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Dissertations / Theses on the topic 'Vie à la ferme dans l'art'
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Crispel, Aude. "L'art et la vie au virtuel." Bordeaux 3, 2007. http://www.theses.fr/2007BOR30037.
Full textAbstract:
Aborder le Net-art en considérant sa dimension technique, historique et esthétique, tel est le point de départ de cette recherche. Le média Internet offre aux artistes un nouvel espace en relation étroit avec une idéologie contre-culturelle. De ces lieux hors de la réalité émergent des pratiques hors des circuits traditionnels. Si les premiers net-artistes proposent des net-œuvres en rapport étroit avec les technicités du média, la physicalité et la question du corps laissent transparaîtrent de nouvelles formes de relations entre net-œuvre et son spectateur. Interactions, échanges et navigations, nous passons d’une esthétique contemplative à une esthétique participative, nous rapprochant ainsi des problématiques de l’art comme environnement. Le programme prend sa place et avec lui, se génèrent des exemples d’œuvre à l’infini. La notion d’œuvre permutationnelle se couple avec trois influences formelles : l’Environnement, le Processus et le Net-collectif. Des outils plastiques et esthétiques sont alors mis en évidence, permettant d’élaborer les prémices de la critique de ce mouvement de l’art nouveau médiaConsidering Net-art through the analysis of its technical, historical and aesthetic dimensions is the starting point of this research. The Internet as a media offers artists a new space closely related to a counter-culture ideology. From these places, outside reality, art-practices emerge outside traditional circuits. If the pioneering net-artists were creating Net-works closely related to the technical side of the media, the human physical aspect and the questioning of the body reveal new kinds of interplay between the net-work of art and its viewer. By surfing on the Internet, interactions and exchanges we switch from contemplative aesthetics to participative aesthetics thus getting closer to the problematic of Art as Environmental-Art. The programme plays its part and thanks to it, works of art are endlessly generated. The notion of “permutationnelle” work of art adds on to tree formal influences: Environment, Process and Happening. Plastic and aesthetic tools are then brought to therefore enasling the setting up of a critical approach of this media as a new art trend
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Bergeret, Servin. "Iris Clert (1918-1986), une galeriste singulière." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2017. http://www.theses.fr/2017UBFCH006.
Full textAbstract:
Iris Clert (1918-1986) est une figure emblématique du monde de l'art contemporain parisien de la seconde moitié du XXe siècle, et plus particulièrement des années 1960. L'histoire de l'art semble n’avoir retenu que des bribes de son existence et de la galerie d'art contemporain qu'elle dirigea à Paris de 1956 à 1982. En effet, sa postérité repose exclusivement sur la place considérable qu'elle a tenue dans la promotion de l’oeuvre d'Yves Klein et dans l'émergence du groupe d'artistes des Nouveaux-Réalistes. Pourtant, Iris Clert n’est-elle pas la première galeriste à avoir proposé au public parisien des oeuvresd’Ad Reinhardt, Lucio Fontana et Leon Golub ? Puis, à force de renouveler et de transgresser les méthodes et pratiques habituellement assignées à sa profession, Iris Clert n’annonce-t-elle pas l’élan pris par l’art vers la participation et l'événementiel ? N’est-elle pas à l’origine de véritables politiques culturelles ? N’a-t-elle pas été elle-même une artiste ? Aussi, à force de se raconter et de s'identifier à l'art, n’a-t-elle pas tenté de se construire une mythologie personnelle, afin d’apparaître telle l’œuvre de sa galerie ? Faire de l’art une attitude de vie, provoquer, scandaliser, formuler des revendications ambiguës, se jouer des normes, se fier à son instinct plus qu'à la raison, être partout sans limites… voici les ambitions d’Iris Clert, elle qui affirmait en 1975 : « J’ai un destin, je suis la messagère des dieux, donc des artistes ! »Iris Clert (1918-1986) is a key figure in the world of the Parisian contemporary art of the sixties. Art history seems to have only kept recollection of fragments of her life and of the contemporary art gallery she ran in Paris from 1956 to 1982. Her posterity is only based on the significant part she played in promoting Yves Klein’s art and New Realism artists.Though, isn’t Iris Clert the first gallery owner who introduced the Parisian audience with Ad Reinhardt, Lucio Fontana and Leon Golub’s art? By keeping reinventing and breaking the usual methods and habits of her field, she anticipates the impulse of art towards participation and events. Wasn’t she the spearhead of a true cultural policy and an actual artist herself? She then tried to build her own mythology by keeping identifying herself with art, to appear as the very work of her gallery. Iris Clert showed her ambitions by making art a way to conduct her life, acting in a provocative and outrageous way, expressing ambiguous demands, defying standards, trusting her instinct over her mind, and being unrestrictedly everywhere. Ambitions which made her say in 1975: “I have a destiny, I am the messenger of the gods, hence of artists”
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Desrichard, René-Claude. "Le vocabulaire de la vie à la ferme dans l'ancien archiprêtré de Souvigny." Clermont-Ferrand 2, 1989. http://www.theses.fr/1989CLF20023.
Full textAbstract:
L'ancien archipretre de souvigny s'etend, sur la rive gauche de l'allier, de neuvy, au nord, en terre d'oil, a saint-germain-de-salles, au sud, en terre d'oc. L'etude du vocabulaire revele l'existence de parlers riches et varies, dans lesquels apparaissent des frontieres assez nettes. Pour ce qui est de la phonetique, nombre de traits d'oc ne se rencontrent que dans l'extreme sud de l'aire, limite au nord par bayet : participe passe masculin en (a), opposition entre masculin en (a) et feminin en (o), infinitif en a issu de -are, nombreuses diphtongaisons. Le consonantisme est lui aussi particulier : chute des consonnes finales, evolution de (p) dans (pr) intervocalique, mouillure, evolution de (k) ou de (g) initial. Pour le lexique, apparaissent deux frontieres qui opposent des paires de mots differents pour designer une meme chose. L'une, a monetay, separe le nord de l'aire du centre et du sud. L'autre, a bayet, oppose des mots employes dans le nord et le centre a des mots employes dans le sud. Enfin, des aires isolees, sans doute archaisantes, existent au centre du domaine. Ces remarques eclairent les processus d'oilisation et de francisationThe area formerly placed under the authority of the archpriest of souvigny stretches along the left bank of the river allier from neuvy to the north, in "oil" speaking territory down to saint-germain-de-salles to the south, in "oc" speaking territory. A study of the vocabulary reveals the existence of rich and varied forms of local speech with relatively clear-cut borderlines. As regards phonetics, many of the "oc"-language characteristics only occur in the southernmost part of the area limited to the north by bayet : masculine part participle ending in (a), masculine endings in (a) contrasted with feminine endings in (o), infinitive ending in -a stemming from -are, numerous diphtongs. The consonant system also has its characteristics : final consonants dropped, (p) altered into intervocalic (pr), palatalization, initial (k) or (g) altered. As regards the lexis, two dividing lines delimitate areas in which different words going in pairs are used to name the same things. One line, running through monetay marks the boundary between the north of the area and its central and southern parts. The second line, running trough bayet contrasts words spoken in the north and center with words spoken in the south. Besides, isolate areas with apparently archaic speech forms can be delimited in the centre of the zone. The study therein throws light on the way the "oil" dialects and french language gradually spread southwards
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Kim, Mi-Young. "Fluxus : une tentative d'insertion de l'art dans la vie." Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA081139.
Full textAbstract:
L'un des elements qui portent a reflechir tout au long de ce travail est le motif de la participation des divers artistes aux activites de fluxus. La plupart des artistes se reunissent par amitie et acceptent les sollicitations de george maciunas, qui est comme un missionnaire au service de la cause de fluxus. Mais pour autant, il ne se sentent pas membre officiel de fluxus. C'est donc grace a leur forte affinite qui n'est pas esthetique, mais existentielle, que fluxus peut exister en tant que tel. L'experimentation artistique abordee par les artistes de fluxus reside souvent dans le deplacement de l'art hors de ses reperes traditionnels, vers n'importe quel autre endroit dans le monde reel pour ainsi atteindre une fusion de l'art et la vie. Redefinissant l'art comme le processus de la vie, fluxus dissipe toute les limitations quant au genre de substances dont l'art peut etre constitue. Fluxus developpe certaines formes d'anarchie qui etaient limitees au domaine de la musique, vers un reve collectif dans la societe pour assurer la liberte des hommes. C'est cette liberte qu'il puisent de l'art que fluxus voudrait precisement accorder a la vie. Ainsi fluxus demontre la possibilite d'un changement d'attitude a l'egard de l'art et la vieOne of the main issues addressed by this work is the motivation of artists to participate in fluxus activities. Most of artists gather just for friendship when they are asked by maciunas. He is someone like a missionary for fluxus mission. Anyway, they do not feel nor think like an official member of the group. The great affinity between them is not aesthetic but existential; it is the only cement of fluxus. Artistical experiment by fluxus artists is located in the moving of art from its traditional place, towards anywhere else in the real world. It results into the fusion of art and life. As of this experiment, art works within real life circumstances. Fluxus gives a new definition to art that is life process while no boundaries are any longer recognized for art materials. Fluxus widens the anarchy spirit from its initial music aera, into a collective dream available for the whole society, allowing man freedom. This freedom coming from the art is wished to be raised up to entire life. So, fluxus gives a demonstration that changing attitude in front of art and life can come true
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Cho, So-Hee. "Transparence de la vie quotidienne." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010531.
Full textAbstract:
La thèse se divise en trois grandes parties : sur la vie quotidienne réelle éprouvée dans mon travail, ce qui est enfermé, définissant I'ouverture et la transparence. Les concepts théoriques et artistiques démontrant, s'il est possible, cette problématique Deux axes réciproques : la vie quotidienne et la transparence définissant ainsi notre hypothèse. Peut-il y avoir une vie quotidienne fermée et qu'en même temps, cela soit un état d'ouverture? Le premier chapitre s'intitule : « Objets annecdotés de I'armoire ». C'est une partie du problème d'avoir ce regard contemporain sur les objets étudiés. « Mythologie individuelle », ce sera une histoire de I'objet dans I'art suivi de ce dernier chapitre « système des objets ». L'étude des perceptions se porte vers des émotions sensibles et à des principes élargis vers les auteurs modernes; Bachelard, Lyotard ; Ie petit-récit, la narrativité, I'intimité, I'objectivation. L'ensemble de cette perspective est présente par rapport aux travaux plastiques exposés, les objets « visagéifiés ». Le deuxième chapitre « I'aura de la vie quotidienne » est une réflexion sur la vie quotidienne au sens philosophique ; le temps et I'espace. La répétitivité de la vie quotidienne ne représente pas seulement I'ennui, mais contrairement, peut être une ouverture. Nous considérons que la vie quotidienne comme ici maintenant est une fluidité par sa continuité dans I'itération. Ainsi est décrit I'état de milieu. Or, « I'art de vivre », dans la pensée chinoise, est une autre inspiration de ce sujet. Le troisième chapitre sera cette conclusion théorique, estimant nos recherches plastiques comme étant « I'ensemble ferme et le tout ouvert». Les matériaux transparents ouvrent visuellement mais, sont matériellement fermes comme le système d'ouverture fermeture de la boîte. Cependant cette transparence est. Un vide potentiel qui désigne Ie plein comme notre vie quotidienne et comme notre Être.
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Pedrina, Marta. "La supplication sur les vases grecs (VIe-Ve siècles) : mythes et images." Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0122.
Full textAbstract:
La thèse part du constat de la polyvalence sémantique des gestes en image, des schémas gestuels qui doivent prendre en charge également l'expression de la supplication verbale. Il s'agit d'un montage de signes qui ne renvoie pas à un rituel structuré mais à plusieurs démarches et solutions iconographiques selon le mythe représenté. La thèse s'organise en 7 chapitres centrés sur une ou plusieurs grandes figures mythiques (Priam, Alkmène, Télèphe, Oreste, Cassandre, Déjanire). Le suppliant assis sur l'autel non seulement est le centre de la composition, mais il forme avec la statue et l'autel une image dans l'image, selon un processus parallèle à celui que l'on trouve dans les textes tragiques. Cette statue/suppliant, fixé sur l'autel, prend vie grâce à un ensemble de gestes qui l'impliquent et qui sont essentiellement des gestes d'intégration et filiation. La supplication s'exerçant dans la ralité à plusieurs échelles, en image est pensée presqu'essentiellement sur le mode de l'oikosThe thesis is based on the constat that gestures in images are semantically polyvalent. Gestures have to assume also the verbal expression of supplication. It's a interaction of signs that does not refer to a structurate ritual, supplication is expressed by numerous rituals and figurative solutions. These is constructed by 7 chapter, centred about one ore more mythical characters. (Priamos, Alkmena, Telephos, Orestes, Kassandra, Dejanira). Suppliant in the center of composition is like a picture into a picture, with a process that is parallel of the textual one in attic tragedy. This statue/suppliant, fixed on the altar, take life by the gestures that implicate him. Supplication play on numerous levels, but in images it's thought almost essentially in the way of oikos
7
Malterre, Nathalie. "Société et vie parisienne dans l'oeuvre de Manet." Paris 4, 1989. http://www.theses.fr/1989PA040004.
