To see the other types of publications on this topic, follow the link: Tragédie grecque – Thèmes, motifs.
Dissertations / Theses on the topic 'Tragédie grecque – Thèmes, motifs'
Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles
Consult the top 50 dissertations / theses for your research on the topic 'Tragédie grecque – Thèmes, motifs.'
Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.
You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.
Browse dissertations / theses on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.
1
Diop, Maguette. "Le mythe de la royauté dans les tragédies grecque et africaine." Université Paris-Est Créteil Val de Marne (UPEC), 1986. http://www.theses.fr/1986PA120008.
Full textAbstract:
Le mythe de la royaute dans les tragedies grecques et africaines est un sujet qui etudie l'interference du mythe et de l'histoire et met en valeur le personnage du roi, les mecanismes et les problematiques de la royaute. Cette etude embrasse trois domaines : la litterature, l'histoire et la sociologie. La tragedie met l'accent sur la destinee exceptionnelle des souverains. Elle celebre les exploits des rois et en tire une lecon de morale. La sociologie intervient pour expliquer la formation et les mecanismes de la royaute. La methode comparative tend a prouver que les demarches de l'esprit humain sont identiques, quel que soit le peuple, quelle que soit la race. Un mythe grec ou romain peut s'expliquer a la lumiere d'un mythe africain. L'un et l'autre repondent a des exigences profondes de la psyche humaine. Nous retrouvons dans la royaute, des elements mythiques similaires chez des peuples separes par des distances infranchissables. Le trait fondamental de l'homme grec classique rappelle celui de l'africain. Ils ne se considerent pas comme des individus isoles, dont le statut personnel puisse etre obtenu independamment des groupes sociaux auxquels ils appartiennent. Ce sont des etres eminemment sociables, qui tiennent aux rapports avec autrui et qui ont conscience de n'accomplir vraiment leur destinee que par cette communication avec les autres. L'exercice de la royaute s'inscrit dans un contexte de rites, de symboles et de prescriptions qui font que la personne royale est identifiee au pays tout entier. Les auteurs tragiques grecs concoivent le monde comme guide et regi par la justice divine. Les dieux sont meles a l'action des rois et leur intervention retablit l'ordre et l'harmonie : un souverain ne peut braver les dieux. Tout comme dans la tragedie antique, le roi africain ne peut echapper a son destin. Mais, contrairement au souverain grec, il n'est pas agi par une volonte superieure.
2
Itoua, Patric. "Tragédies nègres et tragédies grecques." Strasbourg, 2009. http://www.theses.fr/2009STRA1031.
Full textAbstract:
L’objectif de cette thèse « TRAGEDIES NEGRES ET TRAGEDIES GRECQUES » est de comparer le théâtre tragique nègre dans ses rapports avec le théâtre tragique grec. Ayant constaté que la Critique littéraire et la Recherche universitaire accordaient moins d’importance aux travaux de comparaison portant véritablement sur le théâtre de ces deux sociétés, cette étude pose la question de la nature et de la signification des tragédies nègres par rapport aux tragédies grecques. Car l’on entend toujours parler de tragédies françaises, allemandes, italiennes… dans leurs rapports avec les tragédies grecques, mais jamais de tragédies nègres, comme si le théâtre négro-africain était moins poétique et moins expressif que d’autres. Trois pistes de réflexion constituent l’ossature de cette étude. Dans un premier temps, nous traitons des conditions de production du tragique dans les sociétés colonisées d’Afrique et des Antilles, c’est-à-dire de l’avènement du théâtre en général, et du théâtre tragique en particulier, dans les sociétés nègres, notamment à travers l’instruction. Cette partie met l’accent sur l’Influence des auteurs antiques (Eschyle, Sophocle et Euripide) sur les dramaturges négro-africains : Jacques Rabémananjara, Aimé Césaire et Wole Soyinka. Cette Influence s’est avérée positive parce qu’elle est représentative de leurs univers littéraires tragiques. Le second point de cette étude ne se départ pas du premier. Il met l’accent sur la manière dont les dramaturges négro-africains s’approprient le modèle ancien pour créer un univers littéraire qui leur est propre ; c’est ce que nous avons nommé : les dramaturges nègres et l’emprunt du canevas antique. Enfin, le troisième point se veut une étude de la structure des textes tragiques nègres par rapports aux textes grecsThe aim of this thesis “NEGRO TRAGEDIES AND GREEK TRAGEDIES” is to compare the tragic negro theatre to the tragic greek theatre. Given that literary critics and researches attach less importance to comparative analysis of the theatricals of these two societies, this work questions the nature and significance of Negro tragedies in relation to Greek tragedies. While allot had been done on French, German, Italian. . . Tragedies in their relation to Greek tragedies, nothing has been heard on Negro tragedies, as if Negro-african theatre had been less poetic and less expressive. This work is based on three axes. First, the conditions of production of tragic in the colonised African societies and Caribbean’s- the theatre in general and tragic theatre in particular. This section lays emphasis on the positive influence of ancients authors (Eschyle, Sophocle and Euripide) on the Negro-african dramatic writers (J. Rabémananjara, A. Césaire, W. Soyinka). Secondly, we look at how the Negro-african writers appropriated the ancient model for creating a new literary world of their own- Negro dramatic writers and the ancient models. Lastly we take a look at the study of the structure of tragic texts
3
Roth, Pascale. "Autour du lit, usages féminins : images et textes dans le monde grec classique." Toulouse 2, 2001. http://www.theses.fr/2001TOU20087.
Full textAbstract:
A partir d’un corpus basé sur l'époque grecque classique, composé à la fois de vases et de textes, l'auteur examine les relations entre la femme et le lit. La partie technique du premier chapitre décrit la place du lit dans son environnement avant d'examiner ses composants, pieds et accoudoirs notamment, les matériaux de fabrication et de décoration, puis la literie. En complément à cette description matérielle, sont exposés les divers usages du lit hors du champ de la recherche menée. Le chapitre littéraire, centré essentiellement sur les tragédies, démontre par l'emploi des noms grecs du lit la proximité entre cet élément et la femme sur un plan métaphorique : dire le lit, c'est souvent dire le mariage du côté féminin ou la femme elle-même. L'approche iconographique développée en trois chapitres prouve que le lit est utilisé avec la femme dans certains types de situation. Pour certaines héroïnes, le lit met en évidence les valeurs accordées habituellement aux femmes, attrait physique, séduction, fécondité, mais il est aussi parfois le lieu de leur mort. Un autre pôle d'usage du lit est constitué de scènes gravitant autour du mariage, préparatifs, cortèges et autres. Enfin, le dernier chapitre traite du lit de la prostitution : ne se déroulant pas au symposion, les quelques scènes avec des hétaïres en Attique sont complétées par de nombreuses images d'Italie du Sud, assez énigmatiques, présentant des couples sur un lit dans diverses attitudes. Ainsi, quand le lit se rencontre avec la femme dans une iconographie particulière, il joue un rôle fondamental : le lit révèle ou accentue les valeurs que les hommes accordent, dans leur système de pensée, aux femmes, beauté, séduction, fécondité dans le mariage, pouvoir érotique. Les usages féminins du lit prouvent l'affinité de cet élément avec la femme et son utilité quand elle l'utiliseFrom a corpus based on the Greek classical world, consisting of both vases and texts, the author examines the relationship between the woman and the bed. The technical part of the first chapter describes the position of the bed within its environment before considering its components : its legs and armrests in particular, the material used to make and decorate it, then the bedding. Further to this materialistic description, the several uses of the bed are explained with no connection with the present research. The literary chapter, focusing essentially on tragedies, shows by using the Greek names for bed, the proximity between that element and the woman on metaphorical basis : using the word bed, is identifying it with marriage or woman herself. The iconographical approach which is developed throughout three chapters explains that the bed and the woman meet in certain types of situations. For some heroines, the bed brings to the fore the merits granted generally to women : physical appeal, charm, fertility, though, sometimes it is their deathbed. The bed is also used to describe such scenes as preparations and marriage ceremonies, processions and others. Finally the last chapter examines the relationship between bed and prostitution : the few scenes with hetaeras in Attica, which do not take place at the symposium, are completed by many rather enigmatic images from the South of Italy, showing couples on a bed in different attitudes. Thus, when the bed appears with the woman in a particular iconography; it plays a fundamental role : the bed reveals or emphasises the values men, in their train of thought, give to women, beauty, seduction, fertility in marriage, erotic power. The way women use a bed proves their affinity with this element and its usefulness when they are in contact with it
4
Montana, Jean-Marie. "Le spectaculaire dans la tragédie romaine." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030105.
Full textAbstract:
La tragédie romaine est un spectacle à l'approche de formes traditionnelles de théâtre comme celles de l'Extrême-Orient. Elle ne reproduit pas la réalité mais est indissociable du cadre déréalisant des "ludi", des jeux, auxquelles les Romains assistent pour se divertir et pour vivre collectivement de grandes passions, les "motus animi", différents des passions grecques. Les sujets des pièces appartiennent à la mythologie grecque qui fait partie de la culture des Romains et qu'ils connaissent à travers les arts plastiques. Le passage des personnages du théâtre grec à ceux du théâtre romain se fait à partir de l'image qui, dans l'Antiquité, est narrative. La tragédie apparaît comme une ekphrasis vivante, une image animée par la parole et les gestes de l'acteur. En utilisant et prolongeant les techniques de la rhétorique, celui-ci provoque dans l'auditoire des "motus animi". .Roman tragedy is a show which can be aptly compared with traditional stage productions such as those from the Far-East. It does not aim at reproducing reality, but is essentially connected with the non-realistic pattern of "ludi" i. E. Games, which the Romans are fond of, for entertainment as well as for collective experiences of great passions, or "motus animi", as different from Greek pathos. Topics are borrowed from Greek mythology, which is part and parcel of Roman culture, and which the Romans are first acquainted with through the plastic arts. The transition from the characters of the Greek stage to those of the Roman stage takes place through imagery, which is basically narrative in Antiquity. Tragedy then turns into a live ekphrasis, an image brought to live by the actor's words and gesture. Through his usage and abusage of the techniques of rhetoric, the actor stirs up "motus animi" in the audience. .
5
Balazut, Joël. "L'impensé de Heidegger et l'essence du tragique." Toulouse 2, 2005. http://www.theses.fr/2005TOU20103.
Full textAbstract:
Il est un impensé de Heidegger qui apparaît à travers son interprétation de Hölderlin, ainsi que de pensée grecque présocratique. Il s’agit d’une conception de l’être comme phusis et d’une conception tragique du Dasein, développée sur la base de la tragédie grecque. Le tragique est cet impensé qui constitue le cœur de la pensée de Heidegger, car il est constitutif, non seulement du Dasein, mais aussi de l’essence même de l’être comme phusis. Les Grecs ne représentent pas un modèle, ils révèlent l’essence universelle du Da-sein. Cet impensé de Heidegger est déjà présent en gésine dans les premiers développements de sa philosophie à partir de Etre et temps. Cependant, il n’a jamais assumé pleinement cette pensée à cause de son ambiguïté concernant la question de DieuThis thesis try to disclose a hidden signification in Heidegger’s thought. We think that the true meaning of this philosophy can be disclose in his interpretation of early Greek philosophy, Greek tragedy and also Hölderlin poetry. Then, it appears that the word “phusis” is the name for being, and that the notion of Dasein must be understood according to Greek tragedy. We call “the tragic” what is showed in tragedy. And, our thesis is that “the tragic” disclose not only the meaning of the notion of Dasein, but also the original meaning of being. This hidden meaning in Heidegger’s thought is yet secretly present in the first development of his work since Sein und Zeit. In the mean time this sense of Heidegger’s thought don’t appears clearly cause of his ambiguity concerning the question of god
6
Katounta, Sylvia. "Les femmes, la loi et la justice dans la tragédie et le drame moderne : la transposition du mythe d'Antigone et de Médée dans le théâtre d'Anouilh." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030053.
Full textAbstract:
Ce travail est une lecture comparatiste d'Antigone de Sophocle et de Médée d'Euripide et leur transposition dans le théâtre d'Anouilh, au croisement de l'herméneutique littéraire et de la pensée politique. La thématique de la justice et de la loi commune dans ces quatre pièces fournit le point de départ d'une démonstration qui s'attache à mettre au jour un questionnement sur les problèmes politiques, sociales, philosophiques et existentiels. En entreprenant cette étude, notre objectif principal est de mettre au jour les enjeux et la dimension sociale et politique dont les situations fictionnelles inventées par les trois auteurs étaient porteuses. La reprise des mythes par Anouilh constitue une nouveauté et notre parcours de lecture s'efforcera de mettre en valeur l'originalité dramatique d'Anouilh. Notre objectif sera d'examiner comment Anouilh, après les grands poètes tragiques, a articulé les différentes étapes de ses drames. Le mythe d'Antigone et de Médée se cristallise autours de donnés particuliers qui vont permettre à l'auteur contemporain de développer certains aspects, liés de manière, plus ou moins évidente, à l'expérience douloureuse de la Seconde Guerre mondiale. Le mythe devient ainsi le prétexte pour la création d'un univers qui se trouve en rupture quasi totale avec ses origines. Si Antigone et Médée, chez Sophocle et Euripide, en transgressant les lois, étaient en quête d'une légitimité et de la justice, au drame moderne ces questions deviennent des prétextes pour nouer avec le pathétique. Les pièces modernes prennent une autre ampleur et acquièrent un autre sens. Médée et Antigone projetés au XXe siècle, à peine peuvent-elles nous rappeler les personnages antiquesThe aim of this study is to compare Sophocle's Antigone and Euripide's Medea and their transposition in the theater of Anouilh, at the crossroads of literary hermeneutics and political thinking. The theme of justice and law in these four texts provides a point of departure for a demonstration which aims to revitalize an inquiry around political, social, philosophical and existential problems. In taking on this topic, our primary objective is to revitalize the social and political dimensions represented in the fictional situations intended by the tree authors. The appropriation of myth by Anouilh constitutes a new approach, and our method of critical analysis will attempt to underline Anouilh's dramatic innovation. Our objective will be to examine how Anouilh, in the tradition of the great tragic poets, articulated the different levels of his own drama. The myths of Antigone and Medea drama crystallize around particular dramatic action which permit the contemporary author to develop certain key aspects, linked more or less explicitly to the painful experience of world war II. The myth becomes a pretext for the creation of universe which finds itself in a situation of rupture with its origins. Medea and Antigone, projected in the 20 th century, can hardly evoke the classical characters who are so familiar to us
7
Barbolosi, Laurence. "De la nécessité du messager à celle du confident : pour une approche dramaturgique de l'espace tragique." Rennes 2, 2004. http://www.theses.fr/2004REN20035.
