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Dissertations / Theses on the topic 'Théâtre – Histoire – 16e siècle'
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Guinle, Francis. "Accords parfaits : les rapports entre la musique et le théâtre de l'avènement des Tudors au début de la carrière de Shakespeare, c. 1485-1592." Paris 7, 1986. http://www.theses.fr/1986PA070138.
Full textAbstract:
L'évolution du théâtre en Angleterre au XVIème siècle est étroitement liée à l'évolution sociale, politique et religieuse. Le théâtre évolue à partir de formes et de structures bien définies. Sous l'influence du théâtre classique, des farces françaises et des comédies italiennes, il intègre de nouveaux éléments, mais garde les composantes essentielles de sa propre tradition, les adaptant aux conditions et modes de représentation nouveaux que rencontrent les troupes de professionnels adultes et les troupes d'enfants. L’utilisation du langage vernaculaire et la présence constante de la musique dans des fonctions bien définies sont des aspects permanents de ce théâtre. A travers des schémas et des conventions établis, l'élément musical est étroitement lié à la structure et aux thèmes des pièces. Il est analysé dans son contexte, à travers le répertoire des troupes d'acteurs adultes et celui des troupes d'enfants. La notion de détournement de l'harmonie céleste par les vices des pièces morales constitue un élément fondamental dans l'utilisation et la fonction de la musique, et en particulier de certaines formes de chansons que l'on retrouve souvent associées à des personnages : serviteurs, pages, personnages de basse condition sociale, dans les comédies de cour pré-shakespeariennesThe evolution of drama in England in the 16th century is linked to the social, political and religious evolution. Drama evolves from well-established forms and structures. Under the influence of classical drama, the French farce and Italian comedy, it integrates new elements, but also retains the essential components of its own native traditions, adapting them to the new modes and conditions of performance met by the adult professional actors and the children's troupes. The use of the vernacular and the constant presence of music with well-defined functions are permanent aspects of this drama. Through established patterns and conventions, the musical element is closely linked to the structure and themes of the plays. It is analyzed here in its context throughout the repertoire of adult and children's troupes. The concept of a distortion and misappropriation of celestial harmony by the vices of the moral plays constitutes a basic element in the use and function of music, and in particular some forms of songs often associated with servants, pages, and in general low characters in pre-shakespearean court comedies
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Jaëcklé-Plunian, Claude. "L'historiographie du théâtre au XVIIIe siècle : la venue du théâtre à l'histoire." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030091.
Full textAbstract:
L'historiographie du théâtre du XVIIIe siècle en France s'ouvre sur une série d'ouvrages ecclésiastiques qui font de l'histoire un instrument contre la danse et la comédie avec en réplique des apologies. À partir de 1730 paraissent plusieurs histoires du théâtre. Leurs auteurs, Brumoy, Riccoboni, Maupoint, Parfaict, Beauchamps, qui ne sont pas des savants, mais sont liés avec " la profession ", se livrent à des recherches dans des bibliothèques publiques ou privées, exploitant les collections de riches amateurs ou faisant appel, par l'intermédiaire des journaux, à l'érudition des particuliers. Fontenelle avait ouvert la voie avec l'Histoire du théâtre françois, qui sert de guide pour ses sources, son plan, son style ; et surtout sa lecture intelligente du passé rompait le fil des publications pour ou contre la comédie. Fort de ce précédent, nos historiens organisent leur matière selon des modèles connus : les bibliographies de la Renaissance leur fournissent le moule de leurs listes d'auteurs et de pièces. Ils publient des inédits, des extraits, des analyses. Ils font l'histoire de tous les spectacles. L'histoire du théâtre offre un espace neuf où peut s'attacher la réflexion sur la relativité des cultures par rapport aux valeurs morales et religieuses dominantes. Les dissertations des académiciens accompagnent ce mouvement. Leurs épigones sont journalistes, encyclopédistes ou " bohèmes littéraires " et multiplient les publications d'almanachs, dictionnaires : ils font la chronique de l'histoire de leur temps, amassant des matériaux qu'ils laissent aux générations suivantes le soin d'arrranger ; sollicités par les misomimes, ils mettent leur énergie dans la réforme du théâtre, utopie qui les absorbe et dans laquelle ils déploient une ingéniosité parfois ahurissante. Ils se nomment Mouhy, Du Coudray, Rétif ou Nougaret. Le siècle écoulé, Suard revient à l'Histoire du théâtre français de Fontenelle, introduisant Sainte-BeuveThe 18th century historiography of French theatre opens with a series of ecclesiastical works which make this history an instrument against dance and theatre, though there are some sharp retorts. Beginning in 1730 several theatre histories appear. Authors such as Brumoy, Riccoboni, Maupoint and Beauchamps, who are mainly not scholars but often have ties to professionnal theatre, engage in research in both public and private libraries, using collections of wealthy theatre lovers as well as the medium of press and the erudition of private individuals. Fontenelle had opened the door with his History of French Theatre which served as a beacon for its sources, framework, literary style and above all his intelligent reading of the past, whitch ruptured the thread of those publications that were either for or against the theatre. Empowered, our historians organize their material according to known models : Renaissance bibliographies give them the matrix for lists of authors of plays. Previously unseen original material as well as extracts and analyses are published. They create a virtual history of drama and theatre. This history offers them a new space where they can reflect on cultural relevance regarding the relationship of dominant moral and religious values. The essays of academicians accompany this mouvement. Their disciples are journalists, encyclopaedists or 'literay bohemians'. Publications of almanachs and dictionaries which chronicle the history of the times multiply, amassing materiel that will be left to succeeding generations to sort out. Solicited by the misomimes, they invest their energy in reforming a theatre which for them is an engrossing utopia , a place where they sometimes display astonishing ingenuity. They are called Mouhy, Du Coudray, Rétif or Nougaret. With the passing of the century, Suard returns to Fontenelle's History of French Theatre, paving the way for Sainte-Beuve
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Fouassier, Frédérique. "Représentations de la transgression sexuelle féminine dans le théâtre anglais de la Renaissance." Tours, 2005. http://www.theses.fr/2005TOUR2005.
Full textAbstract:
Cette étude analyse les modes et stratégies de représentation de la transgression sexuelle féminine dans le théâtre anglais de la Renaissance. La majorité des œuvres retenues se situe au tournant des XVIème et XVIIème siècles. Notre démarche analytique pluridisciplinaire est à la croisée des critiques féministe et psychanalytique avec mise en contexte des œuvres analysées. Nous adoptons une réflexion en trois temps symbolisés par l'antithèse, le chiasme et l'oxymore. Notre premier chapitre aborde la prostituée professionnelle opposée à la femme " vertueuse ". Les chapitres suivants envisagent la prostituée dans sa relation avec l'autre pôle, double, de l'antithèse. Le second chapitre étudie les liens prostituée-épouse, qui révèlent que l'antithèse dissimule un chiasme. Le troisième considère les relations prostituée-vierge. L'opposition cache un oxymore, qui trouve son expression dans la figure de la prostituée repentie. Nous posons en prologue des repères génériques et stylistiques.
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Visentin, Hélène. "Le théâtre à machines en France à l'âge classique : histoire et poétique d'un genre." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040123.
Full textAbstract:
La présente thèse porte sur l'histoire du théâtre du XVIIe siècle, plus particulièrement sur le genre du théâtre à machines, forme de théâtre à grand spectacle de source essentiellement mythologique. Nous nous proposons de retracer la révolution du théâtre à machines, d'en comprendre les structures et de définir la nouvelle esthétique que met en place cette forme dramatique afin d'ouvrir des perspectives nouvelles, ou s'affinera notre connaissance particulière du genre, et de là notre perception d'ensemble de l'esthétique théâtrale française du XVIIe siècle. Trois problèmes retiennent notre attention : les questions de poétique et de dramaturgie, les conditions matérielles et la réception par le public. Ce faisant, il s'agit, d'une part, de replacer le théâtre à machines dans son contexte social et culturel, en réhabilitant ce corpus dans la production dramatique du grand siècle ; d'autre part, de réévaluer l'appréciation de la poétiique classique à la lumière d'un genre trop longtemps négligé et pourtant capital pour comprendre les enjeux du théâtre de cette époque.
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Requemora, Sylvie. "Littérature et voyage au XVIIe siècle : (récit, roman, théâtre)." Aix-Marseille 1, 2000. http://www.theses.fr/2000AIX10012.
Full textAbstract:
L'etude des liens entre la litterature et le voyage permet d'analyser la topique de l'homo viator a la fois dans sa realite, a travers des recits de voyage authentiques, et dans ses traitements litteraires, a travers la production romanesque, theatrale et poetique de la meme epoque. Le corpus couvre une periode qui s'etend de la fin du xvieme siecle jusqu'aux premieres annees du xviiieme siecle, depuis montaigne et lery jusqu'a la traduction des mille et une nuits de galland, en passant par de grandes oeuvres comme polexandre, ibrahim, le bourgeois gentilhomme, bajazet ou les aventures de telemaque, et par des oeuvres moins connues (relations de voyageurs, recits de flibustiers, tragi-comedies, ballets, romans baroques, alchimiques, libertins, voyages imaginaires, utopies, etc. ). L'espacegeographique considere couvre les quatre points cardinaux (indes orientales et occidentales, laponie, barbarie, cafrerie) et privilegie l'outremer par rapport au voyage en europe. La premiere partie de la these s'attache a la lettre meme des textes recenses, afin de mettre en valeur la verite litteraire de cette interinfluence entre voyage et litterature en degageant des arts poetiques viatiques mixtes. La seconde confronte l'ecriture a l'imaginaire de l'ailleurs, le texte a la culture de son contexte a travers l'etude des images, de la cartographie allegorique et de notions telles que la curiosite, le merveilleux, le vraisemblable, les stereotypes, pour arriver a preciser les fonctions du voyage. La derniere partie essaie de penser les sens ideologiques que le voyage prend au xviieme siecle (reflexions sur l'autre, soi, l'etat, le droit, la religion, la nature humaine). L'interference des ecritures et des imaginaires s'avere etre le lieu privilegie de la comprehension d'une certaine "modernite" du xviieme siecle, creant et metamorphosant des genres en fonction d'experiences et d'idees nouvelles.
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Lebel, Hélène. "Le théâtre à Paris (1880-1914) : reflet d'une société?" Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010586.
Full textAbstract:
L'étude des pièces de théâtre jouées à Paris entre 1880 et 1914 et sélectionnées à partir de l'illustration, son supplément théâtral et la revue des deux mondes révèle d'abord l'ouverture des théâtres parisiens aux dramaturgies étrangères : influences anglaises dans les années 1880, puis scandinaves dans la décennie 1890 et enfin, anglo-saxonnes, italiennes, allemandes et slaves au début du vingtième siècle. Par ailleurs, se dégage des pièces françaises une image bourgeoise de la société. Numériquement premier groupe social au théâtre, la bourgeoisie y est aussi représentée de manière souvent avantageuse. De plus, les autres catégories sociales (nobles, paysans, ouvriers et artistes), perçues par le prisme des valeurs bourgeoises, sont le plus souvent raillées, méprisées voire haies. Enfin, les principales inquiétudes de la bourgeoisie s'expriment au théâtre: question sociale, préoccupations religieuses, interrogations sur l'émancipation des femmes et des enfants hors de l'autorité masculine ainsi que sur la légalisation du divorce et surtout, inquiétudes patriotiques à une époque de plus en plus marquée par les tensions internationales et en particulier par les rivalités franco-allemandes à l'approche de la première guerre mondialeThe study of the plays given in Paris between 1880 and 1914 and selected from l'illustration, its theatre supplement and the revue des deux mondes, shows that many foreign plays appear on the parisian stage : British plays in the 1880's, Scandinavian drama in the 1890's and Italian, German and Slavonic plays in the early twentieth century. Besides, French drama gives a reflection of reality through middle class eyes. In term of numbers the first social group on the stage, the middle classes, are also represented in a favourable light. The other social groups (nobility, peasants, the working class and artists) looked at from the middle class point of view, are laughed at, despised or hated. Finally the mains reasons for middle class fears appear on the stage : social problems, religious preoccupations, questions about the emancipation of women and children from male authority, the legalization of divorce and specially patriotic fears in a period which is more and more characterized by international tensions between France and Germany in the immediate pre-first-world war period
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Di, Bella Sarah. "L'expérience théâtrale dans l'oeuvre théorique de Luigi Riccobini : contribution à l'histoire du théâtre au XVIIIe siècle." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100159.