Full textAbstract:
Après une introduction situant Manet par rapport aux divers courants artistiques de son temps, les uns novateurs, les autres traditionnels et académiques, cette thèse, qui concerne tant la peinture que l'art graphique de Manet, comporte deux parties, dont la première est consacrée à l'étude du portrait et la seconde à celle des scènes de la vie parisienne, avec, d'une part, les scènes de plein air et au balcon et, d'autre part, les scènes d'intérieur. A la lumière des œuvres étudiées, la conclusion générale porte sur l'évolution du style de Manet, sur l'opposition entre les thèses françaises et anglo-saxonne (la première insistant sur l'aspect formel ainsi que sur la négation du sujet, la seconde, au contraire, sur l'importance de ce dernier et son éventuelle signification symbolique) et souligne que Manet fut un témoin objectif de son temps et le premier, dans la grande peinture, à représenter la vie parisienne d'une façon novatrice conforme à l'esprit de "modernité" prôné par Baudelaire et illustré dans le roman contemporain. Enfin, cette thèse comporte, en annexe, une chronologie, une bibliographie ainsi que deux index (des personnes citées et des œuvres citées de Manet). Tout au long de cette thèse, l'auteur s'est efforce de montrer les rapports qui existent entre l'œuvre de Manet, l'art et la littérature de son temps, ainsi que certains évènements historiquesAfter an introduction on Manet and his time, when various artistic movements coexisted, this thesis concerning Manet's painting as well as his graphic art, is composed of two parts, the first of which is devoted to the study of portraits, and the second to the representation of scenes of parisian life. The general conclusion concerns the evolution of Manet's style, shows the opposition between the french and anglo-saxon theories relating to his art and underlines that Manet was an objective witness of his time, and the first among great painters to represent parisian life and society in a new and modern fashion. Are also annexed a chronology, a bibliography and two indexes
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Bayon, Geoffroy. "Esquisse(s) de vie : la vie et la mort artificielles : recherche et programmation graphique articulées autour des algorithmes génétiques : stratégies de vie adaptative, problématique et hypothèses de représentation de la mort artificielle dans l' art numérique." Paris 8, 2007. http://octaviana.fr/document/135518679#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
En premier lieu, une analyse objective répartie selon trois périodes (la préhistoire, l'histoire et les recherches contemporaines) cherchera à définir ce qu'est la "vie artificielle". L'élaboration d'un lexique et l'évocation des doctrines spécifiques à ce domaine nous permettront d'aboutir à la problématique novatrice de la "mort artificielle". Un travail expérimental, fondé sur les phénomènes d'émergences de la vie évolutionniste et la mise en oeuvre d'algorithmes génétiques appliqués à l'art numérique, nous permettra d'envisager un réel partage du processus créatif entre l'artiste et l'ordinateur. Dans le cadre d'une recherche d'expression de la mort artificielle, nous nous interrogerons sur les dimensions spatiales et temporelles de l'image afin d'en repousser les limites, grâce à une hypothèse visant à échapper aux contraintes de la perspective conique conventionnelle : la projection curviligne. Après une expérimentation par la photographie, par le croquis d'observation, puis par l'image de synthèse, nous aboutirons à la construction d'un moteur de rendu spécifique, ayant pour objet de vérifier les hypothèses suivantes : 1) un modèle numérique de mort artificielle peut s'inspirer d'une forme biologique de mort positive et créatrice, "l'apoptose", 2) les techniques de l'anamorphose, reformulées selon une nouvelle approche typologique propre à l'art numérique, permettent, par un détournement artistique, une approche poétique et esthétique de la mort, 3) l'expérimentation de la "fossilisation virtuelle" démontre qu'il est possible de concevoir un modèle esthétique et novateur de mort artificielle, inspiré de processus biologiques, ouvrant ainsi la voie à des travaux ultérieursFirst, we will try to define, by an objective analysis distributed around three periods (prehistory, history and contemporary searches) what "artificial life" is. The elaboration of a glossary and the evocation of specific doctrines concerning this domain will allow us to envisage the innovative subject of "artificial death". An experimental work based on the phenomena of emergence of evolutionist life and the conception of genetic algorithms applied to digital art will allow us to envisage to share the creative process between the artist and the computer. In order to suggest a pictorial representation of artificial death, we will study space and temporal dimensions of the image. We will try to push back the limits of this dimensions, by suggesting the hypothesis of a three-dimensional representation ready to be freed from the constraints of the conventional conical perspective : curvilinear projection. After conducting experimental tests by photography, sketches and computer graphics, we will create a specific rendering engine able to prove the following hypothesis : 1) it's possible to design a virtual model of "a-death" based on a biological form of positive and creative death, the "apoptosis", 2) by using techniques of the anamorphosis, totally adapted for digital art, we can reach a poetic and aesthetic approach of death, 3) experimentation of "virtual fossilization" demonstrate that it is possible to conceive an aesthetic and innovative model of "a-death", inspired by biological processes. Through this example, the main objective is to show the way for further developments, so it doesn't pretend to be a definitive work
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Jans, Aurélie. "La croissance organique dans l'art : représentations, techniques de modélisation, programmation." Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA082949.
Full textAbstract:
Ce document aborde des thèmes qui mettent en avant la volonté de certains artistes de donner aux oeuvres un nouveau statut qui n'est plus celui de l'oeuvre objet de contemplation mais plutôt celui d'une oeuvre en devenir. Ces oeuvres ne sont plus figées, elles se modifient grâce à l'utilisation de matériaux ou de processus évolutifs naturels ou artificiels. Pour servir leurs propos, ces artistes expérimentent des éléments ayant un potentiel de transformation. Dans un premier temps, nous aborderons, d'un point de vue artistique, les thèmes du vivant, de l'autonomie des oeuvres et de la participation du spectateur en analysant divers travaux d'artistes. Nous poursuivrons cette analyse par l'explication de techniques informatiques de programmation et de modélisation utilisées, à l'origine, pour simuler des théories scientifiques. Nous verrons diverses applications artistiques issues du détournement de ces techniques dans le but de créer des processus de création évolutionnistes et interactifs. A partir de cette analyse, je présente mes propres pratiques plastiques autour des thèmes de la morphogénèse, du vivant, de l'autonomie des oeuvres et de la participation du spectateur. J'expose les méthodes et les techniques que j'utilise pour extraire de la matière son potentiel esthétique et créatif. La dernière partie de cette thèse décrit plus particulièrement un outil de sculpture virtuelle que j'ai conçut en employant certaines techniques informatiques, expliquées en amont. La programmation de cet outil me permet de poursuivre le développement de ma recherche artistique en la transposant dans un espace virtuel aux possibilités multiples. Cette thèse tente de décrypter les interpénétrations de l'art et du vivantThis document approaches themes stressing the will of some artists to give to their works a new status : art not anymore as a simple object of contemplation but rather as a work in constant evolution. These works are not fixed any more, they are changing by the use of natural or artificial evolutionary processes or materials. To serve this idea, these artists experienced elements having a potential of transformation. Firstly, by the analysis of various artists' works, we will approach from an artistic point of view, the themes of living and autonomous works and as well the theme of spectator's participation. We will carry on this analysis by explaining the data-processing techniques of programming and modeling, which were used originally to simulate scientific theories. We will present different artistic applications resulting from the misappropriation of these techniques with the aim of creating evolutionary and interactive processes of creation. Following from this analysis, I will introduce my own creative practices around the topics of morphogenesis, the living, the autonomy of works and spectator's participation. I will expose the methods and techniques I am using to extract from the matter aesthetic and creative potential. The last part of this thesis describes, more particularly, a tool of virtual sculpture I have conceived, by employing certain data-processing techniques, mentioned above. The programming of this tool enables me to continue the development of my artistic research while transposing it in a virtual space that multiplies possibilities. This thesis endeavor to decipher the interpenetrations between art and the living
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Endoltseva, Ekaterina. "L'iconographie des apôtres dans le monde méditerranéen, du IIIe au VIe siècle." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100096.
Full textAbstract:
Le premier chapitre décrit la genèse des portraits des apôtres Jean et Jacques, fils de Zébédée ( avec ceux de Pierre, Paul et André). Dans le deuxième chapitre, leurs images sont étudiées dans les scènes christologiques avec une attention spéciale, portée aux circonstances de l'apparition de l'Incrédulité de Thomas dans le répertoire iconographique. Les représentations cycliques illustrant les actions de Pierre et de Paul sont examinées. Les étapes de leur évolution sont mises en relation avec les étapes du développement de la pensée théologique. Le troisième chapitre montre le rôle d'une image en fonction de son emplacement. Le caractère du rapport entre le domaine funéraire et l'art monumental est étudié. Le problème de la genèse de représentations cycliques est mis en relief : les scènes illustrant la Passion du Christ et la vie de Pierre et de Paul sont regroupées dans des suites successives vers la fin du IVe siècle. La nouvelle vision artistique s'est formée en Italie du Nord, grâce aux débats théologiques concernant les deux natures du Christ. Les artistes de Rome s'intéressaient surtout aux détails des vies de Pierre et de Paul en tant que martyrs locauxOur research deals with the period between the first appearances of the images of the apostles (middle of the III century) and the rule of the emperor Justinian I. The analysis of the works of art where the apostles are represented permits to show the general tendencies of the development of their iconography. In the analytic part of our research we will study three points: the formation of the portraits of the apostles, the representation of their deeds and the function of their images. So the first part describes the process of the genesis of the iconography of the apostles John and James, the son of the Zebedai, because the features of their faces are fixed by the end of this period. In the second part the images of the apostles in the Christological cycle are analyzed. The circumstances of the apparition of the scene of the Incredibility of Thomas are studied especially. The phases of the development of the cyclic representations are examined together with the evolution of the theological thought. The third part deals with the role of the images depending on their location. The character of the relations between the funeral art and the monumental one are studied
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Deramaix, Emmanuelle. "Á corps perdu : sculpter la vie." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010657.
Full textAbstract:
Le corps perdu dont il est question dans cette thèse est celui qui a disparu suite à un événement traumatique subi en 1998. Il s'agit d'un A. V. C qui m'a immobilisée pendant plusieurs mois et qui a engendré une paralysie de toute la partie gauche de mon corps. Ce bouleversement physique va se répercuter sur mon travail plastique. Ressentant avec davantage d'acuité des phénomènes physiques tels que la gravité, l'immobilité et l'horizontalité, je vais tenter de les comprendre à travers une approche plastique plus que médicale. Je ne vais garder de mon ancienne pratique qu'un fil blanc auquel je vais m'accrocher pour me construire une nouvelle identité. C'est « à corps perdu », dans une nécessité vitale que je vais non pas tenter une réparation, mais une re-création. Ainsi, c'est ce corps mis à mal par l'A. V. C qui va permettre l'advenue d'un Je créateur qui continuant à dérouler le fil blanc de mon ancienne pratique va s'enrichir de mes incapacités physiques, travaillant désormais le soin et la relation au même titre que le temps. L'incertitude du vivant est désormais au cœur de cette pratique entre art et vie.
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Yun-Han, Min Hie. "L'art de Sonia Delaunay : le simultaneisme en tant que "l'art dans la vie" relation entre peinture et arts décoratifs 1910-1941." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA080991.
Full textAbstract:
Cette etude sur sonai delaunay est une tentative d'approche de son art par rapport a la notion d'art total. Nous avons choisi de nous en tenir a la periode entre 1910 et 1941 - celle de la vie commune de sonia et robert. Le memoire est constitue de trois parties. La premiere traite de la genese de la peinture de sonia delaunay, des influences chromatique s qui l'ont amenee au simultaneisme. La deuxieme partie est consacre a l'art de sonia delaunay dans la vie quotidienne, notamment les robes et les tissus. Dans cette perspective, a travers une observation de la forme, de la couleur et du mouvement, une analyse comparative est faite des creations en peinture et en arts decoratifs de sonia delaunay. La troisieme partie aborde directement la problematique essentielle pour saisir dans quelle mesure l'art de sonia delaunay. Parvient a se realiser comme une forme d'art total a travers ses creations interdisciplinaires. Ce qui donne son unite a l'art total de sonia delaunay c'est la lumiere de la couleur qui lie souplement les arts particuliers les uns aux autres et les amene a de nouvelles expressions. Le simultane en constitue le denomitaeur commun, a partir duquel peut se degager une conception nouvelle de l'unite et de la totalite, mots cles de sa creation et de ces conceptions.
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Saleh, Jihad. "L'impact des symboles dans la civilisation mésopotamienne : l'art et l'architecture : passerelle vers l'art musulman." Thesis, Lyon 2, 2014. http://www.theses.fr/2014LYO20039/document.
Full textAbstract:
L'art et l'architecture sont deux sujets principaux pour connaitre le monde civilisationel de tel ou tel pays.Le progrès économique a donné naissance aux progrès culturels d’où le progrès de l'art et de l'architecture. Toutes les autres civilisations (civilisation byzantine, grecque, romaine, égyptienne, musulmane) ont suivi le même cheminement pour arriver au savoir- faire architectural et artistique.Les influences des symboles religieux avaient leurs impacts sur les différents éléments de la vie matérielle et spirituelle. Les histoires religieuses et l'utilisation des formes géométriques avec leurs significations mystiques ornent soit la façade extérieure soit l'espace architectural intérieur ou les deux ensemble. D’où le secret de la réussite de l'art et de l'architecture dans toutes les civilisations, d’où mon sujet d'étude. Finalement on peut dire qu'il n y a pas d'art sans religion ni religion sans artArt and architecture are the two main subjects that we must know about the civilization of any country. Economic progress has given rise to cultural progress, for example progress of art and architecture. All other civilizations (Byzantine civilization, Greek, Roman, Egyptian, Muslim) have followed the same path to get to the architectural and artistic craftsmanship. The influence of religious symbols had their impact on the various elements of the material and spiritual life. Religious stories and the use of geometric shapes with their mystical meanings decorate the exterior or interior architectural space or both. Hence the secret of the success of art and architecture in all civilizations and my subject of study. Finally we can say that there is no art without religion and no religion without art
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ROBIN, PASCALE. "Felix culpa adam et eve dans le premier art chretien et la pensee d'occident (iiie-vie siecles)." Paris 12, 1999. http://www.theses.fr/1999PA120071.
