Статті в журналах: "Compositores italianos"

1

Oliveira, Katya Beatriz de, and Laura Rónai. "A prática musical religiosa no Brasil e em Portugal na segunda metade do século XVIII: paralelo e fundamentação para a interpretação vocal da música de José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita." Per Musi, no. 24 (December 2011): 151–66. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-75992011000200016.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Na busca da sonoridade histórica e estilisticamente embasada para a interpretação vocal da música sacra mineira da segunda metade do século XVIII e início do XIX, tornase necessário um paralelo com a música realizada em Portugal durante o século XVIII, que constate a influência desta sobre a música mineira setecentista. Neste artigo pretendemos investigar as similaridades estilísticas entre a música do compositor mineiro José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita, particularmente no solo de soprano de sua Missa em Mi bemol, com o solo de soprano de uma Missa a cinco vozes do compositor David Perez e o primeiro movimento do moteto Care Deus si respiro, para soprano solo e cordas, de Niccolò Jommelli, compositores italianos da escola napolitana atuantes em Portugal na segunda metade do século XVIII. Temos como objetivo justificar a utilização de tratados europeus para a fundamentação dos aspectos interpretativos da música mineira.

2

Truett Hollis, George. "Inventario y Tasación de los Instrumentos y Papeles de Música, de la Testamentaria del Exmo. Sr. D. Fernando de Silba Albarez de Toledo, Duque que fue de Alba (1777)." Anuario Musical, no. 59 (December 30, 2004): 151. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.2004.59.62.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

El Inventario y la Tasación de la sobresaliente biblioteca musical del duodécimo Duque de Alba y de sus instrumentos musicales de 1777, no sólo muestra al Duque como un conocedor internacional de la música para cuerda sino que además presenta de una manera válida a Madrid como centro de creación de música de cámara por compositores españoles e italianos residentes en España y su interpretación, de forma privada, en las casas de los nobles como el Duque de Alba. Más de mil obras de cámara, que incluyen obras de los compositores más relevantes de Francia, Alemania y Bohemia, Italia y España, junto a una magnífica colección de instrumentos (Stradivarius, obras de Guadagnini, Piatellini, etc.), hacen que Madrid puede ahora ocupar el lugar que le corresponde junto a los otros centros europeos de creación de música de cámara durante el siglo XVIII.

3

Capdepón Verdú, Paulino. "Música de tecla en la España del siglo XVIII: Domenico Scarlatti y el padre Antonio Soler." Cuadernos de Estudios del Siglo XVIII, no. 21 (October 5, 2017): 7–34. http://dx.doi.org/10.17811/cesxviii.21.2011.7-34.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

El presente artículo se centra en la música española del siglo XVIII,que vive una de las etapas más brillantes de su historia. A ello contribuyó sin duda el esplendor logrado por la música de teclado, que alcanzó un extraordinario grado de desarrollo desde la llegada a España del compositor napolitano Domenico Scarlatti (1685-1757), maestro de clave de la reina de España Bárbara de Braganza. Scarlatti ejerció una influencia decisiva en la implantación del género sonata monotemática en un solo tiempo y en la introducción del estilo galante. Precisamente fue uno de los alumnos predilectos de Scarlatti, el padre Antonio Soler (1729-1783), el continuador de la obra scarlattiana en el ámbito de la sonata de tecla. Maestro de clave del infante don Gabriel y maestro de capillaorganistadel monasterio real de El Escorial, su proximidad a la corte permitió almonje catalán conocer las principales novedades musicales propiciadas por la estancia en España de compositores italianos como el propio Scarlatti o Boccherini. Sin embargo, Soler supo evolucionar y otorgar su propio estilo a su producción para teclado: en la última etapa de su producción artística incorporó varios movimientos a sus sonatas, lo que sitúa al compositor español en la órbita de Haydn y Mozart. En este artículo, después de una introducción sobre la música española del siglo XVIII en general y de la música de teclado en particular, se estudian las trayectorias vitales de ambos compositores, así como sus respectivas aportacionesal ámbito de la sonata de tecla, que constituyen una de las cimas artísticas de la música española del siglo XVIII.PALABRAS CLAVE: Siglo XVIII. Tecla. Estilo galante. Sonata. Scarlatti. Soler. Corte de Madrid. Monasterio de El Escorial.

4

Viana, Isabel, and José Luís de Oliveira. "Ópera de mulher: projeto de encenação e interpretação musical." Jangada: crítica | literatura | artes 1, no. 14 (December 22, 2019): 58–90. http://dx.doi.org/10.35921/jangada.v1i14.231.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Na interpretação de uma obra musical cantada, em particular de uma ópera, o cantor-ator tem um papel determinante na transmissão não só das componentes informativas, a nível do texto musical e literário, mas também dos estados emocionais das personagens, através de indicadores ou marcadores não verbais. Neste artigo apresentamos uma proposta de encenação e os métodos que usamos para fundamentar teoricamente o projeto. Trata-se da interpretação de dez personagens femininas soprano de óperas italianas do século XIX, composto por duas árias de cada um dos cinco compositores italianos escolhidos: Lucilla: “Sento talor nell'anima” [Rossini, La scala di seta (1812)]; Anna: “Giusto Ciel in tal periglio” [Rossini, Maometto II (1820)]; Norma: “Casta Diva” [Bellini, Norma (1831)]; Elvira: “Qui la voce sua soave… vien diletto” [Bellini, I Puritani (1835)]; Marie: “Ciascun lo dice” [Donizetti, La Figlia del Reggimento (1839)]; Rita: “E’ lindo e civettin questo caro alberguccio” [Donizetti, Rita (1841)]; Gilda: “Tutte le feste al tempio” [Verdi, Rigoletto (1850)]; Oscar: “Volta la Terra...” [Verdi, Un Ballo in Maschera (1859)]; Anna: “Se come voi piccina io fossi” [Puccini, Le Villi (1884)]; Musetta: “Quando men vo” [Puccini, La Bohéme (1895)]. O espetáculo tem a duração de cerca de 45 minutos e tivemos particular atenção aos estados emocionais de cada uma das personagens, para a interpretação das respetivas árias, bem como a cenografia e os adereços. Com este projeto, concluímos que, ainda que vocal e tecnicamente possa ser bem executada, não é possível realizar uma correta interpretação de uma ária sob o ponto de vista dramático sem conhecer previamente a personagem, a sua personalidade e, especialmente, os estados emocionais presentes em cada um dos momentos

5

Teixeira, Thiago Plaça. "Recepção e influência de Lorenzo Perosi (1872-1956) na música religiosa de Alberto Nepomuceno (1864-1920)." Revista Música 19, no. 2 (November 24, 2019): 17–43. http://dx.doi.org/10.11606/rm.v19i2.160085.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

O presente artigo visa analisar a possível influência musical do compositor italiano Lorenzo Perosi (1872-1956) na música sacra e religiosa do brasileiro Alberto Nepomuceno (1864-1920). Após contextualizar a recepção da música de Perosi no Brasil entre o final do século XIX e as primeiras décadas do século XX, apresenta-se uma análise de diferentes aspectos musicais de obras de Nepomuceno que evidenciam uma influência direta de Perosi, via intertextualidade musical, ou uma comum referência estilística para ambos os compositores. Verificou-se este último tipo de influência no tratamento dado à harmonização do canto gregoriano e no uso de tópicas e elementos representativos em obras instrumentais e corais de Nepomuceno; e a intertextualidade musical na sua Missa a duas vozes, sobretudo no Sanctus.