Full textAbstract:
Cette étude propose une réflexion sur le rapport entre théorie théâtrale et " expérience " à partir de l'examen de l'œuvre théorique du comédien italien Luigi Riccoboni (Modène 1676 - Paris 1753). Ses écrits d'histoire du théâtre et d'art dramatique révèlent une véritable théorie de l'" expérience ", allant de la " pratique " à l'" expérience vécue ". Emergent alors la théorisation du professionnalisme théâtral et une écriture résolument disciplinaire. Dans le projet de " réformation ", discours disciplinaire et ambitions bourgeoises convergent dans une vision panoptique de l'espace théâtral. Luigi Riccoboni mène son combat théorique, duquel dépend son " salut social ", en reliant systématiquement le discours sur l'art du comédien au langage disciplinaire des pratiques sociales " de l'honneur ", instaurées par la Renaissance italienne et qui, au XVIIIe siècle, allaient de la pensée politique disciplinaire de la surveillance jusqu'aux rituels de la sociabilité maçonnique de son tempsTaking its point of departure in the theoretical writings of Italian actor Luigi Riccoboni (1676-1753) this study proposes a reflection on the relationship between the theory and the experience of theatre. The writings of Riccoboni on the artistic and historical dimensions of theatre reveal a genuine theory of experience, encompassing both the concrete practice and the sedimentated Erlebnis. From this theory emerges the professionalism of theater and a genuine disciplinarian discourse. In this reformatory project, the disciplinarian discourse and the social ambitions of Riccoboni converge in a panoptic vision of the very space of theater. Luigi Riccoboni leads his combat, on which his social success depends, by connecting the discourse on the art of the comedian to the disciplinarian language of the "honorable" social practices which were present in both political thought on disciplinary surveillance as well as in the contemporary social rites of freemasonry
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Stawarz-Luginbühl, Ruth. "La tragédie biblique d'inspiration huguenote en France dans la seconde moitié du XVIe siècle (1550-1573) : un théâtre de l'épreuve." Thesis, Paris Est, 2010. http://www.theses.fr/2010PEST0015.
Full text
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Henriot, Eric. "Prosper Mérimée et le théâtre." Nancy 2, 2007. http://www.theses.fr/2007NAN21007.
Full textAbstract:
La carrière littéraire de Mérimée ne commence pas avec ses premières nouvelles. Dès 1825, le Théâtre de Clara Gazul constitue un élément important de la bataille que livrent de nouveaux dramaturges pour libérer la scène de la présence encore très forte de la tragédie classique. L'écriture de pièces de théâtre se poursuit, à un rythme irrégulier, tout au long de sa vie. L'étude proposée est un plaidoyer pour la reconnaissance de ce théâtre et de ses qualités dramatiques. De nombreuses relations, des découvertes théâtrales multiples, une participation effective dans les combats littéraires des années 1830, prédisposent Mérimée à s'intéresser à l'écriture dramatique. Le recensement des pièces et de leurs éventuelles représentations, la comparaison avec d'autres créations contemporaines, l'observation des écrits théoriques, des différentes préfaces et de l'accueil public qui a accompagné cette production, donnent une idée du succès de ce théâtre et de son importance dans la création artistique du 19e siècle. L'analyse littéraire de ces pièces, abordant les domaines de la composition, des personnages, du choix des lieux et des époques, de la couleur locale et de la langue, confirme l'extraordinaire efficacité dramatique de ce théâtre trop injustement méconnuThe literary career of Mérimée does not begin with his first short stories. Since 1825, the Clara Gazul's theatre has been an important factor in the battle new playrights have fought to liberate the stage from the still strong presence of classical tragedy. His writing of theatre plays continued, albeit irregularly, throughout his life. This study is a plea for the recognition of this theatre and of his dramatical qualities. A lot of relationships, many theatral innovations, a real participation in the literary battles of the 1830ies predispose Mérimée to be interested in dramatical writing. The inventory of the works and their possible performances, the comparison beetween other contemporary creations, the observation of his theoretical texts, of the different forewords and of the public reception of this production, give an idea of this successful theatre in the 19th century and of his importance in the artistic creation of this time. The literary analysis of these plays, concerning the structure, the protagonists, the choice of the places and of the times, of the local colour and of the style confirms the extraordinary effectiveness of this underservedly neglected theatre
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Marques, Fernando Carmino. "Le théâtre au Portugal, 1800-1822." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040251.
Full textAbstract:
Entre 1800 et 1822 une suite d'évènements politiques majeurs bouleversa sensiblement l'histoire du Portugal. En étudiant le théâtre de cette période nous avons cherché à dégager les principales lignes d'un genre très prisé. Plus de sept cents pièces représentées au cours de ces années constituent le répertoire. Cependant, cette vaste production, de même qu'une analyse du contexte dans lequel ce théâtre était présenté au public n'avait - à notre connaissance - jamais été étudiée dans le détail. C'est le but de notre travail. Nous soulignons la spécificité de ce théâtre et sa contribution à l'histoire du genre, tout particulièrement au Portugal. Il s'agit d'un théâtre qui s'inscrit dans une ligne de continuité du théâtre européen de la même période, annonçant également des préoccupations - esthétiques et formelles - nouvelles. Précédant ainsi et sur plusieurs aspects des idées chères aux romantiquesBetween 1800 and 1822, an ensemble of major political events appreciably upset the history of Portugal. While studying the theatre of this period, we have sought to unravel the principal lines of the most appreciated kinds. More than seven hundred plays presented to the public, has never - to our knowledge - been studied in detail. This is the goal of our work, in which we underline the specificity of this theatre and what it brought to the history of the theatre, particularly in Portugal. It is a theatre which inscribes itself in line with the continuity of the European theatre of the same period but which also takes into consideration previous new aesthetic and categorical preoccupations, and many aspects of ideas dear to romantics
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Coulomb, Olivia. "Stases et statues : l’art de l’immobile dans le théâtre élisabéthain et jacobéen." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2017. http://www.theses.fr/2017CLFAL004/document.
Full textAbstract:
L’art de la statuaire à l’époque élisabéthaine et jacobéenne a subi les contrecoups de plusieurs siècles d’instabilité politique et religieuse. Cependant, l’Angleterre de la fin du XVIe et du début du XVIIe siècle a fait montre d’un intérêt – pour ne pas dire d’un engouement – tout particulier envers des artistes italiens et flamands célèbres pour leur approche tant artistique que théorique de la sculpture. Si maintes études ont déjà été réalisées sur la peinture et la place problématique des images dans l’Angleterre de la Réforme, peu d’études, en revanche, ont été consacrées aux images en trois dimensions et à leur impact sur le public.Mon travail de thèse s’efforce donc d’analyser le contexte politique, religieux et culturel dans lesquels s’inscrivaient les statues à l’époque, d’une part, et de définir précisément la manière dont elles apparaissaient sur la scène élisabéthaine et jacobéenne, de l’autre.Dans un premier temps, j’ai souhaité inventorier les événements historiques et les textes dans lesquels les statues ont eu une place prépondérante, sans négliger l’aspect juridique relatif à la production des images. J’ai ensuite analysé sous un angle plus littéraire des pièces majeures tirées du corpus shakespearien telles que Roméo et Juliette, Jules César, Antoine et Cléopâtre et Le conte d’hiver. En dernier lieu, j’ai cherché à mettre en lumière l’art de la stase et de la statuaire dans le théâtre jacobéen en prenant pour objets d’étude les moments d’immobilité et de pétrification des personnages dans Bussy d’Amboise de George Chapman, La duchesse d’Amalfi de John Webster, et Une partie d’échecs de Thomas Middleton.Le double objectif de cette thèse est, in fine, de comparer l’impact de la statue et de ses représentations sur scène sur deux publics de la première modernité, l’un élisabéthain, l’autre jacobéen, et de prouver la réelle importance de la statuaire au sein même de l’univers théâtral de Shakespeare et de ses contemporainsThe art of statuary in the Elizabethan and Jacobean era has suffered from the repercussions of several centuries of political and religious instability. However, early modern England proved particularly interested in, if not totally fascinated by, Italian and Flemish artists famous for their artistic and theoretical approach to sculpture. Although many studies have already been made on painting and the problematic place of images in Reformation England, only a few books have focused on three-dimensional images and on their reception.My dissertation therefore seeks to analyze the political, religious and cultural context in which the statues were inscribed at the time, on the one hand, and to precisely reassess the ways in which they appeared on the Elizabethan and Jacobean stage, on the other hand.First, I pay attention to the historical events and texts in which statues have had a prominent place, taking into account the legal aspect related to the production of early modern images. This leads me to study from a more literary perspective major plays from the Shakespearean corpus such as Romeo and Juliet, Julius Caesar, Antony and Cleopatra and The Winter's Tale. Finally, I seek to highlight the art of stasis and statuary in the Jacobean drama by focusing on the moments of immobility and petrification of the characters in George Chapman’s Bussy d’Ambois, John Webster’s The Duchess of Malfi, and Thomas Middleton’s A Game at Chess.The double objective of this thesis is, in fine, to compare the impact of the statue and its representations on stage on two different types of audience both belonging to the early modern era (one Elizabethan, the other Jacobean), and to prove the importance of the statuary within the dramatic universe of Shakespeare and his contemporaries
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Di, Profio Alessandro. "L'opera buffa à Paris : le cas du Théâtre de Monsieur et du Théâtre Feydeau (1789-1792)." Tours, 1999. http://www.theses.fr/1999TOUR2022.
Full textAbstract:
Le 26 janvier 1789, un nouveau théâtre ouvrit ses portes à Paris. Cet établissement était placé sous la protection de Monsieur, comte de Provence, futur Louis XVIII. Le Théâtre de Monsieur, rebaptisé Théâtre Feydeau en 1791, permit la réalisation d'un ancien projet que la cour, en particulier la reine Marie-Antoinette, encourageait depuis quelques années, à savoir l'implantation à Paris d'un théâtre avec une troupe stable de chanteurs italiens. Paris pouvait ainsi récupérer un long retard puisque le système de privilèges voulu par Louis XIV et par son ministre Mazarin avait écarté de la France, à la différence des autres pays d'Europe, une véritable production d'opéras italiens. Cette thèse a comme objectif principal l'étude du corpus d'opéras italiens produits dans ce théâtre. De janvier1789 à aout 1792, trente-quatre opéras furent représentés sur cette scène, dans des versions souvent profondément remaniées de l'original. Le but de cette thèse a été double : d'une part reconstituer l'histoire de ce théâtre, les différentes tentatives d'implantation à Paris d'un théâtre italien, les enjeux politiques et culturels, et d'autre part étudier en quoi les profondes différences entre les poétiques française et italienne conditionnèrent le choix du répertoire et l'adaptation des œuvres pour la scène parisienne. Comparé aux théâtres de grandes cours européennes, le Théâtre de Monsieur était un théâtre atypique : on n'y représenta que des opéras de répertoire et de genre buffo, alors que l'activité des autres grands théâtres italiens s'étendait aux créations et au genre serio. Ces deux restrictions du théâtre italien de Paris renvoient à des considérations d'ordre esthétique. Le corpus de partitions et de livrets examinés a permis d'évaluer l'ensemble des opéras produits. La structure exacte des opéras, habituellement remaniés à Paris, a pu être établie. Ces recherches m'ont permis de découvrir un certain nombre de morceaux de musique composés à Paris, ignorés par les principaux catalogues. Cette thèse a notamment reconstitué le corpus de morceaux composés par Cherubini.
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Arthur, Stéphane. "La représentation du seizième siècle dans le théâtre romantique (1826-1842)." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040156.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour ambition de montrer que la représentation du seizième siècle constitue un élément définitoire du théâtre romantique. Le rapport des dramaturges à leurs sources éclaire le goût du seizième siècle qu’ont eu les romantiques et témoigne de la constitution d’un patrimoine dramatique et de la défense d’une poétique qui se veut en rupture avec la tradition théâtrale classique (première partie). Les territoires privilégiés du seizième siècle romantique sont en particulier la France de François Ier, l’Espagne (et l’Empire) de Charles Quint puis de Philippe II, la France des guerres de Religion, l’Angleterre et l’Italie (seconde partie)This thesis aims at demonstrating that the representation of the sitxteenth century is a criterion which defines Romantic theatre. First, it underscores the relationship between playwhrights and their sources, which enlightens the Romantic taste of the sixteenth century and shows the establishment of a dramatic heritage and of the safeguard of a poetic that wants to break away from the classic theatrical tradition. Then, it focuses on Romantic-sixteenth- century favourite settings : France during the time of Francis the First, Spain (and Empire) of Charles the Fifth and then of Philip the Second, France during the period of the Religious Wars, and finally England and Italy
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Filippi, Bruna. "La scène jésuite : le théâtre scolaire au Collège romain au XVIIe siècle." Paris, EHESS, 1994. http://www.theses.fr/1994EHES0333.
