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Academic literature on the topic 'Vidéo au théâtre'
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Journal articles on the topic "Vidéo au théâtre"
1
Jacques, Hélène. "Un théâtre d’acteurs vidéographiques : Les aveugles de Denis Marleau." Intermédialités, no. 6 (August 10, 2011): 79–94. http://dx.doi.org/10.7202/1005507ar.
Full textAbstract:
Denis Marleau conçoit, dans sa mise en scène de la pièce Les aveugles, de Maeterlinck, un dispositif scénique évoquant le procédé de la fantasmagorie, dans lequel l’acteur est remplacé par des masques et des projections vidéographiques. Ce texte aborde l’intégration des autres arts sur les scènes de théâtre, de même qu’il traite des conséquences des échanges interartistiques sur la définition de l’oeuvre théâtrale à sa réception. Le processus de création des Aveugles et les techniques du langage vidéo empruntées par le metteur en scène sont étudiés en fonction de l’approche « ethnographique » d’Antoine Hennion qui, pour analyser l’objet musical, observe les moyens techniques et humains mis à contribution dans l’élaboration de l’oeuvre.
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Gillet, Guillaume, and Tamara Guénoun. "Le théâtre du jeu vidéo : la scénalité virtuelle." Revue de psychothérapie psychanalytique de groupe 76, no. 1 (May 4, 2021): 169–81. http://dx.doi.org/10.3917/rppg.076.0169.
Full text
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Ruffo, Sébastien. "Vers une critique comparatiste de la voix au théâtre (nouvelle version avec extraits vidéos)." Études françaises 39, no. 1 (August 27, 2003): 99–110. http://dx.doi.org/10.7202/006902ar.
Full textAbstract:
Résumé La voix des personnages de théâtre inspire d’ordinaire à la critique théâtrale des commentaires plus fantasmatiques que descriptifs. Examinant la possibilité d’une histoire des voix dramatiques (comme thème dans les textes et comme phénomène sur les planches), puis celle d’une analyse comparatiste des performances vocales, possibles ou enregistrées sur vidéo, cet article propose d’objectiver le travail phonostylistique des comédiens en le soumettant à l’épreuve d’approches propres au champ du littéraire. En conclusion, l’article suggère, comme étant l’approche la plus adéquate à ce nouvel objet d’étude, une méthode comparant les performances d’un même rôle par différents comédiens.
4
Jacques, Hélène. "Projections de la mort. Sur deux mises en scène de Denis Marleau." L’Annuaire théâtral, no. 37 (May 6, 2010): 113–27. http://dx.doi.org/10.7202/041598ar.
Full textAbstract:
Afin de résoudre l’impasse rencontrée par le praticien de théâtre qui doit représenter l’invisible de manière crédible, c’est-à-dire sans procéder à la simple incarnation, Edward Gordon Craig propose d’avoir recours à la Surmarionnette, plus susceptible que l’acteur d’exprimer le monde spirituel. Dans Les trois derniers jours de Fernando Pessoa et Les aveugles, fantasmagorie technologique, Denis Marleau fait apparaître sur la scène l’intériorité démultipliée du poète portugais et la mort qui guette les aveugles grâce à des projections vidéographiques. Cet article propose d’envisager ces deux créations de Marleau dans la perspective des réflexions de Craig sur le jeu de l’acteur et la représentation théâtrale de la mort. Sur la scène où l’animé côtoie l’inanimé, la vidéo et les masques, avec la puissance suggestive de la Surmarionnette, donnent une forme à l’invisible par le détour de l’instrument.
5
Hébert, Chantal. "Le lieu de l’activité poïétique de l’auteur scénique." Dossier 34, no. 3 (July 14, 2009): 21–40. http://dx.doi.org/10.7202/037662ar.