Full textAbstract:
Que ce soit dans les tragédies grecques ou dans les tragédies classiques françaises, la production de l'effet tragique repose sur un mode d'articulation déterminant du visible et de l'invisible. Ce dernier instaure un espace tragique qui coi͏̈ncide avec l'imaginaire du spectateur et lui réfléchit " le signe d'une transcendance ". Ainsi le spectateur peut dépasser son émotion pathétique première pour accéder à la conscience tragique. Cet espace nécessite, pour être configuré, le truchement d'un dispositif dramaturgique : le " médiateur poétique ". L'examen des tragédies grecques et des tragédies classiques françaises montrent que cette fonction médiatrice peut être prise en charge par des personnages profondément dissemblables, le messager d'une part, le confident d'autre part, mais révélant la présence d'une structure invariante, en dépit des contextes socio-politiques éloignésIn Greek tragedies or French classical tragedies, the aesthetic production of the meaning of the tragic effect is based on a method of connection : the determine role of the visible space and the invisible space. The latter creates a tragical space that coincides with the imaginary of the spectator and throws " the sign of transcendency " back to him. Thus, the spectator can go beyond his pathetic first emotion to reach the tragical conscience. This space needs to be configured, the interpreter of a dramaturgic system : " the poetical mediator ". The examination of Greek tragedies and French classical tragedies shows that this mediatory role can be taken charge by deeply unlike characters, on the one hand , the messenger , on the other hand , the confident, no without revealing the presence of a constant structure in spite of the distant sociohistorical backgrounds
8
Müller, Frank. "Poétique des objets chez Sophocle : fonctions dramatiques et valeurs symboliques." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0083.
Full textAbstract:
La thèse propose une analyse du rôle des objets dans quatre tragédies (Ajax, Trachiniennes, Electre, Philoctète) et un drame satyrique (Limiers) de Sophocle. Le propos est d'étayer le constat selon lequel les objets ont un rôle prépondérant dans l'économie générale de chacune de ces intrigues et de dégager ce rôle chez cet auteur. L'introduction met en évidence l'émergence du material turn en sciences humaines, souligne le caractère souple et opératoire de la catégorie de l'objet, le lien avec la question du signe et du langage non verbal et relève l'absence d'équivalent en grec ancien pour cette catégorie. L'objet n'est pas abordé Ici comme accessoire, mais comme entité participant d'une fiction théâtrale. On distingue les moments où les objets sont susceptibles d'apparaître sur scène des moments où ils apparaissent dans des récits ou des évocations. Dans le monde fictionnel constitué par chaque intrigue, sont envisagés les modes d'apparition textuels et poétiques d'objets intra-fictionnels, dans le cadre du genre théâtral, qui combine discours et actions. Les métaphores et les images jouent ici un rôle prépondérant. Des analyses circonstanciées en 5 chapitres thèmatisant les objets et leurs fonctions la conclusion tente une synthèse qui identifie plusieurs observations transversales : jeux sur la présence et l'absence, décalages entre discours et actions, entre langage verbal et non verbal, modalités d'allusion à des personnages, temporalités et espaces absents, détournement des fonctions d'usage, modalités du don, de l'échange et de la privation, procédures de personnification et de réifieation, rôle prépondérant dans les modalités de l'accomplissement du destinThe thesis provides an analysis of the role of objects in four tragedies (Ajax, Trachiniae, Electra, Philoctetes) and a Satyr play (Ichneutai) by Sophocles. The purpose is to investigate the initial observation that objects have a key function in the general economy of each of the plots and the specificity of this function in Sophocles. The introduction highlights the emergence of the material turn in the humanities, the flexible and operative nature of the category "object', the link with the question of the sign and non-verbal language and points to the absence of the category in Ancient Greek, The object is not discussed as a theatrical prop, but as an entity within theatrical fiction. A distinction is made between the moments when objects are likely to appear on stage and moments when they do appear in a narration or evocation. Within the fictional world of each plot and in the context of the theatrical genre, which combines speech and actions, the focus is on the textual and poetic modes of appearance of intra-fictional objects. Metaphors and images play a major role. Five chapters offer a detailed analysis of objects and their functions and leed to the conclusion in which several overarching observations are made: by means of objects, Sophocles plays on presence and absence, shifts between speech and actions as well as between verbal and non-verbal communication, alludes to absent characters, time frames and spaces, plays on the misuse of their functions, the modalities of giving, sharing and deprivation, personification and reification. In Sophocles, objects play a key role in the expression of the fulfillment of destiny
9
Sayadi, Abderrazak. "La rhétorique dans la tragédie humaniste de la pléiade." Clermont-Ferrand 2, 1993. http://www.theses.fr/1993CLF20050.
Full textAbstract:
De 1552 à 1561, la France vit une activité dramatique intense. Les hommes de la pléiade réunis autour de Jodelle dotent la France de tragédies inspirées des anciens modèles grecs et latins et qui sont complétement différents du théâtre médiéval. Comment pouvons-nous aujourd'hui expliquer l'apparition de ces textes théâtraux pendant cette décennie ? La rhétorique classique réhabilitée et rénovée au siècle de la Renaissance peut nous livrer quelques secrets de ce théâtre. Les 3 grandes parties de l'art rhétorique, l'inventio, la dispotio, l'elocutio organisent en effet les tragédies de la pléiade. La 1ère partie explique le déclenchement de l'inspiration chez le dramaturge qui découvre son sujet. La 2e structure, l'action, dispose les événements de manière à plaire au public et le maintenir en état d'éveil du début jusqu'à la fin. La 3e partie traduit avec force par le biais des figures de style les sentiments les plus émouvants, les gestes les plus audacieux et la catastrophe la plus tragique. Ainsi, le théâtre de la pléiade est-il créé à l'aide de la rhétorique mais tourné vers l'objectif principal : plaire au publicFROM 1552 TO 1561 THERE WAS IN FRANCE A VERY IMPORTANT DRAMATIC ACTIVITY. THE MEMBERS OF LA PLEIADE UNITED AROUND JODELLE GIVE TO FRANCE SOME TRAGEDIES WHICH ARE INSPIRATED FROM THE ANCIENT MODELS GREEK AND LATINS AND WHICH ARE COMPLETELY DIFFERENT FORM MEDIEVAL THEATRE. HOW CAN WE TODAY EXPLAIN THE APPARITION OF THESE TRAGEDIES AT THIS PERIOD? RHETORIC WHO WAS REHABILITED AT THE RENAISSANCE CENTURY CAN ALLOWS US TO EXPLAIN SOME ASPECTS OF THIS THEATER. THE THREE IMPORTANT PARTS OF RHETORIC TECHNIC INVENTIO, DISPOSITIO, AND ELOCUTIO ORGANISE INDEED TRAGEDIES OF PLEIADE. THE FIRST PART EXPLAIN THE BEGIN OF INSPIRATION WHEN THE DRAMATURGE DISCOVER HIS SUBJECT. THE SECOND GIVES STRUCTURE TO THE ACTION AND DISPOSES MATTER TO PLEASE THE PUBLIC AND MAKE HIM ATTENTIF FROM THE BEGINING UNTIL THE END. THE THIRD PART EXPRESSES WITh ACCENT EMOTIONS, ACTION AND TRAGIC END. SO THE THEATER OF PLEIADE HAS BEEN CREATED WITH THE HELP OF RHETORIC TECHNIC BUT IT STAYS ALWAYS PREOCCUPATED BY THE PRINCIPAL AIM OF THE THEATER : PLEASE THE PUBLIC
10
Caranica, Fuela Michaela. "Mythe et destin dans la tragédie lyrique : Oedipe de Georges Enesco et Edmond Fleg." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040240.
Full textAbstract:
L'étude montre la façon dont Georges Enesco et Edmond Fleg ont réussi à incarner l'un des mythes les plus riches de signification de l'antiquité : le mythe d'Œdipe. Le livret de Fleg se propose à créer une "tragédie des contrastes lyriques" tout en se maintenant dans l'ombre de la tradition de Sophocle. Partant de la conception que la musique doit servir le texte dramatique, Enesco trouve des moyens spécifiques afin de réaliser l'action musicale et la représentation des personnages. L'utilisation des leitmotive atteste la pensée symphonique du compositeur, spécifique aux œuvres instrumentales cycliques. La prépondérance de la mélodie sur les autres paramètres musicaux est traitée conformément à un procédé de variation spécifique, dans une musique qui témoigne de l'appartenance roumaine du compositeurThe study shows the way which Georges Enesco and Edmond Fleg have managed to embody one of the most significant myths of antiquity: the myth of Oedipus. Fleg's libretto seeks to create a "tragedy of lyrical contrasts" while at the same time tracing Sophocles tradition. Starting from the conception that the music has to serve the dramatic text, Enesco finds the specific means of realizing the musical action and representation of characters. The use of the leitmotiv proves the composer's symphonic way of thinking, especially concerning the cyclic instrumental works. The dominance of the melody over the other musical parameters follows a specific pattern of variation within a music testifying the composer's Romanian origin
11
Latifses, Adja. "Dramaturgie de la ruse dans les tragédies d’Euripide : action, discours, spectacle." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0045.
Full textAbstract:
Ressort narratif hérité de l'épopée homérique, la ruse constitue depuis Eschyle l'un des ingrédients privilégiés de la tragédie attique. Mais c'est incontestablement le plus jeune des trois grands poètes tragiques de l'Athènes du Ve siècle avant J. -C. Euripide, qui a poussé le plus loin l'exploitation de ce dispositif dramaturgique jusqu'à en faire un élément emblématique de sa poétique. Fondé sur l'examen de l'ensemble des tragédies intégralement conservées de ce poète, notre travail propose une étude dramaturgique de la ruse euripidéenne, successivement envisagée à différents niveaux de la construction du drame, la première partie examine ainsi le lexique euripidéen de la ruse, les personnages qui l'incarnent et la mettent en œuvre, et son insertion dans l'intrigue. La seconde partie est quant à elle centrée sur l'analyse du fonctionnement discursif et spectaculaire des trois scènes-type qui composent le scénario rusé, à savoir les scènes de planification, les scènes de tromperie, et les scènes conclusives, consacrées aux résultats et au dévoilement de la supercherie. Cette étude montre que la mise en scène de la ruse offre à Euripide les moyens d'un profond renouvellement des formes tragiques héritées, en même temps qu'un remarquable instrument pour une exploration systématique des ambiguïtés de la parole et dit visible. A travers la représentation des machinations de ses astucieux héros, le poète s'inscrit ainsi dans le débat intellectuel qui agite l'Athènes des sophistes. Mais il propose également une réinterprétation de l'anthropologie tragique traditionnelle, où trompeur ingénieux et dupe aveugle apparaissent comme les deux faces d'une même humanitéAs a narrative feature inherited from tin Homeric epic, tricks have been from Aeschylus onwards one of the favorite components of the Attic tragedy. But incontestably, it is the youngest of the three great tragic poets of the fifth-century. Athens, Euripides, who put the greatest emphasis on the exploitation of this dramaturgical device, turning it into an emblematic element of his poetics. Embracing all the complete tragedies of the poet, this dissertation presents a dramaturgical study of the euripidean tricks, which are successively considered at different levels of the drama's construction. The first part thus investigates the euripidean trick-vocabulary, the characters that embody it and bring it into play, and its insertion into the plot. The second part, on the other hand, focuses on the analysis of the discursive and spectacular working of the three typical scenes that compose the trick-pattern : planning-scenes, deceit-scenes, and conclusive scenes, which are about both the results and the unveiling of the deception. This study aims to show that through the representation of tricks. Euripides deeply renews the inherited tragic forms, and at the same time, achieves a systematical exploration of the ambiguities of both language and appearances. By dramatizing his cunning heroes' plots, the poet thus takes part in the intellectual debate that fascinates Athens at the time of the sophists. But he just as well reinterprets the traditional tragic anthropology, presenting the ingenious deceiver and the blind dupe as the two sides of the same humanity
12
Liosi, Marilia. "La maison des Atrides dans le théâtre tragique français du XVIe et du XVIIe siècles : la question du crime." Rouen, 2012. http://www.theses.fr/2012ROUEL017.
