subirent les arts du spectacle populaires face à la popularité grandissante du théâtre moliéresque dans la capitale ottomane et sur les grandes tournées dramatiques des vedettes françaises dans une Constantinople très vivante et cosmopolite<br>In the second half of the nineteenth century, Molière's comedies were seen as a fertile source of material for Ottoman playwrights eager to bring new ideas to the popular dramatic arts and to create a new form of national theater. This dissertation concentrates on two primary ways that French theater was transmitted to the theater-going public in the nineteenth century : First, plays that traveled in their original language ; and secondly, translations and adaptations of the French plays most popular at the time. This dissertation aims to analyze Molière's theater in all the complex ways it was transmitted throughout the Ottoman Empire during the Age of Reforms. This dissertation proposes a new perspective on the history of modern Turkish theater, underlining the transformation that the popular dramatic arts went into in the midst of the growing popularity of Molière's theater in the capital and the effect of French theater stars coming to what was a lively and cosmopolitan Istanbul
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Souchier, Marine. "Le statut de grand dramaturge au XVIIe siècle : Corneille, Racine et Molière, figures vedettes d’une histoire littéraire en construction (1640-1729)." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL121.
Full textAbstract:
Dès la fin du XVIIe siècle, Corneille, Racine et Molière se voient attribuer une supériorité indiscutable sur l’ensemble des autres dramaturges contemporains. Cette hiérarchie dont l’histoire littéraire actuelle a hérité continue à nous faire admettre comme une évidence la précellence accordée à ce trio de « classiques » et les études consacrées aux auteurs dits « mineurs » interrogent rarement le statut d’auteur « majeur ». Nous avons souhaité étudier le processus d’élaboration du statut de grand dramaturge. Cette thèse met ainsi en lumière les différents aspects et manifestations de cette construction, dont elle retrace les étapes du vivant des auteurs — des années 1640 à 1680 —, tout en identifiant les facteurs permettant de comprendre pourquoi ces trois dramaturges bénéficièrent d’un tel statut, au détriment de leurs confrères et concurrents. Ce travail observe ensuite l’immédiate postérité de nos auteurs — des années 1670 à 1720 —, afin de montrer comment la hiérarchisation et la classification à l’œuvre dans le double processus de majoration et de minoration desdramaturges posent les bases de l’histoire du théâtre français. Pour comprendre la constitution du panthéon des grands dramaturges, nous analysons les mécanismes d’écriture de l’histoire du théâtre dit « classique » et faisons émerger le processus de mythification qui préside à l’apparition de la « triade sacrée » Corneille- Racine-Molière. Nous expliquons alors comment l’histoire du théâtre français s’écrit à la gloire de ces auteurs, à partir et autour de leurs trois figures, classicisées et transformées en symboles du « siècle de Louis XIV »<br>From the late 17th century, Corneille, Racine and Molière are given an undeniable superiority over all other contemporary playwrights. This hierarchy, from which current literary history has inherited, continues to make us consider the pre-eminence granted to this “classical” trio as obvious and the studies devoted to the so-called “minor” authors rarely question the “major” author status. Our goal has been to study the elaboration process of the great playwright status. Thus, this PhD thesis highlights the different aspects and manifestations of this construction, retracing its stages during the authors’ lifetime — from the 1640s to the 1680s — while identifiying the factors allowing to understand why these three playwrights were given such a status, at the detriment of their colleagues and competitors. Moreover, this work studies our authors’ immediate posterity — from the 1670s to the 1720s — in order to show how the hierarchy and classification at work in the “majoration” and “minoration” process lay the foundation of French theater history. To understand how the great playwrights’ pantheon was built, we analyze the writing mechanisms of “classical” theater history and bring out the process of mythification that leads to the birth of the “sacred triad” Corneille-Racine-Molière. We then explain how the French theater history is written in praise of these authors, from and around their three figures, classicized and converted into symbols of “the age of Louis XIV”
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Johansson, Franz. "Le corps dans le théâtre de Paul Valéry." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040059.
