Academic literature on the topic 'Vanguardismo (Estética)'

Xavier Abril, luego de escribir una poesía muy vinculada a las vanguardias y en especial al surrealismo, declara hacia 1931 su convicción marxista y su abandono de los experimentos vanguardistas que representaban, según confesión propia, “una etapa ya superada por el autor”. Es precisamente cuando se inicia el tránsito entre ambos momentos que Abril escribe la nouvelle El autómata, narración vanguardista con elementos góticos y fantásticos que puede leerse, a la vez, como crítica política de lo burgués y del capitalismo enajenante y cosificante. Este artículo busca situar a Xavier Abril y a El autómata en la encrucijada entre la efervescencia del vanguardismo y su abandono, así como en el nudo de la discusión estética-ideología en el inicio de los años 30 en el Perú.

El descentralismo de la vanguardia histórica en el Perú permitió la emergencia de voces intelectuales en las regiones que reflexionaronacerca de su constitución como fenómeno en el campo cultural. En este artículo nos centraremos en la propuesta editorial de Chirapu (Arequipa, 1928) a través de su núcleo intelectual, el cual realizó en sus páginas una resemantización del concepto de vanguardia. Al partir de la definición de periferias internas como lugar de enunciación, buscaremos comprender las estrategias que utilizaron estos intelectuales para ubicar a este movimiento en su particularidad “indoamericana”; por otro lado, analizaremos los niveles de resemantización con la finalidad de ubicar en su identificación estética e ideológica un recurso de legitimación para el arte nuevo andino.

Ya desde el inicio del siglo XX vivimos las épocas agónicas y confusas en la historia de la novela. El arte en general y la novela en particular del siglo XIX se han beneficiado de la capacidad de representar la realidad, de contar historias. Por esta razón la narratividad se ha convertido en el rasgo estético principal del arte decimonónico. Se reflexionó sobre los límites del arte y se fue formando una nueva poética que adoptó el nombre de vanguardista. Con el arranque de las vanguardias se abandonó la representación mimética como principio estético y se atribuyó a la forma autonomía respecto a su referencia: «El futurismo poético o el cubismo pictórico quisieron vehicular una poética y una estética que arrancara a los materiales de su servidumbre referencial y dotara a la palabra o el cuadro de un valor en sí mismo, por lo que los materiales y los volúmenes adquirieron fuerza propia» (Pozuelo Yvancos, 2004, 21).

Ya desde el inicio del siglo XX vivimos las épocas agónicas y confusas en la historia de la novela. El arte en general y la novela en particular del siglo XIX se han beneficiado de la capacidad de representar la realidad, de contar historias. Por esta razón la narratividad se ha convertido en el rasgo estético principal del arte decimonónico. Se reflexionó sobre los límites del arte y se fue formando una nueva poética que adoptó el nombre de vanguardista. Con el arranque de las vanguardias se abandonó la representación mimética como principio estético y se atribuyó a la forma autonomía respecto a su referencia: «El futurismo poético o el cubismo pictórico quisieron vehicular una poética y una estética que arrancara a los materiales de su servidumbre referencial y dotara a la palabra o el cuadro de un valor en sí mismo, por lo que los materiales y los volúmenes adquirieron fuerza propia» (Pozuelo Yvancos, 2004, 21).

Na década de sessenta, na América Latina, surgia uma perspectiva teológica a partir do contexto dos pobres, da sociedade industrial e da própria teologia clássica à luz da fé engajada. Rubem Alves é considerado um dos precursores ou, no mínimo, parte das origens dessa teologia latino-americana conhecida como Teologia da Libertação. Contudo, na sua caminhada intelectual, percebemos o movimento da ênfase do fazer para a prioridade da beleza. Neste artigo, apresentar-se-á o processo alvesiano de distanciamento de uma linguagem teológico-emancipatória para se descobrir livre na beleza dos versos e das crônicas infantis. Alves propõe uma libertação corporal de todas as estruturas tecnológicas e teológicas de repressão, para que o corpo viva o sentido lúdico, imaginativo, poético e dionisíaco da vida. Nesse artigo, para percebermos esse movimento alvesiano, investigaremos as propostas de seu humanismo messiânico e visualizaremos, desde o final da década de 60, os primeiros lampejos de sua teopoesia. Portanto, mostrar-se-á o vanguardismo de Rubem Alves e suas relações frutíferas com as teorias da linguagem e como a poesia, a qual lhe serviu como instrumento de construção de mundo e crítica estética à mecanicidade do saber tecnológico e à teologia tradicional.