Full textAbstract:
Résumé Le travail de Robert Lepage est particulièrement exemplaire du déplacement de la figure de l’auteur, de la redéfinition du rôle de ce dernier et de la transformation de l’acte d’écriture théâtrale. Partant de l’observation du processus de création du Projet Andersen de Robert Lepage, cet article montre que l’objet de la dramaturgie lepagienne est celui d’une pratique scénique collective qui témoigne de la réinvention des cadres poïétiques actuels où dramaticité et théâtralité s’écrivent de pair pour constituer une dramaturgie globale, c’est-à-dire un théâtre de la complexité. Si l’on admet que la part du texte (linguistique ou verbale), qui était traditionnellement le support privilégié pour la transmission du message, n’est plus aussi déterminante, mais bien un élément parmi d’autres (comme la lumière, le son, la vidéo par exemple), que penser du choix de l’objet livre qu’a fait la compagnie Ex Machina en publiant certains des textes de ses spectacles ? Les sensibilités des auteurs scéniques seraient-elles encore imbues de l’héritage de l’imprimerie, et ce, en dépit du projet de rénovation dramatique qu’ils poursuivent ?
6
Harroff-Tavel, Marion. "Promouvoir des normes visant à limiter la violence en situation de crise: un défi, une stratégie, des alliances." Revue Internationale de la Croix-Rouge 80, no. 829 (March 1998): 5–20. http://dx.doi.org/10.1017/s003533610006295x.
Full textAbstract:
En Somalie, un groupe de jeunes acteurs, musiciens et scénaristes composent une pièce de théâtre qui sera jouée, filmée et distribuée sous forme de vidéo dans le pays. Une scène met aux prises un jeune milicien qui se vante de semer la terreur et la femme qu'il aime, qui, elle, dépeint la souffrance engendrée par ces actes et se refuse à épouser un homme qui a oublié le code d'honneur de son clan. La création artistique adresse aux jeunes miliciens un message concernant l'effet d'une violence débridée sur la victime comme sur celui qui s'en rend coupable.
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Ben-Meir, Orna. "Zoom sur zone zoologique." Protée 27, no. 1 (April 12, 2005): 69–74. http://dx.doi.org/10.7202/030544ar.
Full textAbstract:
Cet article s’intéresse à deux personnages intrigants qui apparaissent dans la vidéo minimaliste de Robert Wilson, La Mort de Molière. Bien que le renard, joué par un acteur, et le scarabée, qui est un simple accessoire de théâtre, soient les seuls animaux présents comme personnages dans cette oeuvre, d’autres représentations animales peuvent être retrouvées : des « animaux acoustiques » sont animés par des effets sonores, des «animaux verbaux» sont mentionnés dans le texte de Müller. À la lumière de cet usage régulier d’un bestiaire animal dans l’oeuvre de Wilson, l’article explore les contextes visuels et verbaux de la symbolique animale présente dans La Mort de Molière, de façon entre autres à suggérer des pistes d’interprétation.
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Jost, François. "Du renoncement à la couleur à une esthétique et à une éthique du noir et blanc : Averty dans ses oeuvres." Cinémas 26, no. 2-3 (April 5, 2017): 99–127. http://dx.doi.org/10.7202/1039368ar.
Full textAbstract:
Lorsqu’il arrive à la télévision, Averty est saisi par un sentiment de grisaille : alors même qu’elles sont tournées dans des décors en couleurs, les émissions sont filmées en noir et blanc. S’insurgeant contre ce qu’il considère comme une absurdité, il va fonder son esthétique sur le contraste de ces deux couleurs. Les bases en sont jetées parUbu roi, qui s’appuie sur « De l’inutilité du théâtre au théâtre », de Jarry, et sur une conception de l’image qui mêle à la « perspective signifiante » du Moyen Âge l’art du papier découpé de Braque. En résulte une conception de la télévision qui tourne le dos au cinéma en prenant à la lettre les prescriptions de l’auteur d’Ubu. Mais le noir et blanc n’est pas qu’une position esthétique. Averty va en faire une « affaire de morale ». Le 24 décembre 1964, il offre aux téléspectateurs l’adaptation desVerts pâturages, où les rôles traditionnels sont inversés : Dieu est noir, de même que Jésus et le premier homme, né en Afrique. Cette émission paraît scandaleuse à certains, non seulement parce qu’elle va à l’encontre de la vulgate, mais aussi parce que sa réalisation, basée sur un usage systématique des trucages électroniques, remet en cause le style des émissions de variétés de la décennie précédente tout en fondant un art vidéo.