Full textAbstract:
Parmi toutes les écritures, celle du théâtre engage le corps d’une manière particulière : elle l’accueille non seulement comme une représentation mais aussi comme un instrument, un matériau, une présence. Le dramaturge se trouve confronté au corps de la manière la plus étroite ; aux prises avec sa constitution, ses ressources, ses limites et, en définitive, avec son essence. C’est pourquoi nous abordons le rapport qui lie Paul Valéry au corps précisément à travers son expérience théâtrale : le drame est sans doute le domaine privilégié où cet auteur explore et approfondit sa relation au corps -une relation qui, pour être problématique et conflictuelle, n’en est pas moins riche. Valéry est un grand écrivain du corps. La première partie de notre étude se penche sur le rapport que l’auteur entretient vis-à-vis de l’incarnation scénique : son théâtre suppose-t-il, appelle-t-il ou, du moins, tolère-t-il le corps ? Nous sommes amenés, dans une deuxième partie, à analyser la manière dont le dramaturge se saisit de la présence vivante de l’interprète et l’incorpore dans son écriture scénique ; à définir donc la place que le corps occupe à l’intérieur de l’esthétique théâtrale de l’auteur. Dans la troisième partie, nous cherchons à préciser les représentations, les visions ou les conceptions du corps qui se dessinent au fil des drames et des ébauches tracés par l’écrivain ; en d’autres termes à déterminer quels sont les discours sur le corps que tient ce discours du corps qu’est l’oeuvre théâtrale de Valéry<br>Among all the literary genres, theatre deals with the human body in a unique way: not only is the body figured in a play but it also becomes a substance, an instrument, a presence on the stage. A playwright will always, in some way or another, be confronted with the body in the meaning of its biological constitution, its shape and movement, its resources and limitations and, ultimately, its essence. Theatre is therefore one of the most interesting fields for studying Valéry’s approach to the human body : in no other part of his work does the writer embrace the body in such an immediate, complex, profound - and nonetheless problematic and ambiguous -way. Valéry is an immense artist of the body. The first part of this work explores how Valéry contemplates the experience of theatrical embodiment: do his dramatic works and projects need and call on the actor’s active matter ? Or do they, at least, tolerate it ? The second part analyses the different ways in which Valéry’s aesthetic principles incorporate the presence and movement of the body in dramatic writing: how are the expressive means of the actor seized and transformed by artistic conventions, processes or techniques ? The last part aims to specify the conceptions of the body that emerge from Valéry’s plays and drafts: what does this theatre, as a language of the body, tell us about the human body ?
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Julian, Thibaut. "L’Histoire de France en jeu dans le théâtre des Lumières et de la Révolution (1765-1806)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040181.
Full textAbstract:
Le second dix-huitième siècle est marqué par une profonde reconfiguration du cadre politique qui se traduit par un essor concomitant de la critique publique et du patriotisme. Le théâtre participe au mouvement. Dans le sillage de Voltaire, des auteurs très divers s’emparent de l’Histoire de France, renouvelant les genres théâtraux et le rapport au spectacle. Aux pièces épiques ou sentimentales du « genre troubadour » s’ajoutent bientôt les anecdotes biographiques consacrées aux Grands Hommes, puis les « apothéoses dramatiques » et les « faits historiques » contemporains de la Révolution. Cet ensemble hétéroclite de pièces jouées sur des théâtres officiels, en société ou seulement diffusées par écrit, constitue ce que nous appelons le théâtre national des Lumières et de la Révolution. À travers l’étude des textes et de leur réception, nous analysons comment la représentation de l’Histoire de France participe aux transformations des mentalités, selon un effet de miroir passé-présent plus ou moins explicite. Aux enjeux esthétiques et dramaturgiques emblématiques de cette période charnière entre classicisme et romantisme, le théâtre national mêle des enjeux politiques et mémoriels : plus qu’un divertissement moral, il est conçu comme un dispositif civique. Il construit un patrimoine historique collectif