6

Yáñez Navarro, Celestino. "Música para pianoforte, órgano y clave, en dos cuadernos zaragozanos de la primera mitad del siglo XIX." Anuario Musical, no. 62 (December 30, 2007): 291. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.2007.62.27.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

El presente artículo versa sobre el estudio y análisis de dos cuadernos de música de tecla que fueron copiados por el entonces propietario -el organista, violinista y compositor- Benigno Cariñena Salvador (*Calahorra -La Rioja-, 13-II-1829; †Zaragoza, 27-VII-1886) y que actualmente se encuentran depositados en el Archivo de Música de las Catedrales de Zaragoza (E: Zac). Los manuscritos recopilan una tipología heterogénea de obras destinadas a diversos instrumentos de tecla: órgano, clave y pianoforte, con un evidente carácter “funcional”. El repertorio está constituido por composiciones litúrgicas, sonatas, tríos, transcripciones de oberturas o fragmentos de óperas italianas, variaciones y composiciones para solistas vocales con el acompañamiento para teclado. Los compositores que aparecen son locales -R. Ferreñac, F. Garcés y V. Metón-, nacionales -J. Lidón- y extranjeros -F. J. Haydn, J. L. Adam, V. Bellini, G. A. Rossini, G. Paccini, L. Ricci, G. Donizetti-.

7

Soler Campo, Sandra. "Vittoria Aleotti e Isabella Leonarda, compositoras del barroco italiano." RICSH Revista Iberoamericana de las Ciencias Sociales y Humanísticas 9, no. 18 (February 16, 2021): 254–65. http://dx.doi.org/10.23913/ricsh.v9i18.235.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

En el presente artículo se realizará un recorrido histórico del barroco musical Italiano en el que se describirán cuáles eran las posibilidades de algunas mujeres músicas en este periodo así como las posibilidades que tenían para formarse y posteriormente dedicarse a la composición. Así también, se hará mención de la vida y obra de Vittoria Aleotti e Isabella Leonarda, dos de las compositoras más representativas de los siglos XVI y XVII del barroco italiano. Sus obras fueron fundamentalmente vocales y se escribieron para una, dos, tres y/o cuatro voces. Todo ello tuvo lugar en un momento histórico en el que la voz femenina era cada vez más aclamada por el público.

8

Béjar Bartolo, Alejandra, and Fabrizio Ammetto. "Las composiciones de Francesco Antonio Pistocchi (1659-1726): listado actualizado de su obra." RICSH Revista Iberoamericana de las Ciencias Sociales y Humanísticas 6, no. 11 (May 20, 2017): 313. http://dx.doi.org/10.23913/ricsh.v6i11.120.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

El cantante, compositor y didacta (maestro de canto) Francesco Antonio Pistocchi (Palermo 1659 - Bolonia 1726) fue un músico ampliamente reconocido por sus contemporáneos (Giuseppe Torelli, Pier Francesco Tosi, Johann Joachim Quantz, entre otros) y, hoy en día, es digno de ser considerado entre los mejores compositores de música vocal del Barroco italiano. Aunque no está todavía catalogada de manera sistemática, su producción merece ser ampliamente estudiada, analizada y ejecutada. Hasta la fecha no existe un catálogo exhaustivo que registre de manera puntual toda su obra, por tal razón, en este estudio se presenta por primera vez un listado actualizado de su amplia producción –que incluye óperas, serenatas, oratorios, cantatas, duetos, tercetos, madrigales, misas (o secciones de misa), salmos, responsorios, cánticos, letanías, himnos, antífonas, motetes, lamentaciones, pastorales y secuencias, además de una colección de música instrumental–, en donde se especifica la localización de su música que ha llegado hasta nuestros días (actualmente resguardada en alrededor de treinta diferentes bibliotecas de Alemania, Austria, Bélgica, Francia, Italia, Reino Unido y Estados Unidos de América). Cabe hacer hincapié que muchas de las composiciones de Pistocchi se han identificado y enlistado por primera vez en esta investigación.

9

Martínez and del Pilar Alén Garabato. "El compositor italiano Buono Chiodi y su magisterio en Santiago de Compostela." Revista de Musicología 17, no. 1/2 (1994): 411. http://dx.doi.org/10.2307/20796999.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

10

Piedade, Acácio Tadeu de Camargo. "Modelação do tempo: Salvatore Sciarrino, janelas e nublamento." OPUS 23, no. 2 (August 27, 2017): 131. http://dx.doi.org/10.20504/opus2017b2306.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Neste artigo pretendo discutir uma das figuras da linguagem musical do compositor italiano Salvatore Sciarrino: a forma em janelas. Após definir esta figura da maneira como o compositor a explica, procurarei mostrar que, na composição, as janelas podem se abrir tanto para dentro quanto para fora do discurso musical. De um lado, elas apontam para um ambiente interior da composição, constituindo uma remissão interna. De outro, provocam o ouvido a compreender a referência externa, construindo uma intertextualidade. A partir da janela para fora, tratarei de técnicas de distorção, particularmente daquela que chamo de nublamento. Nas conclusões retomarei a questão da memória e da composição enquanto modelação do tempo.