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Giroux, Amélie. "L’édition critique d’un texte fondateur : La Sagouine d’Antonine Maillet." Études, no. 20-21 (July 10, 2012): 149–66. http://dx.doi.org/10.7202/1010386ar.
Full textAbstract:
Si l’impact de La Sagouine sur la littérature, la culture et la société acadiennes est aujourd’hui reconnu tant par la critique savante que populaire, il reste notamment, grâce aux manuscrits et aux différentes éditions de l’oeuvre, à en découvrir le processus de création. Car de manuscrits en tapuscrits, elle s’est entre autres faite lecture radiophonique, scénarios de théâtre puis de vidéo et, bien sûr, éditions. À travers ce dynamisme intergénérique, l’auteure a modifié son texte, parfois par des ajouts substantiels, ou encore, au fil des éditions, par une acadianisation de l’orthographe et de la syntaxe. Cet aspect de l’oeuvre est encore méconnu et, en ce sens, en établir l’édition critique permettra de raffiner l’analyse de son processus de création, notamment de ce jeu sur l’écriture. Cet article vise à présenter le projet de recherche envisagé.
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Marc’hadour, Germain. "Robert Bolt (1924–1995) Et A Man for all Seasons." Moreana 33 (Number 127-, no. 3-4 (December 1996): 69–82. http://dx.doi.org/10.3366/more.1996.33.3-4.7.
Full textAbstract:
Né dans la banlieue de Manchester, Boit inaugura sa carrière dramatique par des saynètes de Noël composées pour ses élèves. Sa pièce sur Thomas More, Un homme pour toutes les saisons, présentée d’abord à la BBC, connut un succès immédiat à Londres et à New York (1960). Paul Scofield, qui incarnait More au théâtre, conserva ce rôle dans le film de Fred Zinnemann (Hollywood, 1966), qui obtint six oscars et un accueil triomphal. Le texte de Boit, dans l’original écrit pour la scène aussi bien que dans le script adapté à 1’écran, est un classique, diffusé en éditions scolaires annotées et en vidéo-cassettes, profusément cité et commenté. La formule a man for all seasons, qui en est venue à désigner More, a généré d’ innombrables pastiches.
Dissertations / Theses on the topic "Vidéo au théâtre"
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Dubois, Keven. "Recherche-création : éclairage-vidéo : le projecteur vidéo comme source d’éclairage au théâtre." Master's thesis, Université Laval, 2014. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25569.
Full textAbstract:
Cette recherche-création s’intéresse à l’utilisation du projecteur vidéo, non comme d’un outil pour le cinéma, mais comme d’un outil d’éclairage pour le théâtre. Une partie de ce mémoire est consacrée à l’établissement des bases de l’éclairage théâtral d’après ses utilités, son langage et ses appareils actuels. L’établissement de ses bases, ou caractéristiques de l’éclairage, s’appuie sur les écrits du Professeur Stanley MacCandless ainsi que sur ceux des concepteurs François-Éric Valentin et Marx Keller. La seconde partie de cette recherche-création fait état des expérimentations menées avec des projecteurs vidéo, selon les caractéristiques de l’éclairage. Les laboratoires démontrent tout le potentiel et les avantages de l’éclairage-vidéo, c’est-à-dire l’utilisation du projecteur vidéo en tant que source de lumière. Un rapport entre les appareils d’éclairage traditionnels et le projecteur vidéo est également observé au fil des recherches.
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Perrot, Edwige. "Les usages de la vidéo en direct au théâtre chez Ivo Van Hove et chez Guy Cassiers." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030140.