Full textAbstract:
Le recit biblique d'adam et eve - creation de l'homme puis de la femme, tentation et faute, puis condamnation et chute - a inspire de tres nombreux artistes, s'exprimant sur des supports fort divers : en premier lieu dans la peinture catacombale du iiie siecle, auxquelles succedent, au ive siecle, les basreliefs des sarcophages sculptes, la coutume de l'inhumation remplacant progressivement cellede l'incineration dans l'elite sociale chretienne. Les arts dits << mineurs >> ne sont pas en reste : on retrouve ces memes themes, auxquels s'adjoignent au cours des siecles d'autres episodes - tel, par exemple, celui d'adam nommant les animaux - dans la decoration d'une multitude d'objets divers, en ivoire, verre grave ou moule, terre cuite, metal, etc. Les commentaires que les peres de l'eglise ont consacres au role et a l'histoire d'adam et eve sont fort nombreux : nous nous sommes attaches, par le biais d'une presentation chronologique de la litterature patristique, des auteurs et des commentateurs chretiens des origines jusqu'a augustin qui ont ecrit sur la genese et sur la condition humaine, a determiner, expliciter et, souvent, comparer, les principaux jalons de la pensee theologique concernant adam et eve. La presente etude s'ouvre donc sur un essai de recensement et de classement des temoignages artistiques consacres a l'histoire des premiers parents, suivi d'une tentative d'interpretation, a travers l'etude du traitement stylistique des scenes adamiques dans l'art chretien ainsi que du contexte qui leur est parfois attribue, qui permet de degager la valeur et la symbolique religieuse du theme d'adam et eve, theme dont la portee s'avere tout a la fois fois mortuaire, catechetique et eschatologique. Enfin, a la lumiere de ces considerations, et en gardant en memoire les representations artistiques etudiees, nous tenterons de retracer quatre siecles de pensee chretienne consacree a l'histoire du premier couple humain.
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Chianca, Karina. "Guillaume Apollinaire et Vinicius de Moraes : "la vie est l'art d'une rencontre"." Besançon, 2004. http://www.theses.fr/2004BESA1015.
Full textAbstract:
L'objectif de cette thèse est de procéder à une étude comparée entre deux poètes, Guillaume Apollinaire (1880-1918), et Vinicius de Moraes (1913-1980). Ces deux auteurs se rejoignent par la similitude des formes de leur lyrisme. Celui-ci prend en effet sa source dans la nature mélancolique des deux auteurs qui chantent une présence féminine perdue et désirée à la fois. La douleur de la perte de l'objet amoureux est transcrite par les images d'un sujet mélancolique qui erre à travers le monde à la recherche d'une femme qui s'efface et s'évanouit comme l'amour. Pour cette étude, nous recourons en partie à une approche psychanalytique nous appuyant notamment sur les travaux de Julia Kristeva sur la mélancolie. Vinicius de Moraes a séjourné à Paris et a lu Alcools de Guillaume Apollinaire. Le poète brésilien écrit alors un poème, A ponte Mirabeau (Le pont Mirabeau) fortement inspiré de celui du poète français. Le corpus de base de notre étude comparatiste est essentiellement constitué par le recueil Alcools d'Apollinaire, et en ce qui concerne Vinicius de Moraes, par les poèmes écrits pendant ou après le séjour à Paris. Mais au-delà de la poésie, ils ont été tous deux sollicités par d'autres formes artistiques : la musique, la peinture et la danse et ont tous deux poursuivi le rêve d'une synthèse des arts, construisant, grâce au mouvement et aux couleurs, une nouvelle réalité de l'objet amoureux comme du mondeThe purpose of this thesis is to compare two poets, namely Guillaume Apollinaire and Vinicius de Moraes. These two authors share a similarity of forms in their lyricism. This interpretation derives from the melancholic nature of the two authors who sing a feminine presence that is lost and desired at the same time. The suffering for the loss of the object of their love is transcribed by images of a melancholic subject that wanders across the world in the search of an elusive woman that disappears like love. The analysis in this study is partially supported by a psychoanalytical approach , specially as present in the studies of Julia Kristeva on melancholy. Vinicius de Moraes read Alcools by Guillaume Apollinaire during his stay in Paris. The Brazilian poet then wrote a poem, A ponte Mirabeau which is strongly influenced by the French. The literary basis of this comparative study is made up essentially by the anthology Alcools by Apollinaire, and as far as Vinicius de Moraes is concerned by the poems written during or after his stay in Paris. Besides poetry they were also related by their involvement with other artistic forms : whether dealing with music, painting, or dance they both pursued the dream of a synthesis of art forms that would create a new reality of the love object and the world through movement and colors
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Decoudun-Gallimard, Frédérique. "La vie féminine dans la peinture française au XVIIIe siècle." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100015.
Full textAbstract:
La these dont le titre s'intitule "la vie feminine dans la peinture francaise du dix-huitieme siecle" developpe trois parties essentielles : la vie publique, la vie privee, et la vie de travail, et s'appuie sur des oeuvres picturales contemporaines pour justifier ses assertions. Elle traite dans sa premiere subdivision des diverses activites mondaines des femmes, s'attarde sur le phenomene des salons, evoque a travers l'exemple de madame de pompadour la place qu'occupent successivement le theatre et les beaux-arts dans l'univers feminin, (peinture - objets en porcelaine), et aborde ensuite le theme des plaisirs, (jeu - chere - amour). Dans sa deuxieme partie, elle se consacre a l'evocation de la vie privee des contemporaines, relate les rapports que celles-ci entretiennent avec leurs enfants au cours des diverses periodes de l'existence, (nourrissage - elevage mariage), et met en lumiere la responsabilite sociale majeure qui incombe a ces dernieres. Elle evoque par ailleurs les activites purement egoistes auxquelles s'adonnent ces femmes, (toilette - moments d'abandon - menues occupations), et insiste sur l'importance de la notion de plaisir intime. Elle traite enfin dans sa troisieme et derniere partie du theme du travail, instaure ici une distinction tres nette entre les taches avilissantes auxquelles s'adonne la majorite de la population feminine, (domestiques - ouvrieres), et les occupations enrichissantes et epanouissantes qu'executent les artistes, les femmes artisans, ou les professeurs. Elle accorde en dernier lieu une place au plus vieux metier du monde : la prostitution. En conclusion, elle constate l'extreme diversite de la vie feminine de l'epoque, et insiste sur la position ambivalente de la femme dans la societeThe dissertation entitled "women's life through the french painting of eighteenth century" develops three essential parts : the pratical life, the private life and the professional life, and leans on contemporaneous pictural works in order to justify its assertions. It treats in its first part of women's diverse society activities, deals with the salon phenomenon, describes through the example of madame de pompadour the place of the theatre and the fine arts in women's universe (painting, pieces of china), and deals then with the theme of pleasures (games, love). In its second part, the private life of these women is related, the relations between the latter with their children during different periods of existence (feeling, raising, marrying) are evocated and the major social which rests of them is brought to the fore. Moreover it evocates the purely selfish activities to which these women give themselves over (wash, moments of oblivion, minor activities), and insists on the importance of the intimate pleasure. Finally, the third and last part is devoted to the theme of labor, where a very clear distinction is made between degrading tasks with which the majority of the female population is concerned (servants, workers) and rewarding and fulfilling occupations that have the artists, the craftswomen or the teachers. It deals lastly with the oldest profession in the world : the prostitution. To conclude, it notices the extreme diversity of women's life at that time, and insists on the very ambivalent position that they hold in the society
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Ducaté-Paarmann, Sandrine. "Images de la femme à l'enfant : offrandes et cultes des divinités courotrophes dans les sanctuaires d'Italie centrale et méridionale (Sicile, Grande Grèce, Campanie, Etrurie, Latium), fin du VIIe - fin du IIe siècle avant J.-C." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040154.
Full textAbstract:
Dans l'Antiquité, où les connaissances médicales n'avaient pas atteint les résultats que nous connaissons aujourd'hui, le recours au divin pour s'assurer une fécondité et une maternité heureuse était très courant. La diversité des offrandes témoigne de la piété populaire des femmes et de leur besoin de soutien. Nous nous sommes attachée ici à l'étude des figurines représentant une femme courotrophe, provenant des sanctuaires d'Italie centrale et méridionale à l'époque pré-romaine. Dans cette Italie multiculturelle, peuplée d'Italiques, de Grecs, d'Etrusques et de Phéniciens, le thème de la femme tenant un enfant apparaît avec plus ou moins de succès selon les régions et les époques. Notre intérêt s'est porté sur l'apparition, l'adaptation, la diffusion et la disparition de ce thème iconographique au sein du répertoire des offrandes de la maternité, ainsi qu'à la distribution de ces figurines au sein des panthéons locaux. Enfin, nous nous sommes également penchée sur les autres offrandes liées à la fécondité, la maternité et la protection de l'enfance ainsi que sur les fêtes et les raisons personnelles qui ont pu motiver les femmes à invoquer des divinitésIn antiquity, at a time when medical knowledge had not attained the results known today, having recourse to religion in order to secure fertility and a happy motherhood was quite common. The diversity of the offerings witnesses the piety of the women, and their need for support. This study examines figurines representing female kourotrophos found in sanctuaries of Middle and Southern Italy dating to the pre-Roman period. In a multicultural Italy populated by Italics, Greeks, Etruscans and Phoenicians, the theme of "woman with child" appears more or less widely distributed, according to region and period. I have focused primarily on the emergence, adaptation, extension and disappearance of this iconographical motif within the field of offerings, as well as on the distribution of these figurines within the local pantheons. Finally, I have investigated other offerings connected to fertility, motherhood and the protection of childhood, as well as the religious festivals associated with this practice and explored the personal reasons which may have motivated women to invoke the courotrophic deities
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Fricheau, Catherine. "La géométrie de la vie : l'art du jardin en france : 1580-1730." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040183.
Full textAbstract:
La thèse cherche à dépasser l'appréciation simplement esthétique du jardin classique et à en rattacher la création à la tradition philosophique. Interrogeant l'expression courante de " jardin à la française ", elle retrace l'histoire des jardins crées en France au XVIIème siècle et celle du vocabulaire usuel de la critique et de l'histoire de l'art à propos de cette forme de jardin. Rattachant l'art du jardin à la tradition philosophique du bien vivre, elle étudie la façon dont les traités modernes de l'art (Olivier de Serres, Claude Mollet, Jacques Boyceau de la Barauderie, André Mollet, La Quintinie, Dezallier d'Argenville) se sont inspirés et démarqués des auteurs anciens, principalement des agronomes latins. Elle examine ensuite les relations que l'art du jardin entretient avec les beaux-arts dont il paraît dépendre : peinture ou architecture, à travers les écrits d'André Félibien et de Claude Perrault, ainsi que la fonction qu'y prennent les connaissances scientifiques de l'époque, physiques et surtout géométriques, principalement la perspective telle que Desargues la remanie. Une histoire de la construction de l'espace du jardin d'Olivier de Serres à Le Nôtre est esquissée, corrélativement à la compréhension et l'usage fait de la perspective au cours du XVIIème siècle. Enfin la signification du corps entier du jardin est demandée à l'œuvre littéraire : au roman dont il est l'emblème : le Songe de Poliphile de Francesco Colonna dont La Fontaine proposa une réminiscence poétique et surtout aux descriptions offertes par l'œuvre de mademoiselle de Scudéry (Clélie - la promenade de Versailles) où se manifeste un nouveau régime de l'imagination. Le parallèle peut alors être fait entre théâtre et jardin, celui -là représentant l'action historique (Corneille), celui -ci l'action de la nature, telle qu'elle se produit à travers le corps vivant, en particulier en l'Homme lui-même : c'est à l'anthropologie cartésienne qu'est demandée la signification ultime de l'œuvre - jardin et à sa façon de concevoir analogiquement à travers des images distinctes la vie des corps, dont témoigne pour le domaine propre des plantes l'œuvre d'un La QuintinieThis thesis aims to go beyond the mere aesthetic appraisal of the classical garden and to establish the link between its creation and philosophical tradition. It examines what is meant by the common phrase "a French style garden" and relates the history of the gardens created in France in the 17th century and that of the terms commonly used by art criticism and history to depict this type of garden. Connecting the art of gardens with the philosophical tradition of the "art of living", it studies how modern art treatises by Olivierde Serres, Cklaude Mollet, Jacques Boyceau de la Barauderie, André Mollet, La Quintinie, Dezallier d'Argenville) were inspired by the works of ancient writers, mainly Latin agronomists, but also differed from them. Then it examines the relations between the art of gardens and the fine arts that it seems to depend on : painting or architecture, through the works of André Félibien and Claude Perrault, as well as the part played in garden creation by the times' scientific knowledge of physics and geometry, in particular perspective modified by Desargues. The thesis outlines a history of the construction of the garden space from Olivier de Serres to Le Nôtre, and its correlation with the interpretation and the use of perspective in the 17th century. Finally the meaning of the garden's whole body is sought in literature, in the novel whose emblem it is : "Le songe de Poliphile" (Poliphile's dream) by Francisco Colonna, of which there is an evocation in La Fontaine's poems, and above all in the descriptions made in mademoiselle de Scudery's work "Clélie- la promenade de Versailles" ( Clelie- the walk in the gardens of Versailles) where imagination has a new role to play. Then a parallel can be drawn between the theatre and the garden, the former as a representation of historical action (Corneille), the latter as a representation of nature's action as it manifests itself in the living body, in particular in Man himself. Cartesian anthropology with its analogical conception of the life of bodies through distinct images provides the ultimate meaning of the garden as a work exemplified by the writings of someone like La Quintinie in the specific domain of plants
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Lamouille, Stéphane. "Recherches sur les charpentes dans l'architecture monumentale grecque du VIe au IVe siècle av. J.-C." Thesis, Toulouse 2, 2019. http://www.theses.fr/2019TOU20081.