11

Reis da Silva Lima, Lurian José. "Vida real e forma-de-vida: uma reflexão a respeito da relação entre arte e vida em Giorgio Agamben e Villa-Lobos." Revista Música Hodie 17, no. 1 (March 2, 2018): 57. http://dx.doi.org/10.5216/mh.v17i1.47002.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

A relação entre arte e vida é, para o Giorgio Agamben, uma questão poética tanto quanto filosófica e política. O que se propõe neste artigo é uma reflexão que vincula as ideias do filósofo italiano sobre tal questão e o modo como a vida e a obra do compositor brasileiro Heitor Villa-Lobos são retratadas em sua primeira e principal biografia. A tese em torno da qual se constrói tal reflexão é a de o modo como a vida e a obra de Villa-Lobos aparecem unidas nessa biografia reflete uma postura político-artística que não pode ser negligenciada, pois nasce do profundo desejo do compositor de fazer-se singular, ou, nos termos de Agamben, de não existir senão como uma forma-de-vida

12

Yáñez Navarro, Celestino. "La existencia en España de una tercera gran colección de sonatas de D. Scarlatti copiada por el escriba de los Manuscritos de Venecia (Libros I-XIII) y Parma (Libros I-XV)." Anuario Musical, no. 73 (December 18, 2018): 167. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.2018.73.11.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

En el Archivo de Música de las Catedrales de Zaragoza (EZac) se guarda un importante corpus de sonatas de D. Scarlatti constituido por seis manuscritos del siglo XVIII cuyo origen se localiza en la Capilla Real y que pertenecieron a José de Nebra, el compositor español más relevante de la corte en tiempos del compositor italiano. Dos de estos manuscritos formaron parte, a su vez, de una tercera gran colección de sonatas cuya elaboración se inició con anterioridad a la copia de los volúmenes que hoy se conservan en Venecia y Parma, y corrió también a cargo del escriba principal. Dada la relevancia de las conclusiones obtenidas en mi tesis doctoral, puede afirmarse que el fondo documental de Zaragoza es un referente internacional de primer orden para continuar avanzando en el estudio de la música para teclado de D. Scarlatti.

13

Magno, Maria Ignes Carlos, and Eliana Costa. "Sonoridades e ambiências nos filmes: Cão branco e A missão." Comunicação & Educação 22, no. 2 (November 16, 2017): 133. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-9125.v22i2p133-145.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Tendo como fundamento os estudos do teórico alemão Hans Ulrich Gumbrecht1 e seu instigante conceito de Stimmung, nas diversas camadas de significações que o compõem (clima, atmosfera, som, humores, ambiência), esta resenha pretende explorar como essa categoria estética influi na construção e leitura da obra cinematográfica. O foco central de nossas reflexões será a dimensão sonora do filme, especificamente na música ou trilha sonora, e em como ela participa do Stimmung, sugerindo efeitos de intensa presença, que redimensionam a obra. Para realizar esta proposta de leitura, apresentaremos dois filmes: Cão branco (1982), de Samuel Fuller, e A missão (1986), de Roland Joffé; ambos com trilha do compositor italiano Ennio Morricone. Investigaremos também como o Stimmung permeia várias etapas do processo de criação da música, tornando-se parte intrínseca da práxis do compositor, no transcorrer da realização da obra.

14

Syroyid Syroyid, Bohdan. "Riccardo Schwartz (2019) Font y de Anta: Andalucía. Brilliant Classics." Cuadernos de Investigación Musical, no. 9 (February 27, 2020): 169–71. http://dx.doi.org/10.18239/invesmusic.v0i9.2268.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

No todos los días puede uno permitirse el lujo de presenciar el estreno absoluto de una obra musical centenaria. Más aún, cuando dicho estreno implica la recuperación de uno de los principales ciclos pianísticos de la literatura española de la primera mitad del siglo XX. Este es el caso del reciente trabajo discográfico del pianista italiano Riccardo Schwartz, alumno del célebre pianista y musicólogo Paul Badura-Skoda (1927 – 2019). Schwartz nos complace con la recuperación de la Suite Andalucía del compositor sevillano Manuel Font y de Anta.

15

Astor, Dorian. "Rossini, músico do futuro. Nietzsche e Peter Gast na descoberta da grande saúde rossiniana." Cadernos Nietzsche 38, no. 1 (April 2017): 148–83. http://dx.doi.org/10.1590/2316-82422017v3801da.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Resumo O presente artigo tem o objetivo de refletir acerca das relações entre Nietzsche e o compositor italiano de ópera Gioachino Antonio Rossini. No intuito de traçar o desenvolvimento da influência do músico sobre o filósofo, o artigo realiza um apanhado e examina os textos de Nietzsche em que Rossini é citado. Ao longo do trabalho, tenta-se evidenciar que essa influência foi gradativa, mas de essencial importância nas vivências do filósofo. Como temática secundária, o artigo também traz algumas reflexões sobre a relação entre Wagner e Rossini.

16

González Alcantud, José Antonio. "Un viaje operístico políticamente incómodo." SIGLO DIECINUEVE (Literatura hispánica), no. 19 (May 7, 2013): 39–51. http://dx.doi.org/10.37677/sigloxix.vi19.104.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Giuseppe Verdi visita Madrid en 1863, con motivo del estreno de su ópera La forza del destino. Verdi es un compositor connotado de liberalismo y nacionalismo italiano. En España, como en Italia, la situación política es convulsa. Tras su decepción de los lugares habitados por Felipe II, Verdi emprende viaje a Andalucía. En Granada será acogido por el cantante operístico Giorgio Ronconi, un viejo conocido. Sin embargo, y a pesar de que en la ciudad andaluza posee un grupo de fieles, encabezados por Pedro Antonio de Alarcón, su viaje pasará desapercibido, sin dejar prácticamente rastro.

17

Ammetto, Fabrizio. "Contraria contrariis curantur: el arte del canon y las habilidades mentales." DOCERE, no. 13 (December 11, 2015): 19–22. http://dx.doi.org/10.33064/2015docere131752.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

La frase en latín del título de este artículo Contraria contrariis curantur (“los contrarios se curan con los contrarios”) no hace referencia a la doctrina de “lo similar cura lo similar” del sistema de la homeopatía (medicina alternativa) creado por Samuel Hahnemann en 1796, sino que es el título de la décima composición musical incluida en la colección impresa Artificii musicali ne quali si contengono canoni in diverse maniere, contrapunti dopii, inventioni curiose, capritii e sonate, opus XIIIi (Modena, 1689) del violinista y compositor italiano Giovanni Battista Vitali (1632-1692).

18

Held, Marcus. "Harmonia segundo Francesco Geminiani (1687-1762): um olhar sobre os tratados Guida Armonica (1756/8) e The Harmonical Miscellany (1758)." OPUS 23, no. 2 (August 27, 2017): 155. http://dx.doi.org/10.20504/opus2017b2307.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Embora o estudo da música antiga tenha se consolidado no último século tanto nas salas de concerto quanto na investigação acadêmica, ainda são diversos os compositores e, naturalmente, as obras que carecem de atenção por parte dos especialistas. No caso do italiano Francesco Geminiani (1687-1762), sua vida e obra são temas de poucos estudos no campo da musicologia histórica e, no tocante à sua produção teórica, Guida Armonica (1756/8) e The Harmonical Miscellany (1758) configuram tratados praticamente desconhecidos do leitor atual. Nesse sentido, o presente artigo objetiva elaborar um estudo sobre esses escritos, sendo assim um ponto de partida para o aprofundamento devido a esses documentos. Serão expostos os percalços editoriais e a contextualização histórica de ambos, de modo que perceberemos a persistência de Geminiani no que diz respeito ao ensino da harmonia, bem como as diversas críticas – positivas e negativas – recebidas antes, durante e depois das tentativas de publicação das obras aqui estudadas.