Full textAbstract:
La production de spectacles tehatraux au college romain au dixseptieme siecle a ete envisagee sous un double point de vue: d'une part, en placant ce theatre a vocation pedagogique dans le cadre des processus de formation scolaire; de l'autre, en suivant l'evolution du modele dramaturgique et de la structure spectaculaire d'une des propositions culturelles les plus importantes de la rome baroque. A l'interieur du college. La classe de rhetorique a ete saisie comme lieu d'elaboration et d'apprentissage de l'acteur-orateur, objectif ideal du systeme pedagogique de la compagnie de jesus. Une collection de scenarios des representations theatrales du college et du seminai re romain nous a permis de reperer les elements caracteristiques de la "tragedie chretienne", et de decrire son evolution tout le long du siecle. Enfin, la reconstruction d'un soulevement des eleves a l'occasion de la representation de carnaval en 1647, a mis en evidence les rolesociaux et les dynamiques internes de la vie du colle ge; ainsi aue l'aspect mondain et la fonction ludique de de theatreProduction of theatrical performances at the roman college in the 17th. Century is analyzed from two perspectives: in one, placing this pedagogical theater in the context of jesuit educational me thods, while in the other, following the developement of the dramaturgic model and of the theatrical structure in one of the most significant cultural expressions of baroque rome. Withing the colle ge the rhetoric class was chosen as the milieu for elaboratind and learning the numerous specific exercises intended to train the actor-orator. This was the ideal objective of the society of jesus's educational system. A collection of plot summaries relating to the theatrical performances held at the roman college and seminary, has thus made it possible to single out the structural components of the "christian traged" and to describe their development through the course of the century. Finally, through the historical accunt of a student uprising which occurred during a carnival performance in 1647, social roles and the internal relations of life in the college are described, as are the wordly aspect and ludic function of jesuit theater
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Charpy, Manuel. "Le théâtre des objets. Espaces privés, culture matérielle et identité sociale. Paris, 1830-1914." Thesis, Tours, 2010. http://www.theses.fr/2010TOUR2007/document.
Full textAbstract:
Ce travail étudie la culture matérielle privée de la bourgeoisie parisienne au XIXe siècle. Il s’attache à saisir les transformations de nature et d’identité des objets et des formes de consommation pour retrouver les usages sociaux et culturels des choses, dans une ville qui connaît de profondes mutations commerciales et urbaines. Mobilisant archives privées et commerciales, il inscrit la culture matérielle dans un cadre social et dans l’espace urbain. Ce travail tente de comprendre comment se redéfinit la sphère domestique dans l’espace urbain nouveau et en appartement et le rôle des techniques du quotidien dans la scénographie du privé et l’appréhension de soi. Cette thèse envisage aussi le monde matériel comme un ensemble de signes et de récits élaborés par les marchands et les consommateurs, alors que la nature et la hiérarchie des objets et des matières sont bouleversées par l’industrialisation. Ce travail cherche à élucider les phénomènes d’imitation et de distinction alors que s’accroît la mobilité sociale ainsi que la production collective des modes en analysant les scènes urbaines où elles se donnent à voir, les figures du goût qui émergent et les formes nouvelles de publicités qui se déploient dans la ville. Au final, ce travail est un essai sur les manières dont un groupe social investit et produit le théâtre des objets pour élaborer une identité sociale et culturelleThe study analyses the ways by which a social group consumed and produced a world of goods in order to shape its own social and cultural identity. With a view to reconstruct the social and cultural uses of things in a city which underwent deep commercial and spatial changes, the thesis identifies the nature and forms of the Parisian bourgeoisie’s consumption, through private and business archives. It studies how the bourgeois home was redefined in flat and in the growing city and how daily technology forged the bourgeoise’s private scenography and self-awareness. It studies then the material culture of 19th century Parisian bourgeoisie, understood as a set of signs and narratives designed by dealers and consumers, whilst industrialisation radically transformed the nature and hierarchy of materials and commodities. Finally, this work sheds light on phenomenons of imitation and distinction as social mobility increased and analyses how fashion trends came to being onto specific urban scenes, through the mediating role of taste legislators and the means of new forms of urban advertising
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Safty, Essam. "Mourir dans la tragédie française, ou du théâtre de la réalité baroque à la réalité du théâtre tragique (1610-1645)." Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1990PA030053.
Full textAbstract:
Encore qu'elles vivent, a l'epoque baroque surtout, en bonne intelligence, mort et tragedie peuvent se dire libres de toute contrainte: une tragedie peut devoir son nom, non pas a la puissance du regne de la mort, mais a la nature des situations qu'elles abrite; et une mort peut, non pas dramatiser, mais dedramatiser l'actionEven though they live on good terms (and especially during the baroque age), death and tragedy are not to be depending one from another: a play could be called "tragedy", not because of the powerful reign of death, but in consideration of the very nature of the situations; and death itself could, instead of dramatizing the action, "dedramatizing" the latter
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Losco-Lena, Mireille. "La réinvention de l'espace et du temps dans le théâtre symboliste." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030111.
Full textAbstract:
Le théâtre symboliste, qui s'est développé en France et en Belgique à la fin du dix-neuvième siècle et tout particulièrement dans la dernière décennie (1890-1900), a fait le pari de renouveler l'écriture dramatique. Si le discours théorique des auteurs se caractérise par un rejet du réel et une réévaluation souvent vague du rêve et de la poésie, leurs textes dramatiques témoignent d'une grande richesse qui transforme leur réaction idéaliste en une véritable réinvention de l'espace et du temps dominée par une pensée de la discontinuité et de la pluralité. Le cosmos symboliste, tout en rendant compte des transformations modernes affectant les représentations de l'espace et du temps, renoue ainsi avec la configuration médiévale (première partie). Il en découle une poétique de la relativité qui met en crise la forme dramatique et que les symbolistes proposent de résoudre par deux voies essentielles : la voie de la dramaturgie itinérante, pensée comme inventaire des lieux multiples du cosmos mais toujours en butte à une conscience de l'infini qui déborde le drame et qui désigne son incomplétude, voire sa fragmentation (deuxième partie), et la voie de la forme brève, orientée par un désir de possession de l'invisible mais nécessairement vouée a reconnaitre son irréductible espacement à l'être (troisième partie). L’analyse des contradictions formelles du drame symboliste permet des lors de penser son inscription dans l'ensemble des bouleversements du théâtre du tournant du siècle, et notamment son rôle essentiel dans la mise en crise du drameSymbolist theatre, as it developed in France and Belgium towards the end of the nineteenth century (1890- 1900), ventured towards a renewal of play-writing. The theorizing discourse of the authors is characterized by a denial of the real and a reassessment of the poetic which remains often vague ; yet their plays stand as tokens of a richness which transmutes their idealist reaction into a genuine reinvention of space and time marked by a concern for discontinuity and plurality. While addressing the modem transformations of the notions of space and time, the symbolist cosmos thus reactivates the medieval pattern of space (part one). This generates a poetics of relavity which jeopardizes dramatic forms, and which the symbolists set out to transcend along two main paths: that of the dramatic structure of wander on the one hand, seen as a tentative process of inventoring the multiple loci of the cosmos, which ceaselessly comes up against some sense of infinity overflowing the structure of the drama, thereby pointing to its incompleteness, or to its fragmentation (part two); and, on the other hand, the path of the short form, governed by a desire to embrace and to possess the invisible, which, on its part, is necessarily bound to come up against (and acknowledge) the irreducible chasm that cuts it from the being (part three). Studying the formal contradictions inherent to symbolist drama thus allows us to address its inscription within the larger frame of the revolutions in drama at the turn of the century, and especially the essential role which this theatre played in the process of setting drama in jeopardy
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Coulaud, Sandra. "Crime, histoire et politique : la représentation du régicide dans le théâtre anglais et français au tournant du XVIe et du XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040070.
Full textAbstract:
Crime d’actualité au tournant du XVIe et du XVIIe siècle, le régicide est un objet de spéculations et un fait d’actualité en France et en Angleterre. Dans les deux royaumes, on débat de cette question sur fond de schisme religieux. Des théoriciens politiques réinventent la manière de parler de ce crime pour le légitimer et les dramaturges s’emparent de ce sujet problématique. Jacques de Fonteny met en scène le meurtre d’Henri III, Claude Billard de Courgenay celui d’Henri IV, Montchrestien représente l’exécution de Marie Stuart, Shakespeare et Marlowe mettent en scène les meurtres de Richard II et d’Edouard II. Au théâtre, le régicide est a priori un spectacle efficace, propre à provoquer de vives émotions chez le spectateur. Pourtant, ces représentations ne vont pas de soi. Comment, en effet, représenter un crime aussi énorme dans un contexte de crise politique ? Comment justifier le spectacle d’un meurtre d’une actualité aussi brûlante ? Les dramaturges négocient constamment entre des contraintes idéologiques et esthétiques, parfois contradictoires, qui pèsent sur la représentation. Ils empruntent souvent le détour par l’histoire. Plus le crime est inefficace politiquement, et plus il est efficace sur scène. La tyrannie du prince justifie sa mise à mort. Ses fautes morales transforment le régicide en châtiment acceptable et sa déchéance rend la scène pathétique. Un récit permet fréquemment de raconter la mort que l’on ne peut pas montrer sans risquer de décevoir le publicThe regicide is a topical crime between the sixteenth and the seventeenth-century. It is an object of many reflections and an actual event for french and english people. In both kingdom, there are debates on this issue while the schism has begun a reality. Because of the controversy, it is possible to speack about régicide as a punishment. Playwrighters perform this problematic subject. Jacques de Fonteny represent the murder of Henri Ird, Claude Billard de Courgenay represent Henri IVrth’s one, Antoine de Montchrestien represent the execution of Marie Stuart, Shakespeare and Marlowe perform the murders of Richard IInd et Edward IInd. A priori, such subject can move the audience. Nevertheless, such a performance isn’t an evidence. How, indeed, can a playwrighter show such an enormous crime during troubled period ? How can he justify the show in a crisis context ? Playwrighters have to consider ideological and aesthetic restrictions, which are sometimes in contradiction, to perform the murder of the sovereign. In many cases, they rewright history. Because the crime is usually ineffective as a politic action, it is effective for dramatic art. Tyranny justify that the prince is murdered. Some moral failures make this one acceptable. And because the king is falling, he appears as a pathetic victim for the spectators. When it is difficult to show the crime scene, the regicide is described by a messenger
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Peyré, Yves. "La mythologie dans la tragédie élisabéthaine." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1993PA040013.
Full textAbstract:
L'analyse de l'expression mythologique dans la tragédie élisabéthaine s'appuie sur l'examen des fonctions et des conceptions de la mythologie dans la culture de la Renaissance en Angleterre. La diversité des approches mythographiques donne de chaque mythe plusieurs lectures simultanées, tandis que s'élabore une réflexion sur les problèmes de l'interprétation. En même temps, la mythologie nourrit les principales controverses du temps. Et tandis que se crée autour du souverain un mouvement d'élaboration mythique, apparait un scepticisme scientifique qui tente de séparer la science du merveilleux. La tragédie, qui joue des valorisations et dévalorisations du langage mythologique, et met en œuvre des structures symboliques selon un mouvement général qui mené de l'allégorie a l'ironie, pose la question de la nature et du fonctionnement des signes. Elle utilise la mythologie, langage de vivantes synthèses, mais dans lequel s'expriment de profondes fractures, pour construire des tensions dramatiques ou d'ironiques effets d'anamorphose par l'intermédiaire desquels il est peut-être possible de percevoir ce que la culture élisabéthaine tient pour tragique, c'est-à-dire, semble-t-il, ce qui porte atteinte aux idéaux combinés de la renovatio et de l'intergratio. Enfin, l'exploration des potentialités expressives de la mythologie conduit peut-être les élisabéthains à pressentir certains aspects de ce qui deviendra le concept de mythe, dans ses rapports avec le tragiqueThe analysis of mythological expression in Elizabethan tragedy rests on a study of the functions and conceptions of mythology in the culture of the English Renaissance. A diversity of mythographic approaches led to multiple, simultaneous readings of each myth, while inviting reflection on the problems of interpretation. At the same time, mythology contributed to literary and religious controversies. The emergence of a fashion for mythical elaboration centred on the sovereign paralleled that of scientific scepticism. Tragedy, which explores the magnifying and belittling potentialities of mythological rhetoric, and sets in play symbolic structures that progress from allegory to irony, raises questions about the nature and role of signs. Mythology, a language of stimulating syntheses also expressive of deep fractures, is used to create dramatic tension or ironic effects of anamorphosis in which it may be possible to apprehend what the Elizabethan mind viewed as tragic, that is to say, whatever undermined the combined ideals of renovatio and integratio. Finally, in exploring the expressive potentialities of mythology, the Elizabethans may have arrived at an intuitive inkling of what would become the concept of myth, as related to tragedy
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Hausermann, Christophe. "Apprentis et apprentissage dans les comédies citadines élisabéthaines." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030110.