avec des mythes et des légendes, mais les intentions idéologiques divergentes des auteurs et la participation active des publics en font un lieu de dissensus. Le théâtre national médiatise également les tensions de la société et recherche des émotions qui oscillent entre l’admiration, l’attendrissement, la déploration indignée et l’horreur face aux blessures du passé<br>The second half of the eighteenth-century is characterized by a thorough transformation of the political world, a change which reflected the simultaneous development of public criticism and patriotism. Theatre plays a key role in this process. Following Voltaire, a variety of playwrights use French history for their plots, and in so doing they update genres and audience expectations. Alongside epic or sentimental plays of the troubadour genre, bio-dramas of “Great Men” soon appeared, followed by dramatic apotheoses and the Revolution’s “faits historiques”. This varied corpus of plays – performed ¬ or not, on official or private stages – constitutes what we may call the national drama of the Enlightenment and the French Revolution.By studying these texts and their reception, I analyse how the theatrical representation of French history and its ability to act as a mirror between the past and the present contribute to the contemporary changes in thought. National drama not only showcases the esthetical and dramaturgic debates of this turning point between classicism and romanticism, but it additionally implicates issues of politics and memory: it is more than simple moral entertainment, it has civic value. These productions create a collective historical heritage with its own myths and legends, but the playwrights’ contradictory ideological intentions and the audiences’ active participation also make this theatre a site of dissent. National drama also expresses contemporary social strains and seeks to evoke specific emotions such as admiration, empathy, outrage and horror in the face of the past’s wounds
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Triau, Christophe. "Dramaturgies du monologue dans le théâtre du XVIIe siècle." Paris 10, 2003. http://www.theses.fr/2003PA100097.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie les statuts et les utilisations dramaturgiques du monologue dans le théâtre français du XVIIe siècle, de 1616 à 1677. Elle analyse d'abord son évolution numérique, sa place dans les discours théoriques et ses spécificités scéniques (performance, métadramaticité). Elle l'aborde à travers les oeuvres de Racan, Viau, Corneille (de Mélite à Rodogune), Molière et Racine (et, incidemment, Mainfray, Mairet, Rotrou). Il y apparaît comme un élément problématique de la mimèsis dramatique, point d'ancrage du jeu sur les points de vue internes et leurs contradictions : dans la succession du défilé pastoral, par l'établissement de commentaires singuliers sur la fiction comique, ou au sein de la perspective tragique qu'il complexifie ; et comme le lieu privilégié d'exposition de la persona, et donc de l'adhésion du spectateur à celle-ci, qu'il l'impose par l'affirmation tautologique et hyperbolique, ou, avec la scission particulier/public, puisse jouer à la rendre labile<br>This study is about the status and the dramaturgical uses of the monologue in French seventeenth century theatre, from 1616 to 1677. It first analyses its numerical evolution, how theory talks about it, and its specificities on the stage (performance, metadramaticity). It studies it through the works of Racan, Viau, Corneille (from Mélite to Rodogune), Molière and Racine (and, sometimes : Mainfray, Mairet, Rotrou). The monologue appears as a problematical element of the dramatic mimesis, a base of the game on the internal points of view and their contradictions : in the pastoral defile, by constructing singular commentaries of the comic fiction, or inside the tragic perspective it makes more complex ; it also appears as a privileged way of the exposition of the persona, and, so, of the relation the audience can build with her, wether it “imposes” her in a tautological and hyperbolic way or, in these times of split between public and particulier, it plays with making her uncertain
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Li, Min-Yuan. "Apports des traditions scéniques orientales dans les théories esthétiques et les pratiques du théâtre européen au XXe siècle." Thesis, Lyon 2, 2013. http://www.theses.fr/2013LYO20029/document.
