Academic literature on the topic 'Troupes de théâtre'
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Journal articles on the topic "Troupes de théâtre"
1
Bourassa, André-Gilles. "Entrée des artistes." Pratiques & travaux, no. 35 (May 6, 2010): 177–203. http://dx.doi.org/10.7202/041565ar.
Full textAbstract:
« Entrée des artistes » porte sur la venue des premiers professionnels de théâtre. Après la Révolution américaine, des comédiens d’origine britannique et française quittèrent le Congrès pour la Couronne. Leurs efforts furent appuyés par les troupes de tournée du Boston Theatre. La plupart d’entre eux rentrèrent aux États-Unis avant la Guerre de 1812, mais ils furent relayés plus tard par des cirques-théâtres. Certains de ces professionnels contribuèrent à l’intégration d’auteurs et d’artistes locaux et à véhiculer — notamment l’acteur, journaliste et imprimeur William Moore — des valeurs post-colonisales. Ils ont fondé des écoles de danse, de musique et de théâtre.
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Louvat, Bénédicte. "Entre ancrages locaux et circulations nationales : les pratiques provinciales au XVII e siècle." Littératures classiques N° 113, no. 1 (September 25, 2024): 181–93. http://dx.doi.org/10.3917/licla1.113.0181.
Full textAbstract:
À rebours de ce qu’il est en train de devenir à Paris à partir des années 1630, le théâtre demeure, dans les provinces françaises, une activité occasionnelle et largement dépendante du calendrier politique et religieux. Les pratiques théâtrales se divisent en deux grandes catégories : la diffusion du répertoire parisien par les troupes de campagne et la production théâtrale endogène. On observe cependant quelques cas de contact entre les deux séries, par le biais notamment des protecteurs et commanditaires.
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Vanderpelen-Diagre, Cécile. "Cosmopolitisme et nationalisme dans le théâtre d’Edmond Picard : les enjeux identitaires du répertoire théâtral en Belgique francophone à la fin du XIXe siècle." Les répertoires en concurrence, no. 53-54 (June 9, 2015): 215–27. http://dx.doi.org/10.7202/1031163ar.
Full textAbstract:
À la fin du XIXe siècle, des tentatives sont lancées pour remettre en question la mainmise de la France sur le répertoire, la direction et les troupes du théâtre francophone belge. Edmond Picard (1836-1924), avocat, mécène, écrivain et homme politique influent, tente de faire pression sur la ville de Bruxelles pour qu’elle impose à son principal théâtre parlé, le Théâtre royal du Parc, un répertoire qui s’ouvre aux auteurs étrangers et belges. Nationaliser le théâtre passe par les pièces de Tolstoï, Ibsen, Maeterlinck et Picard, qui reposent sur des propositions dramaturgiques éloignées du vaudeville français.
4
Barber, Karin, and Hélène Dufau. "Ethnies, État et littérature populaire yorouba." Politique africaine 32, no. 1 (1988): 65–78. http://dx.doi.org/10.3406/polaf.1988.5227.
Full textAbstract:
Que pense l’homme de la rue ? Où trouver des données sur son opinion ? Le théâtre yorouba, qui est un véritable moyen de communication populaire, avec sa centaine de troupes, nous présente la réalité sociale de l’ouest du pays. Dans ces pièces, les autres Nigérians ne sont que peu présents et le débat politique et curieusement absent. L’étude des textes des spectacles et des romans populaires montre une vive conscience de la stratification sociale verticale et une défiance certaine à l’endroit des hommes politiques.
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Robert, Lucie. "Yvette Mercier-Gouin ou Le désir du théâtre." Document, no. 46 (January 19, 2011): 117–37. http://dx.doi.org/10.7202/045375ar.
Full textAbstract:
Le présent article est une réflexion sur les conditions d’accès des femmes au théâtre dans le contexte québécois de la première moitié du xxe siècle à partir de la carrière d’Yvette Mercier-Gouin, d’abord comédienne dans des troupes d’amateurs puis auteure dramatique, surtout connue pour sa pièce Cocktail, crée au Théâtre Stella en 1935. La trajectoire de Mercier-Gouin révèle la place qu’occupe le théâtre dans la socialité bourgeoise de l’époque, laquelle détermine aussi les choix esthétiques de l’auteure, dans son oeuvre écrite, composée surtout de drames bourgeois. Au coeur de cette écriture, se découvrent néanmoins des problématiques neuves qui, de la maternité à la figure de l’artiste, préfigurent un théâtre ouvertement féministe.
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CRÉHANGE, G., A. GOLLION, O. GORGÉ, H. DELACOUR, A. MERENS, F. CAIRE-MAURISIER, J. PLANTAMURA, S. BOHAND, and J. U. MULLOT. "Etude de la qualité de l’air à Kaboul: résultats d’une campagne de mesures." Médecine et Armées Vol. 42 No. 4, Volume 42, Numéro 4 (October 1, 2014): 353–62. http://dx.doi.org/10.17184/eac.7045.
Full textAbstract:
Cet article présente les résultats d’une étude pluridisciplinaire de la qualité de l’air à Kaboul, à des fins d’évaluation des risques sanitaires pour les troupes déployées. Diligentée à la suite de plaintes ou rumeurs en rapport avec la qualité de l’air sur ce théâtre, cette étude a été menée à bien par des pharmaciens du Service de santé des armées, appuyés par leurs laboratoires respectifs de théâtre et de métropole. Afin d’évaluer la qualité de l’air des prélèvements pour analyses chimiques, biologiques et radiologiques ont été réalisés. Les résultats des analyses réalisées sont comparés à des données bibliographiques ou toxicologiques permettant d’évaluer les risques sanitaires associés et d’orienter les études médicales futures : ils mettent en évidence une situation méritant une attention particulière pour deux polluants, les particules fines et l’hydrogène sulfuré. Originale par sa portée (5 laboratoires différents associés) et certains de ses résultats, cette étude vient renforcer et élargir celles d’autres équipes internationales s’intéressant au même sujet et consacre le rôle de conseil au commandement du Service de santé des armées vis-à-vis des risques environnementaux sur les théâtres.