Full textAbstract:
À l'époque élisabéthaine, l'apprentissage marquait le début d'un long parcours professionnel. Après avoir terminé sa formation, un jeune artisan obtenait sa liberté et devenait membre à part entière de la corporation qui l'avait engagé. Ce statut de freeman lui conférait de fait la citoyenneté londonienne et l'obligeait à exercer ses droits et ses devoirs civiques. Tout apprenti pouvait donc ambitionner de devenir à son tour maître et propriétaire d'un atelier. Sa progression sociale dépendait de sa capacité à se plier au jugement de son maître et à patienter jusqu'à l'obtention de sa salutaire liberté. De nombreux dramaturges élisabéthains ont transposé l'apprentissage sur scène et ont fait de l'apprenti un personnage de répertoire tour à tour veule et héroïque, fustigeant ses excès ou encensant ses exploits. Dans la représentation qu'elles donnent de l'apprentissage, les comédies citadines ont fidèlement décrit la vie de la Cité et de ses corporationsIn Elizabethan times, apprenticeship marked the beginning of a long professional journey. After completing his training, the young craftsman was granted his freedom and became a full member of the livery company that had hired him. This status of freeman gave him London's citizenship and compelled him to exert his civic rights and duties. Every apprenticeřs ambition was to become in his turn a master and a householder. His upward mobility depended on his ability to comply with his master's judgment until he obtained his freedom. Many Elizabethan playwrights staged the training of apprentices, thus making the apprentice a stock character, criticising his excesses and praising his high deeds. Through the representation of apprenticeship, city comedies have faithfully described the life of the City and that of its livery companies
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Guillot, Catherine. "Histoire et poétique de l'image du théâtre en France (1600-1651) : contribution à l'histoire de l'illustration." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030155.
Full textAbstract:
Cette étude effectuée au sein de l'édition illustrée de la première moitié du XVIIème siècle montre combien les images sont le produit de nombreux facteurs susceptibles d'analyses multiples. L'édition illustrée croise plusieurs champs de force : littéraire, éditorial, politique, artistique. L'injonction première donnée par Horace dans l'Ut pictura poesis rend l'image complémentaire de l'écrit à tous les niveaux : interne et iconotextuel du frontispice, externe dans sa relation avec les éléments liminaires ou dans son rapport au texte dramatique qu'elle illustre dans un sens littéral et allégorique, visant l'édification du lecteur. Il existe en fait autant de rapports entre la peinture et la poésie (Ut pictura poesis) qu'entre la peinture et le théâtre (Ut pictura theatrum). Le parallèle s'effectue de trois façons : métaphorique (mode comparatif), esthétique (réflexions croisées entre la dramaturgie et la peinture), scénique (la scénographie s'appuie sur le modèle pictural)This study realized during the era of illustrated editing in the 17th century examines how images are the product of a number of factors suseptible to multitude of analysis. This illustrated editing crosses several fields of expertise : literary, editorial, political, artistical. The first idea given by Horace in the Ut pictura poesis enables the image to become complementary to the written material at every level : internally with the icon context of the frontispiece, externally in relation to the introductory elements or, in its link to the dramatical text that it represents, in a litteral and allegorical level that aims for the uplifting enlightenment of the reader. There exists as intimate a connection between painting and poetry (Ut pictura poesis) as there is between painting and drama (Ut pictura theatrum). The parallism is made is three ways : metaphoric (comparative mode), esthetical (crossed thoughts between drama and painting) and scenic (scenography based on pictoral models)
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Aragonès, Riu Núria. "Iconographie des Petits Théâtres en France au XVIIIe siècle." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030028.
Full textAbstract:
À l’opposé de l’histoire des arts picturaux qui part de l’existence matérielle de son objet d’étude, l’histoire des arts du spectacle – dont l’objet est une œuvre d’art éphémère par définition – s’élabore par le rassemblement de sources documentaires (textes et images) à partir desquelles l’historien étudie l’objet absent. L’iconographie théâtrale s’inscrit dans un domaine d’études nécessairement interdisciplinaire où la méthodologie de l’histoire du théâtre s’associe à celle de l’histoire des arts picturaux. Notre hypothèse de départ soutient que l’analyse formelle et stylistique de l’image peut fournir bien des interprétations plausibles pour l’histoire du théâtre. Par ailleurs, le rapprochement de l’image de théâtre et le contexte socioculturel de l’époque (les questions de production, fonction et destination de l’image) permettra de revisiter l’interprétation d’images connues et de proposer une interprétation pour les images inédites que cette étude met à la lumière. L’échantillon d’analyse est constitué d’images ayant pour sujet les « petits » spectacles français – et notamment parisiens – du XVIIIe siècle, à savoir les théâtres des foires, du boulevard du Temple, du Palais-Royal et les spectacles de rue (marionnettes, charlatans, vendeurs de chansons, montreurs de curiosités) qui composent la scène non officielle du XVIIIe siècle. Par le biais de l’analyse iconographique, nous découvrirons une image pluri-forme et pluri-fonctionnelle, dynamique et transformable, qui appelle à l’actualité théâtrale en utilisant bien souvent des modèles figuratifs traditionnels. Les champs d’étude qu’ouvre l’iconographie théâtrale sont multiples et variés et ne font que confirmer la nécessité des études transdisciplinaires pour mieux cerner l’histoire du théâtreDiffering from the history of painting which is based on the physical existence of the studied object, theatre art history – where the object of study is by definition an ephemeral piece of art – is elaborated by the assembly of documental sources (images and texts) that the theatre historian uses to analyse the missing object. Theatre iconography has to be studied through an interdisciplinary approach in which the methodology of theatre historians is combined with that of painting historians. Our departing hypothesis is that the analysis of form and style of the image can provide many plausible interpretations for theatre history. In addition, the consideration of the social and cultural context of the epoch (issues on the production, function and destination of the image) will allow the reinterpretation of known images as well as an interpretation for previously unknown images. The analysed sample is made of images having as subject “petits spectacles” in eighteenth-century France (mainly in Paris), that is to say fair theatres, theatres of the boulevard du Temple, Palais-Royal spectacles and other kind of street theatre (puppets, charlatans, singers, etc. ) that composed the non-official theatre life of the eighteenth-century. Through the iconographic analysis we will find a dynamic and transformable image, with multiple forms and functions, that covers current theatre events by using in some occasions traditional pictorial records. The interdisciplinary approach of theatre iconography opens new multiple fields of study that will advance our knowledge on the theatre of the past
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Reuter, Francesca. "Le débat sur les pratiques scéniques en Allemagne au début du XIXe siècle." Lyon 2, 2005. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2005/reuter_f.
Full textAbstract:
Suite à une discussion plus générale sur l'écriture dramatique et sur le jeu scénique en Allemagne au XVIIIe siècle, un débat nouveau sur les décors, les costumes, les effets spectaculaires apparaît au début du XIXe siècle et se localise principalement à Berlin, où deux directeurs de théâtre successifs, A. W. Iffland (1796-1814) et K. V. Brühl (1815-28) tentent de réformer les pratiques scéniques. Ce débat esthétique prend même vers 1816 la forme plus concrète d'une querelle théâtrale dans les journaux berlinois, indiquant une diffusion plus large du débat dans le public. Les participants sont les directeurs, plusieurs écrivains romantiques et d'autres intellectuels et artistes. L'enjeu pour les Allemands est d'acquérir un théâtre national de qualité. Les directeurs font alors le choix du réalisme, du respect de la vérité historique et soignent la dimension spectaculaire. Ils suscitent l'opposition des Romantiques qui réclament (inspirés par la scène élisabéthaine) une scénographie sobre, non historisante, laissant travailler l'imagination créatrice. Un consensus apparaît sur le rejet de l'esthétique baroque et contrastée proposée par les décorateurs d'origine italienne. Parmi les propositions théoriques et pratiques, certaines (unité du spectacle, respect de l'esprit de l'œuvre) évoquent déjà en partie le travail de "mise en scène" qui apparaîtra à la fin du XIXe siècle. Le débat lui-même a été important : il a institué la problématique d'une scénographie "pauvre" ou "riche", "intemporelle" ou "historique", une problématique qui a ensuite traversé l'histoire du théâtre jusqu'à aujourd'huiFollowing a more general discussion of dramatic writing and the scenic acting in Germany during the 18th century, a new debate of decor, costumes, and theatrical effects appeared at the beginning of the 19th century and was mainly localized in Berlin, where two successive theatre directors A. W. Iffland (1796-1814) and K. V. Brühl (1815-28) attempted to reform scenic practises. This esthetic debate, even in 1816, appeared as a more concrete form of theatrical dispute in Berlin newspapers, allowing a larger diffusion of debate in the public arena. They were several participants including romantic writers, directors, intellectuals, and artists. The main goal of the Germans, construct a national theater of quality. Therefore, the directors made the choice of realism, historical truth and visual effects. They provoqued the opposing Romantics who acclaimed (inspired by the elizabethan stage) a sober non-historical decor, allowing the imagination to take flight. A consensus appeared rejecting the contrasting baroque esthetic proposed by the Italian decorators. Amongst pratical and theoretical propositions, certain ones (unity of show, respect for the spirit of the work) had already evoked in part the "mise-en-scène" that appeared toward the end of the 19th century. The debate itself was an important one. It introduced the problem of poor or rich, non-temporal or historical scenery, a problem that has traversed the history of theater up to present day
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Belhaouari, Luis. "Peinture d'histoire et théâtre joué au XVIIIe siècle : essai sur la mutation du regard à l'âge classique." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040041.
Full textAbstract:
Au XVIIIe siècle, le théâtre a profondément transformé le regard. Les arts de la scène ont introduit une nouvelle perception de l'image. La peinture ne pouvait échapper à cette évolution. Les auteurs dramatiques ont contribué au développement d'un regard critique. Dans leurs oeuvres, ils donnent à voir différemment le peintre et son métier. Le public devient plus exigeant. Le peintre est ridiculisé. La peinture est discutée. Au XVIIe siècle, peinture et théâtre sont deux arts bien différents. Au théâtre, l'image parait fixe. Dans les tragédies, les mouvements sont réduits. Le décor est généralement fermé. En peinture, les figures doivent être fortement animées et les espaces représentés sont généralement ouverts. Au XVIIIe siècle, le théâtre se réforme. Les comédiens s'expriment avec naturel. Les décors deviennent vraisemblables. Aussi, le théâtre présente des images animées. Par contraste, la peinture parait sans vie. Les critiques de salon témoignent de cette nouvelle perception. Les tableaux d'histoire sont décrits comme des natures mortes. Les textes théoriques sur le théâtre, de Noverre, de Engel, confirment cette évolution. Les auteurs déclarent que seul le théâtre peut donner une impression de vie. Aussi, la peinture d'histoire ne fait plus illusion. En modifiant l'attente du public, le théâtre avait contraint la peinture à se réformerIn the 18th century, theatre deeply altered perception. Theatrical arts introduced a new perception of image. Painting could not in any way miss this type of evolution. Dramatical authors brought a large contribution to this critical perception. In their works, they convey a different image for the painter and his work. Public grows increasingly demanding. Painting is ridiculed. Painting is contested. In the 17th century, painting and theatre are two truly different kinds of art. When theatre is concerned, the image appears to be steady. In tragedies, motion is reduced. The setting of the stage is generally closed. With paintings, characters must show a lot of motion and sceneries are generally open. In the 18th century, theatre goes through a change. Players act very naturally. Decors become close to reality. Thus, theatre shows lively images. On the other hand, painting appears to be lifeless. Art critics convey this new image. Historical paintings are described as still lives. Theorical texts about theater, from Noverre, Engel, are the testimony of this evolution. . Authors state that theatre only can bring an impression of life. Thus, historical painting is not source of delusion any more. As it altered public's expectation, theatre compelled painting to go through a change
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Coffin, Charlotte. "Echanges mythologiques dans le théâtre de shakespeare." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040052.