Full textAbstract:
Il ne subsiste aucun vestige direct des charpentes grecques et, bien souvent, l’état de conservation des blocs constitutifs des parties hautes des édifices est lacunaire. Ce constat conduit souvent à la reproduction du cadre interprétatif des charpentes antiques établi à la fin du XIXe siècle, opposant charpente grecque à empilement d’une part, et charpente romaine à ferme d’autre part. L’enjeu de cette thèse consiste à reconsidérer cette opposition binaire entre deux types de charpente. Afin de pallier le manque de vestiges archéologiques, d’autres pistes sont explorées. Les techniques utilisées dans la réalisation des charpentes ne sont pas toutes spécifiques à cet artisanat. Aussi, élargir le champ d’investigation à des activités connexes relevant de l’artisanat du bois comme, par exemple, la construction navale, permet de définir les contours d’un environnement technique dans lequel s’inscrit la charpente. Plusieurs traits caractéristiques de cet environnement technique ont été dégagés, parmi lesquels la maîtrise d’assemblages permettant la reprise d’efforts de traction, le recours à la triangulation des structures et un grand savoir-faire dans la taille des pièces de bois. À la suite de ce réexamen des connaissances pratiques et techniques des charpentiers grecs, une série d’études de cas est proposée, incluant l’arsenal du Pirée, les temples doriques de Sicile, le Parthénon, ainsi que le temple en calcaire et le temple d’Apollon du IVe siècle à Delphes. Les comptes de construction de ce dernier édifice, très riche concernant le matériau bois, font par ailleurs l’objet d’une analyse systématique. Enfin, sur le plan méthodologique, cette thèse aborde la question de la restitution des parties hautes. Le recours à la modélisation 3d et au calcul de structure permet de formuler des hypothèses neuves et d’en évaluer la pertinence dans un mouvement de va-et-vient entre les vestiges, les techniques et le comportement mécanique des charpentes. Les principaux résultats de cette thèse concernent la caractérisation de l’environnement technique dans lequel évoluent les charpentiers grecs des VIe et Ve siècle et conduisent à considérer comme pertinente l’hypothèse de l’existence de charpentes trianguléesThere are no direct remains of Greek roof structures and, in many cases, the state of conservation of the constituent blocks of the upper parts is incomplete. This observation often leads to the reproduction of the interpretative framework of antique roof frameworks established at the end of the 19th century, opposing Greek prop-and-lintel on the one hand, and Roman truss on the other. The challenge of this thesis is to reconsider this binary opposition between two types of framework. In order to compensate for the lack of archaeological remains, other avenues are being explored. The techniques used in the construction of the roof structures are not all specific to this craft. Also, extending the scope of investigation to related activities in the field of woodworking such as, for example, shipbuilding, makes it possible to define the contours of a technical environment in which the framework is embedded. Several characteristics of this technical environment were identified, including the use of assemblages that allow the recovery of tensile forces, the use of triangulation of structures and a great deal of know-how in the preparation of wooden beams. Following this review of the practical and technical knowledge of Greek carpenters, a series of case studies are proposed, including the Piraeus Arsenal, the Doric temples of Sicily, the Parthenon, as well as the so-called “limestone temple” and the fourth century BC Apollo templein Delphi. The construction accounts of this last building, which is very rich in wood materials, are also systematically analysed. Finally, from a methodological point of view, this thesis addresses the question of the restitution of the upper parts. The use of 3d modelling and structural calculation makes it possible to formulate new hypotheses and evaluate their relevance in a back and forth movement between the remains, techniques and the mechanical behaviour of the structures. The main results of this PhD dissertation concern the characterization of the technical environment in which Greek carpenters of the sixth and fifth centuries BC evolve and lead to consider as relevant the hypothesis of the existence of triangulated roof structures
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Villanueva-Puig, Marie-Christine. "Maïnadès : recherches sur la genèse du thiase féminin de Dionysos : des origines à la fin de la période archaïque (du second quart du VIe siècle à 480) : essai d'iconographie relgieuse." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010645.
Full textAbstract:
La recherche porte sur les plus anciens témoignages concernant les Ménades constitues par la céramique attique à figures noires. Un bref préambule est consacré au personnage littéraire et épigraphique beaucoup plus récent. Pour l'étude iconographique, on a choisi de partir du mieux connu, du personnage bien constitue aux attributs, aux attitudes et aux activités caractéristiques, aux compagnons fréquents les satyres, qui est celui des peintres attiques à figures rouges de la fin de l'archaïsme. A partir de ce personnage que sa conduite place hors des normes de l'attitude féminine traditionnelle, on est remonte aux origines du thème en prêtant attention à l'apparition des différents éléments constitutifs du personnage. On peut considérer que vers le milieu du VIe siècle, la figure ménadique est constituée. L'étude se déroule alors chronologiquement, par ateliers et par peintres mettant en relief le rôle de certains d'entre eux dans l'évolution de la figure. En ce qui concerne la figure noire récente et tardive, à cause de la multiplication des scènes et de leur caractère répétitif, on a eu recours à un classement thématique. Cette partie de l'étude a permis de dégager, de manière inattendue, le grand nombre de lécythes portant un décor dionysiaque. En conclusion, on s'est interrogé sur les raisons de l'immense succès du thème (le catalogue qui suit réunit plus de 3500 vases dont 383 sont reproduits). Cette figure, hors de normes féminines inspire à la fois fascination et effroi, tension à l'origine de son succès. Mais si les peintres jouent avec tant de fréquence de la peur et de la séduction qu'inspirent ces êtres exceptionnels c'est parce que la solution aux débordements existe dans le rite. La figure ménadique ne renvoie pas exclusivement au monde du mythe mais aussi a l'univers concret d'une certaine pratique encadrée du dionysisme. Elle rend possible la représentation des périls de l'irrationnel féminin et en explique pour une part le succès.
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Oneto, Paulo. "La vie retrouvée : éléments pour une esthétique de l'immanence : thèse." Nice, 2002. http://www.theses.fr/2002NICE2011.
Full textAbstract:
Le moment actuel nous apparaît comme une invitation à repenser la place des arts dans notre vie. Mais peut-être nous faut-il d'abord une ontologie affirmative de l'être et du devenir comme dimensions inséparables (une plilosophie de l'immanence) pour pouvoir entamer cette réflexion sans retomber dans les préjugés d'une certaine tradition "séparatiste" (métapysique). Dès lors, on est en conditions de découvrir l'importance de l'art pour la vie et pour la pensée. Une telle découverte n'est cependant pas possible sans que nous indiquions ce qui fait la singularité de cete activité de création. Ce que nous essayons donc -par-delà les débats sur la soi-disant crise de l'art -, c'est de comprendre le sens propre aux arts pour montrer comment il constitue une affimation directe de l'immanence.
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Chevillat, Laurence. "Luxuria privata. Les Décors figurés de l'aristocratie augustienne : entre vie privée et affirmation politique." Tours, 2003. http://www.theses.fr/2003TOUR2029.
Full textAbstract:
Le retour au mos maiorum lié à l'âge d'or apollinien aurait éliminer la luxuria dionysiaque de l'aristocratie augustéenne. Vu la primauté de Dionysos sur l'âge d'or et le gôut de l'aristocratie pour l'héllénisme à la fin de la République, le régime augustéen a pu seulement conduire à la transformation de l'expression de la luxuria. C'est cet aspect dans les décors aristocratiques qu'analyse le présent travail. La première partie s'attache au contexte politique et social au lendemain d'Actium ét à la fonction assignée à la maison aristocratique entre la fin de la République et le début de l'Empire, essayant de faire la part des ruptures et des continuités autour de la notion de luxuria. La seconde partie reprend la question de la diffusion des motifs égyptisants dans les décors et leur interprétation. La troisième partie propose une lecture de décors de "troisième style" partant de la fonction du monochrome et des architectures grêles dans leur relation au pinakes central. Af i
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Mandrella, David. "La vie et l'oeuvre de Jacob Van Loo (1614-1670) : sa vie, son oeuvre." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040134.
Full textAbstract:
Né à Sluis en Zélande, Jacob van Loo était dans les années 1640 et 1650 un artiste reconnu à Amsterdam. Il était célèbre pour ses « peintures de nus » dont plusieurs exemples sont conservés, notamment des Bacchanales. Il était également un portraitiste et peintre de genre de renom. Il est l’un des pionniers d’une nouvelle conception de la peinture d’intérieurs hollandaise. Après avoir commis un meurtre, il a du se réfugier à Paris où il entra dans l’Académie royale de Peinture et de Sculpture en 1663 et continua une carrière honorable dans le domaine du portrait historié. Ce travail retrace la vie de l’artiste à travers des documents d’archives. Ensuite son oeuvre est commenté selon ses différents genres et sa Fortune Critique établie. Un chapitre spécial traite des peintres hollandais en France au XVIIe siècle. Le travail est accompagné d’un catalogue raisonné de son oeuvre, des peintures acceptées, rejetées ou uniquement mentionnéesThe artist was born in provincial Sluis, in Zeeland. In the period from 1640 to 1650, he was a well-known painter in Amsterdam and, in 1652, became a citizen of that town. He was famous for his nudes, including, for instance, his Bacchanals, but was also a prolific portraitist. In 1650, he invented a new kind of Dutch genre painting, depicting rich individuals in an interior setting. After committing a homicide in 1660, he was forced to flee Amsterdam; he settled in Paris, becoming, in 1663, a member of the Royal Academy of Painting and Sculpture. The present work retraces his life using unpublished archival material and discusses his painterly style and critical reception. Moreover, the study also situates van Loo particularly with regards to other Dutch artists living and working in seventeenth-century France. Finally, this work introduces the first catalogue raisonné ever to be established of van Loo’s oeuvre (including a list of doubtful and/or rejected attributions as well as works only known through art-historical literature or sales catalogues)
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Mons, Alain. "Le désordre de la ville et la photographie après-guerre : Etats-Unis, France, 1945-1960." Paris 5, 1986. http://www.theses.fr/1986PA05H069.
Full textAbstract:
L'hypothese de depart est d'interroger la ville a travers ses images photographiques marquantes qui constituent une memoire et un patrimoine. La ville s'exprime et est exprimee dans les images apres guerre, periode charniere. Dans le documentaire photo choisi sur la mouvance urbaine de cette epoque, se manifeste un "regard explorateur" ou les dimensions spatiales et sociales sont toujours liees. Un "desordre" constitutif a la ville apparait nettement, c'est-a-dire une multiplicite du quotidien a travers deux grands corpus constitues. L'un americain (essentiellement new-york) l'autre francais (paris). Pour les u s a il s'agit de weegee, l. Model, w. Klein, r. De carava, r. Frank; pour paris de r. Doisneau, w. Ronis, le groupe des xv, e. Boubat, e. Van der elsken. . . La methodologie est "confrontale", avec analyse des images et des oeuvres particulieres, mise en perspective des corpus ou apparaissent des differences de "vision" remarquables sur l'urbain, donc de cultures, de modes de vie. D'ou un eclaircissement du contexte historique des deux pays a cette epoque. La lecture des images est d'ordre "symbolique". Nous essayons de trouver des articulations entre anthropologie urbaine et sociologie de l'image texte et image se repondent analogiquement dans un jeu de "correspondances indirectes". Apres une presentation des contextes historiques de chaque pays, et de leur photographie dominante, nous etablissons des caracteristiques de contenu. Pour les usa nous montrons comment weegee, model, klein, constituent une histoire photographique du quotidien de new-york et comment de carava et frank etablissent des reperages de territoires urbains. Pour la france nous montrons comment doisneau, les xv, ronis, presentent un paris reve et paradoxal et comment boubat et surtout elsken revelent les premieres fissures d'une ere de changement bouleversant les modes de vie urbains. Avec les americains, le regard est critique et la cite apparait "pulsionnelle", chaotique. Avec les francais le regard est bienveillant la cite est "populaire", villageoise. C'est l'occasion d'une reflexion theorique sur la possibilite de rendre compte du reel urbain. Il y a tout un jeu dans les images entre la trace, le regard, la ville (spatial social), entre reel, symbolique et imaginaire de la ville. Tout un reseau aussi entre visible et non visible de la vie urbaine. . . Cela nous mene vers une socio-iconographie" de la ville comme type de travail possible et original contribuant au renouvellement de la recherche en sciences socialesAt the begining, the hypothesis is to question the city through the prominent photographic pictures, constituent a memory and a patrimony. The city expresses itself and is expressed through the images after war, a important period in the photographic documentary chosen appears an "exploratory look" where the spatial and social dimensions are always together. A "disorder" of the city appears clearly, there is a multiplicity of the quotidian. We can see that through two corpus. The first is american (particulary new-york) the other one is french (paris) the method system is a "confrontation", analysis of pictures and productions compared with the corpus where radical differences appear : differences of vision about urban, then cultures and ways of life. The reading is symbolic. We try to find somme connexions between urban anthropology and sociology of the picture. In united states, there is a photographic history of the dayly life in new-york city with weege, model, klein, an a reference marks of urban territory with de carava and frank. In france, it is a dreamt and paradoxal paris with doisneau, les quinze", ronis, but already boubat and elsken indicate a deep change in the city life. With americans there are a critical view and "pulsion" of the town. With french there are tender view on "country" urban life. This rechearch's a thought on the real of the town, and a social analysis of photographic pictures
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Liakou, Amalia. "L’esthétique de l’imaginaire surréaliste & la photographie grecque depuis 1930 : paradoxe, thanatos, eros." Paris 8, 2013. http://www.theses.fr/2013PA083923.