Full textAbstract:
Cette recherche a pour objet de démontrer comment et sous quelles conditions s'effectue, dans le théâtre tragique français du XVIe et du XVIIe siècles, la transposition d'un thème antique aussi horrible et atypique que les crimes de la famille des Atrides. Elle présente les divers aspects de son évolution difficile à cerner sous un angle anthropologique et dramaturgique en raison de son ampleur. -Elle s'interroge sur les définitions du crime et en propose une typologie à partir des textes de la tradition mythique et du théâtre tragique gréco-romain et français. -Elle reste attentive aux configuration et aux moyens qui font apparaître la cruauté du crime et celle de ses auteurs. -Elle présente, dans une approche à la fois synchronique et historique, les pièces du théâtre français qui ont adapté le thème des Atrides, afin de donner au lecteur la perception la plus juste et la plus complète possible de leurs filiations et de leurs dissemblancesThis research aims to show how and under what conditions is carried out in the French tragic theatre of the Sixteenth and Seventeenth centuries, the transposition of such a horrible and atypical ancient theme as the crimes of the Atreus clan. It presents the various aspects of its evolution which is difficult to define, under an anthropological and dramaturgic angle, due to its size. - It examines the definitions of crime and proposes a typology from texts of the mythical tradition and of the tragic theater, both greco-roman and french. -It remains attentive to the ways and configurations which show the cruelty of the crime and of its authors. -It presents, in a synchronic and historical approach, the French theatre plays that have adapted the theme of the House of Atrides, in order to give the reader the most accurate and complete possible perception concerning their affiliations and their differences
13
Assan, Libé Nathalie. "Mendiants et mendicité dans la littérature grecque archaïque et classique." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040113.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat porte sur la mendicité et la figure du mendiant dans la littérature grecque, d’Homère jusqu’au philosophes cyniques. Quatre familles de mots servent de point de départ à cette étude : πτωχός « le mendiant », ἀγύρτης « le prêtre mendiant », ἀλήτης « vagabond », πλάνης « le rôdeur » et la triade ἐπαίτης, προσαίτης, μεταίτης « le quémandeur ». Le hasard de la conservation veut que les attestations de la mendicité dans la littérature grecque se cantonnent au corpus poétique. Or, par sa dimension pragmatique, la poésie grecque reste liée à son contexte d’origine, en traitant toujours de problématiques sociales qui lui sont contemporaines. Notre travail se propose d’étudier dans quelle mesure les représentations littéraires et esthétiques de la mendicité sont investies d’une fonction sociale. Notre thèse adopte trois perspectives méthodologiques : une étude lexicale de la mendicité examinant les jeux de synonymie et les connotations, un examen des fonctions littéraires et dramatiques du personnage, tantôt catalyseur de l'action, tantôt vecteur d'émotions, et une analyse sur son rôle argumentatif dans les réflexions politiques et morales sur la pauvreté au IVème siècle. Le motif de la mendicité permet aux Grecs d’envisager un certain type d’exclusion civique, et en contre-point, d’appréhender la nature du lien social. Une étude chronologique montre que ce personnage, initialement contre-modèle du parfait citoyen, devient aux moments de grands bouleversements économiques un personnage attachant, permettant à la cité de réintégrer symboliquement les pauvres et de prôner indirectement la solidarité collectiveThis study/PhD thesis is focused on the beggary and the beggar in Greek literature, from Homer to the cynicism. At the beggining, I am dealing with the study of four word groups : πτωχός ‟beggar”, ἀγύρτης ‟begging priest”, ἀλήτης ‟vagabond”, πλάνης ‟wanderer” and ἐπαίτης, προσαίτης, μεταίτης ‟almsman”. The preserved corpus of Greek literature with mention of the beggary is fortuitously restricted to poetry. By her pragmatic function, ancient Greek poetry remains connected with contemporary social problems. My work's aim is to investigate how literary and aesthetic representations of the beggary have a social function. I adopted three methodological perspectives: a semantic study of the beggary (synonyms and connotations), an study of the literary and dramatic functions of that character (sometimes action accelerator, sometimes factor of emotions), and an analysis of his argumentative role in political and moral reflexions about poverty during the fourth century B.C. The motive of the beggary enabled Greek people to consider a type of civic exclusion, and in parallel, to apprehend the nature of the social cohesion. A chronological approach shows that this character, previously a counter-model of the perfect citizen, becomes - when big economical changes arrive - an endearing character, who symbolically reinstates excluded people in the city and indirectly promote public solidarity
14
Terasse-Alami, Stéphanie. "Pâtir, agir, comprendre : recherche sur les ressorts tragiques de la douleur et de la maladie dans le théâtre de Sophocle." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040168.
Full textAbstract:
Ce travail de thèse consiste en l'étude de l'expression et des fonctions de la douleur et de la maladie, ainsi que de leurs ressorts tragiques, dans le théâtre de Sophocle. Les manières de dire la douleur, la maladie métaphorique et l'expérience de la souffrance sont successivement examinées en tant que révélateurs du tragique et ressources dramatiques de chaque pièce. L'expression subjective de la sensation douloureuse, physique ou morale, fait appel à un nombre restreint d'expressions imagées communes, dont la valeur métaphorique originelle est réactualisée, en particulier pour traduire la douleur physique ; l'impression subjective caractérise des souffrances qui jouent un rôle dramatique décisif. Même sobrement qualifiée, la douleur est souvent paroxystique, elle accompagne la prise de conscience brutale du malheur. Le motif de la double souffrance souligne l'irréductible spécificité de la conscience du héros tragique. Sont examinés les emplois figurés de la maladie, nosos, et les métaphores médicales, essentiellement thérapeutiques, qui les accompagnent. Qu'elle désigne un comportement individuel jugé pathologique, la maladie de l'amour, ou la maladie de la cité, la nosos questionne le lien entre le personnage et la catastrophe tragique. L'expérience de la souffrance aide moins les personnages sophocléens à accéder à la sagesse qu'elle ne les révèle. La dramatisation de l'apprentissage manifeste le potentiel tragique de leurs choix, de leurs limites, ou d'une nature exceptionnellement endurante. Comprendre, apprendre se réduit souvent à supporter, ou à " connaître " intimement la souffrance. Dans les pièces tardives, l'expérience douloureuse prend la forme d'une souffrance durable qui infléchit l'action dramatique tout en conservant les marques du pâtirThis work consists in studying the expression and the functions of pain and disease and their tragic potentialities in Sophoclean drama. Il investigates the ways of expressing pain, the metaphoric disease, and the experience of distress as revelating the tragic shape and the dramatic elaboration of each play. A few figurative standard expressions are used to convey subjective sensation of pain and distress, and their metaphoric value is renewed in a poetic way. Subjective sensation is mentionned when suffering plays an important dramatic part. The “double-suffering” pattern stresses the singularity of the tragic hero's awareness. The use of disease in a figurative sense and of metaphors derived from medicine, and especially therapeutics, are investigated. The pathologic behaviour, the disease of love, or the sickness of the polis points out the boundaries between character and tragic disaster. The experience of suffering not so much leads to wisdom than it reveals the sophoclean characters, and clarify their tragic tendances. Learning and understanding are often confined to endurance or to vivid consciousness of suffering. In the last plays, the character only suffers and this suffering paradoxically influences the dramatic progress
15
Savva, Maria. "La notion de corruption dans le Corpus hippocratique et dans les tragédies d’Euripide." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses.paris-sorbonne.fr/2020SORUL060.pdf.
Full textAbstract:
Cette thèse explore la notion de corruption dans le Corpus hippocratique et dans les tragédies d’Euripide. L’objectif est non seulement de relire et de réinterpréter les termes qui expriment la corruption, mais surtout de les replacer dans leur contexte historique et social. Une analyse sémantique préliminaire explique la signification de deux termes grecs fondamentaux qui expriment la corruption, φθείρω et σήπω, et montre l’importance de ces termes dans la période classique. La notion de corruption dans le Corpus hippocratique est étudiée à travers l’examen de diverses maladies liées à la tête, au thorax, à l’utérus et aux deux fluides essentiels du corps humain, le sang et la semence. Cette analyse démontre ainsi que la corruption dans le Corpus hippocratique est étroitement liée à l’évolution des maladies et concerne principalement les dysfonctionnements du corps. En revanche, la notion de corruption chez Euripide, telle que révélée par l’étude des tragédies sélectionnées, dépasse la sphère corporelle et est employée métaphoriquement pour exprimer l’intensité dramatique des situations où les héros vivent une détérioration physique ou mentale extraordinaire. Malgré la différence flagrante entre les deux œuvres, une évaluation comparative des deux œuvres met en exergue une similitude intrigante entre les deux auteurs concernant le rôle particulier des thèmes liés aux femmes ou à la mort imminente dans le contexte de la corruption. Dans son ensemble, cette étude met en évidence une complexité et une richesse sémantique associées à la corruption, largement inconnues du lecteur moderneThis thesis explores the meaning of corruption in the Hippocratic Corpus and in the tragedies of Euripides. The aim is not only to reread and reinterpret the terms that express corruption, but above all to place them in their historical and social context. A preliminary semantic analysis describes the meaning of two basic Greek terms that express corruption, φθείρω and σήπω and shows the importance of these terms in the classical period. The notion of corruption in the Hippocratic Corpus is studied through the examination of a range of diseases related to the head, thorax, uterus and the two essential fluids of the human body, blood and semen. This analysis shows that corruption in the Hippocratic Corpus is closely related to the evolution of disease and primarily concerns malfunctions of the body. In contrast, the notion of corruption in Euripides, as revealed by the analysis of a selection of tragedies, goes beyond the corporeal sphere and is used metaphorically to express the dramatic intensity in situations when heroes experience extraordinary physical or mental deterioration. Despite this clear distinction, a comparative evaluation of the two works illustrates an intriguing similarity between the two authors regarding the particular role of themes related to women or imminent death in the context of corruption. Overall, this study reveals a complexity and a semantic richness associated with corruption that is largely unknown to the modern reader
16
Yao, Kouamé Gérard. "Le mythe du héros dans le théâtre de Sophocle." Paris 8, 2009. http://www.theses.fr/2009PA083080.
Full textAbstract:
Portant sur "Le mythe du héros dans le théâtre de Sophocle", cette thèse soumet le mythe à l'épreuve du théâtre. Aussi réinterroge-t-elle le rapport traditionnellement établi entre le mythe et la tragédie. Si, dans la poésie épique, le mythe était perçu comme la parole de l'origine immémoriale, restituant l'éclat des actions divines et héroïques, au théâtre tragique, où le verbe est assumé par des personnages vivants dans l'ici et maintenant de la performance dramatique, ce mythe se présentait plutôt sous une forme et une réalité consistantes. Dès lors : qu'est-ce qui autorise à parler de mythe héroïque chez Sophocle et quels sont les contours de l'héroïsme sophocléen ? L'examen a consisté d'abord à identifier les milieux mythiques qui sont les configurations actualisées du mythe chez Sophocle. Ce sont : le destin, la vérité et la violence par lesquels le dieu se manifeste. Ici le mythique s'exprime dans et par l'excès de la puissance dominatrice se déchargeant sur le héros et caractérisant son monde comme un monde démonique. L'étude s'attache ensuite à définir la relation tissée entre le héros et ces milieux mythiques. Il s'agit proprement de nommer la réaction du héros face à ce qui l'opprime. A ce propos, l'étude révèle que la révolte du héros est immédiatement suivie d'un mouvement de réappropriation des formes du mythe. Au point où, en définitive, le héros fait corps avec la violence ou la vérité ou le destin. Enfin, l'étude reconstitue le geste créateur Sophocléen autour des notions d'"agôn" et de sacrifice. Au total, l'héroïsme sophocléen est un héroïsme de la révolte qui pose le héros face au dieu, dans une égalité paradoxaleConcerning "The myth of the hero in the theater of Sophocles", this thesis subjects the myth to the test of the theater. So it re-questions the relationship traditionally established between the myth and the tragedy. If, in the epic, the myth was perceived as the word of the age-old origin, restoring the brightness of the divine and heroic actions, to the tragic theater, where the verb is assumed by alive characters in the here and now of the dramatic performance, this myth appeared rather under a substantial shape and a reality. From then on: what authorizes to speak about heroic myth at Sophocles and which are the outlines of the sophoclean heroism? The examination consisted at once in identifying the mythical circles which are the configurations updated by the myth at Sophocles. They are: the fate, the truth and the violence by which the god shows himself. Here the mythical expresses itself in and by the excess of the imperious power passing off on the hero and characterizing his world as a demonic world. The study attempts then to define the relation weaved between the hero and these mythical circles. It is cleanly a question of naming the reaction of the hero in front of what oppresses him. On this matter, the study reveals that the revolt of the hero is followed at once by a movement of reappropriation of the forms of the myth. In the point where, after all, the hero makes body with the violence or the truth or the fate. Finally, the study reconstitutes the Sophoclean creative gesture around the notions of "agôn" and of sacrifice. All in all, the sophoclean heroism is a heroism of the revolt which puts the hero in front of god, in a paradoxical equality
17
Galtier, Fabrice. "Tacite, historien et dramaturge : étude des schèmes et de la thématique tragiques dans les "Opera Maiora" de Tacite." Clermont-Ferrand 2, 2000. http://www.theses.fr/2000CLF20024.
Full textAbstract:
Les deux grands ouvrages historiques de Tacite, les "Histoires" et les "Annales", offrent de nombreux points communs avec la tragédie gréco-latine. Ils doivent être replacés dans le contexte de la tradition littéraire antique, qui inscrit le genre historiographique dans le domaine de la poiesis. L'histoire est donc imprégnée des traits en partie hérités de la tragédie. L'examen de la composition des récits qui constituent les "opera maioru", permet d'y déceler la présence d'épisodes dont se révèle la forme dramatique, nourrie a la fois par la structure narrative et les effets de " mise en scène ". Le recours systématique à certains schémas, la récurrence de certains motifs donnent aux personnages historiques traités par Tacite le statut de personnages tragiques, portant le masque que leur fonction au sein du récit leur attribue. C'est notamment le cas de la figure tyrannique. Fondée sur la notion de conflit tragique, l'écriture tacitéenne décrit un monde livré à la violence et au trouble, où les hommes mettent en péril l'ordre nécessaire à l'accord entre la communauté romaine et les dieux. Elle révèle l'ambiguïté d'une conscience tiraillée entre le désir de participer à l'ordre nouveau établi par le principat et l'inquiétude face à l'avenir de l' urbs
18
Iakovaki, Hélène. "Un beau crime : le scénario Electre dans les tragédies anciennes, "Les Mouches" de Jean-Paul Sartre et "Le Deuil sied à Electre" d'Eugène O'Neill." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2000PA040291.