19

Filocamo, Gioia. "Minimalismo Estratégico através da comida e da música nos conventos do início da Idade Moderna." Revista de Estudos da Religião (REVER). ISSN 1677-1222 15, no. 1 (June 21, 2015): 48. http://dx.doi.org/10.21724/rever.v15i1.23585.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Comida e música são ambos perigosos estimulantes para mulheres. Durante a Idade Moderna elas podiam expressar-se como “artisitas” apenas dentro de conventos: Isabella Leonarda – uma freira Ursulina de Novara – foi a mais prolífica compositora do século XVII. Além disso, o primeiro livro de receitas já escrito por uma mulher vem de um convento italiano: Maria Vittoria della Verde, uma dominicana da Perugia, escreveu 170 receitas de 1583 a 1607. Enquanto bispos consideravam música e comida perigosas ao bem-estar espiritual de freiras, é evidente que ambos foram usados para manter uma avivada relação com o mundo externo. Jejum foi o sistema oposto para se afirmarem.

20

Miranda, Paulo Agenor. "Luciano Berio, restaurador: análise de Rendering per orchestra (1988-90)." ouvirOUver 15, no. 1 (June 17, 2019): 172–90. http://dx.doi.org/10.14393/ouv24-v15n1a2019-12.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Em Rendering, Berio propôs-se restaurar os esboços da décima sinfonia que ocupou Schubert em suas últimas semanas de vida. Este artigo investiga sua atuação sobre o texto musical schubertiano, desvelando o profícuo engajamento do compositor italiano com as vanguardas artísticas do século XX e, ao mesmo tempo, seu diálogo com importantes realizações da tradição musical. Evitando uma intervenção fantasiosa, a obra orienta-se pelas "linhas da restauração moderna de afrescos que visam reviver as cores antigas sem, contudo, disfarçar o dano causado pelo tempo" (BERIO, 1989). A hipótese norteadora é que os procedimentos escriturais adotados por Berio são implicitamente engajados nos preceitos da Teoria da Restauração (1963) de Cesare Brandi, ícone do restauro crítico italiano. As análises das estratégias composicionais do primeiro movimento de Rendering esclarecem, de um lado, o trabalho sobre a orquestração e contraponto visando reviver as cores de Schubert e, de outro, a intervenção sobre as lacunas entre os fragmentos através de uma argamassa musical tipicamente beriana.

21

s, Sandra. "ANNA ISABELLA LEONARDA (1620 – 1704): 400 ANIVERSARIO DE LA BRILLANTE COMPOSITORA DEL BARROCO ITALIANO / ANNA ISABELLA LEONARDA (1620 - 1704): 400TH ANNIVERSARY OF THE BRILLIANT COMPOSER OF THE ITALIAN BAROQUE." ARTSEDUCA. Revista electrónica de educación en las Artes, no. 25 (2020): 104–14. http://dx.doi.org/10.6035/artseduca.2020.25.6.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

22

Rosal Nadales, Francisco José. "Música de Boccherini en Prusia gracias al conde de Fernán Núñez (1773)." Revista de Humanidades, no. 39 (May 29, 2020): 231. http://dx.doi.org/10.5944/rdh.39.2020.25469.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Resumen: La historiografía sobre Luigi Boccherini había dado como fecha de contacto entre este y el príncipe Federico Guillermo de Prusia el año 1783. A partir del estudio de los viajes que realizó el VI Conde de Fernán Núñez por Europa, se puede conocer que, en el otoño de 1773, conoció al heredero en Potsdam, le escuchó tocar el violonchelo y, como acto de cortesía, regaló al príncipe Hohenzollern unos tríos de Boccherini. Por tanto, se debe adelantar en diez años la fecha en la que Federico Guillermo conoció de primera mano la obra del compositor italiano. Sin embargo, queda averiguar qué tríos pudieron ser. En la fecha del encuentro, solo los Op. 1, 4 y 6 habían visto la luz, por lo que debe acotarse a ellos la búsqueda.Abstract: The historiography about Luigi Boccherini had given as a date of contact between this and Prince Frederick William of Prussia the year 1783. From the study of journeis made by VIº Count of Fernán Núñez through Europe, it can be know that, in the autumn of 1773, he met the heir in Potsdam, heard him play the cello and, as an act of courtesy, he gave the prince Hohenzollern some string trios of Boccherini. Therefore, the date on which Frederick William knew first hand the work of the Italian must be advanced in ten years. However, it remains to be found what string trios they could be. On the date of the meeting, only the Op. 1, 4 and 6 had seen the light, so the search should be limited to them.

23

Bessa Severiano, Débora. "Vermischter Geschmack na obra de Telemann." Convergences - Journal of Research and Arts Education 14, no. 27 (May 31, 2021): 123–32. http://dx.doi.org/10.53681/c1514225187514391s.27.74.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

No final do século XVII e início do século XVIII encontramos o desenvolvimento particular de um estilo germânico a que se chamou o Vermischte Geschmack, que traduziremos como Gosto Misto Germânico. Neste artigo procuramos identificar brevemente as origens desta tendência estética germânica e caracterizar o conceito destacando as suas maiores influências – germânica contrapontística, francesa e italiana. Para tal, apresenta-se igualmente um excerto de uma obra do compositor que reúne, no nosso entender, estas várias influências numa escrita ao gosto misto germânico – Georg Philipp Telemann. Como metodologia utilizou-se a pesquisa bibliográfica e documental bem como a análise musical descritiva de exemplos da época a que se alude.

24

Kerr, Isaac William, Lenita Waldige Mendes Nogueira, and Marcos Da Cunha Lopes Virmond. "Bel canto na escrita de um compositor de transição: considerações sobre a vocalidade de Fosca e Maria Tudor." OPUS 25, no. 3 (November 10, 2019): 201. http://dx.doi.org/10.20504/opus2019c2510.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Carlos Gomes é assunto obrigatório em uma pesquisa musicológica que se propõe a estudar o período de transição da ópera italiana (1870-1890). Ao lado de uma escrita evoluída, encontra-se uma técnica conservadora, fortemente ligada às convenções da primeira metade do século XIX, compondo o universo criativo do operista brasileiro na organização do discurso dramático do espetáculo ou na caracterização rápida de seus personagens. Propõe-se para esse estudo discutir o termo bel canto a partir de uma revisão bibliográfica de autores e tratados que pavimentaram a visão moderna que temos sobre o assunto e, em seguida, identificar e analisar a presença de gestos do bel canto na vocalidade gomesiana. Com o propósito de demonstrar que procedimentos pertencentes à velha escola (primo ottocento) são constantemente retomados por Gomes, selecionamos as óperas Fosca e Maria Tudor para aplicação dos resultados – obras consideradas de vocalidade ousada dentro da produção do operista.