Full textAbstract:
Plus de huit cent cinquante références mythologiques jalonnent les trente-huit pièces répertoriées dans le canon shakespearien. Si ces allusions se prêtent à une exégèse savante, elles sont également compréhensibles comme un discours-cliché, fondé sur des conventions partagées par le grand public. Il s'agit alors de reconstruire les conventions qui animent une culture mythologique populaire, et d'approfondir les implications poétiques de la convention, souvent écartée au profit de la création, selon une antithèse qui perdure depuis le Romantisme. Le dynamisme de la convention est mis en valeur par la notion d'échange, aux implications aussi bien concrètes que symboliques, avec sa double acception de mobilité (déplacement et adaptation), et de négociation (donner pour obtenir). La réflexion se déploie sur trois volets, contextuel, textuel et scénique. La première partie évalue la familiarité des Elisabéthains avecs les mythes , et montre le rôle des images de grande circulation dans la diffusion d'une mythologie conventionnelle. Le centre de la thèse est consacré aux références textuelles, dont l'inscription en situation sert aussi bien la persuasion rhétorique que la reformulation poétique. Le lieu commun mythologique , "métaphore morte" en apparence, banalisée par les "commonplace-books" et réinsérée d'un texte à l'autre, fonctionne comme un instrument d'exploration du monde. En fin, la mise en scène des dieux et des héros permet d'analyser les rapports entre convention et spectacleShakespearean drama is permeated with mythological references, with more than 850 allusions disseminated throughout the 38 plays in the canon. While critics have deployed a sophisticated approach to these references, they can also be understood as a commonplace discourse, made up of conventions shared by the general public. Thus it is necessary to reconstruct the conventions that shaped popular mythological culture, as well as to explore the poetic implications of the convention. Romantic theory introduced an antithesis between creation and convention which has resulted in the dismissal of the latter in favour of the former. Yet convention is not rigid but dynamic, as is shown by the exchanges that constitute the main axis of this work. With both concrete and symbolic implications, the concept encompasses the notions of mobility (displacing and adapting ) and negotiation (giving and gaining). The analysis unfolds on the three districts planes of context, text and stage. The fisrt part assesses the range of Elizabethan mythological culture, and shows how cheap prints and familiar images contributed to spreading conventional myths throuhout society. The central part is dedicated to textual references : inscribed within a specific dramatic situation, they participate in rhetorical persuasion, as well as in poetic reformulation. Though they may sond like "dead metaphors", trivialized by commonplace-books and transplanted from one text to another, mythological commonplaces function as exploratory tools in the world of the play. Finally, the analysis of gods and heroes on stage details the relationships between the conventional and the spectacular
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Teulade, Anne. "Le théâtre hagiographique en France et en Espagne au dix-septième siècle : essai de poétique comparée." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040179.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une étude comparative du théâtre hagiographique français et espagnol du dix-septième siècle. Dans une première partie, nous abordons les enjeux théoriques soulevés par les deux genres : l'examen des terminologies génériques, des lieux de représentation des œuvres et des discours des contemporains (théoriciens et dramaturges), nous permet de dégager les contours d'un théâtre travaillé par l'hybridité. L'association d'une vie de saint et d'une forme théâtrale apparaît contradictoire dans les deux pays. La deuxième partie présente une étude dramaturgique des œuvres ; elle montre comment les auteurs ont contourné les difficultés inhérentes à la tentative d'inscrire le saint, personnage sans passions, dans une intrigue dramatique. Les pièces peuvent être articulées autour d'un conflit entre le saint et son entourage, d'une conversion du héros lui-même, ou enfin d'une succession d'aventures qui transforment le saint en héros épique. Cette partie montre que ce théâtre emprunte de nombreux traits à la dramaturgie profane, et que les formes adoptées par les Français et les Espagnols sont moins antinomiques que les différences essentielles entre les esthétiques française et espagnole de l'époque auraient pu le suggérer. Enfin, la troisième partie s'intéresse au spectacle de la sainteté. Elle étudie comment les dramaturges se sont efforcés de faire du saint, personnage intériorisé et peu spectaculaire, un acteur qui se produit sous les yeux des autres personnages. Il ressort de cette dernière partie que ce héros spécifique, qui ne peut, de par sa perfection, susciter la crainte et la pitié préconisées par Aristote, a, en France comme en Espagne, permis d'écrire des œuvres où l'effet esthétique dominant est l'admiration. Ces œuvres singulières qui adoptent un héros peu habituel au théâtre reposent donc sur une poétique originale, que nous nous attachons à dégagerThis dissertation presents a comparative study of the French and Spanish seventeenth century hagiographic drama. The first part is devoted to the theoretical problems raised by the two genres : a study of the generic terminologies, of the places where the plays were staged, and of the way their contemporaries (theorists and playwrights) considered them thus allows us to draw the outline of an essentially hybrid theatre. Indeed, in the two countries, it seems contradictory to associate a saint's life and a theatrical form. The second part presents a dramatic analysis of the plays. We show how the authors managed to integrate the figure of the saint in a real dramatic plot despite his passionless nature. The structures of the dramas rely on a conflict between the saint and his circle, on a conversion of the hero himself, or on a series of adventures through which the saint becomes an epic hero. This part reveals that the theatrical forms created by the French and the Spanish authors are less divergent than the traditional opposition between Spanish and French aesthetics of this period suggests. Finally, the third part deals with the spectacle of saintliness. We study how the playwrights succeeded in transforming the inward and unspectacular character of the saint into a living spectacle before the other characters' eyes. Being a perfect character, this specific hero cannot arouse the fear and pity Aristotle described and generates instead works in which admiration is the prominent aesthetic effect. These works thus rely on specific poetics which this dissertation attempts to define
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Kerautret, Flavie. "Le phénomène « Bruscambille » : édition, théâtre, actualité." Thesis, Paris 10, 2020. http://www.theses.fr/2020PA100091.
Full textAbstract:
Arrimée à l’univers de la farce et des saltimbanques, l’image de Bruscambille véhiculée par l’histoire littéraire est celle d’un auteur mineur du début du XVIIᵉ siècle. L’ampleur de la réussite que connaissent ses recueils de prologues à partir de 1609 est pourtant telle qu’en l’espace de quelques années, ce sont des dizaines d’éditions qui envahissent le marché du livre alors que très peu d’œuvres dramatiques de l’époque connaissent le même sort. Pour comprendre les mécanismes de ce succès et cerner ce dont « Bruscambille » est le nom, il s’agit de l’appréhender, non uniquement en tant que comédien ou auteur singulier, mais en tant que phénomène, c’est-à-dire de chercher à saisir son succès comme le résultat de diverses opérations de publication, qui engagent des agents variés, parfois difficiles à identifier. On analyse ainsi comment « Bruscambille » est le produit d’une fabrication historiographique et éditoriale dont les différentes manifestations sont fédérées par son nom d’auteur, porteur d’enjeux esthétiques et socio-économiques. La mise en recueil des prologues, qui est l’un des rouages essentiels de ce dispositif, modifie leur fonction : défaits de leurs prérogatives d’exposition, ces discours n’en remplissent que mieux un rôle pragmatique. Ils programment les conditions de représentation et promeuvent, socialement et symboliquement, le théâtre et ses acteurs. Plus largement, ils apparaissent comme des lieux opportuns pour discourir et travailler, par l’usage d’une expression comique et cryptée, des faits d’actualité variés. À partir du cas de Bruscambille, ce sont les interférences toujours plus nombreuses et complexes entre le monde de l’imprimé, le monde du théâtre et la société du temps que l’on peut examinerLiterary history conveys an image of Bruscambille that is linked to the world of farce and mountebanks, and portrays him as a minor author of the early 17th century. However, the extent of the success of his collections of prologues was such that, in the space of a few years, dozens of editions invaded the book market, while very few dramatic works of the time met the same fate. In order to understand the mechanisms of this success and identify what lies behind the name of “Bruscambille”, we propose to approach it as a phenomenon, and not only as an actor or singular author. This supposes to study his renown as the result of an elaboration due to various publishing operations, which involve various agents who are sometimes difficult to identify. That is how we analyse how “Bruscambille” is the product of a historiographical and editorial construction, composed of different features unified under the name of the author, the aesthetic and socio-economic components of which we then describe. As the prologues are gathered for publication in various booklets (the collection of which then became one of the most important unit in the “Bruscambille” system), their function is modified : cleared of their part as introductory discourses, the prologues can better fulfill a pragmatic role. They program the conditions of representation and socially and symbolically promote theater and its actors. More broadly, they appear as opportune places to discuss and shape various events of the time, through the use of comic and cryptic expression. Starting from the case of Bruscambille, it is the interferences, ever more numerous and complex, between the world of print, the world of theater and the society of the time that can be examined
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Ronzani, Hélène. "Le théâtre de John O'Keeffe." Bordeaux 3, 2000. http://www.theses.fr/2000BOR30023.
Full textAbstract:
Ce travail a pour but de presenter le theatre de john o'keeffe (1747-1833). Facetieux dramaturge d'origine irlandaise, injustement oublie aujourd'hui, il fut pourtant apprecie pendant plusieurs decennies par des spectateurs de tous milieux ; william hazlitt l'appela le moliere anglais. Auteur prolifique malgre sa cecite, il s'exerca a tous les genres comiques - farces musicales et non musicales, operas-comiques, comedies en trois et cinq actes, pantomimes cherchant simplement a divertir son auditoire aux heures joyeuses et a lui apporter du reconfort aux heures sombres. Les pieces de john o'keeffe refletent les gouts de ses contemporains pour la nature, l'histoire, la musique irlandaise, le spectaculaire avec ses decors somptueux et ses machines ; elles refletent aussi leurs penchants pour l'emotion, leur patriotisme exacerbe et leur francophobie poussee a l'extreme. C'est dans son passe, dans sa vie de comedien, de chanteur et de peintre qu'il puisa nombre de ses intrigues, de ses personnages ainsi que les accompagnements musicaux. En outre, il crea des roles sur mesure pour les plus grands acteurs comiques de la fin du xviiie siecle qui, grace a leurs talents multiples et varies, contribuerent au succes d'une oeuvre dans laquelle la gestuelle est essentielle.
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Satapatpattana, Suwanna. "Traduction dramatique de l'amour dans le théâtre français du dix-septième siècle (1620-1640)." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040227.
Full textAbstract:
Le théâtre français du début du XVIIe siècle présente les aventures sentimentales qui reflètent les idéologies diverses du sentiment. Dans cet univers où l'amour est le ressort essentiel de l'intrigue, les personnages se laissent guider par les nombreux codes de la passion et se meuvent selon certaines démarches conventionnelles. Sur le chemin de la conquête amoureuse, les uns idéalisent leur sentiment, font de l'être aimé un objet d'adoration et tâchent de perfectionner leurs vertus de fidélité et de courage pour le métier. Les autres victimes d'une passion ardente - n'hésitent pas à satisfaire leur instinct par des actes meurtriers. Certains s'adonnent à l'amour volage et passent d'une volupté à l'autre. Si différents soient-ils, ces amoureux s'efforcent tous de mener à bien la réalisation de leur désir. Inspirés par cette force intérieure qu'est la passion, ils emploient un langage qui leur est propre. Leur rhétorique amoureuse est pleine de comparaison, d'images, faisant revivre ainsi l'univers poétique des pétrarquistesThe French theatre in the beginning of the 17th century presents the sentimental adventures which reflect the different ideologies of love. In this dramatic world where love is the principal factor of plot, the characters let themselves be guided by numerous codes of passion and react according to certain conventional procedures. On the way to amorous conquest, some of them idealize their emotion, make the beloved an object of devotion, and in order to deserve it - try to perfect the virtues of faithfulness and bravery. Others, being victims of the ardent passion, do not hesitate to satisfy their instinct, even by committing murderous acts. Some others indulge in flighty love and pass from one sensual pleasure to another. As different as they are, all these lovers make an effort to fulfil their desires. Inspired by the force of love, they apply a typical language full of comparisons and images, which does revive the poetic world of Petrarch
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Losada-Goya, José-Manuel. "La conception de l'honneur dans le théâtre espagnol et français du XVIIe siècle." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040089.
Full textAbstract:
Dans une première partie d'érudition, l'auteur expose les principales caractéristiques de la comédie espagnole du dix-septième siècle et les vicissitudes qu'elle connut dans son adaptation sur la scène française durant cette époque. Ces approfondissements permettront par la suite d'aborder les quatre grandes conceptions de l'honneur dans ce théâtre ; c'est-à-dire, l'honneur conçu comme réputation, comme vertu, comme lignage et comme pureté de sang. La perte et la récupération de l'honneur forment la dernière partie : M. Losada Goya étudie les conséquences subies par l'individu du fait de la perte de son honneur et les différentes manières de le récupérer, depuis les accommodements de la raison jusqu'à la vengeance du sang. Il convient de remarquer que cette étude englobe un ensemble de quarante-deux pièces espagnoles et françaises qui se correspondent, et qu'elle est réalisée dans une perspective comparatiste: aussi l'auteur dégage-t-il les principales ressemblances et différences concernant la conception de l'honneur qui existent entre les théâtres espagnol et français du dix-septième siècleIn the first scholarly part of this work, the author expounds the main characteristics of seventeenth century Spanish comedy and deals with the vicissitudes of its adaptation to the French scene at the time. This finer investigation will later on enable the author to tackle the four ways in which honor is considered in those plays, namely as reputation, as virtue, as lineage, as purity of blood. In the last part of his work, Mr Losada Goya studies the loss and recovery of one's honor: the consequences of losing it, the various ways of recovering it ranging from reasonable accommodation to bloody revenge. This thesis which includes forty-two corresponding Spanish and French plays uses a comparative literature approach, the author thus pointing out the main resemblances and differences in the way honor is seen and treated in seventeenth century Spanish and French theatre
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Douguet, Marc. "La composition dramatique : La liaison des scènes dans le théâtre français du XVIIe siècle." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080114/document.