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Poirson, Martial. "Un inconnu nommé Molière." L'Histoire N° 492, no. 2 (February 1, 2022): 12–25. http://dx.doi.org/10.3917/histo.492.0012.
Full textAbstract:
Comédie-ballet Spectacle de théâtre mêlé de danses, de chants et de musiques inventé par Molière et Lully pour les fêtes royales et divertissements de la cour. Privilège Exclusivité de représentation de spectacles dans Paris et ses faubourgs accordée par lettre de cachet, par le monarque, à ses troupes officielles en échange de leur mise sous la tutelle de l’intendant des Menus Plaisirs et des Premiers Gentilshommes de la Chambre. Elle élimine toute concurrence avec les autres troupes rivales, assurant en outre la loyauté des artistes, sans avoir à exercer de censure directe
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Lázár, Balázs, and Ferenc Tóth. "L’armée de Napoléon en Hongrie en 1809." Revue Historique des Armées 270, no. 1 (January 1, 2013): 23–30. http://dx.doi.org/10.3917/rha.270.0023.
Full textAbstract:
La campagne française de 1809 marqua profondément la conscience collective hongroise. Elle atteignit son comble au moment de la bataille de Győr (Raab), le 14 juin 1809, qui se termina par la victoire de l’armée française d’Italie commandée par le vice-roi Eugène face aux troupes levées par les nobles hongrois et les forces impériales et royales sous le commandement de l’archiduc Jean. La défaite de Győr, et le retard de l’archiduc Jean, eurent aussi un impact important sur les événements du principal théâtre d’opérations, car Napoléon put réunir ses troupes avant la bataille décisive de Wagram. Outre la présentation des événements de la campagne de 1809, l’étude esquisse également le rôle des Hongrois au sein de l’armée impériale et royale ainsi que l’obligation des nobles de lever des troupes, obligation appelée « insurrection nobiliaire ».
9
CELLARIER, D., O. MARTINEAU, A. LABARTHE, D. CLAMEN, H. CHIANEA, G. MICHOUD, J. LESACA, and L. AIGLE. "Retour d’expérience du soutien réel de troupes aéroportées durant l’exercice ORION." Revue Médecine et Armées, Volume 50, Numéro 3 (September 11, 2024): 41–52. http://dx.doi.org/10.17184/eac.8884.
Full textAbstract:
Dans le contexte de préparation à la guerre de haute intensité, l’Armée française a conduit l’exercice ORION 23 qui est le premier de cette ampleur depuis plus de 3 décennies via un entraînement multi-milieux et multi-champs à grande échelle. Sa deuxième phase avait comme objectif de mener une campagne aéro-maritime d’entrée de théâtre « en premier », dans un contexte de déni d’accès et de projeter l’échelon national d’urgence pour conquérir un espace de manœuvre terrestre dans un environnement contesté. Sur 19 jours de mission en terrain libre, les troupes aéroportées auront réalisé au total 860 sauts, dont 786 en ouverture automatique et 74 en ouverture retardée, avec notamment deux sauts « de masse ». On ne retrouve pas de blessé parmi les ouvertures retardées mais on décompte 17 blessés en ouverture automatique, soit 2,16% du nombre total de ces sautants. Parmi ces blessés, neuf ont été transférés dans un service d’accueil des urgences immédiatement après leur prise en charge, dont un catégorisé Alpha et un Bravo. Ces chiffres sont supérieurs à ceux que l’on retrouve lors des différents entraînements et se rapprochent de ceux retrouvés en opérations extérieures. Pour ces exercices d’une nouvelle intensité, il est important d’avoir un soutien médical réel adapté tant en qualité qu’en quantité, car ils se rapprochent en termes d’accident de parachutage à ce que l’on retrouve sur les théâtres d’opérations extérieures.
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Robert, Lucie. "Édition et répertoire national au Québec." L’Annuaire théâtral, no. 53-54 (June 9, 2015): 15–28. http://dx.doi.org/10.7202/1031150ar.
Full textAbstract:
L’édition théâtrale ne conserve à la mémoire qu’une partie de la représentation. Elle suppose un travail d’écriture, c’est-à-dire de mise en forme de la parole, et elle engage l’auteur dramatique à se concevoir comme un écrivain. Enfin, elle fixe le texte de manière à peu près définitive. Quels seraient les principes qui, au Québec, ont engagé l’édition de certains textes dramatiques et pas des autres? L’édition est-elle parvenue à constituer un véritable répertoire dramatique à la disposition des troupes, ou répond-elle d’abord à d’autres impératifs (littéraires, politiques ou pédagogiques)? A-t-elle contribué à la consécration de l’auteur dramatique comme écrivain et à la formation d’un « Parnasse des auteurs dramatiques » (Bourqui, Caldicott et Forestier, Le Parnasse du théâtre, 2007)? Enfin, y a-t-il vraiment au Québec un répertoire national? Telles sont les questions qui seront ici soulevées.
Dissertations / Theses on the topic "Troupes de théâtre"
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Vilhena, Deolinda Catarina França de. "Les modes de production au Théâtre du Soleil à l'aune de la production théâtrale française depuis 1968 : une exception dans l'exception culturelle ?" Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030033.
Full textAbstract:
Cette étude traite de la place occupée par la production dans l’évolution du Théâtre du Soleil dans le cadre de la production théâtrale française depuis 1968, où le théâtre n’échappe pas aux lois du marché, où l’éthique et l’artistique se diluent dans l’économique. Cette thèse met en lumière la volonté de faire du théâtre autrement à travers une analyse des éléments fondateurs de cette recherche : le choix de travailler en troupe, l’acquisition d’un lieu et la conquête d’un public. L’hypothèse retenue est que, si le Théâtre du Soleil connaît une réussite éclatante auprès du public depuis plus de 40 ans, s’il parvient à survivre en dépit d’obstacles, notamment financiers, liés à l’activité théâtrale, c’est parce qu’il a compris comment articuler des processus de production a priori antagoniques aux confins des logiques privée et publique, et invente en permanence un nouveau mode de faire du théâtre dans ses dimensions juridique, économique, sociale, organisationnelle et artistiqueThis study is about the role of production in the evolution of Théâtre du Soleil within the production system of the French stage since 1968 : theatre cannot evade the laws of the market; ethics and art are subject to economics. This study sheds light on this Company’s will to act differently, by analyzing the basic points of their quest : choosing to work as a troupe, having a home of their own, conquering an audience. Théâtre du Soleil has been tremendously successful with their audience for forty years, and they have managed to survive in spite of obstacles connected with theatrical practice, particularly financial ones. We presume that they have succeeded because they have known how to combine production processes in principle opposed at the border of private and public logics, and because they have been continuously imagining a new way of practising theatre from legal, economic, social, organisational and artistic points of view
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Roux, Richard. "Le théâtre Arena de São Paulo : Naissance d'un théâtre brésilien (1953-1975), du théâtre en rond au "théâtre populaire"." Aix-Marseille 1, 1989. http://www.theses.fr/1989AIX1A001.