25

Suárez García, José Ignacio. "Polémicas wagnerianas en el siglo XIX en España." Anuario Musical, no. 66 (December 30, 2011): 181. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.2011.66.128.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

En la década de 1860 la crítica musical española plantea una oposición sobre la validez estética de dos sistemas considerados excluyentes: la ópera italiana y el drama musical wagneriano. Este antagonismo provocará en la década posterior la aparición de polémicas que abordan, entre otros temas, el papel que en el drama lírico deben desempeñar texto, música, cantante, orquesta, melodía y armonía. Aunque con el debate estético siempre como telón de fondo, las querellas están motivadas y son catalizadoras de intereses editoriales, enfrentamientos nacionalistas, rencillas personales y choques generacionales. En el presente trabajo hacemos un repaso diacrónico de estas discusiones, en las que la controvertida personalidad del compositor alemán es un factor negativamente determinante.

26

Held, Marcus. "O diletantismo inglês: o violino na cultura britânica no século XVII." Revista Música 16, no. 1 (December 25, 2016): 241–49. http://dx.doi.org/10.11606/rm.v16i1.125017.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

A música para violino é tema recorrente em diversas pesquisas da musicologia histórica. No entanto, uma abordagem mais detalhada sobre os primeiros passos de seu repertório carece de atenção. Desde seu aparecimento na renascença tardia, a música para violino esteve ligada à música de dança. Seja nas tavernas, nas casas, ou nas ruas, a posição que esse instrumento conquistou na sociedade levou-o a um papel de destaque nas cortes europeias. Na Inglaterra, foco deste artigo, o violino serviu, primeiramente, como instrumento integrante das English Masques e dos consorts reais. Isto deu ao violino e sua família maior autonomia de repertório, de modo que este passou a atuar em gêneros essencialmente instrumentais, como a fantasia-suíte, a sonata e o trio-sonata. Neste estudo, observaremos como o instrumento em questão influenciou o panorama da dança na Inglaterra do século XVII, utilizando-se de obras de compositores representativos daquele período: John Playford (1623-1687) e Peter Prelleur (1705-1741). Em seguida, estudaremos, com mais detalhes, os gêneros citados previamente, a fim de esclarecer a relação do violino para com o estilo italiano em ascensão, bem como sua execução pelos músicos amadores, fundamentais para o desenvolvimento da popularidade e reputação desse instrumento além de sua perpetuação na cultura britânica

27

Rosal Moral, Isabel. "Luigi Mancinelli, Giulio Ricordi y Francesco Tamagno, figuras fundamentales en la recepción del primer Puccini en España: el estreno de Edgar en el Teatro Real (1892." Cuadernos de Música Iberoamericana 33 (September 24, 2020): 281–302. http://dx.doi.org/10.5209/cmib.71696.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Giacomo Puccini (1858-1924) solo estuvo una vez en España. Fue durante los meses de febrero a marzo de 1892, en los que viajó desde Italia a Madrid para supervisar los ensayos de Edgar y asistir a su posterior estreno en el Teatro Real. A diferencia de Giuseppe Verdi años antes, Puccini apenas tuvo tiempo para conocer otras ciudades españolas. Los ensayos absorbieron todo su tiempo y, tras el estreno, rápidamente regresó a Milán. Edgar fue la primera ópera de Puccini que consiguió estrenarse fuera de Italia, de ahí su importancia para entender la recepción del músico en el extranjero y, sobre todo, en España. Por todo ello, en este artículo pretendemos estudiar el estreno de la primera ópera de Puccini en España, la recepción de la obra y del compositor italiano en Madrid, así como la estancia del músico en la mencionada ciudad.

28

Nogales Barrios, Silvia. "La Música en Juan Ramón Jiménez: Una aproximación al Platero y yo de Mario Castelnuovo-Tedesco." Cuadernos de Investigación Musical, no. 4 (September 18, 2018): 54. http://dx.doi.org/10.18239/invesmusic.v0i4.1816.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Juan Ramón Jiménez es una de las figuras esenciales de la literatura española. Entró en la historia gracias a la calidad de sus obras, reconocida con el nobel de literatura en 1956. Debe hacerse una especial mención a su narrativa lírica titulada Platero y yo, una obra universal que ha transcendido la literatura, convirtiéndose en germen de muchas piezas musicales. Entre las obras musicales basadas en el libro juarramoniano, se encuentra el Platero y yo del compositor italiano Mario Castelnuovo-Tedesco, mereciendo esta composición una especial atención. Este artículo pretende ser una primera aproximación a la figura de Juan Ramón Jiménez desde el ámbito musical, al igual que una introducción a la relación existente entre el Platero y yo de Juan Ramón Jiménez y la obra de Mario Castelnuovo Tedesco para narrador y guitarra que lleva el mismo nombre, mediante el estudio del primer movimiento de la obra.

29

Roque, Isabel Rebelo. "De Rossellini a Rossellini: dois processos de criação que se sobrepõem." Manuscrítica: Revista de Crítica Genética, no. 43 (July 26, 2021): 110–26. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2596-2477.i43p110-126.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

O cineasta italiano Roberto Rossellini foi, de todos os cineastas neorrealistas, quem levou ao cinema de ficção a estética documental em sua maior radicalidade. Em sua “trilogia da guerra”, constituída por Roma, cidade aberta, Paisà e Alemanha, ano zero, essa estética documental deriva em grande medida do uso de atores não profissionais, recrutados entre a população local, e da filmagem em locação. Na trilogia e em vários de seus filmes, anteriores e posteriores, seu irmão mais novo, o compositor Renzo Rossellini, assina as trilhas sonoras. No presente artigo, discutiremos os processos de criação e as escolhas estéticas de um e de outro, de modo a evidenciar o quanto, frequentemente, parecem chocar-se ou no mínimo sobrepor-se. Tomando por objeto o trabalho desenvolvido por ambos em Alemanha, ano zero, apresentaremos como ponto fulcral um gráfico – por nós elaborado – em que relacionaremos cinquenta e cinco sequências fílmicas à respectiva banda sonora, como meio de demonstrar nossa tese.