ResumenEl presente ensayo forma parte del libro de próxima publicación El arte de Demetrio Peralta (Diego Kunurana) Vanguardia y modernidad de Christian Reynoso. El autor nos acerca a la primera etapa creativa de este artista puneño, marcada por las xilografías que publicó en el Boletín Titikaka (Puno: 1926-1930) y otras revistas de la época, y que pueden ser vistas como la representación y expresión de la estética pictórica del vanguardismo que se practicó en el sur peruano. En esa línea, resulta importante revalorar y rescatar el arte de Peralta/Kunurana, hasta hoy un artista poco conocido y valorado dentro de la pintura peruana pese a los diversos registros artísticos de los que nutrió su obra.Palabras clave: Demetrio Peralta, Diego Kunurana, Xilografía, Boletín Titikaka, Cunan, Pintura peruana, Puno AbstractThe present essay is part of the unpublished book El arte de Demetrio Peralta (Diego Kunurana) Vanguardia y modernidad by Christian Reynoso. The author brings us closer to the first creative stage of this artist from Puno, marked by the woodcuts he published in the Boletín Titikaka (Puno: 1926-1930) and other magazines of the time, which can be seen as the representation and expression of the pictorial aesthetics of the avant-garde that was practiced in the Peruvian south. In this line, it is important to revalue and rescue the art of Peralta/Kunurana, until today an artist little known and valued in Peruvian painting despite the various artistic records that nurtured his work.Keywords: Demetrio Peralta, Diego Kunurana, Woodcut, Boletín Titikaka, Cunan, Peruvian painting, Puno

The Great Learning é uma composição musical experimental que foi afetada pelas contradições estético-políticas vivenciadas pelo seu compositor, Cornelius Cardew, durante o período em que foi composta (1968-1971). Nesse período Cardew questionou uma “estética” vanguardista na música, além das suas próprias obras que tiveram a influência de tal estética. O presente artigo contextualiza esse período vivido pelo compositor para, em seguida, discutir algumas reflexões sobre uma performance dessa obra, a qual foi realizada pelo NuSom. Tais reflexões concentram-se no mote ‘música para músicos-não treinados realizada por músicos-treinados’, sugerindo assim uma relação indireta com essas contradições estético-políticas.

Reflexão sobre alguns pontos centrais, no estudo do discurso estético-literário e ideológico modernista: a relação do eu individual com o eu coletivo; a dimensão carnavalesca do manifesto; a guerra almadiana e a (pre)visão do "homem completo"; o gesto vanguardista; o discurso literário e a representação da crise civilizacional; a "Grande Devastação" (por aqui se pressentindo a fundamentação de importantes matrizes teóricas que enquadram, variavelmente, a prática estética, mas essencialmente ideológica, dos mais interventivos modernistas portugueses); a modernidade e a “tradição oculta” de princípios humanistas essenciais.

El Señor Presidente es un texto vanguardista, no según la modalidad europea, sino según la vertiente híbrida surgida en América Latina. La novela utiliza recursos y estrategias discursivas del surrealismo para redimensionar las experiencias subjetivas de unos personajes envueltos por la atmósfera pesadillesca y demoníaca de la dictadura. Como texto híbrido mezcla lo ajeno (vanguardias europeas y cristianismo) y lo propio (cultura maya-quiché); y su confluencia posibilita la colisión de tres estéticas: la corriente realista (realismo y regionalismo), el mundo animista maya-quiché y las vanguardias (surrealismo).El Señor Presidente is a vanguard text, not in the European sense, but following the hybrid form appearing in Latin America. The novel employs resources and discourse strategies of surrealism to resize the subjective experiences of some characters enveloped in the nightmarish and demonic atmosphere of the dictatorship. As a hybrid text, foreign aspects (European vanguards and Christianity) are combined with their own (Mayan-Quiche culture); and their coming together leads to the collision of three esthetic codes: realist currents (realism and regionalism), the animist Mayan-Quiche world and the vanguards (surrealism).