Full textAbstract:
Dans le contexte politique et social bresilien des annees 1953 a 1975 et sous l'influence de compagnies d'amateurs, le theatre evolue au bresil et donne naissance, a sao paulo, au theatre arena. Partant d'une simple experience de "theatre en rond", le theatre arena se politise et revendique pour lui le titre de "theatre populaire". Ce concept est discute compte tenu de la tradition francaise de theatre populaire, d'autres experiences bresiliennes et d'ecrits theoriques sur le sujet. L'experience du theatre arena s'acheve en 1975 malgre les efforts de luiz carlos arutim pour le maintenir en vie apres 1970The development of the theatre in brazil in the years 1953 to 1975, influenced by the social conditions and political life of the period and by the work of amateur companies, gave birth to the teatro de arena in sao paulo. This started out merely as an experiment with theatre-in-the-round and then became politicized, claiming the title of "teatro popular". This concept is examined in the light of the french tradition of "theatre populaire" and of other brazilian experiments and theoretical writings on the subject. The teatro de arena experiment ended in 1975 despite the struggle by luiz carlos arutim to keep it alive from 1970 onwards
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Redon, Gaëlle. "Les troupes, les compagnies théâtrales et leurs organisations." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030114.
Full textAbstract:
L’organisation des groupements théâtraux amateurs comme professionnels, a fortement évolué ces dernières années, dans les Pyrénées-Orientales (département situé dans la région Languedoc-Roussillon). Si la présence du metteur en scène n’est plus inéluctable à ces groupes, il s’agit autant d’un désir des comédiens d’être polyvalents que d’une nécessité économique, notamment chez les compagnies professionnelles. La diminution quantitative du nombre de leurs membres relève d’un processus similaire. Ces groupements associatifs sont à la fois fournisseurs de lien social et fournisseurs d’emploi, à la fois situés dans la sphère privée et dans la sphère publique. Dès lors, leur structure organisationnelle influence leurs relations à l’environnement autant que celui-ci influe sur leur fonctionnement. Elle est déterminante dans leur capacité d’adaptation, d’équilibre et d’évolutionThe organisation of both amateur and professional theatre groups has greatly evolved over the last couple of years, in the department of the Pyrénées-Orientales (Languedoc-Roussillon). Having a director is not always essential to these groups anymore. This is fuelled as much by the desire of the comedians to be versatile, as by an economical necessity, notably within the professional companies. The decrease in the number of members is the result of a similar process. These associative groups are providers of social bonds as well as providers of employment, situated within the private circle as well as the public circle. Consequently, their organisational structure influences their relationships with the group environment as much as the group environment affects the running of the organisation. The organisational structure's ability to adapt, maintain balance and capacity to evolve is therefore crucial
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Pialoux, Serge. "Les troupes théâtrales professionnelles en Aquitaine : étude historique et socio-économique de 1977 à 1990." Bordeaux 3, 1997. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=1997BOR30088.
Full textAbstract:
L'installation des troupes theatrales professionnelles en aquitaine s'inscrit dans les diverses tentatives de politique de decentralisation theatrale qui se sont succedees en deux siecles en france. Dans cette recherche 5 compagnies sont etudiees : les baladins en agenais, le theatre de la vache cruelle, fartov et belcher, le theatre de feu et le theatre des chimeres. 4 themes sont abordes : l'historique des troupes (les fondateurs, leur conception du theatre, les comediens, les ateliers de theatre) ; le repertoire (le genre privilegie, le nombre de creations et de reprises par an); les tournees (le nombre de representations et de spectateurs par an); l'administration et la comptabilite (organigramme des troupes, le compte d'exploitation). Enfin, dans le dernier chapitre des propositions sont envisagees pour l'avenirThe setting up of professional theatre companies in aquitaine is in line with the various attempts at theatre decentralisation policy that has taken place in france over the last two centuries. Five professional theatre companies are studied here : the baladins en agenais (agen), the theatre de la vache cruelle (perigueux), fartov et belcher (bordeaux), the theatre de feu (mont-de-marsan) and the theatre des chimeres (biarritz). Four aspects are discussed : an historical overview of each company (the founding members, their approach to theatre, the actors, theatre workshops); the repertory (genres, number of first performances and revivals each year); touring in the region and outside; administration and accounts (chart of each company, accounts). The last chapter is putting forward some new proposals for the future of decentralisation
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Borges, Vera da Cunha. "Comédiens et troupes de théâtre au Portugal : trajectoires professionnelles et marché du travail." Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0033.
Full textAbstract:
L'objectif de la thèse est de comprendre comment s'organisent les trajectoires individuelles de carrière des comédiens et des metteurs en scène et les destins collectifs de leur activité professionnelle au sein des troupes de théâtre au Portugal. D'une part, on rend compte des conditions d'entrée et d'insertion des individus dans les troupes; d'autre part, on décrit le fonctionnement des troupes, les réseaux de coopération et formes de concurrence. Il s'agit d'une recherche de sociologie de l'art et de la culture conduite au près du terrain d'enquête à partir des matériaux empiriques comme les observations in situ, les enquêtes, les entretiens, les études monographiques, les collectes de données quantitatives et les analyses statistiques et documentaires. Mais l'approche adoptée est aussi socio-historique et socio-politique, quand il s'agit d'étudier le contexte d'évolution de l'activité théâtrale dans le pays et les politiques publiques de l'Etat et des municipalitésThe thesis purpose is to understand how individual trajectories of actors and stage-managers are organized, and to examine the collective destination of their professional activity inside theatre groups, in Portugal. On the one hand, terms of admission and insertion of individuals in theatre groups are investigated; on the other hand, the organization of theatre groups is described, as well as theirs cooperation systemes and ways of competition. This study is one investigation in art and culture sociology conducted on the fiels, based on empiric mateirals as in situ observations, inquities, interviews, monographic studies, quantitative data collecting, statistical and documental analysis. But it is also a socio-historic and socio-politic approach seeing that theatrical activity development in the country is analyzed as well as state and municipal public policies
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Proust, Serge. "La rationalisation de l'activité théatrale : autonomie artistique et intervention publique." Bordeaux 2, 1999. http://www.theses.fr/1999BOR21025.