Full textAbstract:
Etude thématique traitant les versions antiques et quelques versions modernes du scénario Electre en se concentrant sur 3 axes : la temporalité, la monstruosité et la culpabilité. Le crime se trouve au coeur d'un schéma temporel tripartite et marque une rupture : le temps se divise en périodes d'avant pendant et après le crime. Le premier temps est désigné comme le temps de la mère ou le monde à l'envers en raison de l'anomie qui règne après le régicide. Le retour d'Oreste le héros qui met la mauvaise mère à mort est censé rétablir l'ordre du père. La monstruosité désigne les liens corrompus de la famille, l'abérration du règne des femmes au coeur d'hommes, et la transformation que subissent ses membres quand ils accomplissent le crime. La culpabilité vient ensuite comme le droit du coupable de s'exprimer sur son crime et repose la question du rétablissement de l'ordre en ouvrant la possibilité d'un temps de réparation.
19
Peyré, Yves. "La mythologie dans la tragédie élisabéthaine." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1993PA040013.
Full textAbstract:
L'analyse de l'expression mythologique dans la tragédie élisabéthaine s'appuie sur l'examen des fonctions et des conceptions de la mythologie dans la culture de la Renaissance en Angleterre. La diversité des approches mythographiques donne de chaque mythe plusieurs lectures simultanées, tandis que s'élabore une réflexion sur les problèmes de l'interprétation. En même temps, la mythologie nourrit les principales controverses du temps. Et tandis que se crée autour du souverain un mouvement d'élaboration mythique, apparait un scepticisme scientifique qui tente de séparer la science du merveilleux. La tragédie, qui joue des valorisations et dévalorisations du langage mythologique, et met en œuvre des structures symboliques selon un mouvement général qui mené de l'allégorie a l'ironie, pose la question de la nature et du fonctionnement des signes. Elle utilise la mythologie, langage de vivantes synthèses, mais dans lequel s'expriment de profondes fractures, pour construire des tensions dramatiques ou d'ironiques effets d'anamorphose par l'intermédiaire desquels il est peut-être possible de percevoir ce que la culture élisabéthaine tient pour tragique, c'est-à-dire, semble-t-il, ce qui porte atteinte aux idéaux combinés de la renovatio et de l'intergratio. Enfin, l'exploration des potentialités expressives de la mythologie conduit peut-être les élisabéthains à pressentir certains aspects de ce qui deviendra le concept de mythe, dans ses rapports avec le tragiqueThe analysis of mythological expression in Elizabethan tragedy rests on a study of the functions and conceptions of mythology in the culture of the English Renaissance. A diversity of mythographic approaches led to multiple, simultaneous readings of each myth, while inviting reflection on the problems of interpretation. At the same time, mythology contributed to literary and religious controversies. The emergence of a fashion for mythical elaboration centred on the sovereign paralleled that of scientific scepticism. Tragedy, which explores the magnifying and belittling potentialities of mythological rhetoric, and sets in play symbolic structures that progress from allegory to irony, raises questions about the nature and role of signs. Mythology, a language of stimulating syntheses also expressive of deep fractures, is used to create dramatic tension or ironic effects of anamorphosis in which it may be possible to apprehend what the Elizabethan mind viewed as tragic, that is to say, whatever undermined the combined ideals of renovatio and integratio. Finally, in exploring the expressive potentialities of mythology, the Elizabethans may have arrived at an intuitive inkling of what would become the concept of myth, as related to tragedy
20
Dos, Santos Ana Clara. "Le rôle de la mère dans la tragédie de Corneille et de Racine." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1996PA030084.
Full textAbstract:
Qu'il s'agisse des figures mythologiques, historiques ou religieuses, les meres dans le theatre de corneille et de racine sont toujours des femmes prises dans un syteme de relations binaires qui les opposent a leurs maris et a leurs enfants. Reduites au prive et exclues du domaine public reserve au monde masculin, tous les discours a leurs propos, en texte ou en image, les associent tres tot a deux fonctions essentielles : celle d'epouse et de mere de famille. De ce fait, conformement a la tradition antique ou elle prend ses sources, la tragedie racinienne aussi bien que la tragedie cornelienne, inscrit toujours ses personnages maternels dans deux archetypes maternels universels : la bonne mere, la mere bienveillante - la mere douloureuse - ou la mauvaise mere, la mere terrible - la mere monstrueuse. Corneille et racine placent ainsi leurs personnages maternels au centre d'une question chere au grand siecle, celle du naturel. La presence maternelle permet la creation d'une tragedie edifiante qui ratifie les bonnes actions et qui en desavoue les mauvaisesWheter one is dealing with mythological, historical or religious characters. At corneille and racine's theater mothers are always women inserted in a dual relationships system that objects them to their husbands and children. As they have been reduced to a private life and rejected by public domain, which is exclusive for men, every speech as far as they are concerned, either as a text or in image, links them, since very early, to two main tasks : wife and family mother. Thus, according to ancientry tradition where it is based on, both racine and corneille's tragedy inserts always its maternal characters in two universal maternal archetypes : the good mother - painful mother - and the bad mother, awful mother - monstrous mother. Racine and corneille place their maternal characters in a main subject field at great century eyes : the subject of nature. Therefore, maternal presence allows the creation of an edifying tragedy which rewards good actions and concerns bad ones
21
Bec, Catherine. "La tragédie à sujet romain, du Brutus de Voltaire à la Lucrèce de Ponsard." Toulouse 2, 2007. http://www.theses.fr/2007TOU20074.
Full textAbstract:
Les tragédies romaines des XVIIIe et XIXe siècles n’ont qu'une piètre place dans les histoires littéraires. L'exceptionnelle longévité du genre, qui, depuis le XVIIe siècle, allie une forme fixe à des sujets qui empruntent aux mêmes pages d'histoire, tend à donner une impression de monotonie et d'usure, à laquelle on conclut trop vite. C'est oublier que ces tragédies sont au centre d'une vie théâtrale intense, où se reflètent les questions philosophiques et politiques du temps. Étroitement lié à la politique, le théâtre tragique devient un lieu de débat, puis une tribune, un instrument à la gloire du pouvoir ou un moyen de contestation. Nourries d'influences diverses, les tragédies romaines s'éloignent peu à peu de l'univers de convention auquel la critique moderne les restreint pour se rapprocher du naturel : grâce au jeu, à la déclamation, à la mise en scène, dont les codes ont été bouleversés, c'est une Rome bien vivante qui apparaît sur la scène tragique, témoignant des multiples nuances d'un genre qui a hésité longtemps entre classicisme et romantismeThe Roman tragedies of XVIIIth and XIXth centuries have only one poor place in the literary studies. The exceptional longevity of the genre, which, since the XVIIth century, combines a fixed form on subjects which draw their inspiration from the same pages of history, seems to give an impression of monotony and wear, to which one conclude too quickly. One must not forget that these tragedies are in the middle of an intense theatrical life, which reflects philosophical and political questions. Closely related to the policy, the tragic theatre becomes a place of debate, then of propaganda, an instrument to celebrate the government or a means of disputation. Receiving various influences, the roman tragedies leave progressively the universe of convention to which modern criticism restricts them, to become more natural : thanks to the actors and dramatists who transformed codes, Rome is really alive on the tragic scene, testifying to the multiple nuances of a genre which hesitated a long time between classicism and romanticism
22
Carretier, Céline. "Amymoné, la jeune fille à l'hydrie." Toulouse 2, 1999. http://www.theses.fr/1999TOU20071.
Full textAbstract:
Cette recherche iconographique porte sur Amymoné, une Danaïde, fille de Danaos, maîtresse de Poséidon. Notre étude commence par une description de 62 vases attiques et italiotes du Ve siècle et IVe siècle av. J. C. , ainsi que différents autres supports, 45 mosaïques, reliefs, peintures, bijoux, monnaies. Amymoné y figure seule, en compagnie de satyres et/ou de Poséidon. D'autres personnages secondaires viennent compléter certaines scènes. Pour chacun de ces supports un commentaire tente de confirmer ou d'infirmer la présence de la Danaïde dans ces scènes et de comprendre le sens de l'image. La deuxième partie de notre travail se compose de six chapitres. Le premier concerne la généalogie d'Amymoné et sa légende à travers les sources littéraires anciennes. Les textes, avec quelques variantes selon les auteurs, narrent la rencontre de la Danaïde avec Poséidon à Argos, le lieu où va jaillir la source de Lerne offerte à la jeune fille par le dieu. Amymoné, la jeune fille reconnaissable à l'hydrie qu'elle porte ou qui est présente à côté d'elle, est une tendre proie pour des ravisseurs. D'abord un satyre : ces scènes peuvent avoir subi l'influence d'un drame satyrique mais évoquer également le cortège dionysiaque ; puis Poséidon dans des scènes pleines d'ambivalence. La rencontre de Poséidon et d'Amymoné, dans des scènes où il n'est plus question de poursuite entre eux, peut évoquer l'union : une association d'objets, de personnages présents autour du couple peut le suggérer, mais il s'agit plus d'une union sexuelle que maritale. Certaines de nos scènes évoquent également le monde de l'au-delà, des éléments "extérieurs" au thème, comme la provenance des vases, leur type, les autres scènes figurant sur ces mêmes vases ont pu nous conduire à cette conclusion, tout comme la présence de personnages liés au monde des morts, ou l'évocation de l'eau, origine de la vie, mais aussi porteurs d'un sens eschatologique. En conclusion, nous évoquons le devenir des aventures d'Amymoné sur d'autres supports iconographiques. Dans le monde romain le thème de la Danaïde a perduré sur de nombreux siècles et dans de nombreuses région du bassin méditerranéen sans vraiment subir de grandes transformations.
23
Le, Meur-Weissman Nadine. "La terre divine dans la poésie grecque d'Homère à Eschyle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040001.
Full textAbstract:
La déesse terre apparait essentiellement, dans l'épopée homérique, comme témoin de serments. Elle se distingue mal, en tant que personne divine, de l'élément qu'elle personnifie et n'est jamais représentée comme anthropomorphe. L'ensemble de la poésie dite "homérique" représente la terre comme l'un des principaux moteurs du cycle de la vie et de la mort. La déesse terre joue un rôle de second ordre dans les poèmes homériques, nettement dominés par les dieux olympiens. Hésiode accorde en revanche à la déesse terre, Gaia, une place essentielle dans sa théogonie, en particulier par le rôle de mère, à la fécondité particulièrement remarquable qu'il lui attribue. La terre se distingue par le caractère monstrueux qui caractérise à la fois son aspect physique, certains de ses actes, et sa descendance. Gaia joue enfin un rôle important dans le mythe de succession que met en scène la théogonie en tant que puissance détentrice des arrêts du destin. Chez Eschyle, la terre est aussi représentée principalement comme une déesse mère. Le dramaturge modifie même certaines généalogies divines, comme celle de Prométhée, pour les rattacher à la terre. Il fait d'autre part des hommes, en particulier des "autochtones", ses enfants. Divinité des passages chthoniens, la terre permet en outre des communications entre le monde des vivants et celui des morts. Déesse oraculaire enfin, elle peut jouer, par son savoir, un rôle fondamental dans l'action.
24
Kostakiotis, Georges. "Images de Constantinople dans la prose néo-hellénique : Œuvres des XIXe, XXe et XXIe siècles." Paris, INALCO, 2011. http://www.theses.fr/2011INAL0012.
Full textAbstract:
Après une analyse de l'aspect particulier de la littérature grecque des XIXe, XXe et XXIe siècles et à partir des œuvres que nous retenons pour leurs références à Constantinople, nous essayons de montrer comment la littérature forme des images de cette ville, images et représentations influencées par l'histoire et la politique. Nous avons ainsi une idée plus précise des différents aspects que nous offre la ville de Constantinople dans la littérature ; les images, les représentations, les impressions et les sentiments que les œuvres étudiées inspirent se succèdent tout en considérant d'une part l'histoire et d'autre part l'enracinement symbolique de la ville dans le monde grec. Nous suivons l'évolution de ce monde et finalement sa transformation. Les écrivains grecs de notre étude nous donnent de Constantinople une vision littéraire dont les images expriment l'évolution de la mentalité grecque depuis la création de l'Etat hellénique jusqu'à nos joursAfter an analysis of the particularities of Greek Literature in the19th, 20th and 21st centuries, and using our corpus of texts referring to Constantinople, we try to show how this city appears in literature, how its images and representations are influenced by history and politics. We thus have a more precise idea of the different aspects of this city found in literature ; how it inspires images, impressions and feelings, where history and the symbolic rooting of Constantinople in the Greek World are always present. We follow the evolution of this world, and finally its transformation. The Greek authors we study give us a literary vision of Constantinople through which we can read the evolution of Greek mentality from the days of the creation of the Hellenic state to the present time
25
Aurenty, Ivan. "Cyclope, Cyclopie, postérité littéraire cyclopéenne." Perpignan, 2009. http://www.theses.fr/2009PERP0898.