Aunque el ensayista peruano José Carlos Mariátegui (1894-1930) es mejor conocido por ser el primero y más original pensador marxista latinoamericano, en este artículo me propongo explorar una de las facetas de su pensamiento como precursora de la línea que observó el carácter cultural del capitalismo y, por necesidad, conjuntó la indagación económica y sociológica con la crítica filosófica para entender la profundidad de los fenómenos de la cultura popular y masiva de la primera mitad del siglo XX. En especial me interesa destacar la compatibilidad y la discrepancia de ideas con el concepto de industria cultural, que sirvió a Theodor Adorno y Max Horkheimer para caracterizar la lógica mercantilista y reproductora del sistema capitalista representada en las producciones cinematográficas hollywoodenses. Con un breve repaso por las líneas principales del pensamiento estético de Mariátegui, indago aquí tanto en esa perspectiva precursora como en las razones por las cuales el Amauta consideró a Chaplin uno de los grandes artistas de su tiempo.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Leandro Candido de Souza.pdf: 2021277 bytes, checksum: 884691aa72337b2db4e076ac82fb9583 (MD5) Previous issue date: 2014-05-14
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
This work analyzes the concretist proposal presented by the activities of the Noigandres group formed by poets Augusto de Campos (1931-), Haroldo de Campos (1929-2003) and Decio Pignatari (1927-2012). Our thesis consists in the integration of the three poets through their different practices into a modeling artistic-cultural project whose strategy worked well tuned to the postmodern doxa of the commodification of modernism, the formalization of avantgarde and the utilitarian refunctionalisation of art. The abandonment of style and adoption of the text, the relationship established with the art institution, the theoretical-historical revisionism, the epistemological debate and the jump into the mass media confirm that a large distance has established between the concretists of Sao Paulo and the so-called high modernism at the turn of the century and its criticism by the historical avant-garde movements. Finally, we attempted to re-establish the analytical intersection from different sources - which consisted this doctrine - to draw from them notes on what was the role played by the three poet-makers in cultural disputes experienced in the course of the modernization process of Brazilian capitalism
Este trabalho analisa a proposta concretista apresentada pelas atividades do grupo Noigandres: Augusto de Campos (1931-), Haroldo de Campos (1929-2003) e Décio Pignatari (1927- 2012). Sua tese é a de que os três poetas integraram, por meio de suas diferentes práticas, um projeto artístico-cultural modelar cuja estratégia andava bem afinada à doxa pós-moderna de mercantilização do modernismo, oficialização das vanguardas e de refuncionalização utilitária da arte. O abandono do estilo e a adoção do texto, a relação estabelecida com a instituição arte, o revisionismo histórico-teórico, o debate epistemológico e o salto para dentro dos meios de comunicação de massas, confirmam que uma grande distância se estabeleceu entre os concretistas de São Paulo e o dito alto modernismo da virada do século e sua crítica pelos movimentos históricos de vanguarda. Por fim, tentou-se restabelecer, pelo cruzamento analítico de diferentes fontes, o que consistiu essa doutrina, para daí extrair apontamentos sobre qual foi o papel desempenhado pelos três poetas-formuladores nas disputas culturais vividas no curso do processo de modernização do capitalismo brasileiro

La casa de cartón (1928) escrita por el poeta peruano Rafael de la Fuente Benavides conocido en el mundo literario como Martín Adán, se caracteriza por las imágenes audaces que presenta el autor a través del narrador personaje, poeta, innominado, adolescente; quien expresa así su agudo sentido del humor. Por ello, se argumenta que el humor como estado de ánimo transgrede y subvierte al recurso retórico de la ironía y a los géneros tales como la sátira y la parodia. En tal sentido, se percibe la presencia conjugada de cuatro diferentes tipos de humor: humorístico, irónico, satírico y paródico, a lo largo de toda la novela. El método empleado se caracteriza por su eclecticismo. En primer lugar, se presenta el contexto histórico en el que se desarrollaron las novelas vanguardistas y las razones por la cuales se considera a La casa de cartón dentro del género novela vanguardista; revisa la teoría del humor; el humor español desde las perspectiva de diversos escritores españoles contemporáneos; la apreciación de la crítica acerca de la presencia del humor en la novela de Adán; la subversión del humor en el recurso retórico de la ironía; la presencia de determinadas características de la estética grotesca. Por otro lado, también se utiliza la teoría del psicoanálisis para rastrear las características psicológicas del personaje narrador, su capacidad creadora, y su agudo sentido del humor.
Tesis

Orientador: Marcelo Siqueira Ridenti
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-03T16:31:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ghezzi_DanielaRibas_M.pdf: 3721281 bytes, checksum: 8cec0d89b3a9545dc9715db7fc835f9a (MD5) Previous issue date: 2003
Mestrado