30

Pérez-Borrajo, Aarón. "«Les contrepointistes de L’Ècole d’Évora». El Integralismo Lusitano y la Escola de Évora en el nacionalismo musical de Luís de Freitas Branco." Popular Music Research Today: Revista Online de Divulgación Musicológica 2, no. 2 (October 14, 2020): 33–47. http://dx.doi.org/10.14201/pmrt.23928.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

El objetivo principal de este artículo consiste en identificar los mecanismos mediante los cuales el compositor y musicólogo Luís de Freitas Branco (1890-1955) diseña y configura un nacionalismo musical portugués sumamente particular a partir del marco teórico que le proporciona el Integralismo Lusitano. Movimiento protofascista activo en Portugal entre 1916 y 1933, de corte tradicionalista y monárquico, abogó por un proyecto cultural opuesto a la dimensión castellana y a las interferencias italianas que asolaron el panorama musical portugués durante el siglo XIX. Los agentes musicales integralistas entendieron que el contrapunto polifónico de los siglos XVI y XVII, asociado a la denominada Escola de Évora, debía ser el modelo a seguir para volver a situar a Portugal en la vanguardia europea del siglo XX. Para ello, en esta investigación se abordará el estudio de caso del capítulo «Les contrepointistes de l’École d’Evora», publicado en el tercer volumen de las Actes du Congrès d’Histoire de l’Art (1924). Testimonio de su participación en el congreso de título homónimo celebrado en París en 1921, esta fuente nos permitirá comprobar cómo el musicólogo portugués construye y difunde un imaginario musical nacional acorde a las doctrinas integralistas en un contexto internacional.

31

Ezquerro, Antonio. "La España romántica y una partitura de excepción. Coriolano, de Francisco Andreví." Cuadernos de investigación musical, no. 11 (December 15, 2020): 15–44. http://dx.doi.org/10.18239/invesmusic.2020.11.04.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Cuando se celebra el 250 aniversario del nacimiento del inconmensurable Ludwig van Beethoven, autor de una célebre Obertura Coriolano, Op. 62 en Do menor (Ouvertüre zu Coriolan), se ha planteado la oportunidad de dar a conocer la obra homónima, realizada por Francisco Andreví (*1786; †1853), que fuera maestro de la Real Capilla española entre 1830 y 1836, es decir, con Fernando vii, y durante los primeros años de la regencia de María Cristina de Borbón-Dos Sicilias. Compositor dado a conocer más tarde en Burdeos y París, se trata ésta de la única obra hoy conocida para la escena de este músico catalán, la cual se ha conservado en una sola copia manuscrita. Una música, sin duda, condicionada por la compleja situación política del momento en la corte española, la cual deja traslucir las luces y sombras de un tipo de composición “de circunstancias”, y “de consumo”, embebida de la literatura operística italiana entonces en boga ―y por su reflejo en Francia― (Rossini, Auber, Meyerbeer), aquí muy de segundo orden, aunque con breves destellos, en ocasiones, brillantes, aunque sobre todo y principalmente, chocantes, que no dejan de ser sino un testimonio, llamativo, y acaso paradigmático, de aquello que pudo haber sido y en lo que se acabó por convertir, la música de una nación en pleno desmantelamiento. Véase, aquí, la edición en partitura de la citada composición, acompañada, por otra parte, de un amplio estudio, al que se remite al lector.

32

RASCH, RUDOLF. "BIANCA MARIA ANTOLINI, CONSTANTINO MASTROPRIMIANO, EDS MUZIO CLEMENTI: COMPOSITORE, (FORTE)PIANISTA, EDITORE. ATTI DEL CONVEGNO INTERNAZIONALE DI STUDI, PERUGIA, CONSERVATORIO DI MUSICA, 4–6 OTTOBRE 2002, IN COLLABORAZIONE CON LA SOCIETÀ ITALIANA DI MUSICOLOGIALucca: Libreria Musicale Italiana, 2006 Strumenti della Ricerca Musicale 9 pp. x + 342, ISBN 978 88 7096 439 4 - RICHARD BÖSEL, MASSIMILIANO SALA, EDS MUZIO CLEMENTI: COSMOPOLITA DELLA MUSICA. ATTI DEL CONVEGNO INTERNAZIONALE IN OCCASIONE DEL 250O ANNIVERSARIO DELLA NASCITA (1752–2002), ROMA, 4–6 DICEMBRE 2002Bologna: Ut Orpheus Edizioni, 2004 Quaderni Clementiani 1 pp. xi + 236, ISBN 978 88 8109 450 9." Eighteenth Century Music 6, no. 1 (March 2009): 113–16. http://dx.doi.org/10.1017/s1478570609001754.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

33

Santiago Figueiredo, Denise Lima, Mónica Vermes, and Leni Ribeiro Leite. "Figuras retórico-musicais no Te Deum de Luís Álvares Pinto." Orfeu 5, no. 3 (December 16, 2020). http://dx.doi.org/10.5965/2525530405032020124.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

A retórica tem seu nascimento e desenvolvimento na Grécia e posteriormente em Roma, alcançando toda a Europa no final da Antiguidade e se estendendo ao medievo, contribuindo para o enriquecimento de várias esferas do conhecimento humano, bem como da música. O contato entre as duas artes se dá, a partir do século XVI por meio dos tratados que vão desde compositores alemães, franceses, italianos, até os portugueses, chegando então, aos músicos brasileiros estudantes na metrópole, o conhecimento consciente da utilização de elementos e técnicas que estabelecem, entre outras possibilidades, uma maior aderência junto à plateia. Situado neste quadro está Luís Álvares Pinto, compositor e professor brasileiro que, por meio de seu contato com os estudos humanísticos, trouxe à sua obra Te deum Laudamus possíveis figuras de elocução que caracterizam a aplicabilidade da retórica em sua música.

34

Corazzol, Adriana Guarnieri. "Músicos italianos na América Latina entre os séculos XIX e XX: lembranças e testemunhos." Estudos Ibero-Americanos, December 31, 2012. http://dx.doi.org/10.15448/1980-864x.2012.s.12458.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Este texto destaca as memórias de experiências pessoais deixadas por uma dúzia de músicos italianos na América do Sul, nos anos 1880-1920 (período em que o fenômeno da emigração italiana para a região alcançou o seu auge), associada a informações fornecidas por familiares e colegas. Literatura biográfica secundária é também levada em conta. As questões que aparecem com maior frequência nestas notas pessoais e memórias são as condições da viagem, os contratos, os teatros, a acolhida da plateia e as atividades de lazer. O texto investiga as experiências destes trabalhadores da música como cantores de ópera, diretores de orquestra, compositores e maestros em sua busca de sucesso. No texto, são discutidas as experiências das seguintes personalidades: Francesco Tamagno, Gemma Bellincioni, Arturo Toscanini, Giacomo Puccini, Michele Puccini, Ada Giachetti, Enrico Caruso, Nazzareno De Angelis, Luigi Mancinelli, Pietro Mascagni, Gino Marinuzzi, Beniamino Gigli.

35

Aldrovandi, Leonardo. "Entre Sciarrino e Berio, entre modo e maneira." Música em Perspectiva 4, no. 1 (April 1, 2012). http://dx.doi.org/10.5380/mp.v4i1.26346.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Este trabalho se vale de alguns conceitos da história da arte para refletir sobre uma diferença geral e de ordem estética entre dois dos compositores italianos mais expressivos das últimas décadas, Luciano Berio e Salvatore Sciarrino. Ainda que a distinção entre o maneirismo da estética de Berio e o naturalismo de Sciarrino seja aqui apenas metodológica, há entre ambos um sentido bem diferenciado da experiência musical sobre o qual esta distinção fornece pistas. O método porcomparação global esboçado, inclusive ao remeter anacronicamente a Giotto,Leonardo, Michelangelo, dentre outros, é um instrumento de diferenciação reflexiva,entre muitos possíveis.