Full textAbstract:
Notre étude s'intéresse à la formation d'un imaginaire des Cyclopes, dans les textes de l'Antiquité et dans la littérature française, et cherche à prendre en compte l'ambiguïté et la complexité fondamentales de cette figure littéraire. Au-delà de la constitution d'un corpus mythorum Cyclopum dans les littératures antiques, qui ne saurait être exhaustif, nous apirons à confirmer la distinction traditionnelle -fermement établie par les mythographes des temps anciens- entre trois différents types de Cyclopes, envisagés selon une fonction et un statut particuliers : les pasteurs, les forgerons et les bâtisseurs. Nous essayons de présenter dans notre ouvrage une autre typologie, qui n'a pas pour but de remplacer celle évoquée précédemment, mais plutôt de la compléter. Notre classification se fonde sur le traitement et la réception des mythes liés aux Cyclopes dans les littératures antiques et modernes. Trois grands groupes de récits semblent alors émerger, qui ont connu une vaste postérité dans les Lettres et les arts après la période antique : l'histoire d'Ulysse et de Polyphème, les récits mettant en scène les Maîtres de la technè : Cyclopes forgerons et bâtisseurs et enfin les "amours" de Polyphème et Galatée. Notre recherche, qui nous conduit d'Homère à des représentations littéraires du XXe siècle, essaie de prendre en compte l'évolution de ces récits riches et variés en soulignant les changements et les permanences dans les évocations et en dégageant les interprétations possibles et la pluralité constante des significations de ces créatures. Nous insistons enfin sur la fascinante et fondamentale faculté d'adaptation de ces figures mythologiques complexesOur present research is to approach the imaginary of Kyklopes as seen in ancient myths and french literature, so as to take into account the fundamental ambiguity and complexity of these literary figures. Beyond the constitution of a corous mythorum Cyclopum in ancient literature, which cannot be exhaustive anyway, we tend to confirm a traditional distinction - firmly established by ancient mythographs - between different kinds of Kyklopes considered in accordance with their particular functions : sheperds, blacksmiths and wall-builders. In this work we try to prent another typology, which is not meant to replace the one below but rather to fulfill it. Our classification indeed is based upon the literary treatment and reception of the myths related to the Kyklopes in ancient and modern literatures. Three great groups of narratives which have known a vast fortune in post-ancient literatures and arts seem then to emerge : the story of Polyphemus and Ulysses, the tales of the masters of technè concerning blacksmiths and wall-builders Kyklopes, and the "love story" between Polyphemus and Galateia. Our work, which leads us from Homer to literary representations belonging to the twentieth century, tries to take into account the evolution of these rich and various narratives. Our objective is to find out the permanence or changes of these figures and to observe their possible interpretations and the constant plurality of their significations. At least, we have to emphasize the fundamental and fascinating faculty of adaptation of these complex mythological figures
26
Giannissopoulou, Filitsa. "La figure maternelle dans la littérature néo-hellénique en prose des années 1880-1920." Paris, INALCO, 2004. http://www.theses.fr/2004INAL0010.
Full textAbstract:
La thèse porte sur la figure maternelle de la prose des années 1880-1920, propice à l'étude concrète puisque l'intérêt des prosateurs pour la communauté rurale close, pour la cellule familiale , pour la femme et aussi pour l'enfant, a conduit à la présence fréquente de la mère dans leurs œuvres. Ayant examiné les multiples aspects sous lesquels apparaît la mère dans les textes, nous avons constaté la présence persistante de la mère dans leurs œuvres Ayant examiné les multiples aspects sous lesquels apparaît la mère dans les textes, nous avons constaté la présence persistance des mères autarchiques, despotiques, narcissiques, castratrices ou ambivalentes, alors que les figures des mères-refuges, tendres et sereines qui puisent du bonheur de leur tâche, sont presque inexistantes. Les mères de la prose de 1880-1920 n'ont pas été créées conformément aux représentations collectives ni aux normes proposées par le discours réglementariste de la fin du XIXe siècle. Par contre, les prosateurs ont déployé des plans - concernant tant le psychique de l'enfant que celui de la mère - d'une exactitude impressionnante par rapport aux données de la psychanalyseOur work examines the material figure in the prose of the years 1880-1920, period appropriate for our research purposes because of the interest that the writers have shown for the rural community, the family values, the woman and the child, interest that has leaded to the frequent presence of mothers in their works. After having examined the multiple aspects of the motherhood in the texts, we have observed the presence of despotic, narcistic, castrating mothers who exercise their unlimited authority, while the mothers-refuges, tender and serene are almost inexistent. The prose of the period of our concern has not created maternal figures in accordance with the collective representations or the norms proposed by the regulative speech articulated in Greece at the end of the 19th century. It has although unfolded with an especially interesting exactitude - in reference to the scientific material of psychoanalysis - certain plans corresponding to the child's and the mother's deep psychological structure
27
Ranger, Jean-Claude. "Nature et tragique des Grecs à Grillparzer : analyse des références à la nature dans des tragédies d'Eschyle, Sophocle, Euripide, Racine et Grillparzer." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1991PA040231.
Full textAbstract:
Je me suis proposé dans ce travail de découvrir et établir, grâce a un examen minutieux - et, dans le cas de quinze de ces pièces, exhaustif - des références à la mer, au feu, à la lumière et à l'ombre, aux animaux. Bref, à tout ce qu'il est convenu d'appeler la nature, dans les tragédies d’Eschyle, Sophocle, Euripide, Racine et Grillparzer, de découvrir les relations qu'elles entretiennent avec le tragique - et plus précisément de montrer qu'elles ne sont pas un pur ornement poétique. Au terme de cette recherche, il s'est avéré que les tragiques ne retiennent de la nature que ce qui est grand, mystérieux et menaçant, ou faible, pathétique et menacé - les éléments dans leur dechaînement et leur infinité, les animaux qui chassent et que l'on chasse - autant dire la violence, ses vecteurs et ses victimes. Les références à la nature ont dans la tragédie une forme radicalement différente de celles qu'elles prennent dans l’épopée. La comparaison homérique, qui pose des limites nettes, explicites entre le comparant et le comparé, le naturel et l'humain, en est exclue au profit de la métaphore, qui a l'avantage de ne pas suspendre l'action et d’être la traduction formelle de l'indistinction du naturel et de l'humainMy approach in this study is twofold, its basis is a detailed, and in the case of fifteen plays, even an exhaustive reading of the tragedies of Aeschylus, Sophocles, Euripides, Racine and Grillparzer, for references to the sea, to fire, to light and shadow, to animals, to all those elementrs which conventionally constitute nature. On this foundation, I examine the relationship between nature and the tragic, my postulate being that such references, far from being pure ornament, have a thematic and structural function. Revealing. Analysis shows that for writers of tragedy, nature polarises between the grandiose, the mysterious, the threastening on the one hand, and on the other the wead, the poignant and the threatened: the elements at their most tempestuous, the most immeasurable, animals hunted and hunters, in short violence and victim. Predator and prey. Revealingly too, references to nature in tragedy are not formally equivalent to those in epic. The homeric simile of the epic, presupposing a distinction between tenor and vehicle, betwwen nature and man, gives way to metaphor which does not interrupt the urgency of the action, and which is the stylistic transposition of the inextricable bonds between man and nature
28
Poivre, Amandine. "La faim dans la littérature grecque jusqu’à Aristophane." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2009PA040149.
Full textAbstract:
Ce travail étudie la faim sous l’angle de l’imaginaire collectif qu’elle suscite et celui de son esthétique dans les œuvres étudiées, d’Homère à Aristophane. Une étude sémantique initiale éclaire les sens des termes limos et peinè. Les œuvres de l’époque archaïque présentent une remarquable homogénéité de pensée, centrée sur la place de la faim dans le rapport que l’homme entretient avec les dieux et avec sa propre mortalité. La faim est une punition redoutée, d’origine divine, conçue de façon concrète comme une entité extérieure agressive qui attaque l’homme comme la cité et les envahit. L’unité se fait également autour de la thématique de la gaster, le ventre, métonymique de la faim qui symbolise la mortalité humaine et met l’homme en contact avec la sauvagerie. On peut parler d’une poétique du ventre : il y a un héroïsme de la faim dans l’Odyssée et dans les poèmes hésiodiques. Au Ve siècle, la conception de la faim se rationalise peu à peu, et la question anthropologique perd de son importance, au profit d’enjeux davantage liés aux contraintes génériques. Dans la comédie, la faim est matière à rire, à déplorer, à dénoncer certains comportements et à réfléchir sur le genre comique lui-même. La tragédie lui fait place en tant que manifestation pathétique du désordre propre au monde tragique. L’historiographie prête attention au rôle joué par la faim dans le déroulement des événements historiques. À travers tout le corpus étudié, le thème de la faim se distingue par sa fécondité métaphoriqueThis work studies hunger in the light of collective imagination it arouses and its aesthetics in several studied works from Homer to Aristophanes. An initial semantic study enlightens the meanings of the words limos and peinè. Archaic works show a remarkable homogeneity of thought, focused on the position of hunger in the relationship between man and gods, and also between man and his own mortality. Hunger is a dread punishment, sent by gods, conceived in a concrete way as an external, aggressive entity attacking the men as well as the cities and invading them. Unity is also around the theme of gaster, belly, which is metonymic of hunger that symbolises human mortality and brings the men into contact with savagery. We can talk about a poetics of the belly : there is an heroism about hunger in the Odyssey and in the hesiodic poems. During the 5th century, the concept of hunger becomes more and more rational and the anthropological matter loses importance, whereas generic constraints come into the foreground. As far as comedy is concerned, hunger gives reasons to laugh, to lament, to denounce some behaviours and to think about the comic genre itself. Tragedy lets hunger appear as a pathetic display of the disorder which is peculiar to tragic world. Historiography pays attention to the part taken by hunger in the historical events. Through the whole studied corpus, the theme of hunger distinguishes itself by its metaphorical fertility
29
Jobez, Romain. "La question de la souveraineté dans la tragédie baroque silésienne." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100130.
Full textAbstract:
La tragédie baroque silésienne, redécouverte par Walter Benjamin dans son ouvrage sur le Trauerspiel, met en scène la mort violente et le martyre des monarques dans des exemples issus du répertoire européen au XVIIe siècle ou en opposition à l'esthétique classique française. A partir d'un commentaire critique de l'oeuvre benjaminienne, lue comme théorie de la représentation fonctionnant grâce à l'emblème, cette étude montre comment le Trauerspiel traite de la question de la souveraineté, soumise à la réflexion du spectateur placé en position de juge. Cette forme de tragédie originale, née dans un contexte politique particulier, accompagne dans son histoire la transformation du souverain médiéval en monarque absolutiste. Elle inscrit en effet au coeur de sa dramaturgie emblématique la perte d'ordre de la vision du monde qui prévalait au Moyen-Age et permettait l'existence du théologico-politique, à laquelle elle substitue la mise en scène du sujet politique entrant dans la modernitéThe Silesian baroque tragedy, rediscovered by Walter Benjamin in his work on the Trauerspiel, enacts the violent death and martyrdom of monarchs through examples drawn from XVIIth century european repertoire or in opposition to classical French aesthetics. From a critical comment of the Bejaminiam work, seen as a theory of representation functional through emblematics, this study reveals how the Trauerspiel treats the question of sovereignty, submited to the reflection of the spectator placed in the position of juge. This original form of tragedy, born in a particular political context, accompanies throughout its history the transformation of the medieval sovereign into an absolutist monarch. It inscribes at the heart of emblematic drama the loss of order regarding the vision of the world which prevailed in the Middle Age and enabled the existance of the theogolical-politics, to wich it sustitutes the political subject entering modernity
30
Montiglio, Silvia. "Dire le silence au pays du logos." Paris, EHESS, 1995. http://www.theses.fr/1995EHES0014.
Full textAbstract:
S'agissant d'une culture, celle de la grece antique, qui a mis le dire au coeur de sa definition de l'homme et de ses activites, le silence est percu comme un comportement jamais neutre : a la fois marque d'exclusion et arme d'agression, il est egalement l'annonciateur invisible de malheurs. Instrument essentiel de la ruse, le silence peut decider du succes s'il est savamment articule, selon l'imperatif du kairos, avec la parole et l'actionIn the civilisation of ancient greece, where speaking occupied a central place in the very definition of human identity and action, silence is imbued with deep and consequential meaning : as a mark of exclusion, as an arm of agression, as the invisible messenger of ill events. Since silence is also a major instrument of cunning intelligence, it can grant succes to those who know how to articulate, according to the impelling kairos, silence, words and action
31
Béthery, Marianne. "Le personnage du père dans la tragédie française aux XVIIe et XVIIIe siècle." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040022.
Full textAbstract:
Le père, même cantonné dans un rôle secondaire, est un personnage essentiel de la tragédie classique française et se caractérise à la fois par l'amour paternel et par l'exercice d'une autorité presque absolue. Dans les conflits qui l'opposent à son enfant et qui tournent surtout autour de l'amour ou de la politique, la victoire est le plus souvent de son côté. Son influence sur le destin de son enfant, conçu parfois comme un simple double, est considérable. Le XVIIIe siècle voit s'accentuer son aspect pathétique aux dépens de son côté terrible, mais son pouvoir en sort paradoxalement renforcé par la culpabilisation de l'enfantAlthough he is not always the main character, the father is a most important figure in French classical tragedy. In spite of his paternal love, he is first and foremost characterized by his authority that he exercises extensively. In the conflicts hinging especially upon love and politics that occur between him and his children, he often gains the upper hand. His influence on the fates of his children, who are sometimes viewed as mere doubles of his own self, is paramount. In the XVIIIth century, the father is a more and more pathetic figure, but, as he eventually reinforces his children's feeling of guilt, he is nonetheless more powerful than the awe-inspiring father in the XVIIth century tragedy
32
Michel, Jean-Yves. "La mort en face : confrontations avec le crâne dans cinq tragédies anglaises de la renaissance tardive : "La Tragédie de l'athée", "La Tragédie du vengeur", "Hamlet", "La Duchesse d'Amalfi" et "Le Roi Lear"." Nancy 2, 2002. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/NANCY2/doc130/2002NAN21018_1.pdf.