Full textAbstract:
Le théâtre se caractérise par un processus de rationalisation (Max Weber). D'une part, il existe une autonomisation de cet espace avec la constitution de la mise en scène comme enjeu spécifique. Cette autonomisation s'impose au prix de la disqualification du théâtre populaire et, en raison des caractéristiques matérielles de la représentation théâtrale, l'intervention publique en constitue la condition économique. Il existe alors, parmi les professionnels, une véritable demande d'état qui se traduit par l'acceptation de l'activité classificatrice et organisationnelle de celui-ci. D'autre part, il résulte de ce double trait une division croissante du travail qui a plusieurs propriétés. Il existe, d'abord, une intellectualisation croissante de l'activité théâtrale. Ensuite, la nécessité de nouvelles compétences conduit à l'émergence de nouveaux postes : dramaturges ; administrateurs. Le metteur en scène occupe la place centrale en combinant compétences et modes d'intervention artistique, administratif et politique. Cette division du travail et la maitrise inégale du processus de rationalisation déterminent des divisions et des conflits violents entre une minorité de professionnels concentrant l'essentiel des gratifications matérielles et symboliques et une grande majorité à la limite de la survie économique. A l'opposé de ce processus de rationalisation, la troupe de théâtre constitue l'incarnation d'un idéal communautaire où prédominent les relations affectives et une organisation précapitaliste. Au sein de cette communauté, l'autorité de type charismatique de quelques metteurs en scène (Copeau, Vilar, Mnouchkine) repose sur le caractère exemplaire et multiforme de leurs sacrifices.
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Blondet, Sandrine. "Les pièces rivales des répertoires de l’Hôtel de Bourgogne, du Théâtre du Marais et de l’Illustre Théâtre : deux décennies de concurrence théâtrale parisienne (1629-1647)." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040160.
Full textAbstract:
L’année 1629 voit la sédentarisation parallèle des deux troupes théâtrales parisiennes, celle du Théâtre du Marais, dirigée par Charles Le Noir, et la Troupe Royale, locataire du prestigieux Hôtel de Bourgogne. Ces deux compagnies – auxquelles se joint ponctuellement, en 1644-1647, l’Illustre Théâtre de Molière et des Béjart – se livrent une concurrence serrée, qui passe notamment par l’usage du doublage dramatique : deux pièces, composées par deux dramaturges différents, mais fondées sur le même sujet, sont présentées, à quelques semaines ou mois d’intervalle, sur deux scènes parisiennes distinctes. Les deux premières décennies de cette Guerre des théâtres présentent quarante et un doublons dramatiques de ce type. L’investigation s’attache d’abord à les replacer dans le contexte de leur création : au carrefour des thèmes dramatiques contemporains et de la rivalité théâtrale, les pièces jumelles épousent les courants du répertoire, qu’elles contribuent simultanément à alimenter, au gré de thématiques prédominantes : l’univers romanesque de la piraterie, la rivalité fraternelle, la thématique de l’Innocence persécutée, la figure de l’Illustre héroïne, parangon de vertu ou odieuse furie, et le théâtre lui-même, que la concurrence prend pour objet au sein de pièces qui figurent ses types (le Capitan), son univers quotidien (le Paris de 1640), ou encore ses plus grands succès (Le Cid, notamment). Cette section historique de l’enquête fait simultanément apparaître les correspondances qui se tissent non seulement entre les pièces jumelles, mais également avec le reste de la production contemporaine : le rival n’est pas toujours celui qu’on croit. La suite de l’étude s’attache aux modalités du fonctionnement de la concurrence. En premier lieu, celle-ci ne peut faire l’économie d’une publicité affichée, qui lui assure l’aura nécessaire à son efficacité et en fait bénéficier les pièces qu’elle soutient. L’investigation prend ensuite pour objet les enjeux dramaturgiques et scénographiques des pièces rivales. Les premiers sont l’affaire stricte des dramaturges, dont le rapport à l’Histoire ou la Fable se complique de celui qu’ils entretiennent avec leur rival. La perspective scénographique tente enfin de déterminer quels aspects du spectacle chaque troupe entend faire valoir, dans l’entreprise toujours éphémère de susciter le plaisir théâtralIn the year 1629, two Parisian theatre companies settled down at the same time: the company of the Théâtre du Marais, led by Charles Le Noir, and the Troupe Royale, resident of the renowned Hôtel de Bourgogne. These two companies – which were sometimes joined by the Illustre Théâtre de Molière et des Béjart in 1644-1647 – were engaged in a fierce competition, mostly revealed by the common practice of twin plays : two plays, written by two different playwrights, but dealing with the same subject, were presented, at an interval of a few weeks or of a few months in two different Parisian theatres.Over the first two decades of this theatre War, forty-one dramatic twin plays were performed. The study first consists in explaining the context of their creation: with the combination of the theatrical themes of the time and the theatrical rivalry, the twin plays adopted the trends of the repertoire, and enriched them at the same time, through these main themes : the fabulous world of piracy, brotherly rivalry, the recurrent theme of persecuted Innocence, the figure of the Illustrious heroin, either a paragon of virtue or an odious shrew, and theatre itself, a subject chosen by the rivals for the plays which presented its great figures (le Capitan), its surroundings (Paris in 1640), or its greatest achievements (Le Cid, mainly). This historical part of the study simultaneously reveals the similarities between the twin plays and also their link with the other plays of the time : the rivals are not always the ones you would expect.What follows in the study deals with how this competition took place. Primarily, deliberate advertising was a key notion because it gave the prestige it needed to reach its goal and the plays it supported benefited from it. Then, the study focuses on the stakes in the dramatic and scenographic arts in rival plays. Dramaturgy was the business of playwrights only. Their relation to the Story or Fable was also influenced by their relationship with their rival. Finally, scenography was meant to choose the aspect of the show each company would focus on, whose aim always was theatrical enjoyment, short-lived as it may be
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Gagneré, Georges. "Permanence artistique et pratique theatrale. L'atelier de charles dullin, roger planchon au theatre de la cite a villeurbanne, l'ensemble artistique du theatre national de strasbourg dirige par jean-pierre vincent et la comedie de reims dirigee par christian schiaretti." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030013.