El documento digital no refiere un asesor
Explica la relación entre modernidad, vanguardia y cosmopolitismo en la obra de Alberto Hidalgo. Para ello utiliza el libro de cuentos Los sapos y otras personas (1927) publicado en Buenos Aires, así como la novela Aquí está el Anticristo (1957) publicado también en la ciudad bonaerense. Por otro lado, considera como hipótesis: a) en la narrativa de vanguardia de Alberto Hidalgo la representación del espacio urbano proyecta una visión vanguardista concomitante a la experiencia modernizadora rioplatense, además el paradigma urbano que atraviesa toda su obra narrativa la devela como cosmopolita, b) la narrativa de vanguardia de Hidalgo posee un carácter heterogéneo y ecléctico; y c) la narrativa hidalguiana nos presenta cómo el hombre moderno busca adaptarse —o integrarse— a los espacios modernos. En consecuencia, estas hipótesis inauguran una reflexión en torno al papel que jugaron las ciudades en la narrativa de vanguardia de Hidalgo. Dicho en otros términos y a partir del objetivo propuesto por la investigación, las hipótesis se plantean develar el carácter urbano que posee la vanguardia cosmopolita del autor en mención. El método que utiliza para examinar la narrativa de vanguardia de Alberto Hidalgo provendrá del estudio narratológico, especialmente del análisis espacial, desarrollado por Luz Aurora Pimentel (2001). Además, ha optado por distintas bases teóricas en torno a las relaciones de modernidad, vanguardia y cosmopolitismo con el propósito de establecer una articulación interdisciplinaria que sea aprovechada cuando se recurra metodológicamente a la narratología. Y es que a partir de la representación del espacio en los textos de Hidalgo se puede observar los alcances de la sociología urbana de Georg Simmel (2005 [1903]) y Walter Benjamin (1998).
Tesis

Este estudio se ocupa de la influencia que las vanguardias tienen en el marco mental de Mario Vargas Llosa en el momento de la concepción y la realización de su trabajo que se concreta en todas sus novelas. Todas ellas están contaminadas con el espíritu de las vanguardias hasta el punto que llegamos a la conclusión de que Vargas Llosa nunca ha salido de las vanguardias, y es por esta razón por la que, en el diseño de nuestro estudio buscamos las fuentes artísticas y movimientos literarios: Francia (Breton y los surrealistas) y América (Asturias, Arguedas, García Márquez, Rulfo, Borges, pero también Faulkner o Joyce) que le sirven de andamiaje a la hora de componer sus obras. Hemos analizado la producción de Vargas Llosa, con un enfoque vanguardista, para entrever sus claves y así entender la estructura profunda de los mecanismos que utiliza en sus esquemas mentales en la construcción de sus novelas, y que muchos de los personajes que crea Vargas Llosa van a la búsqueda de su identidad artística, para ello utiliza los flash-backs y flash-forwards, con los que organiza su existencia. Podríamos decir que todos los escritos de Vargas Llosa tienden al exceso, no sólo en términos de su ciclópea producción sino también por el número de bloques que utiliza en sus novelas. A saber: el prostíbulo como un elemento fundamental que utiliza de forma continua; pero también el mito (el mito griego, principalmente); los sueños como argumento y como contexto; el lenguaje sin trabas; el sexo como método indiscutible de la libertad y, sobre todo, un elemento fundamentalmente freudiano: la asociación libre de ideas que, aunque en un principio era un elemento clínico para el psicoanálisis, pronto se convirtió en un instrumento excelente para la creación artística. Este es su tema: el arte, pero también otros, como la familia, la nostalgia, la libertad, la derrota, la frustración, la angustia, el amor o la falta de él, la autodestrucción, el ritmo de vida, la ambigüedad de las experiencias de la vida, la utopía permanente y su autobiografía que abunda en toda su producción. Creo que lo he conseguido.
This study deals with the influence the “Avant-gardes” have over the mental framework of Mario Vargas Llosa at the time of conceiving and realizing his work as embodied in all his novels. All of them are contaminated by the spirit of the “Avant-gardes”so that we can conclude that Vargas Llosa has never left such “Avant-gardes”. And it is so that, when designing our study we pursue the artistic sources and the literary movements: French (Breton and the Surrealists), and American (Asturias, Arguedas, García Márquez, Rulfo, Borges, but also Faulkner or Joyce) that serve as a real scaffold when composing his works. We have analysed the production of Vargas Llosa, with a modern approach, to disclose his keys and so to understand the deep structure of the mechanisms that he uses in his mental framework in the construction of his novels. For example, many of his characters are at the search for an artistic identity, for which he uses flash-backs and flash-forwards in order to organize their own existence. We could envision everything in Vargas Llosa writing edgy tends to excess, not only in terms of his cyclopean productionbut also by the number of elements used in his novels. Namely: the brothel as a primary element in which joins continuously; but also the myth (mainly Greek myth); the dreams as argument and as context; unfettered language; sex as indisputable method of freedom and, above all, a fundamental Freudian element, the free association of ideas which, although it was a clinical element to psychoanalysis, soon became an instrument for artistic composition. This is his theme: the subject of “Art”, but also others, such as family, nostalgia, freedom, defeat, frustration, anguish, love or lack of it, self- destruction, the pace of life, the ambiguity of life experiences, the permanent utopia, and his autobiography, which abounds throughout its entire production. I think we succeeded.