36

Henriques, Luís. "Alguns aspetos de transformação musical na Catedral de Évora (Portugal) no Barroco: A produção musical de Pedro Vaz Rego nas primeiras décadas do século XVIII*." Anuario de Historia Regional y de las Fronteras 24, no. 1 (March 1, 2019). http://dx.doi.org/10.18273/revanu.v24n1-2019001.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

A Catedral de Évora foi um importante centro musical português entre os séculos XVI e XIX onde inúmeros compositores ocuparam postos no seu serviço musical produzindo repertório para uso nessa instituição. Enquanto para os séculos XVI e XVII não sobreviveu muito repertório, para as últimas décadas do século XVII e XVIII um número substancial de fontes proporcionam um vislumbre da atividade musical na Catedral, nomeadamente do compositor pedro Vaz Rego. Através de um estudo analítico da sua produção musical focando as caraterísticas de um estilo antigo predominantemente polifónico e do estilo moderno concertado, pretendeu-se identificar algumas particularidades deste compositor. No grupo de obras analisadas percebe-se que Rego foi simultaneamente autor de obras em estilo antigo, mais conservadoras, e de obras que apontam para o que se produzia nas instituições musicais portuguesas, nomeadamente a Patriarcal de Lisboa onde o estilo italiano estava implantado, influenciando-se mutuamente.

37

Virmond, Marcos, and Lenita Nogueira. "Comentarios sobre a vocalitá no período de transição da ópera Italiana." Música em Perspectiva 10, no. 1 (January 9, 2018). http://dx.doi.org/10.5380/mp.v10i1.57346.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

O Período de Transição na ópera italiana do século XIX compreende os anos de 1870 até 1890. As características definidoras deste período são uma rejeição definitiva da forma solita Rossiniana, a construção flexível do drama musical, a rejeição gradual da ópera de números e a adesão ao modelo francês da grande ópera. G. Verdi torna-se recluso, compondo apenas Aida e Otello e uma janela de oportunidade se abre por um breve período e, pelo menos, dois nomes - Amilcare Ponchielli e Antônio Carlos Gomes - aproveitam esta oportunidade para apresentar sua produção. O objetivo deste artigo é descrever brevemente esse período da ópera italiana e discutir uma de suas características, a vocalitá usada pelos compositores deste período relevante para a história da ópera italiana. O drama se torna o ponto principal do canto e as acrobacias vocais tornaram-se sem sentido em oposição aos princípios do bel canto. O compositor mudou sua maneira de escrever, de uma vocalitá ornamental, melismática para uma silábica. Cada palavra, cada sílaba é importante e a compreensão do que os cantores cantaram é agora mais relevante. Assim, o termo vocalitá pode ser entendido como a característica vocal de uma música ou a forma como um compositor usa a voz em sua composição: isto é, a qualidade da música vocal sob um determinado compositor ou período estilístico.

38

Chueke, Isaac F. "Richard Wagner e Francisco Braga: o exemplo de Marabá na obra do compositor brasileiro." Musica Theorica 4, no. 2 (February 18, 2020). http://dx.doi.org/10.52930/mt.v4i2.114.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Através o presente artigo procuramos revisitar alguns dos conceitos inerentes ao fenômeno wagneriano enquanto simultaneamente examinamos a influência deste pensamento e prática na obra de um compositor brasileiro, Francisco Braga. Neste sentido tiramos partido da pesquisa em profundidade que efetuamos a respeito deste último autor, igualmente regente e professor a partir de 1902 do INM, com a primeira tese sobre este grande personagem nacional, material que encontra-se à disposição para consulta na Maison de la Recherche da Universidade Paris-Sorbonne. Se, como sabemos, o ofício de Wagner se materializa de modo quase exclusivo no campo lírico, não deixamos de perceber entretanto seu legado na estética de uma plêiade de compositores. Domina o cenário musical de sua época de tal forma que poucos conseguem resistir. Braga, bastante marcado pela escola francesa, notadamente tendo sido aluno de Massenet - o fato é conhecido - não deixara entretanto de também experimentar, ao seu modo, algumas das técnicas de Wagner. Quisemos aqui revelar um pouco mais deste período, e se comentamos igualmente, ainda que de modo breve, sua experiência com a produção da ópera Jupira, a estética apresenta-se diferentemente, é que esta bem poderia ser interpretada como uma tentativa do compositor brasileiro de fazer um amálgama das escolas alemã e italiana. Por outro lado, é certamente na expressão sinfônica de Braga que podemos encontrar as “tintas” de um legado wagneriano, através de poemas sinfônicos e música incidental (quando a literatura não deixa de estar presente), e com um colorido que podemos ademais hoje reconhecer como bem nosso, uma linguagem que, se europeia na origem, encontra sua perfeita adaptação nos trópicos.

39

Nono, Luigi. "Escritos sobre Teatro e Música." Dramaturgias 1, no. 2-3 (December 28, 2016). http://dx.doi.org/10.26512/dramaturgias.v1i2-3.8657.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

40

Dias, Gustavo Angelo, and Helena Jank. "A formulação da Favola in musica de Jacopo Peri: uma tradução e estudo do prefácio a Euridice (1600)." Revista Música Hodie 16, no. 1 (September 8, 2016). http://dx.doi.org/10.5216/mh.v16i1.43132.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Neste artigo buscamos tecer uma visão da proposta monódica de Jacopo Peri (1561-1633), compositor italiano pertencente à geração que estabeleceu as bases da monodia acompanhada e do stile rappresentativo, pressupostos essenciais ao desenvolvimento do estilo barroco e do surgimento da ópera. Para tanto, apresentamos uma tradução do primeiro texto a apresentar as características e os propósitos estéticos da monodia acompanhada, o prefácio à ópera Euridice (Florença, 1600), contextualizada por uma abordagem dos aspectos históricos envolvidos no desenvolvimento e na formulação da monodia e da publicação da obra. Buscamos também tecer uma análise dos elementos de performance envolvidos no texto, nos atendo às peculiaridades da pesquisa de Peri e aos ideais buscados pelo autor de retomada de um estilo de canto que, segundo acreditava, teria sido utilizado nas encenações das tragédias na antiguidade. Palavras-chave: Monodia acompanhada; Música barroca italiana; Ópera; Jacopo Peri (1561-1633).