Full textAbstract:
Ce travail aborde la notion de permanence artistique et sa place dans le processus de creation theatrale. Apres avoir etabli une echelle de permanence artistique a partir d'une methode de description du parcours des comediens, nous avons pu etudier l'evolution du degre de permanence artistique dans le travail d'importantes troupes francaises de 1913 a 1997. Cette premiere approche historique a permis de degager des contextes de production profondement differents, qui influencaient en profondeur les enjeux lies a l'instauration d'une permanence artistique. Nous avons etudie trois grandes periodes : avant la seconde guerre mondiale (1913-1939), les debuts de la decentralisation theatrale (1947-1968) et une troisieme periode de maturation qui s'etendait de 1968 a nos jours. Nous avons ensuite etudie la dynamique de permanence artistique sous l'angle de l'elaboration du langage scenique, en degageant une poetique de la troupe et en la mettant en perspective avec l'irruption de l'approche dramaturgique sous l'influence du modele brechtien. La mise en evidence de cette dynamique, et le constat de connexions recurrentes entre les politiques de permanence artistique et la volonte de renouvellement du repertoire, nous ont conduit a etudier la place de la permanence artistique dans le processus de renouvellement des structures de production, c'est-adire dans le phenomene d'evolution du champ theatral. Nous avons alors mis en relief le role preponderant de la logique d'implantation des troupes dans le processus de decentralisation theatrale francaise et le necessaire contrepoids de la permanence face au systeme d'intermittence du spectacle vivant. Nous avons enfin essaye de comprendre la lutte obstinee de l'artiste de theatre contre toute standardisation, en vue de rester le plus ouvert aux transformations de la societe.
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Bourbonnaud, David. "Janus sur les tréteaux de la diplomatie : la circulation théâtrale, reflet de l'action culturelle extérieure." Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0115.
Full textAbstract:
Au cours de son histoire, le théâtre s'est développé parce que ses textes, ses hommes et ses techniques sont allés chercher ailleurs de nouvelles expériences. Après avoir examiné la notion de circulation théâtrale, ce travail désigne l'invention de la mise en scène au 19ème siècle comme une préfiguration du théâtre tel qu'il se pratique aujourd'hui. Parce que ce théâtre des metteurs en scène s'inscrivait en rupture avec les codes de son époque, il a voulu en circulant en France et à l'étranger, se créer de nouveaux publics. De ces expériences pionnières, deux modèles descriptifs -traduction et diffusion - sont proposés afin d'analyser comment un projet de circulation théâtrale se construit aujourd'hui. Les logiques de diffusion et stratégie de traduction ne définissent pas seulement le sort du théâtre au sein des échanges culturels mais permettent de mieux comprendre comment s'élabore l'action culturelle extérieure et d'en percevoir les mutations présentes et à venirIn the course of history, thetra has developed because its authors, directors, actors and techniques have sought abroad new territories of experience and new challenges to be taken up. The present study first explores the historical evolution of the modes of circulation of plays, then singles out the notion of stage direction which appeared at the end of the XIXth century as the decisive element in the shaping of dramatic art it is practiced in France today. Because the dominant influence of directors broke with the prevailing codes of the period, theatre had to circulate, both in France and abroad, in search of new support and new audeinces. Our analysis of these pioneering experiences aims at producing two models based on translation and diffusion. These models are borrowed and freely adapted from the sociology of sciences; their purpose is to analyse how a project involving the circulation of theatrical works takes shape today, from the stage production of a play to its reception abroad. The rationale of diffusion and the strategic choices of works translated determine the fate of theatrical works within cultural exchanges, but they also give an insight into the way France's foreign cultural policy is conceived, its present course and, possibly, its future
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Jan, Corentin. "Le théâtre et son espace public. Conflits et controverses institutionnels et artistiques sur les scènes allemandes dans les années 2010." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2024. http://www.theses.fr/2024PA030062.