Full textAbstract:
De plus en plus de metteurs en scène ont aujourd’hui recours à la vidéo en direct dans leurs spectacles. De manière générale, le recours à ce type de dispositifs pendant la représentation permet d’offrir au spectateur des possibilités de perception qu’il n’a habituellement pas au théâtre : voir le plus infime détail d’un visage, ou une action au plus près, accéder visuellement à tout espace extérieur à la scène lorsque l’action scénique s’y déroule, percevoir sur le visage d’un acteur sa réaction devant l’action qui se tient sous ses yeux ou encore avoir une multiplicité de points de vue simultanés sur un même objet. Pour autant, peut-on dire que la fonction des images en direct au théâtre se réduise à ces quelques principes utilitaires dans la représentation ? En donnant aux spectateurs la possibilité de voir simultanément les acteurs et leur image filmée et projetée et/ou diffusée en direct sur le plateau, les artistes jouent de plus en plus du potentiel performatif du dispositif vidéo dans la représentation théâtrale. Ils ne s’arrêtent pas à redoubler la scène par l’image mais mettent en avant la déconstruction de l’image et la construction du réel ou, du moins, d’une réalité dans et par l’image. C’est pourquoi le recours aux images en direct au théâtre appelle inévitablement à en interroger les enjeux à la fois esthétique, narratif, dramaturgique et proxémique dans la représentation théâtrale. Sans prétendre à une quelconque exhaustivité, cette thèse vise à proposer, à partir de certains spectacles d’Ivo van Hove et de Guy Cassiers, quelques pistes permettant de mesurer l’étendue possible du potentiel performatif des images en direct dans la représentationToday, more and more directors include live video in their performances. The use of such devices offers new possibilities of perception to the spectators, which usually are not available in a theatrical representation such as to look at the smallest details of an action or on the performer’s face; to access visually to peripheral areas of the stage when a dramatic action takes place there; to notice the reaction of an actor who listens to the main protagonist, as well as to have different simultaneous viewpoints on the same object. Nevertheless, can we reduce the function of live images on stage to these few utilitarian principles in the performance? Allowing spectators to see, in the same time, the actors and the images of themselves, many artists exploit more than ever the performative potential of video in theatrical representations. Live video does not only reproduce on the screen what happens on the scene, but it also highlights on one hand the deconstruction of the image and, on the other, the construction of a reality in and by images. That is why the uses of live video on stage unavoidably lead to question issues related to the aesthetic, narrative, dramaturgical and proxemic aspects of theatrical performances. Based on the analysis of different performances staged by Ivo van Hove and Guy Cassiers, this thesis aims to measure the extent of the performative potential of live video on stage
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Khorshed, Wail Mohamed Hosni. "Les nouvelles technologies au service de la création scénographique." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082300.
Full textAbstract:
La révolution électronique a introduit les nouvelles technologies dans divers domaines, en particulier, dans celui des Arts tels que l'Art Cinématographique, l'Art Vidéo, l'Art de l'environnement virtuel, l'Art de la Communication, l'Art Cybernétique, l'Art Interactif et, bien sûr, l'Art Numérique, qui intervient à la fois dans ces différents Arts et dans la peinture, la sculpture, la photographie, l'éclairage (il s'agit de l'Art Laser et de l'Art Holographique) et la scénographie théâtrale. Le théâtre les rassemble tous en son espace pour créer le cadre et l'atmosphère qui correspondent au spectacle. Nous avons conclu qu'il faut fonctionner avec ces nouvelles technologies dans l'espace théâtral avec habileté, expérience, compétence et sensibilité extrême. On doit également prendre en compte qu'elles ne sont pas un but en elles-mêmes, mais qu'elles participent à la création d'une réalité dramatique de l'acteur vivant qui reste toujours le maître du spectacle et la substance de l'Art théâtral. La relation entre l'acteur vivant et l'espace théâtral avec ses différents temps, espaces, philosophies et tendances, représente la relation entre l'Homme et le Monde dans un style esthétique et dramatiqueElectronic revolution has introduced new technologies in several fields, especially in Arts such as Cinematographic Art, Video Art, Virtual environmental Art, Communication Art, Cybernetics Art, Interactive Art and, of course, Digital Art which is found in these Arts as well as in painting, sculpture, photography, Lighting (it is to do with Laser Art and Holographic Art) and theatrical scenography. The theatre gather them all in its space to create the setting and the atmosphere which correspond to show. We come to the conclusion that the new technologies must work with care, experience, skill and extreme sensibility in the theatrical space. We also have to take into account that they are not a goal in themselves, but that they do take part in a dramatic creation by the living actor who always dominates the show as well as the theatrical substance. The relationship between the living actor and the theatrical space with its different times, spaces, philosophies and tendencies, represents the relationship between the human being and the world in a aesthetical and dramatical style
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Silva, Newton Pinto da. "Palcos da vida : O vídeo como documentodo teatro em porto Alegre nos anos 1980." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2010. http://hdl.handle.net/10183/26199.