Full textAbstract:
Au XVIIe siècle, la composition dramatique (c’est-à-dire l’art de faire se rencontrer les personnages sur le plateau en un certain ordre pour raconter une histoire) est révolutionnée, aux alentours de 1640, par l’instauration de la règle de la liaison des scènes, qui prescrit que, à l’intérieur d’un acte, un personnage au moins soit commun à deux scènes successives. Cette règle a totalement et durablement changé l’aspect des pièces de théâtre en imposant une esthétique de la continuité qui rompt avec la discontinuité qui prévalait jusqu’alors. Dans les pièces du début du siècle, l’action progressait par la juxtaposition de scènes qui présentaient chacune des personnages différents, permettant ainsi au dramaturge d’introduire de brusques changements dans les lieux, les temps et les situations. Au contraire, les pièces qui respectent la règle de la liaison des scènes ne peuvent plus compter que sur les entractes pour renouveler complètement les personnages présents sur le plateau : à l’intérieur des actes, l’action doit évoluer par glissements successifs, chaque scène conservant une partie des paramètres de la scène précédente. En mettant en lumière les choix auxquels le dramaturge est confronté, la différence entre ces deux esthétiques témoigne de l’importance de la composition dramatique : écrire une pièce, ce n’est pas seulement imaginer une intrigue, mais aussi lui donner une forme visuelle et spécifiquement théâtrale. Ce travail s’intéresse donc à la fois aux enjeux propres à la liaison des scènes, et, plus généralement, à la poétique de la disposition des scènes et au « montage » dramatique auquel le dramaturge se livre pour donner corps à la fictionIn the seventeenth century, dramatic composition, that is, the art of introducing characters on stage in a specific order to relate a story, was revolutionized in the period around 1640 by the establishment of the rule for linking scenes. This new rule decreed that within one act, at least one a character must appear in the two successive scenes. This rule completely changed the aspect of plays in the long term. It imposed an aesthetics of continuity that broke with the discontinuity that had prevailed up until then. In plays from the beginning of the century, action progressed by the juxtaposition of scenes that each presented different characters, thus permitting the playwright to introduce abrupt changes in place, time, and situation. On the contrary, the plays that respect the rule of connection between scenes can no longer count on the intermission alone to renew completely the characters present on stage. Within each act, the action must evolve by successive shifts in meaning, each scene conserving a part of the parameters of the preceding scene. By shedding light on the choices the playwright confronts, the difference between these two aesthetics bares witness to the importance of dramatic composition: writing a play is not simply imagining a plot, but rather giving it a visual form and specifically a theatrical one. This dissertation thesis, then, is interested in both the stakes of the rule for linking scenes itself, and more generally, in the poetics of the positioning of scenes, and in dramatic “editing” with which the playwright engages in order to give body to fiction
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Perchellet, Jean-Pierre. "L'héritage classique : la tragédie entre 1680 et 1814." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030080.
Full textAbstract:
La premiere partie montre, chiffres a l'appui, que la tragedie n'a cesse de plaire aux parisiens, toutes categories sociales confondues. Nobles, bourgeois et ouvriers se retrouvent au theatre-francais et s'accordent pour applaudir autant les chefs-d'oeuvre classiques que les tragedies nouvelles, ce qui n'exclut pas certaines specificites. (le resultat des depouillements des registres du theatre-francais est donne dans l'annexe qui constitue le troisieme volume. ) la deuxieme partie tente de decrire l'evolution structurelle du genre, de voir comment les auteurs ont gere le modele esthetico-philosophique illustre par l'oeuvre de racine. C'est un fait, la tragedie du xviiie siecle n'est guere racinienne bien qu'elle respecte globalement les regles et l'esprit des classiques. De plus en plus, l'accent est mis sur le spectacle, le mouvement, le rythme, ce qui amene a tenter de privilegier la representation contre le recit, destructurer l'alexandrin qui reste omnipresent, abandonner plus ou moins l'unite de lieu, accelerer le rythme du discours des personnages et le rythme general des pieces. La troisieme partie analyse les themes privilegies par les auteurs tragiques. L'amour reste un des themes les plus utilises, meme si cette passion est contestee par les theoriciens ; la terreur revient en force des les annees 1680 et plaira au public jusqu'a la fin de l'ancien regime ; l'antiquite continue de fournir des sujets apprecies meme si le gout pour une histoire plus recente et la mode de l'exotisme conduisent les auteurs a explorer d'autres voies. En tout etat de cause, quel que soit le sujet mis en scene, les debats d'idees, politiques ou non, restent preponderant dans la tragedie. Ce sont donc des tragedies + originales ; qu'ont ecrites les poetes succedant a racine et qu'ont applaudies des generations de parisiens. Tout en respectant l'esprit classique, sans renier le dogme, les auteurs ont su innover et inventer leur tragedie propre a satisfaire leur publicThe first part clearly shows that parisians never stopped enjoying tragedy. From noble to workers, everybody goes to the theatre, and do agree to applaude as much the great classical masterpieces, as the new tragedies, which does not exclude a few particuliarities. Third part includes the results of the analysis of the theater box-office books. Second part tries to describe the structural evolution of the style, to understand how the authors have used the racinian pattern. Quite obviously, xviiith century tragedy is not really racinian anymore, although it is still classical. More and more it stresses show, movement, rythms (both of the different characters and of the play itself), to the prejudice of the text and more or less of the unities. Third part studies the themes mainly used by the authors. Love is one of the most, although theoricians tend to desagree, terror comes back as soon as 1680, and will stay a favourite until the end of the old regime. Ancient themes remain, but more recent history and the new fashion for exotism also open new ways. Anyway, whatever the subject, theoretical discussions, political or not, remain quite important in the tragedy. Therefore, post-racinian authors wrote quite + original ; pieces, and parisians loved them. Following the classical pattern and spirit, they were able to create, to discover their own style, to please their own audience
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Bara, Olivier. "Le théâtre de l'Opéra-comique entre 1822 et 1827 : la difficile recherche d'un genre moyen." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030084.
Full textAbstract:
Sous la Restauration, une nouvelle génération de librettistes et de compositeurs renouvelle l'opéra-comique: autour de La dame blanche de Boieldieu, en 1825, les six années comprises entre 1822 et 1827 voient les premiers succès d'Auber, Hérold ou de Carafa, sur des livrets de Scribe, Planard ou de Kock. Cette courte période transitoire révèle, grossies par la précision de l'approche, les tensions qui traversent l'opéra-comique sur les plans institutionnel, sociologique, idéologique, théorique et esthétique. La notion de genre moyen permet d'appréhender ce théâtre protéiforme, situé à la frontière des genres dramatiques et lyriques consacres, entre opéra et théâtre, scènes secondaires et scènes royales, spectacles populaires et arts dits nobles. L’institution, grâce à la direction de Pixerécourt, s'élève vers une honnête moyenne artistique; elle hésite entre théâtre de conservation et théâtre de création, et mène une lutte permanente contre la concurrence du vaudeville, du mélodrame, de l'opéra italien. Les publics et les idéologies de l'opéra-comique reflètent les bouleversements de la restauration; un compromis entre le discours ultra du premier romantisme et la représentation bourgeoise du monde apparait. Les théoriciens, dans la presse, sont aussi partagés entre nostalgie d'un genre pur sous l'Ancien Régime et impatience face à la modestie de la composition musicale des œuvres. L’approche esthétique révèle en l'opéra-comique un art combinatoire. Il croise les structures dramatiques consacrées, s'assimile le vaudeville, le mélodrame ou la vocalité rossinienne, articule en chaque œuvre musique ornementale et musique dramatique. Le rire de l'opéra-comique repose enfin sur la désacralisation des formes et sur la distance ironique: le genre moyen n'accomplit aucun de ses choix esthétiques; théâtre de divertissement, l'opéra-comique refuse de coïncider pleinement avec lui-mêmeDuring the French Restoration, the opera comique revived when a new generation of librettists and composers appeared: the six years between 1822 and 1827, centring on Boieldieu La dame blanche (1825), were those of the first successes of auber, Hérold or Carafa, with libretti by Scribe, Planard or de Kock. A very close analysis underlines the institutional, sociological, ideological, theoretical and aesthetic tensions at play within opera comique during this short period of transition. The concept of "genre moyen" helps to apprehend this proteiform theatre at the fringe of the consecrated lyrical and dramatic genres, of the opera and the theatre, of the royal and secondary playhouses, of the popular shows and the so-called noble arts. The established bodies, thanks to the management of pixerecourt, tried to develop an honest artistic average; hesitating between a conservative and a creative theatre without ceasing to fight against the competition of vaudeville, melodrama and italian opera. The opera comique audiences and ideologies mirror the upheavals of the restoration; a compromise appeared between the extremist discourse of the first romanticism and the bourgeois world image. In the press, the theorists themselves hesitated between nostalgia for the pure genre of the ancien regime and annoyance for undemanding musical compositions. An aesthetic approach shows that the opera comique made use of a combinatorial art mixing various consecrated drama techniques, assimilating vaudeville, melodrama and rossinian vocality, and making use of both ornamental and dramatic musical forms in each work. Laughter, in opera comique, is based in fact on desacralization of forms and ironic distancing: the "genre moyen" does not carry out its aesthetic choices; as a stage for entertainment, the opera comique refused to be fully what it could have become
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Marchand, Sophie. "Théâtre et pathétique au dix-huitième siècle : pour une esthétique de l'effet dramatique." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040111.
Full textAbstract:
Le goût des larmes et l'éthique sensible marquent profondément la pratique et la théorie théâtrales des Lumières. Autour de l'efficacité pathétique conçue comme adhésion sentimentale, s'élabore un modèle dramaturgique original. En s'appuyant sur les textes théoriques, on tente de décrire les éléments constitutifs de ce système homogène et cohérent. On s'intéresse d'abord aux bouleversements induits dans la pensée théâtrale par l'horizon d'attente pathétique (promotion de l'effet au rang de critère décisif de la valeur, passage d'une poétique du beau à une esthétique du plaisir, effets de la lacrymomanie sur le paysage générique). Puis on se consacre aux textes dramatiques, pour analyser l'émergence d'une rhétorique et d'une dramaturgie proprement pathétiques. Enfin, on examine le point de vue du spectateur et considère l'expérience pathétique dans ses composantes esthétiques, morales et idéologiques, pour comprendre comment le théâtre s'intègre au système philosophique des LumièresThe taste for tears and the ethics of sensibility deeply influence the theatrical practice and theory of the Enlightenment. An original dramatic model elaborates itself from the efficiency of pathos considered as a sentimental adhesion. The analysis of theoretical texts allows a description of this homogenous and coherent system's constitutive elements. The disruptions induced in the dramatic thought by the pathetic expectations are considered first : the promotion of the effect to the rank of a decisive criterion of value, the change from a pœtics of beauty to an aesthetics of pleasure, the effects of the lacrymomania on the genres. Then, the examination of dramatic texts sheds light on the emergence of a rhetoric and a dramaturgy spécifique to the pathos. Finally, the beholder's viewpoint is analysed and the pathetic experience considered, in order to understand how the drama gets integrated into the philosophical system of the Enlightenmnent
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Lo, Shih-Lung. "La Chine dans le théâtre français du XIXe siècle." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030030/document.
Full textAbstract:
De 1789 à 1905, la Chine fait partie des sujets exotiques les plus représentés dans le théâtre français. Cette Chine imaginaire est l’héritière du répertoire théâtral du XVIIIe siècle, époque marquée par le goût pour les « chinoiseries ». Elle fait aussi écho à l’actualité franco-chinoise du XIXe siècle, empreinte d’un nouveau colonialisme voire d’ « orientalisme ». En nous appuyant sur le répertoire du théâtre de thème chinois en France au XIXe siècle, que nous nous sommes attaché à reconstituer, nous analysons dans ce travail la production et la réception des images de la Chine sur la scène théâtrale à cette époque. Le corpus des œuvres est divisé en trois catégories : les pièces de thème chinois, les œuvres traduites ou adaptées du chinois et les spectacles donnés par les Chinois. En ce qui concerne la périodisation historique, nous avons choisi de suivre celle des grands événements ayant marqué les relations entre la France et la Chine au XIXe siècle. Les trois premiers chapitres se focalisent sur l’emploi des éléments chinois et orientaux tels qu’ils ont été mis en place au siècle précédent, ainsi que sur leur révision sous l’influence de la sinologie, discipline scientifique nouvelle. Quant aux trois derniers chapitres, ils se développent autour des deux guerres de l’Opium, de la guerre franco-chinoise du Vietnam, de la révolte des Boxers ainsi que la germination de la peur du « péril jaune ». Pour les dramaturges et les artistes de théâtre du XIXe siècle, cette « Chine » est un sujet à la fois familier et étranger, proche et éloigné, cliché et varié, épuisé et exploitable. Tous ces paradoxes concourent à créer dans le théâtre français une Chine kaléidoscopiqueFrom 1789 to 1905, China is one of the most exotic topics represented on the French theater stage. This China can evoke the imagination inherited from the eighteenth-century “chinoiseries” taste. And moreover, it witnesses the nineteenth-century Sino-French socio-political events, which are never detached from the rising colonialism or even the Orientalism.This work attempts to build up a repertoire of Chinese-subject plays, and to analyze the production and the reception of the Chinese image on the French theatre stage during the nineteenth century. The corpus of the entire repertoire can be divided into three categories: the French playwright’s creation, the plays translated or adapted from Chinese literary works, and the performances given by Chinese actors. Chronologically organized, each chapter in this work follows the decisive Sino-French bilateral events. The first three chapters examine the Chinese and Oriental elements which have been applied to the French theatre in the previous centuries, and which are reinvented and appropriated under the influence of Sinology, a new scientific discipline institutionalized in the first half of the nineteenth century. The last three chapters develop with the two Opium Wars, the Sino-French War in Vietnam, the Boxer’s rebellion, as well as the birth of the concept of the “yellow peril.”For the playwrights and the artists, this “China” is therefore familiar but strange, approachable but intangible, cliché but ever-changing, exhausted but exploitable. All these contradictions contribute to create a kaleidoscopic China on the French theatre stage
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El, Fakhri-Frem Sonia. "Le théâtre au Liban d'expression arabe et française de 1848 à 1975." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040249.