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A une époque où nous constatons la présence récurrente de l’imaginaire surréaliste dans la création artistique, se pose la question : « Pourquoi parle-t-on du surréalisme au XXIème siècle ? ». Par ailleurs, André Breton déclarait : « Le surréalisme existait avant moi et je compte bien qu’il me survive ». A partir de ce postulat, comment l’imaginaire surréaliste se construit-il ? Quelles sont les caractéristiques qui induisent sa présence avant et après le mouvement historique ? Avec l’idée initiale d’un imaginaire surréaliste lié aux notions de paradoxe, de thanatos et d’éros, assujetti au cosmos et à l’être humain, nous établissons une dialectique entre la création photographique, notamment grecque, et la pensée philosophique et psychanalytique. La théorie des surréalistes, la réflexion de Sigmund Freud et l’ouvrage Philosophie du surréalisme de Ferdinand Alquié alimentent notre interrogation sur l’esthétique de l’imaginaire surréaliste, tandis que des photographies exemplaires de Nelly’s, d’Andréas Embiricos, de Lizzie Calligas, de Takis Zerdevas, entre autres, expriment cette présence de l’esprit surréaliste dans la photographie grecque, notamment depuis 1930 et hors d’un mouvement. Dans un premier temps, l’imaginaire surréaliste comme paradoxe, incite à une réflexion autour des contradictions de l’image photographique et des apories du cosmos et de l’être humain en relation avec l’image. Dans un deuxième temps, nous proposons une réflexion de l’imaginaire surréaliste comme thanatos, dans un sens élargi, analogue à la pulsion de mort. Enfin, dans un troisième temps, nous nous intéressons à l’imaginaire surréaliste comme éros, égal à la pulsion de vieIn a time when we come across the recurrent presence of the surrealist imaginary in the artistic creation, the question arises: "Why do we speak of surrealism in the 21st century?". Moreover André Breton declared, “surrealism existed before me and I am certain that it will survive after me. ” From this postulate, how is the surrealist imaginary constructed? What are the characteristics that induce its presence before and after a historical movement? With the initial idea that the surrealist imaginary is linked to notions of paradox, of Thanatos and Eros, subject to the cosmos and the human being, we establish a dialectic between photographic creation, mainly Greek, and the philosophical and psychoanalytic thought. The theory of surrealists, the thoughts of Sigmund Freud and the book Philosophie du Surréalisme (Philosophy of surrealism) of Ferdinand Alquié nurture our reflection on the aesthetics of surrealist imaginary, while exemplary photographs of Nelly’s, Andréas Embiricos, Lizzie Calligas, Takis Zerdevas, amongst others, express this presence of the surrealist spirit in the Greek photography, especially since 1930 and outside of any movement. At first, the surrealist imaginary as a paradox, leads to a reflection on the contradictions of the photographic image, along with a study of paradoxes of the cosmos and human beings in relation to the surrealist imaginary. Then, in a second step, we propose a reflection of the surrealist imaginary as Thanatos, at a broader sense, similar to Freud's death instinct. Lastly, in a third step, we are interested in the surrealist imaginary as Eros, similar to the life instinct of the psychoanalytic theory
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Blitstein, Pablo Ariel. "L'art politique du texte : savoirs lettrés et pouvoir impérial dans la Chine du Sud aux Ve-VIe siècles." Paris, INALCO, 2012. http://www.theses.fr/2012INAL0004.
Full textAbstract:
La relation entre texte et pouvoir en Chine impériale est couramment abordée en termes de «littérature» et de «politique». Fondée sur des sources textuelles diverses (histoires dynastiques, textes administratifs, traités), cette étude, qui porte sur les élites lettrées à la cour impériale dans la Chine du Sud des Ve-VIe siècles, propose un déplacement de regard par rapport à cette approche. Le premier déplacement concerne la« littérature». Au lieu de prendre comme point de départ cette notion, nous proposons celle de «savoirs lettrés», qui met en évidence la dimension active des savoirs mobilisés lors de la lecture et de l’écriture des textes. À partir de ce premier déplacement, nous avons montré non seulement que, à la cour, les savoirs lettrés ont une signification éminemment administrative et éthique, mais aussi que cette signification n'est pas la même selon la position à la cour de l'homme de lettres. Le second déplacement d'approche concerne la «politique». Au lieu de prendre comme point de départ des notions toutes faites sur la dynamique des conflits à la cour et sur la représentation du pouvoir politique (c'est-à-dire des notions telles que «concurrence» pour les conflits et «pouvoir patrimonial» ou « État» pour le pouvoir politique), nous avons élaboré nos propres typologies - en redéfinissant notamment les termes «bureaucratisme », «aristocratisme » et «rivalité»-, examiné la spécificité des conflits politiques entre lettrés à la cour et exploré la pluralité des langages politiques des acteurs : autant d'aspects qui constituent le fondement de ce que nous appelons la «politique lettrée»The relation between text and power in imperial Chinas often analyzed in terms of "literature" and "politics". In this study about literate elites at the imperial court in 5th-6th century Southern China, I propose to move away from these two notions. First, I move away from the notion of "literature". Instead overtaking this notion as the starting point, I propose that of "literate knowledge ", in order to highlight the active dimension of the knowledge displayed when reading and writing. I argue that literate knowledge has mostly an administrative and ethical meaning at court, but also th at the mean ing of this knowledge varied according to the position at court of the literate men appropriating it. Second, I propose a particular approach to "politics". Instead of basing my analysis on ready-made notions about conflict dynamics and about the representations of political power at court (such as "competition", "patrimonial power" or even "State"), I have developed my own categories (for instance, by redefining terms such as "bureaucratism", "aristocratism" and "rivalry"), examined the specificity of political conflicts between literati at court and, finally, analyzed the plurality of the language used by literati to describe political power. In sum, I have attempted to understand the grounds of what I have called 'literate politics"
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Falcón, Díaz-Aguado Laia. "La representación de la mujer con poder en las artes y la ficción : Cleopatra : un ejemplo para al análisis intertextual." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030143.
Full textAbstract:
Certains personnages, habituellement éloignés des questions importantes de notre vie quotidienne, acquièrent cependant une présence très puissante dans les narrations et les images artistiques que nous choisissons pour accompagner notre vie. En apparence, certains d’entre eux ne sembleraient pas représenter une partie importante de notre hérédité philosophique, culturelle ou politique, cependant ils s'installent fortement dans l’imaginaire collectif en faisant que, d’une génération à l’autre, nous les choisissons comme les porteurs des énoncés qui nous définissent comme des individus et des groupes sociaux. Cette investigation s’est interrogée sur ces processus et a été réalisée par la coordination de deux champs disciplinaires : les études de la Communication et la Sociologie de l'Art. Ainsi nous partons d'un double intérêt autour de ce type de personnages évoqués par l'art : approfondir l'analyse de sa construction textuelle et analyser la relation entre ces traits que l'auteur définit pour le personnage et ceux du groupe social spécifique pour lequel il l'a créé. Orientés par cette double recherche, nous choisissons un type de personnage dont l'analyse nous semblait spécialement intéressante et nécessaire : nous considérons que les personnages qui représentent la femme avec un fort pouvoir social et politique constituent un corpus très important qui réclame l'investigation coordonnée des différentes Sciences Sociales. Afin de poursuivre cet objectif, nous décidons de choisir un motif constant représentatif de ce type de personnage et d’analyser et comparer les traits et les discours écrits à son propos par les différents groupes sociaux qui l’ont représenté artistiquement. L'exemple qui nous a semblé le plus adéquat a été Cléopâtre VII : la dernière représentante de l'Égypte pharaonique et l'un des personnages féminins les plus cités, tant dans l’historique des femmes gouvernantes que dans l’imaginaire artistique et populaireThere are certain characters that, even if they are not strongly linked to our day by day’s issues, obtain an extraordinary presence in our shared narrations and artistic images. They may not seem to represent important elements of our philosophical, cultural or political heritage, but they still play a key role in our collective references: we choose them, from generation to generation, as vehicles of our individual and social identities. During these last years as doctoral researcher at the universities Sorbonne Nouvelle and Complutense, I have studied these cultural processes through a singular case: “The cultural representation of the woman in power in Art and Fiction’s characters. Cleopatra: an example for the intertextual analysis. ” This research has been carried out through the coordination of two disciplinary fields -Communication Sciences and Sociology of Art- and has focalised on the analysis of a very specific sort of character: the cultural portraits of female social leaders made by art and fiction. With this purpose, we have chosen a single example to analyse it in its different historical, aesthetic and artistic representations: Cleopatra VII, the last leader of the Ancient Egypt and certainly one of the most popular historic feminine motives among artists and audiences
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He, Hai. "La vie, le corps et la société : des phénomènes du corps dans l’art contemporain chinois." Strasbourg, 2011. https://publication-theses.unistra.fr/public/theses_doctorat/2011/HE_Hai_2011.pdf.
Full textAbstract:
De la fin de la révolution culturelle à nos jours, l’art contemporain chinois a passé par un processus trentenaire pendant lequel la société chinoise a passé un grand changement. Dans le processus de l’art contemporain chinois, le « corps » a sans aucun doute joué un rôle important. Si l’on dit que l’art est un pont lancé entre la vie individuelle de l’artiste et la société, le « corps » est une des piles nécessaires. Du point de vue du corps, nous pouvons trouver la logique du développement de l’art contemporain chinois et comprendre comment les artistes chinois intègrent leur art individuel à l’espace social. Dans cette thèse, nous avons approché les phénomènes du corps les plus importants dans l’art contemporain chinois, y compris le « corps sacrifié », le « corps parodique », le « corps métamorphosé », le « corps métaphorique » et l’« intermédialité du corps ». Enfin, nous avons aussi décrit nos propres pratiques artistiques sur le corpsFrom the end of the culture revolution to today, the Chinese contemporary art has gone through a process of thirty years. During these thirty years, the Chinese society has undergone a big change. In the process of the Chinese contemporary art, the “body” has undoubtedly played an important role. If we say that art is a bridge between the artist’s life and the society, the “body” is an important bridge pier. From the body’s viewpoint, we can find the logic of Chinese contemporary art’s development and understand how the Chinese artists integrated their work into the social space. In this thesis, we have studied the most important phenomenon of body in the Chinese contemporary art. They include the “sacrificed body”, the “parody body”, the “metamorphosis body”, the “metaphor body” and the “intermediality of body”. At last, we have also described our own art works about the “body”
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Turcot, Karine. "LE FRAGMENT ANIMAL, VIE ET MORT. Ou La quête identitaire et le fragment animal." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27102/27102.pdf.
Full text
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Lorenzo-Martin, Lorenzo. "Antonio Pedrero Yéboles et l'art contemporain zamorano dans la deuxième partie du xxe siècle." Reims, 2002. http://www.theses.fr/2002REIML002.
Full textAbstract:
Zamora est une ville espagnole périphérique du centre-ouest qui appartient à la communauté de Castilla-Leon. Bien qu'éloignée des principaux centres artistiques (Madrid et Barcelone), cette ville a connu au cours de la deuxième partie du xxe siècle un essor considérable dans le domaine des arts plastiques. Ce phénomème peut s'expliquer par l'existence d'une tradition artistique locale qui remonte à la fin du XiXe siècle lorsque fut créée par le sculpteur Ramon Alvarez la première école de sculpture religieuse. Après lui, dans les courants artistiques nés des inquiétudes de la Génération de 98 au début du XXe siècle, bien d'autres artistes ont repris le flambeau. Ce processus s'est ensuite accéléré avec la création en 1945 de l'Ecole des Beaux-Arts de San Ildefonso, oeuvre du peintre zamorano José Maria Garcia Fernandez "Castilviejo". Les effets sur la vie artistiques et culturelle locale de cette école ont été et demeurent considérables apparition de générations d'artistes locaux de plus en plus nourries, développement de salles d'exposition, création de la Biennale "Ciudad de Zamora" doyenne de l'Espagne, sensibilisation d'un public toujours plus large et de plus en plus averti, développement d'un marché local de l'art, etc. Parmi la pléiade d'artistes apparus au cours de cette deuxième partie du xxe siècle, la figure du peintre et sculpteur Antonio Pedrero Yéboles est tout à fait emblématique car il incarne mieux que quiconque la synthèse entre la tradition artistique locale et les influences de l'art contemporain, entre l'environnement local et l'ouverture à l'extérieur, entre l'art régionaliste et l'art universel. Zamora et Pedrero sont deux exemples de l'existence en Espagne de lieux et d'artistes qui, bien que ne faisant pas partie des noms les plus fréquemment cités dans les études d'art, méritent que l'on s'y attarde car lis font aussi partie de l'histoire de l'art contemporain espagnol.