Full textAbstract:
Entre 1600 et 1620, le genre tragique élisabéthain a souvent recours à un emblème de memento mori :la confrontation de l'homme avec le visage de la mort. Cet emblème appartient à l'horizon culturel de l'époque : on le retrouve dans l'iconographie élisabéthaine et dans diverses pratiques culturelles de ce temps. Mais il se rapporte également à un registre archétypique. Le mot " skull ", dans les textes dramatiques, tout comme le crâne dans les mises en scène, sont à la fois des signes scéniques de memento mori et des éléments sémiotiques instables. En amplifiant la dimension affective du spectacle, ces signes indiquent l'existence d'une mort ensauvagée, rebelle à tout encadrement allégorique. Cette dualité défait ironiquement l'image conventionnelle de l'homme face au visage de la mort. Cette sémiosis ambivalente est étudiée dans cinq tragédies : La Tragédie de l'athée, La Tragédie du vengeur, Hamlet, La duchesse d'Amalfi et Le Roi LearBetween 1600 and 1620, Elizabethan and Jabobean tragedy often focuses on a macabre stereotype - characters are shown staring at the face of Death. This stereotype is largely borrowed from the cultural setting of Shakespeare's day, which was dominated by the visual display of death, as defined in the memento mori conventions. Both the text and the staging of the tragedies of that age are concerned with staring at the Face of Death. The word " skull " and the stage property that corresponds to it cannot merely be considered as emblems of mortality, because they are both linked with the achetypes of Death. Indeed, these macabre signs regularly emphasize the spontaneous response to the staging of violence and death, so much so that they tend to unveil a death that refuses to be controlled by any emblematic setting or allegorical strategy. This ambivalent theatrical semiosis is studied in five tragedies : The Atheist's Tragedy, The Revenger's Tragedy, Hamlet, The Duchess of Malfi and King Lear
33
Pierre, Christine. "L'imaginaire de la montagne dans le monde antique." Perpignan, 2012. http://www.theses.fr/2012PERP1094.
Full textAbstract:
Le monde antique est confronté à un territoire qu’il ne maîtrise pas : la montagne. Par sa nature même, ce lieu anxiogène appartient au monde divin et dégage des énergies surnaturelles. L’homme qui gravit ses pentes est confronté à cette sauvagerie primordiale que le monde créé cherche à réguler en plaine. Cette répulsion que génère ce locus tremendum suscite paradoxalement une attractivité entretenue par mes mythes et récits légendaires. Par sa forme axiale, la montagne relie les différents mondes, le monde infernal à l’espace céleste. Quant à son étagement, il est vécu comme un parcours initiatique. La présence d’une interzone facilite cette circulation des mortels et des immortels. Lors des rencontres empreintes de la nostalgie d’un âge d’or perdu, des jeux de pouvoir vont lier et délier les destinées. Ainsi ce territoire tant rejeté devient-il un objet de convoitise et se voir instrumentalisé peu à perdu par les poètes et les mythographes. Devenu un archétype, la montagne va s’imposer comme un espace des origines de RomeAntique world is confronted with a territory which it does not master: the mountain. By its nature, this anxiogenic place belongs to the divine world and gives off supernatural energies. The man who climbs his slopes is confronted with this essential savagery for which the created world tries to regulate in plain. This repulsion which generates this locus tremendum arouses paradoxically an attractiveness maintained by the myths and legendary narratives. By its axial shape, the mountain connects the different worlds, from the infernal world to the celestial space. As for its layering, it is lived as an initiatory course. The presence of an interzone facilitates this traffic of the mortal and the immortal. During the meetings, marked with the nostalgia for a lost gold age, games of power are going to bind and to untying the fates. So this territory so rejected becomes an object of greed and sees itself instrumented little by little by the poets and mythographes. Become an archetype, the mountain is going to stand out as a space of the origins of Rome
34
Koumanoudis, Angélique-Marie. "Le mythe de Pan dans la littérature française et grecque des XIXe et XXe siècles." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040005.
Full textAbstract:
La première partie de la présente recherche sur le mythe de Pan porte sur les thèmes arcadiques traditionnels et la littérature bucolique. Cependant même si le genre bucolique et la littérature savante partagent plusieurs thèmes arcadiques communs (l'amour, la mort, la création, la liberté, la nature), ils sont traités dans un contexte et un style diffèrent et servent dans la littérature savante de simples motifs, au lieu de constituer des sujets poétiques en soi. La deuxième partie concerne la présentation littéraire de Pan, créateur et animateur de l'univers, l'illustration de la nature qui, se rapprochant du monde de la "technè", évolue vers un niveau plus civilisé et plus raffiné, et la transformation du principe divin abstrait en objets et en idoles. Enfin, la troisième partie concerne la survie du mythe arcadique à l'ère chrétienne telle que les intellectuels et les artistes l'ont enregistrée depuis le romantisme jusqu'à nos jours. L'idole de Pan, passant à la phase de la décadence, est livrée à la destruction. Cependant, il n'en va pas de même avec le dieu qui réapparait, entre autres, sous la figure du diable et semble non pas disparaitre mais plutôt acquérir de nouvelles valeurs pour s'adapter aux prérogatives des sociétés modernes.
35
GOYENS, SLEZAKOWA CHRISTINE. "L'ile et l'insularite en grece ancienne." Montpellier 3, 1992. http://www.theses.fr/1992MON30033.
Full textAbstract:
Du fait de sa situation geographique, la grece a, de tout temps, subi l'opposition ile continent. C'est un perpetuel melange de la terre et des eaux. Elle compte des iles innombrables et certaines d'entre elles ont joue un role predominant dans l'histoire et la religion, l'art et la litterature. Ce travail porte sur toutes les iles, reelles ou mythiques, evoquees par les auteurs grecs, et plus particulierement les poetes, dans un cadre temporel qui se situe depuis homere jusqu'a l'epoque hellenistique, avec quelques apercus sur l'epoque romaine. L'etude du corpus, etabli apres avoir analyse les iles mentionnees par les poetes, la signification des toponymes, des images ou des themes insulaires figurant dans leur oeuvres, a fait apparaitre deux notions antithetiques de l'ile et de l'insularite en grece ancienne : l'ile est, a la fois, et paradoxalement, un lieu d'angoisse, de souffrance et de malheur (thematiques de l'horreur du voyage en mer, de la peur liee a la disparition insulaire, de l'ile comme lieu privilegie de l'initiation et des iles noires-iles flottantes) et un lieu de bonheur (thematiques de la naissance des iles, de l'ile refuge et du statut insulaire, et des iles blanches-iles fortunees). Les mythes des cyanees-symplegades d'une part, et de leuce, d'autre part, symbolisent tout a fait cette antinomie fondamentale de l'imaginaire grec relatif a l'ile et a l'insularite. Il s'agit principalement d'une etude litteraire. Mais le recours a l'art illustre et parfois confirme les hypotheses emises dans cette these (vase de vienne philoctete).
36
Papakyriacou, Irini. "Le sujet de la "deuxième Odyssée" dans la poésie néo-hellénique du XXème siècle." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040185.
Full textAbstract:
Cette étude examine la destinée du mythe d’Ulysse dans la poésie néo-hellénique du XXe siècle. Avec la méthodologie de l’intertextualité, une comparaison thématique est effectuée autour de différents motifs du mythe, tel que nous le connaissons par l’Odyssée d’Homère. Divers re-traitements et ré-interprétations du mythe concernant souvent la personnalité des figures mythiques et également certains incidents mentionnés dans l’épopée sont examinés et analysés. Le sujet du mythe d’Ulysse a intéressé plusieurs auteurs dans le monde entier dont un grand nombre d’auteurs grecs. Pendant le siècle dernier le recours aux mythes anciens a été important, et, en combinaison avec les événements politiques en Grèce et les divers mouvements littéraires, il forme un sujet très riche. Les poètes grecs –cosmopolites, bourgeois traditionnels, communistes, surréalistes etc. – ont traité ce mythe chacun en mettant l’emphase sur l’aspect qui était le plus important pour sa propre idéologie et poétique. De telle manière nous avons essayé de voir l’évolution du mythe d’Ulysse à travers l’histoire de la Grèce du dernier siècleThis study examines the presence of the Ulysses myth in Modern Greek poetry of the 20th century. It contains a thematic comparison of different motifs of the myth, as told in the Odyssey of Homer. The main methodology used for this study is based on the theories of intertextuality. Various rearrangements and reinterpretations of the myth, concerning either the personalities of the mythical figures or certain events of the epopee, are examined and analysed in the present thesis. The Ulysses myth has interested many authors all over the world including a considerable number of Greek authors. During the last century, recourse to the ancient myths has been proven very important, and, together with the political events in Greece and the literary movements, offers a rich study material. The Greek poets –cosmopolites, traditional bourgeoisie, communists, surrealists etc. – have treated the myth each by emphasising the aspect that seemed most important according to his ideology and poetics. Thus, we have attempted to perceive the evolution of the Ulysses myth in parallel with the history of Greece over last century
37
Archimandritis, Georgios. "Le mythe d'Orphée dans le théâtre et le cinéma du XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040069.
Full textAbstract:
Archétypal et protéiforme, le mythe d'Orphée ressuscite au théâtre et au cinéma du XXe siècle, se chargeant de significations nouvelles. Sa trame narrative s'affirme par le jeu dramatique et par l'image et s'ouvre à des horizons inexplorés, tout en restant fidèle à la tradition. Pour Victor Segalen, Jean Cocteau, Tennessee Williams, Jean Anouilh, Marcel Camus et Yorgos Scourtis, la figure orphique incarne non seulement le triomphe de la musique et de l'amour, mais aussi l'échec irrémédiable, la solitude, et surtout la recherche d'un ailleurs qui abrite leurs rêves et leurs idéaux : la justice, la liberté, la pureté, l'art ou la beauté. Notre étude de la palingenèse du mythe orphique dans les arts dramatiques du XXe siècle débute par la définition du contexte historique et esthétique, ainsi que des préoccupations personnelles des auteurs qui ont gardé au mythe une place importante au sein de leur œuvre. Dans un deuxième temps, nous analysons les séquences du récit mythique, pour étudier, ensuite, les grands thèmes qui le traversent et que l'on retrouve dans ses différentes versions. Enfin, nous analysons les dimensions sociologiques, spirituelles, métaphysiques et esthétiques des relectures modernes, afin de démontrer qu'à travers toutes les modifications que subit le mythe, sa symbolique sacrée persiste dans sa foi et sa fidélité à rechercher un idéal dans un monde de désenchantement.
38
Leontiadou, Sophie. "Byzance dans la littérature néo-hellénique des XIXe et XXe siècles : itinéraire et représentation dans la production savante de 1830 à 1950." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2000PA040283.
Full textAbstract:
A la formation du nouvel état grec après quatre siècles d'occupation ottomane, les grecs modernes furent littéralement obligés de "découvrir" Byzance et de l'admettre comme faisant partie intégrante de leur histoire. L'itinéraire de Byzance dans les lettres néo-helléniques connut deux grandes étapes. La première, allant de 1830 à 1880, fut celle de sa découverte ; dominée par les vifs conflits des universitaires sur la grécité de Byzance ainsi que sur l'unité diachronique de la civilisation hellénique, elle ne donna naissance qu'à un nombre réduit d'œuvres puisant dans l'histoire byzantine. La seconde est celle de son affermissement total élaboré après 1910 mais préparé dans les années transitoires de 1880 à 1910 au cours desquelles Byzance comme source d'inspiration connut son apogée, engendrant un grand nombre d'œuvres, en raison du nationalisme dominant et de la nouvelle ère inaugurée dans le domaine des études byzantines. Dans son itinéraire dans la littérature néo-hellénique des XIXe et XXe siècles, Byzance traversa différentes phases. A la Byzance "révolutionnaire" de Jean Zambelios (Constantin paléologue, 1833, école ionienne) succéda la Byzance "romantique" de Vernardakis (Eikasia, 1856) et de Cléon Rangabe (Julien l'apostat, 1865), une Byzance "nationaliste" qui atteindra son point culminant avec Palamas (La flute du roi, 1910), la Byzance de Constantin Cavafy, celle-ci cédant sa place à une Byzance fournissant le cadre de recherches métaphysiques (Kazantzakis), et enfin à une Byzance "réaliste" et décidément plus proche des sources (génération de 1930), trahissant néanmoins les hantises, les craintes et les espoirs des auteurs aussi bien que ceux de l'époque.
39
Pouyadou, Véronique. "Dionysos au temps des Bacchantes : étude iconographique des céramiques attiques et italiotes de la fin du Ve siècle av. J.C." Toulouse 2, 2001. http://www.theses.fr/2001TOU20019.