Full textAbstract:
Les années 2010 ont vu la généralisation d’un discours sur la crise et la perte de légitimité du Stadttheater allemand, d’un modèle de théâtre public où les établissements concentrent en leur sein les activités de production et diffusion grâce à la présence d’une troupe permanente d’interprètes et d’une programmation sous la forme d’un répertoire. Dans les journaux, les revues spécialisées ou sur des sites internet, les tentatives de diagnostic et les propositions de solution se multiplient, tandis que de nombreuses crises locales font l’objet d’un traitement médiatique quasi systématique. Ce travail entend interroger ce qui rend un tel discours de crise possible. Il formule l’hypothèse que ce paysage scénique à l’histoire longue doit beaucoup à l’élaboration d’une certaine forme d’espace public théâtral, c’est-à-dire à l’idée que le théâtre repose sur une adresse indéterminée et que son destin concerne potentiellement tout un chacun. Cette publicité de la vie théâtrale se loge autant dans les spectacles eux-mêmes que dans les arènes médiatiques de la critique ou dans la façon dont les établissements s’adressent à leur public. À partir du cas de la « crise du Stadttheater » et d’une méthodologie inspirée de la sociologie pragmatique, ce travail s’emploie à observer les conflictualités qui agitent cet espace public artistique. Après être revenu sur l’histoire des théâtres de troupe allemands, je m’appuie sur une analyse de tribunes sur l’avenir des Stadttheater parues de 2009 à 2021 sur le site nachtkritik, avant de mener une étude croisée de deux crises récentes, celle de la Volksbühne de Berlin entre 2015 et 2018 et celle des Kammerspiele de Munich de 2017 à 2020The 2010s have been a time of widespread discourse on the crisis and loss of legitimacy of German Stadttheater, a model in which theatres concentrate production and performance activities in-house, thanks to the presence of a permanent troupe of performers and repertory-based programming. In newspapers, specialized magazines and on Internet sites, attempts at diagnosis and proposals for solutions are proliferating, while numerous local crises receive almost systematic media coverage. The present study examines what makes this kind of crisis discourse possible. It formulates the hypothesis that this long-standing theatre landscape owes much to the development of a certain form of theatrical public sphere, i.e. to the idea that theater is grounded in an indeterminate address and that its fate potentially regards everyone. This publicity of theatrical life is as much to be found in the performances themselves as in the mediatic arenas of criticism, or in the way establishments address their audiences. Using the “Stadttheater crisis” as a case study, and a methodological framework inspired by pragmatic sociology, this thesis examines conflicting aspects of this public artistic space. After reviewing the history of German troupe theaters, I examine tribunes on the future of the Stadttheater published from 2009 to 2021 on the website nachtkritik, before conducting a cross-study of two recent crises, namely the conflicts at the Berlin's Volksbühne between 2015 and 2018 and at the Münchner Kammerspiele between 2017 and 2020
In den 2010er Jahren wurde über die Krise und den Legitimitätsverlust des deutschen Stadttheaters und seiner Ensemble- und Repertoirebetriebe in der Öffentlichkeit heftig diskutiert. In Zeitungen, Fachzeitschriften oder auf Websites trifft man auf eine Vielzahl von Diagnoseversuchen und Lösungsvorschlägen, während es in den Medien von zahlreichen lokalen Krisen berichtet wird. In dieser Arbeit wird untersucht, was einen solchen Krisendiskurs möglich macht. Ich stelle die Hypothese auf, dass diese alte Theaterlandschaft viel der Herausbildung einer bestimmten Form von Theateröffentlichkeit zu verdanken hat, d.h. der Idee, dass das Theater auf einer relativ unbestimmten Adresse beruht und dass sein Zustand und seine Zukunft öffentliches Interesse haben. Diese Öffentlichkeit des Theaters ist sowohl in den Aufführungen selbst als auch in den medialen Arenen der Kritik oder in der Art und Weise, wie sich die Häuser an ihr Publikum richtet, angesiedelt. Anhand des Fallbeispiels der „Krise des Stadttheaters“ und einer von der pragmatischen Soziologie inspirierten Methodik bemüht sich diese Arbeit, die Konflikthaftigkeit dieser künstlerischen Öffentlichkeit zu beschreiben. Nach einem Rückblick auf die Geschichte der deutschen Ensembletheater stütze ich mich auf eine Analyse von Tribünen zur Zukunft der Stadttheater, die von 2009 bis 2021 auf der Website nachtkritik erschienen sind, bevor ich eine Querschnittsstudie über zwei lokale Krisen durchführe, die Krise der Berliner Volksbühne zwischen 2015 und 2018 und die Krise der Münchner Kammerspiele zwischen 2017 und 2020
Books on the topic "Troupes de théâtre"
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1962-, Storck David, ed. Ensemble theatre making: A practical guide. London: Routledge, 2012.
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Gillmor, Don. Stratford behind the scenes. Stratford, Ont: Stratford Shakespeare Festival, 2012.
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Joel, Beddows, and Beauchamp Hélène 1943-, eds. Les théâtres professionnels du Canada francophone: Entre mémoire et culture. Ottawa: Le Nordir, 2001.
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Hélène, Beauchamp, and Beddows Joël, eds. Les théâtres professionnels du Canada francophone: Entre mémoire et rupture. Ottawa: Nordir, 2001.
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5
Helen, Ostovich, Syme Holger Schott, and Griffin Andrew, eds. Locating the Queen's Men, 1583-1603: Material practices and conditions of playing. Aldershot, Hants, England: Ashgate, 2009.
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Marcelle, Ouellet, Gendron Claudette, and Commission culturelle fransaskoise, eds. Trousse d'ateliers d'expression dramatique. Régina, Sask: Commission Culturelle Fransaskoise, 1986.
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7
Castanié, Simon-Pierre. Le théâtre volant des Monty Python. Paris: Harmattan, 2011.
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8
Castanié, Simon-Pierre. Le théâtre volant des Monty Python. Paris: Harmattan, 2011.
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Porot, Bertrand. "4. Les lieux de spectacle forains de Maurice Vonderbeck et Jeanne Godefroy au tournant du XVIIIe siècl." In St Andrews Studies in French History and Culture, 63–76. Cambridge, UK: Open Book Publishers, 2024. http://dx.doi.org/10.11647/obp.0400.04.
Full textAbstract:
Cette étude s’attache à décrire les salles foraines des troupes d’acrobates les plus florissantes et les plus appréciées, comme celle de Maurice Vonderbeck, dit Maurice, et Jeanne Godefroy son épouse. Elle se fonde sur un ensemble de documents d’archives, dont certains sont inédits : ils permettent de mieux connaître l’installation, les dimensions, les décors ou le mobilier de ces salles, dès les années 1680. Elles accueillaient des spectacles d’acrobates ou d’opéras-comiques qui participaient à l’intense vie théâtrale parisienne et qui remportaient une vive adhésion du public. This study describes the fairground theaters of the most successful and popular acrobatic troupes, such as that of Maurice Vonderbeck, known as Maurice, and his wife Jeanne Godefroy. It is based on a series of archives, some of which have never been published before: they provide a better understanding of the installation, dimensions, decor and furniture of these venues, from the 1680s onwards. They hosted acrobats and comic operas, which were part of the intense theatrical life in Paris, and were very popular with the public.
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Bertrand, Aliènor. "Physique et métaphysique des plantes entre théâtre d’anatomie et théâtre des jardins au Grand Siècle." In L’humain et le végétal. Processus et formes de vie partagés, 175–93. Besançon: Presses universitaires de Franche-Comté, 2024. https://doi.org/10.4000/12w2w.