Full textAbstract:
Dans la dernière dizaine années du 19ème siècle, les créations de Lugné-Poe et d’Antoine expérimentent de nouvelles esthétiques de représentation et voient dans la mise en scène l’essence de la création théâtrale. Le metteur en scène devient lui-même auteur, au point de jouer parfois un rôle prédominant. Tout au long du 20ème siècle, cette évolution de la mise en scène, en s’accélérant parfois brutalement, a pu atteindre une certaine anarchie. C’est pourquoi l’esthétique de la tradition scénique orientale, qui passe par des formes artistiques reproductibles, voire stéréotypées, a pu fournir des repères et des garde-fous. Paul Claudel est le premier à en avoir une réelle connaissance grâce à ses longs séjours en Asie. Il intègre les traditions, les cultures et les philosophies orientales dans son écriture théâtrale, et propose une nouvelle forme épique et lyrique de la dramaturgie, comme dans Le Soulier de satin et Christophe Colomb. Dans une proposition de théâtre symboliste, il met en scène de véritables poèmes reflétant sa cosmologie et sa vision poétique, en réalisant pratiquement le « théâtre total » dont rêve Jean-Louis Barrault. Au début du 20ème siècle, plusieurs expositions coloniales introduisent l'Orient en Occident. Elles donnent aux Occidentaux l'occasion d'un contact direct avec les traditions scéniques orientales. Les jeux formalistes, sacrés et esthétiques, de la poésie symbolique, séduisent les intellectuels et les artistes. En particulier, les représentations de Sada Yacco et Mei Lan-Fang déclenchent l’enthousiasme. Les théoriciens-metteurs en scène sont passionnés par les jeux expressifs et métaphoriques de leurs corps robustes, agiles et bien proportionnés, par leurs attitudes modérées et discrètes, tous façonnés selon la tradition séculaire orientale. Bien qu'il y ait des nuances entre les divers théâtres asiatiques, on les regroupe sous la dénomination usuelle de « théâtre oriental ». C'est la raison pour laquelle nous avons analysé à la fois les chocs provoqués par les trois grands événements qu’ont été, en Europe, successivement la visite de la troupe de Sada Yacco en 1901, l’Exposition Coloniale en 1931, et l’arrivée de Mei Lan-Fang en 1935, sur le théâtre occidental, mais aussi les origines et les caractères communs des théâtres asiatiques .Dès lors que les artistes innovants découvrent le théâtre oriental, ils sont subjugués par l’authenticité de sa théâtralité et l’opposent au théâtre occidental, dont ils dénoncent les défauts de la convention théâtrale. Les traditions scéniques orientales leur présentent des esthétiques paradoxales : des embellissements dépouillés mais enrichissants sur le plan métaphorique, des jeux artificiels stylisés mais révélant les détails réalistes, des créations contraintes par la tradition mais libérées par le talent des artistes, des représentations courtes mais requérant un long temps d’apprentissage, un seul art théâtral intégrant divers arts. Se référant à ces formes caractéristiques orientales, Craig cherche à trouver une « forme définie », Meyerhold tend à établir une nouvelle convention de théâtralité, Brecht approfondit sa théorie et son écriture visant à l'effet de la « distanciation » et Artaud désire « en finir avec les chefs-d’œuvre » et faire parler le propre langage scénique. Après ces innovateurs qui ont découvert la source de l’Orient, les metteurs en scène suivants, tels Grotowski, Barba, Brook et Ariane Mnouchkine, orientent leur recherche spirituelle et introspective vers l'Orient, en engendrant leur propre esthétique réalisée par la pratique. De la sorte, cette dernière ne relève plus d’une unique tradition orientale ou de la convention occidentale, mais d’une fécondation née de leur appropriation de l’Orient mêlée à leur propre personnalité, leur « tribu » et leurs préférences culturelles<br>In the last decade of the 19th century, works of Lugné-Poe and Antoine experiment a new aesthetic representation and search the essence of the theatrical invention in the mise en scène. The director (metteur en scène) becomes the author; toa certain extent, sometimes, s/he takes the predominant role. Throughout the 20th century, the evolution of the directing (mise en scène) accelerates abruptly and it is so violent and sometimes it reaches to a state of anarchy. This is why the aesthetics of oriental scenic tradition, which goes through reproducible art forms, even stereotypical, could provide beacon and safeguards.Paul Claudel is the first person who acquires knowledge about the Orient due to his long stays in Asia. He incorporates the oriental traditions, cultures and philosophies in his playwriting, and proposes new epic and lyric forms in theater, likeone sees in The shoe of satin and Christophe Columbus. Proposing a symbolist theater, he had staged real poems which reflect his cosmology and his poetic vision. Claudel had achieved what Jean-Louis Barrault dreamed of -the "total theater."In the early 20th century, several colonial exhibitions introduced the East to the West. They gave Westerners an opportunity of directly absorbing the oriental scenic tradition. The formalists acting— sacred and aesthetics— in symbolic poetry attractsintellectuals and artists. Particularily, the representations of Sada Yacco and Mei Lan-fang were most enthusiastically received. The theoretical directors were passionate about the expressive and metaphorical acting of their robust,well-proportioned yet flexible