Joan Brotat (Barcelona, 1920-1990) fue un artista destacado en el proceso de recuperación de la modernidad pictórica durante los años de la postguerra española, aunque luego cayó progresivamente en el olvido. Esta tesis estudia y establece su trayectoria profesional vinculada a su biografía personal (contexto familiar y social), a los factores inducidos por el sistema artístico local y en relación con en el contexto nacional e internacional (fortuna crítica, evolución artística y comercial). Brotat fue uno de los máximos exponentes de una tendencia que podríamos denominar como figuración primitivista. Definimos aquí las características de esta tendencia, su lugar frente a otras opciones de vanguardia de la época como la abstracción y apuntamos sus variantes y principales representantes. Abordamos también las razones de su declive a partir del análisis de la carrera profesional de Brotat. Descubrimos, gracias al estudio de su archivo familiar, la participación de Brotat en la guerra civil como parte de la Quinta del biberón republicana, hecho que escondió toda su vida y cuyo trauma influyó de toda evidencia en su obra. El análisis iconográfico y evolutivo del ingenuismo nos muestra una dimensión trágica y existencial. Así, su etapa expresionista, singular síntesis entre ingenuismo e informalismo, parece responder a una genuina necesidad psicológica. La comparación de su obra artística son sus proyectos profesionales en el campo de la ilustración infantil nos permiten hacer la diferencia entre naif el ingenuismo, que tanto preocupó a la crítica de la época. Un aspecto fundamental es el descubrimiento de una etapa abstracta a finales de los años cuarenta que contradice la jerarquía evolucionista que explica la figuración esquemática como un paso previo a la abstracción. El primitivismo ingenuista fue una opción consciente y deliberada. En su período de madurez, la obra de Brotat muestra una tendencia al amaneramiento y entra en decadencia, que se puede describir por la perdida de refinamiento y el estancamiento de los argumentos críticos que la apoyaron. La relación con los marchantes (Maurice Bonnefoy y Agustín Rodríguez Sahagún particularmente) se revela ambivalente en sus resultados. Lo mismo sucede con el aprovechamiento de la política artística franquista, dirigida por Luis González Robles. El primitivismo figurativo catalán de postguerra es una combinación coherente (aunque intuitiva y sin programa militante) de medievalismo e ingenuismo. El ingenuismo de vanguardia de postguerra tiene dos manifestaciones, a veces coincidentes y otras divergentes: la radical y la nostálgica. El primitivismo se apoyó en un discurso crítico específico y ocupó un lugar, móvil, en el debate artístico. Estudiamos las diversas fuentes de este primitivismo y constatamos la influencia fundamental de Joan Miró. De entre los referentes internacionales destaca Massimo Campigli. Asimismo, se encuentran paralelos y vínculos con artistas españoles como Rafael Zabaleta, Benjamín Palencia y el núcleo valenciano con Manuel Gil y Salvador Faus. Un caso especialmente interesante es el de Manolo Millares, quien tuvo una relación significativa con Cataluña en esos años. Entre los artistas catalanes, el primitivismo tuvo gran protagonismo y adoptó diversas formas. De Sucre o Joan Ponç representan la vertiente más radical y atormentada, Albert Ràfols Casamada o Joan Vilacasas la opción más ingenua y afrancesada. Se observa una clara tendencia a la politización (Francesc Todó, Josep Guinovart, Estampa Popular). La opción lírica o poética, representada especialmente por Brotat, fue dejada progresivamente de lado. A menudo teñido de nostalgia y religiosidad, coincidente con cierta moda franciscanista, el discurso teórico al respecto del primitivismo fue ambivalente y pasó de la modernidad al conservadurismo. La constatación de una corriente primitivista, de la cual Brotat sería la figura paradigmática en su éxito y su fracaso, obliga a repensar el canon del arte catalán de postguerra. El primitivismo no fue un estadio inmaduro de la modernidad en el camino hacia la abstracción sino que responde al contexto histórico particular de la España de postguerra con soluciones originales.
Joan Brotat (Barcelona, 1920-1990) was a prominente artist in the process of recovery of pictorial modernity in Spain after the Civil War, but then his work gradually fell into oblivion. This thesis studies his professional career, in relation to his personal biography (family and social context), the local art system, and the national and international context (critical fortune, artistic and commercial development). The thesis proposes that Brotat was in fact a paradigmatic figure of a primitivist tendency. Primitivism was not an immature stage of modernity on the way toward abstraction, but responded to the particular historical context of Postwar Spain with original solutions. The success and then failure of Brotat and Primitivism invites to reconsider the canon of Postwar Catalan art. Untill his death, Brotat did hide his involvement in the Civil War, a trauma that marked his work and existence. The iconographic analysis and the evolution of his modern naif style shows a tragic and existential undertones. A key aspect is the discovery of an abstract stage in the late forties contradicting the evolutionary hierarchy that explains schematic figuration as a step toward abstraction. On the contrary, naive primitivism was a conscious and deliberate option. Postwar Catalan Figurative Primitivism was a coherent mix of medievalism and naiveté(although without a declarated program). The naiveté of postwar art has two aspects : the radical and nostalgic, which sometimes appear together and sometimes separately. Among Catalan artists, primitivism had great prominence and took various forms. De Sucre or Joan Ponç represent the more radical and tormented side, Albert Rafols Casamada or Joan Vilacasas the most naive and influenced by French modernism. There is, later, a clear trend towards politization (Francesc Todó Josep Guinovart, Estampa Popular). We studied the various sources of this primitivism and found the fundamental influence of Joan Miró and Massimo Campigli. Likewise, there are links to Spanish artists such as Rafael Zabaleta, Benjamín Palencia, the valencians Manuel Gil and Salvador Faus or Manuel Millares. Often tinged with nostalgia and religiosity, in sinthony with a Franciscan fashion, the theoretical discourse about primitivism was ambivalent and evolved from modernity to conservatism.