Full textAbstract:
Cet article a pour but de montrer en quoi il est nécessaire de mobiliser à la fois l’épistémologique historique et la métaphysique, mais aussi l’histoire sociale des sciences et l’anthropologie de la nature pour expliquer la façon dont le phénomène de la montée et de la circulation de la sève dans les plantes a été compris au XVIIe siècle. Contrairement à un topos trop répandu, le cartésianisme n’a pas fait disparaître l’hypothèse antique d’une âme végétante. Tout au contraire, sur le fond des transformations de la physique, notamment de la découverte du vide, mais aussi du transfert vers les végétaux des modèles de compréhension de la circulation sanguine, le paradigme mécaniste posait autant de problèmes qu’il n’en résolvait. Ceux-ci se sont trouvés traités différemment au théâtre de l’anatomie et au théâtre des jardins, en raison de pratiques des plantes différentes, représentées exemplairement par les observations de Claude Perrault et de Jean de La Quintinie. Pour autant, les controverses qui en ont résulté restent toutes marquées par un usage polymorphe des analogies : la systématisation de la comparaison des vivants avec des machines, et en l’occurrence, la théorisation de la croissance des plantes comme celles de machines productives et reproductives n’en est encore qu’à ses balbutiements.
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Mazouer, Charles. "Geste et parole chez les acteurs italiens en France (XVIe-XVIIe siècles)." In La scène en version originale, 9–17. Sorbonne Université Presses, 2015. https://doi.org/10.70551/zfxy2538.
Full textAbstract:
Pendant un siècle et demi, les spectateurs français ont pu admirer les productions de la commedia dell’arte grâce aux troupes italiennes, d’abord de manière sporadique depuis les années 1570, puis de manière permanente, du début du règne de Louis XIV à leur renvoi en 1697. Ces productions sont examinées à un triple point de vue. Quant au jeu avec les langues, d’abord: de manière variée au fil du temps a fonctionné un bilinguisme francoitalien, savoureux. Ensuite et surtout, est analysée la place du geste, du corps de manière générale, dans un théâtre largement improvisé et donc fondé sur le physique de l’acteur (lazzi; jeux avec les objets). Enfin, comment réagit le public français à ces spectacles ? Point trop gêné par le bilinguisme, mais fasciné par les acteurs comiques, le public français eut tendance à cantonner les Italiens de la commedia dell’arte dans le grotesque et le bouffon. En tout état de cause il se régalait de la fantaisie et de la gaîté de ce théâtre.
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Leon, Michele. "Before Jacques Copeau: The Théâtre français d’Amérique of New York, 1913-1917." In La scène en version originale, 115–26. Sorbonne Université Presses, 2015. https://doi.org/10.70551/mauq3222.
Full textAbstract:
L’histoire du théâtre en langue française aux États-Unis présente souvent la résidence de Jacques Copeau et de son Vieux-Colombier (1917-1919) comme l’origine du théâtre francophone à New York. En réalité, une troupe nommée le « Théâtre français d’Amérique » jouait en français à New York depuis 1913. Dans le cadre d’une étude sur la « version originale », cet article examine la fonction sociolinguistique de cette troupe, suggérant qu’elle permettait à une élite new-yorkaise d’atteindre à un certain degré de distinction (Bourdieu), en mettant à profit ses connaissances en langue française, et ses affiliations culturelles européennes.
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CHARDONNET-DARMAILLACQ, Damien. "Mettre en scène Andromaque de Racine en 2018." In Théâtre Mythologique, 101–8. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5594.
Full textAbstract:
Il s'agit d'une enquête sur la permanence du mythe dans le théâtre contemporain : peut-il encore trouver son public et le toucher ? Le metteur en scène doit-il rester fidèle au texte classique ou s’en éloigner et le réinventer ? C’est à ces questions que répond cette contribution en retraçant le chemin d’un metteur en scène qui a décidé de monter une œuvre mythologique du théâtre classique : Andromaque de Racine.
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Gennari, Alessia. "Pratique et réception du jeu italien à Paris au commencement du XVIIIe siècle (1716-1718) ·." In La scène en version originale, 31–38. Sorbonne Université Presses, 2015. https://doi.org/10.70551/xbjs8607.
Full textAbstract:
À la réouverture de la ComédieItalienne en 1716, l’Hôtel de Bourgogne devient, pour Paris, la scène du théâtre en langue étrangère (italienne). Ce théâtre en version originale éveille, d’abord, l’enthousiasme du public, comme en témoignent les sources contemporaines. Les spectateurs sont attirés non pas par la valeur littéraire 38 des pièces, mais par la musicalité de la langue et surtout par l’habileté extraordinaire des acteurs, représentants de la tradition de la commedia dell’arte. Au fil des deux premières années d’activité, cependant, la barrière linguistique lassera progressivement le public et mettra fin à cette expérience de théâtre en version originale, laissant place à un processus de francisation du répertoire de la troupe, qui commencera en 1718, avec la mise en scène de la première comédie entièrement écrite en langue française, Le Naufrage au Port‑à‑l’Anglais.
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Melani, Pascale. "La troupe française du théâtre Mikhaïlovski dans la vie théâtrale russe au XIXe siècle." In La scène en version originale, 101–14. Sorbonne Université Presses, 2015. https://doi.org/10.70551/adve8462.
Full textAbstract:
Cet exposé examine le contexte dans lequel le théâtre français est apparu en Russie, les spécificités de son mode d’organisation, et s’efforce d’expliquer pourquoi l’existence d’une troupe française à Saint-Pétersbourg est devenu une nécessité quotidienne. On ne fréquentait pas seulement le Mikhaïlovski pour voir des pièces françaises récentes interprétées par d’excellents comédiens, mais aussi pour admirer la mode française, entendre les dernières nouvelles et anecdotes, se perfectionner en français. Pour le public pétersbourgeois, le Mikhaïlovski a joué le rôle d’une sorte de Maison de la culture française
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AJBILOU, Mohammed, and Jamal-eddine LFAREH. "Mythème et philosophème dans le théâtre de Sartre et Camus." In Théâtre Mythologique, 279–92. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4774.