Full textAbstract:
La recherche Palcos da Vida1: le vidéo en tant que document sur le théâtre étudie les processus de la production et de l'expérimentation théâtrale, à Porto Alegre, aux années 80, à partir d'enregistrements vidéo réalisés par TVE/RS. Au cours des trois dernières années de cette décennie, la télévision publique a enregistré plusieurs représentations théâtrales qui ont été exposées dans la ville. L’émissions intitulée Palcos da Vida, présentait, à chaque fois scènes des spectacles et témoignages des commédiens et metteurs en scène. Ce mémoire jette un regard sur ce moment historique et, en enployant d'enregistrements, souligne l’importance du vidéo en tant que document sur le théâtre. Ce sont analysés les spetacles A Mãe da Miss e o Pai do Punk (mise en scène par Luiz Arthur Nunes), A Verdadeira História de Édipo Rei (Troupe Gregos & Troianos), Escondida na Calcinha (mise en scène par Patsy Cecato), Império da Cobiça (Troupe TEAR), O Ferreiro e a Morte (Troupe Face & Carretos), Ostal (Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz) e Tangos e Tragédias (de Hique Gomez et Nico Nicolaiewsky). Cet extrait configure un tableau de l'art dramatique qui établie un important ensemble de la prodution et de la mise en scène du Rio Grande do Sul. On constate que le domaine abordé est caraterisé par la coexistence des plusiers mouvements dramatiques, marqués par des propositions et styles les plus divers, par la variété du répertoire et l'hybridité des genres, comme la comédie, la comédie musicale et le théâtre expérimental. Autre aspect abordé c’est le rapport entre le théâtre et la télévison: le rôle des médias comme médiateurs entre le spectacle et le public. La recherche est fondée sur des travaux théoriques de Marco De Marinis et Patrice Pavis. Comme référence supplémentaires, on remarque le travail des noms tels que Michel de Certeau, Sandra Pesavento, Dominique Wolton et Jesús Martín-Barbero.A pesquisa Palcos da Vida: o vídeo como documento do teatro investiga os processos de produção e de experimentação teatral, em Porto Alegre, nos anos 1980, a partir de registros em vídeo feitos pela TVE/RS. Nos últimos três anos daquela década, a emissora pública de televisão gravou diversos espetáculos teatrais que estavam em cartaz na cidade. Os programas, com o título Palcos da Vida, apresentavam cenas das peças e depoimentos de atores e diretores. Este trabalho lança um olhar sobre aquele momento histórico e, por meio das gravações, ressalta a importância do vídeo como documento do teatro. São enfocados os espetáculos A Mãe da Miss e o Pai do Punk (direção de Luiz Arthur Nunes), A Verdadeira História de Édipo Rei (Grupo Gregos & Troianos), Escondida na Calcinha (direção de Patsy Cecato), Império da Cobiça (Grupo TEAR), O Ferreiro e a Morte (Grupo Teatral Face & Carretos), Ostal (Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz) e Tangos e Tragédias (de Hique Gomez e Nico Nicolaiewsky). O conjunto traça um painel das artes cênicas do Rio Grande do Sul, constituindo-se em um importante acervo sobre a produção e a encenação teatrais. Constata-se que o campo teatral estudado caracteriza-se pelo convívio de formas cênicas marcadas pela diversidade de propostas e estilos. A variedade de repertório e hibridismo de gêneros ocorre por meio de comédias, musicais e experiências estéticas da cena alternativa. Outro aspecto abordado é a relação entre teatro e televisão: os meios de comunicação como mediadores entre espetáculo e público. A pesquisa tem como base teórica obras de Marco De Marinis e Patrice Pavis. Como referenciais complementares, destaca-se o trabalho de nomes como Michel de Certeau, Sandra Pesavento, Dominique Wolton e Jesús Martín-Barbero.
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Faguy, Robert. "De l'utilisation de la vidéo au théâtre : une approche médiologique. Plus de 35 ans d'expériences vidéoscéniques québécoises." Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25395/25395.pdf.