El objetivo de esta tesis es entender la totalidad de la poética de Julio Cortázar a través del análisis comparatista, y se desarrolla de acuerdo con los siguientes cuatro ejes: 1) la poética romántica, 2) la tecnología, 3) la tendencia nostálgica de la postguerra, 4) el compromiso político y la Segunda Vanguardia. En lo que concierne al primer eje, se lleva a cabo una revisión del Romanticismo literario a partir de la labor de varios críticos, entre los que destaca Paul de Man. En particular, se analizan tres poemas de Cortázar explícitamente inspirados en «Oda a una urna griega» de Keats, que muestran las características de la experiencia romántica ante el deseo de eternizarse. En cuanto al segundo eje, se centra en el cambio paradigmático que causó la fotografía, con la ayuda de los textos de Walter Benjamin y Susan Sontag. También se analiza la tecnología consecutiva de la fotografía: la cinematografía. A continuación, se explora otra vertiente de la experiencia tecnológica: la velocidad frenética, con la que se entusiasmaron los futuristas. Respecto al tercer eje, se analizan la tecnofobia que prevaleció en la postguerra y la nostalgia poética por un estado original, que se puede adjetivar de «pre-apolínea». Desde este punto de vista, se interpretan varios cuentos de Cortázar donde dicha nostalgia se expresa en la forma del delirio dionisíaco. En cuanto al cuarto eje, se propone una hipótesis sobre los motivos que incitan al compromiso político a los artistas adscritos al género fantástico, como Cortázar. Las claves para conectar el arte fantástico y la Revolución son los pensamientos de Freud, Herbert Marcuse y Sartre. Pero esta inclinación hacia la política conlleva un descontento paradójico con la Revolución misma. Por eso, al final del estudio, se analiza el viraje que dio Cortázar hacia la poética suburbana, cuya teoría plantea Bruce Bégout en busca de otra posible Revolución. A este respecto, se exploran las obras de Cortázar sobre el nomadismo suburbano, como Los autonautas de la cosmopista, en relación con el experimento de Robert Smithson.
This paper aims to understand Cortázar’s poetics in its totality by means of comparative analysis. The research is developed according to the following four topics: Romantic poetics, technology, the nostalgic tendency of the post-war period, political commitment and the Second Avant-garde. Regarding the first topic, a revision of the literary Romanticism is carried out from critical works of various critics, like Paul de Man. Specifically, Cortázar’s three poems, which are explicitly inspired by Keats’ «Ode to a Grecian Urn», are read in respect to the Romantic experience of desiring to eternize. With regard to the second topic, the focus is put on the paradigmatic change caused by photography. Walter Benjamin and Susan Sontag’s texts offer some keys in this respect. Photography’s parallel, film, is also analysed. Then, the other side of the technological experience, velocity, about which the Futurists were enthusiastic, is explored. As for the third topic, post-war technophobia and its correlative, poetical nostalgia for the origin, which can be described as «pre-apollonian», are discussed. From this point of view, some of Cortázar’s short stories, which express them as Dionysian delirium, are analysed. As for the fourth topic, a hypothesis is proposed to explain why and how artists of the Fantastic genre like Cortázar committed to politics. The keys to connect Fantastic art to the Revolution are found among the thoughts of Freud, Marcuse and Sartre. This development towards politics implies an inherent paradox however, in that the committed artists feel unsatisfied with the Revolution itself. Finally, the suburban poetics, a theory that Bruce Bégout established, comes into focus in search of other possibility of Revolution. In this respect, Cortázar’s works about suburban nomadism, such as Los autonautas de la cosmopista, are explored in respect to Robert Smithson’s experimental art.