41

Garbulo, Rafael, and Carlos Fiorini. "A relação entre música e texto nos madrigais de Carlo Gesualdo – um estudo sobre seu amadurecimento ao longo da obra." Música em Perspectiva 5, no. 2 (June 11, 2013). http://dx.doi.org/10.5380/mp.v5i2.32317.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

A música do período do Renascimento encontrou no gênero madrigal seu principal meio de desenvolvimento. Através desse gênero de composição as ideias humanistas e a produção poética feita a partir dela influenciaram a escrita musical. Neste contexto, encontramos a obra do compositor italiano Carlo Gesualdo, que teve grande proximidade com poetas e suas obras. No decorrer do desenvolvimento de sua carreira como compositor e por conta do amadurecimento de sua escrita a relação música/texto se estreitou a tal ponto que Gesualdo passou a escrever ele próprio os textos que iriam servir a seus madrigais mais tardios. A proposta deste artigo é entender o processo do desenvolvimento dessa relação entre seus primeiros madrigais até os últimos exemplos.

42

Guérios, Paulo Renato. "O estudo de trajetórias de vida nas Ciências Sociais: trabalhando com as diferenças de escalas." CAMPOS - Revista de Antropologia Social 12, no. 1 (June 30, 2011). http://dx.doi.org/10.5380/cam.v12i1.28562.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Este artigo tem por objetivo discutir criticamente a proposta de estudo de histórias de vida iniciada pela “Escola de Chicago” e retomada por estudiosos franceses a partir da década de 1970. Propõe-se uma metodologia de pesquisa que combine esta tradição com uma atenção à variação de escalas, conforme a proposta dos microhistoriadores italianos. Com base em um estudo da trajetória do compositor brasileiro Heitor Villa-Lobos, argumenta-se que tal metodologia permite complexificar a análise das relações entre os sujeitos cujas trajetórias são enfocadas e sua inserção em diferentes ambientes sociais.

43

Bussotti, Luca Bussotti. "A representação da África na música italiana contemporânea: do após-guerra até hoje." Sociedade e Cultura 20, no. 1 (December 27, 2017). http://dx.doi.org/10.5216/sec.v20i1.51063.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Este artigo visa analisar como a música italiana contemporânea tem representado a África e os Africanos no períodoPós-Segunda Guerra Mundial. Numa primeira fase, a músicaitaliana negligenciou por completo a África nas suas canções,provavelmente por causa do seu passado inglório coloniale fascista. Depois de algumas canções “leves” que, ao longodos anos Sessenta, representaram os Africanos numa maneirafolclórica, alguns compositores comprometidos propuseramuma imagem diferente da África: primeiro, como um mundo longínquo, desejável e “nostálgico”, e depois denunciandoas condições dos imigrados na Itália, sobretudo de origemafricana. Finalmente, um ponto de vista mais interno emergegraças a jovens rappers Ítalo-Africanos (assim como Ítalo-Asiáticos), capazes de “inverter” a perspetiva com que a músicaitaliana tinha olhado até então para África. O artigo serviu-sede uma metodologia qualitativa, baseada na análise de conteúdo das canções e usando algumas entrevistas dos cantorespresentes na esfera pública.

44

Yasoshima, Fabio Stieltjes. "LUZES E FARPAS SOB OS CAMAROTES: ROUSSEAU, RAMEAU E A QUERELA DOS BUFÕES." Orfeu 5, no. 3 (December 16, 2020). http://dx.doi.org/10.5965/2525530405032020103.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

Frequentemente, os inflamados debates estético-musicais que estiveram em pauta na França da segunda metade do século XVIII e que deram origem ao episódio conhecido como Querela dos Bufões foram reduzidos a um curioso anedotário ou a uma guerra panfletária produzida tão somente pelos humores de seus aguerridos combatentes, os quais, postados sob os camarotes reais e divididos em defensores da tradição musical francesa e entusiastas da música italiana, disparavam críticas mútuas, sob a forma de panfletos, a exemplo das farpas lançadas por Jean-Jacques Rousseau, filósofo e músico autodidata, contra os partidários da música francesa e, especialmente, contra seu arqui-inimigo na cena musical da Ilustração, o renomado compositor e teórico da música Jean-Philippe Rameau. No presente artigo, para além da reconstituição histórica da famosa Guerra dos Bufões, procedemos à análise dos próprios argumentos apresentados por Rousseau em sua ardorosa, porém articulada defesa da ópera italiana em contraposição à ópera versalhesa, tais como aqueles expostos em sua Carta sobre a música francesa.

45

Estebaranz, Ángel J., and Lucía Pérez García. "Influencias de la música para western de Dimitri Tiomkin en el spaghetti western." UCOARTE. Revista de Teoría e Historia del Arte, December 2, 2015, 93–112. http://dx.doi.org/10.21071/ucoarte.v4i0.9481.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

La música del spaghetti western tiene una fuerte personalidad, conformada por ciertos elementos intrínsecos al momento de su creación y al género. Su principal representante es el compositor italiano Ennio Morricone. Ante la decadencia del western americano en la década de 1960, algunos de sus rasgos formales y musicales resultaron revolucionarios. Ello se debió al abandono de la tendencia dominante, impuesta por los norteamericanos Elmer Bernstein y Jerome Moross. Pero un análisis profundo de la historia de la música del western revela que algunos elementos considerados novedosos ya se daban en el western americano de los años 50, concretamente en las composiciones de Dimitri Tiomkin. Al estudio de estos aspectos está dedicado el presente trabajo, donde se aportan los precedentes americanos y algunos ejemplos de su utilización en Italia.

46

Kryazheva, Irina. "Ópera italiana en San Petersburgo (siglo XVIII). Características de las óperas de Vicente Martín y Soler en el escenario teatral ruso." Memoria y Civilización 23 (July 9, 2020). http://dx.doi.org/10.15581/001.23.026.

Повний текст джерела

Стилі APA, Harvard, Vancouver, ISO та ін.

Анотація:

El artículo analiza las tendencias más importantes en el desarrollo de la música de la corte rusa del siglo XVIII. La época de las reformas de Pedro I creó las condiciones más favorables para que la música europea hiciera su entrada en la corte rusa y en la cultura urbana. Dominar los géneros y las formas de la música europea (italiana, francesa, alemana) y combinarlos con las tradiciones musicales nacionales es el principal vector de desarrollo de la cultura rusa del Setecientos. Durante el reinado de Catalina la Grande, estas tendencias se manifiestan en las obras del español Vicente Martín y Soler. Las características estilísticas de género de las llamadas «óperas rusas» del compositor, asociadas con la parodia de motivos y tramas de géneros épicos, se someten a un análisis más detallado, pues los rasgos estilísticos de la ópera seria también están sujetos a una reinterpretación cómica.

Статті в журналах з теми "Compositores italianos"

Оформте джерело за APA, MLA, Chicago, Harvard та іншими стилями