Full text
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Guervilly, Herveline. "L'Acteur face au spectateur : des usages de la frontalité et de l'adresse au public dans la mise en scène européenne au tournant des XXe et XXIe siècles." Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30002/document.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour but d’identifier, dans la mise en scène européenne des années 1990-2000, les pratiques de la frontalité et d’en déterminer les enjeux en termes de mise en scène, de jeu et de présence de l’acteur et de réception du spectateur. L’analyse distingue trois modalités d’intervention de la frontalité, chaque fois remises dans leur perspective historique. La première est celle de l’interpellation, dans l’héritage du théâtre de foire ou d’intervention. La frontalité y est le support d’un acte de communication. Deuxièmement, la frontalité prend une dimension cérémonielle et devient le fondement de l’acte théâtral pour élaborer, cette fois, une relation indirecte avec les spectateurs. Dans sa troisième modalité, la frontalité dépasse le face-à-face entre acteurs et spectateurs, soit par le recours à l’image vidéo, créant un face-à-face médiatisé, soit par l’extension de la frontalité à l’ensemble de la scène. Finalement, l’usage de la frontalité témoigne d’une nouvelle économie de la représentation fondée sur un principe de réciprocité entre le geste du metteur en scène, l’engagement de l’acteur, la production scénique et l’individu spectateur. Au-delà du souci de conduire le spectateur à une activité critique ou à une participation fusionnelle, la frontalité invite à interroger sa position de retrait et sa passivité extérieureThis thesis aims at identifying the practices of frontal acting in the European performances between the 1990’s and the 2000’s in order to define its challenges with regards to the staging, the acting, the actor’s presence on stage as well as in terms of spectator’s perception. Our analysis distinguishes three modes of frontal acting, by replacing each of them in its historical context. The first one is “interpellation” inherited from the Theatre performances at fairs and the Agit-Prop Theatre. In this case, frontal acting is considered as a medium for communication. The second mode, frontal acting takes a ceremonial dimension and becomes the basis of the theatrical moment in order to create, this time, an indirect relationship between actors and spectators. In its third mode, frontal acting exceeds the face-to-face between actors and spectators either thanks to the use of the video – creating media attention around the face-to-face – or thanks to the extension of frontal acting to the full stage. Finally, the use of frontal acting indicates the emergence of a new performance mode based on a reciprocity principle between the gesture of the director, the commitment of the actor, the performance and the spectator as an individual. Beyond the willingness to lead the spectator to a critical thought processor to a fusional participation, frontal acting invites to question his distant position and his external passivity
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Murchison-Morand, Ian. "Grand Theft Auto IV : l'ultime destin-jeu de Justin et Martin : recherche-création autour de la problématique de l'écriture dramatique en lien avec le langage vidéoludique." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27157/27157.pdf.
Full text
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Nilsson, Birgitta. "L’apprentissage par l’expérience esthétique : Utilisez-vous l’audio-visuel, la musique et le théâtre dans l’enseignement du français ?" Thesis, Linnéuniversitetet, Institutionen för didaktik och lärares praktik (DLP), 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:lnu:diva-84902.
Full textAbstract:
With the implementation of the 2011 guidance documents (Lgr11), the aesthetic perspective was strengthened in the Swedish secondary school, according to Marie-Louise Hansson Stenhammar (2015: 60). The purpose of this thesis is to examine whether there are differences in the extent to which some teachers use learning through aesthetic experience, and to identify possible advantages and obstacles in this respect. After a brief overview of four major theoretical perspectives of learning, we present a minor quantitative study that we relate to previous research. Anne Bamford (2009 : 11) and Hélène Trocmé-Fabre (Jedrzejak 2012 : 24) show in their research how tools relating to aesthetic activities can improve learning. The main finding in our survey, covering a few teachers over the country, is that the use of these tools varies greatly, and that the degree of interest and motivation for this area of activity differs from teacher to teacher. Advantages for the pupils, mentioned by participants in our study, are motivation, variation, use of several senses, consolidation of knowledge, activation of the photographic memory and easier learning of the language. While research, by Hansson Stenhammar (2015), points out teacher’s interpretation of regulatory frames as an obstacle to the use of aesthetic activities, in our study the perceived obstacles are the teacher’s lack of motivation, time and teaching material. Our participants are randomly sampled, from across the country, and findings from our small study cannot be extended to a wider population. Our recommendation for further research would be a study on how the pupils’ attitudes and motivation is affected by aesthetic experiences.