Full textAbstract:
En restituant la diversité des domaines qu’il patronne -vin et vigne, folie, théâtre…- et en exposant simultanément des types physionomiques antithétiques, l'imagerie des céramiques attiques et italiotes à la fin du Ve siècle, s'avère particulièrement révélatrice de la complexité de Dionysos. La coexistence des deux portraits coïncide avec la succession de deux thématiques dominantes tout aussi contrastées. Au maître du vin, barbu et participant au joyeux komos de son thiase, se substitue un Dionysos juvénile et sédentaire, dispensateur d'abondance et de paix. Affirmant son caractère chthonien, le dieu de la végétation renaissante devient un bienfaiteur garant de félicité. Complément antinomique du terrible châtiment qu'il peut infliger, le pouvoir salutaire qu'il exerce sur un entourage mythique choisi pourrait trahir la contamination de son culte par des doctrines mystiques et des nouveaux courants religieux s'épanouissant au temps des bacchantes d'Euripide, et ainsi répondre à des croyances sotériologiques. Le principe combinatoire de l'imagerie s'adapte avec succès au syncrétisme religieux ambiant et autorise une resémentisation du corpus dionysiaque. En accord avec ces préoccupations plus individuelles, la silhouette rajeunie du dieu se superpose à celle de son fidèle auquel il prête désormais ses attributs caractéristiques. Les problèmes iconographiques d'identification reflètent la perte d'identité inhérente au culte orgiaque. Ainsi, outre sa polysémie, le langage imagé qui rend possible l'association de notions divisées, sert le polymorphisme de ce dieu épiphanique confondant natures humaine et divine. Car l'incongruité d'une lecture univoque révèle au mieux la nature ambivalente et paradoxale de Dionysos, son rôle médiateur et sa capacité aux jonctions insolites. De plus, la cohérence de cette imagerie pourtant plurielle traduit la faculté d'adaptation du dionysisme et son inaltérable continuitéCodes of pictural language make possible the association of divided notions and are therefore particularly adapted to the ambivalent and paradoxical nature of Dionysos, a god with an epiphanic mode of manifestation. On attic and south italian vases at the end of the fifth century B. C. , two antithetic portraits coexist. The Dionysos' new beardless face, opposite to the traditionally bearded one, generate some problems of identification also bound to the loss of self identity inherent to his orgiastic cult. Two main themes correspond to both of his physionnomical types : the happy komos of the thiasos presided by the master of wine, and a serene blessedness in which Dionysos, youthful and settled, appears as guarantor of abundance and peace. Then we are faced to the question of mystical doctrines contaminaiting the dionysiac religion and the answer brought to his initiates' expectations in after-life. Moreover the persistence of the ancient type and the creation of a new type reflect the adaptability of dionysism and its noteworthy continuity
40
Lacore, Michelle. "Le rôle de l'hospitalité dans la poésie grecque d'Homère aux Tragiques (du symbole au prétexte)." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040203.
Full textAbstract:
La célébration de l'hospitalité semble une constante de la poésie grecque d'Homère aux tragiques. Pourtant le traitement poétique de ce thème, à la fois héroïque, moral et religieux, témoigne de choix très différents de la part d'Homère et des poètes postérieurs, avec une divergence dans la valeur sémantique conférée au terme de base xeinos et une conception opposée des rapports à établir entre le mythe et la réalité. Homère, soulignant l'écart entre mythe et réalité, estompe les contours institutionnels, trop proches du réel, de cette coutume typique de l'univers "héroïque", puissamment présente dans son œuvre, grâce à la monovalence constante de xeinos (hôte), savamment rehaussée par divers procédés stylistiques, grâce aussi à la mise en valeur unique des rites. L'hospitalité devient un véritable pôle moral de l'épopée, avec une portée symbolique qui fait d'elle la pierre de touche de la véritable humanité. Chez les autres poètes, le sens de xeinos apparait dédoublé (hôte et étranger) et l'hospitalité héroïque est réduite au rôle d'ornement ou d'utilité dramatique. L'apport le plus original des poètes du 5eme siècle à sa source dans leur commune volonté - à l'opposé de l'attitude homérique - d'établir un lien entre ce thème mythique et la réalité, en utilisant l'hospitalité comme prétexte à l'exaltation des deux idéologies rivales du monde grec classique. Les lyriques, en exaltant l'hospitalité aristocratique, donnent une dimension panhellénique…Praising hospitality seems to be a standing topic in Greek poetry from homer to tragics. However, the manner the poets deal with theme which is at once heroic, moral and religious, is evidence for very different choices by homer and the other poets; these choices are in keeping with the semantic value bestowed upon the basic term (xeinos) and based on different ideas of the connection between myth and reality. Homer, increasing the gap between myth and reality, blurs the institutional lines of that typical heroic custom, because they are too realistic, whereas its presence is powerfully enhanced in his poems by the constant meaning "guest host" bestowed upon xeinos and stressed by several stylistic devices and by the unmatched importance the rites are given. Hospitality becomes really the hinge of epic morals and homer, giving it a symbolic range, makes it the touchstone for genuine humanity. In other poets, the meaning of xeinos is obviously twofold ("host guest" and "stranger"), while, in the meantime, hospitality becomes simply an ornament or a dramatic tool. What the poets of the fifth century afford most original spring from their common will to link together that mythic topic and reality, by using…
41
Fürdös, David. "Priape dans la littérature et l'iconographie du monde gréco-romain." Lille 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LIL30009.
Full textAbstract:
Priape est certes l'un des dieux les plus populaires de l'Antiquité, mais il est aussi le plus mal connu, méprisé et raillé de tout le panthéon gréco-romain. Comment en effet imaginer, à notre époque si partagée en matière religieuse, que les Anciens aient pu croire en une divinité aussi obscène, paillarde, ridicule parfois ? La présente étude s'attache à réhabiliter Priape en montrant comment s'est forgée la complexité de sa représentation selon le lieu, l'endroit et les attentes du commanditaire de la figuration. La garde-robe, particulièrement riche et variée, dont il est revêtu, dément la réputation de nudité agressive qui caractérise ce dieu dont la gestuelle diverse et chargée de symboles contredit un autre préjugé tenace : son attitude exhibitionniste invariable. Originaire d'Asie Mineure, Priape est parvenu à Rome avec tout un bagage culturel dont il s'est doté en traversant les pays et régions où s'est implanté son culte à un point tel qu'il parvient à toucher toutes les couches de la population, devenant l'une des divinités les plus représentées de toute l'Antiquité. Un genre littéraire lui est même consacré, laissant son empreinte dans les légendes construites autour du personnage qu'est Priape. La constitution d'un corpus iconographique considérable permet à cette étude d'établir des comparaisons, constantes et divergences dans les représentations du dieu et de les confronter à la majorité des textes rédigés en langues latine et grecque évoquant Priape. Par l'intermédiaire de trois annexes jamais encore rassemblées et confrontées qui enrichisssent ce travail, nous espérons pouvoir aider à reconstruire la figure de ce dieu qui mérite d'être mieux connuPriapus is one of the most popular god of antiquity, but he is also the most unknown, scoffed and scorned of all greek and roman gods. Indeed, how is it possible to think, in our so religiously shared times, that the people of Antiquity could have believed in such an obscene, bawdy and sometimes ridiculous god ? The goal of our study is to clear Priapus' reputation showing how complex his representation was, according to the place, and the will of the sponsor of the representation. The particularly rich and various clothing he wears goes against the reputation of aggressive nudity, characteristic of this god whose various body movements, full of symbols, is in contradiction with another strong prejudice : his unvarying exhibitionist behaviour. Coming from Minor Asia, Priapus arrived in Rome with a cultural background, that he constitued going across all the countries and the regions where his cult settled down to such an extent that he managed to reach all the layers of the population, becoming therefore one of the most represented divinity of antiquity. A literary genre is even dedicated to Priapus, giving his footprint in the legends that are built around his character. The making of a considerable iconographical study allows to our study the establishment of comparisons, constants and differences in the representations of the god and to make a confrontation with greek and latin texts about Priapus. Through the three appendices that have never been gathered and that enrich this work, we hope to help restoring the character of this god who should be better known
42
Thompson-Brenot, Kassandra A. "A la recherche de Prométhée : le mythe prométhéen dans la littérature latino-américaine du XXe siècle et sa généalogie anglo-saxonne et germanique." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040053.
Full textAbstract:
La littérature latino-américaine prométhéenne du XXe siècle est le produit d'une pluralité de voix archétypiques, culturelles et historiques. Parmi ces voix se trouvent celles de la littérature prométhéenne anglo-saxonne et germanique. Cette thèse identifie six œuvres prométhéennes latino-américaines modernes, les analyse dans une perspective jungienne, établit et discute les équivalences de ces œuvres avec des œuvres prométhéennes anglo-saxonnes et germaniques antérieures et, enfin, présente une classification des personnages prométhéens de la littérature latino-américaine moderne. La première partie de cette thèse discute, d'un point de vue jungien, les archétypes du masculin mature et leur rôle dans le processus d'individuation dont le mythe prométhéen fait la chronique. La deuxième partie présente le développement de la littérature prométhéenne depuis la Grèce et la Rome antiques jusqu'à sept représentations anglo-saxonnes et germaniques : Faust, 1ere partie (1808) et 2e partie (1832) de Johann von Goethe, Frankenstein (1816) de Mary Wollstonecraft Shelley, Prométhée délivré (1820) de Percy Bysshe Shelley, le récit « la tâche de naissance » (1843) de Nathaniel Hawthorne, Docteur Jekyll et Mr. Hyde (1886) de Robert Louis Stevenson, le Portrait de Dorian Gray (1891) de Oscar Wilde, et l'Ile du docteur Moreau (1896) de Herbert George Wells. La troisième partie analyse six œuvres de fiction de six auteurs latino-américains modernes : Prometeo (1943) de l’équatorien Humberto Salvador, l'Invention de Morel (1940) de l'argentin Adolfo Bioy Casares, Monsieur le président (1946) du guatémaltèque Miguel Angel Asturias, le Partage des eaux (1953) du cubain Alejo Carpentier, Cent ans de solitude (1967) du colombien Gabriel García Márquez, et le récit « les ruines circulaires » dans Fictions (1941) de l'argentin Jorge Luis BorgesTwentieth century Latin American promethean literature is the product of the melange of archetypal, cultural and historical “voices”, amongst these voices figures Anglo-Saxon and Germanic promethean literature. This thesis identifies six modern Latin American promethean works, analyzes them from a Jungian perspective, establishes and discusses their parallels with earlier Anglo-Saxon and Germanic promethean works and, finally, presents a classification for promethean characters from modern Latin American literature. The first part of this thesis discusses, from a Jungian point of view, the archetypes of the mature masculine and their role in the process of individuation which the promethean myth chronicles. The second part presents the development of promethean literature from ancient Greece and Rome up to seven Anglo-Saxon and Germanic works : Faust, 1st part (1808) and 2nd part (1832) by Johann von Goethe, Frankenstein (1816) by Mary Wollstonecraft Shelley, Prometheus unbound (1820) by Percy Bysshe Shelley, the short story “the birthmark” (1843) by Nathaniel Hawthorne, Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1886) by Robert Louis Stevenson, The portrait of Dorian Gray (1891) by Oscar Wilde, and The island of dr. Moreau (1896) by Herbert George Wells. The third part analyzes six fictional works by six modern Latin American authors: Prometeo (1943) by the Ecuadorian Humberto Salvador, La invención de Morel (1940) by the argentine Adolfo Bioy Casares, El señor presidente (1946) by the Guatemalan Miguel Angel Asturias, Los pasos perdidos (1953) by the Cuban Alejo Carpentier, Cien años de soledad by the Colombian Gabriel Garcia Marquez and the short story “las ruinas circulares” from Ficciones (1941) by the argentine Jorge Luis Borges
43
Marignac, Lucie. "La conquête de la Toison d'Or, des origines à la fin du XVe siècle : essais." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040304.
Full textAbstract:
Le mythe de la toison d'or est une référence commune inscrite dans une tradition et difficile à saisir étant donné ses innombrables transformations. Les œuvres qu'il a inspirées, de l'antiquité jusqu'à l'époque contemporaine, sont innombrables. Face à tant de textes, d'images et d'exégèses, notre travail se concentre sur les œuvres antérieures à la renaissance, et privilégie quelques aspects de l'identité et de l'évolution du mythe. Son but est de faire apparaitre, à travers l'examen des distorsions successives d'un modèle mythique, quelques mécanismes de la création occidentale la première partie expose les articulations géographiques et chronologiques des différents épisodes du mythe, reconstituées a partir des œuvres de poètes ou de mythographes qui ont traite de l'ensemble des aventures de Jason et de ses compagnons : Pindare, Apollonios de Rhodes, Diodore de Sicile, Hygin, Ovide, Sénèque, Valerius Flaccus, le pseudo-Apollodore, et les argonautiques orphiques, mais aussi à l’aide de toutes les allusions antiques au mythe. La seconde partie comporte quatre essais consacres aux principales questions posées par le mythe et son évolution. Le premier de ces essais recherche l'improbable sinon impossible unité, typologique, génétique ou politique, du mythe. Le deuxième analyse l'ambivalence du sens du récit mythique, et de ses principaux personnages. Le troisième étudie la vigueur nouvelle que donne le Moyen âge au mythe argonautique, auparavant supplante par le mythe de Médée. Et le quatrième et dernier essai analyse le moment privilégié du devenir du mythe argonautique que fut la création de l'ordre de la toison d'or par Philippe de Bourgogne, en 1430The conquest of the Golden Fleece is a myth which on the one hand has deep roots in tradition, and on the other hand cannot be grasped easily because of the great number of his transformations. The works the myth has inspired are actually countless. Facing so many texts, images and commentaries, our work concentrates on the works prior to the renaissance, lays emphasis on some aspects of the identity and the evolution of the myth. It aims at bringing to light some mechanism of the west creation, through the study of the successive distorsions of a mythical model. The first part exhibits the geographic and chronological articulations of the myth, as they can be reshaped from the works of poets and mythographs that have dealt with the whole of Jason and his companions' adventures : Pindar, Apollonius Rhodius, Diodorus Siculus Ovid, Seneca, Valerius Flaccus - and also with the help of all the antique allusion s to the myth. The second part of our work is split in four essays devoted to the main questions raised par the myth and its evolution. The first essay searches for the improbable if not impossible, typological, genetical and political, unity of the myth. The second analyses the ambivalence of the significance of the mythical story, and of its protagonist s. The third studies the new favor of the argonauts' myth during the middle ages, while the myth of Medea was much more famous at the beginning of the middle ages
44
Boulic, Nicolas. "Formes, sens et symboliques des conflits entre les fils et les pères dans les comédies grecques et latines." Grenoble 3, 2008. http://www.theses.fr/2008GRE39060.