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Morant, Alix de. "Nomadismes artistiques : des esthétiques de la fluidité." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100187.
Full textAbstract:
Cette étude aborde dans une perspective transdisciplinaire, tant sous l'aspect sociologique qu'esthétique, le nomadisme des artistes contemporains. En suivant l'histoire des arts, du dix-neuvième au vingt et unième siècle et en se plaçant dans le contexte mouvant de la mondialisation, on a observé des phénomènes distincts. Tout d'abord, la résurgence d'un nomadisme de la troupe qui permet aux artistes du cirque et du théâtre de concilier un mode de vie itinérant avec l'exercice journalier d'un métier. Ensuite, de l'individu au collectif, on a pu analyser l'évolution progressive d'une identité artistique vers le régime de singularité qui la caractérise, phénomène social d'exception que le bohémianisme permet d'appréhender. Enfin, de l'élaboration d'une situation à une inscription dans l'espace, de Fluxus au Situationnisme en passant par le Land Art, nombreux sont les artistes qui désertent aujourd'hui les scènes pour explorer les territoires et mettre en valeur une poétique du trajet. Marches, dérives, déambulations : ces nouvelles formes de théâtralisation et d'intervention directes sont regroupées ici sous le titre d'esthétiques de la fluidité. Au-delà de l'étirement du présent et d'un déploiement dans le paysage, ces propositions emploient une palette stylistique comparable à celle dont on use sur les plateaux. Mais loin des cadres qui voudraient les contenir, leur spécificité réside dans le fait d'avoir choisi la mobilité. Davantage processus que résultat, les arts nomades infléchissent les comportements d'un récepteur invité à collaborer activement et participent d'une mutation de la représentation à laquelle concourent déjà les nouvelles technologiesBy following art history from the nineteenth to the twenty-first century, and using for setting the dynamic age of globalisation, this essay is dedicated to nomadisms in post-modem performing arts. The first movement of this study has for aim to investigate the topics of new social and aesthetic nomadism with tools of sociology but also philosophy (Flusser, Said, Appadurai, Sloterdijk, Deleuze) and to defme the particular figure of the artist from the "bohemian spirit" of the romantic period, the wanderer of Walter Benjamin, to present walking artists. Theatre has always been an art of movement, assimilating other arts or techniques, and recently extended its field to mixed media and technology. But in saure last ten years, influenced by performance and happening, from Fluxus to Situationism, a few artists decided to adopt a flexible and undefined identity and shifted from the scenes to real landscapes or peripheral urban areas, in order to explore unusual spaces where it is still possible to experiment and socialize. This research about artistic nomads starts at the end of the nineties following up on all sorts of itinerant forms, from walkabouts to theatre trucks, from circus tents to ephemeral constructions and defines the profile of an unsettled artist, who does not avant to belong any longer to any artistic category but wishes to experience travel as an art of living. To either study these present forms as a critic or to follow those new paths as a spectator, common patterns must be forgotten and disorientation must be accepted. As the French philosopher Deleuze says," nomad sciences need poetic behaviours". .
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Beauchesne, Luc. "Frontières quotidiennes : exploration de mon processus de création : études sur les effets de vérité au sein des productions médiatiques." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25736.
Full textAbstract:
Ce mémoire présente le travail de réflexion qui a conduit à la création d’une œuvre nommée Frontières quotidiennes. La recherche prend pour thème initial le quotidien d’un artiste. Par une série de questions, l’auteur s’interroge sur la notion de vérité en art. Il passe en revue les étapes de création de son projet, de l’idée à l’exposition. Il positionne son travail en relation avec d’autres œuvres réalisées par des artistes ayant une grande renommée. En conclusion, ce mémoire révèle la vérité. Elle tient au fait qu’il existe de multiples vérités. Les artifices mis en place par l’artiste dans son projet amènent le spectateur à construire un moteur d’inférence qui oriente sa perception et son interprétation du réel. L’auteur incite le spectateur à porter un regard critique sur les images numériques qui lui sont soumises par les médias actuels.
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Le, Tiec Patrick. "Mathurin Méheut (1882-1958), peintre de la vie." Rennes 2, 1991. http://www.theses.fr/1991REN20016.
Full textAbstract:
Mathurin Méheut débute sa carrière en illustrant des articles pour des revues et acquiert une renommée nationale en exposant en 1913, ses cinq expositions seront toutes remarquées par le grand public. Dans ses oeuvres, il valorise la spontanéité des animaux, la beauté de la flore et surtout les métiers et les traditions de sa province natale, la Bretagne qui constitue son sujet favori. Il peindra aussi les paysans du midi, des landes et des scènes nippones et grecques. Meheut est aussi décorateur. Il a collabore a la manufacture nationale de Sèvres et à la faïencerie Henriot de Quimper; ses faïences représentent le plus souvent des animaux marins et des scènes bretonnes. Meheut a participé à la décoration de plusieurs paquebots. Enfin, son oeuvre est aujourd'hui connue grâce à ses 40 livres illustres sur la mer, la faune et les métiersMathurin Méheut begins his career to illustrate articles in magazines and acquires national famous to exhibit in 1913, his five exhibitions will all notice by the general public. In his paintings, he sets off the animal's spontaneity, the beauty of the flora and above all artisans and traditions of his native country, Brittany which is his favourite subject. He paint too countrymen of south and south-west of France, Japan and Greece. Meheut is also decorator. He's collaborated with the national factory of Sevres and Henriot factory of Quimper; his crockerys often picture sea fauna and Brittany life. He's also taken a part in decoration of several steamers lines. At least, his arts works is known by his 40 illustrated books about the sea, the fauna and the craftsmen
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Deschênes, Janie. "La poésie du quotidien comme réalisme magique en bande dessinée : suivi de Nora et Mathieu." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26871.
Full textAbstract:
Cette étude porte sur les caractéristiques de la poésie du quotidien en bande dessinée. Les petites joies de la vie de tous les jours, leur représentation visuelle et leur transposition narrative, poétique ou non, traversent les différentes œuvres de mon corpus, soit Moins vingt-deux degrés Celsius de Jimmy Beaulieu (Mécanique générale, 2003), L'Homme qui marche de Jirô Taniguchi (Casterman, 2003), Whiskey & New York de Julia Wertz (Altercomics, 2011), Calvin et Hobbes en couleurs! de Bill Watterson (Hors Collection, 2008), Le Jardin de Mimi de Yoon-Sun Park (Misma, 2014) ainsi que Shä & Salomé, Jours de pluie d'Anne Montel et Loïc Clément (Jean-Claude Gawsewitch éditeur, 2011). Cette poésie du quotidien constitue un regard particulier sur le monde, à l'instar du réalisme magique. Cette étude explore le dialogue visuel et narratif qui existe entre les deux concepts, la poésie amenant une dimension magique importante au sein même de la fiction bédéique. En second lieu, il sera question de la bande dessinée Nora et Mathieu, laquelle a constituée la partie création de ce mémoire. Le processus artistiques ainsi que les caractéristiques qui définissent ma pratique de la bande dessinée, seront abordés.
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Simard, Mélissa, and Mélissa Simard. "Poétique et discours du corps-frontière : explorer les frontières sociales et culturelles et le rapport de la corporalité à l’espace." Doctoral thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/36535.
Full textAbstract:
Cette thèse en recherche-création s’intéresse aux différentes formes du corps-frontière et à ses représentations dans l’art performance. Corporéité hybride (par sa culture, son genre, son orientation sexuelle ou sa classe sociale), le corps-frontière s’inscrit comme entité hors norme, en rupture avec les discours dominants. Dans un premier temps, la thèse traite de l’analyse d’œuvres de performeurs établis au Québec et à l’international. Tous ont en commun d’avoir abordé les thématiques de la déshumanisation et de la marginalisation, en plus d’avoir utilisé dans leurs œuvres la corporalité intime, l’espace public et/ou l’empreinte corporelle comme médiums. Dans un second temps, la thèse fait état de manière autopoïétique d’un processus de création artistique visant à représenter les récits de trois populations : les personnes issues de l’immigration, les personnes malvoyantes et les femmes. Les différents laboratoires de création ont poétisé le rapport que le corps entretient avec l’espace public pour exploiter le potentiel antihégémonique des arts de la performance. En explorant ce territoire socialement partagé et en décloisonnant des discours qui autrefois étaient réservés à l’espace privé, les œuvres ont contribué à marquer l’espace urbain symboliquement et poétiquement, avec comme objectif final d’influencer le regard vis-à-vis du corps social et du territoire. En permettant aux différentes représentations alternatives des corporéités de franchir la frontière imposée par le corps social et ses codifications, les projets ont aussi façonné une réaffirmation et une reprise de possession symbolique des identités troubles, des corporéités aux identités dépossédées. Ainsi, cette démarche corpopoétique et performative prenant comme sujets des populations minoritaires, susceptibles de vivre les frontières sociales, a permis de changer le statut du corps-frontière en celui de corps transfrontalier. En tant que non-lieux marginalisés, les corps-frontières disposent d’un potentiel pour s’exprimer comme lieu de mémoire individuelle et collective, par l’intermédiaire de la performance qui aborde leurs réalités et par le biais d’une esthétisation des discours.Cette thèse en recherche-création s’intéresse aux différentes formes du corps-frontière et à ses représentations dans l’art performance. Corporéité hybride (par sa culture, son genre, son orientation sexuelle ou sa classe sociale), le corps-frontière s’inscrit comme entité hors norme, en rupture avec les discours dominants. Dans un premier temps, la thèse traite de l’analyse d’œuvres de performeurs établis au Québec et à l’international. Tous ont en commun d’avoir abordé les thématiques de la déshumanisation et de la marginalisation, en plus d’avoir utilisé dans leurs œuvres la corporalité intime, l’espace public et/ou l’empreinte corporelle comme médiums. Dans un second temps, la thèse fait état de manière autopoïétique d’un processus de création artistique visant à représenter les récits de trois populations : les personnes issues de l’immigration, les personnes malvoyantes et les femmes. Les différents laboratoires de création ont poétisé le rapport que le corps entretient avec l’espace public pour exploiter le potentiel antihégémonique des arts de la performance. En explorant ce territoire socialement partagé et en décloisonnant des discours qui autrefois étaient réservés à l’espace privé, les œuvres ont contribué à marquer l’espace urbain symboliquement et poétiquement, avec comme objectif final d’influencer le regard vis-à-vis du corps social et du territoire. En permettant aux différentes représentations alternatives des corporéités de franchir la frontière imposée par le corps social et ses codifications, les projets ont aussi façonné une réaffirmation et une reprise de possession symbolique des identités troubles, des corporéités aux identités dépossédées. Ainsi, cette démarche corpopoétique et performative prenant comme sujets des populations minoritaires, susceptibles de vivre les frontières sociales, a permis de changer le statut du corps-frontière en celui de corps transfrontalier. En tant que non-lieux marginalisés, les corps-frontières disposent d’un potentiel pour s’exprimer comme lieu de mémoire individuelle et collective, par l’intermédiaire de la performance qui aborde leurs réalités et par le biais d’une esthétisation des discours.
This creation as research thesis focuses on the different forms of the borderbody and its representations in performance art. Hybrid corporality (through its culture, gender, sexual orientation or social class), the borderbody is inscribed as an out-of-norm entity, in breach of the dominant discourses. First, the thesis analyses the works of established performers, both in Quebec and internationally, who have addressed the themes of dehumanization and marginalization and who have used in their works the intimate body, public space and/or corporal traces as mediums. In a second phase, the thesis relates autopoietically a process of artistic creation, which concentrated on representing the narratives of three populations : immigrant people, the visually impaired and women. The various creative laboratories have poetized the relations that maintains the body with the public space. By exploring this socially shared territory and spreading discourses that were once reserved for the private space, the creations contributed to symbolically and poetically transform the urbanspace, with the ultimate objective of rehumanizing a disembodied territory. By enabling the various representations of corporalities to cross the frontier imposed by the social body and its codifications, the projects also aimed at a symbolic reaffirmation/restsession of disturbed identities, dispossessed corporeities. Thus, the performative corpopoetic approach taking as subjects of minority populations, or likely to live on social boundaries, has made possible to change the status of the borderbody to one of transboundary body. Non-lieux spaces, borderbody and reality have a potential to express themselves as places of individual and collective memory, through the intermediary of the artist who approaches their reality through the performance and the aestheticization of their discourses.