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Ahmad, Jdid Farah. "Le design interactif et l'interaction comme un futur scénario de la scénographie numérique pour le spectacle vivant et le théâtre (Du spectateur au ₀ spect-acteur ε)." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080061.
Full textAbstract:
Cette thèse met en valeur la grande évolution de l’art de la mise en scène et étudie la relation décor-technologie numérique du point de vue du design. Parmi les technologies numériques dont la scénographie fait l’usage, nous choisissons la technologie de la RV (réalité virtuelle) en tant qu’outil permettant de créer le décor au théâtre et pouvant enrichir la présence du spectateur. La préoccupation donc dès le début de notre recherche était de savoir comment enrichir le sentiment de présence chez le spectateur au décor d’un art théâtral. Il est très important pour nous de réussir à créer ce décor théâtral dans lequel le spectateur devient un acteur ou plutôt un «Spect-acteur ».Les nombreux avis qui s'opposent à l’intégration de la technologie de la RV au théâtre donnent des arguments liés au danger de l’immersion. Notre thèse met en lumière l’interaction comme une deuxième caractéristique fondatrice de la RV contrebalançant la passivité de l’immersion. Puis, nous abordons largement le sujet du design interactif.En vue de créer donc une vision sur le monde de la mise en scène de demain, nous adaptons le récit d’Alice au pays des merveilles pour créer notre projet Aider Alice. Celui-ci permet aux « Spec-acteurs » d’échanger avec les éléments virtuels d’une animation interactive dans le cadre d'un jeu vidéo collaboratif. Un groupe de trois participants, à chaque passage, contribue à changer le point de vue sur le décor ainsi qu’à choisir sa couleur. Nous considérons que la scène médiatisée crée un sentiment de présence chez l’ensemble du public alors que l’interaction est la clé qui enrichit ce sentiment chez les «Spect-acteurs »This thesis highlights the great evolution of the art of staging and studies the relationship between the scenery and the digital technology from the standpoint of design. It focuses on its role in the future of the scenography. The scenography is used among the digital technologies; we choose the "VR"virtual reality technology as a tool to create the scenery of the theatre to enrich the viewer's presence. The concern from the beginning of our research was about; how to enhance the sense of presence in the viewer to the decor of a theatrical art.It is very important for us to succeed in creating a theatrical setting in which the spectator becomes an actor or rather a “Spect- actor”. Research has highlighted a few examples that used the virtual technology in the scenography. We then tackle the critiques of this technology made by researchers in the theatre. Many opinions that oppose the integration of this technology in theatre give arguments related to the danger of the immersion. The thesis highlights the interaction as a second founding characteristic of the "VR" offsetting the passivity of immersion. Then we approach the subject of the interactive design.In order to create a vision of the world of the staging in the future, we adapt the story of Alice in Wonderland to create our project Helping Alice. This allows spec-actors to interact with virtual elements of an interactive animation within a framework of collaborative video game. A group of 3 “Spect- actors” everyone participate to change the view of the scenery but also to choose the colour. We consider that the mediatized scene creates a sense of presence among the public so that interaction is the key that enriches the received feeling
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Gallois, Aurélie. "Personnages artificiels anthropomorphes et technologiques à la scène." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2017. http://www.theses.fr/2017UBFCC016.