Full textAbstract:
Existe-t-il un théâtre libanais ? Ce travail se propose de traiter cette question. La pièce adaptée par Maroun Naccache (L' " Avare " de Molière), en 1848 constitue un point de départ et de repère dans l'histoire du théâtre arabe. Nous avons étudié le théâtre de 1848 à 1975, ainsi que les différentes formes de spectacle avant 1848, en tenant compte des périodes de progression, de régression et de leurs causes. C'est un aperçu général sur le théâtre des libanais au Liban, en Egypte et en France ainsi qu'une réflexion sur les courants et les caractéristiques de chaque période d'évolution. Nous avons insisté sur les problèmes et les difficultés de la scène dans leurs rapports avec la situation socio-politique et économique. Ce travail se divise en cinq parties qui étudient : 1- les aspects des différentes formes de spectacle avant Naccache, 2- la naissance du genre au Liban avec Naccache et les difficultés qui l'ont menacé ainsi que la part de ses successeurs dans la floraison du théâtre au Liban et en Egypte ; 3- la période d'instabilité à cause des guerres mondiales et locales et des crises économiques ; 4- le nouvel élan du théâtre et son épanouissement de 1960 à 1975 ; 5- le théâtre francophone libanais. Nous avons essayé d'analyser et de classer les travaux dramatiques des différents auteurs et metteurs en scène. Dans le but de préserver de l'oubli les travaux dramatiques de cette période, nous avons documenté les principaux noms des auteurs, metteurs en scène et acteurs ainsi que ceux des troupes, des salles de théâtre et les titres des pièces. Bien que notre travail cherche avant tout à analyser les facteurs influant sur l 'évolution du genre dramatique, il a été nécessaire de considérer un aperçu historique général pour mieux cerner l'interaction entre ces facteurs dans un contexte socio-politique et économiqueIs there a Lebanese theater ? Our work aims at addressing this question. The play entitled Al Bakhil (L' "Avare" de Molière), that was adapted by Maroun Naccache in 1848, represents a starting point and a reference in the history of the Arabic theatre. We study the theatre in the period between 1848 and 1975, as well as the other forms of performing arts present before 1848, and consider the periods of development, regression and the underlying causes. The work includes a general overview of the Lebanese theatre in Lebanon, Egypt and France as well as an analysis of the different movements and the characteristics of each evolution period. We have stressed the problems and difficulties of the theatre in relation with the socio-political and economic context. This work consists in five sections that address 1- the aspects of the different forms of performing arts before Naccache; 2- the birth of theatre in Lebanon with Naccache and the difficulties encountered as well as the contributions of his successors in the development of theatre in Lebanon and Egypt; 3- the period of instability due to World War I and II, local wars and economic crises; 4- the renewed rise and growth of Lebanese theatre between 1960 and 1975; 5- the French-speaking (francophone) Lebanese theatre. The theatrical works of different play-writers and directors have been analyzed and categorized. In a effort to preserve a record of the theatrical works of this period, a unified record listing the main play-writers, directors and actors, as well as theatre companies, theatres and play titles was created. Although the main aim of our work was to analyze the different factors affecting the evolution of the theatrical genre, it was necessary to undertake a general historical overview to better understand the interaction between these factors in their socio-political and economic context
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Luo, Tian. "La Chine théâtrale en France au XVIIIe siècle." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040011.
Full textAbstract:
De la fin du XVIIe siècle jusqu'à la Révolution, la Chinoiserie et la théâtromanie coexistent en France. Est-ce que ces deux phénomènes culturels, à peu près durant un siècle, se sont réunis et est-ce que leur union a influencé la vie sociale en France ? Nous en sommes naturellement curieux. Retracer l'histoire de la Chine théâtrale est, en quelque sorte, un assez bon moyen de cerner la façon dont la Chine a été appréhendée par l'imaginaire social français. L'intérêt pour l'étranger traduit souvent des préoccupations internes. Quand ils critiquent ou célèbrent la Chine, les dramaturges français pensent surtout à leur pays. Quant à l'imagerie de la Chine théâtrale, elle n'est pas seulement le produit des informations diffusées par les missionnaires, les marins et les commerçants, mais aussi le produit de cette intense spéculation, qui se développe tout au long du siècle, sur la société française, sur ses systèmes et ses règles. .From the end of the seventeenth century to the French Revolution, the “chinoiserie” and the passion for drama were developing in coexistence. Did these two social phenomena, lasting for almost one century, unite each other? Did they really influence the social life of France? We are naturally curious about such questions. It can be a quite good way to follow the relevant trails in the history of French theatre in order to trace out how China was apprehended by the French society. The interest about the others often reflects the inner preoccupation of the observer himself. When the French playwrights criticize or compliment China, they think rather of their own country. Therefore, the interpretation of China in the French theatre is the product not only of the information conveyed by the missionaries, the sailors and the merchants but also of the intense meditation about the French society, about its system and its rules. .
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Chapin, Carole. ""Le journal est un théâtre ouvert" : les débats sur le théâtre dans la presse russe des Lumières et leur contexte européen." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA191/document.
Full textAbstract:
Depuis le début du XVIII siècle, la société russe a connu des évolutions très rapides. L’entrée de la Russie sur la scène politique européenne a modifié les relations internationales, imposant à l’Europe de tenir compte de ce nouvel acteur. Cependant ce récent statut s’accompagnait aussi de profonds changements dans les comportements culturels russes : le développement du goût pour le théâtre comme divertissement privilégié d’une élite éclairée autorisait cette dernière à partager avec ses homologues européens une culture commune et un intérêt pour les mêmes débats sur le rôle, les effets et les évolutions de l’art dramatique. Pour favoriser ces échanges, les périodiques, dont la naissance et le développement en Russie interviennent presque simultanément, furent vite identifiés comme un instrument exceptionnel de communication. Ils contribuent à la transmission rapide tant de l’information récente que des éléments nécessaires à la culture générale du lecteur, en particulier en lui procurant les références considérées comme essentielles à sa participation aux discussions. Ils aident également à constituer des réseaux de journalistes et des zones d’intertextualité qui ouvrent la discussion virtuelle à l’échelle internationale.Nous souhaitons attirer l’attention sur un corpus d’articles de presse sur le théâtre, majoritairement constitué d’articles russes, peu exploités sous cet angle, publiés dans différents journaux entre 1759 et 1793. L’édition de ces articles permet de les analyser dans leur contexte européen, dans le dialogue avec leurs sources et leurs destinataires. Il s’agit d’abord de montrer comment le transfert et la réappropriation des genres journalistiques est un laboratoire formel pour les contributeurs, et un espace d’éducation à de nouvelles pratiques de lecture pour des lecteurs critiques, potentiels spectateurs avertis des théâtres. Cette analyse globale est accompagnée d’analyses de détails, centrées sur l’enjeu de la représentation des productions dramatiques nationales dans la presse européenne : l’image du théâtre russe, français ou anglais dans les journaux correspondants est un indicateur des relations entre les pays ou de l’efficacité des stratégies de politique culturelle. Au cœur de ces faisceaux d’intérêts convergents ou divergents, les problématiques de la réception des nouvelles formes théâtrales se manifestent, à la fin du siècle, dans un paysage recomposé de la presse européenneSince the beginning of the 18th century, society in Russia has evolved very rapidly. Russia’s arrival in the European political landscape changed international relations as European nations learned to count with this new player. This new status also brought forth profound changes in Russian cultural behaviours: as the taste for the theater as an exclusive, enlightened form of entertainment grew among the Russian elite, its members started to share with their European counterparts a common culture and an interest in debating the role, impact and evolution of drama. Periodicals, which appeared and spread in Russia almost at the same period, were quickly identified as an exceptional means to communicate and facilitate these exchanges. They enabled both the quick transmission of the latest pieces of information and the diffusion of the background elements necessary to the reader’s general knowledge – specifically by procuring them with the references considered as essential to participate in the ongoing discussions. They also helped with building networks of journalists and zones of intertextuality, which opened the virtual discussion on an international scale.We wish to shed light on a corpus of press articles relating to the theater, mostly consisting in Russian articles little read under that angle until now, which were published in a number of journals between 1759 and 1793. The publication of these articles allows us to analyse them in their European context, engaging in a dialogue with their sources and their recipients. We will show how the transfer and the reappropriation of journalistic genres provides contributors with a space to experiment, and also enables readers/critics, who are also potentially the informed spectators of the plays, to educate themselves to new reading practices. This overall approach is compounded by more detailed analysis on how national drama productions are represented in the European press: the respective image of the Russian, French or English theater in corresponding journals also reflects relationships between countries, and the efficiency of their cultural policy strategies. At the heart of those converging or diverging interests lie questions relating to the reception of new theatrical modes of expression at the end of the century in a changed European press landscape
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Barrière, Mireille. "La société canadienne-française et le théâtre lyrique à Montréal entre 1840 et 1913." Doctoral thesis, Université Laval, 1990. http://hdl.handle.net/20.500.11794/17631.
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Kapitaniak, Pierre. "Spectres, fantômes et revenants : phénomène et représentation dans le théâtre de la Renaissance anglaise." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040156.
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Avec le rejet du purgatoire par la Réforme, les fantômes reviennent sur le devant de la scène dans les débats démonologiques, et envahissent en même temps les planches des théâtres européens grâce à la redécouverte de Sénèque. L'étude des rapports entre ces deux domaines a fait ressortir certaines similitudes, mais surtout des divergences dans l'appréhension du phénomène : pour les démonologues, les apparitions sont presque toujours liées à l'action du Malin, tandis que les dramaturges développent un double discours paradoxal à propos de la figure spectrale, soulignant son autorité tout en remettant en question sa réalité. Au-delà de cette contradiction, le théâtre reflète mieux qu'aucun autre discours l'ambivalence fondamentale du revenant, à la fois humain et surnaturel, mais aussi celle de sa perception en tant que phénomène qui oscille entre crédulité et scepticismeWith the rejection of Purgatory by the Reformed Church, the ghosts became a fashionable subject in demonological debates, just as the rediscovery of Seneca encouraged spirits to haunt the European stages. The study of the relations between these two fields shows some similitude but mostly underlines the differences in apprehending the phenomenon itself : for the demonologists, the Devil always lurked behind apparitions of the souls, whereas the playwrights developed a paradoxical ghost figure insisting on its authority but questioning its reality. Beyond this contradiction, drama better than any other genre reflects the ghost's essential ambivalence, both human and supernatural, but also the ambivalence of its perception as a phenomenon, oscillating between credulity and scepticism
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Miller, Maria. "La Tragédie biblique à l'âge baroque en France (1610-1650)." Paris 3, 1988. http://www.theses.fr/1988PA03A023.
Full textAbstract:
Xviie siecle, par quatorze tragedies inspirees de l'ancien testament : la naissance ou creation du monde (villetoustain, 1610-14?); le deluge universel (h. De picou, 1643); samson le fort (anon. , 1610-14?); saul (c. Billard, 1610); saul (p. Du ryer, 1642); achab (anon. , 1634); nabuchodonosor (anon. , 1610-14?); la chaste et vertueuse susanne (f. Auffray? 1614); holoferne (b. Baro, 1629); judith (g. Bouvot, 1649); la belle hester (j. Marfriere, 1610); la perfidie d'aman (gaultier-garguille?, 1662); esther (p. Du royer, 1644) et antioche (j. B. Le francq, tourne autour de trois axes : sources, structures et themes. Outre le recit sacre, parallement aux structures du theatre humaniste, du theatre irregulier et du theatre classique, des structures qui font date : une tragedie-farce, la premiere piece enchassee en france et une tragedie-ballet. Les themes recurrents ont permi de definir la double intention edifiante et polemique des tragedies bibliques et1614 ?) ; le deluge universel (h. De picou, 1643) ; samson le fort (anon. , 16101614 ?) ; saul (c. Billard, 1610) ; saul (p. Du ryer, 1642); achab (anon. , 1634) ; nabuchodonosor (anon. , 1610-14?); la chaste et vertueuse susanne (f. Auffray?, 1614); holoferne (b. Baro, 1629); judith (g. Bouvot, 1649); la belle hester (j. Marfriere, 1610?) ; la perfidie d'aman (gaultier-garguille?, 1622;esther (p. Du ryer, 1644), holoferne, (b. Baro, 1629); judith (g. Bouvot, 1649); la belle hester (j. Marfriere, 1610?); la perfidie d'aman (gaultier-garguille?, 1622); esther (p. Du ryer, 1644). Themes allowed to define the double intention of the plays : enlightening and
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Turcot, Laurent. "De la définition du lieu théâtral populaire : spectacles de boulevard et police dans la seconde moitié du XVIIIe siècle à Paris." Master's thesis, Université Laval, 2002. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28596.
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Cimmieri, Valeria. "Femme et pouvoir dans le théâtre tragique italien des XVIe et XVIIe siècles : étude d’un corpus emblématique de rôles-titres féminins." Thesis, Toulouse 2, 2013. http://www.theses.fr/2013TOU20096.