This creation as research thesis focuses on the different forms of the borderbody and its representations in performance art. Hybrid corporality (through its culture, gender, sexual orientation or social class), the borderbody is inscribed as an out-of-norm entity, in breach of the dominant discourses. First, the thesis analyses the works of established performers, both in Quebec and internationally, who have addressed the themes of dehumanization and marginalization and who have used in their works the intimate body, public space and/or corporal traces as mediums. In a second phase, the thesis relates autopoietically a process of artistic creation, which concentrated on representing the narratives of three populations : immigrant people, the visually impaired and women. The various creative laboratories have poetized the relations that maintains the body with the public space. By exploring this socially shared territory and spreading discourses that were once reserved for the private space, the creations contributed to symbolically and poetically transform the urbanspace, with the ultimate objective of rehumanizing a disembodied territory. By enabling the various representations of corporalities to cross the frontier imposed by the social body and its codifications, the projects also aimed at a symbolic reaffirmation/restsession of disturbed identities, dispossessed corporeities. Thus, the performative corpopoetic approach taking as subjects of minority populations, or likely to live on social boundaries, has made possible to change the status of the borderbody to one of transboundary body. Non-lieux spaces, borderbody and reality have a potential to express themselves as places of individual and collective memory, through the intermediary of the artist who approaches their reality through the performance and the aestheticization of their discourses.
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Chartrand, Geneviève. "Dans mon silence vertical." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/29463.
Full textAbstract:
Ce mémoire se veut principalement une réflexion sur ma pratique en arts visuels. Je tente de présenter les différents concepts qui alimentent mes recherches, ainsi que la manière dont je travaille pour concevoir mes œuvres. J'évoque les notions de fragment et de récit dans l'image peinte et vidéographique. Il est question ici d'un compte rendu subjectif de ma démarche artistique ainsi que du processus de création auquel je participe. Je pose donc un regard analytique sur mon travail ainsi que sur mes inspirations, puisées à même mon expérience personnelle et intime par rapport au quotidien et au banal.
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Ponton, Olivier. ""Danser dans les chaînes" : le thème de l'allègement de la vie dans la constitution de la morale de Nietzsche." Nice, 2003. http://www.theses.fr/2003NICE2019.
Full textAbstract:
En 1875-1879, Nietzsche abandonne la "métaphysique d'artiste" pour se tourner vers la philosophie de "l'esprit libre" et la "doctrine des choses les plus proches". Il élabore ainsi une morale originale. L'objet de ce travail est d'étudier la constitution de cette nouvelle morale (en examinant notamment le dialogue de Nietzsche avec Wagner, Dühring et Burckhardt), et de montrer que cette morale peut être définie comme une morale de l'affirmation de soi et de l'allègement de la vie - un allègement qui ne consiste pas à rompre avec la pesanteur (se libérer de ses chaînes), mais à la maîtriser et à jouer avec elle ("danser dans les chaînes", selon la formule de Voltaire que Nietzsche reprend dans Le Voyageur et son ombre). L'émergence de cette philosophie de l'allègement s'accompagne d'une transformation profonde des conceptions de Nietzsche relatives à la religion, à l'art et à la connaissance (ainsi que de son interprétation de Schopenhauer et du pessimisme grec).
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Lanno, Dorothée. "Les scènes de l'intimité domestique dans les arts figurés en France (1780-1815)." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAG024/document.
Full textAbstract:
Cette thèse s’attache à étudier les représentations de la vie intime, réalisées dans des techniques et sur des supports variés (peinture, dessin, gravure), entre 1780 et 1815. À cette période, l’intimité connaît une évolution sémantique et une utilisation plus développée : d’une acception limitée à la définition des liens entre deux individus, progressivement sa signification prend une tournure secrète, et s’étend à tout ce que nous ne dévoilons qu’à un cercle réduit d’individus – qu’il s’agisse du for intérieur, des sentiments affectifs ou encore de la sexualité. Ces changements sémantiques sont accompagnés d’une évolution des pratiques domestiques, culturelles et littéraires qui corroborent l’idée d’une période décisive dans l’histoire de l’intimité. Ce travail analyse ainsi les différentes manières de figurer l’intimité, et interroge en outre la destination et la réception des œuvres, afin de comprendre ce que nous révèle la démonstration de l’intimité sur les mœurs de la société française au tournant du XIXe siècle. L’examen de différents modes de diffusion et d’exposition des images, ainsi que le dépouillement des témoignages écrits offerts par la critique permettent de cerner les goûts du public et d’avoir une idée sur la place qui était accordée à ces images, dans les expositions publiques et dans les collections privéesThis thesis examines the representations of private life, made with diverse technics and mediums (painting, drawing, engraving), between 1780 and 1815. At this time, intimacy shows an evolution in its semantic and its usage : from a limited meaning to the definition of the relationship between two individuals, gradually its signification approaches the notion of secrecy, and extends to everything we reveal only to small cercles of persons, to our heart of hearts, our emotional feelings, or sexuality. These semantic shifts come along a domestic, cultural and literary evolution, which support the idea of a decisive time period in the history of privacy. Therefore this work analyses the different ways of representing intimacy and questions whom those works of art were destined to and how they were received, in order to understand the habits and customs of the french society at the turning point of the 19th century. The study of the various methods of exhibiting the pictures as well as the analyse of the writing accounts of the art critics help to more fully understand the taste of the audience and the place the pictures had in the public expositions and in the private collections
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Gouédo-Thomas, Catherine. "Usages de l'eau : dans la vie privée, au Moyen Âge, à travers l'iconographie des manuscrits à peintures de l'Europe septentrionale, XIIIe-XVIe siècles." Paris, EHESS, 1995. http://www.theses.fr/1995EHES0310.
Full textAbstract:
Le puits, la fontaine, le bain, les loisirs aquatiques sont des motifs recurents dans l'enluminure medievale occidentale. A partir du xiiie siecle et jusqu'a la renaissance, les miniaturistes representent le monde qui les entoure avec beaucoup de details, chaque image constituant une veritable scene de genre de la vie quotidienne. Tous les aspects de la vie ayant rapport avec l'eau sont evoques : amenagement des differents types de points d'eau, puisage et portage, cuisson des aliments bouillis, hygiene corporelle et domestique, medecine, natation et joutes nautiques, etc. Apres une analyse rigoureuse des images, necessaire afin de distinguer la part du reel et de celle de l'imaginaire dans ces representations, l'etude de cette iconographie tres riche permet de dresser un catalogue des personnages, des objets et des gestes lies a l'utilisation dans pratiquement tous les domaines de la vie domestique et privee. La gestuelle et les savoir-faire, tres difficiles a reconstituer sans l'aide des images, sont ici mis en evidence. En comparant les enluminures avec les informations apportees par les autres sources documentaires disponibles qu'elles soient d'ordre litteraire, historique, archeologique, ethnologique ou symbolique, il est possible de reconstituer une partie importante de la culture materielle et des mentalites medievalesThe well, the tontam, the bath, the water games are recurrent thermes in western medieval illumination. From the 13th century up until the renaissance, illuminators depicted the world they lived in minute detail, each image being a true reflection of everyday life. All aspects of live relative to water are present : set-ups of water sources, sinking of wells and portage, boliling of food, bodity and domestic hygiene, medicine, swimming and nautical games. A detailed analysis of these pictures is necessary to determine the role of the real and the imaginary in these illuminations. By studying this rich iconography it is possible to list characters, objects and gestures associated with the use of water in nearly all domains of everyday private life. The gestural and know-how which we can hardly reconstitute without the help of pictures are being underscored here. By comparing the illuminations with information from other avaible sources of documentation such as historical, archeological, anthropological or symbolic litterature, we can rebuild a large part of material culture and medieval mentalities
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Vanleene, Alexandra. "Etude archéologique et iconograpique de la représentation des scènes de la vie du Buddha et de l'imagerie bouddhique dans l'art de Haḍḍa (Afghanistan)." Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA1055.
Full textAbstract:
Hadda est le nom d’un village moderne de l’Afghanistan, situé à douze kilomètres au sud de Jellalabad, construit sur les ruines d’une petite ville préislamique dont dépendait un grand ensemble monastique bouddhique. Les vestiges les plus anciens sont datés du IIe siècle de notre ère et l’incendie généralisé qui ruine les sites est à placer au moment de la montée musulmane, vers le IXe siècle de notre ère. Plusieurs dizaines de monastères ont été retrouvés, comptant des centaines de stupa, des dizaines de niches, caitya (chapelles) et banquettes ornés d’œuvres de facture hellénistico-bouddhique : des modelages en stuc et en argile surtout, mais aussi des sculptures en pierre, notamment en schiste et en calcaire, ainsi que des peintures. La motivation scientifique de cette étude est multiple, car tout en replaçant l’art monastique de Hadda au sein de l’art du Gandhara, elle permet de mettre en lumière plusieurs originalités de cette école : l’usage massif du modelage donne naissance à un mode nouveau de composition tridimensionnel, ainsi qu’à l’apparition de scènes ne représentant pas un épisode particulier de la légende canonique du Buddha mais complétant la décoration du monastère en créant une ambiance particulière ou en évoquant symboliquement un épisode. La réunion du talent et de la créativité de l’école de modelage de Hadda, alliant un art à la fois traditionnel et canonique mais aussi audacieux et original, explique son influence que l’on suit à travers le Kapiça et la Bactriane, passant par Bamiyan et aboutissant à l’Asie Centrale chinoiseHadda is the name of a modern village of Afghanistan, located twelve miles south of Jellalabad and built on the ruins of a pre-Islamic city, on which depended a great Buddhist monastery. The earliest remains are dated from the second century AD and a generalized fire destroyed the site around the ninth century AD, during the Muslim rise. Dozens of monasteries were found, with hundreds of stupa and a huge amount of niches and caitya (chapels) carved in Greco-Buddhist style : mostly clay and stucco modelings, as well as limestone and schist sculptures, and a few paintings. The scientific purpose of this study is multiple, for while setting Hadda monastic art within Gandhara art, it helps to highlighting several features of this school: the massive use of modeling generates a new method of three-dimensional composition, and the appearance of scenes not representing specific episode of Buddha’s canonical legend, thus completing the decoration of the monastery by creating a particular atmosphere or evoking an episode in a symbolic way. The combination of the talent and creativity of the modeling school of Hadda resulting in an art both traditional and canonical, but also daring and original, explains an influence that can be followed across Kapisa and Bactria, through Bamiyan and to Chinese Central Asia
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Laalaj, Lamia. "Le quotidien sublime : à la recherche d'un langage pictographique." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/29473.
Full textAbstract:
Ce mémoire accompagne l’oeuvre Picto-Moi, qui est le fruit de mon cursus universitaire au sein de la maitrise en arts visuels. L’oeuvre Picto-Moi dont il est question dans ce mémoire se présentera sous forme d’une série de pictogrammes, autrement dit, un langage visuel graphique et symbolique.Celui-ci reflète une étape figée de l’enfance d’une Canadienne d’origine marocaine, « Moi », partagée entre son pays natal et son pays d’origine pour ainsi dévoiler par ce langage symbolique un ensemble d’évènements, de moeurs et de particularités en toute subtilité. Il s’agira d’abord de percevoir tous ces éléments bruts, responsables de l’émergence de cette oeuvre, viennent en priorité les archives de mon enfance. Dans ce mémoire, je tenterai de révéler au grand jour mon ordinaire et mon extraordinaire, dans une approche singulière et très symbolique.D’autre part, il s’agira d’appuyer mon oeuvre par la notion de monde et plus précisément, la version de Nelson Goodman dans Manières de faire des mondes. Ceci concerne le cadre théorique. Sur le plan pratique, il s’agira d’introduire le système international d’éducation par les images sous le nom d’isotype, et ce en mettant en avant les créations d’Otto Neurath et son alliance avec l’artiste graphiste Gerd Arntz. De là, mon inspiration pour la création de mon langage visuel.
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Clavilier, Catherine. "Physiocratie, sciences de la nature et expression artistique de la ruralité en France dans la seconde moitié du XVIIIe siècle." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010543.
Full textAbstract:
En France, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le développement de la physiocratie et des sciences de la nature provoquèrent un véritable engouement pour l'agriculture et un renouvellement de la représentation du monde rural. Plus sensibles à une approche scientifique, peintres et graveurs s'intéressèrent à des questions économiques, et firent un inventaire des campagnes, des techniques et des métiers. Les architectes conçurent une architecture rurale et les théoriciens du jardin intégrèrent le jardin utilitaire à leur réflexion. Cette approche ne fut pas pour autant réaliste, elle demeurait le fruit d'un imaginaire citadin. On construisit de nouveaux mythes, empreints de sentimentalisme et de nostalgie, et la noblesse s'employa à singer le mode de vie rurale. Néanmoins, la représentation du monde rural, loin d'être à l'abri des tensions politiques, fut un enjeu entre groupes sociaux, les uns y trouvant un moyen de légitimer leur position, les autres de la contester et de critiquer l'ordre établi.
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Théberge, Julie. "Nous sommes Plusieurs." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28345.
Full textAbstract:
Ce mémoire est l’aboutissement de mes efforts à nommer et rendre concret ce qui voyage entre les synapses de mon cerveau en ce qui a trait à l’art, à mes visions de l’art, à mes manières de faire de l’art. À la place de l’art comme moteur de changement personnel et social. À la recherche en art. Bref, à l’art comme expérience sensorielle, conceptuelle et esthétique. Personnelle et collective. Se rapprochant plus du style « écrit d’artiste » que d’un texte théorique, ce mémoire propose des réflexions en lien au commun dans ses deux significations. Soit celle qui réfère au banal et celle qui renvoie au collectif. Nous sommes plusieurs se veut une ode au précaire. À l’intuition, aux débuts, au processus. À l’ordinaire, au banal et au commun. À la communauté. Depuis toujours, je baigne dans ces eaux. Je tourne autour de ce pot : le quotidien. Les lectures entreprises associées à ce champ de recherche ont été des plus révélatrices. Ce texte aborde donc les thématiques du quotidien, de l’excellence ordinaire, et des problématiques en lien avec les termes vulgaire, ambigu et superficiel.