Full textAbstract:
De grands metteurs en scène, précurseurs d’un nouveau théâtre, tels que Maurice Maeterlinck ou Edward Gordon Craig, souhaitaient représenter la vie en ne se contentant plus de la présence corporelle de l’acteur mais en incorporant des éléments conventionnels à la scène. Ils refusaient la simple imitation du réel au profit d'un théâtre artificiel et symbolique, avec pour problématiques les questions de la représentation de la figure humaine et de l’illusion du vivant. Cette volonté de s’émanciper du corps de l’acteur tel qu’il est dans l’usage privé, dans le quotidien, par l’utilisation de masques, de marionnettes ou encore des techniques de leur temps, comme des jeux de lumières ou des effets d’optiques, annonçait déjà l’apparition des nouveaux médias sur le plateau. C’est dans cette filiation que sont apparus sur scène, dans les années 1990, de nombreux personnages inorganiques créées grâce à des projections vidéo sur supports bi ou tridimensionnels, des hologrammes, et par la présence de robots humanoïdes et androïdes. On retrouve cette volonté de remplacer les corps des acteurs par des personnages artificiels utilisant les technologies de notre temps avec les personnages vidéo de Denis Marleau et Stéphanie Jasmin, les hologrammes de Michel Lemieux et Victor Pilon ou encore les robots d’Oriza Hirata. Ces personnages atypiques, qu’ils possèdent ou non une matérialité sur scène, qu’ils soient physiques ou virtuels, possèdent différents niveaux de présences suivant leur intégration au plateau et la dramaturgie, leur autonomie et leurs interactions avec leur environnement ou les corps réels qui leur donnent la réplique et avec lesquels ils partagent la scène. Comme nous allons le découvrir, ces nouvelles pratiques et esthétiques théâtrales visant à utiliser des Personnages Artificiels Anthropomorphes et Technologiques (PAAT) questionnent l’impact de notre époque en pleine révolution numérique et robotique sur nos corporéités et notre humanité, ce qui soulève un certain nombre d'enjeuxFamous directors, precursors of a new theater, such as Maurice Materlinck or Edward Gordon Craig, wanted to represent life on stage, weaving some conventionnal elements into the stage, instead of just making the best of the bodily presence of the actor on stage. They repressed the very simple imitation of real for some artificial and symbolic theatre questionning the representation of human's figure and the illusion of the living. Getting rid of the actor's body like it is in its private use, in its everyday life, through the use of masks, puppets or even elder technologies as light works or optical effects, heralded the appearence of the new medias on stage. Thereby, emerged back in the 90's, many inorganic characters made with video projections in two or three dimensions, holograms, and the presence of humanoids and androids. We can find that will to replace the actors' bodies with artificial caracters using technological projections in Denis Marleau and Stéphanie Jasmin's video caracters, Michel Lemieux and Victor Pilon's holograms, and again in Oriza Hirata's robots. All these atypical characters, whether they own or not some materiality (or corporality) on stage, or that they are physical or virtual, all of these own different levels of presence according to their integration on stage and dramaturgy, to their self-suffiency and to the interplays they share with each their environnement and the real bodies with which they interact and perform. As we will see, these new theatrical and aesthetics practices that aim to use some Anthropomorphic and Technological Artificial Characters, do question the impact of our time, dealing with digital and robotic revolution, on our corporealities and our humanity, definitively raises a number of issues…
Books on the topic "Vidéo au théâtre"
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Torti-Alcayaga, Agathe, and Christine Kiehl. Théâtre, destin du cinéma, théâtre, levain du cinéma. Paris: Éditions Le Manuscrit, 2013.
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Sorin, Pierrick. Pierrick Sorin: Petits théâtres optiques et vidéos comédies : exposition du 9 juillet au 14 novembre 2005, Musée départemental d'art ancien et contemporain à Epinal. Epinal: Musée départemental d'art ancien et contemporain, 2005.
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3
Coursen, Herbert R. Shakespeare in production: Whose history? Athens: Ohio University Press, 1996.
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4
Törnqvist, Egil. Between stage and screen: Ingmar Bergman directs. Amsterdam: Amsterdam University Press, 1995.
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5
A history of Shakespeare on screen: A century of film and television. 2nd ed. Cambridge, UK: Cambridge University Press, 2004.
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6
Rothwell, Kenneth S. A history of Shakespeare on screen: A century of film and television. Cambridge: Cambridge University Press, 1999.
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7
Shakespeare, William. Richard III. Edited by Birch Madeleine. Harlow: Longman, 1994.
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10
Shakespeare, William. King Richard III: A tragedy in five acts. London: Longman, Hurst, Rees and Orme, 1999.
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