El objetivo de esta tesis doctoral ha sido el estudio de la Internacional Situacionista desde una perspectiva contemporánea, es decir, no con la intención de entender su proyecto en las condiciones en las que surgió, sino en lo que, todavía, nos puede aportar para los retos políticos y estéticos contemporáneos. Para ello, el trabajo se divide en cuatro partes, en las cuales se desarrollan todos los aspectos más importantes de los situacionistas: -En la primera parte, se intenta describir el concepto de "realización del arte", fundamental para entender el proyecto estético de los situacionistas. Para ello, se estudian los elementos que tomaron tanto del dadaísmo como del surrealismo para producir su propia respuesta a esta pregunta. Entendieron esta idea como la necesidad de ir más allá de los medios artísticos como herramientas para la transformación de la vida cotidiana. -En la segunda parte, se intenta describir el concepto de "realización de la filosofía" como una especie de centro conceptual que resume el aspecto político-filosófico de la Internacional Situacionista. Se hace una reconstrucción de los elementos de la filosofía de Hegel, Karl Korsch, Georg Lukacs, Herbert Marcuse, Ernst Bloch o Socialisme ou Barbarie en relación a la formulación de un marxismo muy poco ortodoxo que, sin embargo, contenía elementos esenciales para la renovación del marxismo. Además, se hace un estudio detallado de las principales ideas-fuerza de los situacionistas: el papel de la alienación, la pregunta por el nuevo sujeto de la historia, la crítica al trabajo asalariado, el concepto de "situación construida", el "juego" o los consejos obreros, entre otros. -En la tercera parte, se hace un estudio de las revueltas sociales inspiradas por ese modo de hacer política inaugurado por los situacionistas, en especial el Mayo del 68 francés y el Otoño caliente italiano. Posteriormente, se investiga la recuperación de las ideas situacionistas en el contexto de una readaptación del capitalismo a las necesidades de libertad y emancipación de las sociedades occidentales. -En la cuarta parte, se intenta hacer un esbozo de las aportaciones que hicieron los situacionistas en el contexto de las necesidades político-filosóficas actuales. Conceptos como los de "malestar" o "anonimato" surgen de las prácticas de los situacionistas, y nos sirven todavía hoy para pensar un mundo que tiene que ser interpretado con nuevas categorías.