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Aux XVIe et XVIIe siècles, en Italie, une ample production de tragédies voit le jour, parmi lesquelles de nombreuses pièces consacrées à des héroïnes éponymes. Nés de procédés complexes de réécriture (de mythes, de récits historiques, de sources religieuses et littéraires), ces personnages, qui posent sur scène la question du rapport entre la femme et le pouvoir, mobilisent le jugement des auteurs et du public sur des débats capitaux pour la société de l’époque. Par des démarches d’écriture particulières, plus ou moins explicites, le théâtre tragique se fait ainsi théâtre politique, puisqu’il élève la cité à la dignité d’un spectacle qui s’interroge sur ses mécanismes civiques et culturelsTragedy was a genre that flourished in Italy in the 16th and 17th century of which numerous examples were dedicated to the eponymous heroines. Created in the process of rewriting (réécriture) of myths, historical narratives and various religious and literary sources, those characters bring up questions concerning the relation between women and power encouraging authors and their public to take part in the debates that are crucial for the contemporary society. Through more or less explicit literary means, tragic theater becomes a political theater for it raises the city to the dignity of the spectacle that reflects on its civic and cultural mechanisms
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Dion, Nicholas. "Entre les larmes et l'effroi : inflexions élégiaques et horrifiques dans le théâtre tragique, de l'âge classique aux Lumières (1677-1726)." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27328/27328.pdf.
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Livera, Marco. "Le thème tragique du Crispe : le Crispus du père Stefonio, ses traductions italiennes et son passage en France." Chambéry, 2004. http://www.theses.fr/2004CHAML052.
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Cette thèse étudie la tragédie Crispus du père Bernardino Stefonio (1597), sa présence et son succès dans le théâtre des jésuites, et, plus généralement, la reprise christianisée du mythe d'Hippolyte et de Phèdre dans le théâtre italien et français du XVIIe siècle. Le problème qui m'a le plus intéressé a été de voir comment une "histoire romaine" s'est superposée au mythe classique. C'est au père Stefonio que l'on doit le remplacement du triangle de dérivation classique Phèdre-Hippolyte-Thésée par le triangle tragique Fauste-Crispe-Constantin, issu de l'histoire romaine, tout en inscrivant leurs aventures dans une conception providentielle de l'histoire, aux finalités didactiques précises. Après l'analyse du Crispus, j'ai examiné de nombreux arguments ou scénarios qui dessinent le parcours dramaturgique du Crispus en Italie, avant de procéder à la descriprion , au commentaire et à la confrontation des deux traductions du Crispus en langue italienne : le Crispo tragedia, d'attribution et datation incertaine, et le Flavio Crispo Tragedia du père Cristoforo Virgili, lui aussi de datation incertaine. Ensuite j'ai esquissé brièvement comment le thème de Crispe est passé en France, où il a été repris dans deux textes du théâtre mondain, L'Innocent malheureux (1639) de François de Grenaille et La Mort de Chrispe (1645) de Tristan l'Hermitte (dans ce deuxième texte par la médiation de la Cour Sainte du père Nicolas Caussin). Le travail s'accompagne de l'édition des deux traductions italiennes du Crispus analysées.
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Menet-Genty, Janine. "Théâtre et société en Italie (1860-1915) : un nouveau répertoire et de nouvelles structures théâtrales pour une société en mutation." Nancy 2, 1986. http://www.theses.fr/1986NAN21023.
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Le théâtre italien de la fin du XIXe et du début du XXe siècle est peu connu et négligé par la critique. Pourtant, après la réalisation de l'unité politique de l'Italie, il veut contribuer au renouveau national. Par l'utilisation de la langue italienne, il s'oppose aux dialectes ; par une approche originale des problèmes sociaux contemporains, il veut se démarquer de l'influence alors prépondérante du théâtre français ou scandinave. Des centaines de pièces nouvelles sont écrites chaque année par des dramaturges professionnels ou amateurs, et créées par des dizaines de troupes itinérantes qui parcourent l'ensemble du territoire italien et font des tournées à l'étranger. Les principaux acteurs, selon la tradition, dirigent leur propre troupe. Cette période voit des tentatives de changements : des théâtres stables sont créés ; les auteurs, les acteurs et les directeurs de troupe s'organisent pour défendre leurs intérêts respectifs ; la presse spécialisée se développe et accentue l'impact du théâtre sur un public nombreux et passionné. Les sujets traités par les auteurs correspondent aux préoccupations de la classe bourgeoise en ascension rapide : la famille et l'argent sont des thèmes présents dans toutes les intrigues. Certaines pièces à thèse mettent en scène des problèmes de société tels que le duel ou le suicide ; d'autres illustrent les nouvelles lois, indiquent les difficultés que soulève leur application ou suggèrent des modifications qui apparaissent souhaitables à propos du mariage, de la séparation, du divorce, de l'héritage, etc. Toutes s'appuient sur une morale traditionnelle stricte, sans concessions. Notre travail relève de la littérature et aussi de la sociologie du théâtre : par l'étude des textes des pièces, des échanges épistolaires entre les auteurs et les acteurs et des archives des compagnies, nous montrons l'importance de ce théâtre qui donne une image souvent fidèle de l'Italie nouvelle, mais aussi révèle les phantasmes d'une société en mutationThe Italian theater of the late 19th c. And early 20th c. Is little known and neglected by critics, though it contributed to the national revival once political unity was achieved in Italy. Turning away from dialects it chooses the national Italian language ; through its original approach to contemporary social issues it takes an independent stand against the overwhelming influence of French and Scandinavian drama. Hundreds of new plays are written each year by professional or amateur playrights. The plays are produced by dozens of itinerant troups, travelling all over the Italian territory, and even going on tours abroad. Leading actors according to tradition direct their own troup. This period is also a time of experiments : "permanent" theaters are created ; playrights, actors and company directors organize themselves in the defence of their respective interests ; a specialized press develops and increases the theater's impact on a large and enthusiastic audience. Authors deal with subjects that reflect the concerns of a rapidly rising bourgeoisie. Such themes as family and money are part of all plots. Some problem plays stage familiar concerns on the contemporary social scene, like duels and suicide. Others illustrate the new laws, underline the difficulties implied by their enforcement and suggest necessary reforms in the fields of marriage, separation, divorce, heritage, etc. All plays rely on traditional moral standards. The present work pertains to both literature and the sociology of theater. As we study the texts of the plays, the letters exchanged by authors and actors as well as the archives of the theater companies we draw attention to a literary genre which often provides an accurate image of the new Italy while revealing the obsessions of a rapidly transforming society
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Gallégo, Josée. "Le mythe des Argonautes dans le théâtre du Siècle d'or espagnol." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA041.
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Le mythe de la Toison d'or est le récit d'une aventure maritime jusqu'au bout du monde pour y rapporter un emblème de royauté. Chassé par un oncle usurpateur, Jason triomphe des épreuves qui lui sont imposées grâce à l'amour de la magicienne Médée. Tamis des orpailleurs, trésor caché, parchemin sacré, constellation ou Saint-Graal, le bélier volant qui sauva Hellé et Phryxos de la noyade a été l’objet de nombreuses interprétations.En 1430, le duc de Bourgogne, Philippe le Bon, fonde l'ordre de la Toison d'or pour fédérer les princes de la chrétienté. À l'issue de la cérémonie d'intronisation, un collier est remis au nouveau chevalier. Pourtant, l'évêque de Chalon se récrie face au choix de ce héros parjure, et l'on décide de lui adjoindre Gédéon, dont les brebis s'étaient couvertes de rosée mariale, en signe de la victoire prochaine sur les mécréants.Par le jeu des alliances matrimoniales, le titre de Souverain de l'ordre échoit à Charles Quint qui ajoute à ses armoiries le « Plus Oultre ». Lors de la bataille de Lépante, en 1571, la Galera Real Argo proclame, à coups de décorations, fresques, statues et devises, le projet de la monarchie catholique de terrasser le dragon qui s'est emparé des territoires chrétiens, assimilés au mouton doré du mythe.Quand la saga des Argonautes arrive sur les planches du théâtre auriséculaire, elle jouit d'un immense avantage. Le héros est connu dans son aspect le plus lumineux et le traitement bourguignon alimente la résistance face aux hérétiques de toutes sortes.Si le mythe se prête aux innovations les plus spectaculaires et relaie les valeurs de la monarchie, il entretient une singulière relation avec la politique menée par ses princes, tandis que les guerres laissent attendre l'âge d'or tant espéré, que la dette se creuse, que la cour mène un train de vie dispendieux et que la corruption gagne progressivement toute la société.Avec l'Art Nouveau de faire des comédies, Lope de Vega ouvre une brèche qui permet de voir derrière les ors et les fastes de la cour la lente désagrégation de la monarchieThe story of Jason is a most ancient myth and survives in various forms. A more widespread interpretation relates the myth of the fleece to a method of washing gold from streams. More often, the Golden Fleece represents royal power, the spring-hero or a book on alchemy. According to Apollonius of Rhodes, a flying golden ram rescued Phrixus and Helle as their stepmother wantedto kill them. Phrixus safely reached Colchis where he sacrificed the ram and gave its skin to Aetes. Meanwhile, Pelias had usurped the throne of Eson and as his son reclaimed it, sent him to fetch the Golden Fleece. Jason assembled a remarkable group of heroes on board the Argo. At Colchis, the witch Medea helped Jason to complete the mortal tasks. Upon returning, she plotted the death of Jason's uncle, so both took refuge with their children in Corinth. There, the hero betrayed her as he fell in love with Creusa. The witch got rid of this rival, burnt the palace and slaughtered their chidren.In 1430, the Duke of Burgundy founded the Order of the Golden Fleece. As a shield, a sheepskin was suspended from a jeweled collar of firesteel linked by flints. But the choice of Jason caused controversy, so Bishop of Chalon linked it to the fleece of Gideon. As part of the Burgundian inheritance, the Order was a welcomed instrument to the ambitious Habsburgs to strengthen the bonds and Charles V added as a motto « Plus Oultre ».Performances of the Spanish Golden Age Theater were used to develop the ideology of the Catholic Monarchy. When Lope de Vega published el “Arte nuevo”, he introduced the tradition of the « Mirror for Prince » giving opportunity to express one's point of view, despite the censure
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Postert, Kirsten. "Tragédie historique ou Histoire en Tragédie ? : les sujets d’histoire moderne dans la tragédie française (1550-1715)." Thesis, Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040235.
Full textAbstract:
Dès son apparition en 1550, la tragédie française trouve la plupart de ses sujets dans l’histoire. Si les auteurs dramatiques, suivant le goût du temps, semblent favoriser l’histoire antique ou mythologique, les sujets d’histoire moderne ou contemporaine n’en sont pas moins très présents dans la production théâtrale des années 1550-1715. Le présent ouvrage explicite les liens entre histoire et tragédie : il ne confronte pas seulement œuvres dramatiques et histoire véritable, il met aussi en lumière les rapports entre historiographie et écriture dramatique aux XVIe et XVIIe sièclesFrom its apparition in 1550, French tragedy tends to draw most of its subjects from history. Though most dramatic authors, according to the taste of the times, tend to favour classical or mythological plots, subjects drawn from modern or contemporary history are nevertheless very present in the works produced between 1550 and 1715. The present work seeks to explain the links between history and tragedy. It compares not only the dramatic works with real historical events but also seeks to illuminate the relationship between historiography and dramatic writing in the 16th and 17th centuries
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Jobard-Wagner, Catherine. "La représentation de la défaite dans le théâtre du dix-septième siècle 1634-1663." Thesis, Besançon, 2013. http://www.theses.fr/2013BESA1014/document.
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Cette thèse est l'aboutissement de huit années de travail qui ont portés sur la représentation de la défaite dans le théâtre du dix-septième siècle. Notre corpus comprend 75 pièces, 60 tragédies, 14 tragi-comédies et une comédie-heroïque jouées entre 1634 et 1663 et mettant en avant le thème de la défaite, telle que la définissent les dictionnaires de l'époque, c'est-à-dire la perte d'une bataille après une intervention armée qui peut aller des guerres externes ou internes, internationales, civiles ou religieuses, qui dominent dans les tragédies de la première période étudiée, soit les années 1634-1643, aux complots militaires ou privés qui seront plutôt l'apanage des pièces de la dernière période, soit les années 1653-1663This thesis is the outcome of eight working years wich concerned the representation of the defeat in the theater of the seventeenth century. Our corpus includes 75 plays, 60 tragedies, 14 tragicomedies and a heroic comedy played between 1634 and 1663 and putting forward the theme of the defeat, such as defined in the dictionaries of this time, that is the loss of a battle after an armed intervention which can go external or internal, internaltional, civil or religious years 1634-1643, in the military or private plots dominate in the tragedies of the first studied period, or which will be rather the priviledge of the plays of the last period, or the years 1653-1663
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Lefrère, Jean-Jacques. "Les saisons littéraires de Rodolphe Darzens (1865-1938)." Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA08A001.
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