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Kei, Nikolina-Antonia. "L' esthétique des fleurs : kosmos, poikilia et charis dans la céramique attique du VIe et Ve siècle avant J.C." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0120.
Full textAbstract:
Les fleurs sur les vases attiques sont avant tout des ornements beaux à regarder. Néanmoins, réduire leur fonction à une simple esthétisation serait une erreur ; ils sont également des agents figuratifs qui épaulent l'architecture du vase tout en façonnant le regard du spectateur. Ils participent à cette opération que les Grecs appellent kosmesis et qui renvoie aussi bien à la parure qu’à la mise en ordre, à l'arrangement. Les motifs floraux ornent aussi une longue série d'objets figurés sur les vases, tels que des vêtements, des armes, des couronnes, des sceptres, des meubles de luxe, des vases et enfin des éléments architecturaux. Ils véhiculent et visualisent la notion de poikilia, celle de kosmos et celle de charis, trois notions qui, lorsqu'elles s'appliquent à un objet, lui assignent l'essence d'un daidalon, d'un agalma. Les motifs floraux participent à la mise en exergue de ces objets et à une meilleure perception de leur portée sémantique. Enfin, les fleurs qualifient très souvent des figures, mortelles ou divines, des liens que celles-ci tissent, qu’ils soient de nature érotique, amicale, familiale ou religieuse mais aussi des manifestations ludiques et festives, telles que les concours athlétiques et musicaux, les banquets, les danses et le mariage. En effet, dans les images attiques, les parures florales, véhicules de sensations visuelles et olfactives, magnifient les figures mais aussi alimentent l’image d' un réservoir de valeurs associées à la charis et à toutes ses déclinaisons incarnées par les trois Grâces hésiodiques, Aglaïè (beauté physique, jeunesse), Thaliè (générosité, faveur et don) et Euphrosynè (allégresse, plaisir des sens)Although flowers on attic pottery are mainly ornamental motifs, it would be an error to limit their function to a pure aestheticization of the ceramic surface. They are also figurative agents that support the architecture of the vase and, at the same time, shape the spectator's perception of the narrative scene: floral frames and floral motifs floating inside the scene echo and emphasize the action. Ln other words, they participate to the kosmesis, operation that refers to ornament as well as order and arrangement. Floral ornaments appear on Athenian vases but also on abjects depicted in the scenes on Athenian vases, such as drapery, armour, jewellery, sceptres, mirrors, furniture, architectural elements and vessels. They con vey and visualize the notion of poikilia, of kosmos, and that of charis, three notions which assign to ail these luxurious and prestigious objects, the essence of a daidalon, of an agalma. The role of the floral ornaments is to highlight the presence and therefore the significance of these objects inside the image. Nevertheless, flowers do not qualify only objects but also mortal figures and deities, different kinds of relations between erotic partners, friends, family members, humans and gods, and finally festival activities and celebrations, such as athletic and musical competitions, symposia, dances and weddings. In other words, flowers, vehicles of visual and olfactory sensations, magnify figures and, at the same time, supply the vase scenes with a reservoir of values linked to charis and its declinations personified by the three Charites, Aglaia (physical beauty and youth), Thalia (generosity, favour and gift) and Euphrosyne (jubilation and pleasure of the senses)
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Simard, Louise. "Gustave Courbet : le droit de se contredire et le droit de s'en aller." Master's thesis, Université Laval, 1991. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33545.
Full textAbstract:
Ce mémoire jette un éclairage particulier sur le peintre Gustave Courbet, sur son entourage et sur son oeuvre peint et gravé, à l'aide d'une boutade d'un célèbre ami de ce dernier, Charles Baudelaire, qui réclamait pour le peuple français "le droit de se contredire et le droit de s'en aller". Ces deux droits sont intrinsèquement liés et relèvent d'un même sentiment de divinisation de l'homme ou de sécularisation du divin, sensible à travers le XIXe siècle.Montréal Trigonix inc. 2018
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Dzalba-Lyndis, Catherine. "Les animaux merveilleux dans l'art funéraire de la Chine ancienne : la sculpture de fauve : origine d'une représentation artistique et apparition d'un usage funéraire (Ier-VIe s.)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2007PA040076.
Full textAbstract:
Une nouvelle forme artistique funéraire apparaît en Chine sous la dynastie des Han orientaux (25-220) avec les fauves de pierre en ronde bosse, positionnés par paires à l’extérieur de la tombe. Sous un aspect allant du plus réaliste au plus fantastique, leur corps les apparente aux félins, tandis que cornes et ailes s’y greffent pour donner naissance à des animaux merveilleux. Cet art disparaît pendant deux siècles, avant de renaître sous les Dynasties du Sud (420-589) sous une forme monumentale et normalisée. La thèse propose un historique des recherches chinoises et occidentales relatives à ces fauves, des travaux de Victor Segalen (1878-1919) à nos jours, ainsi qu’une analyse détaillée des sculptures, avant de revenir sur l’énigme archéologique que pose leur apparition. A travers une étude de leur représentation et de leur place dans l’ensemble funéraire, nous proposons d’en décrypter méthodiquement l’apparence, l’identité et le rôleA new form of funerary art was created under the Eastern Han dynasty (25-220 A. D. ) with the three-dimensional wild felines in stone, placed outside the tomb, in pairs. These animals vary from the most realistic appearance to the most fantastic one. Their body reminds a feline and the addition of horns and wings creates new forms of fantastic animals. After a gap of two centuries, this art form reappeared on a monumental scale and under a formalised use in the South Dynasties period (420-589). The thesis presents a historical account of the works Chinese and Western researchers led on these stone felines, based on the first works of Victor Segalen (1878-1919). After a detailed analysis of the sculptures, the study deals with the archaeological enigma of their creation. Through a study of their representation and position within the whole funerary process, we will attempt to methodically decipher their identity, physical form and function
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Laroche, Ginette. "L'iconographie jésuite et ses implications cultuelles dans l'art et la religion des Québécois (1842-1968)." Doctoral thesis, Université Laval, 1990. http://hdl.handle.net/20.500.11794/17611.
Full text
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Dauphin-Meunier, Romain. "Joseph Aubert (1849-1924) : la vie et l'oeuvre d'un peintre chrétien." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2004PA040136.
Full textAbstract:
Joseph Aubert fut un des peintres religieux majeurs de la période 1880-1920. Tombé aujourd'hui dans l'oubli, il nous est apparu nécessaire de l'en sortir par une analyse générale de sa vie et de son œuvre. Né à Nantes en 1849, Aubert se sentit très tôt une vocation de peintre religieux. Élève d'Yvon puis de Cabanel, n'ayant pu concourir pour le Prix de Rome en raison de son mariage, il se spécialisa dans la peinture religieuse, et plus particulièrement dans les décors d'églises. Désirant renouveler les thèmes bibliques, il fit trois périples au Proche-Orient entre 1892 et 1900. Les décors de Notre-Dame-des-Champs à Paris et de Notre-Dame de Besançon sont considérés comme des œuvres ayant marqué la peinture religieuse de ces années. Aubert avait acquis en 1898 le domaine de l'Ermitage dans le Doubs où il venait se reposer chaque été. Il y tenait également un atelier. Il mourut en 1924 au couvent des Fontenelles, ne laissant pas de descendance directe. Peintre discret mais réputé auprès du Clergé de son époque, chrétien pratiquant, dessinateur talentueux, bon portraitiste, Aubert fut sans doute le chaînon manquant reliant le classicisme archaïsant d'Hippolyte Flandrin au renouvellement formel de Maurice Denis. D'où la nécessité d'un catalogue raisonné qui puisse rendre compte de l'ampleur d'un travail plus éclectique qu'il n'y paraît et rendre ainsi sa place à un artiste qui avait fait de la religion sa principale confidente et museJoseph Aubert was one of the greater religious painters at the turn of the 19th century. Although he's completely forgotten nowadays, it seemed necessary for us to rehabilitate him with a general analysis of his life and work. Born in Nantes in 1849 Aubert felt an early vocation for religious painting. He studied at Yvon's studio, then at Cabanel's. He wasn't allowed to compete for the Rome Grand Prix cause of his recent marriage. He specialized in religious painting and especially in decoration of churches. As he desired to renew biblical topics, he made three trips to Palestine between 1892 and 1900. The pannels of Notre-Dame-des-Champs in Paris and Notre-Dame in Besançon are considered as masterpieces of religious painting at that time. Aubert bought the Ermitage castle in Franche-Comté in 1898. He got used to come there every summer for resting and he also had a studio. He died in 1924 at the Fontenelles monastery without having any children. Aubert was a discreet but renowned artist by the Clergy. Fervent Christian, talentuous drawer, good portraitist, Aubert maybe was the missing link between Hippolyte Flandrin's archaic classicism and Maurice Denis' formal renewal. So it was necessary to make a Catalogue Raisonné that gives his place back to an artist who had made religion her main confidant and Muse
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Lallemand-Buyssens, Nathalie. "Jacques courtois dit le Bourguignon (alias Giacomo Cortese detto il Borgognone) (1621-1676) : sa vie et son oeuvre peint." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2010. http://www.theses.fr/2010CLF20011.
Full textAbstract:
Né dans le premier quart du XVIIe siècle, Jacques Courtois, jeune Franc-Comtois, franchit les Alpes pour s’installer en Italie. Abandonnant une patrie durablement ruinée où il ne pourra jamais espérer revenir s’établir, ce fils de peintre parvint néanmoins à perpétuer la tradition familiale. Actif principalement à Rome, où il décéda en 1676, l’artiste eut une carrière de près de quarante ans, presque exclusivement italienne. Si Courtois bénéficia de son vivant, puis tout au long du XVIIIe siècle, d’une grande renommée, lui dont Bernin aurait affirmé à plusieurs reprises qu’aucun autre peintre contemporain ne parvenait à exprimer aussi bien la terreur des combats, fut ensuite progressivement oublié. Il en fut de même pour son oeuvre, si bien qu’aujourd’hui ils sont tous deux méconnus, ou pour le moins mal perçus. Au fil des siècles, l’histoire de Jacques Courtois s’est progressivement effacée. De minces notices biographiques, parfois légendaires, se sont imposées et de son oeuvre n’a plus été retenue que la peinture de bataille. Paysages et peinture d’histoire furent peu à peu oubliés. Ainsi, d’un travail riche et varié, ne perdure plus guère que l’image d’une monoproduction uniforme. Cette thèse a pour but de faire redécouvrir le personnage et son travail, en proposant la toute première monographie dédiée à l’artiste. Celle-ci consiste en une biographie critique, une analyse et un premier catalogue raisonné de l’oeuvre peintBorn in the first quarter of the 17th century in the Franche-Comté region, Jacques Courtois crossed the Alps to settle in Italy. At the time he was a young man, he left behind a ruined country where he could never hope to live and practise his art. Yet this painter's son managed to perpetuate the family tradition. He worked mainly in Rome, where he died in 1676 after analmost exclusively Italian career spanning nearly 40 years. While Courtois enjoyed great fame during his lifetime and throughout the 18th century, with Bernini apparently declaring onseveral occasions that no other contemporary painter could express the horror of combat sofaithfully, he was gradually forgotten. The same can be said of his work, so much so that today the man and his oeuvre remain a mystery and are even ill-perceived. Over the centuries, the story of Jacques Courtois has gradually faded. A few scattered biographical notes, some based on legend, have gained currency and his work is remembered essentially for his battle scenes. His landscapes and religious paintings have been forgotten little by little. Thus, a rich and varied body of work is now viewed as a uniform production. This thesis aims to reveal the man and his work in a new light by proposing the first monograph dedicated to the artist. It consists in a critical biography, an analysis of his art and the catalogue of his paintings
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Essid, Kaouthar. "Imageries de la mort et art contemporain." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010739.
Full textAbstract:
La mort est une réalité qui nous hante et qu'on s'obstine à occulter. Cette hantise de la mort peut-elle en faire un objet d'art ou l'objet d'un art qui tend à réévaluer le statut du corps humain à notre époque ? Il existe une opposition fondamentale entre le corps humain voué à la disparition et la conception contemporaine d'un corps beau et inaltérable. A travers ce memento mori, je traite la mort en tant qu'expression plastique et je soulève le questionnement de sa légitimité en tant que langage pictural. Ma confrontation avec la mort m'a amenée à réaliser des œuvres qui méditent sur l'existence, sur la temporalité et sur la nature du rapport de l'être humain à son corps et sur la mort dans ses diverses connotationsDeath is a fact that persues us inspite of our efforts to dissimulate it. The question seems accordingly to be : can this obsession be turned into an object of art which tends to reconsider the status of the human body in our epoch ? There is an essential opposition between the human body that is doomed to vanish and the contemporary vision of a beautiful and unaltered body. Threoughout this "memento mori", I tried to explore death as a plastic expression which raises the question of its legitimacy as a pictorial language. My confrontation with death allowed me to achieve several works that meditate upon existence, temporality, and the nature of the relationship between the human being and his body, and death in its various connotations