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O trabalho, um estudo sobre o Dogma 95, tem como objetivo principal situar esse movimento na história do cinema a partir da consideração de três matrizes de linguagem cinematográfica: A matriz Realista, a Vanguardista e a Clássica, propondo para ele um lugar entre o Realismo e o Vanguardismo, a partir do estudo centrado em dois de seus filmes: Festa de Família, de Thomas Vinterberg (1998); e Os Idiotas, de Lars Von Trier (1998). Aspectos como a corporeidade da câmera dv, o papel da dramaturgia e o diálogo do Dogma 95 com outras vanguardas cinematográficas têm papel relevante em nossa abordagem.
The work, an study about the dogma 95 movement, has the main objective of situating this movement in the history of the movies from the premise of three patterns of cinematografic language: the realistic one , the avant-guard and the classic one. Dogma 95 is placed between realism and avant-guard , from the study of its two movies: “The Celebration(Thomas Vinterberg, 1998) and “The Idiots” (Lars von trier, 1998). Aspects as the DV câmera , the role of the drama and the dialogue in the dogma 95 with other cinematographic avant-gards hás a relevant role in this paper.

Este trabajo de tesis constituye un recorrido por la trayectoria artística y una propuesta de interpretación de la obra de la pintora Olga Sacharoff (Tiflis 1881 - Barcelona 1967) quien, aparte de algunos textos en catálogos de exposiciones, todavía no contaba con un estudio más completo. A comienzos del siglo XX la artista se trasladó a París donde, hasta la Segunda Guerra Mundial, desarrolló una pintura enmarcada en los lenguajes de vanguardia. Atendiendo a los espacios donde expuso y a los círculos artísticos que frecuentó, este trabajo -a partir de la documentación encontrada-, propone incluirla como un miembro firme de la Escuela de París ya que, fue en este contexto, donde realizó la obra que consideramos más relevante. A partir de 1945 la artista fijó su residencia en Barcelona –donde ya tenía vínculos personales y artísticos- lugar en el que se insertó en el contexto artístico y cultural de posguerra. Esta etapa de su actividad es la más conocida y documentada. No obstante, debido al hecho de su condición femenina en una época donde las mujeres artistas aún eran minoría, la crítica barcelonesa juzgó su producción desde parámetros relacionados con la feminidad y las categorías que el sistema de géneros le atribuía. Esta investigación pretende estudiar su obra utilizando nuevos enfoques metodológicos con los que interpretarla desde otras perspectivas, que permiten aflorar un discurso artístico complejo, así como establecer vías de continuidad entre los periodos de París y de Barcelona, más allá de la visión dual que nos ha quedado de esta pintora. El primer volumen está dividido en dos partes, la primera dedicada al recorrido vital y artístico de Olga Sacharoff y, la segunda, al estudio de su obra. NOTA: El volumen II es el catálogo razonado de la obra de Olga Sacharoff, donde hemos incluido más de setecientas fichas en las que se ordena y clasifica su producción artística. Se trata de una catalogación que permanecerá abierta, siendo susceptible de agregar, ampliar y corregir con la nueva información que pueda ser aportada. Por razones de mantener la privacidad de coleccionistas y propietarios, esta parte del trabajo no está disponible en internet.
This Thesis work is about the artistic trajectory of the painter Olga Sacharoff (Tbilisi 1881 - Barcelona 1967) and a proposal to interpret her work which, apart from some texts in catalogues of exhibitions, did not yet dispose of a thorough and complete research. At the beginning of the twentieth century, the artist moved to Paris where, until the Second World War, she developed a style based in the avant-garde languages. Considering the spaces where she exhibited and the artistic circles that she frequented, this work —from the documentation found— proposes to include her as a firm member of the School of Paris because, it was in that context, where she painted her works that are considered the most relevant. Since 1945 the artist established her residence in Barcelona, where she already had personal and artistic links. She merged herself in the post-war artistic and cultural context of that time. This stage of her activity is the most well-known and documented. However, due to the fact of her feminine status at a time when female artists were still a minority, the Barcelona critique judged her production from parameters related to femininity and the categories that the gender system of the time attributed to it. This research aims to study her work using new methodological approaches with which to interpret it from other perspectives that allow a complex artistic discourse to emerge, as well as to establish ways of continuity between the periods of Paris and Barcelona, beyond the dual vision that has been left to us from this painter. The first volume or this Thesis is divided into two parts: the first one is dedicated to the life and artistic path of Olga Sacharoff, and the second part, to the studies of her work. Note: Volume II is the reasoned catalogue of the work of Olga Sacharoff. We have included more than seven hundred index cards of her paintings where her artistic production is organised and classified. This catalogation will remain open in order to add, expand or correct with new information that might come to light in the future. To maintain the privacy of collectors and owners, this part of the work is not available on the Internet.