bodies, about their moderate and discreet attitude, which were shaped by the ancient Eastern traditions. Although there were slight differences among various Asian theaters, they were grouped under the common name of "Oriental Theatre". In this sense, I would like to analyze the impacts caused by three major events of the western theater history in Europe: the successive visitings of troupe Sada Yacco in 1901, the Colonial Exhibition in 1931, and the arrival of Mei Lan-Fang in 1935. At the same time, we should trace the origins and common characteristics of Asian theaters.When the innovative artists discovered the eastern theater, they were overcame by the authenticity of its theatricality and they mirror the Western theater in opposition to the Eastern theater, in which they denounce the shortcomings of Westerntheatrical convention. The oriental scenic tradition shows them the paradoxical aesthetic: (1) unornamented decoration yet enriching in the metaphorical layout; (2) stylized artificial acting but realistic-details revealing; (3) short performance butrequiring long-term training; (4) creations constrained by tradition but set free by the talent of artist; (5) one theatrical art integrating various arts.Referring to these oriental characteristic forms, Craig seeks to find a "definite form", Meyerhold tends to establish a new convention of theatricality. As for Brecht, he goes further into developing theory, and his writing aims to produce the effect of"alienation." Artaud, on the other hand, wants to "terminate the masterpieces" and allow real stage language to speak for itself.After these pioneers who discovered sources from the Orient, directors who follow these doctrines such as Grotowski, Barba, Brook, and Ariane Mnouchkine turn their spiritual search and introspective towards the Orient, in hopes of generating their own aesthetics which could be realized in practice. Therefore, their creations reflect not merely Eastern traditions nor do they apply only Western conventions, but they are fertilized and born out of their appropriation to the Orient, mingled with these directors’ own personality, their "tribe" and their cultural preferences
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Hjort, Mette. "Le procès du spectacle : les enjeux théoriques du discours théâtral au dix-septième siècle." Paris E.H.E.S.S, 1989. http://www.theses.fr/1989EHES0330.
Full textAbstract:
Dans cette these nous etudions un corpus double, compose, d'une part, de certains textes-cles de la pensee philosophique allemande et anglo-americaine et, d'autre part, de quelques pamphlets polemiques constitutifs des querelles du theatre en france et en angleterre au dix-septieme siecle. Deux buts sont vises par un tel rapprochement : nous nous interrogeons sur la validite empirique et sur la coherence theorique des principes de base d'une certaine doctrine de l'autonomie esthetique; nous essayons d'esquisser une approche proprement pragmatique de l'analyse de l'histoire du theatre. Plus precisement, nous pretendons que les theses universalisantes proposees dans le cadre d'une reflexion esthetique d'inspiration kantienne se voient contredites par l'etude d'un champ discursif precis, celui des querelles du theatre au dix-septieme siecle<br>My thesis deals with two topics : philosophical aesthetics and the debates concerning the legitimacy of theater in 17th-century france and england. My goal is to provide an empirical evaluation of some of the main tenets of aesthetic autonomy, and to develop a genuinely pragmatic approach to theater. To that end, i contrast aspects of the history of drama to a particular philosophical aesthetics, namely the neo-kantian tradition that insists on the autonomy of art. My claim is that this tradition's universalistic theses concerning the non-referential nature of literature, the disinterested nature of aesthetic conventions and rules, are flatly contradicted by the documents that make up the "querelles du theatre". The conclusion to be drawn, then, is that we should not accept the claims typically made for the descriptive validity of the doctrine of aesthetic autonomy
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Visentin, Hélène. "Le théâtre à machines en France à l'âge classique : histoire et poétique d'un genre." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040123.
Full textAbstract:
La présente thèse porte sur l'histoire du théâtre du XVIIe siècle, plus particulièrement sur le genre du théâtre à machines, forme de théâtre à grand spectacle de source essentiellement mythologique. Nous nous proposons de retracer la révolution du théâtre à machines, d'en comprendre les structures et de définir la nouvelle esthétique que met en place cette forme dramatique afin d'ouvrir des perspectives nouvelles, ou s'affinera notre connaissance particulière du genre, et de là notre perception d'ensemble de l'esthétique théâtrale française du XVIIe siècle. Trois problèmes retiennent notre attention : les questions de poétique et de dramaturgie, les conditions matérielles et la réception par le public. Ce faisant, il s'agit, d'une part, de replacer le théâtre à machines dans son contexte social et culturel, en réhabilitant ce corpus dans la production dramatique du grand siècle ; d'autre part, de réévaluer l'appréciation de la poétiique classique à la lumière d'un genre trop longtemps négligé et pourtant capital pour comprendre les enjeux du théâtre de cette époque.