Full textAbstract:
Tout lecteur des comédies d'Aristophane, de Ménandre, de Plaute ou de Térence ne peut qu'être frappé par la fréquence avec laquelle revient un motif littéraire riche d'implications fantasmatiques : celui d'un fils en conflit ouvert avec son père et prêt à utiliser la violence contre lui afin de faire triompher ses envies et ses désirs contre ceux que tentait de lui imposer le vieillard. La première partie de notre thèse consiste à relever les occurrences de ce motif et surtout à comparer les formes - en nombre restreint - qu'il peut prendre dans notre corpus. On arrive ainsi à une typologie suivant deux axes : d'une part les cas où la norme de l'amour filial est menacée et raillée, et d'autre part les cas, plus nombreux, où les fils passent à l'action, en dupant leur père, en le volant, en souhaitant ou sa mort ou même en le frappant. Dans un deuxième temps de la recherche, nous montrons ce que ce motif littéraire doit à l'esprit de la comédie. Car ce genre se nourrit du conflit et plus particulièrement du conflit privé, au sein des familles. La récurrence de ce motif, amoindri de surcroît par de nombreux filtres atténuateurs (c'est ainsi que nous avons dénommé tous les éléments qui tendent à "dé-réaliser" les luttes montrées sur la scène, ou à en atténuer le potentiel subversif), ne serait alors pas tant révolutionnaire que stéréotypée. Enfin, ce motif gagne à être interprété sur le plan symbolique et intertextuel. Car l'affrontement entre fils et père recoupe d'autres préoccupations propres aux sociétés antiques, et il ne serait alors qu'une façon, indirecte mais éloquente, d'envisager des problématiques sociales comme la circulation de l'argent entre les générations ou la place des jeunes dans des sociétés patriarcales. De façon plus riche, le motif peut prendre, notamment si on le fait entrer en résonnance avec d'autres textes contemporains, des échos politiques, puisque la guerre dans la famille est souvent sentie comme étant le premier pas vers la guerre civile. Les dernières pages de la thèse montrent aussi comment la comédie a élaboré une vision très singulière et quasi-unique de ce conflit, en se démarquant de ce que les autres genres ont pu en dire (notamment la tragédie), mais aussi en intégrant des développements venus d'autres genres, censément plus graves, comme la philosophie ou l'éloquence judiciaire.
45
Lermant-Panes, Annie. "Le mythe des sirènes dans la littérature grecque, du 8e siècle avant J. -C. Au 5e siècle après J. -C." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040209.
Full text
46
Lacchè, Mara. "Prometeo, fra mito e musica." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040035.
Full textAbstract:
G. Bachelard considérait Prométhée comme une " figure paradoxale ", ayant " valeur emblématique, mais qui se disperse en images multiples " (Fragments de la poétique du feu). Après des siècles d'interprétations allégoriques, Prométhée, grâce au génie goethéen, entre triomphalement dans l'art au tournant du XVIIIe siècle, pénétrant aux profondeurs de l'imaginaire collectif à l'époque moderne. A coté des innombrables versions littéraires recensées de l'Antiquité à nos jours, il existe également de nombreuses "traductions musicales" que nous répertorions dans notre catalogue. A travers une étude synthétique des thématiques qui émanent du mythe aux XIXe et XXe siècles, vu dans ses versions musicales (Beethoven, Alkan, Liszt, Nono, Skrjabin, Reichardt, Schubert, Wolf, Parry, Fauré, Emmanuel, Orff, Couroupos, Theodorakis) et théâtrales (Wilson), ainsi que dans ses relations complexes avec la philosophie, la poésie, les arts plastiques, la dramaturgie et la danse, nous avons cherché à dégager les lignes évolutives de la figure prométhéenne à l'intérieur de l'imaginaire créatif musical des artistes, considérés dans la Weltanschauung de leur nation et de leur époque, afin de déceler l'essence musicale profonde propre au mythe prométhéenG. Bachelard considerava Prometeo come una " figura paradossale ", di " valore emblematico, ma che si disperde in immagini multiple " (Fragments de la poétique du feu). Dopo secoli di interpretazioni allegoriche, alla fine del XVIII secolo, grazie al genio goethiano Prometeo è entrato trionfalmente nell'arte e alle profondità dell'immaginario collettivo moderno. Accanto alle innumerevoli versioni letterarie recensite dall'antichità ai nostri giorni, esistono anche numerose "traduzioni musicali", repertoriate nel nostro catalogo. Attraverso uno studio sintetico delle tematiche che scaturiscono dal mito nel XIX e XX secolo, considerato in queste sue versioni musicali (Beethoven, Alkan, Liszt, Nono, Skrjabin, Reichardt, Schubert, Wolf, Parry, Fauré, Emmanuel, Orff, Couroupos, Theodorakis) e teatrali (Wilson), ma anche nelle sue relazioni complesse con la filosofia, l'estetica, la poesia, le arti figurative, la drammaturgia e la danza, abbiamo cercato di cogliere le linee evolutive della figura prometeica nell'immaginario musicale degli artisti, considerati nella Weltanschauung della loro nazione e della loro epoca, alfine di svelare l'essenza musicale profonda propria al mito prometeico
G. Bachelard considered Prometheus as a " paradoxical figure " with an "emblematic value but which also scatters into multiple images " (Fragments of the fire poetics). After many centuries of allegorical interpretations, the Promethean myth, with Goethe's genius's help, came triumphantly into the art at the turning point of the XVIIIth century fathoming the recesses of collective imaginary at the modern era. In addition to numerous literary versions listed from the ancient Greek civilization to our time, there are also many "musical translations" which we present in a subject catalogue. We carried out a recapitulating study of themes derived from the myth seen on one hand through its XIXth and XXth centuries musical ( Beethoven, Alkan, Liszt, Nono, Skrjabin, Reichardt, Schubert, Wolf, Parry, Fauré, Emmanuel, Orff, Couroupos, Theodorakis) and theatrical (Wilson) interpretations, on the other hand through its relations with philosophy, poetry, plastic arts, dramatic art or dance. It allowed us to emphasize the evolutionary features of the Promethean figure into the artists' musical creative imaginary taking into consideration the Weltanschauung of their nation and of their time in order to detect the deep musical essence characteristic of promethean myth
47
Chevallier, Jean-Frédéric. "Essai d'approche et de définition d'un tragique du XXème siècle (vers une tragédie des impossibles)." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030028.
Full textAbstract:
La tragédie grecque est l'expression pleine et entière du phénomène tragique. A partir de la première on peut déduire trois éléments propres à définir le second : le tragique concerne l'être de l'homme, il nécessite pour être perçu que soit établie une continuité ontologique, il prend la forme d'une aporie. Les philosophes anti-hegelliens que sont kierkegaard, Schopenhauer et Nietzsche donnent de compléter cette hypothèse : le tragique produit un sentiment ; il y va de l'angoisse pour l'un, du dégoût de vivre pour l'autre, de la joie pour le dernier. La détermination plus strictement esthétique du phénomène, telle que la proposent en particulier Maeterlinck et Wagner, conduit à envisager le tragique comme étant, avant tout, de l'ordre de l'effet. Ces premiers développements ont pour but, d'une part, de faire apparaître les outils conceptuels adéquats à l'appréhension du tragique dans les textes dramatiques du XXème siècle, et, d'autre part, de saisir ce que le passage du modernisme au postmodernisme comporte d'enjeu tragique. .Greek tragedy is the full and entire expression of the tragic phenomenon. From the former we can deduce three elements capable of defining latter. The tragic concerns the being of man. To be perceived, an ontological continuity needs to be established. It takes the shape of a aporie. Anti-Hegelian philosophers such as Kierkegaard, Schopenhauer and Nietzsche demonstrate this hypothesis. The tragic produces a feeling : anguish for the first one, disgust with life for the second one and joy for the third one. A more strickly aesthetic definition of the phenomenon, offered specifically by Maeterlinck and Wagner, shows the tragic mainly as an effect. This first study highlights the conceptual tools needed to comprehend the tragic in the tramatic texts of the twentieth century, and shows how the tragic is invested in the transition between modernism and postmodernism. .
48
Oktapoda, Efstratia. "La documentation sociale et folklorique dans la littérature naturaliste française et grecque (1865-1920)." Montpellier 3, 1995. http://www.theses.fr/1995MON30040.
Full textAbstract:
Une etude comparee qui englobe un nombre d'auteurs francais tels que zola, maupassant, daudet et les freres goncourt, ainsi qu'un nombre d'auteurs grecs comme carcavitsas, theotokis, chatzopoulos, xenopoulos et mitsakis, reside d'une part, dans le besoin d'un apercu plus global du naturalisme europeen et d'autre part, dans l'envie generale d'une petite contribution aux etudes neo-helleniques. Par rapport a la france, la production naturaliste grecque des annees 1865-1920 est assez differente en ce qui concerne la thematique : essentiellement urbaine en france, elle sera surtout rurale en grece. Elle presente pourtant une analogie dans la methode de travail, methode veritablement documentaire. Les grecs comme les francais s'appuient sur des documents empruntes a l'information savante et realisent eux-memes des enquetes socio-etsocio-ethnographiques, quand l'experience personnelle n'est pas suffisante. Les plus meticuleux d'entre eux, zola, carkavitsas ou encore daudet, etablissent meme des carnets de notes, des journaux de route ou de petits cahiers, travail minutieux et precis de reflexion prealable a l'elaboration de l'oeuvre. Or l'oeuvre naturaliste est un univers complexe, reunissant en lui sciences sociales et litterature, document et oeuvre d'art. La preponderance de la motivation litteraire fait qu'on ne peut pas accorder une confiance aveugle aux differents emprunts sociologiques utilises dans l'oeuvre naturalisteCompared with the french one, the greek naturalistic output from the period 1865-1920 is quite different as concerns the topic : essentially urban in france, but mainly rural in greece. However, the methodology is similar, as it is a truly documentary one. The greek, like the french, used to base on documents borrowed from scientific information and to carry out themselves socio- ethnographical studies when their personal experience was not sufficient. The most punctilious writers, such as zola, carcavitsas or daudet, even wrote out some notebooks, diaries and other small journalls, which constituted a very meticulous and accurate exercise of reflection, necessary for the elaboration of their works. Now the naturalistic work is finally an intricate universe, gathering within itself social sciences and literature, as well as document and art work. The genesis of the french and the greek naturalistic works is revealing of the way in which the exploitation of socio-ethnographical and folkloric document and of popular language acts in the naturalistic novels and short stories. The analysis of the exploitation of the gathered documents shows that they are above all the elements of a narrative and epic literary transformation. The preponderence of the literary motivation entails that the different sociological borrowings used in the naturalistic work cannot be blindly relied on
49
Villard, Pierre. "Recherches sur l'ivresse dans le monde grec." Aix-Marseille 1, 1988. http://www.theses.fr/1988AIX10033.
Full textAbstract:
Ce travail s'est voulu une etude globale de l'ivresse dans l'antiquite grecque. On a etudie le vocabulaire, les sources et leur specificite, les relations entre les dieux, les mythes et l'ivresse. Le vin a ete individualise, comme son usage (krasis). On s'est interesse a la phenomenologie de l'ivresse, a ses explications, a ses therapeutiques, a l'existence de l'alcoolisme. Les buveurs (categories, individus) comme les jugements de philosophes et de chretiens ont ete etudies. On en degage l'idee d'un exces integre a la societe, limite par des seuils (boire seul, boire pur, ceder a la paroinia).
50
Mentis, Constantinos. "La dimension économique, sociologique et culturelle de la prose grecque de la mer de la période 1880-1980." Paris, INALCO, 2004. http://www.theses.fr/2004INAL0017.
Full textAbstract:
La thèse examine pour la première fois du point de vue sociologique, économique et culturel, la littérature grecque de la mer, par le biais d'une méthode composite et originale, présentant d'assez nombreuses difficultés, appelée "méthodologie de la sociographie littéraire culturelle". En utilisant des variables sociales et économiques concernant les classes, les sexes et les secteurs d'activité maritime (piraterie, marine marchande, pêche etc. ) nous avons recherché, à travers des romans et des nouvelles, les modèles maritimes idéologiques et idéologisés, les mythes marins, les symboles marins supra-temporels etc. , e nous avons tenté de définir l'éthographie et les caractères maritimes, ainsi que les modèles sociaux. Dans le cadre de la sociologie de la littérature de la mer (presqu'inconnue en Grèce), nous avons a)élaboré un code de valeurs maritimes littéraires b)examiné l'hellenicité thalassocentrique en tant que modèle idéologique et moyen de socialisation, et c) étudié, à travers des ensembles culturels polymorphes, la culturalité en tant que matériel structural de l'organisation socialeIn this dissertation, the Greek maritime literature is investigated for the first time sociologically, economically and culturally with the use of a complex and original method (that posed many difficulties) under the designation "methodology of cultural literary sociography". With social and economic variables with regards to class, gender and maritime sectors (piracy, seamanship, fishing etc. ), the ideological and ideologized maritime models, maritime myths, the supertemporal maritime symbols, etc. Are investigated through short stories and novels, while maritime ethnography, maritime characters and social models are traced. In the framework of the science of the sociology of maritime literature (which is virtually unknown in Greece) for the first time, a)a code of maritime literary values is drawn, b)sea-centered Greekness as an ideological model and a socialization mechanism is investigated, c)with multiform cultural complexes, culture as a structural material of social constitution was investigated