Full textAbstract:
La présente réflexion entend soulever des questions autour des aspects que revêt le rapport entre mythe et philosophie dans l’œuvre dramatique de deux hommes de lettres contemporains. En effet, la présence des mythes chez Sartre est très déconcertante, dans le sens où elle comporte pour l’auteur le risque de trahir son projet existentialiste, par cela même que la pensée mythique part d’un principe essentialiste. Elle se révèle donc inconcevable, voire impossible, d’autant plus que le système philosophique de l’auteur ne reconnaît de réalité qu’à l’Histoire elle-même. Que ce soit sur le plan historique, ontologique ou esthétique, l’usage que le philosophe français fait de la mythologie relève d’un dilemme insoluble qui trouve son origine dans les liens, sinon tendus, du moins problématiques entre littérature et philosophie. Il en est autrement du théâtre de Camus, où l’énoncé mythique prend le pas sur le discours transparent de la pensée conceptuelle, dans des pièces où ne figure pourtant aucun personnage du panthéon gréco-romain. Chez l’auteur de Caligula, l’invention d’une nouvelle situation dramatique n’est pas synonyme d’un rejet total de la mythologie. Bien au contraire, cette dernière constitue pour lui, dans le sillage de la pensée nietzschéenne, le garant suprême de l’immortalité de l’œuvre artistique.
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Kretchetova, Rimma. "La troupe du Théâtre de la Taganka." In Lioubimov, 96–118. CNRS Éditions, 1997. http://dx.doi.org/10.4000/books.editionscnrs.39157.
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Bernanoce, Marie. "Trouver sa voie/voix dans le théâtre contemporain…" In Littérature de jeunesse au présent, 109–27. Presses Universitaires de Bordeaux, 2015. http://dx.doi.org/10.4000/books.pub.34147.
Full textConference papers on the topic "Troupes de théâtre"
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Morello, André Alain. "Au bord de l'eau, sur l'eau, dans l'eau: les expérimentations de Claudel dramaturge." In XXV Coloquio AFUE. Palabras e imaginarios del agua. Valencia: Universitat Politècnica València, 2016. http://dx.doi.org/10.4995/xxvcoloquioafue.2016.3089.
Full textAbstract:
Dans l'imaginaire de Paul Claudel, l'eau occupe une place éminente. Dans Cinq Grandes Odes et dans Connaissance de l'Est, le poète célèbre comme aucun autre poète cet élément qui va se trouver pleinement associé à la dimension religieuse de son œuvre. Dans son théâtre, Claudel, tout en reprenant la fonction religieuse de l'eau (rituel du baptême, dogme de la communion des saints) va donner à l'eau une fonction essentielle dans un travail de renouvellement de la dramaturgie. C'est le cas dans L'Echange qui fait de la plage le décor du drame: le personnage de Louis Laine, figure du poète, rêve de « vivre dans l'eau profonde » et de nager « comme un poisson ». Dès la première scène, il dit à Marthe qui l'écoute la jouissance qu'il éprouve en se jetant dans la mer « telle que le lait nouvellement trait ». Le Soulier de satin amplifie encore le rôle de la mer : l'œuvre dans son ensemble est une sorte de gigantesque « bateau ivre » voguant sur le « Poème de la mer ». la première journée s'ouvre sur le spectacle d'un navire démâté qui flotte au milieu de l'Océan Atlantique ; la quatrième journée, intitulée « Sous le vent des îles Baléares », trouve son unité dans cette étonnante association de scènes maritimes, comme celle de la farce des pécheurs (IV, 1), celle des « pontons » qui représente toute la Cour d'Espagne sur un Palais flottant (IV, 9), une autre scène « en pleine mer », dans laquelle Dona Sept Epées nage aux côtés de la Bouchère... C'est cette place accordée à l'eau et à la mer que nous voulons interroger, dans cette prespective d'une incroyable déstabilisation du lieu scénique.DOI: http://dx.doi.org/10.4995/XXVColloqueAFUE.2016.3089
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Martínez Rodríguez, Carlos. "Le flux des textes français en Espagne: de Le beau Solignac (1880) de Jules Claretie à La ducha de Mariano Pina (1884)." In XXV Coloquio AFUE. Palabras e imaginarios del agua. Valencia: Universitat Politècnica València, 2016. http://dx.doi.org/10.4995/xxvcoloquioafue.2016.3087.
Full textAbstract:
L'œuvre de Mariano Pina Dominguez, traducteur et adaptateur des lettres françaises à la scène espagnole. Le but de cette étude est d'analyser cet auteur espagnol, grand absent des livres de littérature didactique, inconnu des livres d'Histoire des lettres et cependant auteur reconnu d'un important nombre de pièces parmi lesquelles, la plupart des comédies, des pièces de boulevard, et des scenarios de Zarzuela, mais aussi illustre adaptateur des pièces françaises de Scribe à Labiche, en passant par Pailleron, Bisson et bien d'autres, ce qui permettra la découverte de textes qui sont le reflet fidèle de la société française dans la réalité espagnole. Mariano Pina est reconnu en France comme un intellectuel qui traduit, adapte et surtout diffuse la culture française au sud des Pyrénées. Il traduit les textes, mais il les transforme aussi, les adapte aux goûts qu'il connaît bien du public espagnol de l'époque, il répond aux tendances d'une société qui se transforme. Excellent connaisseur des lettres françaises, parfois il trouve l'inspiration dans un roman, dans un extrait, dans une situation bien précise, qu'il découvre au hasard de ses lectures et il y développe une intrigue qui lui est propre. Par quelle étrange alchimie Le beau Solignac (1880) de Jules Claretie, par exemple, devient métaphore aquatique dans La Ducha (1884) de Mariano Pina ? L'étude de cette œuvre nous permettra d'aborder les différences inherentes au mécanisme de transposition théâtrale d'une langue à l'autre. Dans ce but, nous observerons que l'exercice de réécriture sera le résultat du public et de la salle où la pièce devra être jouée. En dernier lieu nous approfondirons dans la métaphorisation de l'eau présente dans les deux pièces.DOI: http://dx.doi.org/10.4995/XXVColloqueAFUE.2016.3087